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ANDRADE, Y DURAN - Vivir El Arte Plástico en La Escuela
ANDRADE, Y DURAN - Vivir El Arte Plástico en La Escuela
org)
Vivir el arte
plástico y visual
en la escuela
Estela Andrade
Gabriela Durán
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela by Estela Andrade / Gabriela Durán is licensed under a
Creative Commons Reconocimiento-CompartirIgual 4.0 Internacional License.
ISBN 978-9974-99-728-8
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Indice
Introducción.................................................................................................. 11
Actividades ............................................................................................... 34
Imagen................................................................................................... 34
Simetría ................................................................................................. 35
Símbolos. ............................................................................................... 36
Arte egipcio............................................................................................... 51
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Arte bizantino............................................................................................ 64
Maniriesmo ............................................................................................... 74
Neoclasicismo ........................................................................................... 80
Impresionismo........................................................................................... 84
Art Noveau................................................................................................ 89
Expresionismo ....................................................................................... 98
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Bibliografía................................................................................................. 271
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“El artista capta emociones que proceden de todas partes: del cielo, de la
tierra, de un trozo de papel, de una forma que pasa o de la tela de una
araña…”
Pablo Picasso.
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Introducción
El continuo avance y masificación de las nuevas tecnologías de la información
y comunicación (TIC) ha producido importantes cambios en todas las áreas y
actividades del ser humano. El ámbito educativo integra estas herramientas,
que apoyan indiscutiblemente el proceso de enseñanza y aprendizaje, con el
fin de favorecer el desarrollo de capacidades y habilidades y fomentar el
trabajo colaborativo.
Ante tal realidad, es de suma importancia que los docentes sean conscientes de
la magnitud que tiene la actividad artística en el aula y su aporte a la
formación integral del alumno.
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La educación artística tiene como fin que el niño exprese sus pensamientos,
intereses y sentimientos mediante una actividad creadora, favoreciendo su
autoconocimiento y la interrelación con el medio en que vive.
El arte plástico visual comprende toda creación del ser humano que expresa
emociones o ideas a través de líneas, colores y/ o formas.
Hay que despertar en los alumnos la sensibilidad, curiosidad, y respeto hacia
las formas de expresión de los otros, así como desarrollar su espíritu crítico y
criterios propios para reconocer y asimilar los elementos que les rodean.
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Fuera del entorno escolar existen diversos espacios para visitar donde también
es posible enseñar y aprender. Los museos son ámbitos ideales para la
contemplación de obras de arte en forma directa, y la visita a talleres de
artistas que vivan en el área escolar para conocer sus producciones y dialogar
con ellos constituyen experiencias significativas en la formación artística de
los niños que contribuyen a desarrollar el sentido de pertenencia e identidad
cultural.
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histórico determinado. Por ello es necesario conocer los datos biográficos del
autor y el resto de su producción, situar su obra y compararla entre si y con
respecto a la de otros autores, reconociendo similitudes y diferencias, para
poder identificar sus particularidades.
Es esencial tener presente que el fin de la enseñanza del arte plástico visual es
lograr la comprensión por parte del niño del mensaje que los artistas
transmiten en sus obras, así como la libre aplicación de las técnicas utilizadas
por las diversas corrientes artísticas. Cuando se trabaja el impresionismo, por
ejemplo, hay que proponer la recreación de una imagen cotidiana para el niño,
a través de las distintas estaciones del año o momentos del día como el
amanecer o el anochecer, y no limitarlo a que reproduzca lo que ha pintado un
artista impresionista. Se evita así la tradicional tendencia de reducir la
actividad de expresión plástica en el aula al acto mecánico de realizar copias
de obras famosas de reconocidos artistas.
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Si bien el término surge dentro del ámbito religioso, al aludir a las pinturas o
esculturas de santos y vírgenes, con el correr del tiempo su concepto se ha
ampliado y en la actualidad tiene un alcance social tanto cuando se habla de
imagen personal o corporativa, como cuando se utiliza por los medios de
comunicación para transmitir información.
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Cuando una imagen, objeto, fenómeno o acción material, por naturaleza o por
convención, representa o sustituye a otro se habla de signo. Es una forma de
comunicación cuyos elementos son el objeto referente, el significado, el
significante y el interpretante. El referente es el objeto real del cual hace
mención el signo. El significante es la manera en la cual se presenta o
manifiesta un, o sea su aspecto material o físico. El significado es el concepto,
la imagen mental del referente, la idea inmediata que se obtiene del
significante. Por lo tanto para que un signo pueda ser llamado como tal
necesita de la presencia de una persona que lo perciba, procese e interprete.
Los signos se clasifican en tres grandes tipos, las señales, los íconos y los
símbolos.
Las señales son signos originados mediante alguna parte del elemento
representado, por ejemplo la huella de un pie. Los íconos son signos con
características físicas de la imagen original que transmiten un significado
determinado, por ejemplo la cruz ícono del cristianismo. Los símbolos son
signos que se componen de información extraída del entorno, fácilmente
reconocible por formas, tonos, colores, texturas que no guardan ninguna
similitud con ningún objeto real o sea que poseen el significado que se les
asigne. Un símbolo es la representación sensorial de una realidad en virtud de
una convención socialmente aceptada. Se trata de imágenes simples que
pueden referirse a realidades externas como un mapa o mentales como las
formas geométricas. Todo símbolo tiene un significante y un significado. El
significante es aquello que se percibe, y el significado es la descripción de lo
percibido. Por ejemplo las señales de peligro, o informativas, como las que
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prohíben fumar o las que indican salidas de emergencia son símbolos que se
utilizan para trasmitir de un modo directo y eficiente un mensaje.
Para que un símbolo sea efectivo debe tener un propósito factible de ser
reproducido y recordado.
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La simetría en la imagen
Es posible analizar las relaciones que existen entre los elementos que
componen una imagen. Por ejemplo cuando se la divide ya sea vertical u
horizontalmente sus elementos se distribuyen en forma proporcional en cada
una de las dos partes obtenidas. A ese tipo de composición se le denomina
simétrica. Los diseños simétricos brindan a nivel perceptivo una sensación de
orden y armonía estética.
Imagen simétrica
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Imagen asimétrica
Los elementos básicos que componen una imagen son la línea, el color y la
luz.
La línea es una sucesión de puntos que puede ser recta, curva, fina, gruesa,
horizontal, vertical o diagonal. Es el elemento básico de todo grafismo y el
más utilizado.
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El color es un atributo de los objetos que el ser humano percibe cuando hay
luz. Isaac Newton, físico y matemático del siglo XVII, descubre la
descomposición de la luz blanca, al hacerla atravesar un prisma de cristal, en
los siete colores del arcoíris. El espectro solar se compone de estos siete
colores: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta.
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que rechaza. Por ejemplo, un objeto es de color azul porque absorbe los rayos
rojos y amarillos y rechaza los azules. Si absorbiera los amarillos y azules
sería de color rojo. Los objetos negros absorben todos los colores mientras que
los blancos los rechazan.
Colores primarios
Colores secundarios
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Cálidos son aquellos que van del rojo al amarillo, mientras que los fríos van
del azul al verde. Esta clasificación se basa en la sensación y experiencia
humana, ya que la calidez y frialdad responden a sensaciones térmicas
subjetivas.
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También puede ser definida por la cantidad de negro o blanco que contenga.
Para desaturar un color sin que varíe su valor, hay que mezclarlo con blanco y
negro en la misma proporción.
Cuando los colores primarios y/ o sus mezclas se presentan sin blanco ni negro
se suele decir que la paleta es alta. En cambio cuando se mezclan con blanco
o negro se habla de paleta baja.
El color refuerza el carácter de un objeto, una escena o crea una atmósfera.
Tiene un valor simbólico que influye en el mensaje y puede ser social,
económico, político o cultural.
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Kandinsky considera los colores y las formas como los medios a través de los
cuales una emoción puede expresarse en una pintura. Cada color comunica un
sentimiento y equivale a un sonido.
Para Kandinsky el color es un medio para ejercer una influencia directa sobre
el alma, es la tecla mientras que el alma es el piano con muchas cuerdas. El
artista es la mano que hace vibra adecuadamente el alma humana. Sintetiza
una interpretación, no sólo suya, sino de toda una corriente que relaciona la
música y la pintura.
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Actividades
Imagen
Dibujar imágenes que expresen estas ideas como por ejemplo:
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Simetría
Elegir una figura, trazar una línea que la divida verticalmente en dos
partes iguales. Uno de los ejemplos más comunes es el de una
mariposa, cuyas alas poseen simetría axial bilateral, en la que el eje es
el cuerpo del insecto.
Doblar una hoja de papel por la mitad que será la línea de simetría.
Recortar una forma, como un corazón o un copo de nieve. Desdoblar el
papel después del corte. Se pude ver como la figura es simétrica a lo
largo del eje de simetría.
Dibujar varias formas diferentes en una hoja de papel. Buscar los ejes
de simetría de cada una, dibujarlos colocando una regla a través del
centro de la forma. Si los lados opuestos de la forma concuerdan sin
defectos, la forma es simétrica.
Doblar una hoja por la mitad, decorar una de las mitades con pintura
vínilica de colores, volverla a plegar por el medio presionando
suavemente con el fin de, al desplegarlo, obtener una imagen simétrica.
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Símbolos.
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• lo que representa.
• como se representa.
• significados simbólicos (culturales y sociales).
• el autor.
• contexto histórico y social en el que se hizo.
• sentido y efectos que genera en quienes la observan.
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Si tiene personajes:
¿Cuántos hay?
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¿En qué período histórico el artista llevó a cabo la obra y qué cambios
se produjeron?
¿En qué ciudad? ¿Qué clima predomina allí? ¿Cómo es la vegetación?
¿En qué consiste la técnica utilizada en la obra de arte?
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Preguntas retóricas.
No tienen una respuesta específica pues se utilizan para generar
debates inquietudes y nuevas miradas.
¿Por qué los artistas se retratan a sí mismos?
¿Cuál es el rol de los artistas en la sociedad?
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Arte rupestre.
Etimológicamente rupestre deriva del latín rupes que significa roca. El arte
rupestre hace referencia a toda acción de dejar en la roca marcas perceptibles
ya sean pintadas o grabadas.
La pintura rupestre abarca los grafismos realizados sobre las rocas mediante la
aplicación de pigmentos, elaborados con sustancias minerales -óxidos de
hierro, manganeso, carbón, arcillas -, animales - sangre, huevos, grasas - o
vegetales – colorantes -.
Las pinturas se localizan en las partes más profundas de las cuevas, en las que
el hombre se refugia para protegerse del frío y ataque de las fieras, a la vez
que las utiliza como espacio sagrado donde los fenómenos acústicos,
provocados por los ecos de la voz, se consideran mágicos. Con el fin de
facilitar la captura de animales como el bisonte y el mamut representan,
aprovechando el relieve de las rocas, sus formas abultadas.
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Los petroglifos (del griego petros: piedra y griphein: grabar) hacen referencia
a aquellas imágenes que han sido grabadas en superficies rocosas. Algunos
fueron hechos con la técnica de percusión al picar la superficie con una roca
más dura a modo de cincel y martillo, otros con el método de incisión al
raspar con el filo de una roca tallada y en otros casos mediante frotación con
un instrumento de piedra sobre la superficie que luego se pule con la ayuda
de arena y agua.
Los geoglifos son formas plasmadas en las partes planas de la tierra y debido
a sus grandes dimensiones sólo se perciben desde lo alto.
Europa
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Africa
Oceanía
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América
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Arte precolombino.
Algunos de sus más influyentes pueblos son los olmecas, toltecas, zapotecas,
mayas, aztecas e incas.
Si bien ese contexto de gran amplitud espacial y temporal hace que estas
diversas civilizaciones generen productos culturales específicos con
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Las urnas, recipientes y figuras funerarias, las joyas con las que se adornan los
guerreros y sacerdotes, la decoración de los templos, cerámicas que
promueven la fertilidad de la tierra forman parte del rito, acto religioso por
excelencia. Es un arte colectivo e impersonal donde no se concibe el
planteamiento de problemas individuales. Se define por un conjunto de rasgos
que incluyen la construcción de complejos arquitectónicos ceremoniales de
estructura piramidal, espacios urbanísticos como Teotihuacán, Tetnotchitlán,
la realización de sacrificios humanos, penitencias rituales y escritura
jeroglífica. Aunque destacan la línea y el plano, utilizan con exceso elementos
figurativos que pueden ser realistas o esquematizados.
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Arte egipcio
En la arquitectura, escultura y pintura egipcia se unen lo histórico, lo mítico y
lo misterioso.
El arte egipcio se caracteriza por sus obras monumentales de carácter
simbólico, funerario o religioso determinadas por el medio ambiente en el que
se desarrollan. La falta de comunicación con el exterior, al ser Egipto un lugar
de difícil acceso, hace que su arte sea cerrado, evolucionando sobre sus
propias formas. A su vez la durabilidad y solidez de los materiales, como la
piedra, es producto de la creencia en el más allá y la eternidad establecida por
la religión y la monarquía. Se puede considerar un arte oficial influenciado
por la religión y el poder absoluto de los reyes ya que el faraón, los sacerdotes
y los nobles son sus principales usuarios y quienes dictan las normas que los
artistas, funcionarios al servicio del estado o del templo, aprenden en las
escuelas en las que adquieren el oficio o son transmitidas de padres a hijos. Al
no existir independencia en la creación, es un arte que se basa en una
iconografía religiosa y de poder con gran contenido simbólico que lo libera de
cualquier función estética a la vez que procura transmitir el mensaje de la
forma más clara posible.
La escultura al igual que la arquitectura está sujeta a la religión, todas sus
obras tienen un carácter utilitario, una finalidad no estética, siendo la belleza
un aspecto secundario. La escultura egipcia es ceremoniosa, solemne, por eso
las figuras siempre se representan de frente ya que el frontalismo dignifica. Se
caracteriza por su rigidez, con brazos pegados al cuerpo y ojos artificiales de
pasta vítrea que acentúan la profundidad de la mirada. Los materiales
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Bajorrelieve egipcio
.
Sección del Libro de los Muertos
Tebas, Dinastía XXI, 1075-945 a.C.
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Arte griego
La cultura griega da origen a conceptos como el arte y la filosofía que son
incorporados por la civilización occidental.
El arte, influenciado por la filosofía y la religión, se caracteriza por la
búsqueda de la belleza y la recreación, según el modelo de Platón, del mundo
ideal. Se pueden distinguir en él varias etapas.
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El orden Corintio es una variante del jónico cuyo capitel está adornado por
hojas estilizadas.
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Arte romano
Los romanos, admiradores de la escultura y pintura griega, reciben influencias
helénicas y etruscas. Las esculturas romanas de temas mitológicos son copias
de los originales griegos perdidos y gracias a ellas se conoce la escultura
griega.
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Mosaico romano
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Arte románico
Su nombre pretende recuperar aspectos de la pintura romana aunque con
dibujos más simples y lineales. Considerado el estilo artístico de la Edad
Media y del Feudalismo por su espiritualidad producto de una sociedad,
ruralizada y controlada por la Iglesia Católica, recibe influencias romana,
prerrománica y árabe.
El Gran Imperio Romano, gobernado por el Emperador Teodosio, se
convierte al cristianismo mediante un edicto del Concilio de Nicea que lo
promulga como religión oficial. A la muerte de Teodosio se divide entre sus
dos hijos dando origen al Imperio Romano de Occidente y al Imperio Romano
de Oriente. Como consecuencia de esta división el sector occidental se
fracciona en pequeños feudos que luego se transforman en los reinos
cristianos de Francia, Inglaterra, Germánicos. El Imperio Romano de Oriente
conocido como Bizancio persiste hasta 1453 cuando cae su capital
Constantinopla.
La mayoría de las construcciones románicas se realizan gracias a las generosas
aportaciones de reyes y nobles, y a los impuestos agrarios recaudados en los
feudos. Los nobles, al buscar la salvación de sus almas, contribuyen a
incrementar el patrimonio y poder material de la Iglesia.
Es la iglesia la gran obra en la que se integran la arquitectura, escultura y
pintura, reflejando el contenido de las sagradas escrituras con el fin de
promover en el creyente sin acceso al lenguaje escrito un impacto emocional.
Además de edificios religiosos, se construyen fortificaciones militares para
refugio y defensa, como también obras civiles.
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En pintura la técnica más utilizada es el fresco que emplea colores vivos y sin
mezcla con la finalidad de distinguirse en el interior de las iglesias. La figuras
luego de coloreadas se suelen perfilar con una línea negra.
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Fresco románico
Abside de Sant Climet de Taüll (1223)
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Arte bizantino
La unidad del Imperio Romano alrededor del Mediterráneo se rompe cuando
el emperador Teodosio divide el imperio entre sus dos hijos. La zona oriental
perdura como heredera de Roma en lo que se conoce como Imperio Bizantino,
en la zona occidental se asientan pueblos germanos dando origen al Imperio
Carolingio que se convierte en la futura Europa.
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Arte gótico
El término gótico fue utilizado por primera vez en el Renacimiento para
referirse al arte de la Edad Media considerado por ellos inferior y bárbaro.
Se desarrolla en la Baja Edad Media entre los años 1140 y las últimas décadas
del siglo XVI, período de mucho intercambio cultural con Oriente debido a
las cruzadas y las rutas comerciales de la lana y la seda. El arte gótico es una
continuación del arte románico reconocido por su expresividad, naturalismo y
luminosidad.
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Arte renacentista
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El David.
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Maniriesmo
Es el período artístico que se desarrolla en toda Europa durante los años 1515
hasta 1610. Sus composiciones se caracterizan por ser anamórficas, es decir
imágenes en las se rompe el equilibrio mediante el uso de líneas diagonales
quebradas, espacios inestables, estilizamiento de cuerpos con cabezas
pequeñas y extremidades desproporcionadas.
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Arte Barroco
Es un movimiento cultural surgido en Europa en el siglo XVII y parte del siglo
XVIII.
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Clasicismo
Es una corriente estética que tiene su esplendor en los siglos XVII y XVIII.
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Neoclasicismo
El término denomina al movimiento estético que surge en el siglo XVIII y
trata de reflejar en el arte los principios intelectuales de la Ilustración.
En este siglo, conocido como el “Siglo de las luces”, el hombre rechaza todo
lo que le sea impuesto y solo acepta lo que le llega a través de la luz de la
razón.
En Europa aparece un grupo de pensadores, con espíritu científico que aplican
la experimentación como forma de alcanzar el conocimiento, que integran el
movimiento cultural que recibe el nombre de Ilustración.
Para los Ilustrados la razón es la norma con la que se valoran todas las
manifestaciones del hombre. Se inspiran en las obras de la época clásica,
griega y romana, consideradas perfectas, y en los recientes descubrimientos
arqueológicos de Pompeya y Herculano, aspirando un ideal de belleza,
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que dejan de preocuparse por la luz y el color. Las figuras se modelan como
las estatuas antiguas, representando con precisión la anatomía.
Los temas tratados son clásicos, históricos y mitológicos. La obra de arte debe
ser no solo un elemento estético, sino también ideológico, que trata de
despertar en el espectador sentimientos virtuosos y moralmente elevados.
Apoteosis de Homero.
Jean Auguste Dominique Ingres (1827) Las tres gracias.
Antonio Canova (1817)
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Impresionismo
El impresionismo es un movimiento pictórico que se origina a fines del siglo
XIX en Francia. Se corresponde, desde el punto de vista social, con el auge
de la burguesía y, desde el punto de vista filosófico, con el arribo del
positivismo.
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Para conseguir los objetivos expuestos, los impresionistas emplearon una serie
de recursos pictóricos.
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La clase de Ballet.
Edgar Degas (1871-1874)
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Art Noveau
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Los artistas más destacados son: Henri Matisse, Georges Braque, André
Derain, Maurice Vlamink, , Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen.
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Sus temas favoritos son las calles de las ciudades modernas, las fábricas, las
máquinas, y la velocidad de los medios de transporte.
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Se crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación
entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar
contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para
poder comprenderla. La nueva estética se desliga completamente de la
interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de
arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas.
Los temas que pintan son clásicos, bodegones, paisajes y retratos, en los que
desaparece la perspectiva tradicional, se fragmentan las líneas y superficies, y
se adopta la “perspectiva múltiple” donde se representan todas las partes de
un objeto en un mismo plano. Los cubistas creen que la geometría es la base
de cualquier representación. Las formas que se observan en la naturaleza se
traducen al lienzo de manera simplificada, en cubos, cilindros, esferas.
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diversas vistas del mismo objeto. Es así que, por ejemplo, en un rostro
humano la nariz puede representarse de perfil y el ojo de frente.
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Expresionismo
Hasta finales del siglo XIX el arte pictórico expresa las facetas visibles del ser
humano, como la belleza física en el Renacimiento o el dolor en el Barroco. El
espíritu revolucionario que surge en Europa antes de la Primer Guerra Mundial
solo se satisface con el derrumbamiento de todo lo establecido. Esta rebelión
ataca no solo las formas artísticas sino también los valores y las instituciones
de la sociedad y la cultura burguesa. Los expresionistas están en contra de toda
tradición, pretenden sacar a relucir el verdadero espíritu de las cosas y del
mundo. Mientras que para los impresionistas la realidad es algo que se debe
mirar desde el exterior, para los expresionistas esa realidad debe ser vivida.
Pretenden transformar al ser humano a través de todas las manifestaciones
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El grupo Der Blaue Reiter, al igual que El Puente se caracteriza por estar
contra el impresionismo, contra el positivismo y contra la sociedad
establecida, pero se diferencian en que el primero es estéticamente más
refinado, su lenguaje no es tan agresivo, los colores son más armoniosos y
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Surrealismo (1924-1939)
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llevada adelante por artistas como Joan Miró y Paul Klee. En la tendencia
figurativa el interés fundamental radica en los sueños y el realismo mágico
exhibiendo una precisión fotográfica que a su vez está totalmente alejada de la
pintura tradicional. Los surrealistas llaman cadáver exquisito a un dibujo
creado por varios artistas sin ver lo que el anterior hace. Pintan sin sentido
incluso cerrando los ojos para evitar controlar el trazo del pincel.
La persistencia de la memoria. Salvador Dalí(1931) La llave de los campos René Magritte (1933)
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Materiales como cartón, vidrio, metal, que hasta entonces son considerados
como de poco o ningún valor, se emplean en la creación artística junto con
materiales modernos que refuerzan la estética del funcionalismo a través de
líneas puras.
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Supremus No. 58 Kasimir Malevich (1916) Círculo negro Kasimir Malevich (1915)
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Neoplasticismo
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Escuela de la Bauhaus
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Art Decó
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Como artistas representantes del Art Déco se puede citar, entre otros, a
Maurice Dufrene, Jean Dupas, Pierre Chareau, Paul Follot, Konstantin
Melnikov.
Ciudad. Aleksandra Ekster (1927) Un par de paneles de pared. Jen Dupas (1935)
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Burkbank City Hall de Los Angeles(USA) Casa del arquitecto Konstantin Melnikov
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Surge en Estados Unidos durante los años sesenta y tiene sus antecedentes en
las vanguardias más radicales de la primera mitad del siglo XX. Se le
denomina también abstracción postpictórica, abstracción fría y pintura de
borde duro (hard edge). Sus obras rechazan todo lo que no sea visual, como lo
literario o simbólico, en beneficio de la máxima pureza del lenguaje. Supone
un cambio respecto al pictoricismo y el color del expresionismo abstracto. A
diferencia del action painting, prima la reflexión y el pensamiento sobre la
acción. Tienen grandes formatos que realzan la estructura y materia de la obra
predominando, en soluciones bicrómicas o tricrómicas, los colores puros.
Barnett Newman, Ad Reinhardt, Morris Louis, Frank Stella y Ellsworth Kelly
son representantes de esta abstracción postpictórica que, como todo
movimiento del siglo XX, es inseparable de la figura de un crítico. En este
caso Clement Greenberg es quien da nombre al movimiento, en la exposición
de Los Angeles, donde presentan sus principales obras.
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Pop art
Con el arte Pop surge la práctica, que ya tiene precedentes en las vanguardias
históricas, de introducir elementos icónicos, gráficos, sonoros, ajenos a lo
artístico, provenientes del ámbito tecnológico o científico, con una finalidad
expresiva.
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cuanto a técnicas, sino que rechaza la tradición aristocrática del arte, la cultura
de museo y el arte institucionalizado.
Lata de sopa Campbell Andy Warhol (1962) Pintura de dormitorio. Tom Wesselmann (1967)
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Arte conceptual
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Arte Povera
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Body Art
Enmarcado dentro del arte conceptual emerge en Europa y fundamentalmente
en Estados Unidos en los años 60.
Chris Burden, Gunter Grus, Vito Acconci, Yves Klein, Bruce Nauman son
algunos de sus artistas más destacados.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Land Art
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Campo iluminado
Walter De María (1977)
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Performance art
Sus obras son muestras escénicas cuyas acciones las llevan a cabo uno o
varios individuos en un lugar y tiempo determinado. Se presenta ante una
audiencia en vivo incluyendo elementos de la música, la danza y/o el teatro.
Involucran cuatro elementos, tiempo, espacio, cuerpo y la relación del artista
con el público.
En el performance art la improvisación, el asombro y la provocación juegan
un papel preponderante ya que se pretende generar reacciones en el
espectador. Este arte conceptual tiene sus antecedentes en las primeras
vanguardias del siglo XX, fundamentalmente en las exhibiciones, muy poco
usuales, que los dadaístas realizan en el Cabaret Voltaire. Son miembros de
esta manifestación Marina Abramovic y Dennis Oppenheim.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Happening
Esta expresión artística multidisciplinaria, que suele realizarse en lugares
públicos, se origina en la década de 1950 en Nueva York con artistas, como
Allan Kaprow, también denominados organizadores.
Muro Dulce. Allan Kaprow (1971) Happening búlgaro. Grupo Alma Matter
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Arte minimalista
Corriente estética que propone un estilo estrictamente geométrico cuyas
formas se reducen a estados mínimos de orden y complejidad.
Surge en Estados Unidos en la década del 60 en oposición al expresionismo
abstracto y al Pop Art, no solo se manifiesta en pintura sino también en
escultura y fundamentalmente en arquitectura y diseño.
Tanto las propiedades de los materiales como el color se mantienen
constantes con el objetivo de centrar la atención en la obra. El artista se
interesa por la totalidad de la obra más que por la relación entre sus partes. Ese
concepto de que el todo es más importante que las partes, proviene de la
corriente psicológica denominada Gestalt
La reducción de elementos expresivos y la simplicidad de la forma son los
elementos a tener en cuenta para calificar una obra de minimalista. Los
orígenes de esta corriente se encuentran en el manifiesto “Menos es más” del
arquitecto alemán Ludwing Van Der Rohe, director de la escuela de arte y
diseño de la Bauhaus, quien concreta allí sus primera ideas sobre la pureza de
las formas.
Pertenecen a esta corriente Donald Judd, Dan Flavin, Frank Stella, Sol Lewitt,
Robert Morris, Eva Hesse, Richard Serra
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Nuevo Realismo
La idea de transformar objetos cotidianos es típica del Nuevo Realismo,
movimiento fundado en 1960.
Toman del mundo partes que incorporan a su obra intentando reunir la vida y
el arte. Recuperan, como lo hace Martial Raysse, objetos de la sociedad
transformándolos en potentes símbolos del consumo.
Sus obras más famosas son “El puente nuevo de París”, intervención realizada
cubriéndolo con lona y cuerdas, y “Cerca corredera”, consistente en cuarenta
kilómetros de tejido blanco extendido por las colinas de California.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Arte Cinético.
También conocido como Op Art es una corriente basada en la abstracción en
la que el principal elemento plástico de su obra es el movimiento. Si bien tiene
sus comienzos después de la Primera Guerra Mundial, su auge tiene lugar en
los años 50.
Victor Vasarely, Bridget Riley, Jesús Rafael Soto son artistas referentes de
este movimiento.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Modernismo
Surge en Hispanoamérica como un movimiento literario entre los años 1880 y
1914 a partir de la obra de José Martí y de la publicación de Azul, obra del
poeta nicaragüense Rubén Darío.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
A fines del siglo XIX Paris y Londres son las ciudades referentes del mundo,
mientras que Montevideo, con una clase comerciante en ascenso debido a la
marcada importancia que el puerto tiene en la región, mantiene aún sus rasgos
aldeanos.
En las primeras décadas del siglo XX el Uruguay experimenta una serie de
cambios que alteran al país caudillesco. Desde el punto de vista social,
político, demográfico, financiero y artístico constituye una de las épocas más
creciente del país en general y de Montevideo en particular. Las nuevas
orientaciones filosóficas que incluyen vertientes liberales y socialistas
introducidas a través de la inmigración; la aparición de la Generación del 900
y de clubes privados donde alternan financistas, gobernantes y diplomáticos,
conforman el contexto en el que nace el modernismo en Uruguay.
Joaquín Torres García, Carlos María Herrera, José Cuneo, Rafael Barradas,
Petrona Viera, Raúl Cabrera, Antonio Pezzino, Manuel Aguiar y José Gurvich,
son los grandes pintores modernos.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Retrato. Carlos María Herrera (1900) La payanita. Petrona Viera (sin fecha)
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Muralismo
Movimiento artístico de carácter indigenista originado a partir de la
Revolución Mexicana de 1910, en cuyas bases programáticas se establece
como uno de sus objetivos socializar el arte a través de la producción de obras
monumentales que representan la realidad e historia del pueblo mexicano. Se
rechaza toda expresión artística tradicional así como las originadas en círculos
intelectuales y se reivindica el arte indígena como modelo. Sus principales
integrantes son Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro
Siqueiros.
Diego Rivera describe con detalle la vida cotidiana previo a la llegada de los
españoles. La obra de José Clemente Orozco, al integrar las culturas indígenas
en el contexto de una religiosidad violenta, brinda una imagen real y
contundente del mundo moderno, la lucha de clases y la explotación del
hombre por el hombre. David Alfaro Siqueiros integra a la pintura moderna
los valores plásticos de los objetos prehispánicos.
El muralismo se lleva a cabo en edificios públicos y en la arquitectura
virreinal.
Su primer obra, el símbolo artístico de la Revolución, se realiza en los muros
de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México a instancias de
José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación Pública de
México, quien solicita a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios
representar la imagen de la voluntad nacional.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Lenguajes artísticos
Cerámica
El uso del barro como materia prima para el modelado de objetos constituye
una expresión artística cuya aparición se remonta al período neolítico que,
según Serrano, se inicia en Europa entre los años 3500 y 3000 AC y en el
Cercano Oriente y China, uno o dos milenios antes.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Actividades
Materiales: arcilla o cerámica sin horno, una mesa grande o unir las mesas
chicas de los alumnos cubiertas con nylon o hule para protegerlas, un
alambre, un cuchillo sin filo y un trapo húmedo.
Reconocimiento de las características de cada material (arcilla, barro,
cerámica).
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Obtener un volumen con la arcilla, alisar sus paredes con una esponja
humedecida, texturarla mediante trazos como puntos o líneas.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Escultura
La escultura, uno de los medios más importantes de expresión de las artes
visuales, tiene por objetivo crear formas y armonizar volúmenes en el espacio.
Es también el producto resultante del arte de esculpir.
El escultor obtiene la forma deseada mediante la eliminación de materia de
un bloque sólido que por lo general es de piedra o madera. Uno de los
elementos pétreos más utilizados es el mármol, también se emplean otros
como el alabastro, la piedra caliza o el granito, u orgánicos como el hueso o el
marfil.
El escultor trabaja con sus manos, ayudándose de instrumentos de madera o
metálicos. Suele tener modelos previos de las obras a realizar, de igual forma y
volumen, en materiales más económicos como por ejemplo el yeso. Dichos
modelos son conocidos como maquetas, sobre las cuales se marcan, mediante
escuadras, los ejes vertical y horizontal. Esas líneas indican las referencias
principales con las que se transfiere el esbozo al bloque.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Bajo relieves de la fachada del edificio central del ex-banco “La Caja Obrera”. Edmundo Prati
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Estela Andrade/Gabriela Durán
• alto relieve: cuando las figuras tienen volumen y a su vez están adheridas al
plano.
Detalle de la fachada del edificio de la Casa Central BROU Montevideo calle Cerrrito.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Los últimos Charrúas Edmundo Prati, Gervasio Furest Múñoz, y Enrique Lussich (1938)
Prado Montevideo
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Vaciado
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Actividades
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Visita a un taller
Previo a la visita:
Durante la visita:
Los alumnos formulan las preguntas elaboradas y las que les surjan al
vivenciar técnicas, materiales y formas de trabajar del artista.
Registrar a través de fotografías, dibujos o filmaciones lo que les llame
la atención.
Producir una pequeña escultura con alguna técnica sencilla en
compañía del artista.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Arte textil
El arte textil hace referencia a obras compuestas de urdimbre y trama que, a
diferencia de las artesanías, no requieren de una función utilitaria. Incluye la
elaboración de la fibra, la manufactura del tejido, su coloración, el armado y el
montaje final de la obra.
Su objetivo principal es lograr una expresión plástica amplia mediante la
integración de varias técnicas, materiales y disciplinas de las Bellas Artes,
como la pintura y la escultura.
Está asociado íntimamente con el desarrollo cultural de los pueblos. Los
artistas textiles retoman las tradiciones culturales para fundamentar la creación
de sus piezas, centrándose más en el proceso de elaboración sensible que en el
producto o resultado final.
Las texturas, los colores, las formas y tramas de los tejidos expresan
emociones e historias de las diversas culturas.
En la antigüedad el hombre utiliza las pieles de los animales y hojas de plantas
para cubrir su cuerpo y protegerse. Recién más adelante confecciona tejidos
con fibras vegetales y animales que ponen de manifiesto características
culturales.
Dado el carácter perecedero de esta actividad su origen es muy difícil de
reconstruir. Se utilizan las marcas de tejidos sobre piedras, objetos de metales,
barro o arcilla seca como documentos que atestiguan su existencia.
El tejido se desarrolla al mismo tiempo que la cerámica, el cultivo y la cría de
especies animales. Por ello las decoraciones textiles influyen en la cerámica.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
La preparación del hilado apto para elaborar tejidos supone una serie de
operaciones mediante las cuales las fibras se estiran y se retuercen en un hilo
continuo. Dicho procedimiento primero se realiza manualmente, luego se
introduce el huso y, posteriormente, la rueca. A fines de la Edad Media hace
su aparición el pedal que hacer girar la rueca al incorporar el torno de hilar
continuo.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
1922 para posteriormente dirigir el taller y destacarse por sus tapices. También
se distinguen en este trabajo dos colegas, suyas Sonia Delunay y Sophie
Tauber-arp, esta última aplica en su trabajo los principios estéticos dadaístas.
Los movimientos culturales de la década de los 60 reivindican esta labor como
obra de arte.
El arte textil o fiber art (arte de fibra) se asume completamente como géneros
dentro de las prácticas artísticas a partir de los año 90.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Telar Jacquard.
Museo de la ciencia y la industria (Inglaterra).
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Actividades
Estampar con sellos sobre telas de distintas texturas como arpillera,
lienzo, tela de algodón.
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Collage
El collage es una técnica artística que consiste en reunir elementos de diferente
origen material en una misma superficie.
Los materiales más aprovechados son las fotografías, madera, periódicos,
revistas, objetos de uso cotidiano, telas, cartón, papel, trozos de plástico, y
también elementos con mayor volumen como cajas u objetos metálicos.
Existen varios tipos collage, los que emplean recortes de formas seleccionadas
por su color o textura, los que utilizan formas identificables como animales,
rostros, viviendas y los que realizan combinaciones de los anteriores. A su vez,
puede ser combinado con otras técnicas de dibujo o pintura, como el óleo, el
grabado o la acuarela.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Actividades
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Pintura Mural
Es un tipo de pintura bidimensional que tiene como soporte los muros.
Está íntimamente vinculada a la arquitectura, ya que depende de ella para su
preservación y contemplación visual. Debido a sus grandes dimensiones y a su
ubicación espacial con fines de exhibición pública, actúa como un medio de
transmisión de temas socio-culturales.
La luz constituye un elemento fundamental pues permite resaltar las formas y
figuras creadas.
Las pinturas rupestres, características del paleolítico y neolítico, constituyen
las primeras expresiones artísticas sobre soporte mural, que según la zona
donde se realizan son de piedra caliza, granito o arenisca y coloreados con
con pigmentos minerales ocres y rojos.
En la antigüedad los soportes varían, por ejemplo en Mesopotamia, debido a la
escasez de piedra, se recurre a la arcilla, adobe y cal. En Egipto son de ladrillo,
piedra y madera y a los pigmentos se les agrega aglutinantes para decorar al
temple.
En Grecia, el soporte pictórico más común es el muro de las edificaciones y, al
igual que los romanos, perfeccionan el acabado logrando un verdadero fresco
sobre una superficie pulida y realizan decoraciones que, mediante técnicas
como el estuco, imitan las vetas del mármol.
Durante la Edad Media, en Europa, se pinta al temple y al fresco los interiores
de las iglesias. Dichas técnicas, más adelante, se sustituyen por los mosaicos.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
La pintura al temple se aplica sobre muros, pero también sobre tablas, lienzos,
planchas metálicas, entre otros soportes.
Otras manifestaciones que se suelen encontrar sobre los muros son los graffiti
y los stencil.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Estas formas de expresión propias del arte público, al igual que toda
producción de las artes visuales, más allá de su valor estético, implican un
compromiso social, una ideología y una postura frente a los posibles
espectadores.
Los niños se vinculan cotidianamente con este tipo de manifestaciones,
cuando juegan en las plazas, recorren edificios públicos o circulan por las
calles. Es importante entonces proponer y organizar experiencias educativas
artísticas en espacios habitables y de circulación del contexto urbano, que
generen acciones cargadas de sentido estético y favorezcan la valoración de la
complejidad que supone la socialización del arte.
La actividad muralística implica una dinámica de taller donde el trabajo
colectivo es esencial. Los niños asumen distintos roles, proponen y comparten
ideas que pueden ser materializadas por otros. La interacción entre alumnos de
distintas edades resultará enriquecedora para este tipo de actividad y permite
trabajar el sentido de unidad y la integración de propuestas individuales.
Para llevar adelante esta acción artística se puede realizar intervenciones de
medianas a grandes dimensiones: muros o paredes, la calle o la vereda,
columnas u otros soportes como chapas de madera o metal que luego se
puedan fijar sobre un espacio interior o exterior.
Esto requiere generar acuerdos desde la escuela con instituciones u
organismos de la comunidad, lo que implica solicitar autorización para hacer
uso de espacios públicos e interactuar con los miembros de la comunidad con
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Actividades
Mural colectivo
Stencil
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Carteles y afiches
Todo cartel transmite, a nivel visual, un mensaje. Pretende divulgar una idea a
través de una imagen que incorpora elementos gráficos y/o texto de manera
atractiva y sugerente.
Tiene como recursos líneas -curvas o rectas-, colores, luces y sombras, planos
y encuadres, tipografía, textos breves y claros con poder persuasivo y juegos
de palabra que capten la atención y logren convencer al receptor. Cuando se
diseña un cartel o un afiche es fundamental tener en cuenta el público al que
va dirigido.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Otras figura destacada fue Lucien-Achille Mauzan, quien hace más de 1500
afiches para la industria cinematográfica a lo largo de cuatro años y en 1927 se
instala en Buenos Aires donde trabaja para la cervecería Quilmes y
Cafiaspirina, entre otras. Es el creador de “la cabeza de Geniol”, incorporando
el humor a la comunicación visual publicitaria.
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Asti Cinzano.
Leonetto Cappiello (1920)
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Actividades
Realizar afiches en forma individual y colectiva que comuniquen
diferentes eventos del ámbito escolar, o que hacen referencia al
respeto y cuidado del patrimonio y/o del medio ambiente en fechas
conmemorativas. Aplicar en su elaboración técnicas utilizadas por las
diversas corrientes artísticas.
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Lenguaje Publicitario
La publicidad es fundamentalmente una forma de comunicación, aunque
también es un arte y una manera de crear distinta que se basa en el
conocimiento del consumidor, de sus gustos, de sus necesidades.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Durante los años previos a la Segunda Guerra Mundial las fuerzas políticas
europeas y rusas aprovechan el fotomontaje con fines propagandísticos.
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respuesta al auge del arte como expresión cultural, lo incorporan con el fin de
obtener un alto grado de atractivo visual y originalidad.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Cartel de propaganda Primera Guerra Mundial Anuncios luminosos en Nueva York (1920)
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Bolsa publicitaria.
Actividades
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Comic
El comic es una forma de relato dibujado que comúnmente utiliza unos
cuadros llamados viñetas en los que se combina imágenes con texto. La
historia se narra desde el primer cuadro superior izquierdo hasta el último
inferior derecho y entre cada uno de ellos se asume que transcurre un lapso de
tiempo.
Existen tres formatos básicos de edición: la prensa diaria, el comic books, y las
revistas periódicas y/o álbumes.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
los personajes. Los grandes clásicos de comic de prensa son Dick Tracy, Terry
y los piratas y Flash Gordon, surgidos en la década del treinta.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
repiten contornos de cabezas, brazos y/o piernas. Otro recurso empleado son
las metáforas visuales, dibujos que representan acciones, como las estrellitas
cuando algún personaje se golpea.
Para su elaboración hay que tener en cuenta varios elementos. El argumento o
idea que se quiere contar, una planificación que permita dividir la historia en
pequeñas unidades que contengan sus momentos más representativos y la
distribución de sus personajes y ambientes, en diversos planos y ángulos, que
faciliten su comprensión.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
Actividades
Elaborar por grupos un comic de creación original siguiendo los pasos que a
continuación se describen.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
programa predomina una de las dos. Por ejemplo todos los programas de
dibujo como el Illustrator y el Corel son básicamente vectoriales, pero también
disponen de la opción de importar imágenes bitmap.
Las imágenes digitales pueden ser icónicas (de diferentes grados de figuración
y realismo) o abstractas, esquemáticas, tridimensionales y planas, fijas o
móviles.
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Estela Andrade/Gabriela Durán
El artista, por su parte, mediante el diseño gráfico digital, puede plasmar ideas
y conceptos, posibilitando la comunicación visual a través de un adecuado
manejo de formas y materiales.
El docente debe tener presente la influencia de las TIC en las artes, utilizando
las aplicaciones contenidas en los programas de dibujo digital no solo para
favorecer, a partir de la exploración de técnicas para el tratamiento y creación
de imágenes, el reconocimiento de los elementos de la composición gráfica,
sino también y sobre todo para generar ambientes educativos en los que se
estimule el conocimiento sensible del entorno natural y cultural, propiciando el
desarrollo de la capacidad creativa.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Actividades
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Fotografía
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Encuadre y angulación
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Angulación de cámara
Pl
ano general. Plano entero Plano medio. Primer plano.
Fotomontaje
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Entre los artistas que se dedican al fotomontaje digital están Sean Hillen o
Pedro Meyer.
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Fotografía digital
Los datos capturados a través del sensor de una cámara digital se almacenan,
convertidos a formato binario, en una memoria informática que la
computadora pueda interpretar. Un bit es la unidad mínima de información
del sistema binario. Puede tener esos dos estados, 0 y 1, apagado y encendido.
Es así que la computadora reconoce un estado activo que lo representa con el
(1) y otro estado inactivo que lo representa con el (0). El negativo se sustituye
entonces por un código binario de ceros y unos.
Formación en vuelo. Shaun Kardinal (2014) Imagen digital creada con software de
edición gráfica
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Actividades
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Cine
Desde el punto de vista técnico, el cine es la proyección sucesiva de imágenes
fotográficas impresas en una cinta plástica que simula movimiento.
Una serie de aparatos físicos y juguetes creados en la primera mitad del siglo
XIX son los antecedentes del cine. El doctor John París idea, en Londres, el
taumátropo a partir de un disco de cartulina con una imagen a cada lado y un
trozo de cuerda en cada extremo. Al estirar la cuerda entre los dedos el disco
gira y las caras se suceden rápidamente produciendo, a nivel óptico, por el
principio de persistencia retiniana, la ilusión de que ambas imágenes están
unidas. Por su parte el matemático inglés William George Homer crea el
zoótropo, tambor circular con una tira de dibujos, dispuestos mediante una
serie de cortes, que parecen moverse cuando gira.
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Taumátropo Zoótropo
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Las películas de cine mudo se exhiben por casi treinta y cinco años en total
silencio, salvo en salas lujosas de Barcelona y París donde se alquilan
orquestas o en salas de barrios que contratan pianistas.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Géneros cinematográficos
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Existe gran cantidad de categorías para clasificar las películas dentro de uno o
varios géneros. Un film, por ejemplo, puede ser histórico o bélico al mismo
tiempo.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Los planos son, como en la fotografía, infinitos de acuerdo con las diferentes
distancias entre la cámara y la situación o el sujeto a filmar.
En el cine la palabra plano tiene dos significados. Por un lado hace referencia,
al igual que en la fotografía, a la relación que existe entre personajes, objetos y
espacios que se encuentran en escena. Por otro, se refiere a todo lo que la
cámara filma en una sola toma de larga o corta duración.
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Montaje
Los planos son numerados y cada vez que comienza uno se coloca delante del
objetivo en una pequeña pizarra llamada claqueta en la que se escribe el título
del filme, el número del plano y la toma.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
La luz y el color
predominio por casi quince años más debido a que la filmación a color
requiere de cámaras mucho más grandes y pesadas y de más cantidad de luz.
Más adelante, la propia evolución y la aparición de nuevas compañías hace
que el cine en blanco y negro se limite a películas de bajo presupuesto o de
caracter artístico.
2.- Director, indica las pautas a los actores y al equipo técnico, marca el
estilo y creatividad de la película.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
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Actividades
Sombras chinas:
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
El lenguaje televisivo
Así como las personas para comunicarse entre si utilizan el lenguaje que se
compone de palabras en un determinado idioma, de gestos y a veces textos
escritos, la televisión tiene su propio lenguaje. Lo componen las imágenes, las
palabras, la música, el color, los sonidos, el montaje, la posición de los actores
y otros elementos que permiten transmitir información y expresar mensajes.
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Ante esta realidad, es conveniente que el docente genere instancias en las que
los niños analicen diferentes programas comerciales, de entretenimiento,
informativas o de prensa y desarrollen su espíritu crítico al interpretar
códigos, signos y elementos del lenguaje televisivo. Para ello hay que
educarlos ofreciéndoles instancias de reflexión, en las que descubran cuando
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Actividades
Crear en un taller audiovisual un programa televisivo que fomente el
trabajo colaborativo y las habilidades de comunicación.
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Video
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Actividades
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El docente debe tener presente que la visita al museo es una actividad que hay
que programar y preparar con suficiente antelación, conocer de antemano las
condiciones de acceso y la oferta expositiva a los efectos de poder seleccionar
aquellas instituciones que se relacionan con las inquietudes de los estudiantes
y/o con las materias de estudio, ya sea de manera puntual o fragmentada. Es
importante considerar en primer término aquellos museos que ofrecen
actividades que fomentan el diálogo, el intercambio de ideas, el trabajo en
equipo y sobre todo la promoción de experiencias estéticas. Algunos, por
ejemplo, ofrecen actividades de taller relacionadas con sus exposiciones
temporales, otros tienen narradores orales, pretendiendo crear espacios
atractivos a los que los chicos deseen asistir.
Cuando un escolar visita un museo de arte, observa lo expresado por el artista
con su propia mirada. El tener contacto con otras imágenes que no son las
habituales - provenientes de la cultura de la informática y los medios masivos
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Vivir el arte plástico y visual en la escuela
Eladio Dieste
Este ingeniero civil nacido en Artigas en 1910 estudia las nuevas corrientes
modernistas, que se expanden en Europa en las décadas del 40 y 50,
encontrando en la obra del catalán Antonio Bonet y del compatriota Joaquín
Torres García muchos puntos en común.
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Julio Vilamajó
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Facultad de Ingeniería. Montevideo (1888) Ventorillo de la Buena Vista. Villa Serrana (1946)
José Belloni
Sus obras remiten, con gran realismo, a imágenes figurativas que representan
personajes típicos y hechos de la vida histórica y social del país, en su
mayoría relacionados con la campaña. Entre ellas se destacan el monumento
a La Carreta emplazado en el Parque Batlle, La Diligencia ubicada en el
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Prado, figuras decorativas del Salón de los Pasos Perdidos del Palacio
Legislativo y El Entrevero de la Plaza Fabini.
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Monumento a Juan Zorrilla de San Martín (1975) Fuente de los atletas (1923)
Águeda Dicancro
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Parte de la historia del arte nacional surge de este Círculo, mientras que otra es
consecuencia de los aportes del pintor uruguayo Joaquín Torres García,
referente académico de las artes plásticas del siglo XX. Junto con la fundación
del Taller Torres García y la Asociación de Arte Constructivo, forma una
generación de alumnos y seguidores de un estilo, el universalismo
constructivo, corriente basada en conceptos vanguardistas que pretende
lograr, a través del uso de símbolos, de la regla o proporción áurea y una
paleta basada en los colores primarios, un lenguaje de alcance mundial.
influye en el ámbito nacional e internacional. Funda la Escuela del Sur de la
que surgen varias generaciones de artistas. Francisco Matto, Dumas Oroño,
José Gurvich, Anhelo Hernández, Gonzalo Fonseca son algunos de sus
discípulos.
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En sus obras, con influencia cubista, expresa con diversos materiales como
lienzos y cartones, el folcklore afro uruguayo y las experiencias de sus viajes
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José Gurvich
Experimenta con barro a partir de la década del 50 junto con Joseph Collell y
Gonzalo Fonseca.
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El beso (1969)
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Actividades
Seleccionar las exposiciones que tengan alguna relación con los contenidos
del programa, y/o las de aquellos artistas con los que los niños puedan
conectarse emocionalmente.
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Dibujo
Los primeros dibujos se encuentran en las cavernas, como por ejemplo las de
Altamira, España, donde los hombres primitivos hacen grabados en las
paredes representando lo que ellos consideran importante transmitir o
expresar.
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Pintura
Técnicas secas
El lápiz de grafito, que es el medio más común para dibujar, tiene diferentes
grados de dureza. Los más blandos, identificados con la letra B, se emplean
para el dibujo a mano alzada y el sombreado, mientras que los más duros,
identificados con la letra H, se utilizan para dibujo técnico, que requiere de
más precisión.
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Las crayolas y los pasteles al óleo son mezclas, de pigmentos con grasa y cera
animal como aglutinante, que pueden utilizarse para realizar esgrafiados o
frotados.
Esgrafiado
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Frotado
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Técnicas húmedas
Pintura dactilar
También denominada dactilopintura o pintura de dedos es la técnica que
permite desarrollar la expresión artística utilizar, además de los dedos, las
mano y los pies. Se puede realizar con ellos variados movimientos para lograr
diversas formas y líneas.
Acuarela
Se trabaja por capas con pintura al agua en soporte papel de textura rugosa y
alto gramaje para facilitar la absorción. Se puede aplicar en superficies secas
con pincel mojado, o sobre superficies mojadas previamente. Permite obtener
degradados, mezclas de colores, al añadir gotas de agua o de acuarela en tonos
más oscuros, y el llamado efecto nube, producto de quitar parte de la acuarela
húmeda con esponja. El término acuarela se refiere frecuentemente a la
acuarela transparente o al gouache que es una forma opaca de esta pintura. Se
presentan en pastillas y en tubos.
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Témpera
Óleo
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Acrílico
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TINTAS
Salpicado Decoloración
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Falso Batik
Se realiza pintando con crayolas de uno o varios colores en una hoja de papel
que se arruga formando una pelota para flexibilizarla y luego se extiende para
entintarla con una esponja.
Dibujo ciego
Se dibuja con una crayola blanca en una hoja blanca y luego se entinta toda la
superficie dibujada con una esponja.
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Técnicas de impresión
Grabado
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, 1645
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Estampado
Consiste en estampar sellos, que pueden hacerse con madera, corcho, cartón
corrugado, tubinos de hilos, tapas de envases de diferentes tamaños, palillos de
ropa, peines, cepillos, frutos, vegetales, hojas, cuerdas, vidrios, dedos o
manos, la cantidad de veces que se desee sobre diversos soportes como papel,
madera, metal o textil.
A través de la combinación y reiteración de sellos se pueden crear múltiples
diseños.
Decalcomanía
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Serigrafía
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Rasgado
La técnica de rasar consiste en cortar en dos o más partes con los dedos índice
y pulgar un papel, una tela u otra material de poca consistencia y resistencia,
sin la ayuda de ningún utensilio. Es recomendable trabajar con papeles suaves
no satinados ni plastificados. El rasgado puede ser libre, en línea recta o curva,
de formas que representan frutas u objetos conocidos o figuras geométricas.
Recortado
Consiste en cortar un texto o una figura de papel u otra materia para separarlo
de la superficie en que se encuentra. Se puede recortar tiras de papel rectas y
onduladas, formas conocidas y figuras geométricas de revistas, periódicos o
diversos tipos de papel.
Se puede iniciar al niño en esta técnica cuando haya alcanzado cierto grado de
madurez motriz y coordinación visual-motora.
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Picado
En esta técnica se presiona un punzón sobre un papel apoyado en una plancha
de corcho o cartón blando que sirve de almohadilla. Puede ser libre o de
siluetas.
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Plegado
Es el procedimiento que consiste en doblar o plegar papeles de diversas
texturas. A partir de los plegados se puede construir figuras, formas de
animales, flores u objetos.
Todas estas actividades pueden complementarse aplicando otras técnicas como
el collage, uso de crayones, marcadores o cualquier otro tipo de pintura o
tintas.
Técnicas tridimensionales
Modelado
Es el proceso de dar forma con la mano, generalmente masa para modelar,
arcilla, barro, pasta de papel o cera, que tiene como resultado la imagen
tridimensional que representa un determinado objeto.
Se pueden utilizar para optimizar el modelado puntas de madera, distintos
tipos de paletas y paletillas y/o telas húmedas.
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Tallado
Comprende el desgaste y pulido de un determinado material, generalmente
madera, con el fin de obtener una forma determinada que puede representar un
objeto concreto o abstracto. Se puede tallar no solo la madera o la piedra, sino
también otros elementos como tizas, jabón o algún vegetal como hojas de
palmera, zanahoria, papas o frutas.
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Bibliografía
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Portal de la Unesco
http://portal.unesco.org/geography/es/ev.phpURL_ID=11858&URL_DO=DO
_TOPIC&URL_SECTION=201.html
Renshaw, A. (2007). El Abc del Arte para niños. Londres: Phaidon Press
Rodriguez Fischer, C., Onians, J. y Cano Mamarasa, R. (2008). Atlas del arte.
Barcelona: Blume.
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