INTRODUCCIÓN

El arte griego se prolonga desde los siglos ІХ a ІІ ac, pasando por distintos
períodos de transformaciones y cambios. Estos períodos son: Geométrico
siglo ІХ-VІІІ, Orientalizante fines del siglo VІІІ y comienzos del siglo VІІ, Arcaico
siglos VІІ-VІ, Severo fines del siglo VІ-V, Clásico siglos V-ІV, Helenístico siglos
ІV-ІІ., actualmente se manejan más los periodos arcaico, clásico y helenístico.

Cada uno de estos períodos se destaca por una manifestación en particular, el

período geométrico está enmarcado por el estilo que presentan las cerámicas,
como por ejemplo las representaciones de animales en estas. El período
orientalizante fue denominado así, por el contacto que los griegos tuvieron con
otros pueblos orientales, logrando de esa forma obtener otros materiales como
marfil. El período arcaico es uno de los más resaltantes ya que la polis griega
comienza a expandirse y también en lo referente a las creaciones artísticas se
construye por ejemplo los santuarios de Delfos y Olimpia. El período severo
puede definirse como una transición entre el periodo arcaico y el clásico y
refiere al estilo que combino variadas formas de manifestar el arte, por ejemplo
las esculturas de bronce en bulto redondo, las estelas, etc. El período clásico
entiende como gran manifestación la decoración escultórica del templo de Zeus
en Olimpia y el Partenón de la Acrópolis en Atenas, en cuanto al material usado
se destino el mármol y el bronce, destacándose escultores importantes como
Mirón, Fidias y Policleto se caracteriza por el antropocentrismo y la visión
racional del mundo. El período helenístico está enmarcado por el aumento de
teatros y jardines públicos, los edificios se crearon entorno a la Acrópolis, para
la creación de estos edificios se aprovechó el terreno natural que ofrecía el
lugar, en cuanto a las esculturas se comienza a introducir las expresiones de
sentimientos.

El arte griego se manifiesta en pintura, escultura y arquitectura, hoy en día solo

quedan copias de algunas esculturas y las ruinas de algunos templos aunque
también han sido reconstruidas como por ejemplo el templo de Atenea Niké

Para los artistas griegos era importante destacar el ideal de belleza, donde se
buscaba la perfección, el equilibrio y la armonía, como lo veremos en las
diferentes esculturas. Dichos artistas parten de lo dado: el cuerpo humano, las
formas naturales.
Muchas de estas creaciones artísticas traen consigo una carga mitológica,
siendo ellas una forma de ver y concebir el mundo, como por ejemplo la
creación de los templos y de diferentes esculturas como las que analizaremos.

KOUROS DE ANAVYSSOS, CRESO.

Esta escultura es una estatua funeraria elaborada para la tumba de un joven

guerrero llamado Creso, se cree que puede representar la imagen de un joven
atleta o del dios Apolo.
Es una cultura de bulto redondo es decir que no se encuentra colocada en
ninguna pared, presenta el cuerpo desnudo de un hombre y características
como frontalismo, es decir toda la escultura esta de frente, hieratismo, es decir
que la posición de los brazos y las piernas marca la rigidez, presenta el pie
izquierdo con un paso más delante que el derecho. Se puede apreciar que el
cuerpo está dividido por una línea simétrica, lo cual nos indica que su autor
quiso hacer visible la perfección de ese cuerpo al cual se le añaden las líneas
que marcan los músculos, exaltando la belleza natural. Su rostro no muestra
expresividad más que una pequeña y muy poco pronunciada sonrisa arcaica.

Las esculturas de los dioses sonríen intemporalmente como si estuviesen

satisfechos de ellos mismos, mientras que los cuerpos se ofrecen a la
desinteresada contemplación de quien nada esconde, están expuestos para
observarlos y contemplarlos, el tiempo está ahí, marcando un presente
interminable, lo que nos indica la exaltación de la permanencia, siendo la
estatuaria arcaica en su mayoría de carácter religioso

Estas esculturas marcan lo que decían los textos Homéricos, el dios está
presente allí lo está mirando todo, no mira desde afuera desde otro mundo sino
esa cercanía lo queda pleno sentido a la colectividad cotidiana, los dioses
griegos se conciben a imagen y semejanza del hombre, tienen pasiones y
sentimientos de hombre y también tienen forma humana, aunque en este
periodo no se demuestran en sus rostros dichas pasiones, como si sucederá
más adelante.

En toda la escultura del Kurós se puede ver la perfección, exaltando el ideal de

belleza, destacado en la talladura de la estatua, resaltando la naturaleza del
cuerpo, como por ejemplo presenta el tórax ancho en comparación con su
abdomen reducido, lo que le genera la armonía de un cuerpo perfecto.

″….La escultura creada por el arcaísmo tiene una composición aditiva, es decir
la relación entre unas partes y otras marca la contigüidad, el cabello es
adosado como un casquete adosado al cráneo ovalado y en el rostro rige el
mismo principio lo que da lugar a una verdadera composición″

Kurós de Anavyssos.

Lugar donde se encontró: Anavisos

Fechado: 525 ac período arcaico

Material: mármol
Altura: 1.94 cm

Ubicación: Museo arqueológico nacional, Atenas.

Autor: desconocido

DORÍFORO

Es una escultura del periodo, clásico representa a un joven atleta el que porta
una lanza, fue elaborada por Policleto quien basado en las ideas de Pitágoras
creo en sistema de proporciones y el canon de belleza el cual supone que el
cuerpo debe ser 7 veces la cabeza, y a su vez el rostro se sebe dividir en
partes iguales entre: la frente, la zona que está entre la frente y la nariz y la
zona que va desde la nariz hasta el mentón, el pie debe ser tres veces la palma
de su mano, el pliegue de la ingle y el arco torácico deben formar un mismo
círculo, la pierna desde el pie a la rodilla deberá medir seis palmos esta misma
medida deberá estar entre la rodilla y el abdomen.

El doríforo marca el ideal antropológico de los griegos en periodo clásico, el

hombre en un equilibrio perfecto entre vigor físico e inteligencia, destreza y
voluntad, es por ello que el canon permite esa armonía como la anterior es una
escultura de bulto redondo realizada por técnica de esculpido.

Su rostro muestra serenidad, se destacan las líneas de la cadera y de la

cintura, su postura indica que está avanzando una pierna se apoya y la otra
solo apoya la punta de los pies, una rodilla esta flexionada ya que indica
movimiento y la otra permanece rígida. Su brazo derecho no muestra rigidez
sino que se presenta relajado mientras que el izquierdo se dobla para sostener
la lanza, su rostro está mirando hacia la derecha pero con cierta inclinación lo
que nos aleja de la rigidez absoluta. La relación entre los miembros que están
tensos y relajados forma lo que se denomina contraposto.

″La utilización del canon no responde a la necesidad instrumental de contar

con un esquema para representar algo sino que revela la intima estructura de
la estatua. ”Su composición está organizada de forma natural con las medidas
que ofrece el propio cuerpo participa del cosmos donde la razón, el logos
atraviesan el destino de todas las cosas.

Al observar el doríforo se encuentran muchos y pequeños detalles que hacen a

la belleza la cual para los griegos se traduce en proporción. En el período
clásico como se puede apreciar en el Doríforo se originan cambios en las
esculturas con respecto al periodo arcaico aunque no se da un cambio brusco
sino que se toman como “modelos” las esculturas arcaicas para llenarlas de
vida sin perder de vista el equilibrio y la armonía de la escultura, si bien el
Kurós de Anavyssos presentaba una línea simétrica que dividía su cuerpo en
partes iguales y lograba una armonía, el doriforo presenta una línea vertical en
la cual los miembro se disponen algunos tensos otros relajados para lograr la
armonía y perfección además de resaltar la destreza y la juventud la cual esta
expresada en las líneas de sus músculos en todo el cuerpo.

Las estatuas griegas como los edificios nacieron para honrar a los dioses los
únicos en merecer tantos esfuerzos, los cuales según la mitología griega tienen
forma humana, “en cuanto el hombre es la medida de todas las cosas; de las
que son en cuanto son y de las que no son, en cuanto no son″. (Sofista
Protágoras 490- 421ac. aproximadamente).

Lugar de encuentro: villa Pompeyana

Fechado: año 445 ac periodo clásico

Material original: bronce, copia en mármol

Altura: 1.99 cm

Ubicación: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Autor: Policleto

BRONCE DE RIACE, A

Esta escultura refiere a una de las dos encontradas en 1972 en las cercanías
de la playa de Riace, por un turista. Los bronces se identificaron como bronce
Ay B.

El bronce A se lo denomino el joven, es una estatua de cuerpo desnudo, la cual

tiene un brillo más pronunciado que el bronce B, siendo el joven más antiguo
en su creación, se cree que el bronce A representa a un héroe de la mitología
griega, algún personaje épico por su postura la cual demuestra un carácter
orgulloso y desafiante, entre los cuales se postularon Agamenón o Tideo

Este joven según hipótesis estaría armado con un escudo y con una lanza en
su brazo derecha. La posición del nos indica que está presente el contraposto
que indicaba Policleto, hay una parte del cuerpo tensa y otra no originando la
perfección. Parece haber un conocimiento muy cercan de la figura humana ya
que la pronunciación de los músculos es perfecta, además se marcan su
venas, tendones y otras pastes del cuerpo humano.

No presenta hieratismo como el Kurós de Anavyssos, se muestra la diferencia

del estilo arcaico y generando cambios en la escultura.
Se encuentran características similares a la del doríforo, una pierna que se
apoya y la otra se flexiona logrando un equilibrio, por lo cual la cabeza se
inclina en dirección contraria a la pierna sugiriendo la sensación de movimiento.

El eje simétrico estricto no aparece sino que invita al observador a seguir el

movimiento.

Presenta rasgos bien definidos, como por ejemplo los pómulos o los labios a
los cuales se les destino el empleo de plata para su dentadura, cobre en los
labios y marfil destinado a las orbitas de los ojos.

Como se menciono anteriormente también el bronce a invita a admirar su

perfección, la cual está en cada detalle pero que también hace a la totalidad y
es por ello que el observador al mirarlo aprecia el orden, no hay caos, hay
equilibrio, belleza, juventud, destreza., con lo cual se acentúa uno de los
axiomas del pensamiento griego, un ideal de mente equilibrada, sin excesos,
siendo las esculturas un reflejo de esto.

Existe una tímida movilidad que produce notables resultados en la

composición global, sin dejar de ser una una escultura estructural, cada parte
hace al todo y el todo también es esa parte. Existen dudas sobre el autor de la
obra algunos postulan a Fidias o a Miron ya que las esculturas refieren al
periodo clásico y presentan características de dicho período.

La técnica que se utilizó para realizar estas esculturas es denominada cera

perdida, primeramente se construye la figura deseada en barro y luego se
recubre con cera que a su vez era recubierta por otra capa de barro, luego se
vertía el metal fundido (bronce) por la parte superior por lo que la cera salía por
los orificios inferiores, luego de secado se rompía la capa de barro dando lugar
al bronce final. Se documentó el método griego, de contemplar las esculturas
con detalles fundidos por separado, para facilitar el efecto de relieve como por
ejemplo bucles de cabello, orejas, párpados.

En cuanto a la restauración esta se logró para los dos bronces, fueron enviados
a Florencia y se comenzó a trabajar en enero de 1975 hasta 1980, se utilizaron
diversas técnicas siendo primero la limpieza donde se utilizaron elementos
especiales para no dañar las estatuas.

Lugar donde se encontró: playa de Riace

Fecha: siglo v ac período clásico

Material: bronce

Altura: 1.98cm
Ubicación: Museo Nacional de Regio Calabria

Autor: desconocido

LACOONTE Y SUS HIJOS

Esta obra fue descubierta en 1506 en la zona cercana de Santa María la

Mayor, se conocía de su existencia pero no se sabía de su ubicación por lo
que se lo creía perdido.

Esta obra de origen griego pertenece al siglo ІІ ac. es realizada en su totalidad

en mármol blanco y representa la muerte del sacerdote Lacoonte junto a sus
hijos.

Es una escultura de gran tamaño de bulto redondo, la cual es naturalista,

expresionista muestra tensión y movimiento siendo de carácter mitológico,
con un gran valor simbólico. En ella se puede apreciar los cambios dados en el
arte , comenzamos observando el hieratismo, (kurós de Anavyssos), y el eje
simétrico que dividía a la figura en partes iguales, una pequeña sonrisa arcaica,
la cual no demostraba pasiones ni sentimientos, luego se observó el canon de
belleza, con un sistema de proporciones perfecto el cual daba origen a la
admiración de las esculturas, en este caso presenta diferencias, se puede
apreciar que la obra representa no solo a un individuo sino tres lo cual se
agregan para contar una escena, por lo que el observador al contemplarla
puede darse cuenta de que esta escultura nos está narrando algo lo cual nos
lleva a un tiempo y un lugar determinado, es decir la obra está dentro de su
contexto.

Como decía Nelson Goodman″ las obras de arte son formas de interpretación
y generación de mundos, son mediadores de conocimiento y productoras de
significados”. En este sentido la obra nos está narrando la forma en que
concebían el mundo los griegos, en que creían y como lo Vivian.
La obra muestra rasgos que nos dan cuenta del sufrimiento, lo vemos en sus
rostros, expresa un sentimiento, el Lacoonte personaje principal el cual se
ubica en el medio, tiene una postura semisedente parece estar en un asiento
del que le cuelga cierto ropaje, la pierna derecha esta doblada y la izquierda
de forma estirada la cual contribuye a la expresión total.

Se destacan el cuerpo tallado en el que se pronunciar sus músculos, muestra

el cuerpo perfecto de un atleta maduro, en cuanto a sus hijos sus cuerpos no
están tan pronunciados, por lo que genera un contraste en la obra.
Aparece un desequilibrio compositivo ya que Lacoonte presenta de cierta
forma la verticalidad dada por su cabeza, pero se rompe con las figuras sus
hijos las cuales parecen estar en movimiento.

Se puede apreciar la tensión de toda la obra, los movimientos dados por la

piernas, brazos sus rostros y las serpientes que se envuelven apretándolos,
cierran el entramado del significado de la obra.

Esta escultura tiene una carga mitológica muy importante ya que simboliza la
muerte del Lacoonte, según la mitología este era un sacerdote troyano del dios
Apolo el cual no quiso aceptar el caballo de Troya regalo de los griegos como
ofrenda a la diosa Atenea porque se dio cuenta que era un engaño y que
dentro de él estaban los soldados que saquearían la cuidad. Frente a esto
Lacoonte arrojó su lanza contra el caballo, ese gesto provocó el enojo de
Atenea siendo esta quien envió dos serpientes del mar para que mataran a
Lacoonte y sus hijos.

Esta escultura a pesar de introducir cambios no se aleja del principal objetivo

del arte griego que es remarcar la belleza natural, el cuerpo perfecto, el orden,
la armonía y el equilibrio. En esta obra no solo se resaltan estos aspectos sino
también nos introduce dentro de la mitología griega, mostrándonos
especialmente el poder de los dioses sobre los humanos.

Una vez más el ideal de belleza está presente, la anatomía humana conquista
la mirada del observador, logrando una escultura satisfactoria, que según el
arte griego debería tener un aspecto completamente humano, sin ninguno de
aquellos pequeños e inevitables defectos que todo ser humano posee.

Es necesario eliminar todo lo que es individual, accesorio, accidental para

remontarse de las formas de los hombres a la forma de la humanidad.

Lugar donde se encontró: Santa María la Mayor.

Fecha: siglo ІІ ac período Helenístico.

Material: mármol

Altura: 2,45mt

Ubicación: Museo Pio Clementino. Ciudad del Vaticano.

Autores: Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas

Trabajo de investigación y análisis:
la escultura griega

Sthefanie Plácido

1 e historia IPA

Historia del arte

2/10/2013
Propuesta de evaluación para 5to artístico

En base al tema tratado en clase: La escultura griega, debe analizar la obra del
Lacoonte y sus hijos. Enfoque su trabajo al análisis del las características de la
escultura griega, al simbolismo y mitología de dicha obra, puede apoyarse en
las asignaturas biología, matemática y filosofía para lograr un trabajo
multidisciplinar

Perteneciendo a períodos y autores distintos encuentra similitudes y diferencias

entre la escultura del Lacoonte y la escultura del grupo alegórico que
representa el trabajo, ubicada en los jardines del Palacio Legislativo.

Lacoonte y sus hijos El trabajo.

Giannino Castiglioni, 1968

OPCIONAL: puede realizar una maqueta del Lacoonte la cual se destinara a

una exposición. El trabajo es domiciliario, se puede realizar en forma grupal
(no más de tres personas) del cual harán una presentación y defensa todos los
integrantes del grupo. El trabajo debe tener un máximo de 5 carillas, no olvide
colocar la biografía utilizada: nombre, autor, editorial.

Fecha de entrega y defensa 25 de octubre.

Bibliografía

-Historia general del arte, “escultura griega″, ediciones Del Prado

-Introducción general al arte, editorial Istmo

- Sofistas, “testimonios y fragmentos″, editorial Planeta De Agostini.

-Repartido № 27 “escultura griega”, Prof. Varios

-Repartido № 41“historia del arte I″, Prof. Carballido

-Repartido № 41“ La arquitectura occidental″, Prof. Carballido