rEALISMO

REVISTa
Naturalismo

Kronos
Simbolismo

Número I - Febrero 2021

Crítica . . . .
. . .
Gustave Courbet Silvestre Revueltas Luis Buñuel Jules Bastien-Lepage

de Arte: Odilon Redon Gustave Moreau Henri Rousseau Maurice Maeterlinck

一 一
期 会
Revista KRONOS
Crítica de Arte
Pintura, Música, Cine, Teatro, Escultura, Literatura

Edición y Redacción de
Samuel Souroujon

Número I (Febrero de 2021)

Salón de Teoría y Crítica de Arte

Ciudad de México, México

En portada: S.A. Demonio Mara, China.

Información de Contacto:
ss.sd@lasallistas.org.mx
 DE LAS
PROFUNDIDADES DEL
ARTE
Nota Editorial

“A mi pie, furioso de bailar lanzaste

una mirada, una balanceante mirada
que reía, preguntaba, derretía: sólo
dos veces agitaste tus castañuelas
con pequeñas manos -entonces
se balanceó ya mi pie con furia de
bailar. Mis talones se irguieron, los
dedos de mis pies escuchaban para
comprenderte.”

Nietzsche,
Así Habló Zaratustra
 De las profundidades del arte

Deconstrucción a una fachada

pedazos de la tela del tiempo

Palpitaciones incoscientes
Nota Editorial

El Péndulo del tiempo

El filósofo, gustoso del arte, ha

Luis Buñuel, Salvador Dalí

Cuerpos de Deseo
lanzado su pie hacía la profundidad de

Maurice Maeterlinck
la vida para explorarla, ha retumbado

Gustave Courbet

Gustave Moreau
en toda ella en un eco del pie danzante.

Luis Buñuel
El pensador se ha adentrado hasta lo
profundo para sacar de ahí algo más
que la sabiduría: la eternidad de la
creación. ¡Quien estaría dispuesto a ver
a Cronos mismo, despedazando a sus
hijos, antes de la llamada al anillo de la
eternidad, sino el cómplice del bailarín,
4 16 28 44 60
el cómplice del artista!

10 22 36 52
Este trabajo se realizó durante el
primer periodo de la clase de Teoría
y Crítica de arte, que corresponde
al movimiento naturalista (Buñuel,
Bastien-Lepage), realista (Courbet,
Revueltas) y simbolista (Redon,
Ritmos infernales
Silvestre Revueltas

Rural, Ingrávido, eterno

Jules Bastien-Lepage

FLORación ETÉREA
Odilón Redon

LA INFANCIA ARQUETÍPICA
Henri Rousseau
Moreau, Rousseau, Maeterlinck).
Dicha clase fue precedida por la Dr.
ÍNDICE

Sonia Torres Ornelas, observando la

precisa distinción entre naturalismo
y realismo en el arte: mientras el
realismo pretende ver la injusticia
social desde lo moral, el naturalismo va
más allá, va a la pulsión.
 Ante los
pedazos de
la tela del
Revista Kronos Crítica de ArTe

tiempo:

Gustave Courbet

El Estudio del Pintor.

(L’Atelier du peintre)

rEALISMO

Ante los pedazos de
la tela del tiempo:
El estudio del pintor (Detalle)
Gustave Courbet, 1855
Gustave Courbet, El estudio del
Francia pintor. (L’Atelier du peintre).
Óleo sobre tela
359 x 598 cm
Museo de Orsay, París
E l estudio del pintor,
del artista francés
Gustave Courbet,
muestra uno de los más
detallados y conmovedores
autorretratos hechos en
pintura. En dicha obra
encontramos no solamente
el rostro del autor (como
nos podría parecer
común) sino una enorme
constelación de personajes
y situaciones que han
llenado sus trayectos vitales.
De este modo, el artista
ha arrancado un lienzo de
casi 6 metros de longitud
a su propia vida. Son los
pedazos que las capas de
pintura legan al futuro, a un
remitente desconocido, que
conocerá a Courbet como
la mirada inocente del niño
sobre el paisaje, el pintor
inspirado por los reflejos de
la naturaleza, el conmovido
5 Revista KRONOS
y a la vez quien conmueve a las musas
que posan para él.
Pero precisamente el cúmulo se abre
hacia las otras personas que atestiguan
su labor, desde los críticos de arte, los
escritores, amigos y modelos que se
reúnen en torno a él. Es la sociedad que
abraza o rechaza su obra (como ocurrió
de hecho con este autorretrato vedado del
salón de parís, 1855), en la que existen
retratos de pobreza y riqueza, contraste
sociales de todo tipo, la lucha por la vida y
por la muerte. Estamos ante la presencia
de una vida singular arrancada en un
pedazo de tela.
Y sin embargo, la mirada que se
enfocaba en las presencias de la parte
inferior de la obra, de repente de lanza en
otro vistazo: en el reflejo en la pared del
fondo. Ahí queda el papel de la naturaleza
en la vida, un reflejo a captar, un instante
de luz entre dos nadas. Estamos ante
la nada de la izquierda, marcada por la
muerte del pasado, el despedazamiento
de los materiales y la nada de la derecha,
marcada por el reflejo del espejo, en una
nada hacia la cual nos dirigimos como
futuro. La jovialidad del paisaje presente,
en el centro, con el niño, la modelo y el
pintor vuelven a reconfigurar la obra de
arte en torno a un punto álgido. Es el
presente inocente, el vistazo a la vida en
su transcurrir siempre palpitante, nuestro
corazón luminoso que nos mueve entre
dos nadas.
Febrero 2021 6
 El estudio del pintor
(L’Atelier du peintre)

Gustave Courbet, 1855

Francia
Óleo sobre tela
359 x 598 cm
Museo de Orsay, París

7 Revista KRONOS Febrero 2021 8

 Ritmos
infernales:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Silvestre Revueltas

La Noche de los Mayas

(4to Movimiento)

Orquesta de París.
Dirección de Kristjan Järvi

rEALISMO
 Ritmos infernales:
Silvestre Revueltas, La noche de
los mayas (4to Movimiento) .

Orquesta de París.
Dirección de Kristjan Järvi.

C omienza la cuarta
parte de la sinfonía
como en una noche
agitada, ritmos diversos,
violentos. La orquesta de
Paris resplandece bajo la
velocidad de una noche
maya. La tragedia azota
como un vendaval a todo
el auditorio, inmerso entre
pequeñas marimbas y
tambores. La brujería y el
sacrificio parece que toman
la totalidad del ambiente,
al punto de conmemorar lo
informe: alabándolo como
a los mismos dioses por las
diversas trompetas. Ellas
cubren como máscara a
Dionisos danzante debajo
de su solemnidad ritual.
Toda la selva se llena de
caída de lluvia celeste.
Los pies danzan con una
vehemencia no propia de
este mundo.

11 Revista KRONOS Febrero 2021 12

 ¡Violencia! Más tambores de la
profundidad retumban en el alma del
espectador, solo interrumpidos por
pausas que escapan y corren. Hacen
variar al ritmo, traen a la superficie la
constelación completa de los hombres en
danza. El lenguaje alcanzado adquiere
una plasticidad tremenda y la orquesta se
mantiene siempre sosteniendo el aparato
musical. El director ruge con emoción,
tan grande que hace pasar a la orquesta
de esa tranquilidad de la pausa hasta un
ritual de sacrificio intenso.
La segunda parte entra en marcha,
totalmente renovada. Ahora el espectro
de instrumentos se deja llevar por el
flujo de culebra. Los pies, sin embargo,
lanzan sus partículas y moléculas de
tierra, vibran al sonido, elevándose
rápidamente.
Por primera vez los violines
compiten en el escenario
para hacerle frente a los pies danzantes
de Dionisos, profundo Dios, embriagado
con el sacrificio. Mientras tanto, un
mundo maya a toda velocidad.
Ritmos de caos, instrumentos
traslapados entre sí y la monstruosidad
de los alientos metal apoyan a los
violines en su revolución, empujando la
solemnidad de la máscara de los Dioses,
de Apolo (el mesurado), uno de ellos.
El ritual de la rapidez, es eso a lo cual se
relaciona Apolo, siempre intentando que
lo que está debajo no
13 Revista KRONOS
salga a relucir como pura
carne mutilada, como
molécula despilfarrada
por el musico infernal,
siniestramente veloz,
¡percusionista!
Y cuando todo parece
perdido, que la revuelta de
los violines termina, una
melodía dulce y sonora se
introduce, apolínea. Toma
todo de tal manera que
el amado se encuentra al
rescate. Tal vez son los
dioses mismos quienes
descienden. El trance ahora
es de lo lleno, lo completo.
Final de la noche de los
mayas entre los himnos
solemnes de un amor
salvado.
https://www.youtube.com/
watch?v=YuQoYY5Cv8o&ab_
channel=MEXExperienciaMexico
Febrero 2021 14
 Cuerpos de
Deseo:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Luis Buñuel, Salvador Dalí

Un Perro Andaluz
(Un chien Andalou)

Naturalismo
 Cuerpos de Deseo:
Luis Buñuel, Salvador Dalí, Un
Perro Andaluz (Un chien Andalou).

Pero, una salida ocurre

(aparentemente). Aquí acontece la
muerte del impulso inmediato, la
B uñuel nos presenta
en este interesante
cortometraje una serie
correcta salida hacia el exterior, hacia las de actores que se han
playas amplias de reconciliación con su transformado en cuerpos
amado. Los personajes se posan sobre de deseo. Ya no habremos
la arena, sobre los objetos troceados, de concebirlos como
deseantes pero pasados por alto. La representantes de historias
salida, finalmente de la crueldad de los y relatos unidos por
instintos. Y el precio a pagar siempre un significado común
es alto: la inmovilidad, la muerte de o corriente, sino como
los personajes, enterrados en la misma cuerpos que transforman
arena de la que escapaban, enterrándose las imágenes alrededor
aún más en lo movedizo de su empresa. suyo en orden de un
instinto primario: la luna
ha devenido el ojo para la
cuchilla, la mano cortada
ha salido del interior
*La interpretación de “un perro andaluz” hecha
aquí no “concuerda” con el proyecto surrealista , sino con el de la caja, la camisa se
proyecto naturalista de Luis Buñuel. Sin embargo, es tarea transforma en un hombre
del crítico escribir con lo que se encuentra, emocionarse,
pensar dentro de los límites que nos impone la obra de
amado y ese amor en el
arte. ¿importará algo ante esa emoción ( que interpreta objeto de una violación.
inmediatamente) lo que es correcto de lo que no? Por lo Los cuerpos se desfiguran
pronto defenderemos esto: si hicimos la interpretación de
los cuerpos de deseo, es porque rompe con la lógica de la y el interior se vuelca al
vigilia, con la lógica de la represión. No hay una historia exterior. Es el asesinato de
que relatar.
la represión.

17 Revista KRONOS Febrero 2021 18

19 Revista KRONOS Febrero 2021 20
 Rural,
IngRÁvido,
Eterno:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Jules Bastien-Lepage

Una Colección de 37 Piezas

Naturalismo
 ¡Qué sensación de ingravidez abierta por
un mundo en crudo! Así, Bastien-Lepage Rural, Ingrávido,
nos presenta los árboles secos, las praderas
recogidas, los caminos de bosque, los
Eterno:
sembradíos que no tienen un fin ante el Jules Bastien-Lepage, Una
ojo que lo mira todo. La Cosecha (Les foins)
colección de 37 piezas
Jules Bastien-Lepage, 1877
Es en extremo notable la calidad Francia
Óleo sobre tela
del color manejado por Bastien-Lepage, 160 x 195 cm
quien no produce ante la mirada la tan Museo de Orsay, París
molesta grisalla que muchos pintores
realistas realizan. Más bien, va hasta
los tonos vivos del paisaje, hasta la
fructificación de la tierra que da de comer
a quienes la recogen. El pintor del siglo
XIX gusta inmediatamente de la cara. Y
son los rostros cansados, añorantes del
pan, el idealismo que vuelve la cara contra
la montaña, recién terminada de exprimir,
J ules Bastien-Lepage
muestra en todas las
obras presentadas en la
los rostros de la pulsión que hace trabajar exposición (colección de 37
hasta el cansancio. Los personajes en piezas) un desarrollo muy
consecuencia tienen rostros notablemente interesante de la condición
deshechos. Solamente los niños y las rural. Dicha condición
jóvenes conservan su piel angelical, la se encuentra atravesada
sonrisa que resplandece espiritualmente por el trabajo del campo,
entre los campos. El retrato, en otras en el cual mujeres y
vueltas, se hace íntimo revelando todo hombres se juegan la vida
un entramado arborescente de efectos y la subsistencia. A través
psicológicos derivados de la pulsión del de un desarrollo fiel a la
trabajo. Efectos que van desde la pulsión realidad, la pincelada de
ideal de la pureza de la mujer vestida de Bastien-Lepage nos da
novia, la pulsión de la subsistencia por el conmovedoras escenas, en
alimento o la pulsión del amor sensible en donde la realidad parece
los vecinos, pastores del campo. detenerse, eternizarse como
por una calma que nos
Finalmente, remarcamos que muy arranca de nuestro aquí y
rara vez, aunque no sin un gusto ahora como espectadores.

23 Revista KRONOS Febrero 2021 24

 tremendo, aparecen los grandes
paisajes puros, tales como los
paisajes marinos, de nieve y de
campos de cultivo. Ellos refuerzan
el poder de la diosa naturaleza por
sobre nuestras acciones. La salida
de la lógica de lo hecho para entrar
en la lógica del acontecer previo.
Lo grande lo que se nos sale de las
manos, la tierra que se abre ante
nosotros está presente como una
gran deidad que nos arropa y nos
obliga a amarla.

La pincelada es una pincelada

amable, que roza con las comas
impresionistas sin separarse mucho
de los fines naturalistas. Es un
tratamiento de una nitidez, ternura
y transparencia brutal. Gustosos
de ver la obra de Bastien-Lepage
nos quedamos ante esa sensación
de eternización natural, lo que
nos empuja hacia todo origen: el
nacimiento del cosmos. Como
si nada pudiese acontecer en lo
crudo. El desarrollo siempre previo,
siempre más abierto, siempre más Octubre (Octobre)
pulsional.
Jules Bastien-Lepage, 1878
Pintura Naturante. Francia
Óleo sobre tela
180 x 196 cm
National Gallery of Victoria,
Australia

https://www.youtube.com/watch?v=olesy6Q7STk&ab_
channel=LearnFromMasters

25 Revista KRONOS Febrero 2021 26

 DECONSTRUCCIÓN
A UNA
fachada:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Luis Buñuel

Bella de Día
(Belle de Jour)

Naturalismo
 Lo que parecía una escena cruel
y a primeras luces sádica, Luis Buñuel
la ha metamorfoseado en una rendija
al imaginario de nuestra protagonista:
Séverine. El director nos ha engañado
completamente, detrás de la mujer
burguesa seria y delicada, se esconde
una vorágine deseante, un abismo sin
fondo. Ella no se encontraba en el
campo, sino en su cama, al lado de su
esposo. Las oraciones que le recita al
él, inmediatamente parecen cómicas al
espectador, quien no se traga la fachada
que ve ante la pantalla. Todo el bluff de
la mujer sumisa se deconstruye ante el
vidente.
Cambia todo de escena, la
protagonista va conversando con una
de sus amigas dentro de un taxi. La
conversación revela claramente el motor
de la historia, la mujer cree encontrar en
un burdel de parís, la salida a la pulsión
que esconde detrás de sus frases mudas.
Posteriormente, llega a un edificio, en el
cual tropieza con todo, rompe jarrones
en su descuido y se traslapan entre sus
recuerdos-imágenes, escenas sexuales,
niñas en apartamentos de viejos, por
ejemplo. La duda azota su cabeza, su
fachada se comienza a desmoronar en
el momento en que decide entrar en el
cuarto de una matrona. ¿podrá mantener
la distancia entre estas dos vidas?
El filme, si no fuese por las escenas
del recuerdo, por los momentos en que se
29 Revista KRONOS
Deconstrucción a
una fachada:
Luis Buñuel, Bella de Día (Belle de
Jour)
E l filme Belle de Jour,
magníficamente
dirigido por Luis Buñuel
en 1967, comienza por
una escena de un largo
paseo por los campos.
La pareja, encima del
carruaje va discutiendo
por un amor frio, sin
lugar, paradójicamente
no va hacia ningún lado,
a diferencia del carruaje.
La mujer es arrastrada,
tras detenerse el paseo, en
el medio del bosque, sin
dignidad. Su bien vestir
no ha servido para que
terminase en una situación
mejor. Y sin embargo, es el
deseo el elemento que se
apodera de la pantalla.
Febrero 2021 30
 da rienda suelta a la doble vida,
la historia sería del rechazo hacia
la prostitución y el proxenetismo,
hacía un tipo de vida que la
protagonista considera mórbido
y asqueroso. Y sin embargo, al
revelársenos la maquinaria de
la psique de Séverine, Buñuel
consigue producir escenas donde
la protagonista se esclaviza a
su impulso primario. Imágenes
traslapadas sin más, rechazo a los
valores tradicionales y morales,
una nueva arborescencia creciendo
por detrás de todo. El motor de la
historia se ha puesto en marcha,
la pulsión: una llamada a la
puerta del burdel. Se cierran estos
primeros minutos del filme.

31 Revista KRONOS Febrero 2021 32

33 Revista KRONOS Febrero 2021 34
 Floración
etérea:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Odilon Redon

Una Colección de 38 Piezas

Simbolismo

FLORación Etérea:
Odilon Redon, Una Colección de
38 piezas.
O dilon Redon
se presenta
en esta breve exposición
con 38 piezas soñadoras.
Ahí nos da un amplio
panorama de su obra, que
es establecida no por la
dureza de la roca, sino
por la pincelada franca,
etérea, de una psique
hermosamente inocente.
Lo que resalta a lo largo
de la muestra son las
maravillosas flores, ellas tan
coloridas, tan perfumadas:
¡olor a libertad! Sensación
de soltura y magnificencia
dada por las líneas que
El Buda (Buddha)
se fugan del espacio
Odilon Redon, 1905 contraído. La línea es
Francia establecida en formas de
Óleo sobre tela
73 x 90 cm dispersión, que hace que la
Museo de Orsay, París paleta de colores saturados
y vivaces vuele en su vaga
abstracción.
37 Revista KRONOS
En algunos casos, las flores pasan
como símbolo de un sol maternal, que
derrama sus rayos a través de sus entrañas
bastas. Otras, las flores se tratan como
esporas, que escapan del aura de la
persona retratada, haciendo visible la
personalidad oculta al ojo normal.
Flores como esporas se vuelcan por
sobre nuestros ojos que han devenido
tacto, que han devenido superficie de
contacto para nuestro reflejo. Volcados
en el exterior, el espectador se posa
en la pintura. Y vivir en la libertad de
Redon como en los tonos azules de San
Juan, juntándonos poco a poco en la
magnificencia sin límite de un artista del
ensueño. Magnifica unión; reflejo del
vidente que ha tocado y se ha maravillado
ante una obra que ha roto con cualquier
compromiso crudo y despechado del
mundo.
Su pincelada, por otro lado, es
difícil de explicar con palabras, pues así
se muestran primigenios y espontáneos
los trazos con óleo, van más allá del
color visto, más allá del pensamiento en
su límite. El sentir más prestigiado, la
constelación de afectos sobresaturados
o vitales, se dejan palpar, más allá de
lo intelectivo o racional. Y ahí donde
su pincelada nos roza nace una nueva
simbolización: ojo que vaga en el cielo,
que flota por sobre el mar, símbolo del
místico que contempla el cosmos, filósofo
vital. Cara azulada, luego, libre en su
Febrero 2021 38
 encierro. Así como el espectador, libres
de nuestra situación concreta, volcados al
cuadro, como en una superficie psíquica
llena de bulbos en su aparecer floreciente,
y flores que levantan el vuelo, como
esporas posada en una ventana.

Finalmente todas las pinturas

se entrelazan en nuestra emoción y
compenetración a las obras. Se crea
una historia para nosotros: Mariposas
ascienden y se fugan en todos los confines
del cosmos, símbolo de amor dulce,
primero. Las mujeres enterradas en el
agua, figuran en la desesperanza de eros
arrancando la belleza del mundo: esclavo
de la muerte. Y sin embargo, todo renace
al igual que la flor, tornada inmensa
tras el claro del bosque. Como flores,
nosotros nacemos y renacemos con la
pintura de Odilon Redon, extrañamente
reconfortante.

Retrato de Violette Heymann

(Portrait de Violette Heymann)

Odilon Redon, 1910

Francia
Pastel
72 x 92 cm
Museo Arte de Cleveland, EE.UU.

https://www.youtube.com/watch?v=b7O5WoHjafY&ab_
channel=PatriciaM.R%C3%ADos

39 Revista KRONOS Febrero 2021 40

 San Juan (Saint John) Ojo-Globo (Œil-Ballon)

Odilon Redon, 1892 Odilon Redon, 1878

Francia Francia
Pastel Carbocillo
Colección Privada 33 x 42 cm
Museo de Arte Moderno, EE.UU.

41 Revista KRONOS Febrero 2021 42

 PALPITACIONES
INCONSCIENTES:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Gustave Moreau

Una Colección de 25 Piezas

Simbolismo
 Los temas que refleja en su obra
son los temas míticos, los cuales figuran PALPITACIONES Salomé bailando ante
Herodes
como la grata historia de la psique
general a través de la literatura, del texto
INCONSCIENTES: Gustave Moreau, 1874-1876
Francia
vivo. Así, aparece saliendo del bosque Gustave Moreau, Una colección Óleo sobre tela
143 x 104 cm
la hidra, Salome baila a través de los de 25 piezas Museo Hammer, EE.UU.
palacios de Herodes y Orfeo baja hasta el
mismo Hades por su amada. Moreau no
solamente nos ha transportado hacia una
psique particular, sino a las cavernas de la
psique del mundo.

En su pincelada, ahora, se
fragmentan los colores, las capas de oleo
se craquelan como vitrales, las líneas se
multiplican en su organicidad inasible
a la percepción inmediata. Todo se
complejiza mediante un gusto por el
detalle. Así, los elementos decorativos
de los palacios resaltan, al igual que los
adornos corporales como telas, ramas
o joyas; todo adorno se multiplica
recordándonos tradiciones como la
persa o la hindú, Las compulsiones de la
materia inconsciente, el fondo brumoso,
adquiere un tratamiento especial por el
paisaje. Y sin embargo, sobre él resaltan
las figuras de carne y hueso posando
dramáticamente en escenas de encuentros
con el mal: la muerte, el sensualismo:
Salomé, la idealización del amor: la musa,
la melancolía: Orfeo. Ellos nos modelan
como los puntos que lograron salir del
paisaje para resaltar, como símbolo de
ese mundo al que pertenecen. Como si el
pintor quisiese sacar de la compulsión, del
adorno, del mal, el elemento psíquico,
N os encontramos
al final del siglo
XIX, época donde se
explora nuestro mundo
psíquico, nuestros
caminos cavernosos que
no solamente pasan por
la conciencia luminosa,
sino por el entramado
profundo y nebuloso de
lo inconsciente. Autores
como Freud figuran
en este impulso, pero
también los desarrollos
de la pintura simbolista.
Gustave Moreau, en
particular, demuestra en
este ámbito un tratamiento
impresionante de la psique
en esta breve exposición.

45 Revista KRONOS Febrero 2021 46

La Piedad (Pietà)
consciente, que luce veces y solo en ciertos lugares deslumbran.
sobre lo que escapa a la luz Más bien, el desarrollo del color se ubica
Gustave Moreau, 1876 diurna. al nivel de los tonos profundos, con
Francia
Óleo sobre madera saturaciones del color y una oscuridad
23 x 16 cm No sabemos si esto es del propia de lo lejano, de lo cavernoso. Esta
Museo Nacional de Arte
Occidental, Japón.
todo logrado por el autor, oscuridad despeja la lucidez de algunas de
pero lo que sí notamos es las pieles, aureolas o decorados, hace nacer
la profunda melancolía de en las diferentes figuras iluminaciones
su pintura. En ella cabe producidas por una magia casi divina.
la tristeza sombría de una
existencia profunda que no Cabe decir que ver la pintura de
sabe si regresará a ver la luz Moreau es deslizar el ojo ante el punto
del día, en ella se encuentra de deseo móvil en la tela. Deslizando
la mujer que llora por el la visión por los relieves táctiles de los
hijo de Dios. Cabe toda impastos de óleo, tocando la compulsión
melancolía de intentar de los elementos o viajando por el espacio
alcanzar el objeto perdido, desconocido y brumoso que se constituye
solar, consciente. Muchas entre las figuras y su fondo, ahí acontece
veces la composición roza todo como en un inconsciente del mundo
con ello, colocando a una mitológico, palpitante en sus diferentes
joven a la izquierda de la elementos de superficie.
composición y apuntando
hacia el centro. Ese centro
es el punto móvil de su
deseo. Por ejemplo, en “la
aparición” sale a relucir la
monstruosa cabeza flotante,
la colosal intelección
divina, encontrada
en unión mística o la
seducción de Salomé a
Herodes, quien apunta al
objeto de deseo en su baile
fatal.

Los colores trabajados https://www.youtube.com/watch?v=-L5ObUrBdBM&ab_

por Gustave Moreau raras channel=CONSUELOALBERTMAS

47 Revista KRONOS Febrero 2021 48

Hercules y la hidra de Lerna
(Hercule et l'hydre de Lerne)

Gustave Moreau, 1875-1876

Francia
Óleo sobre tela
179 x 154 cm
Museo de Arte de Chicago, EE.UU.

49 Revista KRONOS Febrero 2021 50

 La infancia
arquetípica:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Henri Rousseau

Una Colección de 140 Piezas

Simbolismo - Naïf

La infancia
arquetípica:
Henri Rousseau, Una Colección de
140 piezas.
U na colección de
140 piezas se
presenta en torno al autor
francés Henri Rousseau.
Inmediatamente llama
a la mirada la más basta
simplicidad con que se
tratan los elementos. Y esto
no es por falta de detalle
sino por su presentación
infantil y pura. Por esta
razón un derroche de
melancolía se extiende
sobre el espectador al
contemplar su obra. El
artista nos transporta a
nuestros recuerdos sin
Yo mismo (Moi-même)
memoria, de la lejana
Henri Rousseau, 1890 infancia, cuando fuimos
Francia
Óleo sobre tela niños. A un pasado que no
146 x 113 cm se mide en años, pero que
Galería Nacional de Praga,
Praga
permanece en la inocencia
de todo ser humano.
53 Revista KRONOS
Rousseau con su pintura al óleo, con
pincelada robusta y de huesos anchos,
nos da formas finamente delineadas
que nos llevan a parajes invisibles. Estos
lugares aunque gocen de un parentesco
con lo real, se suman en una visión
completamente ingenua, bella de pies
a cabeza y que nos arropa con un aura
que nos pertenece de inmediato. Las
obras carecen de perspectiva, porque la
profundidad no hace a la lejanía. Más
bien, la infancia, la selva o los motivos
naturales proyectan a sus protagonistas
al centro del escenario, dándonos
superposiciones magistralmente
desarrolladas. Es como si el movimiento
de fondo se detuviera en una toma
fotográfica que produce el resplandor
de memoria humana. Todo lo que es
originario, lo inmenso, se torna individual.
Se torna un ojo cercano al mundo.
Las formas con que Rousseau
mueve nuestras emociones son formas
simplificadas pero que llenan los
espacios en su detalle: las ramas y hojas
deslumbran en su multiplicidad. Existen
elementos de lo cotidiano y lo totalmente
inesperado resplandece, ya sea en forma
de una gran selva de la que emerge un
sillón con una mujer, o el claro de luna,
del que emanan las construcciones
parisinas. Sin embargo, es siempre el
autor quien hace de la miniatura lo
inmenso y de lo inmenso la miniatura
naif, miniatura de lo simple que agranda
la atmósfera melancólica.
Febrero 2021 54
 Rousseau pinta universos de
tranquilidad, en su obra, todo aparece en
una calma que nos arrastra y dulcifica la
vida, porque la hace soñadora, amable.
El niño interior puede acontecer en esta
apertura del alma y ver al paisaje como
un acontecimiento inmenso. Rousseau
es sin dudas un artista que sabe elevar
estas formas paisajísticas y naturales hasta
lo más destacado. Ha sabido encontrar
la repetición, la línea ramificada, la
atmosfera húmeda de la selva y la
claridad del bosque.

En todo ello, el espacio pictórico ha

devenido un recuerdo de un pasado que
tenemos que crear palmo a palmo con la
obra de arte. Haciéndonos niños ferales
en las selvas de la ingenuidad.

Tigre en una tormenta tropical

(Tigre dans une tempête tropicale or
Surpris!)

Henri Rousseau, 1891

Francia
Óleo sobre tela
130 x 162 cm
National Gallery de Londres, Londres.
https://www.youtube.com/watch?v=tMV77M9NWGM&ab_
channel=LearnFromMasters

55 Revista KRONOS Febrero 2021 56

 Noche de carnaval
(Une soirée au carnaval)

Henri Rousseau, 1886

Francia
Óleo sobre tela
117 x 89 cm
Museo de Arte de Filadelfia,
EE.UU.

La encantadora de serpientes
(La Charmeuse de Serpents)

Henri Rousseau, 1907

Francia
Óleo sobre tela
169 x 189 cm
Museo de Orsay, París.

57 Revista KRONOS Febrero 2021 58

 Elpéndulo del
tiempo:
Revista Kronos Crítica de ArTe

Maurice Maeterlinck

La Instrusa
(L'Intruse)

Simbolismo
 En principio la atmósfera es
hogareña, de los hijos reunidos con el
padre y que, imaginamos, miran por la
ventana esperando algo que nunca llega,
que siempre falta a las consideraciones
de la vista o el oído. De esta forma
cuestionan los personajes por lo que pasa
fuera de la casa en la que residen. Allá
afuera todo cambia, pero no producto
de un hombre sino un fantasma. Ese
fantasma va apagando algo conforme
todo transcurre: los pájaros dejan de
cantar, las flores se marchitan, la vela se
apaga. Solo se hace presente por los hilos
de la naturaleza que empuja, pero nunca
se hace patente.
No sabemos si es su hermana o
algo más, todo se calla, dejando hablar
al silencio de la muerte que vaga por el
jardín de enfrente. Inclusive el reloj se
apaga por un momento. Solo quedan
símbolos del paso de una presencia fría,
impersonal. ¿será la muerte la que ha
seguido a los personajes o la que los
espera al otro lado de la habitación? Este
tipo de preguntas nos las plantemos, pues
la vaga atmósfera no se resuelve en una
expresión de los actores, siempre se fuga
el sentido de los signos visibles o audibles.
Toda esta atmósfera se plaga por
repeticiones y así por preguntas que
no se consolidan, que siempre son una
maña de lo que acontece. Una confusión
del tiempo y los signos ya no caen en la
pantalla de los cuerpo ni llegan a la
el péndulo del
tiempo:
Maurice Maeterlinck, La intrusa
(L'Intruse)
M aurice
Maeterlinck,
presenta su obra: la
intrusa, llevada a cabo
en un ámbito sonoro,
creando así un maravilloso
ambiente de ambigüedad.
Maeterlinck nos introduce
en el tic tac del reloj, el
tic tac que viaja en dos
sentidos a la vez, tanto
hacia atrás como hacia
delante, en la ambigüedad
del tiempo. Todo ello
delata el inicio de las
repeticiones de las frases.
Las repeticiones que
prolongan el interés del
espectador por el sentido
de lo que escucha. El
sentido corre detrás
de los signos que nos
proporcionan la voz de los
actores, pero, ¿llega algún
día?

61 Revista KRONOS Febrero 2021 62

 altitud de un Dios.
Todo acontece solamente.
Solamente transcurre el
silencio y el fantasma de lo
que nunca es presente. No
hay acciones ni pasiones.
Finalmente el padre
comienza a presenciar los
sonidos cercanos, a palpar
la figura de la muerte,
mientras los hijos escuchan
cada vez menos, callan cada
vez más. El tic tac del reloj
se reinicia, volviéndonos a
conectar con el inicio, todo
se repite sin más, trayendo
una novedad excelsa. Llega
la novedad de la muerte,
repite siempre, ¿es ya
pasada o apenas futuro?

63 Revista KRONOS Febrero 2021 64

Revista KRONOS
Crítica de Arte
Pintura, Música, Cine, Teatro,
Escultura, Literatura

Número I (Febrero de 2021)

Edición y Redacción de
Samuel Souroujon

Salón de Teoría y Crítica de Arte

Ciudad de México, México