Figuralismo

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El figuralismo es una técnica de composición musical aplicada a la música vocal,
que estuvo activa entre los siglos XVI y XVIII, en consonancia con los presupuestos
estéticos del Renacimiento y del Barroco. Consistía en subordinar la música al
texto creando para la música una serie de figuras de todo tipo (melódicas,
rítmicas, polifónicas, texturales, etc.) que subrayaban el sentido profundo del
texto musicalmente, con el sonido.

Esta técnica en lengua inglesa recibe la gráfica denominación de «word painting»,

que literalmente quiere decir "pintar (musicalmente) las palabras". Por ejemplo las
melodías ascendentes acompañan a textos que hablan de subir o ir hacia arriba,
mientras que una música grave y oscura acompaña a un texto sobre la muerte.

Índice
1 En música clásica occidental
1.1 Edad Media
1.2 Renacimiento
1.3 Barroco
2 En música popular urbana
3 Véase también
4 Referencias
5 Enlaces externos
En música clásica occidental
Edad Media
Esta técnica se remonta hasta la época del canto gregoriano en el que se encuentran
patrones melódicos cortos que expresan ideas emotivas y significados teológicos.
Así, en el patrón fa-mi-sol-la, las notas fa y mi expresan la humillación y muerte
de Cristo mediante un movimiento descendente, mientras que el sol es la nota de la
resurrección y el la, aún más arriba, indica la ascensión. Cuando esta secuencia
melódica se encuentra sobre el texto te libera (por ejemplo en el Introito del
domingo de sexagésimo), indica que Cristo libera a la humanidad del pecado a través
de su muerte y su resurrección.

Renacimiento
En este periodo los compositores experimentaron con el figuralismo en el madrigal,
sobre todo en el italiano. Aunque esta técnica también se empleó en los demás
países, en los que se compuso bajo la influencia italiana. El uso de esta técnica
se desarrolló hasta tal punto y fue tan esencial al propio madrigal, que las
figuras más habituales en este género renacentista se denominaron madrigalismos. En
este grupo de compositores se pueden observar diversas técnicas, todas relacionadas
aunque no del todo coincidentes. A continuación se citan algunos ejemplos:

La acción de subir, elevarse, así como el cielo o una montaña se representan con
melodías ascendentes y/o en el registro agudo. Por el contrario la acción de bajar,
así como los conceptos del suelo, el infierno y la llanura se ilustran con melodías
graves, descendentes o sin curvas melódicas.
El río y el vuelo de los pájaros mediante melismas largos sobre una misma sílaba.
La alegría con notas rápidas, mayoritariamente agudas y la tristeza con recursos
opuestos. En general la tristeza recibe un tratamiento a base de melodías
cromáticas.

Fragmento inicial del madrigal "Solo e pensoso" de Luca Marenzio. Acerca de este
sonido Reproducir (?·i)
El texto dice: Solo y pensativo, los campos más desiertos voy midiendo a pasos
tardíos y lentos y los cromatismos que llenan toda la frase le confieren el
carácter triste.
La música se detiene sobre textos que hablan de acciones como cantar, hablar o
bailar, ya sea repitiendo las palabras que hacen referencia, ya sea alargando cada
sílaba con más notas.
Otros efectos de la voz humana como un susto o un suspiro se representa con una
aspiración profunda en tiempo fuerte y posterior entrada a contratiempo; la risa
mediante sucesivas notas sobre una misma sílaba que muy probablemente deberían
interpretarse staccato.

Fragmento inicial del madrigal "Piagne sospira" de Claudio Monteverdi, donde se

ejemplifica el figuralismo más habitual sobre la palabra sospira (suspira).
La referencia a una cifra o cantidad elevada se representa en música repitiendo una
misma figura musical y un mismo texto ya sea en una misma voz, ya sea -más
habitualmente- en imitación polifónica.
Las acciones de perseguir, cazar, seguir, imitar... con frecuencia son tratadas
mediante la técnica del canon o bien contrapunto imitativo.
Por el contrario, la idea de unidad o unificación muy a menudo se corresponden con
un unísono.
No obstante, el unísono también puede expresar algo que es delgado, mientras que
una textura polifónica homofónica se asocia a algo que es grueso o ancho.
La palabra pleno o plena suele estar repleto de notas mediante un melisma o la
repetición de la palabra.
El concepto de día se representa musicalmente con notas más vivas y rápidas que la
noche sobre todo si, como es habitual, se sitúan uno inmediatamente detrás del
otro, explotando el juego de la oposición. Si bien, en otros casos se hace
exactamente al contrario: ilustrando el día con notas largas que dan una sensación
de inmovilidad, mientras que la noche se ilustra con notas rápidas. Lejos de ser un
contrasentido, este tratamiento musical del texto busca un efecto visual en vez del
efecto sonoro. Las notas largas, que se correspondían y se siguen correspondiendo
en el actual sistema de escritura con notas blancas, son apropiadas para la luz del
día; mientras que las notas cortas eran y son negras como la noche. Esta
circunstancia confirma que el compositor ideaba estos efectos para alguien que no
sólo sentiría o escucharía la música, sino que también la vería y leería en la
partitura. De hecho, los protocolos educativos de la nobleza establecían que la
instrucción del noble incluía la educación musical necesaria para saber cantar un
madrigal.
Texto original en italiano Traducción
Lasciatemi morire
E che volete voi
Che mí conforte
In così dura sorte
In così gran Martire?
Lasciatemi morire
Dejadme morir (melodía descendente en morire)
¿Y qué queréis vosotros
Que me reconforte (melodía ascendente en conforte)
En esta suerte tan dura
En este martirio tan grande? (nota larga y aguda en gran)
Dejadme morir

Barroco
El Barroco mantuvo una parte muy importante de los figuralismos utilizados en el
Renacimiento. Uno de los ejemplos más bellos y a la vez más conocidos pertenece a
El Mesías de Haendel. En concreto al aria de tenor, cuyo texto dice "Every valley
shall be exalted, and every mountain and hill made low; the crooked straight, and
the rough places plain". (Todo valle será elevado, toda montaña y colina bajará, el
terreno escarpado se volverá plano, y el escarpado una llanura; Isaías 40:4).

En la melodía de Haendel, la palabra "valle" se corresponde con una nota grave,

"exalted" es una melodía ascendente, "mountain" (montaña) forma un pico melódico, y
"hill" (cerro) es un pico más bajo, mientras que low es una nota grave. "Crooked"
(escarpado' se canta con una figura rápida de cuatro notas, sin embargo "straight"
se canta sobre una sola nota, inmóvil. Finalmente, "the rough places" se canta con
notas cortas y separadas, pero "plain" (llanura) se alarga a través de varios
compases en una serie de notas largas, como llanuras. Esto se puede ver en la
siguiente partitura:

Aria de El Mesías de Haendel.

Los cromatismos descendentes que ya existían en el madrigal como expresión de
tristeza y de muerte en el Barroco se codifican aún más como expresión de la
muerte. Como tales aparecen en muchas obras del Barroco de entre las que destacan
dos por su popularidad.

La primera se encuentra en el bajo ostinato del Crucifixus del Credo de la Misa en

si menor de Johann Sebastian Bach, presenta esta figura para el momento de la
muerte de Cristo, combinada con la figura del passus (notas repetidas sobre un
ritmo monótono, expresando los pasos del caminar) para representar precisamente
esta palabra.
La segunda es el bajo ostinato del Lamento de la reina Dido, al final de la ópera
Dido y Eneas de Henry Purcell, titulado When I am laid, donde la reina se suicida
al saber de la muerte de Eneas.
Algunas de estas figuras viajaron grandes distancias, según afirma Bonastre, que
encuentra antecedentes de la figura inicial del primer coro Kommt ihr Töchter de la
Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach en compositores catalanes y
valencianos del siglo XVII. Por otro lado, Rubén López también las encuentra en los
tonos humanos -como cantatas profanas de compositores españoles del siglo XVII.

Sobresale Johann Sebastian Bach por el uso que hizo altamente simbólico y bastante
más alejado de los meros efectos sonoros, de esta técnica que le sirvió a menudo de
fuente de inspiración. Son conocidas, por ejemplo, sus maneras de representar la
cruz (símbolo central de la Pasión que en alemán se llama igual que el elemento
musical sostenido (Kreuz). Los modos de representarla podían ser bien utilizando
estas alteraciones, o bien "dibujando" una especie de cruz sobre la partitura
mediante una única línea melódica (línea horizontal) que queda segmentada por un
gran acorde en tutti que aparece como una línea vertical.

Más allá del uso de figuras aisladas para la descripción o reforzamiento de ideas
precisas y concretas contenidas en el texto, la retórica brindó a la música una
gran cantidad de recursos para la organización temporal del discurso que, sobre
todo fueron de gran importancia en el Barroco, y que llevaron a la posterior
codificación de las principales formas musicales en el Clasicismo. Muestra de ello
es la forma sonata con su desarrollo y su reexposición.

Algunos de los teóricos que sistematizaron esta técnica fueron Nicolaus Listenius
(Rudimentos Musicae in gratiam studiosae iuventutis diligentes comportata, 1533),
Heinrich Faber (Música poética, 1548), Joachim Burmeister, (Música poética, 1606),
Johann Andreas Herbst (Música poética, 1643) y Johann Jakob Walther (1708).

En música popular urbana

Aunque probablemente esta técnica no se ha utilizado tanto en la música popular
urbana, también se pueden sugerir algunos ejemplos:

Garth Brooks, «Friends in Low Places»: cuando canta Got friends in low places
(Tengo amigos en lugares bajos) suenan notas graves.
Tal Bachman, «She's so High»: cuando canta She's so high (Ella está muy arriba)
suenan notas agudas.
Sting, «A Thousand Years»: repetición de la misma figura que contiene un intervalo
de segunda. Como contraste, la frase I still love you (Todavía te quiero) es más
aguda (alegría) y en valores mucho más largos (alargándose el sentimiento de amor).
Joe Cocker, «Up Where We Belong»: en el coro inicial de la canción la melodía es
ascendente mientras canta Love lift us up where we belong (El amor nos eleva allá
adonde pertenecemos).
Jewel, «Am I standing still»: toda la frase cantada sobre la misma nota, la propia
melodía está "quieta".
Justin Timberlake, «What Goes Around... Comes Around»: canta el texto What goes
around, goes around, goes around / Comes all the way back around. La música que
corresponde baja una octava y luego vuelve a la octava inicial.
Véase también
Teoría musical
Análisis musical
Notación musical
Musica reservata
Musica ficta
Referencias
Bonastre, Francisco: «Antecedentes hispánicos del tema 'Kommt, ihr Töchter' de la
'Matthäus-Passion' de J. S. Bach (BWV 247)». Revista de Musicología, 26 (1):59-83,
1993.
Bond, Mark E.: Wordless Rhetoric: Musical Form and the Metaphor of the Oration.
Harvard University Press, 1991.
Burkholder, Peter; Grout, Donald & Palisca, Claude: A History of Western Music. W.
W. Norton, 2014. Historia de la música occidental. Alianza, 2011.
Carter, Tim: «Word-painting». Grove Music Online, ed. L. Macy. Consultado el 07-02-
2009.
Greenberg, Robert: How to Listen to and Understand Great Music, 1, CD 6. Teaching,
1998.
López Cano, Rubén: «Los tonos humanos como semióticas sincréticas». Begoña Lolo
(coord.): Campos interdisciplinares de la musicología: V Congreso de la Sociedad
Española de Musicología (Barcelona, 25-28 de octubre de 2000), Vol. 2. Sociedad
Española de Musicología, 2002, pp. 1167-1185. ISBN 84-86878-78-0 (Dialnet)
Morin, M. Clement & Fowells, Robert M.: «Gregorian Musical Words». Belan, W. W.
(ed.): Choral essays. Thomas House, 1993.
Roche, Jerome: The Madrigal. Charles Scribner's Sons, 1972.
Enlaces externos
«Wordpainting» - en music.vt.edu
Control de autoridades
Proyectos WikimediaWd Datos: Q2165788
Categorías: Música vocalMúsica de la Edad MediaMúsica del RenacimientoMúsica del
BarrocoTerminología musicalEscuelas musicales
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