Andrés Arenas - IJMP

Historia de la Música

Antonio Vivaldi - La Eterna Influencia

Introducción

En este trabajo, se expondrá y se realizará un análisis sobre la vida y obra del

compositor italiano Antonio Vivaldi, y como la influencia de su música sigue más presente
que nunca en la actualidad . Se contemplarán los inicios de su carrera, se revisarán sus estilos
y elementos principales de su música, tomando en cuenta sus obras memorables como
“Las Cuatro Estaciones”. De igual forma, se llegará a una conclusión que especule, pero por
sobre todo afirme, como se refleja la significancia de la época Barroca en la historia de la
música, pero por sobre todo como Vivaldi fue el personaje más importante.

Desarrollo

Vivaldi fue un compositor muy importante en su época e incluso hasta el día de hoy
por sus numerosas composiciones, las nuevas formas musicales que introdujo y los múltiples
conceptos musicales que popularizó a través de sus piezas. A continuación se discutirán los
antecedentes que llevaron a la carrera de Vivaldi y las diversas influencias de la vida en su
música, seguido de las diversas formas y conceptos musicales que usó, uno de los conciertos
más conocidos que escribió, "Las Cuatro Estaciones", y por qué sus obras fueron
significativas en su época y por qué siguen siendo significativas hoy.

Antonio Lucio Vivaldi nació el año 1678 en la ciudad de Venecia. A partir de 1693,
Vivaldi fue entrenado para el sacerdocio. Permaneció en entrenamiento durante diez años y
en el sacerdocio durante tres años más después de esto, pero pronto lo dejó, culpando a su
enfermedad, que la mayoría de los médicos modernos identifican como asma bronquial.
Independientemente de sus razones para irse, unirse al sacerdocio fue muy ventajoso para
Vivaldi, particularmente porque la Venecia barroca era la capital musical de Europa en ese
momento y, por lo tanto, le ofreció posiblemente la mejor educación que pudo haber
encontrado.
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Después de su tiempo en el sacerdocio, Vivaldi comenzó a trabajar como profesor de

violín en el Ospedale della Pietà, un orfanato en Venecia, Italia. Estas instituciones eran bien
conocidas por los aspirantes a músicos jóvenes y, a menudo, los conciertos de estos
estudiantes eran populares entre la nobleza veneciana y los visitantes extranjeros.
Estas representaciones se hicieron tan prominentes durante el siglo XVIII que incluso
comenzaron a rivalizar con las representaciones realizadas en los teatros de ópera.
Es muy probable que parte de esta fama se le pueda atribuir a Vivaldi, ya que una vez que se
estableció en la institución, se conoció como el hospicio con la instrucción instrumental más
prestigiosa. El puesto fue sumamente importante para la carrera de Vivaldi porque además de
enseñar a estos jóvenes huérfanos, este trabajo le ofreció la oportunidad de componer.

Cabe decir, que el concierto fue un género musical especialmente efectivo para las
jóvenes de esta institución porque eran breves, incorporaban muchas técnicas diferentes y,
por lo tanto, era ideal para los jóvenes estudiantes. Debido a estas oportunidades para seguir
componiendo, esta posición le permitió a Vivaldi comenzar a buscar el reconocimiento como
compositor y poner todos sus esfuerzos creativos en su música. A lo largo de su vida, Vivaldi
compuso sonatas, conciertos, óperas, misas, motetes, salmos y obras para solistas, pero fue
más conocido por la forma que más compuso: conciertos, una forma que popularizó.

Vivaldi popularizó varias formas musicales que se utilizan ampliamente en la

actualidad, y las dos más conocidas incluyen los conciertos para violín doble y los ritornellos.
A principios del siglo XIX, comenzaron a circular los primeros conciertos para violín dobles
de Vivaldi, y rápidamente se hizo conocido como el compositor de conciertos para violín
doble más representativo de Europa. Aunque Vivaldi no era el compositor que había escrito
más conciertos para violines dobles, ciertamente escribió composiciones que fueron lo
suficientemente cautivadoras como para permitir que el género proliferara y ganará tracción
en su tiempo.
La segunda y aún más influyente forma que popularizó Vivaldi fue el ritornello.
La forma de Ritornello se refiere a un pasaje musical que se repite a lo largo de una pieza
musical que se alterna con secciones de material contrastante. Aunque a veces estas secciones
se repiten exactamente, también pueden variar ligeramente.
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En algunos géneros, como el concerto grosso, la orquesta toca el ritornello mientras

que los solistas o grupos solistas interpretan las secciones contrastantes. Aunque ha habido
cierto debate sobre si Vivaldi inventó esta forma, parece indiscutible que se le puede atribuir
su popularización. En la repetición del ritornello, Vivaldi solía repetir sólo los motivos
principales empleados en estos apartados, que se convirtieron en uno de los conceptos
musicales por los que era más conocido.

Además de popularizar formas musicales, Vivaldi era conocido por utilizar estilos y
técnicas musicales específicas. Entre ellas, las más prominentes fueron las unidades
motívicas, o temas que se repiten a lo largo de sus piezas y se utilizan en variaciones
posteriores, similar a la forma ritornello descrita anteriormente, así como el ritmo, incluida la
síncopa, que Vivaldi usó para generar tensión, mucha ornamentación y pintura de escenas.
Las unidades motívicas de Vivaldi y los temas recurrentes fueron extremadamente
importantes para su trabajo porque proporcionaron pequeñas piezas estructurales que podrían
usarse para unir una pieza completa, formando una unidad cohesiva. Como se analizara más
adelante, esta es una característica muy destacada de una de las piezas más conocidas de
Vivaldi.
Una segunda práctica musical clave en la que influyó Vivaldi, fue el ritmo. A menudo
usaba la síncopa como fuerza impulsora en su música, y se le atribuye la invención de los
ritmos lombardos, que son los puntos invertidos o un patrón rítmico en el que las notas cortas
están en el tiempo fuerte. Esto fue muy importante para su música porque se mantiene rápida,
dinámica y optimista. Esto también ayudó a captar la atención de la audiencia y a construir el
sentido de una historia, ya que impulsa la música hacia adelante al generar tensión para
ayudar a que las composiciones escalen. Estos patrones rítmicos combinados con los motivos
a menudo breves a lo largo de la música hacen que la música de Vivaldi sea muy interesante
y cautivadora de escuchar.

Debido a la inmensa cantidad de conciertos que compuso Vivaldi a lo largo de su

vida, son estas obras las que le hacen más conocido.

Los conciertos de Vivaldi generalmente seguían el mismo patrón general, con tres
partes separadas: una apertura majestuosa, a menudo relativamente rápida, un segundo
movimiento lírico que era más tranquilo y lento y exhibía un nivel de profundidad sin
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precedentes para su época, y una tercera. sección que, como la primera, era muy alegre y
emocionante y, a menudo, proporcionaba un final muy rápido y divertido.

Michael Talbot, un notable historiador de la música, describió el estilo de Vivaldi

como "con melodías de amplios intervalos basados en el acorde de la tríada tónica y divididas
en pequeñas frases repetidas, ritmos contundentes y sincopados basados en material
folclórico y cambios armónicos irregulares y abruptos". Esta descripción resume
efectivamente el uso de los motivos antes mencionados y las fuerzas impulsoras que utilizó
para impulsar su música. Aunque tenía muchas ideas musicales distintas, debido a que
escribió más de 500 conciertos, recurrió a cierto reciclaje de temas e ideas melódicas entre
algunas de sus composiciones.

De los más de 500 conciertos que compuso Vivaldi, posiblemente el más famoso sea
“Le quattro stagioni o Las Cuatro Estaciones”. Este concierto se divide en cuatro secciones,
una para cada temporada. Cada uno es claramente diferente, con el mayor contraste
posiblemente entre "Primavera", que es muy brillante, optimista, fuerte y llena de muchas
notas que se mueven rápidamente, y "Invierno", que comienza extremadamente
silenciosamente y es mucho más lento, especialmente en el comenzando. A pesar de estas
diferencias, siguen existiendo motivos presentes en toda la pieza, uniendo cada uno de los
cuatro apartados.

Vivaldi acompañó cada una de las secciones con un breve soneto, que brindó una guía
de interpretación tanto para los intérpretes como para el público. Estos sonetos están escritos
sobre cantos de pájaros en Primavera, los enjambres de avispas en Verano, los cuernos de
cazadores en Otoño, los vientos y la nieve helada de Invierno. Vivaldi cerró la brecha entre
las palabras y la poesía y la música al anteponer cada movimiento con un soneto y reflejar
estos estados de ánimo con distintos temas e ideas musicales.

Usó tanto traducciones literales de ideas a música, como pizzicato para mostrar gotas
de lluvia e imitaciones de cantos de pájaros y traducciones más metafóricas como
disonancia para mostrar el frío presente en invierno y escalas rápidas que retratan vientos
arremolinados. Estas técnicas permitieron a los oyentes sentir como si estuvieran
experimentando la naturaleza a través de la musicalidad de Vivaldi. Fue este sentimiento el
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que permitió que el concierto cobrará vida directamente de las cuerdas de los violines, y
quizás esta sea la razón por la que el público incluso hoy en día se ha enamorado de esta obra
realmente muy adelantada en su producción.

Conclusiones

La música de Vivaldi fue muy significativa porque enseñó a muchos estudiantes

jóvenes que luego usaron sus técnicas y las popularizaron, sus conceptos de ritmo todavía son
usados por muchos compositores hoy en día, el ritornello todavía se usa en conciertos y su
música comenzó a cerrar la brecha entre Música barroca y romántica por sus conciertos
extremadamente programáticos. Vivaldi era conocido por vincular el virtuosismo con una
sensación increíblemente natural; esto se puede ver en “Las Cuatro Estaciones”, ya que este
concierto está lleno de muchas secciones técnicamente difíciles, pero al mismo tiempo la
música emula una imaginación desenfrenada y una sensación de libertad en toda la pieza.
Vivaldi no se guardó nada mientras componía, y esto invitó a la audiencia a unirse a él en
esta capacidad de sentir todo completamente en el momento, algo que a menudo solo la
música puede hacer. De esta manera, Vivaldi tuvo una influencia increíble no solo a través de
sus composiciones, sino también a través de su enseñanza y su habilidad para escribir música
de una manera que le diera vida.

Al mirar más de cerca la tonalidad armónica de la música de Vivaldi, queda claro que
esto también influyó en muchos compositores que lo siguieron, incluso en la actualidad.
El lenguaje armónico-tonal de Vivaldi ha sido descrito como "uniformemente progresista y
avanzado", que por supuesto sigue su ejemplo con la mayoría de los otros aspectos de su
estilo. Vivaldi tenía una concepción de las armonías muy singular para su época, e
involucraba conceptos de tonalidad mayor-menor que aún hoy son inciertos.

Vivaldi usó a menudo intervalos compuestos, incluida la octava, y realizó una

transposición fluida entre tonalidades menores y mayores con una facilidad asociada solo con
Schubert, por ejemplo. Pudo formar una melodía a partir de fragmentos puramente
cadenciales y utilizó estas melodías como motivos que se transmitían entre violinistas duales.
En general, su música floreció al darle más importancia a la expresividad y la emoción que
brillaba a través de su música que a la perfección de los detalles. Debido a esto, Vivaldi tuvo
un efecto muy profundo en el lenguaje de la armonía actual.
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Y por último, una gran influencia que tuvo Vivaldi fue la incorporación de ideas
románticas en sus composiciones barrocas. Aunque murió nueve años antes del reconocido
comienzo del período romántico, Vivaldi escribió música extremadamente programática para
su época, característica de la música romántica. La música de Vivaldi fue extremadamente
expresiva y emotiva, lo que la distingue de los compositores más dogmáticos de su tiempo.

Hay un pequeño dicho en la filosofía que dice “sin Nietzche no hay Freud”, y bueno
de manera personal es importante afirmar después de todo este análisis que decir que “sin
Vivaldi no hay Bach”, por ende gran parte de la música no sería como la conocemos.