TERCER SEMESTRE

1
Colegio de Bachilleres de Tabasco
MTRO. ERASMO MARTÍNEZ RODRÍGUEZ
Director General

C.P. SONIA LÓPEZ IZQUIERDO

Directora Académica

DRA. GISELLE OLIVARES MORALES

Subdirectora Académica

DOCTOR JOSÉ LUIS MADRIGAL ELISEO

Subdirector de Servicios Educativos

LIC. CESAR EMILIO CORROY LANDERO

Jefe del departamento de Bibliotecas.

PARAESCOLAR: Actividades Artístico-Culturales I

Edición: Febrero de 2021
En la realización del presente material, participaron:
• Lic. Cruz Ramos Vanessa DIRECCIÓN ACÁDEMICA ASESORA EXPERTA
• Mtra. Acosta Méndez Reina Isabel Plantel 25
• Lic. Alberto Sánchez Roberto Plantel 06
Lic. González Morgan Bertha del
Plantel 28
Carmen
• Lic. López de Dios Patricia Elizabeth Plantel 01
• Lic. Mendoza Salazar Víctor Manuel Plantel 42
• Lic. Oliva Domínguez José Alixio Plantel 06
• Uc Hernández Adira Itzel Plantel 26

Este material fue elaborado bajo la coordinación y supervisión de la

Dirección Académica del Colegio de Bachilleres del Estado de Tabasco
www.cobatab.edu.mx

2
Contenido
Presentación ............................................................................................................................. 5
Competencias Genéricas ...................................................................................................... 6
Enfoque de la Disciplina ........................................................................................................ 9
Ubicación de la Asignatura ................................................................................................. 10
Relación de los Contenidos con los Aprendizajes Claves......................................... 10
¡Bienvenido(a) al ciclo escolar! ......................................................................................... 13
Construye T ............................................................................................................................. 14
Tema 1. Concepto de dibujo Artístico. ............................................................................ 19
Tema 1.1. Antecedentes. ................................................................................................... 20
Tema 2. Elementos compositivos del Dibujo Artístico. .............................................. 23
A) Elementos conceptuales: punto, línea, plano, volumen. ............................. 23
B) Elementos visuales: textura, color, forma, figura y tamaño............................. 24
C) Elementos de relación: espacio, equilibrio y proporción. ................................ 26
Tema 3. Concepto de claroscuro. ...................................................................................... 31
Materiales para dibujar: tipos de lápices, papel y gomas. ..................................... 33
3.1. Técnicas de aplicación del claroscuro. ............................................................... 38
BLOQUE I. LISTA DE COTEJO ........................................................................................... 53
¡BIENVENIDOS AL BLOQUE II! .......................................................................................... 57
Lección Construye T............................................................................................................. 57
Tema 1. Concepto de Pintura. ............................................................................................ 60
Tema 2. Movimientos pictóricos del siglo XIX y XX. .................................................... 61
MOVIMIENTOS PICTÓRICOS SIGLO XIX..................................................................... 63
MOVIMIENTOS PICTÓRICOS SIGLO XX ...................................................................... 66
BLOQUE II. LISTA DE COTEJO .......................................................................................... 74
Tema 3. Técnicas pictóricas. .............................................................................................. 75
3.1. Técnicas secas. .............................................................................................................. 75
A. Grafito ..................................................................................................................... 76
B. Carboncillo ............................................................................................................ 78
C. Lápices de colores .............................................................................................. 81
D. Rotuladores........................................................................................................... 87
E. Ceras ....................................................................................................................... 91
F. Pastel ...................................................................................................................... 95

3
 3.2. Técnicas húmedas. ................................................................................................... 99
A. Técnica de acuarela. ........................................................................................... 99
B. Técnica Acrílica ................................................................................................. 106
C. Técnica al Óleo .................................................................................................. 109
D. Fresco ................................................................................................................... 111
Tema 4. Percepción, imaginación y creatividad en la pintura. ............................... 114
BLOQUE II. LISTA DE COTEJO ........................................................................................ 121
Bibliografía ............................................................................................................................ 123

4
 Presentación
El Arte es un medio de expresión que forma parte esencial en la vida cotidiana del ser
humano, desde la forma de respirar, prepararnos para ir al colegio, entrar al aula de
clases, saludar, escribir, entre otros ejemplos, en la que se toman ciertas conductas
obtenidas que parten de experiencias y del entorno en el que nos desarrollamos. A
través de la historia podemos analizar que el ser humano ha manifestado sus ideas,
emociones, pensamientos y sentimientos mediante ciertos códigos que permiten
establecer comunicación con el entorno social y que influyen en el desarrollo individual;
actualmente podemos identificar y manifestar percepciones personales mediante las
diversas disciplinas artísticas existentes en el mundo.

Las Actividades Artístico Culturales están estructuradas tomando en consideración las

cuatro áreas artísticas, que te permitirá conocer la esencia de cada una de ellas,
experimentar técnicas y procesos vinculados con la percepción de la naturaleza,
permitiendo plasmar conscientemente una temática en un lienzo, manifestarlo con
música, con expresión corporal o en una representación teatral de manera lúdica y
colaborativa que permita construir tus propios códigos para que sean útiles a lo largo de
la vida, valorando las prácticas relacionadas con el Arte y participando en las
manifestaciones artísticas de tu comunidad.
La presente guía de Actividades Artístico Culturales III es una herramienta útil que te
permitirá conocer y experimentar el área de Artes Plásticas de manera específica,
abordando las disciplinas de Dibujo Artístico y Pintura con actividades teórico prácticas,
así como actividades de reforzamiento que te permitirá obtener los conocimientos
necesarios para el logro de aprendizajes significativos y el desempeño de Competencias
Genéricas establecidos en el Marco Curricular Común. Un enfoque basado en
competencias te permitirá el desarrollo de habilidades, destrezas y actitudes que
indudablemente contribuirán con tu formación integral.

5
 Competencias Genéricas

Se autodetermina y cuida de sí.

1. Se conoce y valora a sí mismo y aborda problemas y retos teniendo en cuenta los objetivos que persigue.

CG1.1 Enfrenta las dificultades que se le presentan y es consciente de sus valores, fortalezas y
debilidades.
CG1.2 Identifica sus emociones, las maneja de manera constructiva y reconoce la necesidad de
solicitar apoyo ante una situación que lo rebase.
CG1.3 Elige alternativas y cursos de acción con base en criterios sustentados y en el marco de un
proyecto de vida.
CG1.4 Analiza críticamente los factores que influyen en su toma de decisiones.
CG1.5 Asume las consecuencias de sus comportamientos y decisiones.
CG1.6 Administra los recursos disponibles teniendo en cuenta las restricciones para el logro de
sus metas.

2. Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos géneros.

CG2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y
emociones.
CG2.2 Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la comunicación
entre individuos y culturas en el tiempo y el espacio, a la vez que desarrolla un sentido de
identidad.
CG2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte.

3. Elige y practica estilos de vida saludables.

CG3.1 Reconoce la actividad física como un medio para su desarrollo físico, mental y social.
CG3.2 Toma decisiones a partir de la valoración de las consecuencias de distintos hábitos de
consumo y conductas de riesgo.
CG3.3 Cultiva relaciones interpersonales que contribuyen a su desarrollo humano y el de quienes
lo rodean.

Se expresa y comunica.

4. Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de

medios, códigos y herramientas apropiados.
CG4.1 Expresa ideas y conceptos mediante representaciones lingüísticas, matemáticas o
gráficas.
CG4.2 Aplica distintas estrategias comunicativas según quienes sean sus interlocutores, el
contexto en el que se encuentra y los objetivos que persigue.
CG4.3 Identifica las ideas clave en un texto o discurso oral e infiere conclusiones a partir de ellas.
CG4.4 Se comunica en una segunda lengua en situaciones cotidianas.
CG4.5 Maneja las tecnologías de la información y la comunicación para obtener información
y expresar ideas.

6
 Piensa crítica y reflexivamente.

5. Desarrolla innovaciones y propone soluciones a problemas a partir de métodos establecidos. CG5.1

Sigue instrucciones y procedimientos de manera reflexiva, comprendiendo como cada uno de sus pasos
contribuye al alcance de un objetivo.
CG5.2 Ordena información de acuerdo a categorías, jerarquías y relaciones.
CG5.3 Identifica los sistemas y reglas o principios medulares que subyacen a una serie de
fenómenos.
CG5.4 Construye hipótesis y diseña y aplica modelos para probar su validez.
CG5.5 Sintetiza evidencias obtenidas mediante la experimentación para producir conclusiones
y formular nuevas preguntas.
CG5.6 Utiliza las tecnologías de la información y comunicación para procesar e interpretar
información.

6. Sustenta una postura personal sobre temas de interés y relevancia general, considerando otros puntos
de vista de manera crítica y reflexiva.
CG6.1 Elige las fuentes de información más relevantes para un propósito específico y discrimina
entre ellas de acuerdo a su relevancia y confiabilidad.
CG6.2 Evalúa argumentos y opiniones e identifica prejuicios y falacias.
CG6.3 Reconoce los propios prejuicios, modifica sus puntos de vista al conocer nuevas
evidencias, e integra nuevos conocimientos y perspectivas al acervo con el que cuenta.
CG6.4 Estructura ideas y argumentos de manera clara, coherente y sintética.

Aprende de forma autónoma.

7. Aprende por iniciativa e interés propio a lo largo de la vida.

CG7.1 Define metas y da seguimiento a sus procesos de construcción de conocimiento.
CG7.2 Identifica las actividades que le resultan de menor y mayor interés y dificultad,
reconociendo y controlando sus reacciones frente a retos y obstáculos.
CG7.3 Articula saberes de diversos campos y establece relaciones entre ellos y su vida cotidiana.

Trabaja en forma colaborativa.

8. Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos.

CG8.1 Propone maneras de solucionar un problema o desarrollar un proyecto en equipo,
definiendo un curso de acción con pasos específicos.
CG8.2 Aporta puntos de vista con apertura y considera los de otras personas de manera
reflexiva.
CG8.3 Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y habilidades con los
que cuenta dentro de distintos equipos de trabajo.

7
 Participa con responsabilidad en la sociedad.

9. Participa con una conciencia cívica y ética en la vida de su comunidad, región, México y el mundo.
CG9.1 Privilegia el diálogo como mecanismo para la solución de conflictos.
CG9.2 Toma decisiones a fin de contribuir a la equidad, bienestar y desarrollo democrático de
la sociedad.
CG9.3 Conoce sus derechos y obligaciones como mexicano y miembro de distintas
comunidades e instituciones, y reconoce el valor de la participación como herramienta para
ejercerlos.
CG9.4 Contribuye a alcanzar un equilibrio entre el interés y bienestar individual y el interés
general de la sociedad.
CG9.5 Actúa de manera propositiva frente a fenómenos de la sociedad y se mantiene
informado. CG9.6 Advierte que los fenómenos que se desarrollan en los ámbitos local,
nacional e internacional ocurren dentro de un contexto global interdependiente.

10.Mantiene una actitud respetuosa hacia la interculturalidad y la diversidad de creencias, valores, ideas
y prácticas sociales.
CG10.1 Reconoce que la diversidad tiene lugar en un espacio democrático de igualdad de
dignidad y derechos de todas las personas, y rechaza toda forma de discriminación.
CG10.2 Dialoga y aprende de personas con distintos puntos de vista y tradiciones culturales
mediante la ubicación de sus propias circunstancias en un contexto más amplio.
CG10.3 Asume que el respeto de las diferencias es el principio de integración y convivencia en
los contextos local, nacional e internacional.

11.Contribuye al desarrollo sustentable de manera crítica, con acciones responsables. CG11.1 Asume
una actitud que favorece la solución de problemas ambientales en los ámbitos local, nacional e
internacional.
CG11.2 Reconoce y comprende las implicaciones biológicas, económicas, políticas y sociales
del daño ambiental en un contexto global interdependiente.
CG11.3 Contribuye al alcance de un equilibrio entre los intereses de corto y largo plazo con
relación al ambiente.

8
Enfoque de la Disciplina
El presente programa corresponde a la asignatura de Actividades Artístico-
Culturales III, es el tercero de los seis que forman parte del campo de Paraescolares.
La Educación Media Superior busca desarrollar en los estudiantes una educación
integral, por lo que este programa coadyuva de manera transversal al logro de este
objetivo.
La asignatura de Actividades Artístico-Culturales III tiene la finalidad de brindar a los
alumnos los referentes esenciales de los lenguajes del Arte que les permitan
comprender el entorno artístico y cultural que los rodea al participar en experiencias
de apreciación, expresión y reflexión del Dibujo Artístico y la Pintura como
disciplinas implícitas en las Artes Plásticas.
Para lograr que realmente se movilice en la escuela los conocimientos, habilidades
y actitudes relacionados con el estudio del Arte, es importante que los alumnos
interactúen en experiencias que favorezcan tanto la apreciación de producciones
artísticas como la expresión creativa y personal de lo que cada alumno siente,
piensa, imagina e inventa. La finalidad es que los alumnos empleen
intencionalmente el lenguaje de una disciplina artística para expresarse y
comunicarse de manera personal, para establecer relaciones entre los elementos
simbólicos que constituyen una manifestación propia y colectiva con base en el arte
para emitir juicios críticos desde una perspectiva que conjugue lo estético, lo social
y lo cultural.
Asimismo, mediante la práctica de las artes se busca fortalecer la autoestima para
valorar y respetar las diferencias y expresiones artístico-culturales –tanto
personales como comunitarias– que les ayuden a comprender e interpretar el
mundo y a apropiarse de él de manera sensible.

9
 Ubicación de la Asignatura
1er Semestre 2do Semestre 3er Semestre 4to Semestre 5to Semestre 6to Semestre
Actividades Actividades Actividades Actividades Actividades Actividades
deportivas deportivas deportivas deportivas deportivas deportivas
recreativas I recreativas II recreativas III recreativas IV recreativas V recreativas VI
Actividades Actividades Actividades Actividades Actividades Actividades
Artístico Artístico Artístico Artístico Artístico Artístico
Culturales I Culturales II Culturales III Culturales IV Culturales V Culturales VI
Orientación Orientación Orientación Orientación Orientación Orientación
Educativa I Educativa II Educativa III Educativa IV Educativa V Educativa VI

Relación de los Contenidos con los Aprendizajes Claves

Campo Disciplinar: Arte y Cultura

EJE COMPONENTE CONTENIDO CENTRAL BLOQUE

Apreciación y Artes Plásticas Dibujo Artístico I
expresión artística Pintura II

10
 BLOQUE I.
FUNDAMENTOS DEL DIBUJO ARTÍSTICO

Fundamentos del Dibujo Artístico. Castro M. (2020). [imagen]. Recuperado de

https://doku.pub/download/fundamentos-del-dibujo-artisticopdf-5lwovergr2qj 11
 Situación Didáctica

“Transformando mi mundo a través del papel”.

Contexto
Diego es un chico muy enérgico al que le fascina dibujar todo lo que observa en el
mundo que le rodea. Traza líneas precisas, pero algunos elementos de su
boceto salen desproporcionados, además de que se le dificulta muy a menudo
representar la luz que se proyecta en los objetos para darles efecto 3D. Su primo
José muy apasionado por las matemáticas y la ciencia, le comenta que puede
apoyarse de las figuras geométricas y la observación para mejorar sus bocetos y si
quiere aprender más acerca del tema, puede consultar con la maestra Raquel de
la asignatura de Artes Plásticas, ya que en el ciclo anterior
les impartió clases y analizaron los conceptos generales de artes plásticas en la
que mencionó que en el nuevo ciclo abordaría los temas de dibujo y pintura, por lo
cual quedaron indudablemente entusiasmados para continuar su aprendizaje en el
área artística.
Conflicto Cognitivo
¿Sabes cómo surge el dibujo como manifestación artística?
¿Cuáles son los elementos básicos para realizar un dibujo?
¿Alguna vez has observado cómo se proyecta la luz y sombra en un objeto?
¿Conoces las diferentes técnicas que puedes aplicar para dar volumen a tus
bocetos?
¿Cuáles son los elementos que te interesaría representar a través de un boceto?

12
SESION 1
¡Bienvenido(a) al ciclo escolar!
Estimado estudiante es un gusto acompañarte a conocer los conceptos y
experiencias artísticas de las Artes Plásticas a través de la presente guía. Para
iniciar te invitamos a tomar nota de los criterios de evaluación y los acuerdos
establecidos junto con el docente, para una sana convivencia en las sesiones de
clase y tenerlo presente en este ciclo escolar. De esta manera desarrollarás tus
conocimientos, habilidades, actitudes y valores artístico- culturales.

CRITERIOS DE EVALUACIÓN:
Bloque I
Participación (actividades de la guía): 20%
Técnicas de claroscuro (ejercicios): 40%
Boceto (elementos compositivos del dibujo Artístico): 40%

Bloque II
Participación (actividades de la guía): 20%
Mapa mental: 40%
Propuesta pictórica: 40%

ACUERDOS DE CONVIVENCIA DURANTE EL CICLO ESCOLAR:

Te invitamos a realizar tu primer actividad Construye T, con la finalidad de promover

el desarrollo de habilidades socioemocionales (HSE). La actividad 1 lleva por título:
Expresión visual: Autorretrato. Para desarrollarla, tendrás la ayuda de tu docente; la
actividad se describe a continuación.
Duración: 50 minutos.

13
Construye T

14
15
16
17
SESION 2
De acuerdo con la actividad construye T realizada en la sesión 1, elaborarás la
actividad final “reflexión sobre lo experimentado” para compartir sus experiencias
(5min).
Para el siguiente ejercicio es importante tu participación individual, por lo que te
invitamos a analizar cuáles son tus conocimientos previos con referencia a los
contenidos de bloque I. Fundamentos del Dibujo Artístico. Posteriormente realizarás
las siguientes actividades del cuadro con las siguientes instrucciones:
A) Lo que sé: anotarás en la columna tus conocimientos previos (bloque I).
B) Lo que quiero aprender: anotarás los contenidos que te gustaría aprender
(expectativas del tema).
C) Lo que aprendí: esta columna se rellenará en la última sesión de clases del
Bloque I como autoevaluación de tus aprendizajes esperados.

Cuadro S-Q-A
Lo que sé Lo que quiero aprender Lo que aprendí

Después de rellenar las dos columnas de tu cuadro, te invitamos a participar en la

plenaria dirigida por tu docente para compartir tus respuestas y reflexionar sobre las
expectativas y alcances del Bloque I.

18
Tema 1. Concepto de dibujo Artístico.
De manera general y de acuerdo con Torres (2018) en su tesis “Interpretación del
claroscuro a lápiz en dibujos de bodegones para el desarrollo de percepción y
expresión visual en el nivel secundario”, se define que:
“El dibujo es el fundamento de las artes plásticas y una herramienta esencial

para la comunicación y la expresión de las ideas artísticas. Es el origen de toda obra

y muy a menudo, también su culminación. Como destreza adquirida, el dibujo ha

sido y continúa siendo la disciplina central del aprendizaje del arte”. (Ubach, 2008).

De acuerdo con la aportación de Torres (2018) consideramos esencial el estudio

del Dibujo Artístico como una forma de expresión y manifestación de: ideas,
sentimientos o emociones de manera libre, espontánea, creativa, considerando
ciertas reglas que guíen el proceso de realización. Y a tí ¿qué te gustaría aprender
a dibujar?.

Sheep, 1951,
Boceto de Gustav
Pablo Picasso,
Klimt.(s.f.).
recuperado
Recuperado de
de https://www.
https://www.ttamay
pinterest.com.
o.com/2020/01/esti
mx/pin/492510
lo-de-gustav-klimt/
909240934677/

“El dibujo es el apunte de algo que se quiere registrar, ya sea de la realidad

o de la imaginación. El hombre dibuja por necesidad y por placer. Por ejemplo, al

escribir o dibujar letras y símbolos para comunicarse, al representar la imagen de

una ciudad o el retrato de una persona a quien quiere recordar”. (Torres, 2018).

19
 Padre pintando. Pablo Picasso (1894-1896). Recuperado de
https://elpais.com/cultura/2017/05/12/actualidad/1494604279_879267.html

Tema 1.1. Antecedentes.

Los primeros dibujos de los cuales existe evidencia es uno de los dibujos en la cueva
de Altamira, en Cantabria España. En las paredes y techos de estas cuevas se
observan diversos dibujos/pinturas con escenas o imágenes de la vida cotidiana de
personas que vivieron en el año 13000 antes de Cristo, aproximadamente. Entre
estas imágenes, se encuentran principalmente dibujos de animales, escenas de
caza, entre otros según el Manual de Dibujo Artístico de Ramonfaur (2009).

Arte rupestre de la Amazonia Colombiana. Recuperado de Cueva de Altamira, recuperado de

https://www.infobae.com/america/colombia/2020/12/08/inve https://www.elespanol.com/cultura/historia/20180924/mundo
stigadores-colombianos-descubrieron-nuevas-pinturas- -penso-descubrimiento-cueva-altamira-
rupestres-de-hace-12-mil-anos-en-chiribiquete/ fraude/340466256_0.html

A partir del Renacimiento el dibujo adquiere una paulatina independencia como

medio de expresión autónoma con sus características propias, alcanzando su

emancipación definitiva en el siglo XIX. El objetivo era dominar las técnicas y

20
procedimientos y adquirir destrezas para un tipo de representación realista basada

en la mimesis o copia (Marín,2003, p. 281). (Torres, 2018).

“El dibujo sigue siendo básicamente el mismo que lo ha sido desde la

prehistoria. Reúne al hombre y al mundo. Vive a través de la magia”. Keith
Haring.

Paloma de la paz con manos entrelazadas III, Pablo Picasso, 1949. Imagen: Tate Gallery. Recuperado de
https://grupenciclopedia.cat/blog/es/paloma-de-la-paz-picasso/

A través de la historia podemos observar que el dibujo siempre ha estado presente

en la vida de la humanidad, desde la prehistoria, hasta nuestros días y ha
evolucionado de acuerdo con la necesidad de expresión. Como recordarás, en la
infancia comenzaste experimentando esta disciplina artística, tomando cualquier
material capaz de plasmar líneas y trazos sin algún conocimiento técnico pero
generados por la inspiración e imaginación, algunas veces sobre papel y otra veces
¡en las paredes!. Y tú ¿qué recuerdos tienes del dibujo en tu infancia?.

21
 Aves y otros animales. Pablo Picasso(s.f.).Recuperado de
https://www.yorokobu.es/picasso-matisse-albers/

Pablo Picasso nos compartió una frase muy importante “todos los niños nacen
artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer”. Posees un talento
auténtico y en este ciclo te invitamos a que mediante los elementos compositivos
del dibujo artístico, continúes experimentando tus habilidades creativas para
expresar tus ideas, pensamientos, sentimientos o emociones mediante la
elaboración de un boceto.

EducArte (2019) Sedeño, Paola. Recuperado de

https://aprendizajeeap.blogspot.com/2019/05/educarte.html

Flores a lápiz. (s.f.) Navarro, Rafael Recuperado

de
https://www.pinterest.ph/pin/83985103048717759
8/
¡El dibujo es parte de nuestra
vida!

22
SESIÓN 3

Tema 2. Elementos compositivos del Dibujo

Artístico.
Los elementos compositivos son la base para el desarrollo de propuestas
artísticas creativas en disciplinas como el dibujo artístico o la pintura. Te invitamos
al estudio de cada una de ellas; se dividen en:
A) Elementos conceptuales.
B) Elementos visuales.
C) Elementos de relación.

A) Elementos conceptuales: punto, línea, plano, volumen.

Punto: Wong (1987) menciona en su libro principio del diseño en color que “En
realidad, un punto tan sólido indica una posición; no debería tener longitud ni
anchura ni cubrir ningún área”.

Línea: Una línea es direccional; tiene longitud, pero no anchura. Divide y circunda
un área. Se encuentra en el borde de una forma. Cuando la anchura está presente,
aparece una forma. (Wong, 1987).

Fundamentos del diseño gráfico.Rosalía Artadi León. Recuperado de

http://intensidadvisual.blogspot.com/2011/07/fundamentos-visuales-elementos-basicos.html

23
Plano: El plano, como elemento plástico, es una superficie construida por medio de
puntos o líneas que posee dos dimensiones: alto y ancho. De acuerdo con
Caeiro (2017) en el manual Descubrir el Arte, menciona que “podemos crear
sensación de profundidad combinando diferentes planos para sugerir una tercera
dimensión, bien cambiando el color o el tamaño”.
Volumen: El volumen es la sensación visual de tres dimensiones: alto, ancho y
profundo. En la pintura, el dibujo y el grabado occidental, se ha trabajado la
sensación de volumen a través del estudio las sombras y luces, así como con la
aplicación de la perspectiva. (Caeiro, 2017). En el presente bloque nos enfocaremos
a ejercicios de aplicación de luces y sombras mediante el claroscuro en soportes
bidimensionales.

B) Elementos visuales: textura, color, forma, figura y tamaño.

En esta sesión se analizarán los elementos visuales, como parte de los elementos
compositivos que influyen en el proceso creativo de un dibujo artístico. Los
elementos visuales son aquellos que se pueden utilizar para crear elementos más
complejos con diferentes características visuales, estos son: textura, color, forma-
figura y tamaño.

Textura: se refiere a la apariencia visual de la superficie de un elemento proyectado.

La textura en el arte bidimensional es una representación abstracta de un patrón,
es una representación plana, sin relieve, que imita el aspecto real de las cosas.
(Gillam, 1970).

24
Color: la percepción del color está asociada con la luz y con el modo en que ésta
se refleja (Wong,1987). El color es un efecto visual que, tal como se menciona en
el bloque II de la guía didáctica de actividades Artístico Culturales segundo
semestre, resulta de las diferencias de percepciones del ojo humano a distintas
longitudes de onda que componen el “espectro”
de la luz.

El color es un elemento fundamental para quien

practique el dibujo o la pintura, mediante el uso
adecuado del mismo podemos representar
elementos figurativos y abstractos, además de
expresar diferentes emociones y sentimientos en
las obras.
Johannes, P. (2013). Teoría del color.
(imagen).

Forma y figura: la forma es el aspecto interno de un objeto, lo que ocupa su

espacio, es la esencia, resultado final de la composición.
… “podemos decir que la forma es aquello que determina el contorno de un
objeto, y el contorno se crea combinando líneas rectas y curvas” (Caeiro, 2017).

Clasificación de las formas planas y variedad de

figuras según Wong (Caeiro, 2017).

La figura es un área delimitada por una línea, la cual tiene contenida a la forma del
elemento. Es el contorno del objeto.
25
Tamaño: se refiere a las dimensiones de los elementos en una composición, si son
grandes, medianos, pequeños, en relación con el formato del dibujo.

Introducción al dibujo artístico. Villegas C.(2012) Recuperado de

https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&url=https://www.unamenlinea.unam.mx/recurso/82345-introduccion-al-
dibujo-artistico&ved=2ahUKEwi_luryptbwAhUDi6wKHY2vCqkQFjAAegQIBRAC&usg=AOvVaw0zV0qdLnCTwyOuj7jmIKKS

Es fundamental definir las dimensiones de los elementos compositivos de un dibujo

en su proceso de elaboración para poder ubicarlos en diferentes posiciones y
proporciones, aplicando elementos de relación que se mencionarán a continuación

C) Elementos de relación: espacio, equilibrio y proporción.

En este apartado identificarás los elementos de relación que te ayudarán a lograr
un equilibrio visual en tu propuesta de dibujo artístico por realizar en las siguientes
sesiones.
Espacio: El Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española define el
espacio como la “extensión que contiene toda la materia existente”. De acuerdo con
este concepto, podemos comprenderlo como el lugar donde se acomodan los
elementos visuales del dibujo artístico, con el objetivo de lograr equilibrio y relación
entre las mismas.
Gallardo (2011) menciona que el espacio es la “Relación entre los objetos.
Sugerencia de profundidad en una superficie bidimensional. Fenómeno psicológico
por el que la figura se destaca del fondo, percibiéndose como distancia indefinida
entre ambos.

26
 En la siguiente sesión conoceremos las diversas técnicas para aplicar profundidad
a una figura, en una superficie bidimensional.

Equilibrio: El equilibrio es el estado de un cuerpo en el cual las fuerzas que operan

sobre él se compensan mutuamente (Villegas, 2011).
Existen diversas formas de lograr el equilibrio en una composición a través de la
armonía de elementos como: el color, las texturas, las formas o figuras.
Gillam (1951) en su libro “Fundamentos del diseño” hace referencia que existen 3
formas de lograr equilibrio las cuales son por simetría: axial, central o radial y oculto.
Es importante señalar que se pueden utilizar de forma individual o conformados en
la misma composición.

Ejemplos De equilibrio según el libro

“Principios del diseño” Wong (1987).

TIPOS DE SIMETRIA

A) Axial B) Central c) Oculto D) Radial

Concurso de pintura 2019. Colegio
de Bachilleres del Estado de
Tabasco. Octubre 2019.
A m/foto-de-archivo-dibujo-
Dibujo artístico de tres Retrato de Vicens Nubiola Simetría de la mandarina.
rosas rojas. Cunill. Joan Miró 1917. Recuperado de:
Recuperado de: Recuperado de: https://plantae.garden/las-
https://es.dreamstime.co https://amp.es.autogrand mandarinas-en-espana-
ad.com/4862752/1/retrato variedades-y-cuidados/
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27
Proporción: La proporción en el dibujo es muy importante ya que esta dará al objeto
representado la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos
que la conforman. (Alvarado,2014).
“Puestos ya a dibujar, el problema de las proporciones empieza en el momento
en que el artista quiere reducir las dimensiones del modelo real a la medida de su
papel de dibujo, guardando y manteniendo las proporciones del conjunto. Pero,
además, ¿A qué escala hay que dibujar para que el modelo no resulte muy grande
ni muy pequeño?. (Parramón, 1985).
Existen métodos muy usados por los artistas para proporcionar sus dibujos. Te
invitamos a que conozcas algunos para apoyarte en la realización de tus trabajos:

A) Encuadrar con cartón negro: “A este respecto

le recomiendo el uso de dos ángulos de cartón
negro, para formar un marco de formato variable
(más o menos rectangular, cuadrado, etc.) con el
que podrá estudiar el mejor encuadre”.
(Parramón, 1985).
B) Método del lápiz: Para ayudarnos a conseguir la
proporción de las formas, podemos utilizar la
longitud de un lápiz. Con el brazo bien extendido, El gran libro del dibujo.
Parramón,1985.
situaremos la punta del lápiz en la parte superior
del objeto que queremos medir y, con el dedo pulgar, señalaremos la parte
inferior o base. La medida así obtenida no sirve para trasladarla al papel,
pero sí para compararla sobre otras partes del objeto y utilizarla como unidad
de medida que tendremos en cuenta para redimensionarla según el tamaño
del papel y la relación figura-fondo. (Galán,2011).
Recuerda que el lápiz que uses debe estar en relación con la mesa donde
están los objetos a dibujar a 90 grados.

28
 “El gran libro del dibujo”.Parramón.1985. Cómo dibujar bien: secretos de proporciones y medidas.(s.f.).

C) Usando cuadricula: Esta técnica nos sirve para mantener la proporción al trasladar
un dibujo pequeño a un formato de mayor tamaño, se trata de copiar detalladamente
cuadro a cuadro para mantener la proporción. Solo nos funciona cuando nuestra
imagen a copiar esté impresa.

“La gran ola de Kanagawa” vista en una cuadricula. Ejercicio sin nombre de flores en vaso. Recuperado de
(Katsushika Hokusai). 1831. Recuperado de https://dibujarbien.com/secretos-de-las-proporciones-y-
https://www.pinturayartistas.com/como-dibujar-con- medidas/
cuadricula-paso-a-paso/

Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo es colocarlo

frente a un espejo, de esta manera descubriremos si nuestra obra se encuentra bien
proporcionada y si guarda la simetría correspondiente, esto es muy útil en especial
con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele “engañarnos”
al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada
puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se
descubren algunos errores de proporción y, es conveniente no olvidar que así lo
verá el espectador. (Alvarado, 2014).

29
 Actividad de reforzamiento:
Elaboración de una lámina creativa con los elementos
compositivos del dibujo (participación).

Instrucciones:
• Después de analizar el tema de los elementos compositivos del dibujo, se
deberá realizar una lámina creativa utilizando como soporte hojas blancas
opalinas, cartulina blanca o papel cascarón.
• Realizar una composición libre utilizando uno o varios de los elementos
conceptuales (punto, línea, plano).
• Apoyarse en el uso de uno o varios de los elementos visuales (textura,
color, forma, figura y tamaño) para enriquecer la composición basada en
los elementos conceptuales.
• También se podrán aplicar uno o algunos de los elementos de relación
(espacio, equilibrio y proporción) para jugar con la ubicación de los
elementos de la composición.
• Materiales: Para la representación de los elementos conceptuales y/o
visuales que incluya la composición de la lámina creativa, se podrán utilizar
diversos materiales didácticos tales como: lápices, colores, plumones,
pinturas, hojas de colores, cartulinas, entre otros. Así mismo se podrán
utilizar materiales reciclados o que se encuentren en el entorno.
Ejemplos lámina creativa de elementos compositivos:

Lámina de elementos compositivos del dibujo. COBATAB

Miguel Tortolero. Recuperado de: Plantel No. 1. 2018.
http://mksasiloveo.blogspot.com/2009/0
3/elementos-compositivos.html

30
SESIÓN 4

Tema 3. Concepto de claroscuro.

El claroscuro ha sido un recurso muy utilizado desde la antigüedad para dar
apariencia de tercera dimensión a los dibujos bidimensionales. Las luces y las
sombras, dotan de un mayor realismo a los dibujos, cuando se aplican con sutileza
una parte de los infinitos valores y matices de escala que va del blanco más puro al
negro más intenso. (Marín,2003).

En el barroco con la representación de la valoración de la luz sobre las figuras y

objetos alcanzó un punto álgido en el claroscuro de Caravaggio o en Rembrandt.
(Torres,2018).

Zonas del claroscuro

Galán (2011) menciona en la guía de dibujo y presentación de diseño de productos
que “En todo cuerpo iluminado se pueden distinguir diferentes luces y sombras. En
el dibujo se resuelve su representación aplicando los diferentes valores de escalas
cromáticas y acromáticas, según se trate de dibujos a color o en blanco y negro. Por
esta razón, la acción de aplicar correctamente las luces y las sombras en un dibujo
recibe el nombre de valorar o entonar”.
Generalmente sobre el objeto a representar se encuentran las zonas de luces y
sombras siguientes:
a) Zona iluminada o luz directa que corresponde a la superficie que recibe la luz
directamente.
b) Penumbra es una zona contigua a la anterior, que al recibir los rayos luminosos
de forma más suave presenta una sombra clara.
c)Sombra propia del cuerpo, es donde se registra la máxima oscuridad.
d) En algunos casos aparece el reflejo, que es una pequeña zona próxima al
contorno del cuerpo y débilmente iluminada por lo rayos que se reflejan en las zonas
adyacentes.

31
e) La sombra arrojada o proyectada es la que proyecta el propio objeto sobre los
cuerpos del entorno.

Zonas del claroscuro. Patricia Elizabeth López de Dios. (18 de Mayo de 2021).

Ejemplos de imágenes con claroscuro. Recuperado de

http://cruzvillachica.blogspot.com/2018/12/el-bodegon.html
https://www.pinterest.com.mx/pin/474496510720585569/
Lector de código QR. YKART. Playstore.
https://play.google.com/store/apps/details?id=com.ykart.tool.qrcodegen

32
Es importante recordar qué, de acuerdo con la dirección de la luz, será la
identificación de estas zonas del claroscuro. Galán (2011) menciona algunas
posiciones de la luz: frontal, lateral, inferior, cenital y posterior.

Direcciones de la luz. Patricia Elizabeth López de Dios. (25 de mayo 2021).

Materiales para dibujar: tipos de lápices, papel y gomas.

Posiblemente en algún momento te has preguntado ¿en dónde puedo plasmar mi
dibujo? ¿Cómo debo elaborarlo? Y ¿qué materiales pueden apoyarme a la
realización de mis bocetos?
En este apartado mencionaremos los tipos de lápices, papel y gomas para
emplearlos en tus ejercicios iniciales de acuerdo con Parramón (1985).

Tipos de lápices: el lápiz de grafito o plumbago, llamado comúnmente lápiz plomo

es el medio más característico del arte de dibujar. El grafito es un mineral sólido, de
brillo metálico y graso al tacto.

33
Grafitos blandos, duros y neutros.El gran libro del dibujo de Parramón (1985).

Los lápices recomendados para dibujo artístico son los que se indican con una “B”
es decir: B, 2B, 6B, 8B, etcétera. Los lápices indicados con una H (duros),para
dibujo técnico; Ejemplo: H,2H,5H,7H, etcétera, (las gradaciones HB y F son
neutras).
El lápiz 2H es de calidad escolar y te permitirá elaborar líneas grises, suaves y líneas
finas; el lápiz 4B y 8B te permitirá realizar bocetos amplios y dar profundidad, según
el gran libro del dibujo de Parramón (1985).

¿Sabías que?
El grafito fue descubierto en el año 1560, en las minas de Cumberland, al norte de
Inglaterra. Apareció entonces en Francia el ingeniero y químico Nicolás Jacques
Conté, quien patentó el lápiz conté, construido por grafito mezclado con arcilla y
cubierto con madera de cedro; Conté descubrió además, la fabricación de lápices
de mina blanda y de mina dura, para dibujar con un negro más intenso o menos,
aumentando la cantidad de grafito respecto a la de arcilla. Éstas características se
han mantenido y perfeccionado.

34
Tipos de papel: existen diversos tipos y calidades de papeles utilizados
profesionalmente en el dibujo y la pintura, por lo que te describiremos algunos de
acuerdo con el gran libro de dibujo de Parramón (1985).

Muestras de papel para dibujar con sus correspondientes marcas. El gran libro del dibujo. Parramón. (1985).

Los papeles satinados de grano casi perceptible prensados en caliente

precisamente para acentuar el alisado son especialmente dedicados para dibujar a
la pluma y también con lápiz plomo proporcionando una gama de grandes
contrastes y perfectos guisados y difuminados entre otros temas muy apropiados
para el dibujo de retratos.
El papel de grano fino indicado para el dibujo a lápiz plomo el dibujo a la cera y los
lápices de horas proporcionando un acabado que realiza el grano del papel, pero
sin perder la armonía irregularidad de guisados y degradados.
El papel de grano medio especialmente indicado para dibujar o pintar al pastel a
la sanguina concretas de colores a la aguada y a la acuarela el papel de grado
grueso usado generalmente para pintar a la acuarela
El papel verjurado ingres blanco y de colores con más de 100 años en el
mercado se usa para dibujar al carboncillo y al carbón.
el papel canson de colores(mi-teintes) papel de grano sin el dibujo del verjurado,
se fabrica en una extensa gama de colores.

35
 Los tipos de papel que
podrás utilizar será de
acuerdo con tus
posibilidades. En nuestra
región podemos encontrar
el papel opalina (matte), en
hojas sueltas o libretas.
Cartulina, papel cascarón,
papel ilustración, entre
otros.
El gran libro del dibujo. Parramón. (1985).

Tipos de goma: las gomas de borrar han de usarse tan

sólo como recurso. Puede ser necesarias al empezar un
dibujo cuando es más fácil caer en errores, pero
teniendo en cuenta que es preferible empezar de nuevo
a deteriorar y torturar la fibra del papel. (Parramón, s.f.)
✓ Las gomas de borrar de miga de pan (A)
✓ Las de plástico y caucho más compactas pero
igualmente suaves (B y D) son las más indicadas
para borrar trazos de una materia grasa como el
lápiz de grafito pero son poco absorbentes
cuando se trata de borrar lápiz carbón carboncillo
Creta o pastel.
✓ Para estos medios de Constitución menos grasas se usan las gomas de
borrar llamadas maleables(C) que ofrecen la apariencia de una tierra o pasta
como la plastilina y que son más absorbentes.

36
Recomendación: Espacio físico para desarrollar tu obra.
Es necesario tomar en consideración preparar un espacio para iniciar tus trabajos
de dibujo artístico en donde logres
inspirarte, enfocarte en la elaboración
de los diversos ejercicios y potenciar tu
creatividad. Te sugerimos trabajar en
un espacio iluminado.
Parramón (1985) sugiere que “mientras
usted dibuja, el papel ha de apoyarse y
sujetarse en un tablero de dibujo o en
una carpeta ofreciendo ambos
utensilios una superficie perfectamente
lisa uniforme sin grumos ni textura
alguna”.
“La mayoría de los pintores trabaja en un estudio donde tiene, ordenados a su
manera, los materiales que necesita. Ahí como cualquier trabajador, pasa largas
horas: ensaya haciendo bocetos y luego se lanza a pintar uno o varios cuadros a la
vez. No todos los pintores trabajaban de pie frente al caballete. Beatriz Zamora pinta
con sus manos en el piso, Jackson Pollock lo hacia caminando sobre telas enormes
a las que arrojaban chorros de pintura y el Dr. Atl salía de excursión para inspirarse”
(Hiriart, B.2010).

37
SESIÓN 5
3.1. Técnicas de aplicación del claroscuro.
Ya que conoces el concepto de claroscuro e identificaste las zonas que se observan
de acuerdo con las direcciones de la luz proyectada en un objeto, analizarás y
practicarás las técnicas para generar el efecto de volumen a un
elemento bidimensional, a través de la aplicación de luz y sombra.
A) Achurado

Da Vinci, L. (1845-1490). Estudio caballo Sforza, boceto.

Tomando como referencia la aportación de Graells (2010) en su tesis: Achurado

para objetos 3D con animación, conceptualiza el achurado como una técnica a
mano alzada que utiliza trazos cortos de líneas para graficar un objeto. La dirección
de las líneas abstrae la forma de éstos mientras que la cantidad de ellas (la densidad
del achurado) permite interpretar la intensidad de la iluminación a través del objeto
(como se observa en la figura de arriba).

¿Cómo aplico el achurado?

Los pasos para la técnica de este sombreado son los siguientes:
1.- Seleccionar un objeto que servirá como modelo.
38
2.- Observar detenidamente la dirección de la luz y cómo se refleja en el objeto
seleccionado.
3.- Dibujar la figura.
4.- Iniciar el trazo de una capa, suave, sobre toda el área del objeto con líneas en la
misma dirección, se recomienda iniciar con lápices B y 2B en las primeras capas.
5.- Posteriormente trazar más capas de líneas en la misma dirección, las cuales
iniciarán paulatinamente cada vez más distantes del área de la luz reflejada,
intensificando la oscuridad del tono en el área de la sombra propia y proyectada.
6.-. En el achurado puedes utilizar diferentes tipos de líneas para generar el efecto
de volumen. El sitio web dibujemos.com de Wong (2008) menciona los siguientes
tres tipos de líneas que podrás visualizar para mayor comprensión en los enlaces
proporcionado en cada imagen.
a) La forma más simple de sombreado es hacer líneas seguidas juntas usando la
punta del lápiz o inclinándolo para pintar con el costado de la mina de éste. Es
importante hacer todas las líneas en una misma dirección para que el resultado sea
uniforme. La cantidad de sombra varía según la presión del lápiz y la cercanía entre
las líneas.

Jetzabel González. (2020). Líneas y achurado (Archivo de DEVIAN MALKHAVIAN. (2019). ACHURADO:
video). Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=_T9- sombreado y efectos (Archivo de video). Youtube.
YcP7Gr0 youtube.com/watch?v=32-ql0CvsNA

b) Otra técnica es el "Cross Hatching," que es un tramado cruzado. Dibujas una

serie de líneas diagonales y luego inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas
que las crucen. Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la
separación que le dejes entre las líneas.

39
 Santini Arts. (2017). Cómo realizar árboles con Achurado / Blog
(Archivo de video). Youtube.
https://www.youtube.com/watch?v=N0-ElskDCZs

c) Otra técnica es el "Circulismo," que consiste en dibujar una serie de círculos

pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean
perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. La oscuridad
de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos, así como la
presión que hagamos con el lápiz. El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de
las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los
círculos suavemente.

Arte Divierte. (2020). Clases de sombreado: cómo dibujar sombras (Archivo de video). Youtube.
https://www.youtube.com/watch?v=6-nSriC6Arw

40
¿Qué materiales se recomiendan utilizar?
✓ Para trazos suaves se sugieren los lápices B y/o 2B.
✓ Para intensificar la sombra los lápices 5B y/o 6B.
✓ Para el material de soporte, utilizar bases que sean resistentes como hojas
opalinas y cartulina.
✓ Es importante el uso del borrador de migajón ya que está diseñado para este
tipo de ejercicios.

B) Difuminado
De acuerdo con el libro fundamentos del
dibujo artístico, el difuminado es una técnica
que “permite integrar los trazos y eliminar los
blancos que había entre ellos, y al graduar
los tonos proporciona una perfecta
representación del volumen del objeto”.
Difuminado. Fundamentos del dibujo artístico.
(Matín, 2019). Matín G. 2019.

Matín(2019) menciona que “debemos utilizar los difuminados para dotar de

profundidad nuestros paisajes, así como para suavizar y unificar las distintas
zonas del dibujo.

¿Cómo aplico el difuminado?

1. Elige una forma natural o una forma artificial
2. Dibuja en un papel tu forma elegida con lápiz. Te recomendamos utilizar
los lápices con mayor pigmentación (lápiz B, 2B, 4B, 6B u 8B).
3. Identifica las zonas del claroscuro.
4. Aplica volumen a través del difuminado. Para ello, utilizaremos las
aportaciones de Matín (2019) en el libro Fundamentos del Dibujo Artístico,
que menciona el difumino y el efecto con las manos como dos maneras
básicas de difuminar.

41

Difuminado con los dedos. Fundamentos del

dibujo artístico. Matín G. 2019.
• El difumino es un canutillo hecho de papel esponjoso con dos puntas que
se utilizan para frotar y fundir. existen
difuminos de gruesos diferentes,
siendo recomendable usar un extremo
o punta para los tonos más oscuros y
reservar el otro para los tonos más
claros.
Difuminos. El gran libro del dibujo. Parramón 1985.

• Para suavizar los trazos intensos o perfiles de un modelo debe utilizarse

la punta del difumino. Para esfumar amplias zonas se emplea el difumino
por la parte ancha. Los movimientos de la mano deben seguir el sentido
de los pliegues de la textura del objeto; en el caso de trabajar fondos poco
precisos o superficies lisas el sentido del movimiento debe ser circular.
• La mano también es muy útil para efectuar grisados y degradados: la parte
inferior de la palma es ideal para manchar amplias zonas de tono uniforme
mientras que las yemas de los dedos suele utilizarse para difuminar zonas
más locales de acuerdo con las aportaciones de Matín (2019) en el libro
Fundamentos del dibujo Artístico.
• De acuerdo con las aportaciones de Parramón (1985) en El gran libro del
dibujo menciona que “la mayoría de los artistas dibujan difuminando
preferentemente con los dedos de la mano en vez de hacerlo con
difuminos de papel. Hay varias razones que justifican y recomiendan ese
proceder: los dedos son blandos, se adaptan fácilmente a las rugosidades
del papel; son húmedos, transportan y mezclan la humedad, por poca que
sea, con la propiedad de la grasa del grafito
promoviendo un negro intenso, los dedos
generan calor y cuando frotan las yemas de los
dedos sobre los grafitos ese color ayuda a
disolverlo intensificando el tono.
• Finalmente, los dedos son un medio de ejecución
directa que identifican mejor la voluntad del artista
Difuminado con los dedos. El gran libro del dibujo.
Parramón 1985.
42
 con su deseo de agrisar, esfumar, ennegrecer.

¿Qué materiales es recomendable emplear?

• Papel: Emplear un papel de calidad superior satinado o
alisado. El difuminado cierra por completo el poro del papel
convirtiendo un grisado regular en uniforme.(Matín,2019).
• Lápiz: El difuminado del lápiz de grafito puede hacerse
con un difumino con los dedos. El difuminado con los
dedos es más efectivo, permitiendo un mejor control de
El gran libro del dibujo.
la gama de grises e intensidades de acuerdo con Parramón(1985).

Parramón (1985).
• Para elaborar un difuminado correctamente te dejamos como ejemplo unos
trazos básicos con el lápiz plomo que de acuerdo con el libro de
Parramón(1985) son algunos ejemplos básicos de trazos realizados y
degradados realizados con lápices plomo de diferentes gradaciones sobre el
papel de dibujo de grano fino alisado por lo que los lápices B, 2B y 6B te
serán de utilidad para dar mayor efecto de sombreado.

6B

El gran libro del dibujo. Parramón (1985).

43
 • Borrador: la goma de borrar te permitirá un trabajo muy constructivo. Se puede
utilizar para limpiar una zona , difuminar un trazo o dibujar en negativo, es decir,
trazar líneas borrando sobre superficies previamente manchadas. con la punta
afilada a bisel, por ejemplo, se obtienen trazos anchos, si la aplicamos plana sobre
el papel se obtienen amplias franjas, y trazos finos si se aplica en canto. Si el
borrador es suave al pasar la goma con suavidad por encima del tono, éste se
difumina ligeramente, de acuerdo con el libro fundamentos del dibujo artístico de
Matín (2019).
• Actualmente existen otras maneras de lograr el difuminado. Puedes utilizar
materiales como algodón, cotonette, papel higiénico, entre otros.
• Tal y como lo describe el gran libro del dibujo de Parramón(1985) el uso
combinado de lápices de diferentes gradaciones para crear contrastes y
atmósferas es una recomendación muy importante y los ángulos en el que
utilices los mismos te ayudarán a crear trazos de diferentes grosores.

Trazos de diferentes grosores con diferentes ángulos del lápiz. El gran libro del dibujo. Parramón
(1985).

C) Puntillismo.

Según el libro fundamentos del dibujo artístico, esta

técnica se conoce como puntillismo o punteado. Matín
(2019) menciona que “En la técnica del punteado los
efectos tonales se consiguen combinando multitud de
Signac, P. (1899). Le Port de St-Tropez.
puntos agrupados, la aglomeración de distintas Recuperado de Arte España
https://www.arteespana.com/puntillismo.html
partículas de colores diferentes que interactúan entre sí.”

44
Características relevantes del puntillismo según Matín (2019):
• Este método del dibujo se popularizó a finales del siglo XIX con los
divisionistas los cuales interpretaron la naturaleza mediante la yuxtaposición
de pequeños puntos de color que proporcionan al conjunto una luminosidad
general y una distribución más uniforme de la luz.
• Con medios monocromos las áreas tonales pueden conseguirse con la
combinación de puntos o pequeños trazos de tamaños y distancia variable
alternando el tamaño de los puntos la presión del lápiz o la distancia entre
ellos resulta posible crear una gama tonal completa.
• El punteado requiere mucha paciencia por parte del aficionado. Las
diferentes áreas tonales se logran con puntos más intensos o comprimiendo
la distancia entre ellos.

“Las variaciones tonales se logran

variando el tamaño del punto,
intensificando la presión del lápiz y
comprimiendo las
manchas”.(Matín,2019). Fundamentos
del dibujo Artístico.

¿Cómo aplico el puntillismo?

1. Elige un objeto que tengas en casa para dibujar. Te sugerimos empezar con
algo básico como una fruta, vaso, jarra de cerámica, etc.
2. Observa la forma del objeto detenidamente para poder realizar el contorno,
usando únicamente puntos finos.
3. Una vez hecho el contorno, observa con atención las zonas del claroscuro:
esto te servirá para determinar en qué partes del objeto es necesario aplicar más
puntos para representar la sombra, y menos puntos para representar la luz. Es
decir, por orden de mayor a menor cantidad de puntos y presión de lápiz
mencionamos la zona de sombra propia del cuerpo, sombra arrojada o

45
proyectada, penumbra y la zona de reflejo lleva poca cantidad de puntos
dispersos. En la zona iluminada, no es necesario aplicar puntos.

Ejemplo de un
paisaje con áreas
tonales con la
técnica del
puntillismo. Libro
Fundamentos del
dibujo Artístico.
Matín,2019).

¿Qué materiales es recomendable emplear?

Te recomendamos comenzar a explorar esta técnica utilizando tus lápices de
dibujo como: 2B, 4B, 6B o en su defecto lápices escolares Mirado no. 2 y 2 1/2,
opalina u hojas blancas, borrador y sacapuntas mencionadas en las técnicas
anteriores.
Para conocer más información sobre esta técnica te sugerimos visitar los
siguientes videos:
• “Puntillismo básico/Blog” Autor:Santini, Canal: Santini Arts, 19 de Julio de
2017. https://www.youtube.com/watch?v=wlcfn-Je4E4&t=350s
• “Tutorial Puntillismo intermedio/ Blog” Autor: Santini, Canal: Santini Arts, 2
de Agosto 2017. https://www.youtube.com/watch?v=kpzvztim3xY

46
 Te invitamos a escanear el siguiente código QR para
visualizar un video tutorial de las diversas técnicas antes
explicadas, para una mejor comprensión de cada una de
ellas y la elaboración del producto esperado que se
describe en el siguiente apartado.

Técnica de sombreado. (video) 25 de Julio de 2015.

Crearte Araiza. Recuperado de
https://www.youtube.com/watch?v=hsN4QXWNcGI
App: Playstore/ykart. Generador de QR

47
EVIDENCIA1. EJERCICIOS DE ACHURADO, DIFUMINADO Y
PUNTILLISMO
PONDERACIÓN: 40%

Estimado estudiante, llegó el momento de poner en práctica los

conocimientos adquiridos sobre el tema: Claroscuro y técnicas de
aplicación del claroscuro. Para obtener una correcta elaboración de los
siguientes ejercicios, deberás atender las siguientes instrucciones:
1. Elige una figura y dibújala en el cuadro 1, 2 y 3.
2. Define la dirección de la luz en la figura seleccionada. Partiendo de este punto,
identifica las zonas del claroscuro: Zona iluminada o luz directa, penumbra, sombra
propia del cuerpo, el reflejo y la sombra arrojada o proyectada. La dirección de la
proyección de la luz es de libre elección.
3. Aplica luz y sombra a la figura elegida de acuerdo con las zonas identificadas. En el
cuadro 1 aplicarás la técnica del achurado, en el cuadro 2 la técnica del difuminado y
en el cuadro 3 la técnica del puntillismo.
4. Anota tus datos generales al principio de los ejercicios: nombre del trabajo, nombre
del estudiante, nombre del docente, semestre, grupo, turno y plantel.
5. Tu docente te solicitará entregar la presente evidencia de acuerdo con la modalidad
de estudio.
6. Te sugerimos consultar la lista de cotejo que se encuentra en la parte inferior de la
presente actividad.

Datos generales del estudiante:

Nombre de la evidencia:
Nombre del estudiante:
Nombre del docente:
Semestre: Grupo:
Turno: Plantel:

48
Cuadro 1: Achurado Cuadro 2: Difuminado

Cuadro 3: Puntillismo

49
 BLOQUE I. LISTA DE COTEJO
Ev1.Ejercicio de claroscuro. Ponderación: 40%

CRITERIO SI NO OBSERVACIONES
Elige una figura y dibuja en el cuadro 1, 2 y 3
Identifica las zonas del claroscuro
Aplica luz y sombra a la figura elegida de acuerdo
con las zonas identificadas
La dirección de la luz es coherente al momento de
dar luz y profundidad a la figura.
Utiliza el achurado para aplicar profundidad en la
figura 1
Utiliza el difuminado para aplicar profundidad en la
figura 2
Utiliza el puntillismo para aplicar profundidad en la
figura 3
Entrega su trabajo ordenado y limpio.
Presenta datos generales: nombre del trabajo,
nombre del estudiante, nombre del docente
semestre, grupo, turno, plantel.
Entrega en tiempo y forma (de acuerdo con la
modalidad).
Puntuación obtenida.
Realimentación:

SESIÓN 6
Tema 4. Elaboración de un boceto con los elementos
compositivos del dibujo artístico.
Estimado estudiante, en la siguiente sesión llevarás a la práctica todos los
elementos compositivos que viste en esta guía, para concretarlo en un solo
proyecto: el boceto. Esta parte del proceso sirve para te des una idea general de
cómo quedaría una propuesta de dibujo artístico que antes estaba solo en tu
imaginación.

50
 Concepto de boceto

Tomando en consideración las aportaciones de Alvarado (2014) en el libro Dibujo

técnico y Artístico, “Un boceto (o esbozo) es un dibujo rápido y esquemático que
utilizamos para estudiar las cosas, con el fin de hacer una obra definida o del mero
estudio de las formas y volúmenes. Se utiliza también para representar ideas. Los
bocetos son dibujos muy generales, hechos con poco detalle y con pocos materiales
(normalmente un lápiz, aunque puede utilizarse cualquier tipo de técnica).
Asimismo, Alvarado (2014) clasifica los bocetos en: burdo, comprensivo y
dummy, siendo este último empleado principalmente en diversas disciplinas
de diseño profesional.

Ejemplo de Dibujo Burdo. Dibujo

Técnico y artístico. Alvarado Ejemplo de Dibujo comprensivo. El gran libro Ejemplo de Dibujo dummy. Dibujo
R.(2014). Recuperado de del dibujo. Parramón, J.1985. Técnico y artístico. Alvarado R.
https://issuu.com/campins/docs/libro (2014). Recuperado de
_2 https://issuu.com/campins/docs/libro
_2

Con un enfoque artístico:

“Los bocetos pueden ser desde apuntes generales sin detalle y dibujando lo que

primero se nos viene a la mente (boceto Burdo o cuando plasmamos ideas) hasta

bocetos en los que se ha estudiado detenidamente la composición y forma de las

cosas (boceto comprensivo).” Alvarado (2014).

51
 PRODUCTO ESPERADO:
ELABORACIÓN DE UN BOCETO DE DIBUJO ARTÍSTICO
PONDERACIÓN: 40%
Después de analizar el tema de técnicas de aplicación del claroscuro realizarás
un boceto de dibujo siguiendo las instrucciones que a continuación se describen.

Instrucciones:
1. Elige dos o más figuras de elementos naturales como frutas,
flores, vegetales, hojas, etc. o artificiales como jarrones, vasos,
tazas de café, entre otros.
2. Agrupa las figuras elegidas tomando en consideración los
elementos compositivos del dibujo artístico (tema 2) para lograr
un equilibrio visual.
3. Traza el contorno de las figuras y define la dirección de la luz
que afectará a todos los elementos conformados.
4. De acuerdo con tu experiencia con el ejercicio anterior de
prácticas de aplicación de claroscuro (evidencia 1), deberás escoger una
técnica para aplicarla sobre el boceto a realizar (achurado, difuminado o
puntillismo).
5. Por medio de la observación se deberá ubicar la dirección de la luz sobre
las figuras dibujadas, para que a partir del área de la luz incidente se puedan
identificar las demás zonas del claroscuro sobre las figuras.
6. Materiales: para el soporte se podrán utilizar hojas blancas opalinas,
cartulina, o demás materiales sugeridos por el docente, como técnica de
dibujo se utilizarán lápices de grafito de diferente numeración, dependiendo
de las necesidades del boceto y de las posibilidades del contexto.
7. Anota tus datos generales al principio de los ejercicios: nombre del trabajo,
nombre del estudiante, nombre del docente, semestre, grupo, turno y
plantel.
8. Tu docente te solicitará entregar la presente evidencia de acuerdo con la
modalidad de estudio.

52
 9. Te sugerimos consultar la lista de cotejo que se encuentra en la parte inferior
de la presente actividad.

Ejemplos de bocetos artísticos con lápices de grafito.

Boceto con técnica de achurado. Boceto con técnica de difuminado.

Boceto con técnica de puntillismo.
Método Giotto. Formación artística on
María Mercedes Cantero Recio, 2 de noviembre
I Pereira. Recuperado de:
2020. line, 28 de enero de 2018.
https://www.pinterest.pt/pin/61481
Recuperado de: Recuperado de:
1786622259141/
https://www.metodogiotto.com/exposic
https://blogsaverroes.juntadeandalucia.es/dibujo
visual/2020/11/02/laminas-para-tecnica-del-ion/Michael1572/3_dibuja_un_bodego
claroscuro/ n_al_claroscuro.jpg

BLOQUE I. LISTA DE COTEJO

Ev2. Boceto de dibujo artístico Ponderación: 40%

CRITERIO SI NO OBSERVACIONES
Dibuja dos o más figuras de elementos
naturales o artificiales, aplicando equilibrio
visual a la composición.
Ubica la dirección de la luz en las figuras
dibujadas e identifica las zonas del claroscuro
Aplica una técnica del claroscuro sobre las
figuras trazadas (achurado, difuminado o
puntillismo).
53
Utiliza apropiadamente los diferentes tonos de
los lápices de dibujo de acuerdo con su
intensidad, para representar el efecto de
claroscuro sobre los elementos del boceto.
Realiza su boceto adecuadamente sobre el soporte
elegido.
Entrega su boceto limpio, en tiempo y forma de
acuerdo con la modalidad.

SESIÓN 7. Comparto mis experiencias

Después de conocer el concepto y antecedente del dibujo artístico,
así como el análisis y la práctica del claroscuro, te invitamos a
compartir con tu docente y compañeros de clase, tus experiencias
que contribuyeron con tu aprendizaje. Para ello te sugerimos partir
de las siguientes preguntas:
• ¿Qué retos encontraste durante la aplicación de la
técnica del claroscuro en tu boceto?
• ¿Qué técnica de aplicación de claroscuro te gustó
practicar?
• ¿Qué parte del proceso de elaboración del producto final disfrutaste
realizar?
• ¿Qué áreas de oportunidad identificaste en tu práctica?
• ¿Consideras que el dibujo artístico te aportó beneficios? ¿Cuáles?
• Después de compartir tus experiencias con el docente y compañeros,
culminarás la clase rellenando la columna 3 del cuadro S-Q-A, anotando
todo lo aprendido en el Bloque.

¡Te felicitamos por haber logrado los aprendizajes esperados del Bloque I !
Gracias por compartir tus experiencias y permitirte identificar tus áreas de oportunidad con
ayuda de tu docente. Te invitamos a continuar con el desarrollo de tus habilidades pictóricas
en el bloque II que tiene por título “Movimientos y técnicas de pintura.

54
 BLOQUE II.
MOVIMIENTOS Y TÉCNICAS DE PINTURA.

DE
)

Exposición de pintura,proceso de un mural y mural “Tabscoob” Halach Uinik plantel 25.(s.f.) Archivos del COBATAB.

55
 Situación Didáctica

“Sueño mi pintura y pinto mi sueño”.

Vincent Van Gogh.

Contexto
Después de haber conocido los elementos compositivos del dibujo artístico y
técnicas de claroscuro en un boceto, Diego aspira a conocer más acerca de cómo
representar sus ideas mediante la pintura, siente mucha curiosidad sobre las
técnicas húmedas, secas y mixtas. La maestra Raquel les presentó una actividad
en la que podrán participar elaborando una pintura con base en los temas que verán
en su guía didáctica tales como: movimientos pictóricos del siglo XIX y XX y
técnicas de pintura, empleando la imaginación, creatividad y percepción.

Conflicto Cognitivo
¿Qué puedes representar mediante una pintura?
¿Qué sensaciones o emociones experimentas al momento de contemplar una obra
pictórica?
¿Qué características te parecen muy interesantes al observar una obra pictórica?
¿porqué?
¿Qué elementos necesitas para plasmar una propuesta pictórica?
¿Cuáles son los factores que intervienen en la realización de una propuesta
pictórica y que te ayude a expresar tus ideas?
¿Cuáles son los movimientos pictóricos del siglo XIX y XX que marcaron las bases
para las tendencias actuales en la pintura?
¿Cuáles son las técnicas que se pueden utilizar para realizar una pintura?

56
SESIÓN 8
¡BIENVENIDOS AL BLOQUE II!
Estimado estudiante, te damos la bienvenida al bloque II, en el que sin
duda construirás nuevos conocimientos y experiencias significativas.
Durante este módulo conocerás el concepto de pintura, identificarás las
características principales de los movimientos artísticos más
importantes del siglo XIX y XX, así como las técnicas secas, húmedas y
mixtas con el propósito de elaborar una propuesta pictórica como
producto final. Te encontrarás con una forma de evaluación similar a la
del bloque I, por lo que te invitamos a tomar en consideración los
criterios por evaluar con las ponderaciones correspondientes ubicadas en la tabla
de la página 12.

Lección Construye T
Te invitamos a realizar la actividad Construye T del presente Bloque, con la finalidad
de promover el desarrollo de habilidades socioemocionales (HSE) vinculadas con
los contenidos que experimentaste en segundo semestre: “Pintura”. La actividad
lleva por título: Corazón de colores. Para desarrollarla, tendrás la ayuda de tu
docente; la actividad se describe a continuación y se desarrollará durante la sesión.
Duración: 50 minutos.

Estudiante de COBATAB
en el XXV Encuentro Sur-
Sureste 2017 en la
ciudad de Mérida,
Yucatán. Imagen de
Facebook: COBATAB,
Noviembre 2017.
Recuperado de:
1gs0c den ucntuSoovpie
emobrotensflrc daee ilhor
efdu20n1iS7

57
58
59
Tema 1. Concepto de Pintura.
Según el libro aprender e investigar en Pintura, Diaz (2017) menciona que “Sería
imposible definir la pintura de una única manera; sus posibilidades como lenguaje
son múltiples y cambiantes”. En el libro el mundo de la pintura, Hiriart y otros (2010)
mencionan que "La pintura es el arte de expresar lo que sentimos e imaginamos
aplicando sustancias de colores sobre papel, tela o cualquier superficie".
Tomando en consideración las aportaciones de ambos autores, la pintura es un
medio en el que puedes expresar tus emociones, sentimientos o pensamientos
mediante un lenguaje visual propio con elementos reales o imaginarios.
Durante este bloque, conocerás las diversas técnicas y movimientos pictóricos para
desarrollar una nueva propuesta, reforzando los conocimientos adquiridos en
segundo semestre, en el que se abordaron los conceptos de color, sus propiedades
y psicología.

Circulo de 24 colores. Francisco Javier Martín.

Aprender e investigar en Pintura 1. Díaz
J.(2017).Recuperado de
https://dialnet.unirioja.es/descarga/libro/722506.p
df

60
Tema 2. Movimientos pictóricos del siglo XIX y XX.
De acuerdo con el Manual Básico de Historia del Arte, de la Peña
(2008) menciona que con el siglo XIX comienza la época
contemporánea, como consecuencia de la revolución francesa y la
Revolución industrial, lo que convierte a Francia y a Inglaterra en
los focos europeos más importantes, tanto a nivel histórico como
artístico. A continuación, mencionamos los datos más relevantes
de acuerdo con el autor:

• Las ciudades crecen considerablemente y también alteran su aspecto, pues

mucha gente abandona el campo para trabajar bajo duras condiciones en las
fábricas; al mismo tiempo, se incrementan las comunicaciones, basadas en
la navegación a vapor, las carreteras y el ferrocarril.

• Los acontecimientos sociales y políticos de la época se acompañan también

de cambios importantes en el pensamiento, se sostiene que la razón debe
someterse a juicio para que el hombre llegue a ser libre. Estos cambios
conllevan una nueva manera de vivir y pensar, en lo que también influyen
inventos tan decisivos como la fotografía en 1839, lo que trastoca los hábitos
de la percepción visual y constituye un gran auxilio para muchos artistas,
pero también, a veces, un poderoso rival.

• Comienzan a manifestarse una serie de movimientos, que, bien definidos

sobre todo en la pintura, se suceden con rapidez compitiendo entre sí o
también llegando a fundirse unos con otros.

• París se convierte en la capital cultural europea del siglo XIX, un auténtico

reclamo para arquitectos, pintores, escultores, escritores y músicos, pues allí

61
 se fraguan las tendencias que, una tras otra, modifican la concepción del
arte.
• En los siguientes cuadros comparativos podrás identificar las principales
características y exponentes de diversos movimientos artísticos relacionados
con la pintura que surgieron durante el periodo del Siglo XIX y XX.

Volviendo a casa desde el molino. LS Lowry. 1928. Recuperado de: https://www.wikiart.org/es/l-s-

lowry/coming-home-from-the-mill-1928

62
 MOVIMIENTOS PICTÓRICOS SIGLO XIX

MOVIMIENTO EXPONENTES CARACTERÍSTICAS PAÍS OBRA PICTÓRICA

REPRESENTATIVA
ROMANTICISMO De acuerdo con Farga (2012): Francia.
Théodore • Movimiento artístico que antepone (primera mitad
Gericault (1791- siempre el sentimiento a la razón, por lo del siglo XIX)
1824) que tiende a romper las trabas
convencionales.
John Constable • La obra de arte se convierte en la
(1776 -1837) expresión del único punto de vista de su
creador, quien ahora se deja llevar por la
Joseph Tumer imaginación, la intuición, las emociones,
(1775 -1851) la originalidad y, por encima de todo, lo
individual.
• El boceto se valora como plasmación
Caspar David espontánea e inmediata de lo que el
Friedrich (1774 - artista lleva dentro. La balsa de la medusa. Théodore Gérícault
1840) • Se deja patente el “toque” del pintor o del (1791-1824). Museo de Louvre, París 1819.
Romanticismo. Historia Del Arte Bachillerato.
escultor manipulando libremente la
Farga, M. (2012).
materia.

REALISMO De acuerdo con De la Peña (2008): Francia, mitad

Gustave Courbet • Tiene como objetivo afrontar lo real del siglo XIX.
(1819-1877) directamente, sin engaño ni fantasía, sin
dramatismo, ni emociones
Honoré Daumier • Corta toda posibilidad a la imaginación
(1808-1879)
• Se justifica el predominio del dibujo, con
contornos muy precisos y colores
Jean Francois
oscuros, así como la falta de profundidad Los picapedreros Gustave Courbet. 1839.
Millet (1814-1875)
y el desequilibrio en la composición. Obra perdida a causa de un incendio. Historia
De acuerdo con Farga (2012): del Arte Bachillerato, Farga,M.(2012).
• Es una pintura influida por la fotografía.
• Los artistas toman conciencia de los

63
 problemas sociales derivados de la
industrialización y del desencanto
debido a los fracasos revolucionarios.
• Los protagonistas de los cuadros son
personas comunes, como campesinos y
obreros.
IMPRESIONISMO Claude Monet De acuerdo con de la Peña (2008) y Farga Nace en Francia
CLÁSICO (1840-1926) (2012) se señalan las siguientes entre 1860 y
características: 1870. Hasta
Pierre Auguste • Pintar al aire libre, proyectando entonces, los
Renoir contrastes violentos de luces y sombras, pintores habían
(1841-1919) estudio de la luz que se refleja sobre los trabajado dentro
objetos de alrededor. del estudio,
Paul Cezanne • El pintor recurre a la imaginación para donde
(1839-1906) plasmar las impresiones momentáneas conseguían el
de la naturaleza. volumen con
Camille Pissarro transiciones
• Ofrece una nueva técnica que se basa
(1830-1910) graduales de la
en un concepto diferente de lo real: lo Impresión, sol naciente. Claude Monet,
luz a la sombra. 1873.
que el ojo ve son puntos de color llenos
Recuperado de:
de luz y de atmósfera.
http://verdadyverdades.blogspot.com/201
• Su pintura es muy rápida y sin retoques, 2/02/impresion-sol-naciente-claude-
con pinceladas como manchas que monet.html
prescinden tanto del dibujo como de un
acabado uniforme.
• Los pigmentos ya no se unen en la
paleta, sino que se aplican directamente,
quedando las pinceladas separadas, de
manera que sólo cuando las
contemplamos a cierta distancia se
funden en nuestra retina. Por ejemplo, si
se quiere pintar un morado se
yuxtaponen una pincelada de rojo y otra
de azul.
Baile en el Moulin de la Galette. Pierre-
Auguste Renoir, 1876.
Recuperado de: http://estudi-
arte.blogspot.com/2013/06/baile-en-el-
moulin-de-la-galette-de.html

64
 IMPRESIONISMO Claude Monet De acuerdo con Farga (2012) se señalan Surge en
PAISAJISTA (1840-1926) las siguientes características: Francia como
parte de la
Camille Pissarro • La pintura se caracteriza por una evolución de los
(1830-1910) paleta de colores que se va aclarando pintores
poco a poco. impresionistas,
Alfred Sisley • Las pinceladas se hacen cortas y en la década de
(1840-1944) rápidas. Los objetos se deshacen 1870.
gracias a la luz.
• El dibujo pasa a un plano secundario.
• Realiza series con el mismo tema en
diferentes momentos del día. Los Almiares. Claude Monet. 1890.
Recuperado de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet
#%C3%89tretat

POSTIMPRESIONISMO Paul Cezanne De acuerdo con Farga (2012) se señalan En Francia hacia
(1839-1906) las siguientes características: 1880, un grupo
• Observan la realidad y convierten al de pintores
Paul Gauguin color en el instrumento básico de su impresionistas
(1848 -1903) lenguaje pictórico. deseaban
• Simplificación de las formas tendiente a reconstruir
Vincent van Gogh la geometrización y la recuperación del nuevamente la
(1853-1890) dibujo. realidad, pero
sin copiarla
• Reduccionismo cromático y
Georges Seurat servilmente,
multiplicación de los puntos de vista.
(1859-1891) conservando la
• La pincelada es curva, corta y vigorosa. intensidad de
• Algunos pintores proponen la técnica del paleta de La noche estrellada. Vincent Van Gogh,
puntillismo, que consiste en realizar la colores. 1889.
pintura con base en pequeños puntos de Recuperado de: https://historia-
arte.com/obras/noche-estrellada-van-
color puro que la retina del espectador gogh
mezcla.

65
 MOVIMIENTOS PICTÓRICOS SIGLO XX

MOVIMIENTO EXPONENTES CARACTERÍSTICAS PAÍS OBRA PICTÓRICA

REPRESENTATIVA
FAUVISMO Henri Matisse De acuerdo con Farga (2012) se señalan En París,
(1869-1951) las siguientes características: Francia, en
• Pincelada expresiva y distorsionada. 1905, en el
André Derain • Interés por el arte primitivo de África y Salón de Otoño
(1880-1954) Oceanía que representaba una vuelta a participaron un
la pureza. grupo de artistas
que fueron
• Violencia cromática sin correspondencia
denominados
con la realidad. El colorido es pleno e
“fauves”,
intenso separados por contornos bien
vocablo francés
definidos.
que significa
• Desinterés por la perspectiva y la “fiera”.
definición de volúmenes, sirviéndose
exclusivamente del color para expresar
sus sentimientos. Mujer con sombrero. Henri Matisse, 1905. Recuperado
de: https://unapizcadecmha.blogspot.com/2013/05/nace-
el-fauvismo-mujer-con-sombrero.html

EXPRESIONISMO Edvard Munch De acuerdo con Farga (2012) se señalan A finales del
(1863-1944) las siguientes características: siglo XIX y
• El artista exterioriza sus sentimientos principios del
Ernst Ludwig de un modo dramático a través de siglo XX se
Kirchner técnicas extrañas y revulsivas de que desarrolla en
(1880 -1938) transmiten las preocupaciones del Alemania el
alma humana. movimiento
Georges Rouault • No persigue la sensibilidad de los expresionista
(1871 -1958) colores y su armonía, sino el con una gran
planteamiento de los conflictos íntimos variedad de
del hombre. tendencias.
• Color irritante aplicado con pinceladas
violentas y la deformación irracional de El grito. Edvard Munch.1893. Recuperado de:
la realidad. https://cultivacultura.jimdofree.com/2014/04/20/el-grito-
de-edvard-munch-curiosidades-e-historia/

66
CUBISMO Pablo Picasso De acuerdo con De la Peña (2008): París (1907)
(1881-1973)
• Se caracteriza por ser plano,
Georges Braque simultáneo y transparente.
(1882-1963) • Se compone de formas geométricas
que niegan la perspectiva
Juan Gris convencional por considerarla algo
(1887-1927). ilusorio”.
• Hace uso del plano, rechaza el uso del
volumen por creerlo una ilusión, fue El Guernica.Pablo Picasso (1937).
usado para hacer critica de conflictos Recuperado de
bélicos, sociales y personales y romper https://www.culturagenial.com/es/obras-
con la tradición del realismo en la pablo-picasso/

pintura. Si quieres conocer el significado de esta obra

• Según Farga (2012) en el libro “Historia visita el siguiente sitio:
https://www.youtube.com/watch?v=uG15eE
del arte” existen los siguientes tipos: Za12Y
Cubismo analítico, sintético y hermético.

DADAÍSMO Tristan Tzara Según Farga (2012): Estados Unidos

(1896-1963) de América
• Su objetivo final era la destrucción del (Nueva York)
Hugo Ball arte, no para proponer un nuevo código
(1886-1927) artístico, sino para construir una
categoría única: el antiarte.
Marcel Duchamp • El dadaísmo se presenta como la
expresión artística de la parte irracional Suiza (Zúrich)
(1987-1968)
e inconsciente del ser humano. (1916 hasta
1922 con motivo
Richard • Otra característica de este movimiento
de la Primera
Huelsenbeck es el uso del “collage” elaborado con
Guerra
(1892-1974) recortes y aplicado también a la pintura
Mundial).
como en el caso de la artista dadaísta
Hanna Höch Hanna Höch.
(1889-1978). • Dentro del dadaísmo, se encuentra el Hanna Höch. “Cut with the Kitchen Knife
Ready made: volver arte objetos de la Through the Beer-Belly of the Weimar
vida común y está enfocado en la Republic”.1919. Recuperado de
escultura. https://catalinamaruri.wordpress.com/collage
-y-fotomontaje/

67
DE STIJL Y EL Theo van De acuerdo con Farga (2012) se señalan Hacia 1917
NEOPLASTICIS Doesburg las siguientes características: surge en
(1883-1931) • Instauración de un nuevo código de Holanda un
MO arte que se pareció en ocasiones a la grupo
Piet Mondrian lógica matemática. denominado “De
(1872-1944) • Equilibrio compositivo basado en Stijl” (el estilo),
elementos asimétricos y disonantes. que plantea
Gerrit Rietveld • Se trataba de encontrar la armonía, el actitudes
(1888-1964) equilibro, de las tensiones originadas radicales
por la combinación de los elementos
Georges primarios de expresión.
Vantongerloo, • El estilo estudia las posibilidades
(1886-1965) combinatorias de la línea recta (negra)
y los colores puros. Composición II. Piet Mondrian.
• Elementos geométricos 1931.Recuperado de:
https://profeanacob.wordpress.com/2020/01/22
bidimensionales, no con efectos /analisis-comparativo-dali-mondrian/
tridimensionales.

ACTION Jackson Pollock De acuerdo con Farga (2012) se señalan Se desarrolla

PAINTING (1912-1956) las siguientes características: durante la
• Surge a partir del movimiento del segunda guerra
Franz Kline expresionismo abstracto. mundial en
(1910-1962) • Se tiende a considerar la pintura como Estados Unidos,
algo intraducible, donde el gesto, la Nueva York
Mark Tobey vida o la comunicación no existe. (década de los
(1890-1976) • Negación histórica de la pintura a 40s)
través de la exploración de formatos no
Robert Motherwell rectangulares para el cuadro.
(1915-1991) • Primacía del color y la acción del Convergence. Jackson Pollock.
movimiento natural de las pinceladas 1952. Recuperado de: https:
sobre el lienzo. https://historia-
arte.com/obras/pollock-convergence
• Las pinceladas se aplican buscando
una superficie plana, pura y sin
espacio.
• Desarrollo del Dripping, técnica de
chorreo de pintura sobre el lienzo,
directamente del tubo.

68
FUTURISMO De acuerdo con Farga en el libro “Historia Surge en Italia
Filippo Tommaso del Arte” (2012): 1909
Marinetti • Este movimiento es impulsado por: “La
necesidad de dotar a sus figuras de
(1878-1944) movimiento”.
En referencia con De la Peña en el libro
“Manual Básico de Historia del Arte”
Giacomo Balla (2008):
(1871-1958) • Se adoptan la descomposición
geométrica y las vistas simultáneas.
• El movimiento y la luz se comportan
Giorgio de Chirico como fuerzas físicas capaces de
deformar los cuerpos como si éstos
(1880-1978) fueran elásticos, por lo que cambian su
aspecto (De la Peña, 2008)
Visiones simultáneas. Umberto Boccioni.
1912. Recuperado de:
https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-
movement/futurismo#!#resultType:maso
nry

SURREALISMO Salvador Dalí De acuerdo con De la Peña (2008):

(1904-1989) Francia
• Se recurre al mundo de los sueños, (1925)
Remedios Varo donde es posible liberarse de lo
(1908-1963) convencional para descubrir debajo de
la realidad que vivimos otra distinta.
Leonora • También El espectador asume una
Carrington función diferente, pues ahora tiene que
(1917-2011) estimular su imaginación para intentar
descubrir posibles soluciones a los
Joan Miro enigmas que se le ofrecen, pretende
(1893-1984) escandalizar al público, que no puede
entender la obra dentro del sentido La persistencia de la memoria. Salvador
común Dalí. 1931. Recuperado de: https
https://www.culturagenial.com/es/pintura
De acuerdo con Farga (2012):
s-surrealistas/
• Se dan dos corrientes: el surrealismo
abstracto y el surrealismo figurativo.

69
ABSTRACCIÓN Paul Klee Según Farga (2012):
(1879- 1940) • El arte abstracto prescinde de todos los Rusia
elementos figurativos. antes de la
Wassily • Sus representaciones se basan en Revolución de
Kandinsky formas llenas de color que nada tienen 1917
(1866-1944) que ver con la realidad.
• Están ausente las figuras humanas, los
Kazimir Malévich paisajes, y todo elemento
(1879-1935) convencional.
• combinaciones de colores que (arriba) Amarillo, rojo y azul. Wassily
expresan un lenguaje sin formas, lo Kandinsky.1925. (abajo) Estudio de color
mismo que ocurre con la música. con cuadrados. Wassily Kandinsky.1913.
Recuperado de:
https://www.todocuadros.es/pintores-
famosos/kandinsky/

POP ART Según Farga (2012):

Andy Warhol Se desarrolló en
(1929-1987) • Representó el lenguaje de la sociedad Estados Unidos
de consumo. en los años
Roy Lichtenstein • Su denominación es la abreviatura del sesenta.
(1923-1997) llamado Arte Popular.
• Arte propio de la sociedad urbana.
• Su lenguaje se nutre de la publicidad y
se aleja de la naturaleza.
• Inicialmente, utilizó imágenes
conocidas con el fin de mostrar una
postura crítica hacia la sociedad de
consumo.
Marilyn Monroe. Andy Warhol.1967.
Recuperado de:
https://www.duna.cl/cultura/2017/06/13/la-
obra-de-andy-warhol-llega-a-chile/

70
MURALISMO Diego Rivera De acuerdo con Farga (2012) se señalan México (década
(1886-1957) las siguientes características: de 1920 según
el INBA).
David Alfaro • Además de ser una movilización de
Siqueiros carácter sociopolítico, también fue un
(1896-1974) movimiento artístico-social.
• Los murales fueron un medio de
José Clemente expresión artística de la situación
Orozco política y del pueblo; eran la forma de
(1883-1949). conmemorar la revolución y la historia
Nueva Democracia. David Alfaro Siqueiros
precolonial. (1896-1924). Mural Palacio de Bellas
José
• Basado en los colores e imágenes de Artes. Historia del Arte Bachillerato. Farga
Vasconcelos: M.(2012).
herencia indígena destacando al arte
promotor del
mexicano a escala mundial.
muralismo.

71
 EVIDENCIA 1. FICHA DESCRIPTIVA: MOVIMIENTOS
PICTÓRICOS
PONDERACIÓN: 40%

Estimado estudiante, llegó el momento de poner en práctica los

conocimientos adquiridos sobre el tema 2: Movimientos pictóricos del
siglo XIX y XX realizando la actividad que se describe a continuación:
Realizar una ficha descriptiva de una obra pictórica representativa de
por lo menos 3 diferentes movimientos pictóricos (ya sea del siglo XIX
o del siglo XX) siguiendo las siguientes instrucciones en orden:

1. Identificar una obra pictórica representativa de 3 diferentes movimientos a través de

una investigación en fuentes de consulta bibliográficas o digitales.
2. Las obras pictóricas seleccionadas deberán ser distintas a las mostradas en la
columna de OBRA PICTÓRICA REPRESENTATIVA que se encuentran en los
cuadros comparativos de MOVIMIENTOS PICTÓRICOS DEL SIGLO XIX y XX.
3. Colocar en la ficha descriptiva la imagen de la obra pictórica del movimiento elegido.
4. Indicar los siguientes datos relacionados con la pintura a describir:
o Título de la actividad: Ficha Descriptiva
o Movimiento
o Título (de la obra pictórica)
o Autor
o Año
5. De acuerdo con las características del movimiento pictórico (las cuales se pueden
encontrar en los respectivos cuadros comparativos del Siglo XIX y Siglo XX) realiza
el análisis de la obra seleccionada, identificando sus características particulares
específicas y finalizando con una opinión constructiva de la obra de acuerdo con tu
percepción (mencionar al menos tres características y una opinión en la ficha).
6. En la parte inferior de la ficha se deberá colocar el nombre, grado y grupo del alumno.

72
 7. El diseño del formato es libre, siempre y cuando se agreguen los datos descritos
previamente.
8. Materiales: La ficha podrá realizarse en un formato digital, utilizando los diferentes
programas o aplicaciones de edición con los que se cuente, o a mano, en este caso
se pueden utilizar diversos materiales, tales como lápices, lapiceros, plumones,
colores, hojas blancas, cartulina, entre otros.
9. Tu docente te solicitará entregar la presente evidencia de acuerdo con la modalidad
de estudio.
10. Te sugerimos consultar la lista de cotejo que se encuentra en la parte inferior de la
presente actividad para cumplimiento de todos los criterios que te permitirá alcanzar
el 40% de tu calificación, necesarios para la acreditación del bloque.

A continuación, te presentamos ejemplos que puede servirte de apoyo para visualizar

y diseñar tu formato de ficha descriptiva:

73
 BLOQUE II. LISTA DE COTEJO
Ev1. Ficha descriptiva de movimiento pictórico
Ponderación: 40%

CRITERIO SI NO OBSERVACIONES
Selecciona de forma asertiva una obra pictórica
representativa de por lo menos 3 diferentes
movimientos, las cuales deben de ser distintas
a las mostradas como ejemplos en los cuadros
comparativos de los movimientos pictóricos del
Siglo XIX y XX.
Coloca adecuadamente en la ficha la imagen
de la pintura a describir.
La ficha descriptiva incluye los siguientes datos
de la obra pictórica: Título de la actividad: Ficha
Descriptiva, movimiento, título, autor, año.
Describe de manera coherente las
características particulares específicas de la
obra pictórica, de acuerdo con las
características del movimiento pictórico al que
pertenece (mencionar al menos tres
características).
Analiza las obras pictóricas elegidas y aporta
una opinión constructiva para cada una de ellas
(mencionar al menos una opinión).
Utiliza adecuadamente el programa, aplicación
de edición, o materiales para trabajo a mano
que escoge para la realización de la ficha
descriptiva.
Implementa la creatividad en la realización de
cada ficha descriptiva
Entrega la actividad en tiempo y forma de
acuerdo con la modalidad.
Realimentación:

74
Tema 3. Técnicas pictóricas.
Estimado estudiante, en esta sesión abordaremos las técnicas pictóricas secas y
húmedas. Te invitamos a conocer las características, tipos, procedimientos básicos
de aplicación y sugerencias a considerar en cada una de ellas.
Asimismo, podrás visitar algunos enlaces sugeridos para una mejor comprensión
del tema.

Técnicas secas/técnicas húmedas.Mojica L. (1 de febrero de 2015). Recuperado de

http://estimulosmusicales.blogspot.com/2013/02/tecnicas-secas-tecnicas-humedas.html

3.1. Técnicas secas.

Las técnicas secas son aquellas en que la pintura es sólida, aunque untuosa, y no
es necesario disolvente para su aplicación. El pigmento se queda sujeto en la
rugosidad del soporte. (Jiménez M., y Medina, H.,2015).
El autor recomienda enmarcar el cuadro u obra pictórica terminada, protegido por
un cristal, ya que no se necesita de tiempo de espera de secado. Las técnicas secas
más comunes son las que describiremos a continuación.

75
 A. Grafito

¿En qué consiste la técnica de grafito?

De acuerdo con Parramón (1985) podemos definir “El lápiz de grafito o de

plumbago, llamado comúnmente lápiz de plomo, es el medio más característico del
arte de dibujar. El grafito es un mineral solido de brillo metálico y graso al tacto, fue
descubierto en el año 1560 en las minas de Cumberland al norte de Inglaterra, pero
hasta 1640 no llego a Francia como medio para dibujar”.
En 1792, debido a que Inglaterra rompió sus relaciones con Francia y suspendió el
suministro de grafito, el ingeniero y químico Nicolás Jacques Conté patento el lápiz
conté constituido por grafito mezclado con arcilla y cubierto con madera de cedro.
(Parramón,1985).
Técnica de Grafito
<<<<<

Paisaje dibujado con

lápiz blando 2B y con
bastón de grafito
sobre papel satinado.
Parramón, J. M.
(1985). el gran libro
del dibujo [Libro
electrónico].
Parramón.
https://es.slideshare.n
et/clipofide/el-gran-
libro-del-dibujo

Tipos de grafito
Tal como lo estudiamos en el bloque anterior, de acuerdo con Parramón (1985) “los
fabricantes ofrecen hoy lápices de diferentes calidades y gradaciones también
diferentes”. Podemos encontrar lápices de calidad superior con 19 gradaciones.
Indicados con una B (blandos), para dibujo artístico; ejemplo: 2B, 6B, 8B etc.
Indicados con una H (duros), para dibujo técnico; ejemplo: H, 2H, 5H, 7H etc. (las
gradaciones HB y F son neutras)”. (Parramón, 1985).

76
 ¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?
Este apartado te resultará familiar, ya que en el tema 3.1 del Bloque I practicamos algunas
técnicas o procedimientos de aplicación del claroscuro por medio del lápiz grafito. Puedes
aplicarlo utilizando el ashurado, difuminado o puntillismo en cada una de tus propuestas
pictóricas. Es importante recordarte que tomes en cuenta la presión del lápiz y de los
dedos en la técnica del difuminado.

Técnica de Grafito
<<<<<

Lápices de distintas durezas. Matín, G. (2019).Fundamentos del dibujo Artístico. Recuperado de

https://doku.pub/download/fundamentos-del-dibujo-artisticopdf-5lwovergr2qj

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la técnica

del grafito?

Dibujamos ante el caballete, con el tablero vertical o medio sentados; o dibujamos

sentados del todo, con el tablero más o menos inclinado, sin llegar nunca a una
posición tal que pudiera parecer la del que está escribiendo con letra menuda en
vez de estar dibujando. Dicho con otras palabras: la distancia mínima desde los ojos
del artista al papel de dibujo ha de ser de 45 y 65 centímetros.

Con el palo dentro de la mano: esta es la forma habitual, la más práctica para que
el artista pueda dibujar trazos, grisados y degradados amplios, con el brazo
extendido siguiendo la marcha de todo el dibujo, dibujando arriba o abajo, a derecha

77
o izquierda, sin ninguna dificultad. Una manera de coger el lápiz que permite sobre
la marcha, presionar ligeramente sobre el papel para aumentar la intensidad de una
sombra, de una zona negra, etc. Naturalmente, estas formas de coger el lápiz
responden a la necesidad de dibujar a tamaños relativamente grandes de unos
40x30cm como mínimo. Para dibujos pequeños estos comentarios no valen.

Escanea para más información

respecto a la técnica de lápiz
grafito.

B. Carboncillo

¿En qué consiste la técnica del carboncillo?

Esta técnica consiste en la utilización de un trozo de madera carbonizado que

permite rayar la superficie del papel con un trazo fuerte de color negro (Matín,2019).
El artista de hoy dibuja al carboncillo para proyectar el tema, la iluminación y la
composición para estudio de figuras. Principalmente de figura desnuda para
proyectos y cartones (bocetos a escala reducida de pinturas murales) y para el
dibujo inicial de cuadros al óleo, con la ventaja, en este caso, de que el carboncillo
se borra fácilmente pasando un trapo, pero deja una señal tenue que permite
rectificar o pintar encima sin dificultad.
El carboncillo se fabrica en bastones de unos 13 a 15 centímetros por diámetro que
va desde la ramita de 5 milímetros a la rama de hasta 1.5 centímetros. Algunas
marcas ofrecen 3 gradaciones: blando, medio y duro.

78
 Técnica del carboncillo
<<<<<
El
carboncillo
permite
combinar
con suma
facilidad
trazos,
tonos,
difuminado y
degradados.
(Matín, G.
2019).

Matín, G. (2019).Fundamentos del dibujo Artístico. Recuperado de

https://doku.pub/download/fundamentos-del-dibujo-artisticopdf-5lwovergr2qj

Tipos de carboncillo
Derivado del carboncillo el lápiz carbón, conocido también como lápiz o crayón
conté, está constituido por una mina de carbón vegetal y sustancias aglutinantes
protegidas por la madera del lápiz. Se fabrica en tres, cuatro y hasta seis
gradaciones, indicadas con números, con letras o con los términos blando duro etc.
Hay que mencionar, también el carbón en polvo, un medio que generalmente se
combina con cretas o carbón comprimido contando siempre con aplicarlo mediante
difuminos y dedos.

¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?

Tomando en consideración el libro “Fundamentos del dibujo Artístico”, Matín G.
(2019) menciona que el carboncillo puede utilizarse de diferentes maneras:
✓ Colocando la barra a lo ancho o con la punta en forma de cuña
✓ Girando y variando la presión sobre ella, es posible realizar trazos fluidos,
bien sean suaves e indecisos o audaces y con fuerza.
✓ Efectos de difuminado (estudiados en el bloque I).
✓ Con el carboncillo transversal se crean amplios grisados, tan anchos como
79
 la longitud de la barra. Al realizar continuos movimientos de la manos, se
transforman en trazos longitudinales.

Técnica del carboncillo

<<<<<

Matín, G. (2019).Fundamentos del dibujo Artístico. Recuperado de

https://doku.pub/download/fundamentos-del-dibujo-artisticopdf-5lwovergr2qj

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la

técnica de lápices de colores?

Papel: Primero el papel deberá ser de grano medio blanco o de color, verjurado
Ingres, Cansón mi-tintes, strathmores, etc
Borrador: la goma de borrar será preferentemente, del tipo absorbente, aunque
después de la goma absorbente es bueno borrar con una de plástico. Por último,
una vez terminado el dibujo hay que fijarlo.
El primer condicionamiento del dibujo al carboncillo y en cierto modo del lápiz
carbón, es el hecho de dibujar con una punta que difícilmente puede mantenerse
aguda y constante como el lápiz plomo, lo cual supone y obliga a dibujar de manera
más libre, menos precisa y desde luego, a una escala más amplia; con el carboncillo
no pueden dibujarse miniaturas.

80
Tamaño de la hoja: Los estudios de figura al carboncillo suelen hacerse a media
hoja como mínimo (35 x 50 cm). Por lo mismo el dibujo al carboncillo ha de ser más
libre, más suelto que el dibujo a lápiz plomo.

Escanea para más información

respecto a la técnica de
carboncillo.

C. Lápices de colores
¿En qué consiste la técnica de lápices de colores?

En el libro Así se pinta con los lápices de colores de Parramón (1988) menciona
que “hay una cualidad que el lápiz de color no comparte con ningún otro medio:
con ellos podemos realmente dibujar (trazar líneas) y podemos realmente pintar
(manchas de color)”.
La mina de los lápices de colores está constituida básicamente, por pigmentos
colorantes mediante cera y barnices y protegida por el lápiz de madera de cedro
(Parramón 1985).
Seguramente desde preescolar iniciaste dibujando con esta técnica seca desde un
enfoque experimental, ya que su aplicación no tiene un alto grado de dificultad y en
este apartado podrás conocer las diversas formas de implementar los lápices de
colores, así como las sugerencias de manejo.

81
 Técnica de lápices de colores
<<<<<

El gran libro del dibujo. Parramón M. (1985).

Tipos de lápices de colores

Lápices de colores: se fabrican en calidad escolar, presentados en cajas de 12
colores y calidad profesional y existen de 24, 36, 40, 60 y 72 lápices de colores
diferentes de acuerdo con el gran libro del dibujo de Parramón (1985).
Lápices de colores acuarelables: los lápices acuarelables cumplen una doble
función. Por una parte, pueden realizar su trabajo de toda la vida; es decir, dibujar
trazos como cualquier otro lápiz. Pero si a esos trazos se les añade agua con un
pincel, se funden entre sí para tomar la apariencia de una mancha resuelta con
acuarela. he aquí la segunda función. (Parramón, 1988).
Los sticks: los sticks o bastones “todo mina” están constituidos por barras
fabricadas por las mismas materias que las minas de los lápices de colores. Dada
su anchura, la utilidad fundamental de los bastones se encuentra en la resolución
de fondo y grandes áreas de color, pintando de plano con trozos de barra como si
fuera pastel. (Parramón,1988).

Técnica de Lápices de Colores

<<<<<

Los sticks y lápiz acuarelable. Así se pinta con lápices de colores. Parramón J. (1988). Recuperado de
https://www.google.com/amp/s/www.librosarq.com/dibujo/asi-se-pinta-con-lapices-de-colores-jose-m-
parramon/amp/

82
 ¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?
De acuerdo con Parramón (1988) en su libro Así se pinta con lápices de colores
menciona que “las técnicas para pintar con lápices de colores tienen 5
procedimientos o posibilidades: lineal, tonal, de grattage, del esgrafiado y del
blanqueado”.
Lineal: se consigue mediante la superposición de líneas cruzadas que forman
tramas. En determinadas zonas de tonos más intensos, hay más capas de líneas
superpuestas y el tramado es más tupido. En las más claras sucede lo contrario y
se trabaja siempre de menos a más.
Tonal: es el procedimiento más clásico en la que se modelan volúmenes, se valora
y matiza manchando de color con el lápiz en la que se pueden combinar la mancha
y el trazo, procurando trabajar siempre con suavidad para obtener un resultado
suave y armonioso.
Grattage: (o raspado en castellano) consiste en pintar el modelo normalmente,
mediante la técnica tonal, con colores claros. Seguidamente se aplica encima una
nueva capa de color. Los mismos de antes, en una valoración más oscura y se toma
una lanceta raspa y a cada trazo que hagamos, se quitará a la cera del segundo
color, quedando debajo y visible, el pigmento de la primera capa.
Esgrafiado: consiste hacer un dibujo lineal del modelo a lápiz grafito sobre un papel
vegetal. después fijamos este papel vegetal papel de dibujo mediante un punzón de
punta roma o un bolígrafo, repasamos las líneas de lápiz sobre el vegetal
presionando de modo que consigamos hacer hendiduras en el papel de dibujo de
abajo. Al retirar el papel vegetal habremos obtenido una especie de dibujo del pájaro
resuelto a base de hendiduras en el papel que quedó abajo. Posteriormente se
procede a pintar sobre la base o soporte con los lápices de colores empleando la
técnica tonal.
Blanqueado: consiste en aplicar con intensidad el color blanco a un trabajo que se
ha resuelto previamente mediante la técnica tonal normal. Con el lápiz blanco se

83
 funden trazos, se hacen desaparecer los efectos propios del grano del papel, se
aclaran los colores… (Parramón,1988).

Técnica de Lápices de colores

<<<<<

Procedimientos en orden: lineal, tonal, de grattage, esgrafiado y blanqueado. (imagen). Así se pinta con lápices de colores. Parramón J. (1988).
Recuperado de https://www.google.com/amp/s/www.librosarq.com/dibujo/asi-se-pinta-con-lapices-de-colores-jose-m-parramon/amp/

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la

técnica de lápices de colores?

Según Parramón (1988) mencionamos las siguientes sugerencias:

El papel: Según Parramón (1988) menciona que con lápices de colores es posible
pintar sobre cualquier papel siempre que no sea excesivamente satinado y rugoso:
desde un papel de dibujo de calidad corriente hasta un papel de embalar.
Posición del lápiz: La posición del lápiz no debe ser muy
inclinada, evitando así el riesgo que la mina se rompa. (Parramón,
1985).
Implementación de colores: Con solo 3 colores amarillo púrpura
y azul medio (y negro) es posible componer
El gran libro del
todos los colores de la naturaleza según la dibujo. Parramón
M. (1985).
teoría de Van Gogh publicada en “Las famosas
El gran libro del cartas a Theo”. (Parramón,1985).
dibujo. Parramón
M. (1985).

Afilado de lápiz: el afilado de lápiz es también importante de acuerdo con Parramón

(1988) “siempre debe mantener una buena punta y hay que estar atentos a su
desgaste, que es rápido en los lápices de color. Para grandes áreas y áreas de

84
extensión media, mina poco afilada, redondeada. para pequeños toques de detalle,
mina francamente afilada”. (Parramón,1988).
La presión del lápiz: es pues importante, ya que para pintar un tono o para mezclar
colores, debe correr suavemente sobre el soporte. Si quieres que un color pinte
neto, intenso, deberá presionar más.
Tomar correctamente lápiz. El lápiz para dibujar se toma como para escribir, un
poco más arriba. También se puede sostener con el palo dentro de la mano.
La goma de borrar: Puede usarse sobre trazos suaves iniciales, o para rebajar
tonos que se han obtenido sin presionar apenas el lápiz. en zonas muy trabajadas
no sólo resulta inútil sino también completamente nociva ya que el trabajo se puede
ensuciar sin la menor posibilidad de reparación.
Procure ponerse cómodo para trabajar: un tablero inclinado es lo ideal. Pero
también puedes trabajar sobre una mesa horizontal si el dibujo que haces es de
pequeño formato.
Al momento de dibujar-pintar con lápices de colores según Parramón (1988) lo
mejor en estos casos, es tener guardados en la mano izquierda los 7 o 10 lápices
que usamos más a menudo, mientras dibujamos con la derecha. eso nos evita el
buscar cada vez los colores en la caja o tener los lápices almacenados en un tarro.
Aplicación de los lápices de colores: de acuerdo con Parramón (1988) se sugiere
el siguiente orden:
✓ Se recomienda hacer un dibujo lineal del modelo a pintar con el
objetivo de plasmar las formas esenciales del modelo y los detalles,
presionando muy suavemente el lápiz, por si se tiene que borrar algo.
✓ Es recomendable iniciar el dibujo con lápiz azul y no con lápiz grafito
porque se puede manchar el papel.
✓ La segunda etapa consiste en llenar de color suavemente en todo el
paisaje o propuesta pictórica (recuerda los procedimientos que
puedes aplicar).
✓ Una opción para degradar con los lápices de colores se comienza por
trazar en zigzag con el lápiz, de arriba abajo, disminuyendo
progresivamente la presión de la mina sobre el papel.

85
 (Parramón,1985).
✓ Si en algunas partes quedaron zonas de tono irregular o más claras
de lo que deseábamos, podemos retocar con sumo cuidado.
✓ Pinte siempre de menos a más: aplicando primero los tonos menos
intensos para ir superponiendo, progresivamente, los más intensos.
✓ Para crear sombras se puede utilizar los colores: púrpura, azul y
negro.

Técnica de lápices de colores. (imagen). Así se pinta

con lápices de colores. Parramón J. (1988).
Recuperado de
https://www.google.com/amp/s/www.librosarq.com/
dibujo/asi-se-pinta-con-lapices-de-colores-jose-m-
parramon/amp/

Escanea para más información

respecto a la técnica de
carboncillo.

86
 D. Rotuladores

¿En qué consiste la técnica de los rotuladores?

En el gran libro de dibujo, Parramón (1985), menciona que “el rotulador es un

invento japonés de los años 60. Una especie de pluma-fuente, con un depósito
constituido por una mecha que almacena latente conecta con un palillo de poliéster,
en el que un conjunto de micro agujero transporta la tinta a la punta.
De acuerdo con Antonino (1988) en su libro dibujando con rotuladores menciona
que “Se puede dibujar cualquier cosa, con cualquier estilo y con cualquier grado de
acabado”.
Las ventajas de esta técnica es su facilidad de manejo, la ausencia de un equipo
complicado y la rapidez con que se puede resolver el trabajo

Técnica de rotuladores
<<<<<

El gran libro del dibujo. Parramón J. (1985).

Tipos de rotuladores
Rotuladores de alcohol: la tinta está echa básicamente de pigmentos y alcohol,
en realidad de xileno, solución parecida al alcohol.
Rotuladores de agua: Además de rotuladores de alcohol, los hay, también, de
agua, destinados generalmente a los niños.
Rotuladores con 3 puntas y gruesos diferentes: punta ancha para llenar
rápidamente espacios anchos; punta mediana para pintar pequeños detalles; y
punta fina para dibujar y perfilar contornos.

87
 Técnica de rotuladores

El gran libro del dibujo. Parramón J. (1985).

¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?

De acuerdo con el contenido del libro dibujando con rotuladores de Antonino

(1988) podemos mencionar las siguientes:
Tramados de líneas: donde verdaderamente se puede trabajar de forma creativa,
ágil y divertida, es en las ilustraciones a rotulador de color hechas mediante
tramados de línea. Primero se recomienda trazar un boceto a lápiz y posteriormente,
se empiezan a trazar líneas en zig-zag. Los tonos se obtienen aplicando capas
sucesivas de tramados de distinto color, unas sobre otras, y dando los colores más
oscuros sobre los más claros. Se inicia con los colores claros, ya que el rotulador
no admite corrección, no se puede aclarar lo que es oscuro.
Mancha y línea: Se trata de la técnica más sencilla y, en ocasiones, también la más
espectacular. Está resuelta, fundamentalmente, con manchas de color (más unas
cuantas líneas gruesas). Es un dibujo atractivo, de impacto directo y soluciones
eficaces. Hay que tener un boceto previo a lápiz que delimite con precisión las
distintas zonas de color. Después basta con ir manchando sucesivamente dichas
zonas con los tonos elegidos.
Los puntos: el punteado es la técnica donde el rotulador presta sus mejores
servicios (junto con el uso de tramas y manchas netas). Con el rotulador, debemos

88
 crear tonos mediante la yuxtaposición de los distintos colores que los produzcan.
Unos tonos necesitan mayor número de colores que otros, y esto es independiente
del número de ellos que pongamos para conseguir efectos de luz y oscuridad.
A la hora de colorear con puntos habrá que tener en cuenta lo siguiente: para la
consecución de los tonos es preciso usar todos los colores que sean necesarios
hasta conseguirlos: tres, cinco, siete, etc. Para los efectos de claridad u oscuridad
lo que importa es la densidad mayor o menor de los puntos. Y eso es todo.
Naturalmente, hay que hacer, en primer lugar, un boceto que indique formas y áreas
de tonos distintos.
Líneas, puntos y machas: es la técnica donde se combinan todos los
procedimientos posibles en un trabajo que es un apunte rápido del natural.

Técnica de rotuladores
<<<<<

Técnicas de rotuladores. Dibujando con rotuladores. Antonino, M. (1988) .Recuperado de

https://www.google.com/amp/s/www.librosarq.com/dibujo/dibujando-con-rotuladores-martin-antonio/amp/

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la

técnica de rotuladores?

Tipo de papel recomendado: son de folio tipo "Galgo". Con un rotulador se puede
dibujar sobre cualquier soporte de textura alisada. Lo más normal, por supuesto, es
el papel, las cartulinas y los cartones. Sobre ellos centramos nuestra atención.

89
Aplicación de la técnica: recordemos que debemos pintar de menos a más, de
claro a oscuro según Parramón (1985) y Antonini (1988).
Mezcla: La tinta de los rotuladores es transparente; la mezcla de colores puede
hacerse empleando los procedimientos anteriormente mencionados.
Cuidados mínimos: No hay que limpiarlos, no hay que cargarlos y no necesitan
ningún material accesorio suplementario.
✓ Taparlos siempre que no se estén usando. Las tintas de todos los rotuladores
son muy volátiles, y, si usted se los deja destapados durante unas pocas
horas, lo más probable es que se lo encuentre semiseco cuando quiera volver
a utilizarlo.
✓ Las puntas de los rotuladores, tanto las de fieltro, como las de fibra sintética,
son delicadas. Si las presionamos demasiado intensamente sobre el soporte
o las golpeamos, se pueden deteriorar con cierta facilidad. Los rotuladores
se deslizan sobre el papel con extremada suavidad y libres de trabas
mecánicas. Por lo tanto, la delicadeza será nuestra norma de conducta en
este aspecto.
✓ Evitar que los rotuladores se caigan al suelo cuando están destapados. Si se
precipitan de punta, ésta puede quedar inservible, sobre todo en el caso de
los finos.

Técnica de rotuladores
▪ <<<<<

El gran libro del dibujo Parramón J. (1985).

El rotulador supera a cualquier medio artístico conocido cuando se utiliza para

aplicar manchas netas de color (sobre todo negras).

90
 Escanea para más información
respecto a la técnica de
rotuladores

E. Ceras

¿En qué consiste la técnica Ceras?

La técnica cera se trata de barras gruesas, envueltas en papel para evitar que se
pongan blandas con el calor de la mano y en una gama amplia de colores fuertes,
brillantes y luminosos. La composición de estas barras de colores es: cera, aceite
de linaza y pigmentos y son idóneas para rellenar superficies grandes o definir
trazos (Valenciano,2006).
Como dato interesante te compartimos que, el antecedente histórico de la técnica a
la cera es la técnica de la encáustica “La palabra encáustica viene del griego
“enkaustikos”, que significa <<grabar a fuego>> fue desarrollada en el arte Griego
Antiguo ya en el siglo VI a.C. (Muñoz 2013)”.

Técnica Ceras

“Retrato de momia de mujer.
Encáustica sobre madera. Hawara,
Periodo Romano de Egipto, c. 55-
70. British Museum”
Recuperado de
https://dibujourjc.files.wordpress.co
m/2014/03/encaustica.pdf
Ceras, Imagen tomada de “El gran libro
del dibujo”, Parramón (1985).
Sin título, Joan Miró 1967.
Cera sobre cartón. 15x24,8 cm Recuperado de:
https://artistica.mineduc.cl/wp-
content/uploads/sites/58/2016/04/TECNICAS-
ARTISTICAS.pdf

91
 Tipos de ceras
Para hablar de los tipos de cera, nos basamos en el video “Como pintar con pinturas
de cera”, subido el 7 de octubre 2013, en el Canal “Pintar con Marta”, donde la artista
Marta Ferreras comparte los siguientes conocimientos:
Según su uso podemos clasificarlas de manera muy práctica, en dos tipos.
• Ceras escolares o crayones de cera (uso escolar): “Estas son las que
conocemos por ser para niños (no toxicas), no se rompen (son más resistentes),
sin embargo, pintan muy poco, no nos permiten tantas posibilidades como las ceras
blandas. Es decir, contienen poco pigmento.
• Ceras blandas (uso artístico): Son realmente útiles para hacer una pintura, se
pueden utilizar directamente en barra e ir difuminando. Son ceras con gran
pigmentación.

Técnica de pintura a la cera

<<<<<

Crayones de cera, s/t. s/a Imagen Técnica a la cera, dibujo de Ceras y resultado final, 7 de octubre 2013,
propiedad de depositphotos Recuperada anciano, Sin título, imagen Recuperado del canal: pintando con Martha.
de: https://sp.depositphotos.com/stock- tomada de: “El gran libro del https://www.youtube.com/watch?v=Ych2exl4ypA
photos/crayones-de-cera.html dibujo”, J.M. Parramón, 1985.

¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?

De acuerdo con la artista Marta Ferreras en el video previamente mencionado, te
compartimos el procedimiento realizado “Ceras sobre papel”:
1.- Se comienza realizando un boceto, con líneas suaves, incluyendo todos los
elementos a dibujar sobre el soporte (papel o tela).

92
2.- Se pueden trazar las líneas directamente con las ceras de manera firme o bien,
difuminando suavemente, hay que tener cuidado con que se empaste es decir de
que se seque la mezcla de dos o más colores, después de esto, ya no admite más
color.
3.- Observa las zonas de luz y sombra, se pueden ir colocando sombras con tonos
oscuros sin usar negro, también se pueden colocar como medios tonos más de un
color para mezclarlos. Se deber ir detallando las sombras con tonos oscuros, o
dependiendo si directamente quieres intensificar utiliza el tono negro.
4.- Para lograr que una capa de pintura de cera quede muy fina puede pasarse un
algodón encima, después de pueden dar otras capas de color encima.
5.- En caso de que desees lograr una textura del color del papel: con el extremo de
un palillo de madera raspa y quitar color, aparecerá el color que esté debajo.
6.- Pueden darse encima los tonos claros con la crayola blanca.
7.- De manera opcional se puede pasar con una cera de otro color por encima de
algunas zonas para dar más matices a tu pintura.
8.- Al finalizar puedes difuminar todo con un algodón en las zonas que decidas.

Sugerencias de manejo de la técnica Ceras:

• Sobre el soporte para esta técnica Valenciano (2006) nos dice: “Pueden
utilizarse sobre cualquier soporte, papel, cartulinas, cartón, madera o incluso
tela. Por su blandura se puede conseguir una gran variedad de texturas”.
• Para difuminar utiliza tus dedos o un difumino de papel teniendo en cuenta lo
siguiente “El difumino de papel es un material seco, la piel de los dedos en
cambio transpira siempre cierta cantidad de sudor y grasa que en cierto modo
aglutina y fija los colores al pastel (Parramón, 1985)”

Similitudes entre Cera y Pastel Según Parramón (1985):

Ten en cuenta las siguientes características de esta técnica y la siguiente:
1. Pintado por frotación y posibilidad de difuminar con los dedos.

2. Son colores cubrientes. Sobre una mancha pintada con color carmín.

93
 3. Borrar es difícil…Una mancha color carmín oscuro que ocupaba todo
el espacio. Con un <<cutter>> me he llevado la capa de cera o grasa.
Finalmente he frotado la goma obteniendo el resultado B, sin eliminar toda la
mancha de color.
4. Dibujando en negativo. La aplicación de un color oscuro sobre uno
claro ha de hacerse suavemente para que no degenere en la mezcla
de ambos colores. Después se puede raspar y dibujar con el
<<cutter>> con trazos negativos.
5. Resolución de lavados con aguarrás, utilizando un pincel de pelo sintético,
pudiendo pintar aguadas, como si fueran lápices de colores acuarelables.
6. Posibilidad de pintar veladuras. Ayudado por un pincel,
disolviendo virutas de color con un poco de aguarrás, se consigue
Imágenes
tomadas de
color líquido que permite pintar veladuras (capas superpuestas
El gran libro
del dibujo, transparentes).
Parramón
(1985).

• ¿Quieres conocer las técnicas de la pintura a la

cera de manera más específica?
• Observa el siguiente video

Escanea para más información

94
 F. Pastel

¿En qué consiste la técnica al pastel?

La técnica al pastel se trata del uso de gises pastel sobre papel, “Los pasteles son
barras o bloques de pigmento en polvo muy fino mezclados con una base de arcilla
cotiza y un aglutinante, que suele ser goma o resina. Se les da una forma que
permite agarrarlos con comodidad” (Tappenden,2016).
Dentro de las características principales de los pasteles “su aplicación es rápida lo
que los convierte en un medio ideal para plasmar situaciones efímeras,
especialmente en entornos naturales o cuando la luz cambia con rapidez”
(Tappenden,2016).

Técnica Pastel
Caja de oleos al pastel,
Imágenes tomadas de El
gran libro del dibujo,
Parramón (1985).
<<<<< “Bailarinas en Rosa”, Edgard Degas,
Gis al pastel sobre papel, 1898.
Recuperado de: https://cdn-
5ee28e34c1ac1b126c15dd22.closte.co
m/wp-
content/uploads/2016/10/1385081767-
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Tipos de Pasteles
En el libro “Pintura al pastel. Práctica, materiales y proyectos” Tappenden (2016)
clasifica de la siguiente manera:
Hay pasteles de tres grados de consistencia: blandos, medios y duros. Las gamas
más blandas suelen ofrecer una paleta de colores más brillante.
• Pasteles blandos: Son los más utilizados puntos se deshacen cuando se
aplican sobre una superficie de dibujo, y dejan un acabado aterciopelado. Al
llevar menos aglutinante y más pigmento, se deslizan por la mayoría de las
superficies junto con ello se pinta mejor en el sentido estricto del verbo coma
pues permiten cubrir zonas amplias de manera más densa, y son fáciles de
mezclar y difuminar. Al principio, aplicar el grado justo de presión puede ser
un problema porque las barras se deshacen si se aprietan demasiado.
95
 • Pasteles duros: Tienen mayor consistencia coma por lo que son más
apropiados para procesos relacionados con el dibujo se les puede sacar
punta con un cúter o una navaja para obtener líneas más nítidas y precisas,
o partirlos en dos, si preferimos barras más cortas punto los pasteles duros
son la mejor opción para los primeros bocetos y las fases preliminares coma
y son excelentes para acentuar, realzar y dar los últimos retoques.
• Los lápices pastel: Parecen lápices de madera coma y suelen ser caros
puntos su ventaja es que no se rompen, aunque si se caen contra una
superficie dura, la mina se suele hacer pedazos. Cómo se les puede sacar
punta fina, son muy útiles para trabajos minuciosos o para procesos y
técnicas que tienen más que ver con el dibujo.
• Pasteles al óleo: Se sustituye la goma arábiga por un aglutinante oleoso,
por lo que la pintura se extiende como la mantequilla sobre el papel. Aunque
no son tan fáciles de mezclar con otros formatos, tienen colores más
profundos y vivos. Se deshacen menos, así que son idóneos para hacer
bocetos al aire libre. Los trazos son amplios y directos, parecen pinceladas
de pintura al óleo, se pueden mezclar con medios a base de alcohol o
esgrafiar con herramientas afiladas.

Técnica Pastel
<<<<<

Dibujo de caballos al pastel, Sin título, Propiedad de Canson M.R., s/ f, Recuperado de:
https://www.lateliercanson.es/cuatro-tecnicas-de-pastel-para-variar-los-efectos

¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?

Con base en la página oficial de la empresa CANSON (especializada en papeles
para trabajos artísticos) clasificaremos los procedimientos básicos de la técnica al
pastel de la siguiente forma:
96
 • Los pasteles secos (blandos o cuadrados). Se
utilizan de tres maneras:
1.- El canto de la barrita (A), frotado con gestos
horizontales, para extender zonas planas y cubrir con
rapidez las zonas amplias: utiliza un pedazo de dos
centímetros mejor que una barrita entera, más difícil de
aplicar uniformemente.

2.- La punta (B) o la arista (C), para dibujar con

precisión.
Imagen para identificar zonas de
gis en barra.
Sin título, s/f recuperado de:
https://www.lateliercanson.es/cua
3.- El extremo plano (D) (coloca la barrita verticalmente,
tro-tecnicas-de-pastel-para-
variar-los-efectos perpendicular al papel), para obtener trazados gruesos
y muy suaves.

Recuerda: la fuerza del trazo varía según la presión que ejerzas en la barrita y el
grano del papel. Fluido y regular en una superficie lisa, será más brusco y
entrecortado en un soporte rugoso.
• Los pasteles al óleo. Pueden utilizarse de dos maneras:
- Como lápices: luego fundirás o extenderás los trazos con el dedo o un pincel
empapado en aguarrás.

- Como la pintura: retirando el color de un extremo de la barrita con ayuda de un

pincel humedecido (con aguarrás), y aplicándolo en el soporte.

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta en la aplicación de la técnica

pastel?

A la izquierda el primer dibujo tiene unas líneas guía con un

lápiz de color blanco antes de la aplicación del color. Dibujo
sin título, Imágenes tomadas de El gran libro del dibujo,
Parramón (1985).

• Los Medios auxiliares del pastel: Un lápiz blando, lápices sanguina y

particularmente un lápiz de creta blanca son auxiliares perfectos para dibujar
líneas brillos, puntos y pequeñas formas (Parramon,1985).

97
 • Encontrarás pasteles de diversas formas y tamaños trata de comprar los que
mejor respondan a tus necesidades y siempre que puedas pruébalos primero
(Tappenden, 2016).
• Sobre el soporte o papel para la técnica Tappenden (2016) nos dice:
Debemos tener en cuenta varios aspectos: la textura, o el grano, que retendrá
las partículas del pastel; El valor o brillo (si es claro, medio u oscuro) y el tono
o matiz (color).
Papel de dibujo: Es el más fácil de encontrar y con el que se hacen la mayor
parte de los cuadernos de bocetos. Va bien para tomar apuntes y dibujar
objetos sencillos.
Papel para acuarela: Entre las distintas superficies, están las prensadas en
caliente (lisas), las prensadas en frío (textura media) y las de textura rugosa.
A mayor rugosidad mayor eficacia a la hora de dibujar al pastel. No es
necesario tensar este tipo de papel.
Papel para para pastel: Representan una textura más pronunciada en una
de sus dos caras…En un papel claro, los trazos se integran de forma
armónica, mientras que en uno oscuro producen nuevos contrastes.
Ejemplos de estos papeles: canson, mi teinte, e ingres.
• Guarda los pasteles en un estuche bien cerrado lleno de arroz. El arroz
protege las barras, pues evita que se muevan al transportarlas y su capa de
almidón ayuda a mantenerlas limpias (Tappenden, 2016).
• Admitido que los dibujos al pastel no deben ser fijados, es necesario
protegerlos con una hoja de papel normal pegándola por el dorso al lado
superior del dibujo, de manera que se quede protegido de restregados y
roces (Parramon,1985).
¿Quieres observar procesos de la técnica pastel? Te sugerimos ver el siguiente video:

Escanea para más

información
respecto a la 98
técnica de lápices
de colores00
3.2. Técnicas húmedas.

Las técnicas húmedas son aquellas en la que los pigmentos se encuentran diluidos
en un medio acuoso o aceitoso y los colores se aplica con la ayuda de pinceles
instrumentos.
Las técnicas húmedas requieren que se utilice un papel rugoso y poroso
Entre las pinturas encontramos técnicas en base al agua (la acuarela, la pintura
acrílica, las témperas o el Gouache) y en base al aceite el(óleo) en base al alcohol
y alquídicos.
En una pintura al agua cuyo aglutinante es la goma arábiga. A diferencia de la
acuarela el pigmento se muele más grueso, actualmente existen témperas que
contienen plástico.
La pintura con temperas es más opaca y tiene
menos luminosidad que la acuarela. Se utilizan
para elaborar temas muy elaborados. Es la
pintura más utilizados en aquellos que no somos
profesionales. (Lopera,s.f.).

Exposición y concurso de Pintura (octubre de 2019). COBATAB

A. Técnica de acuarela.

¿En qué consiste la técnica de acuarela?

Según Tapenden (2015) “Es una de las técnicas más prácticas para trabajar, y su
variedad y adaptabilidad la hacen idónea para casi cualquier tipo de estilo de pintura
o situación. Con unos lavados de color se puede dar vida a un boceto a lápiz o tinta
ejecutado con rapidez, y un fluido dibujo a pincel es capaz de captar la atmósfera
del momento con facilidad.
En el libro Conozcamos sobre la técnica de acuarela Lopera (2003) nos mencionan
los siguientes datos importantes sobre esta técnica.
Según Fresquet los colores a la acuarela están constituidos por pigmentos
colorantes de origen vegetal, mineral o animal aglutinados con agua y goma
arábiga, a la que se le añaden otros ingredientes como glicerina, miel y un agente
99
 conservador. La glicerina y la miel hacen maleable a la goma arábiga, evitando
posteriormente el cuarteamiento de las capas de pintura algo densos. Los colores,
una vez preparados se presentan en pasta, envasada en tubos de estaño, o bien
en placas o pastillas solidas acondicionadas en pequeños godeds o pocillos de
plásticos o metal pintados de blanco. (Parramón, 1963).
El agua es el líquido que sirve para mezclar, diluir y aglutinar los pigmentos. De aquí
toma su nombre la técnica de la acuarela.

Técnica de Acuarela
<<<<<

Fresquet pinta una manzana. Parramón, J.,Fresquet G. Cómo pintar a la acuarela. (1963) Recuperado de Como pintar a
la Acuarela | José María Parramón - Guillermo Fresquet | download (b-ok.lat)

Tipos de acuarela
De acuerdo con el libro Acuarela Práctica, Tappenden (2015) menciona los
siguientes tipos:
Pastillas: se venden en forma de bloque y se conocen como pastillas o medias
pastillas, vienen en cajas o sueltas envueltas en papel.
Tubos: son excelentes cuando tenemos que mezclar grandes cantidades de
pintura, aunque hay que tener mucho cuidado porque al ser tan vistosos pueden ser
bastante fugaces y acaban decolorándose al exponerlos a la luz del Sol.
El guache: es pigmento de acuarela mezclado con blanco de zinc, lo que hace que
su color sea más plano y opaco. Permite pintar a la inversa, de oscuro a claro, y es
perfecto para añadir brillo para trabajar sobre papeles de color.
De acuerdo con Fresquet existen buenas marcas que fabrican excelentes colores a
la acuarela. Entre esto cabe destacar Rembrandt, Talents, Watteau, Paillar, Pelican,
etc. En España se fabrican, entre otros la marca Pescador y Taker. (Parramón y
Fresquet,1963).

100
 Técnica de Acuarela
<<<<<

Parramón, J.,Fresquet G. Cómo pintar a la acuarela. (1963) Recuperado de Como pintar a la Acuarela | José María
Parramón - Guillermo Fresquet | download (b-ok.lat)

En el libro Técnicas básicas de acuarela de Albert y Wolf (1996) consideran distintos

métodos de aplicación del color en el papel:

¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?

Húmedo sobre húmedo: este es el método de aplicación de color más fluido
significa que el pincel está bien cargado de pintura, y que el papel se ha mojado con
agua, la pintura sale del pincel fluyendo e invade el agua del papel de forma
incontrolada. esta técnica es perfecta para pintar cielos o cualquier otra área donde
se requieran amplias extensiones de color suave.
Húmedo sobre seco: se aplica un pincel mojado lleno de color sobre el papel
seco. el color se queda exactamente allí donde ha sido aplicado, a menos que
suavice los bordes con agua clara.
Pincel seco: a esta técnica a veces se le llama seco sobre seco porque el pincel
lleva muy poca pintura y el papel está seco. Normalmente, se sostiene el pincel
perpendicular al papel y se dan trazos ligeros sobre el mismo. el pincel deposita un
poco de color sobre las protuberancias del papel, permitiendo que afloren chispas
del blanco del papel.
Seco sobre húmedo: según el autor este es el método más útil para los
acuarelistas ya que puede ser controlado sin perder esa espontaneidad que hace
tan emocionante la acuarela. El pincel en realidad, está húmedo, no seco, y lleva
una importante carga de color en su punta. el exceso de humedad ha sido eliminado

101
 del pincel poniendo este en contacto con una esponja o trozo de tela. el pincel
deposita color sobre el papel y absorbe algo de la humedad del papel, con lo cual
el color se difumina un poco solo a lo largo de los bordes.

Técnica de Acuarela
<<<<<

Técnicas básicas de acuarela. (imagen). Albert G. y Wolf R.(1996) Recuperado de https://galleton.net/index.php/es/libros-pdf/libros-

varios/item/20040-tecnicas-basicas-de-acuarela-pdf-greg-albert

También existen técnicas experimentales para crear textura:

Estampaciones: puede estampar para indicar las tablas de un granero, los postes
de una valla, los postes de teléfono y demás objetos similares, con una tarjeta de
plástico, o cualquier cosa que tenga un borde similar.
Esponja: para indicar las hojas de los árboles especialmente las exteriores, pintar
el suelo y la maleza.
Envoltura de plástico: crea textura en el área pintando con bastante pigmento y
poniendo un trozo de envoltura de plástico sobre la pintura todavía mojada.
Raspado: se utiliza una tarjeta de crédito o algo similar para raspar algunas áreas.
Es especialmente bueno para textura rocas postes de valla, montañas y edificios.
Salpicaduras: se sugiere utilizar un cepillo de dientes. primero se carga el cepillo
de color y sujetándolo boca abajo sobre el cuadro, se debe pasar el dedo pulgar
sobre las cerdas para que las salpicaduras caigan sobre la pintura. Se considera
tener cuidado y no cargar demasiado el cepillo o caerán gotas grandes. Para aportar
armonía al trabajo es necesario asegurarse de que el papel todavía está húmedo o
mojado cuando se salpica el color.

102
 Salpicaduras con pincel: consiste en cargar un pincel con color, y golpearlo
bruscamente sobre el dedo o contra otro pincel. Son adecuadas para pintar el suelo
de tierra de un primer plano, ya que las salpicaduras serán mucho mayores.
Raspados con el mango del pincel: es una de las técnicas favoritas para pintar
troncos de árboles, ramas, postes, tablones, graneros, y muchos otros objetos.
Algunos pinceles vienen con las puntas preparadas, pero si no tiene ninguno,
recorte la punta con un cuchillo.
Sal: consiste en espolvorear la sal desde distintos ángulos para obtener distintos
efectos mientras la aguada de fondo siga húmeda. Se utiliza sal de mesa normal o
alguna sal de grado mayor, como la sal gorda.
Pulverización y levantamiento: consiste en rociar el cuadro y levantando las áreas
de nuevo mojadas con tisú. Se puede utilizar para crear rocas, hacer árboles, hierba,
incluso para alterar un cielo. Se deja reposar los colores durante un minuto mas o
menos, se sujeta el pulverizador encima de las áreas y pulveriza unas gotas sobre
el color. Una vez que esté rociada, se coloca suavemente el tisú sobre el área,
haciendo rayas sobre el tisú con una uña o presionar un poco más algunos lugares
con las yemas de los dedos. Al final se levanta el tisú verticalmente en el área
pintada.

Técnicas básicas de acuarela. (imagen). Albert G. y Wolf R.(1996) Recuperado de https://galleton.net/index.php/es/libros-

pdf/libros-varios/item/20040-tecnicas-basicas-de-acuarela-pdf-greg-albert

103
¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la
técnica de acuarela?

Tipo de papel: El papel para pintar la acuarela ha de responder a una fabricación

muy cuidada, con un encolado propio para su uso. La buena calidad nace en un
principio de la primera materia, constituida en los papeles de dibujo de alta calidad.
Se puede pintar con acuarela sobre cualquier papel lo suficientemente resistente
para soportar los pigmentos diluidos en agua. el efecto logrado dependerá de la
calidad y la textura del papel empleado. para obtener los mejores resultados, usa
papeles especiales para acuarela, que, aunque son más caros, proporcionarán tu
trabajo un aspecto profesional muy satisfactorio. es importante mencionar que pintar
sobre papeles de colores exige un método de trabajo distinto, en el que se añaden
los blancos al final según Tappenden (2015).
Pinceles: Los pinceles comúnmente usados para pintar a la acuarela, son de pelo
de Marta o de pelo de meloncillo, ambas clases son de buena calidad. Ofreciendo
el pelo de meloncillos un algo más de rigidez o temple que el pelo de Marta. Pueden,
usarse también, pinceles de pelo de oreja de buey, aún cuando la calidad de los
mismos es inferior a la de los anteriores. (Lopera,2003).
Un buen pincel para pintar a la acuarela- para decirlo con las mismas palabras de
Guillermo Fresquet a de reunir las siguientes condiciones:
1º. Ha de ser de pelo fino y compacto, con los pelos reunidos en perfecto haz cuando
esté mojado.
2º. Ha de doblarse fácilmente, respondiendo con suavidad a la presión normalmente
ejercida por la mano del artista,.
3o: Ha de volver inmediatamente a su posición normal, es decir,el haz de pelos a
de enderezarse automáticamente, cuando, estando el pincel mojado, deja de hacer
presión con él.
Orientaciones para pintar: Humedezca toda la superficie del papel con agua
limpia, utilizando un pincel o paletina ancho, una pequeña esponja o un trapo viejo
limpio (en el último caso frote muy suavemente con el trapo húmedo, para no

104
 deteriorar la fibra del papel).Sitúe el papel sobre el tablero de dibujo, dejándolo así,
húmedo, durante un breve espacio de tiempo para que la superficie se dilate, es
decir para que la fibra dé de sí por efecto de la humedad. Pasado este breve espacio
de tiempo, antes de que el papel pueda secar, sujételo al tablero con ocho o mas
chinchetas, procurando, al propio tiempo, tensarlo (sin llegar a un tensado
exagerado).
Tomando estas precauciones, la formación de bolsas y el ondulado, en el momento
de pintar, serán mínimos.

Técnicas básicas de acuarela. (imagen). Albert G. y Wolf R.(1996) Recuperado de https://galleton.net/index.php/es/libros-

pdf/libros-varios/item/20040-tecnicas-basicas-de-acuarela-pdf-greg-albert

Escanea para más

información respecto a la
técnica de acuarela.
105
 B. Técnica Acrílica

¿En qué consiste la técnica acrílica?

En el libro Pintura al acrílico, guía para principiantes (Parramón, 2006) se señala

que los colores acrílicos son pigmentos aglutinados en una emulsión de polivinilo
que se secan por evaporación del agua que contienen, formando una película
elástica. Al secar la capa pintada queda una película impermeable y permanente
que se vuelven más flexibles.

La pintura acrílica empezó a emplearse en la década de 1940; puede aplicarse a

casi cualquier superficie, es fresca y versátil, puede ser combinada con arena,
purpurina, serrín y otros materiales para modificar su consistencia y apariencia. Una
de las ventajas de la pintura acrílica es que seca muy rápido. Esto la convierte en
una técnica ideal para crear pequeños bocetos o pinturas de gran formato en la que
trabajes con muchas capas. (Harrison, 2020).

Técnica de Pintura Acrílica

<<<<<

Imágenes del libro Redescubre la pintura acrílica. Denise Harrison.2019.

Tipos de pintura acrílica

En el libro Redescubre la pintura acrílica, (Harrison, 2020) se mencionan tres tipos
de pintura acrílica, los cuales varían en función de su viscosidad, pero todos cuentan
con la misma cantidad de pigmento. Son los siguientes:
• De cuerpo pesado: Es la pintura acrílica más densa. Su textura es similar a
la mantequilla. Es estupenda para crear texturas. Este tipo de pintura puede
rebajarse con agua o un medio diluyente acrílico para incrementar su
maleabilidad.

106
 • De cuerpo suave: Tiene una consistencia parecida a las natillas. Puede
moldearse con facilidad y sirve para cubrir zonas amplias. Puede rebajarse
con agua o densificarse con medios como la pasta acrílica, que permite
modelarla.
• Fluida: Como su consistencia es líquida puedes mezclarla en la paleta con
otros colores fácilmente.

Técnica de Pintura Acrílica

<<<<<

Fotos de stock de Africa Studio/Shutterstock. Recuperado de:

https://mymodernmet.com/es/tecnicas-pintura-acrilica/

¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?

Harrison (2020) también proporciona un pequeño catálogo de las técnicas básicas
de trabajo, de las cuales se enlistan las siguientes:
• Restregados: o “técnica del pincel seco”, consiste en cargar el pincel con
una mínima cantidad de pintura y aplicarla de forma que cubra solo
parcialmente el color inferior. El resultado es especialmente bueno cuando
se aprovecha la rugosidad del soporte. Es una técnica muy habitual para
crear efectos de textura como cabello, piel de animales, hierba y follaje.
• Pintura extruida o chorreada: Se trata de aplicar la pintura en forma de
líneas más o menos gruesas y con mayor o menor relieve mediante un cono
de papel, una jeringuilla, etc. Algunas marcas expenden acrílicos en tubos
dotados de una boquilla fina que facilita esa tarea.

107
 • Salpicado o rociado: consiste en rociar pintura para sugerir ciertas texturas
o animar una superficie de color plano. Suele emplearse un cepillo de dientes
o un pincel de cerdas que se hace pasar por un peine.

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la técnica

acrílica?

• Una ventaja de la pintura acrílica: puede aplicarse sobre un gran número de

soportes, tales como:
o Papel, elige un papel de gramaje grueso (300 g/m2 como mínimo),
resistente y absorbente.
o Tela sobre un bastidor, puede ser lino, algodón o cáñamo.
o Cartón. También puede ser cartón entelado, se trata de una tablilla de
cartón a la que se ha pegado una tela, ideal para las obras de formato
pequeño o el trabajo al aire libre.
o Paneles de madera.
• Los pinceles deben humedecerse con agua
antes de cada uso.
• Los pinceles deben lavarse a conciencia
con agua y jabón tras cada sesión de pintura.
• Normalmente se preparan los soportes con
al menos dos manos de imprimación (capa
Paleta con pintura acrílica. Foto: Talleres Piolas. Recuperado
de: https://www.tallerespiolas.com/blog/aprender-a-pintar-
con-pintura-acrlica de pintura).
• Debe aplicarse imprimación en los cantos de los tableros por tratarse de
zonas muy absorbentes y vulnerables a la humedad.
• Si se desea para la obra un barnizado final mate, algunos autores
recomiendan aplicar previamente una capa de barniz brillante.
• Puedes encontrar más sugerencias de trabajo en el siguiente link:
https://www.sincable.mx/pinturas-acrilicas/

Escanea para más 108

información respecto a la
técnica de acrílico
 C. Técnica al Óleo

¿En qué consiste la técnica al óleo?

De acuerdo Pyle y Pearce (2002) en El Libro del Óleo, Guía completa para pintores,
la técnica del óleo se ha utilizado de diversas formas desde el siglo XIV. En la
actualidad, los óleos tradicionales se producen básicamente mediante el mismo
proceso que se empleaba en el siglo XV. Se mezcla el pigmento con un vehículo de
aceite de linaza (de la planta del lino) y en algunos casos, con aceite de cártamo
(de color más pálido y que se seca más lentamente). Cabe mencionar que, para
diluir el óleo, lo más usual es mezclarlo con aguarrás (esencia de trementina), con
aceite de linaza, o bien con una mezcla de ellos.

Técnica al óleo
<<<<<

Pintura al óleo. Fotografía recuperada de Las tres gracias. Jacopo Zucchi. 1575-76. La Gioconda.
https://totenart.com/noticias/pintura-al-oleo- Leonardo Da Vinci. 1503-1519. Recuperado de:
tecnicas-y-caracteristicas/ https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_al_%C3%B3leo

¿Cuáles son sus características?

• Profundidad de color: Molido adecuadamente, el aceite de linaza soportará

una alta concentración de pigmento. Las cualidades refractantes del aceite
proporcionan al color una riqueza y profundidad características de las joyas
y que es incomparable a cualquier otro medio utilizado.
• Un período de manipulación más extenso: Pueden realizarse
modificaciones en un periodo mayor a otras técnicas por el tiempo de secado.
• Permanencia y estabilidad en la superficie pintada: El óleo es una mezcla
perfecta de pigmento y vehículo, permitiendo que el óleo se seque de la

109
 manera apropiada, formando una película estable que, en condiciones
óptimas, permanecerá durante muchas generaciones (Pyle y Pearce, 2002).

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la técnica

al óleo?

• Materiales recomendados de acuerdo Díaz (2017) en el libro Aprender e

investigar en pintura 1:
o Pinceles: Pueden ser duros o blandos, sintéticos o de cerda natural.
o Caballete: Pueden ser de madera. También hay caballetes de campo,
telescópicos (metálicos o de madera), de sobremesa, etc.
o Soporte: Se puede aplicar sobre lienzos, tablas de madera, cartón,
papel, metal, lámina acrílica y vidrio. El óleo se vuelve quebradizo con
el tiempo, se aconseja trabajar en una superficie rígida, o montar el
papel o el lienzo en un tablero.
• Evite añadir demasiado disolvente a la mezcla de color.
• El tamaño de los pinceles y de la paleta va en función del tamaño del
cuadro que vas a pintar.
• Se puede pintar el fondo aplicando unas pinceladas de pintura diluida en
espacios separados. Después, con unos brochazos, extenderla y crear un
fondo uniforme y rápido.
• Para dar sensación tridimensional a un objeto de color liso puedes aplicar
unas finas pinceladas de color blanco por encima.
• Puntillismo. Como en el impresionismo, se pueden aplicar pequeñas
manchas de pintura cubriendo todo el dibujo, atendiendo a que cada punto
represente el tono exacto que encaja en esa parte del cuadro.
• Puedes encontrar más sugerencias de trabajo en el siguiente link:
https://totenart.com/noticias/pintura-al-oleo-tecnicas-y-caracteristicas/

Escanea para más información

110
respecto a la técnica al óleo
 D. Fresco
¿En qué consiste la técnica al fresco?

La pintura mural al fresco es un procedimiento pictórico de tradición milenaria que

ya hallamos documentada en los libros del arquitecto romano Vitrubio. Consiste en
aplicar, sobre un muro previamente acondicionado, un enlucido de mortero de cal
(formado por hidróxido de calcio y arena) y aplicar los pigmentos minerales disueltos
en agua mientras éste se mantiene fresco (Teresa Cristina Guizzetti, 2004 -2005).

Técnica de Pintura al Fresco

<<<<<

“La última cena”. Leonardo da Vinci. 1495- 1498. Recuperado de:

https://mymodernmet.com/es/fresco-definicion/

¿Cuáles son los procedimientos básicos de aplicación?

La técnica del fresco se basa en un cambio químico, los colores de tierra, molidos y
mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente, de cal y arena,
mientras la cal está en forma de hidróxido de calcio. Entonces el hidróxido de calcio
sufrirá un proceso de carbonatación que le hará volver a su estadio primitivo de
carbonato de calcio, y fijará los pigmentos a su superficie dando como resultado una
pintura mate e insoluble al agua, resistente, de pigmentos puros y de una gran
intensidad cromática.

• Pueden pintarse frescos tanto en interiores como en exteriores; resistirán siempre

que estén en un lugar razonablemente resguardado y no expuesto a humos o
vapores.

111
• Pueden hacerse frescos pequeños sobre tablas, en un marco de madera. Son
muy decorativos, con un acabado muy agradable al tacto.

Técnicas básicas de trabajo al fresco

Teresa Cristina Guizzetti (2004 -2005). explica un pequeño catálogo de las técnicas
básicas de trabajo, de las cuales se enlistan las siguientes:
• Diseño. Casi siempre es necesaria la realización del dibujo previo sobre un
cartón, a tamaño natural, que luego hay que transportar sobre el muro, con
el procedimiento del estarcido, perforando con un punteado la silueta y luego
pasando una muñequilla de estarcir, con lo que se calca el dibujo en
punteado; esto permitió el trabajo de maestro con ayudantes otro modo de
llevarlo a cabo consiste en oprimir con el mango del pincel para repasar
contornos y dintornos, que quedan marcados sobre la superficie blanda del
muro.
• Sinopia. Este dibujo, repasado en tierra roja constituye la sinopia, que
permite fijar los contornos y marcar las jornadas en las que se realizará la
obra.
• Jornadas. En la técnica bizantina se pintaba por zonas horizontales (en
pontate) y en toda la altura que permitían los andamios; con el advenimiento
de Giotto se actúa por jornadas de trabajo, procediendo al enlucido o
humedecido de la parte que se podía pintar en una jornada. El esquema debe
indicar las zonas que se van pintar en cada jornada. Los límites de cada zona
deben seguir líneas que disimulen las junturas la argamasa.
• Aplicación de la pintura. Se impone pintar la superficie de arriba hacia abajo
para evitar estropear lo ya pintado. Los pigmentos en polvo disueltos en
agua, deben tenerse en platillos y mezclarse en una paleta Se hacen provas
de color. La pintura se aplica con pinceles blandos, de pelo. La técnica más
aconsejable es aplicar lavados de color transparente, como si se tratase de
una acuarela, Y después definir con líneas las formas contornos.

112
 Técnica de Pintura al Fresco
<<<<<

Sección de la bóveda de la Capilla Sixtina. Miguel Angel Buonarroti. 1508-

1512. Recuperado de: https://www.experienciasviajeras.blog/la-capilla-sixtina-
de-miguel-angel-la-joya-de-los-museos-vaticanos/

¿Qué sugerencias debemos tomar en cuenta para la aplicación de la

técnica al fresco?
• Cal. La cal viva, así obtenida, se transforma en cal apagada (hidróxido de
calcio) al añadirle agua. hoy puede ser adquirida en los distribuidores de
material para la construcción en sacos de 25 o 40 kg. Para el fresco hace
falta cal hidratada (hidróxido de calcio o cal apagada). La cal hidratada
también es llamada gorda por la untosidad que otorga a la argamasilla.
• Arena. La arena tiene que ser de buena calidad y provenir preferiblemente
de un río. No utilizar nunca arena marina ya que contiene salitre (nitrato de
potasio), ni arena ferruginosa, que podría causar la aparición de huellas rojas
sobre el fresco. Además, la arena debe estar libre de mica. Un fresco hecho
con arena de construcción no durará más de tres años. Las impurezas de la
arena provocarían eflorescencias, grietas, decoloración o reacciones
químicas
• Pared. La pared debe estar perfectamente seca y bien ventilada, se la debe
proteger del sol mientras dura el proceso de pintado. Es imposible pintar
frescos sobre cemento, porque exuda impurezas químicas.

Escanea para más

113
información respecto a la
técnica al fresco
Tema 4. Percepción, imaginación y creatividad en la
pintura.
El proceso artístico en la pintura tiene varias fases, así, para su mayor comprensión
se puede sintetizar en dos factores: el externo y el interno. Los externos son los que
tienen que ver con la teoría de la pintura, las técnicas, los materiales a utilizar, así
como el objeto que se va a representar (paisajes, frutas, animales, etc), es decir, lo
que está afuera del individuo y se captura con los sentidos (percepción). En este
apartado de la presente guía conocerás los factores internos los cuales son
procesos que se dan en el pensamiento del individuo al recibir un estímulo externo,
que a su vez generan estados emocionales, aquí es donde se produce la
imaginación y la creatividad. A continuación, se muestran las siguientes definiciones
en el orden en que se van construyendo en el pensamiento:

Percepción: Sensación interior que resulta de una impresión material producida en

los sentidos corporales. (RAE)
Imaginación: Facilidad para formar nuevas ideas, nuevos proyectos, etc. (RAE)
Creatividad: “Capacidad del cerebro para llegar a conclusiones nuevas y resolver
problemas en una forma original. Se relaciona con la efectiva integración de ambos
hemisferios cerebrales.” (Grinberg, s/f, como se citó en Esquivias, 2004).

Seguramente recordarás que cuando fuimos niños, realizamos muchas obras de

arte, como aquel campo lleno de flores, un río y un árbol de manzana, un lugar
perfecto para vivir que plasmabas mediante líneas, figuras y que posiblemente tus
padres al mirarlo, lo interpretaron de una forma distinta a ti, aquí el ejemplo de
imaginación y percepción. Según Sir Kennet Robinson “cuando somos niños la
ventaja de nuestra niñez es el no tener miedo a equivocarnos” (Palma,2014).

A continuación, te presentamos tres infografías que te ayudará a comprender mejor

los conceptos de percepción, imaginación y creatividad, estos criterios te serán
útiles para la elaboración de tu proyecto final del Bloque II.

114
Fuentes citadas:
"Percepción". En: Significados.com. Disponible en: https://www.significados.com/percepcion/ Consultado: 21 de junio de
2021, 12:43 pm.
Imagen 1: Percepción visual espacial con formas y colores 001. Orientación andujar. 19 octubre 2018. Recuperado de:
https://www.orientacionandujar.es/2018/10/21/percepcion-visual-espacial-tarjetas-con-formas-y-colores/percepcion-visual-
espacial-con-formas-y-colores-001
Imagen 2: “Para siempre”, autor: Octavio Ocampo, s/f, s/a. Recuperado de: https://www.wikiart.org/en/octavio-
ocampo/forever-always
Imagen 3: “Que pasa con los cisnes”, canal: “El robot de colón”,28 de septiembre de 2020. Recuperado de:
https://www.youtube.com/watch?v=wcM5MD1mxnU

115
Fuentes citadas:
Imagen 1: La imaginación y la creatividad no son la misma cosa. Weareplay. Publicado el 18 de septiembre de 2016.
Recuperado de: https://weareplay.com/blog/la-imaginacion-y-la-creatividad-no-son-la-misma-cosa/
Imagen 2: El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha cumple 410 años. Lizeth Flores Jácomeon. 16 de enero de 2015.
Recuperado de: https://www.poblanerias.com/2015/01/el-ingenioso-hidalgo-don-quijote-de-la-mancha-cumple-410-anos/
Imagen 3: El Carnaval del Arlequín, Joan Miró (1924) . Recuperado de: https://www.admagazine.com/cultura/las-mejores-
obras-surrealistas-y-su-exponetes-20190912-5888-articulos.html
Imagen 4: "Personaje", 1958 Remedios Varo. Octavio Paz, Roger Caillois. "Remedios Varo" 1966. Ediciones Era
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117
 ¿Cómo puedes potenciar tu creatividad para las artes?
Csikszentmihalyi (1998) menciona que el proceso creativo comprende cuatro pasos,
el primero es un periodo de preparación, de inmersión, consciente o no, en un
conjunto de cuestiones problemáticas que son interesantes y suscitan curiosidad; la
incubación dará paso a un mundo subconsciente donde las ideas estarán ubicadas
en el umbral de la conciencia. La intuición florecerá de manera inusitada. Este
espacio proyectará la idea completa. La evaluación hace arte de un proceso en el
que se determina si la intuición es valiosa y requiere de profundización. Así mismo
describe la fluidez como un estado de concentración total y enfoque en la idea
propuesta. La pasión por la idea permite que la persona creadora tenga un buen
nivel motivacional. El fluir es el resultado de una intensa concentración sobre el
presente (Bernal, 2016).

De acuerdo con las aportaciones de Gardner (1997) “Algunas obras de Klee,

Picasso o Miró pueden parecer ingenuas, pero no constituyen, en ningún sentido
inmediato, copias de las creaciones infantiles. Lo que hacen estos notables pintores
del siglo XX, según yo lo veo, es reducir su trabajo artístico a las formas más simples
que sea posible — líneas, triángulos, acotaciones—, y explorar los numerosos
modos en que se pueden combinar estas formas para lograr determinados efectos
expresivos”.

Los libros y el siglo de Picasso. Miguel Ángel. La
Jornada semanal. 23 de julio de 2006. Recuperado
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118
Técnicas para favorecer la creatividad
Explicado por Cerda (2000), de Alex Osborn surgió la técnica del Brainstorming o
Torbellino de ideas, su objetivo era aumentar la habilidad creadora de diversas
personas, esta técnica desarrolla cuatro claves o reglas que se deben tener en
cuenta:
Tener en consideración todas las ideas que se tienen por absurdas que
parezcan. Es darle validez a lo que se expresa. La capacidad imaginativa
juega un papel importante aquí.
En contraposición a otras ideas donde se expresa que la cantidad no hace la
calidad, aquí es, al contrario, la cantidad fundamenta la calidad, por ende, se
pueden encontrar muy buenas ideas.
Se tienen en cuenta las ideas dadas y a su vez se estimulan y promocionan.
En el momento denominado fase productiva de ideas se descartan las
críticas, a las ideas concebidas. Ellas son el sustento de todo.

Imagen de clase colegio de arte. Recuperado de: https://colegiodelarte.com.mx/oleo/

Las actividades que has elaborado durante el Bloque II te han

permitido desarrollar diversos aspectos de tu creatividad, los
cuales podrás poner en práctica en la elaboración de tu actividad
final, la cual se describirá a continuación. Recuerda que todos
somos potencialmente creativos, es muy importante que busques
los recursos, elementos y el área adecuada donde pueda surgir tu
inspiración y motivación.

119
 PRODUCTO ESPERADO 2:
ELABORACIÓN DE UNA PROPUESTA PICTÓRICA.
PONDERACIÓN: 40%
Estimado estudiante, después de comprender los temas: movimientos pictóricos,
técnicas y percepción, imaginación y creatividad en la pintura, elaborarás una
propuesta, siguiendo las instrucciones que a continuación se describen.

Instrucciones:
1. Elige una temática específica de acuerdo con el ciclo escolar en curso.
Sugerencias: día de la Independencia, conmemoración del descubrimiento
de América, día internacional de las Naciones Unidas, festividad del día de
muertos, revolución mexicana, festividad navideña, entre otros.
2. De acuerdo con el producto esperado 1 (fichas descriptivas) elige un
movimiento pictórico para orientarte en la elaboración de tu propuesta
pictórica, tomando en cuenta sus características.
3. Elige una técnica pictórica libre para aplicarla en tu propuesta (técnicas
secas, húmedas o mixtas). Las técnicas mixtas son el resultado de la
combinación de una técnica seca, con una técnica húmeda.
4. Toma en consideración los materiales específicos para la técnica elegida.
5. El formato en el que trabajarás será libre (formato vertical u horizontal) de
acuerdo con las características de la técnica elegida.
6. Elabora un boceto inicial para ordenar los elementos de tu propuesta
tomando en consideración los conocimientos adquiridos en el bloque I
(elementos compositivos del dibujo Artístico).
7. Elabora una ficha técnica: nombre del estudiante, nombre de la obra,
movimiento pictórico, técnica pictórica, semestre, grupo, turno, plantel y
breve descripción. El tamaño de la ficha debe ser de 7.5 x 12.5 cms.
8. Tu docente te solicitará entregar la presente evidencia de acuerdo con la
modalidad de estudio.
9. Te sugerimos consultar la lista de cotejo que se encuentra en la parte inferior
de la presente actividad.

120
 BLOQUE II. LISTA DE COTEJO
Ev2. Propuesta pictórica.
Ponderación: 40%

CRITERIO SI NO OBSERVACIONES
Elige una temática especifica de acuerdo con
el ciclo escolar en curso
Elige un movimiento pictórico de acuerdo con
el producto esperado 1 (fichas descriptivas)
tomando en cuenta sus características para
orientarse en la elaboración de su propuesta
pictórica.
Elige una técnica pictórica libre (técnicas
secas, húmedas o mixta) y aplica los
procedimientos específicos y materiales de la
técnica.
Elabora un boceto inicial para ordenar los
elementos de su propuesta pictórica tomando
en consideración los conocimientos
adquiridos en el bloque I (elementos
compositivos del dibujo Artístico).
Elabora una ficha técnica con: nombre del
estudiante, nombre de la obra, movimiento
pictórico, técnica pictórica, semestre, grupo,
turno, plantel y breve descripción, respetando
el tamaño de la ficha: 7.5 cm x 12.5 cm.
Manifiesta y/o representa en su propuesta
pictórica el uso de su percepción, imaginación
y creatividad.
Elabora su trabajo con limpieza.
Entrega en tiempo y forma (de acuerdo con la
modalidad).
Puntuación obtenida

121
SESIÓN 7. Comparto mis experiencias
Después de conocer el concepto de pintura, movimientos pictóricos, técnicas y la
intervención de la percepción, imaginación y creatividad en elaboración de una
propuesta, te invitamos a compartir con tu docente y tus compañeros de clase, las
experiencias que contribuyeron con el logro de los aprendizajes esperados. Para
ello te sugerimos partir de las siguientes preguntas:
• ¿Cuál fue tu experiencia al utilizar un movimiento pictórico específico para
la elaboración de tu propuesta pictórica?
• ¿Qué técnica pictórica aplicaste? ¿porqué?
• ¿Consideras que fueron útiles las técnicas descritas en el tema 4 para
potenciar tu creatividad?
• ¿Qué áreas de oportunidad identificaste en la práctica de tu propuesta
pictórica?
• ¿Consideras que el dibujo y la pintura artística aportaron conocimientos,
habilidades y actitudes? ¿Cuáles?
Después de compartir tus experiencias con tus compañeros, el docente culminará
la sesión de clases, mostrando los productos finales, de acuerdo con modalidad de
trabajo (virtual o presencial).

122
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