Wuolah Free Julia Bolivar Fotografia 1 y 2

YuliSamov
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96
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Julia Bolivar - Fotografía 1º
1º Fotografía
Grado en Bellas Artes
Facultad de Bellas Artes

Universidad de Castilla-La Mancha
Reservados todos los derechos. No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su
totalidad.
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Índice
1. Formación de la imagen .................................................................................................. 2
2. La cámara......................................................................................................................... 4
3. La imagen digital ............................................................................................................. 7
4. Iluminación, luz y medición de la luz ............................................................................ 9
* 4.b. Composición – abstracción ..................................................................................10
5. Luz y color ...................................................................................................................... 11
6. Material sensible ............................................................................................................ 13
7. Naturaleza Muerta / Still Life ........................................................................................ 15
Reservados todos los derechos. No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
8. Iluminación con flash. ................................................................................................... 17
9. El retrato. ....................................................................................................................... 20
10. Movimiento. .................................................................................................................. 21
11. Reportaje/realidad. ....................................................................................................... 23
12. Fotografía como ficción. .............................................................................................. 24
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1. Formación de la imagen
Algunos antecedentes de la fotografía vistos en clase:
− Alhacén fue un científico que comprobaba el comportamiento de la luz. Por

aquel entonces se sabía que los eclipses se veían proyectados pero no sabían el
porqué.
− Se empieza a usar la cámara oscura, uno de los dispositivos ancestrales que

condujeron al desarrollo de la fotografía. En este dibujo se puede ver su
mecanismo:
− En la revolución científica (Galileo) se comprueba la teoría heliocéntrica frente
a la geocéntrica.
− En el siglo XV-XVI se investiga el ojo y se compara con la cámara oscura.
− También en el renacimiento se crean aparatos para dibujar con perspectiva.
− Otros avances: lentes de aumento, control de la cantidad de luz (diafragma),

espejo para reinvertir la imagen, microscopio solar…
Todos estos avances inspiraron a Kircher a fantasear sobre lo que se podía llegar a
hacer con ellos. Realizó ilustraciones como esta:

− En el S.VII aparece la primera cámara oscura portátil.
− Vermeer usaba la cámara oscura para tomar referencias para sus pinturas.
− Se comenzaron a hacer “retratos de silueta”, lo que suponía una alternativa más

económica a un retrato convencional.
− En el S.XIX aparece la cámara lúcida (prisma que proyecta la imagen que hay
enfrente y a la vez la propia mano para reproducir la imagen).
− En 1826 Niépce crea la heliografía, una cámara oscura con una placa de metal
con betún de judea, que con la luz se enfurece y en la oscuridad es soluble con
disolvente, lo que permitía reproducir las imágenes. Obtenía positivos
directamente.
− Niépce se asoció con Daguerre para mejorar la heliografía. Tras la muerte del
primero Daguerre patentó su proyecto bajo el nombre de daguerrotipo. Los
daguerrotipos necesitaban un tiempo de exposición muy largo por lo que
captaba solo paisajes u objetos muy estáticos. Una vez perfeccionados los
tiempos de exposición se pusieron muy de moda los retratos realizados con
este método.
− Talbot investigó con material sensible para reproducir plantas (dibujo

fotogénico). Anna Atkins también uso estos métodos (cianotipias).
− Los daguerrotipos eran un objeto único frente al método de Talbot que

permitía realizar copias.
− Talbot realizó el primer libro ilustrado con fotografías.
− En el 1888 aparece la cámara Kodak, la primera cámara fácil de usar enfocada al

público general.
En clase pudimos ver cámaras de diferentes etapas o incluso daguerrotipos, además de

hacer un curso para el acceso a los laboratorios:

2. La cámara
Durante este curso vamos a hacer uso de cámaras réflex. Este tipo de cámaras se
distinguen de las demás por tener un espejo (de ahí el nombre, proveniente del inglés
reflex que significa reflejo); esto permite ver directamente la imagen que vamos a
fotografiar a través de un visor óptico sin ninguna clase de error de paralaje.
La luz entra en la cámara a través del objetivo, es reflejada en el espejo, y a través del
mismo la imagen llega hasta el visor.
En la siguiente imagen se detallan todas las partes de este tipo de cámaras:

Explicación detallada de alguna de las partes y conceptos asociados a ellas:
− Diafragma: Representado por la letra “f”. Con él podemos conseguir que en

todas las cámaras entre la misma cantidad de luz, cuanto mayor sea el número
que acompaña la letra, menos luz entra. El máximo (de luz) de mi cámara es
4F.
− Profundidad de campo: la cantidad de plano que está enfocada. Cuando solo

enfocamos a un punto y lo demás está borroso tenemos muy poca profundidad
de campo. Hay que tener en cuenta que en la profundidad de campo influyen el
diafragma, la distancia al sujeto y distancia focal:
 distancia al sujeto - si está cerca hay menos profundidad de campo
independientemente del diafragma.
 distancia focal - relacionado con el objetivo, un gran angular tiene mucha

profundidad de campo, frente a un teleobjetivo que no tiene casi.
− Enfoque: en el enfoque aparecen números que indican los metros hasta el

objeto a enfocar. (Solo en analógicas)
− Obturador: nos permite controlar el tiempo de exposición. Hay dos tipos: de

laminillas (todo está dentro del objetivo) y plano focal (está justo donde está la
película, es el caso de las réflex). Mi máximo de exposición es 4000.
A más tiempo de exposición entra más luz (movimiento borroso) – A menos

tiempo de exposición entra menos luz (movimiento nítido)
A partir de 1/60 no merece la pena hacerlo sin trípode, sale borroso.
− Sensibilidad: La sensibilidad se mide con el ISO (o ASA). Mi ISO va de 100 a

1600. El número más bajo indica menos sensibilidad y viceversa. Aunque con
menos sensibilidad necesitamos más luz obtenemos mayor definición. Con
mayor sensibilidad se produce un efecto de grano en película o de ruido en
digital.
− Medición de la luz: Medimos la luz mediante un fotómetro, o bien la luz

incidente (foco de luz) o bien la luz reflejada (objeto que queremos fotografiar).
− Ley de reciprocidad: Hemos de tener en cuenta que si ponemos un f 4 veces

mayor de lo recomendado debemos bajar 4 medidas por debajo la velocidad del
obturador y viceversa. Hay una relación proporcional siempre.
− Modos de exposición: En la cámara tenemos diferentes modos que nos

permiten preestablecer todos, algunos o ninguno de los valores anteriores:

Todos los valores se configuran

automáticamente
Estos modos permiten dejar

una de las configuraciones fija
y variar solo las demás.
Todos los valores se configuran

de manera manual
Todos estos factores se ven reflejados en la pantalla de la cámara de esta manera:
Apertura del
diafragma Sensibilidad del
Velocidad del sensor
obturador
Balance de Fotómetro
blancos
Modo de medición Selección de punto AF

3. La imagen digital
En digital las imágenes se componen de la manera más primaria, en 0 y 1 (binario).
Conceptos asociados a la imagen digital:
 Modos de color: RGB y CMYK.
− El modo RGB, o método aditivo, obtiene su nombre de los colores que lo
componen (Red, Green, Blue). El método aditivo es característico del color luz,
y se caracteriza por el aumento en la luminosidad de los colores a medida que
otros colores son añadidos. Los colores primarios de este método son el rojo, el
verde y el azul, y la mezcla de los tres da como resultado el blanco. Este
método de color está presente en aparatos de proyección y programas de
edición digital, aunque estos últimos también permiten trabajar en modo
CMYK.
− El modo CMYK, o método sustractivo, obtiene su nombre de los colores

también (Cyan, Magenta, Yellow, Key/Black). El método sustractivo es
característico del color pigmento, y al contrario que el método sustractivo, se
caracteriza por la pérdida de luminosidad a medida que se agregan más
colores. Los colores primarios de este método son el azul cyan, el magenta y el
amarillo (el negro es exclusivo de los cartuchos de impresora, de ahí la
designación CMYK), y la mezcla de los tres da como resultado el negro. Este
método está presente en métodos de pintura tradicional como el óleo o el
acrílico.
 Además las imágenes pueden ser vectoriales o de mapa de bits (píxeles). La

imágenes vectoriales están compuestas por formas geométricas de colores planos o
incluso en algunos casos degradados. Pueden ampliarse sin perder calidad siempre
y cuando permanezcan en el formato del programa de edición. Por una parte las
imágenes de mapas de bits están compuestas por píxeles, pequeños cuadros de
color. Cuantos más píxeles tenga la imagen mayor nitidez tendrá. Este tipo de
imágenes pierde calidad al ser ampliada.
 En fotografía digital podemos encontrar diferentes sensores y formatos:

 Píxeles y resolución:
− Una buena fotografía debe tener 300 píxeles por pulgada.
− Mi cámara tiene 3888x2592 = 10,077,696 (10 megapixels)
 Profundidad de color o profundidad de bits:

− BITS: según cuántos bits tenga la imagen más información puede albergar ->
1 bit = 2 tonos
2 bits = 4 tonos
3 bits = 8 tonos
4 bits = 16 tonos
8 bits = 256 tonos
16 bits = 65.536 tonos
24 bits = 16,7 millones de tonos
Esto sería en blanco y negro, pero en color se divide en canales. Por ejemplo
podríamos tener una cámara capaz de obtener imágenes de 8 bits por canal,
siendo una imagen de 24 bits.
 Balance de blancos: El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de

la cámara que sirve para equilibrar los niveles de los colores básicos rojo, verde y
azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como
color blanco, y la menos brillante como negro. Si realizamos el balance de blancos
correctamente, esos blanco y negro serán puros, no tendrán ninguna dominante de
color.
 Formato de archivos: jpg, raw, png…

− Raw es la imagen en bruto, como un negativo. Tiene toda la información.
− En jpg la imagen ya está procesada.
Captura Procesado Compresión
RAW TIFF JPG
4. Iluminación, luz y medición de la luz

CARACTERÍSTICAS DE LA LUZ
 Transmisión: La transmisión ocurre cuando la luz atraviesa una superficie u

objeto.
 Refracción: La refracción es el cambio de dirección y velocidad que experimenta
una onda (en este caso la luz) al pasar de un medio a otro con distinto índice
refractivo.
 Reflexión: La reflexión es cuando la luz llega a un objeto y rebota o refleja, en
parte o en su totalidad, desde ese objeto. La luz puede ser reflejada de manera
especular (directa) o difusa.
 Absorción: Cuando la luz llega a una superficie u objeto, éste puede absorber toda
o parte de esa luz. Un objeto negro absorbe toda la luz. Si el objeto fuera rojo, por
ejemplo, absorbería el verde y el azul.
TIPOS Y FUENTES DE LUZ
 Continua: puede ser natural o artificial (que se mantiene encendida durante largos
periodos).
 Luz de Flash: solo aparece durante el momento del disparo.
ILUMINACIÓN
 Intensidad: Cantidad de luz emitida. Se mide en lumen.
 Calidad de la luz: capacidad de definir las sombras y contrastes de una fotografía.

Puede ser:

− Luz dura: provoca altos contrastes y sombras bien definidas aportando mayor
dramatismo a la escena. Ésta se consigue con una fuente de luz más directa y es
ideal para resaltar texturas.
− Luz difusa: consiste en sombras mucho más difuminadas. Se logra con

difusores y reflectores que dispersen la luz.
 Dirección de la luz: Frontal, lateral, cenital... Según desde dónde venga.

 Contraste: Es la diferencia entre luces y sombras, a mayor diferencia mayor
contraste.
Con todos estos factores podemos hacer que el objeto fotografiado se vea con mayor o
menor volumen y textura o resaltar sus sombras.
MEDICIÓN DE LA LUZ
 Fotómetro: Instrumento para medir la intensidad de una luz.

 Fotómetros de luz incidente/luz reflejada: El fotómetro puede medir la luz
reflejada, es decir, la luz que se refleja en el objeto o directamente la luz incidente:
mide directamente la luz desde el foco de luz.
EXPOSICIÓN
 Relación sensibilidad / diafragma / velocidad (ley de reciprocidad): Esta dice

que a un ISO determinado hay una relación directa entre abertura de diafragma y
velocidad de obturación.
 Iluminación de clave alta o tonos altos: fotografías extremadamente blancas.
 Iluminación de clave baja o tonos bajos: fotografías extremadamente negras.
 Sobrexposición: Este efecto se produce cuando hay demasiado luz en una
fotografía.
 Subexposición: Este efecto se produce cuando hay muy poca luz en una
fotografía.
* 4.B. COMPOSICIÓN – ABSTRACCIÓN

Vimos varios artistas que nos podían ser de inspiración para nuestro trabajo de
fotografía analógica:
Fotografía directa E.E.U.U. Photo-Secession

Alfred Stieglitz (1864-1946) Alfred Stieglitz (1864-1946)
Paul Strand (1890-1976) Edward Steichen (1879-1973)
Edward Weston (1886-1958 Alvin Langdon Coburn (1882-1966)
Grupo F/64 (California 1963)

OTROS
Ansel Adams (1902-1984)
Harry Callahan (1912-1999)
Minor White (1908-1976)
André Kertész (1894-1985)
Edward Weston (1886-1958)

Nueva visión/ Bauhaus (Alemania,

Grupo F/64 (California 1963)
1920’s.)
Ansel Adams (1902-1984)
Laszló Moholy-Nagy (1895-1946)
Minor White (1908-1976)
Walter Peterhans (1897-1960)
Edward Weston (1886-1958)
Andreas Feininger (1906-1999)
Fotografía subjetiva (Alemania, 1950’s.)

Nueva objetividad (Alemania, 1910)
Toni Schneiders (1920-2006)
Albert Renger-Patzsch (1897-1966)
Peter Keetman (1916-2005)
Karl Blossfeldt (1865-1932)
Otto Steinert (1915-1978)
Josef Sudek (1896-1976)
Aaron Siskind (1903-1991)
August Sander (1876-1964)
Ludwig Windstoßer (1921-1983)
Aleksandr Ródchenko (1891-1956)
Adolf Lazi (1884-1955)
5. Luz y color
 Naturaleza de la luz: La luz es energía, una radiación electromagnética.
Esta radiación electromagnética es visible, aunque ojo solo es sensible a una
estrecha franja del espectro de las radiaciones electromagnéticas.
La luz se propaga en línea recta y en todas direcciones (velocidad de propagación
de la luz en el vacío: 300.000 Km./seg).
 Características de las radiaciones:
− Radiación: energía que se transmite a gran velocidad a través del espacio sin
necesidad de soporte material. Las radiaciones se propagan en línea recta por
medio de ondas perpendiculares a la dirección del desplazamiento y en todas
direcciones a partir de una fuente energética (sol, lámpara, etc).
− Frecuencia: es el número de ciclos que efectúa durante un segundo.
− Periodo: es el tiempo que tarda una radiación en recorrer un ciclo.
− Longitud de onda: es la distancia entre dos crestas del ciclo. (el camino
recorrido durante un periodo).
 Espectro visible: Colores que podemos ver
 Descomposición de la luz blanca: En el S. XVII Isaac Newton demostró que

todos los colores se hallan presentes en la luz blanca. Un rayo de luz blanca) al
atravesar un prisma se descompone en siete colores y por medio de un segundo
prisma se pueden reunir de nuevo los rayos de color para reconstruir la luz blanca.
 Visión y color: Nuestros ojos funcionan con bastoncillos y conos. Los bastoncillos
son sensibles a la luz y los conos al color: al verde, al azul y al rojo. Los
daltónicos suelen confundir el verde y el rojo debido a que sus conos no funcionan
correctamente.

 Fotografía en color:
− Método aditivo. James Clerk Maxwell (1861):La primera fotografía en color

fue realizada en por James Clerk Maxwell: realizó un experimento para probar
que cada color puede ser recreado con la mezcla de rayos de luz rojos, verdes y
azules. Realizó tres fotografías a través de tres filtros rojo, verde y azul, luego
proyectó las 3 transparencias (en positivo) sobre una pantalla, frente a cada
proyector un filtro coloreado: rojo/azul/verde. Cada transparencia había sido
realizada a partir de un negativo que hizo a través de idénticos filtros
rojo/azul/verde, cada una de ellas era un registro de los rayos rojos, azules y
verdes. El resultado fue una fotografía en color.
− Método Sustractivo. Luis Ducos (1872): A partir de negativos realizados con

filtros rojos, azules y verdes, se realizan positivos coloreados con los respectivos
colores complementarios (cían, amarillo, magenta) al superponerse en su
registro y si se las mira al trasluz reproducirán todos los colores de la escena
que tomó la cámara.
− Proceso al carbro: copias de B/N sobre cada uno de los tres negativos
separados, tras el revelado la emulsión de gelatina se separa de cada copia con
sus colores cían, magenta y amarillo y se superponen a un nuevo soporte de
papel.
− Hermanos Lumiere, autocromos (1907): Auguste y Louis Lumière crearon

los autocromos utilizando el principio anterior y lo comercializaron. La placa
fotográfica se recubría con granos minúsculos de almidón teñido. 1/3 naranja,
1/3 verde y 1/3 violeta. La placa luego se recubría con la emulsión sensible de
B/N, (la exposición se hacía por el reverso de la placa), después del revelado, el
negativo se utilizaba para hacer un positivo y resultaba una transparencia con
los colores originales.
− Kodacrome: El mayor avance en la historia de la fotografía en color se produjo

desde 1937 con la película Kodacrome recubierta por tres capas de emulsión,
podía ser utilizada por cualquier cámara y requería una sola exposición para
cada foto.
El proceso se basa en la invención del proceso de copulantes de color: La

emulsión superior en la película Kodacrome solo es sensible al azul, debajo hay
una capa de colorante amarillo que absorbe los rayos azules pero permite que
los rojos y verdes penetren a las dos emulsiones que están bajo ella una de las
cuales solo es sensible a los rayos verdes y otra solo a los rojos. Con una sola
exposición se obtiene un registro de los tres colores primarios de la escena.
La película es revelada como negativo de B/N, en el segundo baño se forman

colorantes de los colores complementarios, amarillo, cían y magenta, en las
zonas expuestas (transparentes) y luego por un proceso de blanqueado se
elimina la plata invirtiéndose la imagen a positivo.
− Proceso de la fotografía en color Positivo/Negativo: El laboratorio de color

requiere tres cubetas: una para el revelador, otra para el blanqueador de color y
otra para el humectante de papel color, también llamado conservante,
producto a base de formol destinado a conservar los colores.
 Características del color:

− Tono: Nombre del color (naranja, rojo, azul…).
− Saturación: La intensidad o pureza de una tonalidad, el grado en que un color

se separa del gris neutro para aproximarse a un color puro del espectro.
− Luminosidad: Es la cantidad de luz que capta un color. Un valor máximo de
luminosidad da como resultado el blanco, mientras que un valor mínimo da
como resultado el negro.
− Temperatura de color: La temperatura de color corresponde a la temperatura

a la que un supuesto cuerpo negro emitiría tal color a medida que la
temperatura aumenta, el color pasa del rojo al naranja, al amarillo y al azul. Se
mide en grados Kelvin.
− Temperatura de color de las diferentes fuentes de luz: Hay dos tipos de

películas en color; las equilibradas para luz diurna o flash. 5500ºK o las
equilibradas para luz incandescente o de tungsteno 3200ºK.
− Película de luz día / luz de tungsteno: Las películas para luz diurna
utilizadas con luz de tungsteno necesitan de un filtro azul para compensar el
tono anaranjado, la película para luz de tungsteno utilizada para luz de día de
flash deben ser compensadas con un filtro naranja.
− Corrección y/o ajustes de la temperatura de color en fotografía digital:
6. Material sensible
Durante este tema hemos trabajado con negativos y papel fotográfico. Uno de los
trabajos realizados ha sido el de la realización de fotogramas (revelar papel fotográfico
colocando objetos entre la luz y el papel, haciendo que las siluetas queden
manifestadas). Este método de los fotogramas, cuyo predecesor fue el calotipo de
Talbot, se popularizó durante las vanguardias y aún lo usan artistas actuales como:
Joan Fontcuberta, Floris Neusüss, Michael Mendez, Kunie Sugiura y Abelardo Morell.
En el laboratorio hemos realizado además estos procesos:

 Tira de pruebas: Exponemos a la luz cada trozo de la tira durante un tiempo

diferente, para saber cuantos segundos necesitamos.
 Revelado:
− Sumergimos el papel fotográfico en revelador durante un minuto y medio/dos

minutos.
− Hacemos un paro de medio minuto en ácido acético.
− Acabamos sumergiendo la fotografía en fijador durante dos minutos.
* Vocabulario asociado a la fotografía analógica:
− Ortocromático: Solo sensible a algunos colores.
− Pancromático: Sensible a la luz de cualquier color.
− Papeles multigrado y filtros: Nos permiten regular el contraste.

7. Naturaleza Muerta / Still Life

La fotografía de naturaleza muerta es aquella que se utiliza para la representación de
un tema inanimado, típicamente un pequeño grupo de objetos (bodegón).
Práctica de clase que realicé con Andrés
García Romero
Este género le da al fotografo más libertad para colocar los elementos en una
composición concreta, con respecto a otros géneros de fotografía, como un paisaje o un
retrato. La iluminación y el encuadre son aspectos muy importantes de la fotografía de
naturaleza muerta. Por eso aquí vimos una ampliación del tema 4, con nuevos conceptos
asociados a la medición de luz, exposición y accesorios para modular la misma:
MEDICIÓN DE LA LUZ
 Fotómetro de mano: dispositivo externo que tiene la función específica de

registrar el nivel de luz que hay en una determinada escena y, en base a este valor,
indicar los ajustes de apertura, tiempo de exposición y sensibilidad apropiados para
una correcta exposición.
 Fotómetros de cámara: Se trata del elemento que forma parte de nuestras cámaras
y en el que éstas se basan para que cuando usamos un modo automático o
semiautomático, la cámara pueda determinar los valores adecuados para garantizar
una exposición correcta.
 Gris medio: Debemos saber que los fotómetros interpretan que los objetos de la
escena reflejan un “gris medio” o gris 18%. Por ello, si hacemos una fotografía en un
entorno en el que predomine el blanco (por ejemplo escenas con nieve) o por el
contrario lo hacemos en una escena en la que predomine el negro, tenemos que
saber que los valores de luz reflejada pueden llevar a una exposición incorrecta en la
fotografía.
EXPOSICIÓN
 Medición a la luz / Medición a la sombra: Si medimos la parte iluminada de un

objeto o la parte de sombra, conseguiremos diferentes resultados, destacando partes
concretas de elemento en la fotografía.
ACCESORIOS PARA MODULAR LA LUZ

 Reflectores: objeto que sirve para reflejar la luz y rellenar sombras. Sirve para lograr
equilibrio entre luz y oscuridad y funcionar como una segunda luz cuando no la hay.
 Difusores: objeto que permite difuminar la luz, o lo que es lo mismo, suavizarla.
Con ellos conseguimos sombras menos marcadas.
 Filtros (para la fuente de iluminación):
− Difusores: Filtros que permiten suavizar la luz directamente desde la fuente de
iluminación.
− Corrección de color: Nos permiten obtener una luz más o menos blanca,
corrigiendo la iluminación.
− Color: Filtros de tonalidades concretas (azul, morado, rosa, etc.), nos permiten
colorear la escena.
− Neutros: son filtros grises utilizados para controlar la cantidad de luz que pasa
a la cámara, se llaman neutrales puesto que no afectan la calidad cromática de
las imágenes filtrando todos los colores por igual.
Una vez conocidos estos conceptos, pasamos a estudiar diferentes autores, que nos
sirven de referencia para la fotografía de naturaleza muerta:
Karl Blossfeldt
Walter Peterhans
Edward Weston
Irving Penn
Chema Madoz
Hiroshi Sugimoto
8. Iluminación con flash.

El flash nos ayuda a complementar la luz
ambiente buscando conseguir ciertos
efectos o evitar la aparición de zonas
oscuras en las fotografías (flash de relleno).
O también, en otras ocasiones, actua como
fuente de iluminación principal cuando la
luz ambiente sea escasa.
Y otro aspecto muy valorable de los flashes

externos es la capacidad de sincronizarse
con otros flashes, con lo que pasamos a contar con más de una fuente puntual de luz, lo
que conlleva lograr una mayor riqueza en luces y sombras en nuestras fotografías.
POTENCIA DEL FLASH Y NÚMERO GUÍA
Una de las limitaciones del flash externo es su limitada potencia, incluso aunque sea
mayor que la del flash incorporado en nuestras cámaras. Esta limitación restringe las
distancias a las que podemos usar nuestro flash.

He aquí, por tanto, la importancia del Número Guía. Éste representa la principal forma
de medir la potencia del flash. Cuanto mayor se la potencia de un flash mayor será la
posibilidad de movimiento en un rango mayor de distancias a la hora de tomar las
fotografías.
El Número Guía (NG) es, sencillamente, una unidad que nos proporciona información
sobre la potencia de un flash. A mayor Número Guía, mayor potencia proporciona un
flash, y por lo tanto, mayor alcance. Por ejemplo, hay flashes con Número Guía 26, 36,
40...
La forma de obtenerlo es la siguiente:
NG = Distancia sensor-objeto x Apertura de Diafragma
Esto quiere decir que un flash que es capaz de iluminar correctamente un objeto situado
a 2m con una apertura de diafragma f/11, cuenta con un NG 22 (2 x 11).
CÁLCULO DE LA EXPOSICIÓN SEGÚN EL NÚMERO GUÍA Y LA DISTANCIA AL

SUJETO
Al incrementar la sensibilidad ISO del sensor, se puede ampliar la distancia a la que se

encuentra el objeto y, por consiguiente, el NG del flash, ya que para lograr una toma
correctamente expuesta se necesita menos luz.
A la anterior fórmula le falta la presencia de una referencia a la sensibilidad ISO. Esto se

debe a que es habitual hablar de NG para ISO 100. De este modo, si se habla de Número
Guía "a secas", se entiende que es el Número Guía para una sensibilidad ISO 100.
Para saber el NG con otra sensibilidad, basta aplicar una fórmula muy sencilla: Por cada
2 pasos que subes la sensibilidad ISO, has de duplicar el NG. Así, un flash que tiene NG
26 a ISO 100, tendrá NG 52 a ISO 400.
La fórmula exacta es: Por cada paso que subes la sensibilidad ISO, has de multiplicar por
"Raíz Cuadrada de 2" el NG. De este modo:
NG n/1.4 a ISO 50 => NG n a ISO 100 => NG 1.4n a ISO 200 => NG 2n a ISO 400 =>
NG 2.8n a ISO 800
A estos valores que modifican el NG base (el obtenido para ISO 100), se les denomina
Factores de Sensibilidad. De este modo, la fórmula del cálculo del NG queda del
siguiente modo:
NG (ISO 100) x Factor Sensibilidad = Distancia x Apertura
Es decir, si disparas a ISO 100, no se ve alterada la fórmula vista anteriormente, pero si

lo haces con otra ISO, deberás considerar que el Número Guía no será el mismo que para
ISO 100, sino que estará afectado por el Factor de Sensibilidad.

FLASH Y VELOCIDAD DE OBTURACIÓN
La velocidad de obturación es una de las formas de regular la cantidad de luz que entra
al sensor de nuestra cámara. Variando el control de la velocidad de obturación se puede
hacer la misma fotografía con resultados muy distintos.
Le velocidad de obturación, o tiempo de exposición, es uno de los tres pilares básicos de

la exposición fotográfica (junto con la apertura de diafragma y la sensibilidad ISO). Con
el control de este parámetro dejamos pasar más o menos luz al sensor de nuestra cámara
con una clara implicación: congelar o no el movimiento.
Cuando introducimos un flash, lo ideal es que éste se dispare en el momento en que el

sensor está completamente descubierto para que toda la escena se ilumine por igual.
La velocidad a la que se mueve esa doble cortina es lo que determina la velocidad de
obturación o el tiempo de exposición del disparo.
FLASH Y TEMPERATURA DE COLOR
La luz que emite el flash es una luz completamente blanca, cuya temperatura de color
es de 5500K, con lo que evitamos que las fotos presenten cualquier dominancia.
FLASH DE ESTUDIO
Este es el equipo más importante de todo el estudio y probablemente el que más cuidado
exigirá al decidirnos por uno u otro modelo. Los flashes de estudio se distinguen de un
flash de mano en que son mucho más potentes, versátiles y reciclan más rápido, pero
también difíciles de transportar, pesados y de mayor consumo energético.
VENTAJAS DE LA LUZ DE FLASH RESPECTO A LA LUZ CONTINUA
Es como contar con un pequeño Sol portátil al que puedes indicar en qué dirección
apuntar, con qué intensidad brillar y cuándo hacerlo.
La luz que emite el flash es una luz completamente blanca, cuya temperatura de color
es de 5500K.

El rendimiento de los flashes es muy alto, se calientan muy poco y esto hace que toda la
energía generada sea empleada en los destellos, habiendo muy pocas pérdidas.
9. El retrato.
El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas
artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las
personas que aparecen en las imágenes fotográficas.
Práctica de clase de retrato.
Vimos múltiples autores de retrato en clase, de entre los cuales me resultaron

especialmente interesantes:
- Thomas Ruff, con sus fotografías “tipo carné”.

- Roland Fischer, con sus retratos neutrales, con bustos inexpresivos.
- August Sander y su reflejo de la sociedad alemana.
- Rineke Dijkstra, que realizaba fotos a adolescentes combinando flash con luz
natural.
Thomas Ruff
Roland Fischer
August Sander
Rineke Dijkstra
10. Movimiento.
La fotografía es, por naturaleza, imagen estática, pero puede llegar a transmitir
movimiento gracias diversas técnicas como:
- Uso de velocidad de obturación baja (movimiento borroso)

- Uso de velocidad de obturación alta (movimiento congelado).

Prácticas de movimiento.
Fotógrafos referentes en movimiento:
Muybridge
E.J. Marey
Anschütz

Bragaglia
11. Reportaje/realidad.
Vimos múltiples autores que se dedicaban a esta modalidad de la fotografía:
Walker Evans (1903-1975)
Dorothea Lange (1895-1965)

Lewis Hine (1974-1940)
Robert Capa
Algunas fotografías de mi trabajo:
12. Fotografía como ficción.

Se puedes crear puestas en escena para la cámara donde se crea una realidad ficticia. El
fotógrafo se convierte en director de escena, creador de una imagen.
Representar una idea y utilizar todos los medios necesarios para conseguirlo. Lo
importante en este caso es el resultado, el contenido de la imagen, el fin es la imagen.
Todos los elementos han de estar en función de la historia, de la imagen
predeterminada. relación forma-contenido. Simbolismo, ambiente, expresión.
Un mito como historia real o ficticia puede perdurar en el tiempo y pertenece al

inconsciente colectivo.
Elementos importantes de la fotografía de ficción:
- Espacio como lugar donde se desarrolla la acción, donde se crean relaciones

entre los demás elementos, ningún objeto se percibe aislado sino dentro de un
todo ubicado en un espacio que es definido por el encuadre de la cámara y el
objetivo utilizado. La escenografía no es simple decoración. Espacio abierto o
en interior, encontrado o construido especialmente.
- Acción. ¿Qué es lo que ocurre? La fotografía es un momento congelado y
mudo. Algo ha sucedido o algo va a suceder, incita nuestra curiosidad pero no
la satisface, a veces plantea más preguntas que respuestas.
- Personajes, la persona se convierte en personaje, en modelo o actor en

función de una representación. Pueden ser actores humanos, a veces el propio
fotógrafo o muñecos.
- Objetos, funcionan como símbolos, todos los objetos han de tener significado
como elementos narrativos.
- Luz, La luz crea el ambiente o la atmósfera, da forma a los elementos

(personajes, objetos), determina el ambiente, define el espacio creando
volumen, profundidad, etc. dirige la mirada, resalta elementos.
Referentes de puesta en escena:
Julia Margaret Cameron
Cindy Sherman

Jeff Wall
Pierre et Gilles

Trabajos
BELLAS ARTES - UCLM
Julia Bolívar Expósito | 1ºB | 2018/2019

Wuolah Free Julia Bolivar Fotografia 1 y 2

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YuliSamov

Grado en Bellas Artes

Facultad de Bellas Artes

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− Alhacén fue un científico que comprobaba el comportamiento de la luz. Por

− Se empieza a usar la cámara oscura, uno de los dispositivos ancestrales que

− En el siglo XV-XVI se investiga el ojo y se compara con la cámara oscura.

− También en el renacimiento se crean aparatos para dibujar con perspectiva.

− Otros avances: lentes de aumento, control de la cantidad de luz (diafragma),

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− En el S.VII aparece la primera cámara oscura portátil.

− Se comenzaron a hacer “retratos de silueta”, lo que suponía una alternativa más

− Talbot investigó con material sensible para reproducir plantas (dibujo

− Los daguerrotipos eran un objeto único frente al método de Talbot que

− Talbot realizó el primer libro ilustrado con fotografías.

− En el 1888 aparece la cámara Kodak, la primera cámara fácil de usar enfocada al

En clase pudimos ver cámaras de diferentes etapas o incluso daguerrotipos, además de

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En la siguiente imagen se detallan todas las partes de este tipo de cámaras:

Explicación detallada de alguna de las partes y conceptos asociados a ellas:

− Diafragma: Representado por la letra “f”. Con él podemos conseguir que en

− Profundidad de campo: la cantidad de plano que está enfocada. Cuando solo

 distancia focal - relacionado con el objetivo, un gran angular tiene mucha

− Enfoque: en el enfoque aparecen números que indican los metros hasta el

− Obturador: nos permite controlar el tiempo de exposición. Hay dos tipos: de

A más tiempo de exposición entra más luz (movimiento borroso) – A menos

A partir de 1/60 no merece la pena hacerlo sin trípode, sale borroso.

− Sensibilidad: La sensibilidad se mide con el ISO (o ASA). Mi ISO va de 100 a

− Medición de la luz: Medimos la luz mediante un fotómetro, o bien la luz

− Ley de reciprocidad: Hemos de tener en cuenta que si ponemos un f 4 veces

− Modos de exposición: En la cámara tenemos diferentes modos que nos

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Todos los valores se configuran

Estos modos permiten dejar

Todos los valores se configuran

Modo de medición Selección de punto AF

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− El modo CMYK, o método sustractivo, obtiene su nombre de los colores

 Además las imágenes pueden ser vectoriales o de mapa de bits (píxeles). La

 En fotografía digital podemos encontrar diferentes sensores y formatos:

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− Mi cámara tiene 3888x2592 = 10,077,696 (10 megapixels)

 Profundidad de color o profundidad de bits:

8 bits = 256 tonos

16 bits = 65.536 tonos

24 bits = 16,7 millones de tonos

 Balance de blancos: El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de

 Formato de archivos: jpg, raw, png…

− En jpg la imagen ya está procesada.

RAW TIFF JPG

4. Iluminación, luz y medición de la luz

 Transmisión: La transmisión ocurre cuando la luz atraviesa una superficie u

TIPOS Y FUENTES DE LUZ

 Intensidad: Cantidad de luz emitida. Se mide en lumen.

 Calidad de la luz: capacidad de definir las sombras y contrastes de una fotografía.

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− Luz difusa: consiste en sombras mucho más difuminadas. Se logra con

 Dirección de la luz: Frontal, lateral, cenital... Según desde dónde venga.

 Fotómetro: Instrumento para medir la intensidad de una luz.

 Relación sensibilidad / diafragma / velocidad (ley de reciprocidad): Esta dice

* 4.B. COMPOSICIÓN – ABSTRACCIÓN

Fotografía directa E.E.U.U. Photo-Secession

Grupo F/64 (California 1963)