TEMA 2 Y 3: EL ARTE CLÁSICO: GRECIA Y ROMA.

ÍNDICE:

TEMA 2. ARTE GRIEGO.

1.1. Antecedentes y contexto histórico.
1.2 Introducción. Los órdenes.
1.3 El templo griego. El Partenón.
1.4 La escultura. El kuros. Los grandes maestros de los siglos V y IV. Policleto y Fidias. Praxíteles y Scopas.
Lisipo y su canon.
1.5. El periodo helenístico.
TEMA 3. ARTE ROMANO.
1.2. Contexto histórico.
1.3. Arquitectura y ciudad.
1.4. Escultura: el retrato y el relieve histórico.
1.5. La ciudad romana: sus partes y construcciones más relevantes que la integran, explicando las distintas
tipologías arquitectónicas.

TEMA 2. EL ARTE GRIEGO

1.1. Antecedentes y contexto histórico.

El arte griego abarca un larguísimo periodo de tiempo de casi dos milenios, aunque nosotros vamos a centrar
nuestra atención en las épocas clásica (siglos V y IV a. C.) y helenística (III y II
a. C.). Antes de llegar a ellas, es importante destacar lo siguiente:

- Cultura cretense o minoica. Entre 1800 y 1300 a. C., se desarrolló en la isla de Creta una civilización rica,
refinada y culta. El centro de la vida de las ciudades, y la principal manifestación artística era el palacio. El más
importante fue el de Cnosos. Alrededor de un patio central, se organizaban multitud de dependencias, lo que dio
lugar al mito del laberinto.
Los palacios estaban decorados con pinturas murales, de gran colorido y vistosidad. Destacar también, la
cerámica, decorada con motivos geométricos y naturales.

- Cultura micénica. Se desarrolló entre 1500 y 1100 a. C. en la península del Peloponeso.

Cultura guerrera, sus ciudades estaban rodeadas de fuertes murallas en las que se abrían puertas (de entre las que
se conservado destaca la Puerta de los Leones de Micenas).
Desarrollaron también una orfebrería muy vistosa. Ejemplos: las máscaras mortuorias en oro que cubrían las caras
de los difuntos nobles (“máscara de Agamenón”).

- La “época oscura”. En torno al 1100 a. C., un pueblo procedente del norte, los dorios, invadieron el Peloponeso
y destruyeron la cultura micénica. Poco a poco, se iría construyendo la cultura griega. En este periodo, surgen los
poemas homéricos de La Ilíada y la Odisea.

El contexto de la Grecia clásica.

La civilización griega, que transcurre a lo largo de casi mil años, constituye la base del mundo occidental. Recibe
el legado de Egipto y del Próximo Oriente, pero lo transforma completamente al estar condicionada por diversos
factores geográficos, políticos y religiosos. El marco geográfico de la Grecia peninsular y las islas del Egeo
constituye un espacio reducido y además fragmentado en muchas pequeñas islas y valles rodeados de montañas
escarpadas. En este territorio descentralizado el mar es el auténtico protagonista, pues permite una expansión que
favorece el comercio e influye positivamente en la economía, al tiempo que hace más flexible el pensamiento al
entrar en contacto con otros pueblos.

Este marco físico determina la organización política en ciudades-estado o polis (las más importantes eran Atenas
y Esparta), que aunque independientes tienen en común el idioma y la religión, que engloban a las polis en una
entidad cultural superior: la Hélade. En este marco de las polis nacerá la democracia. La economía estaba basada
en la agricultura de la tríada mediterránea (trigo, vid y olivo) y el comercio marítimo (fundaron colonias por todo
el Mediterráneo).

En el aspecto religioso, Grecia es politeísta, pero los dioses tienen un enfoque humano. Los dioses vivían en el
monte Olimpo y el padre de todos ellos era Zeus. Otros dioses eran Atenea, Poseidón, Hades, Afrodita, Hera,
Apolo, Artemisa, Ares, Hermes, Hefestos, Démeter, etc. Eran dioses inmortales, pero con características muy
humanas (se enamoraban, se peleaban, etc.). La mayoría de los templos y santuarios están dedicados a ellos. La
relación del hombre griego con sus dioses se centra en lo terrenal, pues la vida importa mucho más que la muerte.
La religión era un factor importante en la vida de los griegos.

A través de la mitología (conjunto de narraciones poéticas en las que las fuerzas naturales se personifican) el
hombre explica el mundo de modo racional, con lo que nace la filosofía. La filosofía defiende que nada es casual
y que el mundo constituye un todo ordenado y dinámico que es preciso comprender. Surge así también la ciencia
como hija predilecta de la filosofía, teniendo especial relevancia las matemáticas, pues los números se convierten
en la clave para entender el universo, lo que repercute en la física, en la astronomía, en la música y también en el
arte.

Los grandes cambios del arte griego surgen a partir del descubrimiento de la naturaleza y de la concepción de
ésta como armonía numérica basada en la simetría y en la proporción. La primacía del sentido racional lo invade
todo, tratando de reflejar la perfección divina y, por tanto, de transmitir belleza. Paulatinamente, se abandonan
las normas antiguas aprendidas de los egipcios para experimentar de manera libre con formas inspiradas en lo
que se ve, es decir, en la realidad.

1.2. Introducción. Los órdenes.

La cultura griega es una cultura de ciudades y su organización incluía dos espacios claramente separados:
 La ciudad de los dioses (acrópolis).
 La ciudad de los hombres, en la que, a su vez, se separaban…
 La parte privada: casas
 La parte pública, el ágora, donde hay mercados y donde se toman las decisiones públicas.

Característico de las ciudades griegas es la abundancia de edificios públicos:

 Deportivos: estadios, palestras, gimnasios, etc.
 Teatros, de los que podemos destaca el de Dionisos en Atenas y el de Epidauro.
 A partir, sobre todo, del siglo V a. C., se impondrá la geometría en el urbanismo. Hipodamo de Mileto
diseñó un plan para organizar los espacios urbanos en cuadrícula.

A partir, sobre todo, del siglo VII a. C, la cultura griega se va consolidando en torno a una serie de conceptos
básicos:

 El antropocentrismo. Recordemos la famosa frase de Protágoras: “El hombre es la medida de todas las
cosas”. La escultura plasma la visión ideal de los aspectos visibles del hombre. Incluso los dioses son
concebidos como seres afectados por las pasiones humanas.

 La reflexión científica, que trataba de dar una explicación racional a todas las cosas

 La capacidad de abstracción. Los griegos sentaron las bases de modelos (en la literatura, en la filosofía,
en el arte) que siguen teniendo vigor dos milenios y medio después.

Estos conceptos se aplican también a la arquitectura, que no está concebida para expresar el poder absoluto de
los reyes o para contentar a los dioses, sino la perfecta armonía entre el hombre y la naturaleza.

La arquitectura griega no pretende deslumbrar sino ser un producto de la razón. Por este motivo, está llena de
números, proporciones, ritmos y medidas. Las sucesivas partes de un edificio se van deduciendo a partir de un
módulo inicial (casi siempre, el diámetro de la columna).
Podemos destacar de ella las siguientes características generales de la arquitectura:

 Es una arquitectura arquitrabada. Se basa en líneas verticales y horizontales, lo que le da una

apariencia serena pero tiene dificultades con la altura y con la superposición de pisos.

 Hasta mitad del siglo V a. C., el material más usado fue el conglomerado o piedra arenisca. Ya en
época clásica, se introdujo el mármol (templo de Apolo en Delfos o Partenón), más difícil de trabajar.

 Se utilizaban colores (hoy perdidos): azul en los triglifos; rojo en el fondo de las metopas.
 Para lograr una completa armonía visual, tuvieron que hacer ciertas correcciones a las medidas
matemáticas:

- Curvaturas del entablamento y del estilóbato para evitar el efecto de vencimiento por el centro
(pandeo)

- Inclinación de las columnas hacia dentro para impedir la sensación de caída y crear el llamado efecto
piramidal.

- Éntasis en las columnas, para impedir el efecto de concavidad que tienen las columnas de lados
rectos.

 Mayor anchura de las columnas de los ángulos para anular la sensación de que son puntos débiles.

 Desigual distancia en los espacios entre las columnas.

Los órdenes.

Producto de la importancia que los griegos dieron al orden racional fue la creación de los órdenes arquitectónicos
La arquitectura griega busca la armonía en la proporción, número y equilibrio. El canon nace del diámetro de la
columna en su parte más baja y determina las relaciones entre las partes (longitud, anchura, altura, nº de
columnas…). Todo él deberá ser eurítmico (la euritmia es la justa proporción entre las partes). De ahí surgen los
órdenes clásicos (dórico, jónico y corintio):

 Orden Dórico
Es el más antiguo de todos. Expresaba fuerza y severidad, robustez en la construcción. Lo más visible es que la
columna no tiene basa. El fuste está tallado en arista viva y muestra un ensanchamiento en la parte central
(éntasis). El capitel consta de dos piezas: abajo, una pieza convexa (equino); encima, un dado cuadrangular.
Sujeto por las columnas, hay un entablamento, con dos niveles: arquitrabe y friso. En el friso se alternan
triglifos y metopas.

Ejemplos de templos dóricos: Templo de Hera en Paestum del siglo VI a.C., y del siglo V a.C. los Propileos y
el Partenón en Atenas
  El Orden Jónico
Es más esbelto y elegante. La columna tiene basa. El fuste (sin éntasis) suele ser más alto que el dórico (de ocho
a diez veces el diámetro inferior de la columna) y no presenta aristas vivas sino suaves acanaladuras. El capitel
está decorado con volutas enrolladas en espiral.
El arquitrabe está dividido en tres bandas. El friso es una faja corrida que rodea todo el edificio.

Ejemplos de templos jónicos: templos de Atenea Niké y el Erecteion, ambos del siglo V
a.C. en la Acrópolis de Atenas.

 El Orden Corintio
Nace en el siglo IV aC y es el más esbelto y decorado de los tres (en el fondo, es una variación del jónico). Su
gran diferencia es el capitel, decorado con hojas de acanto (planta originaria de la zona mediterránea).-Será el
utilizado en época helenística y el más imitado (romanos, renacimiento) Ejemplo de templo corintio: Templo de
Zeus Olímpico en Atenas (siglo II a.C.).

Las Cariátides y atlantes. Otro tipo de soporte utilizado en Grecia. Cariátides: se sustituyen las columnas por
esculturas femeninas, generalmente cuando soportan entablamentos jónicos. Si las esculturas son masculinas se
denominan atlantes.

1.3 El templo griego: el Partenón.

Características generales del templo griego:

Los griegos conciben el templo como la casa de los dioses: es un espacio destinado a contener la estatua del dios,
no un lugar de reunión de los fieles, de ahí su pequeño tamaño. Las ceremonias se realizaban en el exterior, por
lo que también se consideraba sagrado el terreno situada en los alrededores (el témenos).

Los primeros templos eran apenas cabañas de madera. La forma definitiva se fijó durante la época arcaica (s. VII-
VI a. C.):

- Era un edificio sostenido por columnas.

- Se alza sobre una plataforma de varios escalones (crepidoma), el último de los cuales se llama estilóbato.
- Tiene planta rectangular.
- La cubierta es a dos aguas.

Las partes esenciales de un templo son las siguientes (aunque, en este aspecto, hay variaciones):

PRONAOS: especie de vestíbulo que precede a la naos

NAOS (los romanos la llaman cella): habitación que albergaba la gran estatua del dios. Podía ser un espacio
diáfano o dividido por columnas.
OPISTODOMOS: destinada a guardar las ofrendas y el tesoro del templo; no tenía comunicación directa con
la naos.
COLUMNAS. Casi siempre las había en la fachada principal. A veces, las había también en la parte posterior
y en las laterales. Combinando estas distintas posibilidades, se han establecido varios tipos de templos:

Según el número de columnas de la fachada: Tetrástilos (4 columnas) Hexástilos (6) Octástilos (8)

Según la situación de las columnas:

- Si estaban entre los muros del pronaos (“In antis”)

- Si quedaban fuera de los muros del pronaos:

 Próstilo, si solo las tenía delante

 Anfipróstilo, si las tenía delante y detrás
 Períptero, si rodeaban el edificio por los cuatro lados
 Tolos. Circular, con columnas alrededor
Una parte esencial de los templos era la decoración escultórica con temas míticos y religiosos. Tenían forma de
relieve y se concentraban en determinados puntos:

- Los dos frontones (grandes triángulos en las fachas delantera y trasera)

- El friso:
 Metopas y triglifos del friso dórico
 Friso corrido del orden jónico

Entre los principales templos griegos, podemos reseñar los siguientes:

Época arcaica:
 Dóricos: Heraion de Olimpia, Artemision de Corfú o el Templo de Afaia en la isla de Egina.

 Jónicos: Heraion de Samos o Artemision de Éfeso.

Época clásica:

 Templo de Zeus en Olimpia y templos de la Acrópolis de Atenas (Partenón, Erecteion y el Templo de

Atenea Niké).

Época helenística: Templo de Apolo en Dídima.

EL PARTENÓN

Fue construido, entre el 447 y el 432 a.C. por los arquitectos Ictinos y Calícrates. Fidias se encargó de la
escultura.

Está ubicado en la Acrópolis de Atenas y forma un excepcional conjunto con el Erecteion, el Templo de Atenea
Niké y los Propileos (monumental entrada al conjunto en la que se alternan columnas dóricas y jónicas).
vive unos años de esplendor, paz y prosperidad.

El Partenón formaba parte del proyecto de Pericles para embellecer Atenas y mostrar, de esta forma, su liderazgo
entre las polis griegas después de las guerras médicas.

Desde su concepción, el Partenón tuvo un carácter especial. Sus autores quisieron que fuera una imagen de la
propia Atenas.

El Partenón es un rectángulo de, aproximadamente, 30 por 70 metros. Esta proporción 9:4 se repite en todo el
edificio como ordenadora del conjunto.

Es un templo períptero, de 8 x 17 columnas dóricas muy esbeltas. Sobre ellas, se sitúa un friso dórico de triglifos
y metopas. Encima de este, hay otro friso, de tipo jónico, corrido y sin divisiones.
La decoración escultórica corrió, como hemos dicho, a cargo de Fidias, que dirigió un taller cuyo trabajo
consistió en crear un gran programa destinado a ensalzar a la ciudad de Atenas a través de sus dioses y sus fiestas
cívicas.

Un elemento destacado del conjunto es la estatua crisoelefantina (es decir, de oro y marfil) de Atenea que se
colocó en el interior del templo.

Las 92 metopas (1.3 m2 cada una) narraban cuatro luchas mitológicas: la Centauromaquia (batallas míticas entre
lapitas y centauros), la Gigantomaquia, la Amazonomaquia y la guerra de Troya.

En el friso superior, se representa la gran procesión de la fiesta de las Panataneas.

Los frontones (última parte en ser decorada y de la que menos se ha conservado) contenían:

 El frontón oeste, una representación de la disputa entre Atenea y Poseidón por el patronazgo de Atenas.
 El frontón este, el nacimiento de Atenea.

El Partenón representa la obra culminante de una civilización, la griega, que tanta importancia ha tenido para las
culturas posteriores.

Su construcción dejó constancia de los avances que los griegos habían consolidado en matemáticas. Prueba de
ello, son las correcciones ópticas para adaptar el edificio al ojo humano: la fachada, el entablamento y el estilóbato
son ligeramente curvados; las columnas tienen éntasis y los intercolumnios son desiguales.

El Partenón se conservó bastante bien hasta 1687, cuando estalló el polvorín que los turcos habían instalado en
su interior. En 1822, el británico Lord Elgin compró parte de sus esculturas, que hoy pueden admirarse en el
Museo Británico de Londres.

En la actualidad, las autoridades luchan por preservar lo que queda de la terrible contaminación de la ciudad de
Atenas. Por ejemplo, las Cariátides del Erecteion han sido trasladadas al interior de un museo y sustituidas por
copias.

1.4 La escultura: El kuros. Los grandes maestros de los siglos V y IV. Policleto y Fidias. Praxiteles y Scopas.
Lisipo y su canon.

Las principales características de la escultura griega son:

- El hombre será el centro de la escultura griega, antropocentrismo: el hombre es el arquetipo de

perfección y belleza, plasmando el equilibrio entre la belleza física y la espiritual.
- La representación del cuerpo humano desnudo se convierte en el eje temático de gran parte de la
estatuaria griega.
- Armonía de las proporciones, canon perfecto (cabeza), idealización de la anatomía.
- Búsqueda de la belleza ideal, la expresión y el movimiento son los rasgos capitales de la escultura
griega, aunque en este sentido se producirá una clara evolución a lo largo del tiempo hasta alcanzar
la perfección, pasando de la simplicidad arcaica (de influencia egipcia), a la perfección clásica
(postura del contrapposto) y por último al barroquismo helenístico, ganando en expresividad y
dinamismo sólo con el tiempo.
- Representan el movimiento (flexibilidad de los miembros, tensión muscular, agilidad, adaptación al
medio arquitectónico como en los frontones)
- Naturalismo idealizado más que realismo, se trata de crear tipos ideales, no de reproducir rasgos
individuales. Representan la belleza y la realidad pero de un modo ideal. Se descubre el poder de la
contemplación estética.
El artista griego busca la expresión, entendida como la exteriorización de los sentimientos, pero se trata de una
expresividad idealizada, donde sólo cabe la quietud y la serenidad de ánimo. Será en la época helenística cuando
el artista plasme los sentimientos humanos de forma realista y menos idealizada.
- El artista griego se mostrará profundamente preocupado por la representación del volumen. Pronto
romperán con la frontalidad egipcia. Concebirán la escultura como una forma que debe ser
contemplada desde todos los ángulos y puntos de vista posibles.
- Principio de diartrosis: acentuar la división entre el tronco y las extremidades.
- Materiales utilizados: mármol (del Pentélico o de Paros), bronce y excepcionalmente técnica
crisoelefantina (gruesas láminas de oro y planchas de marfil, para los dioses).
- Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce.
- Son esculturas firmadas, apareciendo la creación artística.
- Temas: dioses, sacerdotisas, atletas, figuras políticas, figuras públicas y personas de la vida cotidiana.

Hay tres etapas en la evolución de la escultura griega:

ESCULTURA ARCAICA (SIGLOS VII Y VI A.C.).

Los tipos principales de la escultura griega ya quedaron establecidos durante la época arcaica:

El kouros (tipo ideal de varón joven, desnudo, de tamaño superior al natural, con los brazos pegados al cuerpo y
la pierna derecha adelantada) y la koré (figura femenina, en pie, portadora de ofrendas; se presenta vestida con
el peplo1 dórico o con el jitón jónico, y con el himation.

Ejemplos: Kourós de Anavyssos, Apolo de Tenea,, Moscóforo, Caballero o Jinete Rampín ,Dama de Auxerre,
Hera de Samos, Kore del Peplo.

Los programas narrativos en relieve para decorar las metopas, los frisos y los frontones de los edificios. Para
adaptar las figuras a la forma triangular de los frontones, no cambiaron la escala sino que adaptaron las posturas
al espacio decreciente que, desde el centro, iban teniendo.

En las primeras décadas del siglo V a. C., se añade, al uso tradicional del mármol, el vaciado en bronce (método
de la cera perdida). Se hicieron muchas obras en bronce pero se han conservado pocas, porque fueron fundidas
para aprovechar el metal. De entre las que se han conservado (porque quedaron sepultadas entre los escombros
en catástrofes naturales o porque se hundieron en el mar), destacan las siguientes: El dios del Cabo Artemision,
El Auriga de Delfos, Los guerreros de Riace (encontrados en 1980 en el mar, en el sur de Italia).

ESCULTURA CLÁSICA (SIGLOS V Y IV A.C.)

En los siglos V y IV a C la escultura griega llega a su culminación, creando en esta época obras que han quedado
como modelos de belleza y perfección plástica.

El siglo V a.C. La Etapa Clásica. Hacia mediados del siglo V a.C. se inicia la época clásica del arte griego.
Coincide con el momento de mayor expansión militar, política y económica de los atenienses. Es la era de
Pericles.

Mirón: Broncista, aunque las obras que se conservan son copias romanas en mármol. Su obra más famosa es el
Discóbolo, Mirón es el maestro del movimiento, capta un instante, lo fugaz del movimiento, el momento previo
a lanzar el disco, el momento de esfuerzo máximo.

Policleto: broncista. Marca el canon o proporciones ideales del cuerpo humano en 7 cabezas y en la simetría.
Plasma la postura clásica o “contraposto”, erguido, con cierta curvatura en el torso y la cadera al descansar todo
el peso sobre una pierna. Doríforo o portador de lanza. El Diadúmeno

Fidias: Unido a Pericles en la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas, es el escultor de los dioses, el que mejor
capta la esencia de la divinidad, autor de dos gigantescas esculturas crisoelefantinas: la Atenea Parthenos, de
unos 12 metros de altura y se encontraba en el interior del Partenón, lleva la coraza sobre el pecho, una túnica
hasta los pies, el casco sobre la cabeza y una victoria de tamaño natural en la mano, su escudo mostraba la
amazonomaquia en relieve en la parte delantera y la gigantomaquia pintada por la parte de atrás; la Atenea
Prómachos; la Atenea Lemnia; Atenea Farnesio. También se atribuye a Fidias toda la decoración escultórica del
Partenón: las Metopas (composiciones claras, de dos o tres figuras, en altorrelieve); el Friso de las Panateneas
(representación en bajorrelieve de la procesión de las Panateneas, en el friso alrededor de la cella del Partenón;
no es una representación esquemática, las figuras son vivas e individualizadas, representadas mediante un
naturalismo idealizado); las esculturas de los Frontones del Partenón (excelentes composiciones, en las que las
figuras se ajustan perfectamente al frontón; en el frontón oriental se representa el Nacimiento de Atenea y en el
occidental la Lucha de Atenea y Poseidón por el Ática; estudia la anatomía en los desnudos y de los vestidos en
las figuras femeninas, que mediante la “técnica de paños mojados” se adivina la anatomía).

El siglo IV a.C.

El siglo V a.C. termina mal para Atenas. En el 404, es vencida por Esparta en la Guerra del Peloponeso y termina
su periodo de esplendor.

La crisis supuso, en el terreno artístico, un abandono de los ideales cívicos que habían dominado hasta entonces.
La belleza serena fue sustituida por expresiones de sufrimiento psicológico (pathos), de los sentimientos y
emociones. En este contexto destaca la obra de:

Praxiteles: Es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza, de las superficies suaves o “sfumatto

praxitélico”. Sensual y lánguido. Acentúa la tradicional postura clásica inclinando aún más la cadera, “curva
praxiteliana”. Hermes y el niño Dionisios, el Apolo Sauróctono, Afrodita de Cnido (con la que se inicia el
desnudo femenino, todavía "timidez", siente pudor y se cubre con las manos, será muy copiada, canon de belleza
femenina); la Afrodita de Arlés

Scopas: Escultor del "pathos", de la pasión, reflejándose en las figuras el estado del alma (angustia agitada).
Atraído por temas trágicos o patéticos, busca la forma violenta mediante el fruncido de cejas, la distorsión del
cuerpo y la curva dolorosa de los labios. Ménade Herida o danzante (con el cuerpo agitado por movimientos
convulsivos, con el torso retorcido, girando el cuello hacia atrás, la cabellera desordenada y revuelta). Relieves
orientales del Mausoleo de Halicarnaso. Mausolo. Meleagro.

Lisipo: Escultor arcaizante, admirador de Policleto, pero en él el naturalismo está más acentuado. Nuevo canon
de belleza, más esbelto, ahora el cuerpo como ocho cabezas, disminuyendo el tamaño de ésta, por lo que el cuerpo
resulta más alto en proporción a la anchura. Cultivará el retrato, fue el escultor preferido por Alejandro Magno.
Representa atletas en actitudes cotidianas. Apoxiomeno, el Ares Ludovisi, el Hércules Farnesio, Cabezas de
Alejandro Magno.

1. 4. El periodo helenístico.

Contexto histórico.
Se llama época helenística al periodo de la historia de Grecia que abarca desde el 330
a. C. en que muere Alejandro Magno y desaparece el imperio que había creado en pocos años, hasta finales del
siglo II a.C. en que los territorios griegos pasan a ser conquistados por Roma.

Lo más importante de este periodo, desde el punto de vista artístico, es la extensión de los conceptos del arte
griego a todo el Mediterráneo oriental. Se creó una especie de cultura común a la que se llamó koiné
(“comunidad”). Esta cultura suponía una integración de lo griego, como elemento dominante, con elementos
propios de cada lugar (Egipto, Mesopotamia, Siria, etc.),

Se trata de un periodo de florecimiento artístico que tiene como centro, además de a Atenas, a las capitales de los
nuevos reinos helenísticos: Antioquía, Alejandría, Pérgamo, etc. A este florecimiento contribuyeron dos factores:
el mecenazgo de los reyes y la aparición de un mercado privado de arte cada vez más amplio, que daría lugar al
coleccionismo.

Arquitectura helenística:

Utiliza los mismos elementos de la arquitectura clásica pero dotándolos de un espíritu diferente: el equilibrio y la
medida son sustituidos por la teatralidad, la monumentalidad y el deseo de impresionar. Ya no es una arquitectura
cívica que refleja los valores colectivos de la polis, sino que trata de mostrar el poder y la gloria de los nuevos
reyes helenísticos. Un ejemplo de lo que decimos es el Mausoleo de Halicarnaso.

Son frecuentes las construcciones de gran tamaño, encuadradas en conjuntos aún mayores, como las terrazas del
Santuario de Cos (en Rhodas). En Pérgamo, numerosos edificios públicos se construyeron escalonados de forma
espectacular sobre una colina. De ellos, se ha conservado el Altar de Zeus (reconstruido hoy en un museo de
Berlín).

Los órdenes se mantienen, pero se manejan de una manera menos rígida:

- Se alteran las proporciones
- Se introducen variaciones en la decoración.
- Adquiere gran importancia el orden corintio, en detrimento de los otros
- A veces, se superponen dos órdenes en el mismo edificio, lo que se desarrollará más tarde en
Roma.

En los templos, se complica la organización del espacio interior. El templo de Dídima (310 a. C.) tiene poco que
ver, en este sentido, con la simplicidad del Partenón.

El Teatro de Epidauro ejemplifica este tipo de edificaciones que influirán en la arquitectura romana. Se hacían
en las laderas de las montañas para facilitar la visión y la audición.

En el terreno urbanístico, pierden influencia las ciudades tradicionales, como Atenas, y se imponen los nuevos
centros que actúan como sedes de las cortes reales:

- Antioquía Pérgamo
- Alejandría, creada por Alejandro Magno en el delta del Nilo, se convierte en la nueva gran metrópoli
del mundo antiguo: calles anchas, estructura hipodámica. En ella se encontraba, concretamente en el
puerto de la isla de Faros, una torre que enviaba señales a los barcos. Ha dado su nombre a todos los
“faros” posteriores.

La escultura helenística Supone esta etapa la culminación de la evolución de la escultura griega, desde la
abstracción del periodo arcaico y el idealismo clásico, la escultura helenística es más naturalista, incluso llegando
al realismo más crudo en ocasiones
Se acentúan la expresividad de los rostros y las actitudes.
Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas, el dramatismo de las expresiones a
los rostros tranquilos, la fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica
Aumenta la monumentalidad y la variedad temática; e tiende a la barroquización de la escultura.
Triunfo del realismo, el retrato: reproducen los rasgos individuales, el realismo avanza en los retratos,
descarnados, sinceros y de gran penetración psicológica.
Frente a la escultura individual aparecen composiciones en grupo de figuras humanas desnudas que muestran
unos cuerpos hinchados, musculosos. Son composiciones abiertas, con múltiples puntos de vista, con
movimientos exagerados. Se representan las distintas edades del hombre.
El desnudo femenino llega a su esplendor. Afrodita de Milo y Afrodita agachada
Los temas de género o vida cotidiana: El niño de la oca, los Luchadores, la Vieja ebria, el Espinario.
Ahora los escultores quedan más en el anonimato, ya que se trabaja por escuelas. Las escuelas más destacadas
son:

La ESCUELA DE ATENAS, que se especializa en copiar estatuas arcaicas y clásicas para los romanos. Algunas
obras originales son: el Torso de Belvedere, canon de musculatura hercúlea, que influirá en Miguel Ángel; el
Pugilista sentado, la conocida como Venus de Milo (Museo del Louvre), de un clasicismo todavía patente, y el
Niño de la Espina.

La ESCUELA DE RODAS se caracteriza por su gusto por lo colosal y gigantesco, por el movimiento
contorsionado y por la expresividad, sobre todo los gestos de dolor de los rostros. Destacan el Coloso de Rodas,
el Fauno Barberin, la Victoria de Samotracia que se apoya con las alas desplegadas sobre la proa de un barco y
el viento pega sus vestiduras al cuerpo. El Toro Farnesio es una monumental composición piramidal que
representa el castigo de Dirce condenada a ser atada a un toro salvaje. Sin embargo, la obra cumbre es el
Laocoonte y sus hijos, que hallado en el subsuelo de Roma en 1506, influyó considerablemente en la escultura
renacentista y barroca. Representa el castigo de la diosa Atenea al sacerdote troyano Laoconte y a sus hijos, por
recelar aquel del famoso caballo de madera. Unas serpientes salidas del mar se enroscan en los tres cuerpos, que
vislumbramos retorcidos por el dolor y la agonía. Todo está supeditado a la expresión de un gran dolor físico y
moral (el del padre que ve morir a sus hijos).

La ESCUELA DE PÉRGAMO (Asia Menor) Son famosas sus grandes composiciones, heroicas, de fuerza
patética y gran intensidad emotiva. Ejemplos son los numerosos gálatas: Galo moribundo, Galo suicida… que se
esculpen de bulto redondo, rindiendo homenaje a unos enemigos a los que costó mucho vencer, tienen numerosos
efectos barrocos. Múltiples puntos de vista, captación de un instante, el de la muerte, contrastes de luces y
sombras. Destacan también los altorrelieves del Altar de Zeus en Pérgamo, que narran una Gigantomaquia.

La ESCUELA DE ALEJANDRÍA (Egipto) fue uno de los núcleos artísticos más importantes en esta etapa.
Destacan el gusto por las alegorías en obras como la Alegoría del Nilo, en la que el río es humanizado: con barbas
abundantes, la frente coronada de espigas y recostado sobre una esfinge y el cuerno de la abundancia, ve como
16 niños (los 16 codos de la crecida anual del río) juegan a su alrededor. Pero esta Escuela tiene también gran
interés por lo grotesco: se conservan representaciones de personajes contrahechos, enanos, viejas borrachas, etc.

TEMA 3. EL ARTE ROMANO.

2.1. Contexto histórico.

Etapas de la historia de Roma: MONARQUÍA (753 a. C. – 509 a. C.) REPÚBLICA (509 a. C. - 27 a. C.)
IMPERIO (27 a. C. – 476 d. C.)

Antigua Roma, es el nombre dado a la civilización romana que se desarrolló en la península Itálica a partir de la
fundación de la ciudad de Roma en el año 753 a. C. Durante sus doce siglos de existencia, la civilización romana,
tuvo formas de gobierno como la Monarquía que luego fue reemplazada por la República hasta convertirse en
un gran Imperio que dominó Europa Occidental y los alrededores del Mar Mediterráneo a través de conquista y
asimilación cultural. En su origen, Roma era una aldea formada por pueblos de pastores entre los que destacan
los etruscos, los sabinos, las samnitas y los latinos. A lo largo del s. VI a. C. los etruscos transformaron esta aldea
en una auténtica ciudad. Poco a poco esta fue convirtiéndose en una auténtica ciudad-estado independiente y pasó
a ser una importante población de la Italia central. En el transcurso de los s. V, IV y III a. C. Roma pasó a
constituirse como un fuerte Estado y una poderosa potencia militar y colonizadora. Tras largos años de lucha con
Cartago, su principal rival, se convirtió en el más importante estado del Mediterráneo. Con la consolidación de
las estructuras políticas se inició la etapa de expansión del Imperio Romano. Durante ella se dieron grandes
progresos en la planificación urbana y en la construcción de obras públicas, se extendió por todo el Imperio la
lengua oficial, el latín, y se empezó aplicar estrictamente el Derecho romano. Pero Roma no alcanzó su máxima
expansión hasta el s. II cuando ocupó todas las tierras que rodeaban el Mediterráneo, al que llamaron Mare
Nostrum tras conseguir su dominio absoluto. Los pueblos que las habitaban fueron romanizados y adoptaron las
formas de vida de sus colonizadores (romanización). La religión romana era politeísta y asimiló influencias de
las distintas culturas con las que estuvo ligada. Del contacto con el mundo griego adoptó la mitología y las
representaciones de las deidades griegas. A partir del s. III se generalizaron los cultos mistéricos orientales, como
el culto a Mitra, y en gran medida el cristianismo, que chocará con la tradición romana.

2.2. Arquitectura y ciudad.

En todas las construcciones están presentes tres rasgos:

1º. Es una arquitectura al servicio del poder político, el Estado la utiliza para mantener vivo el enorme poder de
los gobernantes. Muchos emperadores pusieron sus nombres en estas construcciones. Este aspecto determina las
dimensiones colosales de las construcciones, se trataba de impresionar y demostrar la capacidad del Estado, así
mismo la utilización de la piedra y el hormigón busca la permanencia en el tiempo, como el poder de Roma sobre
los pueblos conquistados. Además, deben responder al espíritu de grandiosidad, orden y permanencia, que rigen
la política romana; la arquitectura romana es la expresión de su poder y esto lleva a su afán de eternidad, busca
la permanencia en el tiempo y el colosalismo monumental, valor de la masa sobre la línea. Sobriedad.

2º. Es una arquitectura utilitaria, funcional, que permite al Estado la romanización y la consolidación política.
Frente a una tipología constructiva práctica, también existen obras muy ornamentadas. El espíritu práctico del
pueblo romano se impone en las obras arquitectónicas, interesa hacer obras útiles, lo que contribuye a la
uniformidad de los modelos arquitectónicos.

3º. Consiguieron una gran destreza técnica, en la construcción de grandes edificios y en los sistemas de cubiertas:
bóvedas de cañón, de arista y el descubrimiento de la cúpula como eje de simetría axial vertical. Empleo
sistemático del arco de medio punto y de la bóveda de medio cañón. También empleo de la cúpula.

Elementos constructivos:

Los arquitectos romanos usan materiales muy diversos: piedra, ladrillo, hormigón… Según la disposición de
los materiales en los muros se obtenían diferentes aparejos de sillería, mampostería y ladrillo. Los principales
aparejos romanos son: opus quadratum, opus latericium, opus reticulatum, opus incertum, opus caementicium.

Piedra, tallada en perfectos sillares (opus cuadratum) o en bloques irregulares unidos con mortero (opus
incertum). El ladrillo se dispone en hiladas regulares (opus latericium), dispuestos a espina (opus spicatum), o
en alternancia con la piedra unidos a “junta viva” (opus mixtum). Pero para las construcciones de mayores
dimensiones el material preferido será el hormigón (opus cementicium), piedra y argamasa o mortero: mezcla
de arenas, piedras y cal mezcla de agua, arena, cal y guijarros, que quedara oculto a la vista mediante
revestimientos de piedra o ladrillo.

Todos estos materiales constructivos tan baratos se recubrían con mármoles de diferentes colores, grapadas las
placas con clavos de oro, pero esto era un lujo sólo al alcance de los emperadores, por lo que eran mucho más
frecuentes los revestimientos con pinturas y mosaicos.

Los arquitectos romanos utilizaran los órdenes griegos, aunque introduciendo algunas transformaciones e
innovaciones: Toscano (herencia del dórico con influencia etrusca. Tiene basa y fuste liso), Jónico (se usa poco y
a veces tiene cuatro volutas en vez de dos), Corintio (se usa mucho y tiene una basa altísima) y el Compuesto (es
una aportación romana que revela su deseo de suntuosidad, presenta un capitel de tipo corintio pero con los
caulículos tan desarrollados que asemejan volutas jónicas).

Consiguieron una gran destreza técnica combinando arcos y columnas: en la arquitectura romana se funden
los “sistemas arquitrabados” griegos, utilizándose los órdenes griegos con más libertad, introduciendo variantes
y superponiendo varios en un mismo edificio, con las soluciones en arco y bóveda de los etruscos, “arquitectura
abovedada”, sobresaliendo los arcos de medio punto, las bóvedas de medio cañón y las cúpulas.

Mayor sentido ornamental: los entablamentos se enriquecen considerablemente, los frisos se adornan con
guirnaldas con bucráneos (cráneos de buey), elementos vegetales (especialmente derivados del acanto), grutescos
(seres fantásticos, animales y vegetales entrelazados), aumento de molduras, decoración botánica abundante…
En los interiores se persigue un efecto cromático con el empleo de distintos materiales que contrasten mármoles,
mosaicos y pinturas.

La ciudad romana.

La gran aportación de Roma al urbanismo fue la creación de ciudades regulares, con plano en cuadrícula u
ortogonal. Se inspira tanto en la planta hipodámica griega, como en el castro o campamento militar, rectangular
y fortificado con dos vías perpendiculares que se cruzan en el área central de gobierno y religiosa.
Así todas las ciudades romanas se construían en damero, sobre una red viaria formada por calles pavimentadas
paralelas y perpendiculares, entre las que destacan dos grandes ejes o vías: El Decumanus (calle este- oeste) y
El Cardo (calle norte- sur) Estas vías unían las puertas principales de la ciudad cruzándose en el centro, creando
allí un área urbana privilegiada: el Foro. Las calles se cortan dibujando las manzanas de forma cuadrada o
rectangular.

El foro es un elemento clave de la ciudad romana. Equivale al ágora griega (y a la plaza mayor mediterránea
posterior). Se sitúa en la intersección del cardo y el decumanus. Los más importantes son el Foro de Trajano y el
de Augusto en Roma. Otros edificios singulares (teatro, termas, bibliotecas...) se distribuyen por la ciudad, en
ocasiones ocupando varias manzanas. Anfiteatros, circos, necrópolis y mausoleos, en cambio, suelen situarse
extramuros.
Al principio las ciudades eran abiertas, pero a partir de la crisis del siglo III d.C. y ante las constantes invasiones
de pueblos germánicos, se rodearon de murallas, con torres cuadradas y redondas que enmarcaban las puertas de
acceso a la ciudad.

Las viviendas son de varios tipos:

Domus. Es el tipo de vivienda tradicional romana unifamiliar para los privilegiados o patricios. Se construían de
forma simétrica en torno a un patio central con impluvium.
Insulae. Son los bloques de viviendas de alquiler colectivas de hasta cinco pisos de altura, generalmente para los
plebeyos. En la parte baja habría tiendas, “tabernae”.
Villae. Son viviendas suburbanas que siguen el modelo de la domus, pero con mayores dimensiones, áreas
ajardinadas, termas privadas, etc., en ocasiones junto con instalaciones agrícolas. Especialmente lujosa es Villa
Adriana, en Tivoli. Tipos de construcciones en la ciudad:

ARQUITECTURA CIVIL:

Termas: Juegan un papel muy importante en la vida romana: son baños públicos, lugares de reunión, instalaciones
para el ejercicio físico, bibliotecas, salas de juego e incluso alojamientos. Las termas de Caracalla en Roma son
las mejor conservadas. Tiene una disposición axial.
Basílica: La basílica es un edificio de múltiples usos, con carácter representativo. Sirve como sala de justicia,
lugar de encuentro y reunión. Gran sala rectangular, a veces dividida en naves mediante arquerías, cubierta
arquitrabada o abovedada, y desde el siglo I con grandes exedras (ábsides semicirculares) en los lados cortos o
en los largos. Destaca la monumental Basílica de Majencio (Roma), de principios del siglo IV.
Edificios para espectáculos: teatros, anfiteatros y circos.
El Teatro aparece al final de la Republica, y ha perdido en gran parte el carácter religioso del griego. Se construye
en la ciudad, al no poder aprovechar laderas naturales, se levanta sobre una estructura de grandes pilares y bóvedas
de hormigón, recubiertas de piedra. Se compone de las siguientes partes: Cavea o graderio, de planta semicircular
(a diferencia del griego). Orchestra, semicircular dado que apenas se utiliza en las representaciones. Scaena, que
queda elevada de carácter arquitectónico. Era habitual protegerlo del sol mediante grandes toldos. Destacan el
Teatro Marcelo en Roma y el de Mérida.

El Anfiteatro (significa, literalmente, doble teatro). Es una construcción elíptica destinada a los combates de
gladiadores, de animales entre sí y con hombres, y, cuando se puede inundar, a las naumaquias o combates de
barcos. Tienen su origen en los juegos etruscos dedicados a los difuntos. Se compone de: arena y cavea. La arena,
de forma oval, es la pista donde se desarrollan los combates. Suele poseer un sótano desde el que se pueden elevar
directamente los animales. Cavea o graderío en los que los espectadores se reparten según su clase social. En la
parte superior solían poseer un gran número de mástiles que permitían tender grandes toldos. Uno de los mejor
conservados y de mayor tamaño es el Anfiteatro Flavio o Coliseo de Roma, del siglo I, con capacidad para
50.000 espectadores. Es el mayor anfiteatro del mundo romano, tiene cuatro pisos y el superior estaba resguardado
interiormente por una galería de columnas.

El exterior se presenta como una sucesión de arcadas sobre pilastras y sobrepuestas en tres pisos; a cada uno le
corresponde un orden arquitectónico distinto: el dórico en el primero, el jónico en el segundo, y finalmente el
corintio. El arco se convierte en un elemento decorativo en coherencia con el gusto por lo curvo de la arquitectura
romana, en la que tienen un valor decisivo la bóveda y la cúpula. Los teatros griegos no poseían exteriores, en
cambio el Coliseo tiene un exterior gigantesco. Su decoración estaba especialmente cuidada: además de los
órdenes de las columnas, había una estatua debajo de cada arco. La cavea o graderío era el espacio destinado a
los espectadores y está también dividida en tres sectores de gradas, que cubren un elaborado sistema de
corredores. En la arena se ofrecían luchas de gladiadores, de hombres contra animales, entre animales... Los
recrearon con una forma arquitectónica para satisfacer esta necesidad: unieron dos teatros suprimiendo las paredes
de las escenas. El resultado fue un anfiteatro. Bajo la arena, cuyo pavimento era de madera, una complicadísima
obra de ladrillo creaba las distintas áreas de servicios y establos de las fieras.

Otros son: los de Arlés y de Nîmes en Francia; el de Mérida y de Itálica en Sevilla.

El Circo se dedica a las carreras de carruajes: bigas (dos caballos), cuádrigas (cuatro) y adquiere unas dimensiones
desorbitadas: el Circo Máximo (Roma), de Julio Cesar, admitía 250.000 espectadores. Su planta es estrecha y
alargada, a lo largo de la arena se sitúa la espina, que la divide en dos lados, y decorada con estatuas.
Monumentos conmemorativos: arcos de triunfo y columnas conmemorativas. Conmemoraban los
acontecimientos importantes. Con ello se perseguía despertar entre los ciudadanos la admiración por el personaje
(con frecuencia el emperador) triunfante.
Los Arcos de Triunfo se levantan en lugares céntricos (foro) en honor de un vencedor, que desfilaría triunfante
bajo su luz. Algunos arcos conservados son el Arco de Tito y el Arco de Constantino en Roma, y el de Bará en
Tarragona.
Las Columnas Conmemorativas son invención romana. Destaca la Columna Trajana, en Roma, de casi 40 m. de
altura, historiada (fuste cubierto por un friso helicoidal narrativo). La Columna de Marco Aurelio.

Ingeniería civil: calzadas, puentes, acueductos. El imperio romano requiere una infraestructura que permitiera
la comunicación entre las distintas partes del Imperio:
- Calzadas romanas, su red no ha sido superada en Europa hasta los siglos XVIII-XIX. Tenían varias
capas de cimentación y se señalizaban las distancias mediante miliarios de piedra.
- Los Puentes evitaban los rodeos en busca de vados y facilitaban la comunicación. Se construían en
hormigón cubierto de piedra. Su longitud y el número de arcos de que se compone depende del caudal
del río a cruzar y de la topografía. Destaca el Puente de Alcántara sobre el río Tajo.
- Los Acueductos o conducciones de agua para el abastecimiento de la ciudad. Destaca el de Segovia,
de principios del s. II, y el de Los Milagros en Mérida. Pontdu-Gard en Nimes, que es a la vez puente
y acueducto.

La ciudad dispone de una serie de obras públicas, como la red de cloacas para la eliminación de las aguas sucias;
faros como la Torre de Hércules en La Coruña; puertos como el de Ampurias y cisternas para almacenamiento
del agua, almacenes públicos.

ARQUITECTURA RELIGIOSA:

Templos. Los templos romanos son, ante todo, casas de los dioses. Influencias:
De los etruscos, el templo romano hereda las siguientes características:
Se levanta sobre un alto podio, con un único acceso delantero (frontalidad).
Posee un pórtico profundo, que da paso directo a la cella.
El muro trasero es ciego, y por tanto no existe la opistodomos griega.
De los griegos:
Órdenes clásicos (romanos), sobre todo corintio.
Proporción rectangular, a diferencia del templo etrusco, cuadrado.
Suele ser períptero (en tres lados) o pseudoperíptero

Ejemplos: La Maison Carré, de Nimes (Francia), construido en el siglo I. Y El Panteón de Agripa en Roma
(s. II) de espacio interior centralizado: una cella circular de grandes dimensiones (más de 40
m. de diámetro) con altares dedicados a todos los dioses, y cubierta por una majestuosa cúpula de gran dificultad
técnica. El resultado es la sugerencia de un espacio esférico iluminado por un óculo cenital, que simboliza tanto
el cosmos como el absoluto.

ARQUITECTURA FUNERARIA: Las tumbas con urnas cinerarias o con sarcófagos se situarán en necrópolis
fuera de la ciudad. Desde el punto de vista arquitectónico nos interesan exclusivamente las tumbas monumentales,
de grandes personajes ejemplos la tumba de Cecilia Metela, Roma, torre circular pétrea de influencia etrusca y el
mausoleo de Adriano (Castillo de Sant’ Ángelo). En España la Torre de los Escipiones en Tarragona.

2.3. Escultura. El retrato y el relieve histórico.

Características generales:
En la escultura romana es clara la influencia griega, particularmente en las de carácter religioso y mitológico
(copias de las obras griegas) y en emperadores, y también la influencia etrusca, sobre todo en el realismo del
retrato.
Marcado sentido realista debido a la herencia etrusca, el sentido práctico romano que hace que querían que las
personas reconocieran sus propios rasgos y a su interés por pasar a la historia, dejar memoria de sus hechos.
Hay varios tipos de esculturas: Busto: inicialmente, sólo la cabeza. Al final de la República se le añade los
hombros y parte del pecho. En el Imperio se añaden hombros y pectorales, y más adelante, todo el pecho y
arranque de los antebrazos, sin llegar al codo. Estatua que puede ser: sedente, ecuestre y en pie. Según el papel
que desempeña el personaje puede ser: toracata (con coraza), togata (con toga; si es femenino, con manto que
cubre la cabeza), pretor (administra justicia por lo que lleva un rollo de la ley en la mano), cum imperio (como
cónsul: lleva manto y brazo levantado en señal de arenga), pontifex maximus (sumo sacerdote, con manto que le
cubre, y patena en mano), apoteósico (emperador divinizado, semidesnudo, con corona de laurel).
La influencia helénica es intensa mostrando un gran idealismo en los retratos de los emperadores en sus tres
versiones: imagen togata (toga), imagen “toracata” (coraza militar) e imagen apoteósica (desnudo como una
divinidad).
Trabajaron principalmente el mármol (abundante en Italia) y también el bronce.
En técnica escultórica avanzaron notablemente con el uso del trépano para las labores más profundas.
El tema predilecto es el hombre, pero como ciudadano. No busca tanto la belleza ideal del cuerpo humano, sino
el retrato realista e individualizado. Mostrar la naturaleza tal como es.
Hace estatuas y relieves no para lucir el estilo, sino para honrar a las autoridades. Todo nos habla de la grandeza
de la política de Roma, de ahí el anonimato de los artistas.
Dos manifestaciones esenciales: el retrato y el relieve histórico.

El Retrato realista
El retrato es la aportación romana más original a la escultura. Su origen está en una antigua práctica funeraria de
culto a los antepasados, que era la de crear “imagines maiorum”. Cuando algún patricio moría se sacaba de su
rostro una mascarilla de cera, que se guardaba en casa y se exhibía en los funerales o en otras ceremonias públicas.
Su característica principal es la fidelidad en los rasgos y en los tocados (en el retrato femenino). Refleja el deseo
de legar a la posteridad retratos con fidelidad a la realidad corporal (parecido físico) y psicológica (forma de ser),
para perpetuarse en la historia. Así a imitación de las imágenes de cera se hicieron las de mármol.

Se puede apreciar una evolución en los retratos desde el realismo de época republicana hasta la idealización de
época imperial y la simplificación casi caricaturesca del periodo bajo imperial, especialmente durante la época
de Constantino.
Período Republicano: retratos de gran realismo, con rasgos faciales muy acentuados, la escultura consiste en un
busto corto, que sólo representa cabeza y cuello. Los hombres llevan el pelo corto. Retratos de Pompeyo, Cicerón,
Julio César, Bruto Barberini.
Retratos Imperiales: En los retratos de los primeros emperadores, principios del siglo I d.C., se observa una
tendencia hacia cierto idealismo, por influencia griega, en los retratos de cuerpo entero de los emperadores del
Alto Imperio encontramos tres versiones: Retrato togato de Augusto, Retrato toracato de Augusto o Augusto de
Prima Porta, El Retrato apoteósico de Augusto o el de Claudio heroizado. En los retratos de los siglos II y III se
tiende a un progresivo barroquismo, el pelo se esculpe más largo y separado de la cabeza, con rizos muy abultados
(trépano), aparecen flequillos y barbas, se graban las pupilas, el busto aumenta de tamaño apareciendo hombros
y pectorales, movimiento lateral de cabeza. Adriano, Marco Aurelio (magnífico retrato ecuestre en bronce),
Caracalla, Julia (peinado “nido de abeja”) A partir del siglo IV, ya en el Bajo Imperio, el retrato romano se
caracteriza por la rigidez, la simplicidad y el hieratismo, acercándonos al arte bizantino y paleocristiano. Los
retratos se deshumanizan, se pierde la preocupación por hacer retratos que se acerquen al hombre, se tiende a una
esquematización pero hay una mayor expresividad y comunicación psicológica: Constantino, los Tetrarcas

El Relieve histórico. Los romanos conscientes de estar realizando hechos históricos de gran importancia tuvieron
necesidad de perpetuarlos. Para ello utilizaron el relieve y no el bulto redondo, ya que aquel se presta mejor a la
narrativa. Con este fin resucitaron una costumbre que tuvieron las primeras civilizaciones orientales que utilizaron
los relieves históricos como instrumento propagandístico del poder de sus gobernantes.
Sus principales características son la idealización en los temas religiosos y el realismo y el carácter narrativo en
los de carácter histórico.
Poseen un significado histórico: se esculpen en piedra las hazañas de cónsules y emperadores para que el pueblo
las admire. Al contrario que en la escultura griega, donde los grandes hechos históricos se recordaban mediante
temas mitológicos, en la romana los protagonistas son los hombres, los generales que ganaron las guerras que
conmemoran estos relieves. Esta idea de relieve histórico procede de Oriente: Egipto, Mesopotamia y Persia.
El relieve romano es de estilo pictórico, es decir, busca efectos de perspectiva y profundidad como en Grecia,
modelado y realismo plenamente conseguidos, con varios planos y perspectivas logradas con características casi
pictóricas. “Horror vacui”.
Esto lo encontramos en tres obras excepcionales:

+ El Ara Pacis de Augusto: altar realizado en el siglo I a.C. para conmemorar la paz tras la guerra de las Galias
y de Hispania. El altar está cercado por un muro rectangular de unos 10 metros, realizado en mármol y decorado
con relieves Está dedicado a la diosa de la Paz y levantado en Roma, donde cada año se debían sacrificar un
carnero y dos bueyes. Lo más destacado es la decoración escultórica que recubre el edificio: En el interior el friso
está ocupado por guirnaldas y bucráneos. El exterior está dividido en dos registros decorativos: en la parte baja
uno con decoración floral y minúsculos animalillos y en la parte superior donde aparece una magnífica procesión,
en la que se encuentran Augusto con su familia, magistrados, senadores…, con una gran riqueza en actitudes,
posiciones y vestimentas, con hombres, mujeres y niños en distintos planos (medio-relieve y relieve plano), que
dan profundidad y crean un excelente espacio. Es una obra que combina los elementos de origen griego y
helenístico (la influencia de Fidias, las alegorías y elementos decorativos helenísticos), con el realismo y la
sobriedad de la tradición romana del retrato.

+ El Arco de Tito: del s. I d.C. para conmemorar la victoria del emperador sobre el pueblo judío; tiene un solo
ojo que origina una bóveda de cañón decorada con casetones; la decoración del arco es muy sencilla en su
intradós, enmarcado por columnas que descansan sobre grandes plintos (victorias); en uno de los relieves aparece
el momento en el que el emperador triunfante entra en la ciudad y junto a él aparece por detrás una victoria
coronándole y guiando su carro la diosa Roma, hay perspectiva (tres planos), atmósfera lograda con un
difuminado y el claroscuro, preocupación por el movimiento, estudio de distintas actitudes, etc.; el otro relieve
representa el momento en el que el ejército triunfante entra en la ciudad por un arco del triunfo con los símbolos
que han tomado al pueblo judío (el candelabro de los siete brazos).

+ La Columna Trajana: del siglo II d.C., en el foro de Trajano (Roma), conmemora la victoria de Trajano frente
a los Dacios. Además tiene un carácter funerario porque en el plinto hay una pequeña cámara donde se guarda
una urna con las cenizas del emperador. Todo el fuste está decorado con relieves en sentido helicoidal, continuo
e históriconarrativo siguiendo una ordenación cronológica de los hechos en una cinta. Relieve plano que consigue
crear profundidad, el emperador siempre en mayor tamaño. Es un relieve figurativo de acusado realismo y
detallismo, en el que las figuras tienen un tratamiento anatómico correcto en distintas actitudes en función de la
acción que desempeñan, sin idealizaciones.

1.6. La ciudad romana: sus partes y construcciones más relevantes que la integran, explicando las distintas
tipologías arquitectónicas.

(Este apartado está incluido en el 2.2. Arquitectura y ciudad).

ANEXO: PRINCIPALES OBRAS DE ARTE CLÁSICO (GRECIA Y ROMA).

ARQUITECTURA GRIEGA

Puerta de los Leones Micenas El Partenón Acrópolis de Atenas

Los Propíleos Acrópolis de Atenas Erecteion Acrópolis de Atenas

Teatro de Epidauro

Templo de Atenea Niké Acrópolis de Atenas

ESCULTURA GRIEGA

Kouros Anavyssos Dama de Auxerre Koré del peplo Aúriga de Delfos

Nacimiento de Venus Trono Ludovisi Friso de las Panateneas (Fidias)

Discóbolo de Mirón

Doríforo Diadumeno Apoxyomenos Hermes con Dionisio niño

Ménade danzante El toro Farnesio Laocoonte y sus hijos

Torso Belvedere Victoria de Samotracia Cerámica de figuras negras

PRINCIPALES OBRAS DE LA ARQUITECTURA ROMANA

Puente acueducto de Pont du Gard Acueducto de Segovia Basílica Ulpia

 Teatro de Mérida Anfiteatro Flavio o Coliseo Arco de Tito

Altar Ara Pacis

Panteón de
Agripa

Columna de
Trajano

Maison Carrée
PRINCIPALES OBRAS DE LA ESCULTURA ROMANA

Relieves del Ara Pacis Togado Barberini Augusto de Prima Porta

Relieves del Arco de Tito Relieves de la Columna Trajana

Marco Aurelio a caballo Retrato de Constantino Pinturas de la Villa de los Misterios