Trabajo Práctico

Historia del Arte

Juan Espínola
3° año
Verdadero o falso. Justificar

1 En el paleolítico abundan las representaciones humanas.

Falso
En el Neolítico aparecen algunas figuras humanas cazando, en otras palmas
de manos humanas pintadas en las piedras

2 Dalí y Mondrian se asemejaron en el tema de sus composiciones

Falso
Salvador Dalí es reconocido por sus impactantes y oníricas imágenes
Surrealista. Piet Mondrian es fundador del Neoplasticismo

3 Egipcios y Mesopotámicos elaboraron esculturas de

Material semejante pero funciones diversas
Verdadero
Los egipcios y mesopotámicos usaron piedras y maderas para
elaborar sus monumentos. Los egipcios lo usaban para arquitectura colosales
representación del faraón y sus tumbas preparadas para pasar a la otra vida en
cambio los mesopotámicos usaban para la construcciones de fuertes y murallas los
ladrillos de arcilla cocidos a fuego para la protección de las ciudades aunque no
abundaban las piedras duras en sus territorios, tuvieron que proveerse de otras
tierras en el caso de Egipto desde Nubia y Libia mientras que Mesopotamia desde
los Montes Zagros

4 Barroco y Rococó son estilo similares

Falso
El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la
elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la
oscuridad del barroco.

5 Impresionista y neo impresionistas se dirigían al mismo público pero con técnicas

diferentes
Verdadero
Los impresionistas usan en su paleta colores puros, bajo ningún concepto
admiten una mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo,
estos, matizados entre sí, y aclarados con el blanco, engendra la multiplicidad de los
colores del prisma y todas sus graduaciones. Sin embargo los neo impresionistas
constituyeron una evolución y una reacción crítica en contra del impresionismo en
el cual los neo impresionistas utilizan los puntos de colores puros organizados que
de manera al ser observados desde la distancia provocan un gran efecto de
luminosidad.
6 El bizantino plasmó al cesar papismo
Verdadero
El bizantino cristalizó el concepto, donde el emperador era el papa
para unificar al estado y la iglesia. El Estado se servía de la Iglesia para santificar
sus actos y llamar a la obediencia de su mando, bajo el engaño de la “voluntad” de
Dios, y la Iglesia se servía del Estado para obtener y aumentar sus ingresos.

7 Gótico y Románico consideraron a la escultura en forma diferente

Verdadero
El románico era considerado más austera y rígida mientras que la gótica fue
más humanizada en las expresiones faciales y en los atuendos se situaron en
Imperio Bizantino, España, Francia e Italia.

8 La escultura griega clásica es diferente a la helenística, en el cual se inspirará la

barroca
Verdadero
La escultura griega clásica enfoca la anatomía humana sin emociones el
perfeccionamiento de la representación de la anatomía y de la expresión emocional
humana empezó con el helenístico que inspira al arte barroco que se caracteriza
por el realismo, los colores ricos e intensos, fuertes luces y sombras.

9 Los cretenses manifiestan influencia egipcia

Verdadero
Las figuras humanas representadas con características del arte, los colores,
posiciones corporales y hasta los decorados se observan la similitud con los
egipcios

10 El renacimiento se vincula necesariamente con el capitalismo tanto como el

barroco con el absolutismo y la contrarreforma
Verdadero
La concepción capitalista de la economía se fue conformando a lo largo del
Renacimiento. Durante muchos siglos la idea de riqueza había ido unida a la de
posesión de tierras y, de hecho, muchos de los primeros comerciantes invirtieron
sus ganancias en la compra de terrenos. Pretendían con ello emular a los señores
feudales, que no sólo habían poseído tierras, sino que éstas habían sido, en gran
medida, la fuente de su poder político y jurídico, pero la aparición de las monarquías
autoritarias rompió el sistema estamental, al arrebatar a los señores feudales el
poder político y jurídico, que hasta entonces habían ostentado. A partir de ese
momento, la riqueza ya sólo podía ofrecer el poder económico y la mentalidad
colectiva fue cambiando poco a poco sus criterios
El Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar a la
severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó a la edificación
de templos con profusión de escultura. También dirigió a los artistas a alejarse de
los temas paganos, evitar desnudos y escenas escandalosas.
11 Los persas elaboraron un arte estrechamente ligado a la expansión imperial
Verdadero
Fue poderosamente influido por las culturas orientales, Los palacios estaban
decorados con esculturas a base de relieves, no habiendo escultura exenta. Eran
bajorrelieves excepto los toros alados que eran imitación de los babilónicos
técnicamente pero algo monótonos. Representaban las figuras de perfil y con
movimiento pausado y tranquilo. Los adornos se esculpían con gran detallismo y se
tenía gran cuidado con la proporción.

12 Románico y Gótico representaron distintos intereses

Verdadero
El Románico es recogimiento, oscuridad, solidez; en el gótico hay luz, color y
elevación a lo divino. El románico es un arte eminentemente rural, se desarrolla en
una sociedad conformada por guerreros, campesinos y monjes; una sociedad
tripartita en remembranza de la trinidad religiosa. El gótico se desarrolla
principalmente en las ciudades y está marcado por el nacimiento de una nueva
clase social, la burguesía. Hay un renacimiento del comercio y se desarrolla una
sociedad urbana que de a poco surge una evolución del pensamiento con esto se
utiliza las riquezas de estos burgueses para la construcción de imponentes
estructuras con el fin de demostrar el poder adquisitivo de esa ciudad.
Estilo Románico es la manifestación artística de la sociedad feudal y Eclesial.
Sus mismos intereses económicos y políticos: son señoríos feudales que poseen
tierras y siervos para trabajar esas tierras y construyen edificaciones similares a los
castillos

13 El arte bizantino solo se encuentra en Bizancio

Falso
el arte bizantino florece en los países eslavos, Rusia y sureste de Europa,
transmitiéndose hasta nuestros días a través del Monte Athos.

14 Los romanos construyeron su pax con ayuda del arte

Verdadero
La pax romana infundió a los artistas y sus obras una considerable libertad de
movimientos. Los retratos del emperador se difundieron desde roma hasta los más
recónditos y apartados rincones del imperio permitiendo hacer recordar la paz y
protección a todos los pueblos.

15 Fue escasa la influencia del romanticismo en nuestro país

Falso
En 1830 llegó a la Argentina un joven escritor que tardó muy poco en hacerse
conocer. Se trataba de Esteban Echeverría. el romanticismo literario tuvo una
versión social del romanticismo. Esto debe entenderse por una preocupación social
idealista, no por el sentido de bienestar social actual. Hombres de letras que se
comprometían por un ideal político, social, económico, procurando lograr un Estado-
Nación liberal.

16 Teotihuacán y Nascar cumplieron la misma función en América del Sur

Falso
Teotihuacán se encontraba en América del Norte en la actual México, La
ciudad de Teotihuacán fue uno de los centros religiosos más importantes de
Mesoamérica. Su horizonte estaba dominado por dos enormes pirámides que los
aztecas llamaban la "Pirámide del Sol" y la "Pirámide de la Luna", mientras que
Nascar era una civilización anterior a los Incas en Sudamérica. La cultura Nazca ha
sido fuertemente influenciada por la anterior cultura Paracas que se desarrolló en
ese territorio, los Paracas eran conocido por los textiles extremadamente complejos
y bellos, los Nazca en cambio produjeron una serie de hermosas cerámicas y
geoglifos (las Líneas de Nazca)

17 Berni y Portinari se asemejaron en temas y técnicas.

Verdadero
Berni incluía una galería de personajes entre los que se destacan Juanito
Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados
del país. Portinari en sus imágenes marcarían su obra en la que contaría al mundo
la realidad del trabajador del campo. La técnica que utilizaba Antonio Berni es el
ensamblado y los materiales son varios: maderas, metales, telas, etc. mientras que
Portinari rechaza lo fantástico, lo mágico, lo alegórico, lo simbólico, lo abstracto y lo
mítico le interesa captar las conveniencias sociales para ofrecer una pintura de las
reacciones de los seres humanos frente a las complejas situaciones sociales

18 El arte Romano fue tan Pragmático como el griego

Falso
No podemos ocultar que los romanos son distintos a los griegos. Los
romanos son pragmáticos (prácticos), son diferentes a los griegos, pues estos
últimos eran más espirituales y especulativos (teóricos), por eso el Arte Romano, y
especialmente la Arquitectura sigue unas técnicas y formas prácticas. Para los
romanos tiene menos importancia la belleza ideal basada en la proporción. Las
principales diferencias entre la arquitectura romana y la arquitectura griega son:
La romana es una arquitectura más ornamentada. Hay novedad de los temas
decorativos. Mayor perfección de los monumentos. Los edificios tienen un gran
utilitarismo. La arquitectura es fundamentalmente civil y militar, frente a la
arquitectura básicamente religiosa de Grecia.
Se trata de una arquitectura más dinámica frente a la griega, más estática.
El arco, la bóveda y la cúpula son más utilizados frente al dintel de Grecia.
19 El arte Griego se relaciono estrechamente con el imperialismo
Verdadero
El arte deja de ser exclusivamente funcional; incluso supera la etapa del arte
como lujo al servicio del dios o el monarca para descubrir una fruición estética. La
razón y sus leyes de funcionamiento, la lógica enunciada definitivamente por
Aristóteles al término de la expansión griega, es el elemento conductor que alcanza
el puro mecanismo intelectual, semejante en todos los hombres más allá de las
peculiaridades externas. Del material suministrado por las sensaciones y que
constituye la única experiencia objetiva, la razón, al explicar las firmes leyes de la
lógica, destaca la verdad. El arte será este principio del clasicismo: reproducir la
naturaleza tal como se ve, pero corrigiendo, mejorando según las normas del
pensamiento. Los rasgos generales del arte griego son:
- Humanismo y racionalismo.
- Finalidad estética del arte: la belleza es entendida como proporción y armonía,
resultado del uso de la razón. Siguiendo estos principios, en la arquitectura se crean
los órdenes y en la escultura el canon. El racionalismo culmina en la época clásica y
se termina perdiendo en el helenismo.

20 Los ángeles arcabuceros y los héroes nacionales fueron elaborados en diversos

estilos
Verdadero
Un ángel vestido con ropas inspiradas en las de los soldados de la época, y
armado de un arcabuz. Los Héroes nacionales también fueron elaborados en
distintos estilos

21 Los cretenses elaboraron un arte agrario

Falso
Los cretenses elaboraron diversos estilos de arte basados en la naturaleza
específicamente en la fauna. El desarrollo de la civilización cretense transcurre
paralelo a la aparición de los primeros núcleos urbanos de cierta entidad: Cnosos,
Festos, Malia… La estructura básica de los palacios se establece en este momento
(Primeros Palacios, 2000-1700 a.C.) como resultado de un sistema productivo
agrario: el palacio organiza, concentra y distribuye los productos del campo cretense
(vino, aceite, cereales, etc.) que se guardan en sus almacenes.

22 Los primeros artistas en reflejar Buenos Aires fueron extranjeros

Verdadero
Los primeros fueron un numeroso grupo de artistas extranjeros que visitaron,
residieron por algún tiempo o se establecieron en la Argentina; captando en sus
obras los tipos y costumbres de la región. Emeric Essex Vidal (1791-1861), marino
inglés, dejó acuarelas con texto que son un registro notable del pasado argentino.
Carlos Enrique Pellegrini (1800-1875) originario de Francia, llegó contratado como
ingeniero, razones políticas le impidieron llevar a cabo las obras públicas
programadas, entonces se dedicó a la pintura, realizando numerosos retratos,
escenas de costumbres y vistas de la ciudad. Adolfo D’Hastrel (1805-1875), otro
marino francés, reunió dibujos y acuarelas en el libro Colección de vistas y
costumbres del Río de la Plata (1875) entre otros.

23 Khalo y Siqueiros realizaron aportes plásticos muy diferentes

Verdadero
Khalo en su primera obra emprendió una dinámica que continuaría el resto de
su existencia: reflejar en sus cuadros los sucesos de su vida y los sentimientos que
le producían. Su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional
después de su muerte, especialmente a partir de la década de 1970.
Siqueiros, su forma de pintar es esquemática, intentaba encontrar un
dinamismo en la figura para crear movimiento. Siempre buscaba teorías para
experimentar en ellas. Una de las formas en las que Siqueiros creaba movimiento
era pintando con diversas líneas, a modo de boceto. Normalmente, estos trazos son
negros y gruesos.

24 Berni y Spilimbergo tuvieron las mismas influencias y expectativas

Verdadero
“Hasta que uno encuentra su propio camino, siempre hay influencias. Cuando se es
joven uno no tiene una actitud de resistencia; es más bien permeable por los cuatro
costados. Y aun después que un artista encontró su estilo, sigue recibiendo
influencias. Lo que pasa es que uno las asimila críticamente y sabe cómo
transformarlas en cosa propia y personal. Y no son solamente influencias artísticas,
de un pintor o de varios o de una escuela. Hay influencias intelectuales, filosóficas,
políticas, morales”. (Antonio Berni, 1976)
En la capital francesa en 1925, Spilimbergo junto a Berni, y otros intelectuales
conforma el denominado “grupo de París”. Este grupo la mayoría comparten las
influencias y por ende las expectativas. Spilimbergo por razones de salud tuvo que
residir en la Provincia de San Juan pero eso no opaco ni lo detuvo en sus progresos
como profesional.

25 Portinari y de la Cárcova retratan realidades diferentes

Falso
Sus pintura es muchas veces descarnada en la denuncia de la injusticia
social, aunque siempre resulta cálida y emotiva, de gran riqueza de colorido y con
composiciones muy atractivas de la Cárcova fundador de la Escuela Superior de
Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova que alberga en sus instalaciones el
Museo de calcos y escultura comparada que un año después de su fallecimiento
lleva su nombre con una importante carrera docente.
Portinari es famoso por sus frescos Guerra y paz, que se encuentran en la
sede de la ONU en Nueva York.
26 “Las Meninas” y “Manuelita” poseen diversas variables visuales
Verdadero
Las Meninas tanto de Picasso como la de Velázquez poseen diversas
variables visuales al igual que Manuelita Rosas del autor argentino Pueyrredón
Prilidiano
Tamaño: se puede observar que los autores respetaron las dimensiones corporales
y los detalles decorativos que los rodea.
Formas: se puede apreciar en ambas obras los rostros con sus característicos
gestos y emociones también los detalles en sus atuendos y otros elementos.
Color: las dos obras son pincelados, carece un poco de nitidez pero es distinguible
en los rostros y en sus movimientos.
Orientación: En algunas partes de estas obras se nota la pincelada mayor para
resaltar esa armonía en los rasgos y colores.
Entre otras.

27 En la sala de Goya del MNBA vimos expresiones sobre diversos soportes con
distintas finalidades
Verdadero
En el MNBA se puede observar varias expresiones, escenas de guerra de
incendio, muerte y también de las series caprichos que representa una sátira de la
sociedad española de finales del siglo XVIII, sobre todo de la nobleza y del clero. En
cada periodo de la historia del arte que representan y muestran en el MNBA son de
soporte académico e ilustrativo con lo cual tiene como finalidades demostrar a
través del arte la historia de cada periodo.

28 El “Habitus” condiciona al gusto y a las prácticas culturales, según Heinich

Falso
Una manera de explicar la sociedad actual que no satisfacía a Heinich, por su
dependencia de la filosofía, y en especial de esa filosofía de la sospecha que ha
marcado gran parte del pensamiento contemporáneo, muy en especial el francés.

29 Bourdieu coincide con Kunt en lo que respecta al juicio estético, según Heinich
Verdadero
Ambos con clara actitud relativista muy crítica y con marcado carácter
historicista por su dependencia de la filosofía, lo cual Heinich no estaba de acuerdo.
Es esta una de las firmes pretensiones de la nueva sociología de los valores:
mostrar la coexistencia en la sociedad de corrientes plurales, más acá de su
genealogía, cambio o desarrollo. Asumir de forma radical este punto nos llevaría sin
duda a una elisión de la historia del arte, e incluso de la estética, haciendo de las
manifestaciones contemporáneas, en exclusivo, un asunto o un problema
sociológico.
30 Solo las instituciones actúan como mediadoras, según Heinich
Falso
El procesamiento estadístico mostraron la distancia entre: la rutina y el
elitismo académico, que subordinan a las instituciones de la pintura(escuelas,
jurados, premios, concursos) a una pequeña cantidad de pintores de edad y
conservadores y por el otro un incremento de cantidad de pintores y las mayores
posibilidades de mercado. Este distanciamiento explica que las nuevas formas de
expresión (realismo y especialmente impresionismo) solo hayan podido emerger
rompiendo violentamente con el sistema en vigencia.

“El Grito”
Edvard Munch
1893

Movimiento artístico y literario de origen europeo surgido a principios del siglo

xx que se caracteriza por la intensidad de la expresión de los sentimientos y las
sensaciones. Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador noruego, impulsor
del estilo expresionista alemán del siglo
XX.
Sus temas principales son los
sentimientos en relación a las tragedias
humanas, como la soledad, la angustia,
la muerte y el erotismo. Sus obras
reflejan una libertad tremenda en el uso
del color y del dibujo, demostrando una
gran expresión en sus obras, logrando
sentimientos impactantes en sus
espectadores.
Su obra más conocida es “El Grito”, que
actualmente es uno de los símbolos del
miedo impresionismo pictórico se
caracteriza por el desequilibrio y la fuerza
de los colores y las formas; en literatura,
el expresionismo se desarrolló
principalmente en Alemania entre 1900 y
el principio de la década de 1920
Munch trabajó en Alemania como
también en su Noruega natal, y su estilo
de intensa carga emocional fue de gran
importancia para el nacimiento del
movimiento expresionista del siglo XX. 1

1 www.munch.museum.no/
 “Ternura”
Guayasamín Oswaldo
1989

Guayasamín es el más grande

exponente de la plástica ecuatoriana.
Nació en Quito el 6 de julio de 1919 y
murió en Baltimore, el 10 de marzo de
1999. Como pasa con la mayoría de los
genios Guayasamín mostró desde muy
temprana edad sus dotes de artista.
Antes de cumplir los ocho años ya
pintaba; hacía las caricaturas de sus
maestros y compañeros de aula. A
Guayasamín le tocó vivir momentos
políticos difíciles. En ese tiempo el
Ecuador estaba convulsionado. Su país
vivía el levantamiento cívico militar en
contra del gobierno de Arroyo del Río,
llamado “guerra de los cuatro días”.
Debido a ese levantamiento
Guayasamín perdió a su mejor amigo
Manjarrés, motivo que va a convertirse en un acontecimiento crucial en la vida de
este pintor ecuatoriano. Este artista ecuatoriano, es uno de los más representativos
del Continente Sudamericano. Todas sus obras constituyen un monumento
dedicado a la humanidad que sufre, a los desamparados, a los inocentes, en todas
ellas está presente su América Latina, sus raíces culturales, pero siempre
respondiendo a un criterio universalista del Arte. 2

2 http://elrincondemisdesvarios.blogspot.com.ar/2013/03/el-guayasamin-del-llanto-la-ira-y-la.html
 “Desnudo doloroso”
Amadeo Modigliani
1908

Nació en una familia judía en

Livorno, Italia, una ciudad puerto que servía
como refugio de aquellos perseguidos por su
religión. A los 14 años, Amadeo comenzó a
asistir a clases de pintura. La sencillez de
líneas y la pureza de los rostros en los retratos
del pintor italiano aportaron a sus creaciones
una singular inspiración que hizo de él una de
las grandes personalidades de la pintura de
principios del siglo XX.
Poco después de comenzar sus
estudios de pintura, Amadeo sufre un ataque
de fiebre tifoidea y dos años más tarde una
tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años,
Emmanuel, es condenado a seis meses de
prisión por ser militante del movimiento
anarquista. En 1902, Amadeo se inscribe en la
escuela libre del desnudo, Scuola libera di Nudo en Florencia y al año siguiente en
el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se mueve por los bajos fondos.
Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920.
Realiza numerosos retratos y los modelos sienten que su alma se muestra
completamente. Los desnudos de Modigliani muestran a mujeres que asumen su
cuerpo y su sexualidad, que, a menudo, miran sin ningún pudor al pintor. La carga
erótica que se transmite es debida a la complicidad entre modelo y artista. No son
diosas, son mujeres con mucha carne. Estos desnudos muestran una libertad que
existía en el bohemio Montparnasse, pero que no era compartida por la sociedad de
la época en ellos. Sus desnudos de esta época tienen una clara influencia
expresionista.3

3 http://aliciaporamoralarte.blogspot.com.ar/2011/04/los-desnudos-de-amedeo-modigliani.html
Variables visuales
“El Grito”

Tamaño: se pueden observar las siluetas de las personas, el agua, el puente

incluso el crepúsculo se distingue en un tamaño acorde con la realidad.
Formas: no se detalla los rostros ni las extremidades excepto el protagonista pero
lejos de la perfección.
Color: la obra es pincelado, detallando el agua, el ocaso e incluso unas
embarcaciones que se ven al fondo de la pintura aunque se contrapone los colores
fríos y cálidos.
Valor: en este caso el autor se posiciona utilizando la luz del crepúsculo para darle
más dinamismo, movimiento y cierta movilidad a los demás colores dentro de la
obra.
Orientación: En algunas partes de la obra se nota la pincelada.
Líneas: Se distingue curvas en el ocaso y en las olas.
Ritmo: Se nota el movimiento de las manos y la expresión de angustia del
protagonista, también la aproximación de dos personas detrás.
Claroscuro: Se observa una tenue sombra en el puente y en el agua incluso en las
vestimentas se puede interpretar la poca luz que deja el ocaso por eso es
cuestionable la presencia del claroscuro.
Espacio: esta obra está en un plano normal sin exagerar proporciones.
Tono: se puede notar la angustia y desconsuelo del personaje principal tomándose
el rostro y como dando alaridos de dolor y tormento.
Textura: no se aprecia texturas múltiples el puente se descifra bien que es eso, y no
una superficie flotante en el río.

“Ternura”

Tamaño: En este caso el autor no respetó las dimensiones corporales.

Formas: Los detalles faciales en esta obra carece de perfección pero se aprecia un
gesto de amor y de protección de una madre hacia su hijo, pero el torso y las
extremidades están lejos de una realidad.
Color: Plano
Orientación: Esta obra en algunas partes, como en las extremidades y los pómulos
se puede apreciar la suave pincelada del pintor.
Líneas: En el torso de la madre se puede apreciar curvas.
Ritmo: no existe ni se aprecia ningún movimiento en esta obra.
Claroscuro: las luces y sombras son escasas, se puede apreciar una ligera negrura
en el rostro y en las extremidades.
Espacio: Las proporciones en esta obra no coinciden con una estandaridad ya que
las manos y los brazos difieren de la normalidad.
Valor: Al ser de color plano en el fondo se utiliza un azul y negro que ayudan a
opacar todo el cuadro.
Tono: En esta obra se aprecia la aflicción y tristeza pero también la protección
maternal.
Textura: la obra detalla el afecto celoso de la madre y la inocencia del niño dejando
de lado los padecimientos que sus cuerpos realzan a la vista del espectador

“Desnudo doloroso”

Tamaño: Se respeta las dimensiones.

Formas: Se aprecia el padecimiento y el sufrimiento de este personaje pintado en la
obra.
Color: la obra es pincelado, carece de nitidez pero es distinguible la angustia en el
rostro de la mujer.
Valor: En esta obra el autor demuestra el angustioso rostro de la mujer, dejando
solo un borroso y confuso movimiento al resto del cuerpo, con un fondo marrón
carente de expresividad, consuelo y paz.
Orientación: Las pinceladas en esta obra son constantes y notorias.
Líneas: Se distingue curvas en el rostro y cuello de la mujer
Ritmo: No es posible definir movimiento en esta obra
Claroscuro: Tampoco es posible ubicar las luces y sombras en esta obra
Espacio: esta obra está en un plano normal sin exagerar proporciones.
Tono: se puede notar la angustia y desconsuelo del personaje principal tomándose
el rostro y como dando alaridos de dolor y sufrimiento ante su pérdida.
Textura: Se aprecia la silueta de una mujer padeciendo angustia y dolor.

Figuras retóricas
“El Grito”

Retruécano: La expresión del rostro se interpreta como algo super angustioso y

tremendamente malo
Perífrasis: El mensaje esta oculto. Representa la angustia de los que sufren la
devastación de la guerra o algún hecho agresivo que vincule a toda la sociedad.
Metonimia: En la obra se observa una persona padeciendo dolor y angustia pero
representa a toda una clase social ante una realidad devastadora.
Sinécdoque: La parte que la obra presenta, pero representa a un una serie de
sentimientos encontrados ante la realidad como el miedo, la angustia, la soledad, la
tristeza y la agonía.
Asíndeton: una parte de la pintura no concuerda con el protagonista central en la
pintura, se observa dos personas caminando sosegadamente en el puente.

“Ternura”

Hipérbole: Hay una leve exageración en las extremidades de los personajes en la

obra.
Sinécdoque: Se aprecia una madre con su hijo padeciendo angustia, pero
representa a toda una clase social.
Pleonasmo: La obra exagera las extremidades para hacer resaltar la protección de
una madre.
Anáfora: En la figura de protección maternal, el autor hace referencia a una clase
social en general.
Perífrasis: El mensaje esta oculto. Representa la angustia de los menesterosos de
las ciudades

“Desnudo doloroso”

Asíndeton: La pintura se ve a medias pero es descifrable y entendible, es una

mujer desnuda y con gestos de solloces y angustia.
Metonimia: En la obra se observa una persona padeciendo dolor y desconsuelo
generado por la experiencia de pérdida del ser amado.
 Introducción

Como eje transversal, el dolor de la humanidad, la angustia, la soledad y la

incertidumbre son conceptos latentes y visibles en las obras seleccionadas para
este trabajo. En dichas obras se analizó con detalles, la relación que existen entre
ellas aunque sus autores no sean tan coetáneos pero las realidades sociales son
meramente asimiladas. La reflexión de los autores llevaron a deducir el grado de
humanidad que expresan sus trabajos de arte.
El arte expresionista muestra el lado pesimista de la vida gestado por las
circunstancias históricas contemporáneas. Los expresionistas sostuvieron que era
necesario captar los sentimientos más profundos e íntimos de la humanidad es por
eso que el principal motor de su estética son la angustia, el sufrimiento y el
sometimiento de las masas subalternas. La finalidad de estos artistas era de
fortalecer e incrementar el impacto emocional del espectador distorsionando y
exagerando los temas.
La obra del Noruego Munch “El Grito”, refleja un sentimiento de angustia y
miedo, este cuadro logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad
cada vez más compleja y confusa que atravesaba la sociedad. La intensidad con la
que Munch logra comunicar la angustia del ser humano abrió nuevos caminos al
arte.
Guayasamín Oswaldo y su creación “Ternura”, al analizar esta obra, se
puede contemplar el amor maternal apartando por unos instantes las necesidades
básicas como el hambre, hostigamiento y acoso que sus siluetas corporales
expresan. En "Ternura" Guayasamín plasma el cariño y la naturaleza protectora de
las madres con sus hijos. A través de esta obra y por su contexto, se puede
observar su constante protesta contra la violencia, las injusticias cometidas por una
sociedad que discrimina a los pobres, los indios y los más débiles.
Amadeo Modigliani con una pintura bohemia y una vida llena de excesos, una
historia de amores y desamores, vicios, mujeres y enemigos. La mayoría de sus
obras expresan la feminidad delicada, que no son mujeres objeto, son mujeres
extraordinariamente vivas. No deja de plasmar su extraordinario talento en todas
sus obras. La trágica historia de este autor, se cristaliza la idea dolorosa del amor
prohibido en este cuadro.
Con estas obras mi intención es argumentar y exponer los conflictos
emocionales y sensibles para una población menesterosa que casi siempre no son
minoría ante estos conflictos sociales que agobian y hacen padecer dolor y angustia
a los más frágiles. En estas obras los autores expresan y distorsionan
deliberadamente los objetos y seres que pintan solo con el fin de resaltar y destacar
la emotividad del espectador.
 Desarrollo

El Renacimiento en Europa es uno de los grandes momentos de la historia,

que marcó el paso del mundo medieval al mundo moderno al retomar los
conocimientos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del
conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de la mentalidad establecida
en la Europa de la Edad Media sin obviar que en estos procesos surgieron con
guerras, epidemias y muchos más sufrimientos en la humanidad que el arte quizá
no pudo expresar. Estos estilos (románico,
gótico y neoclásico) son fundamentales en
el contexto histórico referente al tema que
he seleccionado para este trabajo.
La escultura románica representa la
reacción más completa frente al naturalismo
clásico. Las figuras tienen una tremenda
espiritualidad y la anatomía queda relegada
a un segundo plano ya que los ropajes
dominan al cuerpo. A pesar de esto, el estilo
alcanzará una significativa evolución que
llegará al naturalismo gótico. El románico
del siglo XI, en la primera parte de la edad
media es regentado por por un clero
regular, estos estaban del lado de la
monarquía. Es así que se vincula con el
tema seleccionado ya que es un hecho, que este estilo determina los terrores del
año mil, el final de las invasiones y las cruzadas que tanta desdicha y sufrimiento
arrastro y que llevó a la población más menesterosa a pérdidas incontables y el cual
hace referencia con mi tema. El arte románico fue sobre todo un arte religioso, que
reflejaba los valores de la nueva
sociedad feudal, que a la vez era
guerrera y cristiana, esta escultura de la
virgen María sosteniendo a su hijo
Jesús muerto en sus brazos refleja el
dolor de una madre ante semejante
pérdida4.
Aunque el gótico sucede al
románico, el hecho es que se produce un
cambio brusco en la concepción de las
formas, no sólo arquitectónicas, sino
escultóricas y en todos los órdenes, el
gótico arranca por el renacimiento de la
ciudad por la mano del clero secular en
el cual la catedral era el poder central en
4 Miguel Angel(1498 y 1499).disponible en https://es.wikipedia.org consultado 08 de noviembre de 2016
la ciudad. Los mausoleos5 en los cementerios también fueron vestigio de este estilo,
mencionar al cementerio es sinónimo de tristeza, pena, desconsuelo y aflicción,
representa todo estos sentimientos ante la pérdida de un ser querido y es
argumento asociada a mi tema. En el periodo Gótico se acentuaron los conflictos y
la disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica,
Cisma de Occidente); culminando en los pavorosos espectáculos de la Peste Negra
y la Guerra de los Cien Años6, un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse
en términos de una mutación fundamental y revolucionaria, la transición del
feudalismo al capitalismo7.El neoclasicismo se nutrió especialmente de las ideas
racionales que promovía el movimiento de Ilustración y terminaría de conformar a la
burguesía como la nueva clase dirigente, con capacidad económica. Muchos
burgueses adquirían obras artísticas para conseguir a través de ellas estatus social
que hasta ese momento solo era
propiedad exclusiva de la
nobleza y el clero. Ante el
renacimiento, los valores clásicos
fueron reconsiderados de nuevo,
la escultura de los siglos
inmediatamente anteriores era
considerada como grosera y
basta, se la llamó gótica, ya que
se creía que era fruto de la
cultura de los godos, unos
bárbaros responsables de la
desaparición del Imperio romano.
Este estilo que permaneció
durante tres siglos
aproximadamente en apogeo, nació en
dos lugares de gran prestigio religioso,
político y cultural la Basílica de Saint
Denis y la catedral de Chartres
pertenecientes a la Isla de Francia.
Los ideales del neoclasicismo
surgieron tras el triunfo de la
Revolución francesa. Siguiendo un
contexto histórico más asociado a mi
tema “El dolor humano” el
Renacimiento fue contemporáneo de
la era de los descubrimientos y las conquistas ultramarinas, con ello las conquistas
de nuevos mundos como América sometiendo a los originarios hasta casi
exterminar con la población nativa.

5 Meme, Pepe(2012) disponible en http://haraldviking.blogspot.com.ar, consultado 10 de noviembre de 2012

6 Anderson, P. (2002) p 45-117.
7 Idem, p 120- 160
 En Europa, el desmembramiento de la cristiandad con el surgimiento de la
Reforma Protestante, la creación de la imprenta y la consiguiente difusión de la
cultura fueron acelerando el cambio de mentalidades gestando al capitalismo
mercantil y las creaciones de estados modernos. 8 Estos puntos que quizá se
contradigan con mi tema
seleccionado, pero solo es
el punto culminante de las
grandes atrocidades que
pasó la humanidad para
llegar a estos sucesos
modernos, es por eso que
me aboco a estos hechos
dolorosos y que la
humanidad no debería
olvidar.
. Los cambios sociales
derivados de la
Revolución Industrial, así
como las revoluciones
políticas que jalonan y alinean gran parte del siglo, influyen poderosamente en los
artistas, que se cuestionan su papel dentro de este proceso de transformaciones. La
mort d’un paysan (La muerte de un campesino), un óleo de gran tamaño que retrata
a la escena póstuma de un campesino francés. En esta obra sin duda transmite el
padecimiento de la mujer al ver frágil y agonizante a su marido y en contraposición
la vida e inocencia del infante que juega sin percibir ni advertir el pesaroso pasar de
sus progenitores. Esta bellísima e impactante obra se halla exhibida en el Museo
Benito Quinquela Martín en la Ciudad de Buenos Aires. Quinquela Martín la compra
en el año 1938 para el Museo. Durante la segunda mitad del XIX asistimos a
cambios importantes en el mundo del arte. El Romanticismo había abierto las
puertas hacia una pintura más libre y abierta a nuevos temas ya que el cambio de
mentalidades impacto hasta en el arte y en sus materiales y técnicas, El romántico
transforma el instinto en arte y el inconsciente en saber. La obra de sivori pertenece
al realismo que evidenció una ruptura con el romanticismo, en los aspectos
ideológicos como en los formales, en la segunda mitad del siglo XIX. El cual se
extendió en Latinoamérica y en Argentina llegó gracias a Sivori.

8 Hinrich.(2004) p 98-117
 La obra exhibida en el Museo
Nacional de Bellas Artes el cual hace
referencia a mi tema seleccionado y
necesario nombrarlo, Es el primer duelo
de Bouguereau, William Adolphe. Este
trabajo es más que elocuente una obra
académica que expresa pena y tristeza
de los padres al ver el cuerpo sin vida de
su hijo menor. Este estilo también es muy
explicito para el tema transversal que he
seleccionado sobre todo el de la madre
que se tapa el rostro con sus manos pero
sin poder ocultar su dolor.
 Conclusión

En síntesis, el eje transversal del trabajo es el sufrimiento humano, que se

fue llevando a cabo durante toda la historia, resaltando el poder de algunos sobre el
resto en el mundo y en consecuencia de tantos actos bélicos, militaristas al igual
que la enfermedades o simplemente la soledad y la vejez humana que llevaron a
convertir las sociedades de hoy dia y a través del arte se busca descifrar y nadar en
las profundidades de la compleja mente humana que necesita medios para
canalizarse y dejar su huella. El dolor es uno de los temas más fecundos pues el ser
humano artista o no, en algún momento de su vida ha conocido de cerca o de lejos.
Algunos de estos hechos están encubiertos con razón de fortalecer y justificar un
concepto o un régimen que atravesaba algún tipo de peligro como el caso del arte
Románico y Gótico el cual, expresan a la religión cristiana católica como una
poderosa institución en el mundo, que se fue debilitando a raíz de los avances
tecnológicos y por sobre todo los cambios de ideas que surgieron desde el s XII sin
obviar la pandemia más grande de la historia, la Peste Bubónica que azotó y eliminó
a la mitad de la población europea.
Los artistas de estos estilos que fui seleccionando para sostener mis
argumentos, coinciden en intentar captar el imaginativo del espectador, para crear y
forjar el impacto sensitivo del observante, buscan expresar y también desean
generar que disfruten esa obra, el arte, es una fuente de cuestionamientos que
generan en el espectador acerca de su presencia en el mundo. Describir un grupo
de artistas que por padecer enfermedades dolorosas o simplemente por sus
experiencias expresaron su dolor a través de la pintura. En algunos casos, algunos
autores como: Munch (en el expresionismo del siglo XIX), distorsiona y usa una leve
exageración en algunos de sus obras, para incrementar ese impacto visual y
emocional sobre cada espectador. En otra comparación cito a Guayasamín
Oswaldo que sus obras va dirigida al humanismo, considerada como expresionista e
indigenista, en la cual expresa el dolor y la miseria de una parte de la humanidad y
hace una fuerte denuncia de la violencia que ocurre en el siglo XX. El arte no es
solamente una obra artística en sí misma, es mucho más que eso, busca lograr la
comprensión del ser humano de una época particular, que hace de la misma, o sea
que el arte sirve para hacer y contar la historia.
En todas las representaciones elegidas se puede observar, luego de ser
analizadas, cada estilo está impregnado en las clases sociales bajas las que son
normalmente sometidas con total impunidad por los sectores de elite o dominantes
de cada época, con excepción de las enfermedades y epidemias, siempre los
sectores subalternos son los primeros en recibir estos sufrimientos, ellos son los
campesinos, los aborígenes, enfermos y miserables de todas las sociedades del
mundo. Sería interminable el número de obras que sobre el dolor se pudieran añadir
con esto se puede afirmar que el arte es el que se ha encargado de dejar vestigios y
de dejar información necesaria para enterarnos de lo que sucedió antes de nuestra
civilización y de la misma forma es importante para la evolución y el desarrollo de
las culturas que seguirán viniendo dando así una paleta abierta de información en
cuestión histórica.
 Bibliografía

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2004.Capítulos: cambios culturales, reforma protestante pp 128-160

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