Lo Que El Viento Se Llevó

16/4/2021 Lo que el viento se llevó (película) - Wikipedia, la enciclopedia libre
Lo que el viento se llevó (película)

Lo que el viento se llevó (título original en inglés:
Gone with the Wind) es una película estadounidense
de los géneros épico, histórico y romántico de 1939,
Gone with the Wind
adaptación de la novela homónima de 1936 de Margaret
Mitchell, producida por David O. Selznick y dirigida por
Victor Fleming.
Situada en el sur de Estados Unidos con el telón de

fondo de la Guerra de Secesión y la reconstrucción, la
película narra la historia de Scarlett O'Hara, la resuelta
hija de los propietarios de una plantación de Georgia,
desde su romántica persecución de Ashley Wilkes,
prometido con su prima, Melanie Hamilton, hasta su
matrimonio con Rhett Butler. Los protagonistas están
interpretados por Vivien Leigh (Scarlett), Clark Gable
(Rhett), Leslie Howard (Ashley) y Olivia de Havilland
(Melanie).
La producción fue difícil desde el principio. El rodaje se

retrasó durante dos años por la determinación de
Selznick por asegurar a Gable para el papel de Rhett
Butler, y por la búsqueda de la actriz protagonista para Cartel del preestreno de la película.
el papel de Scarlett, llegando a entrevistar a 1400
mujeres antes de tomar la decisión. El guion original fue Título Lo que el viento se llevó
obra de Sidney Howard, pero sufrió numerosas Ficha técnica
revisiones en un intento de reducir el metraje. El Dirección Victor Fleming
director original, George Cukor, fue despedido poco
después de iniciarse el rodaje y fue reemplazado por George Cukor
Fleming, quien a su vez fue sustituido brevemente por Sam Wood
Sam Wood, mientras que Fleming se tomó un tiempo de
descanso a causa del agotamiento. Producción David O. Selznick
Guion Sidney Howard
La película recibió críticas positivas tras su estreno en
diciembre de 1939, aunque algunos la encontraron Ben Hecht
carente de dramatismo y de duración excesiva. El Jo Swerling
reparto recibió numerosos elogios y muchos críticos
John Van Druten
cinematográficos consideraron a Leigh especialmente
adaptada a su papel como Scarlett. En la 12.ª edición de Margaret Mitchell
los Premios Óscar, de sus trece nominaciones recibió
Basada en Lo que el viento se llevó de
diez galardones (ocho competitivos, dos honorarios),
Margaret Mitchell
incluidos los de mejor película, mejor director
(Fleming), mejor guion adaptado (otorgado Música Max Steiner
póstumamente a Sidney Howard, fallecido seis meses Fotografía Ernest Haller
antes de la ceremonia), mejor actriz (Leigh) y mejor
Lee Garmes
actriz de reparto (Hattie McDaniel, convirtiéndose en la
primera afrodescendiente en ganar un Óscar), Montaje Hal C. Kern
https://es.wikipedia.org/wiki/Lo_que_el_viento_se_llevó_(película) 1/26
estableciendo récords por el número total de galardones James E. Newcom

y nominaciones en aquel momento. La película fue
inmensamente popular, convirtiéndose en la película Vestuario Walter Plunkett
más rentable hasta aquel momento, manteniendo esa Protagonistas Clark Gable
posición durante más de un cuarto de siglo. Si se Vivien Leigh
ajustan sus ingresos de acuerdo a la inflación, sigue Leslie Howard
siendo la película de mayor éxito en taquilla de la Olivia de Havilland
historia. Ver todos los créditos (https://www.imdb.com/titl
e/tt0031381/fullcredits) (IMDb)
Ha sido criticada por el revisionismo histórico por
alabar la esclavitud, aunque también se le ha atribuido Datos y cifras
el haber provocado cambios en la forma en que los País Estados Unidos
personajes de raza negra se representan en el cine. Fue Año 1939
reestrenada en numerosas ocasiones desde su estreno y
tiene gran arraigo en la cultura popular, siendo Estreno 15 de diciembre de 1939
probablemente el largometraje más famoso del (estreno en Atlanta)
Hollywood Clásico. Está considerada como una de las Género Épica
mejores películas de todos los tiempos; aparece entre Histórica
las diez primeras de la lista del American Film Institute Drama
de las 100 mejores películas estadounidenses desde su Romance
creación en 1998; en 1989 la película fue considerada Duración 238 minutos
«cultural, histórica y estéticamente significativa» por la
Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y Idioma(s) Inglés
seleccionada para su preservación en el National Film Formato película de 35 mm
Registry. Compañías
Productora Metro-Goldwyn-Mayer
Selznick International Pictures
Índice
Distribución Loew's Inc.n 1
Argumento Recaudación 400 176 459 $2
Reparto Óscar a la mejor película
Producción You Can't Take It
Gone with the Rebecca
Casting With You
Wind (1940)
Guion (1938)
Rodaje Ficha (https://www.imdb.com/title/tt0031381/) en
Vestuario IMDb
Música Ficha (https://www.filmaffinity.com/es/film47026
Lanzamiento 8.html) en FilmAffinity
Reestrenos
Televisión y formato doméstico
Recepción
Respuesta de la crítica
Premios Óscar
Respuesta del público
Críticas de racismo
Evaluación posterior de la crítica
Reconocimiento de la industria cinematográfica
Influencia y legado
En la cultura popular
Secuela
Véase también
Notas y referencias
Bibliografía adicional
Enlaces externos
Argumento
Primera parte
En vísperas del inicio de la Guerra de Secesión en 1861, la joven Scarlett O'Hara vive con sus padres y
dos hermanas en «Tara», la plantación de algodón de su familia en Georgia. Scarlett se entera de que
Ashley Wilkes, del que está enamorada en secreto, se va a casar con su prima Melanie Hamilton y que el
compromiso será anunciado al día siguiente en una barbacoa que se va a celebrar en la casa de Ashley, la
cercana plantación «Los doce robles».
En la fiesta en «Los doce robles», Scarlett declara privadamente sus sentimientos a Ashley, pero él la
rechaza respondiendo que él y Melanie son más compatibles. Scarlett se enoja cuando descubre que otro
invitado, Rhett Butler, ha oído su conversación. La celebración se ve interrumpida al anunciarse la
declaración de guerra y los hombres se apresuran a alistarse. Mientras Scarlett ve a Ashley besar a
Melanie, el hermano menor de Melanie, Charles, le propone matrimonio y, aunque ella no lo ama,
Scarlett consiente y se casan antes de que él se vaya al frente.
Scarlett queda viuda cuando Charles muere de un episodio de pulmonía y

de sarampión mientras sirve en el ejército confederado. La madre de
Scarlett la envía a la casa de Hamilton en Atlanta para alegrarla, aunque la
franca criada de los O'Hara, Mammy, le dice a Scarlett que sabe que solo va
con la idea de esperar el regreso de Ashley. Scarlett, que no debe asistir a
una fiesta mientras está de luto, de todas formas asiste a una fiesta benéfica
en Atlanta con Melanie, donde se encuentra de nuevo con Rhett, que ahora
es un contrabandista que utiliza una pequeña flota de barcos para burlar el
bloqueo naval al que han sido sometidos los confederados por parte de la
Armada de los Estados Unidos. Celebrando una reciente victoria y
recaudando fondos para el esfuerzo bélico confederado, los caballeros son
invitados a hacer una oferta para que las señoras bailen con ellos. Rhett
hace una oferta excesivamente generosa por Scarlett y, a pesar de la
desaprobación de los huéspedes, ella acepta.
Póster con Scarlett y Rhett
El curso de la guerra se vuelve contra la Confederación tras la Batalla de en el baile benéfico.
Gettysburg, en la que mueren muchos de los hombres de la ciudad de
Scarlett. Scarlett hace otra petición sin éxito a Ashley mientras él está de
visita durante una licencia de servicio navideña, aunque comparten un apasionado beso en privado el día
de Navidad, justo antes de que él vuelva a la guerra.
Ocho meses más tarde, mientras la ciudad está sitiada por el Ejército de la Unión durante la Campaña de
Atlanta, Scarlett y su joven sirvienta Prissy deben asistir a Melanie sin ayuda médica cuando a ella entra
en parto prematuro. Después, Scarlett pide a Rhett que la lleve a su casa en Tara con Melanie, el bebé y
Prissy; los recoge en un carro tirado por caballos, pero una vez que sale de la ciudad, decide irse al frente,
dejando a Scarlett y el grupo para que sigan ellos solos. Al regresar a casa, Scarlett encuentra Tara
desierta, excepto por su padre, sus hermanas y dos antiguos esclavos: Mammy y Pork. Scarlett se entera
de que su madre acaba de morir de fiebre tifoidea y su padre se ha vuelto mentalmente incapaz. Con
Tara saqueada por las tropas de la Unión y los campos desatendidos, Scarlett promete que hará
cualquier cosa por la supervivencia de la familia y de sí misma.
Segunda parte
Mientras los O'Hara trabajan en los campos de algodón, el padre de Scarlett muere al caerse del caballo
mientras intenta arrojar a un scalawag de sus tierras. Tras la derrota de la Confederación, Ashley
regresa, pero ve que es de poca ayuda en Tara. Cuando Scarlett le ruega que huya con ella, Ashley
confiesa su deseo hacia ella y la besa apasionadamente, pero dice que no puede dejar a Melanie. Incapaz
de pagar los impuestos sobre Tara implementados por las leyes de Reconstrucción, Scarlett engaña al
prometido de su hermana menor Suellen, Frank Kennedy, hombre de mediana edad y rico empresario,
para que se case con ella, diciéndole que Suellen se cansó de esperar y se casó con otro pretendiente.
Frank, Ashley, Rhett y otros cómplices hacen una incursión nocturna en un pueblo de chabolas después
de que Scarlett fuera atacada mientras conducía sola través de él. En la incursión muere Frank; apenas
terminado el funeral, Rhett le propone matrimonio a Scarlett y ella acepta. Tienen una hija a la que Rhett
pone el nombre de Bonnie Blue, pero Scarlett, que sigue añorando a Ashley y se siente asustada por la
pérdida de su figura, le hace saber a Rhett que no quiere más hijos y que ya no compartirán lecho.
Un día, India, la hermana de Ashley, ve a Scarlett y Ashley abrazados y, como siente una intensa aversión
hacia Scarlett, rápidamente empieza a propagar rumores. Esa misma tarde Rhett, después de oír los
rumores, obliga a Scarlett a asistir a la fiesta de cumpleaños de Ashley; incapaz de creer nada malo de su
querida cuñada, Melanie está al lado de Scarlett para que todos sepan que ella cree que los chismes son
falsos. Después de regresar a casa de la fiesta, Scarlett encuentra a Rhett borracho y discuten sobre
Ashley. Rhett besa a Scarlett contra su voluntad, declarando su intención de mantener relaciones con
ella esa noche, y la lleva a la fuerza a la habitación. Al día siguiente, Rhett se disculpa por su
comportamiento y le ofrece a Scarlett el divorcio, que ella rechaza, diciendo que sería una vergüenza.
Cuando Rhett vuelve de un prolongado viaje a Londres, Scarlett le informa que está embarazada, pero
durante la discusión que sigue a la noticia ella se cae por un tramo de escaleras y sufre un aborto
espontáneo. Mientras se está recuperando, la tragedia cae sobre ellos cuando Bonnie muere mientras
intenta saltar una valla con su poni.
Scarlett y Rhett visitan a Melanie, en su lecho de muerte tras las complicaciones derivadas de un nuevo
embarazo. Mientras Scarlett consuela a Ashley, Rhett vuelve a su casa en Atlanta; al darse cuenta de que
Ashley solo amaba realmente a Melanie, Scarlett corre tras Rhett, pero lo encuentra preparándose para
irse para siempre. Ella le suplica, diciéndole que ahora se da cuenta de que lo ha amado todo el tiempo y
que nunca amó realmente a Ashley, pero Rhett dice que tras la muerte de Bonnie no había posibilidad de
reconciliación. Scarlett le pide que se quede, pero Rhett la rechaza y sale por la puerta perdiéndose en la
niebla de la mañana, dejando a Scarlett llorando en la escalera y jurando que algún día recuperará su
amor.
Reparto
Los créditos de apertura de la película tienen una estructura inusual ya que, en lugar de ordenar los
nombres por la posición estelar de cada uno de los actores de forma convencional, el reparto se divide en
tres secciones: la plantación de Tara, «Los doce robles» y Atlanta. Además, los nombres se ordenan
según el rango social de los personajes; así, Thomas Mitchell, que interpreta a Gerald O'Hara, inicia la
lista de reparto como el cabeza de familia de los O'Hara, por lo que Barbara O'Neil, como su esposa,
aparece en segundo puesto y Vivien Leigh, como la hija mayor, el tercero, a pesar de aparecer en pantalla
mucho más tiempo que ellos. Del mismo modo, Howard C. Hickman, como John Wilkes, aparece antes
que Leslie Howard, que interpreta a su hijo, y Clark Gable, que solo interpreta a un visitante en «Los
doce robles», aparece en un puesto relativamente bajo en los créditos, a pesar de haber sido presentado
como la «estrella» de la película durante su promoción.3 A la muerte de Mary Anderson (que interpretó
a Maybelle Merriwether) en abril de 2014, solamente vivían dos miembros del reparto acreditados de la
película: Olivia de Havilland, que interpretó a Melanie Wilkes, y Mickey Kuhn, que interpretó a su hijo
Beau Wilkes.4
Plantación Tara Clark Gable como Rhett Butler

(visitante de Charleston).
Thomas Mitchell como Gerald En Atlanta
O'Hara.
Barbara O'Neil como Ellen O'Hara Laura Hope Crews como tía Pittypat
(su esposa). Hamilton.
Clark Gable
Vivien Leigh como Scarlett O'Hara Eddie Anderson como tío Peter (su
(hija). cochero).
Evelyn Keyes como Suellen O'Hara Harry Davenport como Doctor
(hija). Meade.
Ann Rutherford como Carreen Leona Roberts como Mrs. Meade Vivien Leigh
O'Hara (hija). Jane Darwell como Mrs. Merriwether
George Reeves como Brent Tarleton Ona Munson como Belle Watling.
(realmente Stuart).n 2 Otros actores de reparto
Fred Crane como Stuart Tarleton
(realmente Brent).n 2 Paul Hurst como un desertor yanqui.
Leslie Howard
Hattie McDaniel como Mammy Cammie King Conlon como Bonnie
(criada). Blue Butler.
Oscar Polk como Pork (criado). J. M. Kerrigan como Johnny
Butterfly McQueen como Prissy Gallagher.
(criada). Jackie Moran como Phil Meade. Olivia de
Victor Jory como Jonas Wilkerson Lillian Kemble-Cooper como Havilland
(cuidador de la plantación). cuidadora de Bonnie en Londres.
Everett Brown como Big Sam Marcella Martin como Cathleen
(capataz). Calvert.
Los doce robles Mickey Kuhn como Beau Wilkes.
Irving Bacon como un cabo.
Howard Hickman como John Wilkes. William Bakewell como un oficial a
Alicia Rhett como India Wilkes (su caballo.
hija). Isabel Jewell como Emmy Slattery.
Leslie Howard como Ashley Wilkes Eric Linden como un supuesto
(su hijo). amputado.
Olivia de Havilland como Melanie Ward Bond como Tom, capitán
Hamilton (su prima). yanqui.
Rand Brooks como Charles Hamilton Cliff Edwards como un soldado
(hermano de Melanie). nostálgico.
Carroll Nye como Frank Kennedy Yakima Canutt como un renegado.
(invitado).
Louis Jean Heydt como un soldado
hambriento que sostiene a Beau
Wilkes. Mary Anderson como Maybelle

Robert Elliott como un comandante Merriwether.
yanqui.
Producción
Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood, como Irving Thalberg y
Louis B. Mayer de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman de la RKO Pictures y David O.
Selznick de la Selznick International Pictures se negaron a rodar una película basada en ella. A Jack
Warner le gustó la historia, pero la mayor estrella de la Warner Bros., Bette Davis, no estaba interesada,
y Darryl F. Zanuck, de la 20th Century-Fox no ofreció suficiente dinero. Selznick cambió de opinión
después de que su guionista jefe, Kay Brown, y su socio de negocios, John Hay Whitney, lo instaran a
comprar los derechos para la película. En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick
compró los derechos por 50 000 dólares,5 6 7 una cifra exorbitada por ese concepto por entonces.8
Casting
El casting para los dos papeles protagonistas se convirtió en una compleja

tarea que duró dos años. Selznick tenía claro desde el principio que quería a
Clark Gable para el papel de Rhett Butler, pero Gable tenía contrato en
vigor con la MGM y nunca lo habían cedido a otros estudios.5 Se pensó en
Gary Cooper, pero Samuel Goldwyn, con quien Cooper tenía contrato, se
negó a cederlo.9 Warner le ofreció a Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de
Havilland para desempeñar los papeles protagonistas a cambio de los
derechos de distribución.10 Por entonces Selznick estaba decidido a
conseguir a Gable y finalmente llegó a un acuerdo con la MGM; el suegro de
Selznick, Louis B. Mayer, presidente de la MGM, le ofreció en agosto de
1938 cederle a Gable y darle 1 250 000 $ por la mitad del presupuesto de la
película, pero a un alto precio: Selznick tendría que pagar el salario semanal Foto publicitaria de Clark
de Gable y cederle la mitad de los beneficios a la MGM, y además Loew's Gable y Vivien Leigh.
Inc., empresa matriz de la Metro, se encargaría de la distribución.5 9
El acuerdo por el que la MGM se encargaba del lanzamiento de la película supuso retrasar el comienzo
de la producción hasta finales de 1938, cuando finalizaba el acuerdo de distribución que Selznick tenía
con la United Artists.9 Selznick aprovechó el retraso para continuar revisando el guion, preparar la
publicidad y, sobre todo, buscar una actriz para el papel de Scarlett. Inició un casting a nivel nacional en
el que llevó a entrevistar a 1400 desconocidas; el proceso costó 100 000 $ y, aunque resultó inútil para la
película, sirvió para crear un publicidad «inestimable».5 Antes de la compra de los derechos, Selznick
consideró a Miriam Hopkins y Tallulah Bankhead como candidatas; Joan Crawford, que había firmado
con MGM, también fue considerada como posible pareja de Gable. Después del acuerdo con MGM,
Selznick mantuvo conversaciones con Norma Shearer, la principal estrella de la MGM por entonces, pero
ella no consideró la propuesta. Katharine Hepburn estaba muy interesada en el papel, y presionó para
conseguirlo con el apoyo de su amigo George Cukor, que había sido contratado para la dirección, pero
fue vetada por Selznick, que no la consideró adecuada para el papel.9 10 11
Se consideraron a muchas actrices famosas (o a punto de serlo), pero para el papel de Scarlett solo se le
hicieron pruebas de pantalla a treinta y una mujeres, entre las que estaban Ardis Ankerson, Jean Arthur,
Tallulah Bankhead, Diana Barrymore, Joan Bennett, Nancy Coleman, Frances Dee, Ellen Drew (como
Terry Ray), Paulette Goddard, Susan Hayward (bajo su nombre real, Edythe Marrenner), Vivien Leigh,
Anita Louise, Haila Stoddard, Margaret Tallichet, Lana Turner y Linda Watkins.6 Aunque Margaret
Mitchell se negó a dar a conocer públicamente su elección, la actriz que estuvo más cerca de ganar su
aprobación fue Miriam Hopkins, al considerar que era el tipo de actriz adecuado para interpretar a
Scarlett tal como estaba descrita en el libro. Sin embargo, Hopkins tenía más de 35 años por entonces y
se consideró que era demasiado vieja para el papel.9 10 11 En diciembre de 1938 todavía se estaban
considerando cuatro actrices, entre ellas Jean Arthur y Joan Bennett, pero solo a dos finalistas, Paulette
Goddard y Vivien Leigh, se le hicieron pruebas en Technicolor, ambas el día 20 de ese mes.12 Goddard
casi consiguió el papel, pero la controversia sobre su matrimonio con Charles Chaplin hizo que Selznick
cambiara de idea.5
Selznick había estado considerando discretamente a Vivien Leigh, una joven actriz británica que todavía
era poco conocida en Estados Unidos, desde febrero de 1938, cuando la vio en Fire Over England y en A
Yank at Oxford. El agente estadounidense de Leigh era el representante en Londres de la agencia de
talentos de Myron Selznick (hermano de David y uno de los propietarios de Selznick International) y
había pedido en febrero que consideraran a su representada para el papel de Scarlett. En el verano de
1938 los Selznick estaban negociando con Alexander Korda, con quien Leigh tenía contrato, para
conseguir sus servicios ese año.13 El hermano de Selznick los citó para que se conocieran por primera
vez en la noche del 10 de diciembre de 1938, cuando se rodó la escena del incendio de Atlanta. En una
carta a su esposa dos días más tarde, Selznick admitió que Leigh era «la ganadora sorpresa de Scarlett»,
y tras una serie de pruebas de pantalla, se anunció su selección el 13 de enero de 1939.14 Justo antes del
rodaje de la película, Selznick le dijo en una carta al columnista Ed Sullivan: «Los padres de Scarlett
O'Hara eran franceses e irlandeses. Idénticamente, los padres de la señorita Leigh son franceses e
irlandeses».6
Guion
La historiadora Joanne Yeck dijo sobre Sidney Howard, quien escribió el guion original de la película:
«Reducir la complejidad de las dimensiones épicas de Lo que el viento se llevó fue una tarea hercúlea ... y
la primera entrega de Howard era demasiado larga y habría requerido al menos seis horas de película; ...
[el productor] Selznick quería que Howard permaneciera en el plató para hacer revisiones ... pero
Howard se negó a dejar Nueva Inglaterra [y] como resultado, las revisiones estuvieron a cargo de una
gran cantidad de escritores locales».15 Selznick despidió al director, George Cukor, tres semanas
después de iniciar el rodaje y buscó a Victor Fleming, que por entonces estaba dirigiendo El mago de Oz.
Fleming no estaba satisfecho con el guion, por lo que Selznick encargó al reconocido escritor Ben Hecht
que lo reescribiera por completo en cinco días. Hecht retomó el borrador original de Howard y al final de
la semana había conseguido revisar la primera mitad del guion. El propio Selznick inició la reescritura de
la segunda mitad, pero se quedó retrasado, por lo que Howard volvió a trabajar en el guion durante una
semana, revisando varias escenas clave de la segunda parte.16
«En el momento del lanzamiento de la película en 1939, había algunas cuestiones planteadas sobre quién
debería aparecer en los créditos de pantalla», escribe Yeck, «pero a pesar de la cantidad de escritores y
de cambios, el guion final estaba significativamente cerca a la versión de Howard. El hecho de que solo
aparezca el nombre de Howard en los créditos puede haber sido tanto un gesto en su memoria como a su
escritura, en 1939 Sidney Howard murió a los 48 años en un accidente con un tractor agrícola, antes del
estreno de la película».15 Selznick, en una nota escrita en octubre de 1939, decía sobre los créditos de la
película: «Pueden decir francamente que, de la comparativamente pequeña cantidad de material en la
película que no es del libro, la mayoría es mía personalmente, y las únicas líneas originales de diálogo
que no son mías son algunas de Sidney Howard y algunas de Ben Hecht y unas pocas más de John Van
Druten. En este momento dudo que haya diez palabras originales de [Oliver] Garrett en todo el guion. En
cuanto a la elaboración, aproximadamente el ochenta por ciento es mía, y el resto se reparte entre Jo
Swerling y Sidney Howard, con la contribución material de Hecht en la

elaboración de una secuencia.»n 3 17
Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams: «Al amanecer del

domingo 20 de febrero de 1939, David Selznick ... y el director Victor
Fleming despertaron bruscamente a Hecht para informarle que estaba
cedido a la MGM y debía ir con ellos inmediatamente e ir a trabajar en Lo
que el viento se llevó, que Selznick había comenzado a rodar cinco semanas
antes». A Selznick le costaba 50 000 dólares diarios y la película estaba en
suspenso esperando una reescritura final del guion y el tiempo era esencial.
Hecht estaba trabajando en la película Una tarde en el circo, de los
hermanos Marx. Recordando el episodio en una carta a su amigo guionista
David O. Selznick en 1940. Gene Fowler, dijo que no había leído la novela, pero Selznick y el director
Fleming no podían esperar a que la leyera. Debían representar escenas
basadas en el guion original de Sidney Howard que necesitaba ser reescrito
a toda prisa. Hecht escribió: «Después de representar y discutir cada escena, me senté a la máquina de
escribir y lo escribí. Selznick y Fleming, ansiosos de continuar con su rodaje, me apresuraban.
Trabajamos de esta manera durante siete días, entre dieciocho y veinte horas diarias. Selznick se negó a
dejarnos almorzar, argumentando que la comida nos retrasaría. Nos proporcionaba plátanos y
cacahuetes salados ... así, al séptimo día, había completado, ileso, los primeros nueve rollos de la
epopeya de la Guerra Civil.»
MacAdams continúa diciendo: «Es imposible determinar exactamente cuánto escribió Hecht ... En los
créditos oficiales archivados por la Screen Writers Guild,n 4 Sidney Howard fue, por supuesto, el único
acreditado en pantalla, pero fueron agregados otros cuatro escritores ... Jo Swerling por contribuir al
proceso, Oliver H. P. Garrett y Barbara Keon a la elaboración del guion, y Hecht, al diálogo ...»18
Rodaje
La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y terminó el 1

de julio, y los trabajos de posproducción continuaron hasta el 11 de
noviembre de 1939. El director George Cukor, con quien Selznick
tenía una larga relación de trabajo y que había pasado casi dos años
en la preproducción de la película, fue reemplazado después de
menos de tres semanas de rodaje.10 n 5 Selznick y Cukor ya habían
discrepado sobre el ritmo de rodaje y el guion,10 20 pero algunos
apuntan a que la salida de Cukor pudo ser debida al malestar de
Gable para trabajar con él. Emanuel Levy, biógrafo de Cukor, afirmó
que Clark Gable había trabajado en el circuito gay de Hollywood El incendio de Atlanta, en el tráiler
como gigoló y que Cukor conocía su pasado, por lo que Gable usó su de la película.
influencia para que le despidieran.21 Vivien Leigh y Olivia de

Havilland se enteraron del despido de Cukor el día en que se filmó la
escena de la venta benéfica de Atlanta, y la pareja se dirigió a la oficina de Selznick con el vestuario de
rodaje todavía puesto y le imploraron que cambiara de opinión. Victor Fleming, que en ese momento
dirigía El mago de Oz, fue llamado por la MGM para completar la película, aunque Cukor continuó
instruyendo a Leigh y De Havilland en privado. Otro director de la MGM, Sam Wood, trabajó durante
dos semanas en mayo cuando Fleming abandonó temporalmente la producción debido al agotamiento.
Aunque algunas de las escenas de Cukor se volvieron a filmar, Selznick estimó que «tres rollos
completos» de su trabajo se mantuvieron en la película. Al final del rodaje, Cukor había asumido
dieciocho días de filmación, Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro.10
Al inicio de la producción Lee Garmes fue el director de fotografía, pero el 11 de marzo de 1939, tras un
mes de rodaje que Selznick y sus asociados consideraban «demasiado oscuro», fue sustituido por Ernest
Haller, que trabajó con Ray Rennahan, como director de fotografía de Technicolor. Garmes completó el
primer tercio de la película (en su mayor parte todo lo sucedido antes de que Melanie tuviera el bebé)
pero no figuró en los créditos.22 La mayor parte del rodaje se realizó en un plató de Selznick
International conocido como Forty Acres, y todo el rodaje de exteriores se desarrolló en California,
principalmente en el condado de Los Ángeles o el vecino condado de Ventura.23 La residencia principal
de Tara, la plantación ficticia del sur de la plantación, existió solamente como una fachada de madera
contrachapada y papel maché construida en los terrenos del estudio de Selznick.24 Para el incendio de
Atlanta se construyeron fachadas falsas delante de viejos decorados abandonados de otras películas de
los estudios Selznick, y el propio Selznick operó los controles de los explosivos que los quemaron.5
Algunas fuentes del momento estimaron los costes de producción en 3,85 millones de dólares, que la
convertían en la segunda película más cara hasta ese momento, tras Ben-Hur (1925).25 n 6
Aunque persiste la leyenda de que la oficina responsable del cumplimiento del código Hays multó a
Selznick con 5000 $ por utilizar la palabra «damn» (en la versión en español se tradujo como «me
importa un bledo») en la última frase de Rhett Butler cuando se marcha al final de la película, en
realidad la junta de la MPAA aprobó una enmienda al código el 1 de noviembre de 1939 que prohibió el
uso de las palabras «hell» o «damn», excepto cuando su uso fuera «esencial y necesario para
representar, en el contexto histórico apropiado, cualquier escena o diálogo basado en hechos históricos o
folklore ... o una cita de una obra literaria, siempre que tal uso no fuera intrínsecamente censurable u
ofendiera el buen gusto», por lo que, con esta enmienda, la oficina de vigilancia del código no tenía
ninguna objeción al diálogo final de Butler.27
Vestuario
El vestuario de la película corrió a cargo del diseñador Walter Plunkett, quien a modo de preparación se
embarcó durante cuatro meses en un viaje de investigación no remunerado por el sur de Estados Unidos,
contando únicamente con un contrato sin exclusividad por el que se le pagarían 600 dólares a la semana
en los dos meses de preproducción y 750 por cada siete días de rodaje, además de una carta de
presentación dirigida a Margaret Mitchell, a quien visitó en su casa de Georgia. Gracias a Mitchell,
Plunkett conoció el ingenio de las mujeres de aquella época, las cuales usaban cáscaras de nueces y
piedras como botones y ramas de espinos como broches para poder confeccionar la ropa durante el
bloqueo al que la Unión sometió a los estados sureños durante la guerra de Secesión. En los Museos de
las Hijas de la Confederación de Savannah y Charleston, Plunkett obtuvo trozos de telas cortadas de los
dobladillos de trajes auténticos, los cuales solían estar decorados con diminutos estampados. Para este
exhaustivo y considerable trabajo, el diseñador creó más de 5000 piezas para cincuenta personajes y un
centenar de extras.28
En lo que respecta al vestuario del personaje de Scarlett, para quien elaboró treinta y cinco conjuntos, las
flores de algunos de ellos, como el vestido floral en tonos blanco y verde que luce en una de las escenas
iniciales de la película, estas poseen un tamaño superior al original debido a la decisión del diseñador de
doblar el tamaño de las mismas con el fin de hacerlas más nítidas y llamativas. Del mismo modo,
Plunkett empleó los tejidos y los colores con el fin de enfatizar y subrayar los acontecimientos más
destacados de la vida de la protagonista, empleando organdí, tul, algodón y tonalidades luminosas para
vestir a Scarlett en sus años de juventud, y tejidos como seda y terciopelo oscuro a medida que madura y
se enfrenta a situaciones dramáticas.28
Para el traje de novia de la protagonista, Plunkett recreó un vestido anticuado, en seda satinada y con
mangas abullonadas muy de moda treinta años antes de los acontecimientos narrados en el largometraje
debido a que Scarlett, quien tomó la decisión de casarse con Charles Hamilton antes de que este fuese a
la guerra, se vio obligada por falta de tiempo a llevar el traje de novia de su madre, motivo por el cual el
diseñador elaboró intencionadamente un vestido que no se ajustaba al cuerpo de Vivien Leigh.28
Plunkett tomó además la decisión de incluir varios códigos de color para el personaje de Scarlett en
función de las situaciones plasmadas. De esta forma, para las escenas de seducción el diseñador optó por
el color verde, siendo ejemplo de ello el vestido escotado que Scarlett luce para la barbacoa en «Los doce
robles», así como el traje elaborado con cortinas de terciopelo cuando la protagonista acude a visitar a
Rhett a la cárcel. Para las escenas pasionales, violentas y de tensión, Plunkett escogió el rojo, siendo este
el color del llamativo vestido de pedrería que Rhett obliga a Scarlett a llevar puesto en la fiesta de
cumpleaños de Ashley, el color de la bata de terciopelo que luce en la posterior discusión con su marido y
también el tono del traje que lleva puesto cuando su hermana Suellen descubre que Scarlett se ha casado
con su prometido Frank Kennedy. Por último, para las escenas de peligro se decantó por el color azul,
destacando el vestido que Scarlett lleva puesto cuando es asaltada en un puente camino del aserradero
así como el traje de amazona que luce su hija Bonnie cuando cae del caballo. Los únicos vestidos que
constituyeron excepciones a estos códigos fueron el traje de novia, los vestidos de luto y el traje blanco
con volantes mostrado al inicio de la película.29
Música
Para componer la banda sonora Selznick eligió a Max Steiner, con 0:00 MENÚ
quien había trabajado en la RKO Pictures a principios de los años La melodía «Tara», del tráiler de la
1930. Warner Bros., que había contratado a Steiner en 1936, acordó película.
cedérselo a Selznick. Steiner pasó doce semanas trabajando en la
música de la película, el período más largo que había dedicado a
escribir una banda sonora, y las dos horas y treinta y seis minutos de la película era también la de mayor
duración que había escrito. Se contrataron cinco orquestistas: Hugo Friedhofer, Maurice de Packh,
Bernard Kaun, Adolph Deutsch y Reginald Bassett. La banda sonora se caracteriza por dos temas de
amor, uno para el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasión de Scarlett por Ashley; es
remarcable que no hay un tema de amor de Scarlett y Rhett. Steiner se basó sobre todo en la música
popular y patriótica, e incluyó temas de Stephen Foster como «Louisiana Belle», «Dolly Day», «Ringo
De Banjo», «Beautiful Dreamer», «Old Folks at Home» y «Katie Belle», que era la base del tema de
Scarlett; otras canciones destacadas son: «Marching through Georgia», de Henry Clay Work, y «Dixie»,
«Garryowen» y «The Bonnie Blue Flag». El tema que más se asocia hoy en día con la película es la
melodía de Tara, la plantación de los O'Hara; a principios de la década de 1940, el tema «Tara»
conformó la base musical de la canción «My Own True Love», de Mack David. La banda sonora está
compuesta por noventa y nueve piezas musicales en total. Debido a la presión por completar el apartado
musical en plazo, Steiner recibió ayuda en la composición de Friedhofer, Deutsch y Heinz Roemheld,
además de dos entras breves, de Franz Waxman y William Axt, extraídas de los archivos sonoros de la
MGM.30
Lanzamiento
El 9 de septiembre de 1939, Selznick, su esposa Irene, el inversor John «Jock» Whitney y el editor Hal C.
Kern se dirigieron a Riverside, California, para el preestreno de la película en el Fox Theatre. La película
todavía estaba en fase de primer corte, le faltaban los créditos y los efectos ópticos especiales. La
proyección duró cuatro horas y veinticinco minutos, pero posteriormente se redujo a menos de cuatro
horas para su estreno. En el cine ese día se proyectaba una sesión doble con las películas Hawaiian
Nights y Beau Geste y no se había informado al público de que hubiera otra proyección; después de la
primera función se anunció que al final se iba a proyectar un preestreno; se informó al público de que
podían irse pero no se les permitiría volver a entrar una vez que hubiera comenzado la película, ni se
permitiría salir a hacer llamadas telefónicas una vez que se hubieran cerrado las puertas. Cuando
apareció el título en la pantalla el público aplaudió y al finalizar recibió una ovación con la gente en
pie.10 31 En su biografía de Selznick, el crítico e historiador David Thomson escribió que la reacción del
público antes de que hubiera comenzado la película «fue el momento más grande de su [de Selznick]
vida, la mayor victoria y la redención de todas sus faltas»",32 con Selznick describiendo las postales de
presentación de la película como «probablemente el cuadro más asombroso que nunca hubiera
tenido».33 Cuando durante las entrevistas de prensa a principios de septiembre le preguntaron que
sentimientos tenía sobre la película, Selznick dijo: «Al mediodía pienso que es divina, a medianoche
pienso que es pésima. A veces creo que es la mejor película jamás rodada. Pero si es solo una gran
película, todavía estaré satisfecho».25
El estreno de la película en el Loew's Grand Theatre de Atlanta el 15

de diciembre de 1939 fue espectacular. Fue el clímax de tres días de
festividades organizadas por el alcalde de la ciudad, William B.
Hartsfield, que incluían un desfile de limusinas con protagonistas de
la película, recepciones, miles de banderas Confederadas y un baile
de disfraces. Eurith D. Rivers, el gobernador de Georgia, declaró el
15 de diciembre como día festivo en el estado. Unos 300 000
residentes y visitantes se agolparon a lo largo de las calles de Atlanta
para ver el desfile de limusinas con las estrellas de la película desde
el aeropuerto. Años después, el presidente Jimmy Carter calificó el
Estreno de la película en el Loew's
estreno de la película como «el mayor acontecimiento en el sur de
Grand Theatre, en Atlanta.
toda mi vida».34 Solamente el actor Leslie Howard y el director
Victor Fleming decidieron no asistir: Howard había vuelto a
Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y Fleming había discutido con Selznick y se
negó a asistir a ese y a posteriores estrenos.25 33 Tampoco estaba Hattie McDaniel, ya que ella y los
demás miembros del elenco de raza negra no pudieron asistir al estreno debido a las leyes Jim Crow de
Georgia, normas segregacionistas que les impedían sentarse con sus colegas blancos. Al enterarse de que
McDaniel había sido excluida del estreno, Clark Gable amenazó con boicotear el evento, pero McDaniel
lo convenció para que asistiera.35 A este estreno le siguieron los de Nueva York (el 19 de diciembre) y
Los Ángeles (el 28 de diciembre); a este último asistieron algunas de las actrices que habían sido
consideradas para desempeñar el papel de Scarlett, como Paulette Goddard, Norma Shearer y Joan
Crawford.33
Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940, la película solo se proyectó en un número limitado de cines
en los que había que hacer previamente una reserva para asistir y a un precio de más de 1 dólar, más del
doble del precio habitual de un estreno, y la MGM estableció unos derechos del 70 % de los ingresos de
taquilla, algo sin precedentes, ya que lo habitual por entonces era un 30-35 %. Tras la saturación de este
tipo de exhibición en cines, la MGM revisó los términos, reduciendo los derechos a un 50 % y redujo a la
mitad los precios de las entradas, antes de que finalmente en 1941 empezara a distribuirse a precios
«populares».36 Entre costes de distribución y publicidad, el presupuesto de gastos total de la película
alcanzó los siete millones de dólares.33 37
En Uruguay se estrenó el 25 de septiembre de 1940, en Argentina al día siguiente, en Perú el 10 de

octubre del mismo año y en México el 22 de enero de 1941.38 Sin embargo, a causa de la censura, en
España fue prohibida y no se estrenó hasta el 17 de noviembre de 1950,38 solo en Madrid y Barcelona y
con una clasificación de la iglesia católica de 3R (mayores con reparo) y 4 (gravemente peligrosa),
calificación que podía suponer riesgo de excomunión para los creyentes que vieran la película,39 40
aunque en febrero de 1943 la película se había proyectado sin censura previa de forma privada en un cine
de Madrid ante algunos espectadores ilustres, entre los que se encontraba el obispo de Madrid, y en
marzo en la propia residencia del dictador Francisco Franco.41
Reestrenos
En 1942, Selznick liquidó su compañía por motivos fiscales y vendió su

parte de la película a su socio John Whitney por 500 000 dólares. A su vez,
Whitney la vendió a la MGM por 2,8 millones, con lo que el estudio se hizo
con la totalidad de los derechos de la película.37 La MGM reestrenó
inmediatamente la película en la primavera de 1942,16 y de nuevo en 1947
y 1954;10 en este reestreno de 1954 la película se proyectó por primera vez
en pantalla panorámica (cambiando con ello la relación de aspecto estándar
de 1,37:1 establecido por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas
en 1932), cortando la parte superior e inferior hasta dejarla con una
relación de aspecto de 1,75:1. Con motivo de la celebración del centenario
del comienzo de la Guerra de Secesión, en 1961, se llevó a cabo otro
reestreno, que incluyó una gran gala de «estreno» en el Loew's Grand
Theatre de Atlanta, que contó con la presencia de Selznick y muchas otras
estrellas de la película, como Vivien Leigh y Olivia de Havilland;42 Clark Cartel del reestreno de
1967.
Gable había muerto el año anterior.43 Para su reestreno de 1967 se pasó al
formato 70 mm,10 y se imprimieron nuevos carteles con Gable, con una
camisa blanca abierta, sosteniendo a Leigh con un fondo de llamas naranja.42 En 1971, 1974 y 1989
hubo nuevos reestrenos; en el de 1989 se celebraba el cincuentenario de su estreno inicial y se realizó
una restauración completa de audio y vídeo. En 1998 se lanzó una vez más en los cines de Estados
Unidos.44 45 En 2013 se estrenó una reedición digital con resolución 4K en el Reino Unido para celebrar
el centenario del nacimiento de Vivien Leigh.46 En 2014 se realizaron proyecciones especiales durante
dos días en cines de Estados Unidos para celebrar el 75 aniversario de la película.47
Televisión y formato doméstico
La película se estrenó por primera vez en televisión en la cadena por cable HBO el 11 de junio de 1976,
emitiéndose en esta cadena catorce veces durante el resto del mes. Hizo su debut en abierto en
noviembre de ese mismo año: la NBC pagó cinco millones de dólares por una única emisión, realizada en
dos partes en noches sucesivas. Con una audiencia del 47,5 % de los hogares de Estados Unidos y el 65 %
de los espectadores, se convirtió en ese momento en el programa de televisión de mayor audiencia jamás
emitido en una sola cadena. En 1978 la CBS firmó un acuerdo por valor de 35 millones de dólares para
transmitir la película veinte veces durante varios años.16 45 la Turner Entertainment le compró la
película a la MGM en 1986, pero el acuerdo no incluyó los derechos televisivos, que aún estaban en
manos de la CBS. Posteriormente se llegó a un acuerdo por el que los derechos fueron devueltos a la
Turner junto los de El mago de Oz, también propiedad de la CBS;16 este acuerdo se utilizó para lanzar
dos canales por cable propiedad de Turner Broadcasting System: Turner Network Television (TNT)
(1988) y Turner Classic Movies (TCM) (1994).48 49 Apareció por primera vez en videocinta en marzo de
1985, situándose segunda en las listas de ventas,16 y posteriormente fue lanzada en formato DVD y Blu-
ray.42
Recepción
Respuesta de la crítica
Tras su estreno, la película cosechó buenas críticas por parte de la mayoría de las revistas de consumo y
prensa en general.10 Sin embargo, aunque la producción, logros técnicos y lo ambicioso del proyecto
fueron universalmente reconocidos, algunos críticos de la época consideraron que la película tenía una
duración demasiado extensa y era poco convincente desde el punto de vista dramático. Frank S. Nugent
resumió en el The New York Times el sentimiento general al reconocer que si bien fue la producción
cinematográfica más ambiciosa hasta aquel momento, probablemente no fue la mejor película jamás
realizada, pero consideraba que era una «historia interesante bellamente contada».50 Franz Hoellering
opinaba lo mismo en las páginas del The Nation: «El resultado es una película que supone un
acontecimiento importante en la historia de la industria del cine, pero solo un logro menor en el arte
cinematográfico. Hay momentos en que las dos categorías se unen con buenos resultados, pero los
grandes tramos entre ellos se rellenan con una mera eficacia espectacular».51
Si bien la película fue elogiada por su fidelidad a la

«El resultado es una película que supone un novela,50 también se considera que este hecho fue el
acontecimiento importante en la historia de la
principal causante de su excesiva duración.52 John C.
industria del cine, pero solo un logro menor en
el arte cinematográfico.» Flinn opinaba en Variety que: «En su deseo al parecer
de no dejar nada fuera, Selznick ha dejado demasiado»
—Franz Hoellering, crítico de The Nation
y que, como entretenimiento, la película habría
mejorado si se hubieran recortado algunas escenas y
diálogos redundantes de la última parte de la historia.52 The Manchester Guardian consideró que el
mayor inconveniente de la película era que la historia carecía de la calidad épica suficiente para justificar
el dispendio del tiempo y encontró la segunda parte, que se centra en los «matrimonios irrelevantes» de
Scarlett y las «disputas domésticas», mayoritariamente superfluas, cuyo única razón para su inclusión
había sido «simplemente porque Margaret Mitchell lo escribió así». The Guardian creía que si «la
historia se hubiera acortado y arreglado en el punto señalado para el intermedio, y si el drama personal
se hubiera puesto al servicio de un tratamiento cinematográfico del tema central —el colapso y la
devastación del Viejo Sur—, entonces Lo que el viento se llevó podría haber sido una película realmente
grande.»53 Del mismo modo, en The Nation, Hoellering también consideró que la segunda mitad de la
película era más floja que la primera: la identificación de la Guerra Civil como fuerza impulsora de la
primera parte mientras los personajes dominan en la segunda, llegando a la conclusión de que ahí es
donde se encuentra el principal defecto de la película, comentando que «los personajes por sí solos no
bastan». A pesar de muchas escenas excelentes, consideró que el drama no era convincente y que el
«desarrollo psicológico» se había descuidado.51
La mayor parte de los elogios fueron para el reparto, especialmente para Vivien Leigh que se destacó por
su actuación como Scarlett. Nugent la describió como el «eje central de la película» y consideró que
estaba «diseñada tan perfectamente para el personaje por su destreza y naturaleza que cualquier otra
actriz sería inconcebible para el papel».50 De manera similar, Hoellering la encontró «perfecta» en
«aspecto y movimientos»; consideró que actuaba mejor cuando se le permitía «acentuar la doble
personalidad que ella representa» y creyó que era particularmente impresionante en algunos momentos
de caracterización como la mañana después de la escena de la violación marital.51 Flinn también la
consideró adaptada físicamente al papel y creía que destacaba en las escenas donde la actriz exhibe valor
y determinación, como la huida de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui.52 Leigh ganó
con esta interpretación el galardón como mejor actriz en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de
Nueva York de 1939.54 De la actuación de Clark Gable en su papel de Rhett Butler, Flinn consideró que
la caracterización fue «tan próxima a la concepción de la señorita Mitchell —y de la audiencia— como

cabría imaginar»,52 un punto de vista con el que Nugent estuvo de acuerdo,50 aunque Hoellering opinó
que Gable no estuvo convincente en las escenas cercanas, ya que Rhett deja a Scarlett con disgusto.51
Respecto a los demás miembros principales del reparto, tanto Hoellering como Flinn encontraron a
Leslie Howard «convincente» como el débil de carácter Ashley, y Flinn consideró a Olivia de Havilland
«destacada» en su papel como Melanie;51 52 Nugent también destacó la actuación de Havilland,
describiéndola como «elegante, digna, tierna gema de caracterización».50 La interpretación de Hattie
McDaniel en el papel de Mammy fue elogiada por muchos críticos: Nugent consideró que ofreció la
mejor interpretación en la película después de Vivien Leigh,50 y Flinn la situaba en tercer lugar después
de las interpretaciones de Leigh y de Gable.52
Premios Óscar
En el XII Certamen de la Academia de las Artes y las Ciencias

Cinematográficas, la película estableció un récord de premios y
nominaciones a los Óscar, al ganar en ocho de las categorías competitivas
en las trece para las que fue nominada. Ganó los premios a la mejor
película, el mejor director, la mejor actriz, la mejor actriz de reparto, al
mejor guion adaptado, a la mejor fotografía, a la mejor dirección artística y
al mejor montaje, y recibió dos premios honoríficos adicionales por su
utilización de equipo y color, y también se convirtió en la primera película a
color en ganar el Óscar a la mejor película.55 56 Su récord de ocho victorias
en categorías competitivas se mantuvo hasta que Gigi (1958) ganó nueve, y
su récord de diez premios en total fue batido por Ben-Hur (1959), que ganó
once.57 Lo que el viento se llevó también mantuvo el récord de mayor Hattie McDaniel, el primer
número de nominaciones hasta que All About Eve (1950) obtuvo catorce.11 actor de raza negra que
ganó un Óscar.
Hattie McDaniel se convirtió en la primera afrodescendiente en ganar un
premio Óscar, superando a su compañera de reparto, Olivia de Havilland,
que también había sido nominada en la misma categoría. Al igual que durante el estreno de la película,
McDaniel sufrió las humillantes normas segregacionistas de la época durante la ceremonia de entrega de
los premios en el Coconut Grove del Hotel Ambassador de Los Ángeles, pues mientras todos los
miembros de raza blanca del reparto se sentaron juntos, ella y su acompañante fueron obligados a
sentarse en una mesa separada en la parte posterior de la sala.58
El guionista Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo de un Óscar y Selznick recibió el
Premio en memoria de Irving Thalberg por su trayectoria profesional.11 55
Premios y nominaciones a los Óscar

Premio Nominado(s) Resultado
Mejor película Selznick International Pictures Ganador
Mejor director Victor Fleming Ganador
Clark Gable
Mejor actor Nominado
El ganador fue Robert Donat por Adiós, Mr. Chips
Mejor actriz Vivien Leigh Ganador
Mejor guion
Sidney Howard Ganador
adaptado
Mejor actriz de
Hattie McDaniel Ganador
reparto
Mejor actriz de
Olivia de Havilland Nominado
reparto
Mejor fotografía
Ernest Haller y Ray Rennahan Ganador
(Color)
Mejor montaje Hal C. Kern y James E. Newcom Ganador
Mejor dirección
Lyle Wheeler Ganador
artística
Mejores efectos Jack Cosgrove, Fred Albin y Arthur Johns
Nominado
visuales Los ganadores fueron Fred Sersen y E. H. Hansen por The Rains Came
Mejor banda Max Steiner
Nominado
sonora El ganador fue Herbert Stothart por El mago de Oz
Thomas T. Moulton (Departamento de sonido del Samuel Goldwyn Studio)
Mejor sonido El ganador fue Bernard B. Brown (Departamento de sonido del Universal Studio) por Nominado
When Tomorrow Comes
William Cameron Menzies
Premio especial Por su excepcional utilización del color para la mejora del dramatismo en la producción Honorario
de Lo que el viento se llevó.
Don Musgrave y Selznick International Pictures
Logros técnicos Como pioneros en la utilización de equipos coordinados en la producción de Lo que el Honorario
viento se llevó.
Respuesta del público
Tras su estreno, la película batió récords de asistencia. Solo en el

Capitol Theatre de Nueva York, tuvo una asistencia media de 11 000
espectadores diarios a finales de diciembre,36 y en los cuatro
primeros años tras su lanzamiento había vendido unos 60 millones
de entradas en Estados Unidos, equivalente a casi la mitad de la
población del país por entonces.59 60 En el extranjero también fue
un éxito de público. A pesar de estrenarse durante el Blitz, en Una larga cola para adquirir una
entrada de la película en un cine de
Londres fue un gran éxito y se mantuvo en cartel durante cuatro
Japón en 1952.
años.61 Cuando la MGM la retiró de las carteleras a finales de 1943,
su distribución mundial había obtenido una recaudación bruta (la
parte correspondiente al estudio de la taquilla bruta) de 32 millones
de dólares, convirtiéndola en la película más rentable jamás realizada hasta aquel momento.11 16
Cuando se reestrenó en 1947, ganó 5 millones de dólares en Estados Unidos

y Canadá, y fue uno de los diez estrenos con mayor asistencia del año.37 62
Los exitosos reestrenos de 1954 y 1961 le permitieron conservar su posición
como la principal fuente de ingresos de la industria cinematográfica, a
pesar de los grandes éxitos de películas más recientes como Ben-Hur,63
aunque finalmente fue superada por The Sound of Music en 1966.64 El
reestreno de 1967 la convirtió en la reposición de mayor éxito en la historia
de la industria cinematográfica; generó una taquilla de 68 millones de
dólares, la película más lucrativa de la MGM después de Doctor Zhivago
(1965).65 La MGM ganó 41 millones de dólares con este reestreno.66 El
Cola para ver la película en nuevo lanzamiento de 1971 le permitió situarse brevemente a la cabeza de
Pensacola, Florida, durante los récords de taquilla, con un total bruto a nivel mundial de cerca de 116
su reestreno de 1947. millones de dólares a finales de 1971, más del triple de sus ganancias en su
lanzamiento inicial, antes de perder el primer puesto de nuevo al año
siguiente con el estreno de El padrino.45 67
Entre su estreno y posteriores lanzamientos, se estima que la película vendió más de 200 millones de
entradas en los Estados Unidos y Canadá,59 y 35 millones en el Reino Unido,68 el mayor número de
entradas vendidas por cualquier película en esos países.69 70 En total, Lo que el viento se llevó ha
recaudado en taquilla más de 390 millones de dólares a nivel mundial;71 en 2007 Turner Entertainment
estimó los ingresos equivalentes a aproximadamente 3.3 mil millones de dólares si se ajusta la inflación
a los precios actuales, y El libro Guinness de los récords estimaba una cifra de 3,44 mil millones de
dólares en 2014, convirtiéndola en la película de mayor éxito en taquilla de la historia del cine.72
La película sigue siendo inmensamente popular entre el público en el siglo XXI; ha sido votada la
película más popular entre los estadounidenses en dos encuestas realizadas por Harris Interactive en
2008 y 2014, respectivamente.73 74
Críticas de racismo
Los comentaristas afroamericanos criticaron la película por su representación de los personajes de raza
negra y como una glorificación de la esclavitud. Carlton Moss, un guionista, actor y director negro, se
quejaba en una carta abierta considerando que mientras que El nacimiento de una nación era un
«ataque frontal a la historia americana y al pueblo negro», Lo que el viento se llevó era un «ataque por la
espalda al mismo». Moss criticó todavía más las estereotipadas caracterizaciones de los personajes
negros, como el «perezoso y torpe Pork», la «indolente y completamente irresponsable Prissy», la
«radiante aceptación de la esclavitud» de Big Sam, o Mammy con su «constante arenga y mimos para
cada deseo de Scarlett».75 Tras la victoria de Hattie McDaniel en los Premios Óscar, Walter Francis
White, líder de la National Association for the Advancement of Colored People, la acusó de ser un Tío
Tom, a lo que McDaniel respondió que prefería «conseguir setecientos dólares a la semana
representando a una criada que siete dólares siendo una»; también cuestionó la cualificación de White
para hablar en nombre de los negros, ya que él era de piel clara y tenía solo una octava parte de negro.58
La película ha sido criticada por perpetuar los mitos de la Guerra de Secesión y los estereotipos sobre las
personas de raza negra.76 El historiador británico David Reynolds escribió que en esta película «las
mujeres blancas son elegantes, sus hombres nobles o por lo menos galantes y, en el otro extremo, los
esclavos negros son en su mayoría obedientes y felices, claramente incapaces de una existencia
independiente». Reynolds comparó la película con El nacimiento de una nación y otras representaciones
del Sur durante la era de la segregación, en la que los habitantes sureños blancos son retratados como
defensores de los valores tradicionales y la cuestión de la esclavitud ha sido ignorada en gran medida.77
La película ha sido descrita como una «regresión» que promueve el mito del violador negro y el papel
honorable y defensivo del Ku Klux Klan durante la Reconstrucción,78 y como una película de
«propaganda social» que ofrece una visión de la «supremacía blanca» del pasado.76 En su libro
American History Goes to the Movies: Hollywood and the American Experience, W. Bryan Rommel
Ruiz ha argumentado que, a pesar de las objetivamente claras inexactitudes en su descripción del
período de la Reconstrucción, sin embargo la película refleja las interpretaciones que eran habituales a
principios del siglo XX.79
Tras su estreno, la opinión entre en público de la comunidad negra estaba dividida, con unos
calificándola como un «arma del terror contra la Norteamérica negra» y un insulto al público negro, con
manifestaciones en contra llevadas a cabo en varias ciudades,58 mientras que algunos sectores
reconocieron que logros como los de McDaniel eran representativos de un progreso, y elogiaron la cálida
e ingeniosa caracterización de McDaniel, y otros esperaban que el reconocimiento de su trabajo
condujera a una mayor aparición en pantalla de otros actores negros. En su editorial de felicitación a
McDaniel por haber ganado su Premio Óscar, la revista académica Opportunity: A Journal of Negro Life
utilizó la película como un recordatorio del «límite» impuesto en la aspiración negra por viejos
prejuicios.58 75 El activista radical Malcolm X recordaba en sus memorias que al ver de niño la película
en su pueblo natal en Míchigan «era el único negro en el cine, y cuando Butterfly McQueen entró en
escena, tuve ganas de meterme bajo la alfombra».80
En 2017 la película fue retirada del programa del histórico Orpheum Theatre en Memphis (Tennessee)
después de 34 años de presentaciones anuales debido a su idealización de la esclavitud y su contenido
racialmente insensible.81 El 9 de junio de 2020 fue retirada de HBO Max debido a las protestas por la
muerte de George Floyd y en respuesta a una columna escrita por el guionista John Ridley que fue
publicada en la edición de ese día de Los Angeles Times en la que pedía al servicio de streaming que
retirara temporalmente la película de su catálogo. Un portavoz de HBO Max dijo que la película era «un
producto de su época» y que por tanto reflejaba «prejuicios étnicos y raciales» que «estaban equivocados
por entonces y que siguen estándolo hoy». Sin embargo, también indicó que la película volvería a estar
disponible en una fecha posterior, aunque incorporaría «una discusión de su contexto histórico y una
denuncia a dichas interpretaciones, pero será presentada como fue originalmente creada, porque actuar
de otra manera sería lo mismo que decir que esos prejuicios nunca existieron. Si vamos a crear un futuro
más justo, equitativo e inclusivo, debemos primero reconocer y comprender nuestra historia.»82
Evaluación posterior de la crítica
En marzo de 1973, la revista literaria y cultural The

SERIE AFI 100 años...
Atlantic publicó una serie de reseñas de conocidos
críticos cinematográficos. En ella, Arthur Schlesinger AFI's 100 años... 100 películas – #4
señaló que las películas de Hollywood por lo general AFI's 100 años... 100 pasiones – #2
envejecen bien, pero en el caso de Lo que el viento se AFI's 100 años... 100 héroes y villanos
llevó el paso tiempo no le había sentado bien.84 Por su
Rhett Butler, Héroe – Nominado
parte, el crítico cinematográfico Richard Schickel
Scarlett O'Hara, Héroe – Nominada
considera que una posible medida de la calidad de una
película es preguntarse qué se puede recordar de ella, y AFI's 100 años... 100 frases:
la película fracasa en ese aspecto: carece de imágenes y «Francamente, querida, me importa un
diálogos inolvidables.85 Asimismo, Stanley Kauffmann bledo.» – #1
también encontró que la película era una experiencia en «¡Después de todo, mañana será otro
gran medida olvidable, alegando que solo podía día!» – #31
recordar dos escenas de manera vívida.86 Tanto «A Dios pongo por testigo, que jamás
Schickel como Schlesinger la describieron como «mal volveré a pasar hambre.» – #59
escrita», con diálogos «floridos» y con una sensibilidad «Fiddle-dee-dee.» – Nominada
de «tarjeta postal».84 85 Schickel también consideró «I don't know nothin' 'bout birthin'
babies.» – Nominada
que la película fracasa como arte popular, ya que no la
considera una película que apetezca volver a ver, un AFI's 100 años de bandas sonoras – #2
sentimiento con el que Kauffmann también coincide, AFI's 100 años... 100 inspiraciones – #43
afirmando que tras verla dos veces espera «nunca volver AFI's 100 años... 100 películas (edición 10.º
a verla: dos veces es el doble de lo que necesitas en toda aniversario) – #6
una vida».85 86 Tanto Schickel como Andrew Sarris AFI's 10 Top 10 – #4 Cine épico
creen que el principal fracaso de la película radica en —American Film Institute.83
tener la sensibilidad de un productor más que la de un
artista: habiendo pasado por manos de tantos directores y escritores, la película no da la sensación de
haber sido «creada» o «dirigida», sino que emergió como «vapor de una cocina abarrotada», donde la
principal fuerza creativa era la obsesión de un productor por hacer la película tan literalmente fiel a la
novela como fuera posible.85 87 Sarris admite que, a pesar de sus carencias artísticas, la película tiene
una consideración en todo el mundo como el «espectáculo más querido jamás producido».87 Judith
Crist observa que, kitsch aparte, la película «sin duda sigue siendo la mejor y más duradera obra de
entretenimiento popular que ha salido de las líneas de montaje de Hollywood», obra de un showman
con «gusto e inteligencia».88 Schlesinger señala que la primera mitad de la película tiene un «alcance y
vigor» que aspira a su objetivo épico pero, de acuerdo con las críticas contemporáneas de la película, la
vida personal toma el relevo en la segunda mitad y termina perdiendo ese objetivo entre un
sentimentalismo poco convincente.84
La percepción de la película por parte de la crítica ha cambiado a lo largo de los años. En la prestigiosa
encuesta de críticos que publica la revista Sight and Sound cada 10 años, se clasificó en el puesto 235.º
en el año 2012,89 y en 2015 sesenta y dos críticos de cine de varios países encuestados por la BBC la
votaron como la 97.ª mejor película estadounidense.90
Reconocimiento de la industria cinematográfica
La película ha aparecido en varias encuestas destacadas de la industria cinematográfica: en 1977 fue

votada la película más popular por el American Film Institute (AFI), en una encuesta celebrada entre los
miembros de la organización;10 la AFI también clasificó la película en cuarto lugar en 1998 en su lista
100 años... 100 películas,91 y en el sexto lugar en la edición del 10.º aniversario de la lista, realizada en
2007.92 Los directores de cine la clasificaron 322.ª en la edición del año 2012 de la encuesta decenal de
Sight and Sound,89 y en 2016 fue seleccionada como el noveno mejor «éxito de director» en una
encuesta de miembros del Sindicato de Directores de Estados Unidos.93 En 2014, se situó 15.ª en una
extensa encuesta llevada a cabo por The Hollywood Reporter, que encuestó a todos los estudios,
agencias, firmas de publicidad y productoras de la región de Hollywood.94
Lo que el viento se llevó fue seleccionada para su conservación en el National Film Registry de Estados
Unidos en 1989.11
Influencia y legado
En la cultura popular
Lo que el viento se llevó y su producción han sido explícitamente

referenciadas, satirizadas, dramatizadas y analizadas en numerosas
ocasiones a través de una gran variedad de medios de comunicación,
desde obras contemporáneas como Second Fiddle, una película de
1939 que parodia «la búsqueda de Scarlett», hasta programas de
televisión actuales como Los Simpson.76 95 96
The Scarlett O'Hara War, una dramatización televisiva de 1980 del

casting de Scarlett,97 Moonlight and Magnolias, obra de 2007 de
Ron Hutchinson que dramatiza la reescritura del guion en cinco días
El primer archivista de los Estados
por Ben Hecht,98 o Went with the Wind!, un sketch en el The Carol Unidos, R. D. W. Connor
Burnett Show que parodió la película tras la repercusión de su (izquierda), recibiendo la película
primera emisión en televisión en el año 1976, están entre los por parte del senador de Georgia
ejemplos más notables de su imperecedera presencia en la cultura Walter F. George (al fondo) y el
popular.16 En el extenso documental de 1988 The Making of a Gerente de la División Este de
Legend: Gone with the Wind se detalla la historia de la difícil Loew, Carter Barron (derecha)
producción de la película.99 En 1990, el Servicio Postal de los (1941).
Estados Unidos emitió un sello que representaba a Clark Gable y
Vivien Leigh abrazándose en una escena de la película.100
Secuela
Tras la publicación de la novela, Margaret Mitchell recibió una lluvia de peticiones de una secuela, pero
afirmó no tener claro lo que le sucedió a Scarlett y Rhett, y que los había «dejado a su destino». Mitchell
resistió la presión de Selznick y la Metro-Goldwyn-Mayer para que escribiera una secuela hasta su
muerte en 1949. En 1975, su hermano, Stephens Mitchell, quien se hizo cargo del control de sus
derechos, autorizó una secuela producida conjuntamente por la MGM y Universal Studios con un
presupuesto de 12 millones de dólares. Anne Edwards fue la encargada de escribir la secuela como una
novela con la idea de adaptarla posteriormente en un guion y publicarla al mismo tiempo que el
lanzamiento de la película. Edwards presentó un manuscrito de 775 páginas titulado Tara, The
Continuation of Gone with the Wind, situado entre 1872 y 1882 y centrándose en el divorcio de Scarlett y
Rhett; la MGM no estaba satisfecha con la historia y rompió el acuerdo.16
La idea se retomó en la década de 1990, cuando finalmente se produjo una secuela en 1994, en forma de
una miniserie de televisión. Scarlett se basó en la novela del mismo título de Alexandra Ripley, una
secuela del libro de Mitchell. Los actores británicos Joanne Whalley y Timothy Dalton interpretaron los
papeles de Scarlett y Rhett. La serie comienza tras el traslado de Scarlett a Charleston para intertar
recuperar a Rhett y, al no conseguirlo viaja a Irlanda sin decirle que está embarazada de nuevo.101 102
Véase también
Las mejores películas de todos los tiempos
Notas y referencias
Notas
1. Loew's era la empresa matriz de Metro-Goldwyn-Mayer.1
2. Los créditos de apertura de la película tienen un error: George Reeves aparece como «Brent
Tarleton», pero interpreta a Stuart, mientras que Fred Crane aparece en la lista como «Stuart
Tarleton», pero interpreta a Brent.3
3. [Y]ou can say frankly that of the comparatively small amount of material in the picture which is not
from the book, most is my own personally, and the only original lines of dialog which are not my own
are a few from Sidney Howard and a few from Ben Hecht and a couple more from John Van Druten.
Offhand I doubt that there are ten original words of [Oliver] Garrett's in the whole script. As to
construction, this is about eighty per cent my own, and the rest divided between Jo Swerling and
Sidney Howard, with Hecht having contributed materially to the construction of one sequence.
4. Antigua organización de guionistas de Hollywood establecida como sindicato en 1933.
5. Selznick ya no estaba satisfecho con Cukor («un lujo muy caro») por no mostrarse más receptivo a
dirigir otros encargos de Selznick, a pesar de que Cukor había estado en nómina desde principios de
1937. En una nota confidencial escrita en septiembre de 1938, Selznick ya se planteaba la
posibilidad de remplazarlo con Victor Fleming.17 Louis B. Mayer había estado intentando que Cukor
fuera reemplazado por un director de la MGM desde que se iniciaron las negociaciones entre los dos
estudios en mayo de 1938. En diciembre de 1938, Selznick escribió a su esposa acerca de una
llamada telefónica que tuvo con Mayer: «Durante la conversación, tu padre lanzó otra pulla para
sacar a George de Lo que el viento se llevó». 19
6. Time también decía que Los ángeles del infierno (Hell's Angels, 1930), dirigida por Howard Hughes,
había costado más, pero posteriormente se comprobó que no era cierto. Se demostró que las
cuentas de Los ángeles del infierno indicaban un coste de 2,8 millones de dólares, pero Hughes la
publicitó diciendo que había costado 4 millones de dólares, vendiéndola así a los medios de
comunicación como la película más cara que se había rodado hasta aquel momento.26
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Enlaces externos
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Lo que el viento se llevó (http://www.filmaffinity.com/es/film470268.html) en FilmAffinity.
Lo que el viento se llevó (http://www.metacritic.com/movie/gone-with-the-wind) en Metacritic (en
inglés).
Presentación de la película (https://www.youtube.com/watch?v=H0OiJT1VIi8) en el programa de
Popular TV de Murcia El cine de Sesé.
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Lo Que El Viento Se Llevó

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16/4/2021 Lo que el viento se llevó (película) - Wikipedia, la enciclopedia libre

Lo que el viento se llevó (película)

Situada en el sur de Estados Unidos con el telón de

La producción fue difícil desde el principio. El rodaje se

estableciendo récords por el número total de galardones James E. Newcom

Scarlett queda viuda cuando Charles muere de un episodio de pulmonía y

Plantación Tara Clark Gable como Rhett Butler

Wilkes. Mary Anderson como Maybelle

El casting para los dos papeles protagonistas se convirtió en una compleja

Swerling y Sidney Howard, con la contribución material de Hecht en la

Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams: «Al amanecer del

La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y terminó el 1

influencia para que le despidieran.21 Vivien Leigh y Olivia de

El estreno de la película en el Loew's Grand Theatre de Atlanta el 15

En Uruguay se estrenó el 25 de septiembre de 1940, en Argentina al día siguiente, en Perú el 10 de

En 1942, Selznick liquidó su compañía por motivos fiscales y vendió su

Televisión y formato doméstico

Si bien la película fue elogiada por su fidelidad a la

la caracterización fue «tan próxima a la concepción de la señorita Mitchell —y de la audiencia— como

En el XII Certamen de la Academia de las Artes y las Ciencias

Premios y nominaciones a los Óscar

Respuesta del público

Tras su estreno, la película batió récords de asistencia. Solo en el

Cuando se reestrenó en 1947, ganó 5 millones de dólares en Estados Unidos

Evaluación posterior de la crítica

En marzo de 1973, la revista literaria y cultural The

Reconocimiento de la industria cinematográfica

La película ha aparecido en varias encuestas destacadas de la industria cinematográfica: en 1977 fue

Lo que el viento se llevó y su producción han sido explícitamente

The Scarlett O'Hara War, una dramatización televisiva de 1980 del

1. Loew's era la empresa matriz de Metro-Goldwyn-Mayer.1

6. «Producing Gone With the Wind» (https://web.a

nick-tnt). Chicago Tribune. Consultado el 29 de icle/us-oscars-factbox-idUSBRE91L0KM20130

money-drawing movie, with a take of $116 Not_Forgotten__Gone_with_the_Wind_is_Still_

with-the-wind-1202955106/). Deadline 94. «Hollywood's 100 Favorite Films» (http://www.h

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