ANTECEDENTES PREFOTOGRÁFICOS

Foto es luz y grafía es grabar. Se trata de poder grabar algo con luz.

La fotografía analógica es un descubrimiento que nace en el siglo XIX. No es fruto del azar, sino de
investigaciones. Vamos a ver sobre todo precedentes franceses. Francia es de las primeras en
reivindicar a sus investigadores. Luego veremos algún precedente en Inglaterra. Para que surja la
otografia como tal es necesario que se den cita a la vez una serie de operaciones de carácter físico,
óptico y otras de carácter químico y otras de carácter más ideológico. Estos elementos ópticos
permitirán el nacimiento de la fotografía en el XIX que ya conocía Aristóteles; hay aspectos
químicos que ya se conocen en la edad media lo que pasa es que se ponen en común en las
primeras décadas del siglo XIX.

La literatura sobre el tema considera que estas operaciones se pueden ver como precedentes de la
fotografía. Por ejemplo, serán precedentes la llamada cámara lúcida o clara, la cámara oscura, la
sensibilidad de determinadas sustancias antes la luz. Luego, para algunos autores hablan de
precedentes ideológicos, es decir, que se venía preparando des del punto de vista ideológico la
aparición de la fotografía. De precedentes literarios algún autor habla de novelas del siglo XVII.
Peter Galassi fue un conservador del MOMA que habla de precedentes en el encuadre: nos dice que
el encuadre fotográfico es diferente a la tradición del encuadre pictórico, pero que hay
determinados encuadres pictóricos del XVI y XVIII que recuerdan a lo que serán los encuadres
fotográficos.

Bibliografía: Jordi Alberic, Fotografia i fi de segle. Joan Font Cuberta. Marilu Suger, Historia general
de la fotografía. La Fotografia en España de los orígenes al siglo XXI. Jean Clott Le Mani, Historia de
la fotografía. New Hole, Historia de la fotografía.

Cuando aun no ha aprecido la fotografía como tal, hay una serie de instrumentos que suelen recibir
en su época el nombre de máquinas de dibujar que sirven para ayudar al artista, al grabador para
hacer su obra. En principio son dispositivos ópticos auxiliares para el dibujo. Sabemos que
Brunelleschi, Piero della Francesca, Alberti habla de ellos, Durero invento algunos etc. Grandes
historiadores del arte como Kenneth Clark los utilizaban. Martin Kemp, la ciencia en el arte; Gómez
Molina, Máquinas y herramientas de dibujo. Son instrumentos para reproducir de la manera más
verosímil el mundo externo. En la actualidad también autores como Gómez Molina han trabajado
el tema.

La idea es que sobre todo del renacimiento se trataría de aplicar al arte conocimientos científicos y
sobre todo de perspectiva para transformar el espacio visual en un espacio científico, es decir,
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matematizado, un espacio racional. Por lo tanto, este espacio visual a través de los conocimientos
científicos de cara a la perspectiva se transforme en algo racional y que se busque un método de
representación racional.

Durero invento varios sistemas de representación. Son instrumentos de perspectiva, o máquinas

de dibujar. Un sistema de cuadrícula, un visor, una mirilla por donde controlar y ver bien y luego
una cuadricula sobre la que se dibuja. Se hace para buscar similitud. Esto no es fotografía, pero se
ve un precedente en el sentido de que la fotografía ira a ser lo más verosímil posible. Luego, los
usos han sido totalmente diferente, porque más allá de la similitud sirven para constatar hechos.
Durero, Máquina de retratar. Lo conocemos no porque se hayan conservado, sino gracias a los
grabados y gracias a los grabados se han reconstruido. Instrumentos perspectivos a través del
punteo.

Máquinas de dibujar – practicar el dibujo sin tener que tener conocimientos del dibujo. Con mucho
auge des del siglo XV sobre todo en los siglos XVII y XVIII. En el siglo XIX en vez de llamarse
máquinas de dibujar o retratar, suelen recibir el nombre de cámara lúcida o cámara clara. La
cámara lucida más conocida es de William Hyde Wollanston que se supone que es una copia de
Keppler, del siglo XVII. A Kpller se le considera que diseña una cámara lucida por primera vez. Lo
hace porque tenía que dibujar un paisaje topográfico. La describe en su obra Dioptrice (1611). El
termino cámara lucida es de Wollastom (1806), pero el invento es de Johannes Kepler. Wollastone
retoma la decisión, la asume como propia y la patenta (dic. 1806). Ladie le cuestionó. Fue muy
utilizada sobre todo en el XIX por el viajero, el grand tour. Los grandes viajes de la alta burguesía
fue un instrumento típico del equipaje del viaje, sobre todo del viajero culto y erudito o aficionado
a pintar. Le permitía dibujar con más facilidad y no le ocupaba mucho espacio. Un ejemplo de esto
conocido es Basil Hail, 1829: Swamp Plantation on the Banks. En el caso de Mallorca posiblemente
uno de los grandes que trabajaron con la cámara clara es Rafael de Isasi, 1913 que lo utilizaba
como control del territorio porque era militar y tipógrafo. Otro que también posiblemente utilizo
esta cámara es Pere d’Alcantara Penya Nicolau, un gran constructor y dibujante. En la actualidad,
la cámara lúcida la utiliza mucho David Hockney, que cree que los dispositivos ópticos provocan la
auténtica y secreta revolución durante el siglo XV y que fueron muy importantes para el desarrollo
de la pintura.

Instrumento que coge fuerza en el siglo XIX y que en el siglo XXI se sigue trabajando por artistas
contemporáneos.

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 • La cámara oscura:

También llamada cajas ópticas. No hay similitudes ópticas entre cámara clara y cámara oscura,
solo tienen en común servir al dibujante, ser sistemas de ayuda auxiliares. El principio en que se
basa es conocido mucho antes que el de la cámara lúcida. Tratadística griega Aristóteles.

Una cámara oscura se basa en el principio de si se practica un orificio en una pared de una
habitación oscura, la luz que entra por ese orificio se proyecta en la pared opuesta, reflejando los
objetos del exterior. El orificio funciona como una lente convergente (aunque no hay lente). La
imagen proyectada del exterior aparece invertida vertical y horizontalmente. El agujero hace de
lente convergente, pero hay lente.

Este principio tan sencillo es conocido y usado des de la antigüedad pata observaciones
astronómicas (eclipses) y estudio de los rayos lumínicos. Algunos de estos teóricos son:
Aristóteles, Alhazén, Leonador da Vinci, Cesare Cesariano, Giovanni della Porta, Magiae Naturalis

Las primeras cámaras oscuras eran habitaciones, dependencias de una casa. Luego, en el siglo XVI-
XVII se describen, dibujas y se construyen cámaras portátiles de gran tamaño, de manera que
quien quería dibujar alfo se debía de meter dentro de la cámara. Ciencia y fotografía siempre han
estado muy ligados. Eclipse sola, Gemma Frisius.

Luego, se va a ir perfeccionando la cámara oscura en el siglo XVI-XVII añadiendo espejos o lentes

(imágenes más brillantes y enderezadas) porque cuanto menos sea el diámetro de ese orificio más
nítida se ve la imagen proyectada. Diafragma (control tamaño del orificio = cuanto más pequeño
sea el diámetro de ese orificio más nítido se ve la imagen proyectada).

Kepler es quien introduce el término de cámara oscura (cámara viene del árabe). En Ad
Vitellionem Paralipomena (1604) define el concepto de cámara oscura, base de su invento del
telescopio.

Athanasius Kircher, en Ars Magna lucis et umbrae (1646) también la trabajó. Otros también fueron
Kaspar Schott (Magia Optica), Johann Cristoph Sturm.

Evolución de la cámara oscura: habitaciones en edificios, móviles monumentales, portátiles de

gran tamaño, objetos más manejables.

Los usos del artista: científicos, viajeros con aptitudes artísticas y por artistas.

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Sabemos que las cámaras oscuras también llamadas cajas opticas las uso y las describió Leonardo
da Vinci, Jan Vermeer, Canaletto y Joshua Reynolds.

Difícilmente entenderíamos la tradición paisajística incluso los interiores flamencos sin el uso de
las cajas ópticas por el gran detallismo a la hora de trabajar.

Jan Vermeer, motivos por los cuales se piensa que utilizaba la cámara oscura:

• Ausencia de líneas perspectivas u de dibujos preparatorios en la mayoría de sus obras.

• Tratamiento de la reflexión de la luz en ciertas superficies. Zonas “desenfocados en centro

y márgenes”.

• El tamaño de la mayoría de sus pinturas coincide con las dimensiones del visor de la
cámara oscura de la época.

• Otras obras coinciden en tamaño como proyección en una habitación (hay análisis)

• Contacto con Leeunwenhoek.

• Holanda XVII; centro de manufactura de instrumentos ópticos de alta calidad.

No solo en paisaje, sino tanto en habitaciones modo de cámara.

• No hay ninguna prueba documental de que usase la cámara oscura, la única fuente son las
propias pinturas, ya que parece aplicar la perspectiva fotográfica. En la obra, las dos
figuras se sientan muy cerca, sin embargo la cabeza del oficial es mucho más grande que la
de la joven, lo que no era habitual en la época. Hay una perspectiva geométrica inusual,
porque el plano del soldado parece mucho más cercano.

Canaletto: se han conservado algunas cámaras que se creen que eran suyas. Era habitual para
hacer dibujos y retratos cajas ópticas o cámaras oscuras.

Joshua Reynolds: ya tienen con él formas de lo más variadas, como forma de libros.

23 novembre parcial.

28/09/2017

La cámara oscura en el siglo XIX, su transformación en cámara fotográfica será rápida. En vez de
copiar el dibujo proyectado, bastara con poner papel sensible en la cámara oscura portátil.

CÁMARA ESTENOPICA:

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Es la cámara fotografiamas elemental, basada directamente en los principios de la cámara oscura.
Es una caja oscura con un orificio y donde ponemos el papel. Es como una cámara oscura, pero con
papel sensible.

Ahora hay grupos de trabajo que trabajan este tipo de cámara. El Grupo Neoartgraf, por ejemplo.
Biel Lacomba también ha trabajado con ellas y ha construido sus propias cámaras estenopeicas.
Esta cámara tiene muy poca nitidez, y cuanto menor sea el diámetro más nitidez tendrá, pero
menos luz entra por lo que el tiempo de exposición tendrá que ser mayor. Ej. Una caja de jabón que
ha pintado de negro por dentro, le ha hecho un agujero y colocado una lente, a su alrededor, el
negativo. Ej, tiene la cámara bombonera. Ej. Keche en polvo. Por lo general, la cámara se pone en el
suelo. No hay un foco concreto, esta todo más o menos enfocado a la vez, por lo que no hay una
nitidez de planos.

Otro tipo de estenopeicas son las de Jaume Gual. Pone la cámara donde puede y toda la parte como
las hojas que se mueven quedan poco nítidas. Tiene series de paisajes.

La cámara oscura aún se sigue utilizando en su forma en una gran habitación en época
contemporáneo. Cámara oscura de Capuchinos. Auditorio La Alameda, Jaén (en la actualidad).

También la utiliza Gustav Deutchs.

Fins i tot se poden fer fotografíes de 360 º.

PRECEDENTES QUÍMICOS

La fotografía analógica es la acción de la luz sobre algo fotosensible, que suele ser el papel. El
hecho de que determinadas sustancias reaccionen sobre la luz se conoce des de la edad medieval.
Pero que sobre todo coge fuerza a través del siglo XVIII por parte de alemanes, suizos, médicos,
etc. Las sales de plata son fotosensibles y oscurecen con la luz. Todos ellos son conocedores de las
salas de plata, que son un precedente químico de la fotografía, pero aun NO hablamos de
fotografía. En el XIX sí que hablaremos propiamente de fotografía.

A finales del XVIII i principios del XIX ya hay algunos investigadores como Thomas Wedgood.
Cuando consiguen proyectar algo en un papel o en algún material por medio de la luz porque se ha
sensibilizado previamente lo consiguen, pero lo pueden mostrar solo unos segundos porque se
ennegrecen y desaparece. Es decir, aun no se ha fijado y por lo tanto no podemos hablar de
fotografía estrictamente.

Estos autores de finales del XVIII i principios del XIX trabajan con cuero blanco o bien con papel
que lo mojan en una solución de sales de plata (nitrato de plata) y encima colocan un dibujo

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traslucido que exponen a la luz en una vela. Así (por contacto) consiguieron registrar dibujos,
cuadros “de vidrio” y perfiles.

Sin cámara.

No consiguen que la imagen resultante fuera duradera e inalterable (las sales continuaban
haciendo su efecto y oscurecían el papel), y cuando enseñaban el resultado a la luz de día, el papel
se ennegrecía completamente, y solo se veía unos segundos en un lugar oscuro a la luz de las velas.

Uno de los grandes fotógrafos, de hecho, el inventor del negativo (Talbot) conocía estos ensayos.

PRECEDENTES IDEOLÓGICOS

Tienen que ver con lo histórico y lo social. Según ha defendido Gisèle Freund existirían los perfiles
o siluetas i los fisinotrazos.

Las siluetas son retratos muy sencillos y económicos. Pueden hacerse a tijera o incluso a navaja.
Era un sistema que cogió fuerza a mediados del siglo 18 y sobre todo en la época de Napoleón
Bonaparte. Se hizo muy popular. Fue popular tanto en feriantes, mercados ambulantes y también
en círculos cortesanos. Por lo general los itinerantes y feriantes eran autores anónimos que no han
pasado a la historia del arte. En cambio, otros siluetistas de ambientes cortesanos si que han
tenido nombre en la fama, incluso alguna mujer. También podemos conseguir la silueta sin
necesidad de recorte. El nombre de silueta – ministro de finanzas francés muy impopular del siglo
XVIII Siluette y se puso de moda decir que todo aquello tosco y al hecho lo había hecho Siluette.
Técnica: a través de la luz de una vela.

Siluetas más trabajadas: negro y blanco, puntos en dorado. Se trabajan tonos. Esto depende de la
calidad del siluetista y del coste de la pieza.

La silueta también puede ser blanca.

F.G. Sideau será uno de los grandes conocidos como siluetistas.

Mrs. Beetham. Muchos miniaturistas harán también siluetas. Cuando comienza a entrar en fuerza
los retratos todos estos artistas entran en crisis.

Jean-Gaspard Lavater, Essai sur la physiognominie, 1781: según la fisionomía y el tamaño del
cerebro podían saber qué personalidad tenía cada persona.

El fisionotrazo es un invento de finales de siglo XVIII por Gilles-Louis Chrétien en 1786. Tenía tanta
demanda de obra que creo esta máquina para hacer las siluetas. Por una parte, dibuja la silueta y al

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mismo tiempo pasa la silueta a la plancha de grabado que posteriormente se imprime como un
grabado para hacer las copias que quiera. Se pueden colorear.

Uno de los siluetistas más famosos fue Henri Nolde, que tenía su taller en la Torre Eiffel.

Gisèle Freund plantea la primera tesis de la fotografía que se ha hecho: Photographie et societé
(1936) y que se reedito en 1974 como La fotografía como documento social, por Gustavo Gilli,
Barcelona.

También sería un precedente ideológico lo que dice Peter de que la manera de encuadrar ya estaba
preparar en la manera pictórica de cuadros de los siglos XVII y XVIII.

DESCUBRIMIENTO, PRIMERAS FOTOGRAFIAS. IMAGEN UNICA, IMAGEN MULTIPLICABLE.

PROCEDIMIENTOS Y PROTAGONISTAS

Imagen única: solo se puede hacer una imagen y no hay copia. Algunas de las primeras fotografías
eran imágenes únicas.

Imagen multiplicable: se conseguirá con un negativo. Sería la imagen multiplicable.

Los más conocidos son los franceses. Destacaremos entre los franceses a Niepce, Daguerre y
Hippolyte Bayard. Entre los ingleses a Talbot.

Niepce:

Un francés que ha pasado a la historia de la foto y del arte como el descubridor de la fotografía:
como el que consigue sincronizar los elementos ópticos y los elementos químicos. Niepce consigue
el fijado, por lo tanto, hablamos ya de la primera fotografía propiamente.

El problema de Niepce es que el hacía sus descubrimientos en secretos. Patentó al principio,

después muy poco. Fue poco valorado por sus coetáneos por su hermetismo en la difusión de la
formación y por la sombra de Daguerre más comercial. Él no tenía espíritu comercial, pero
Daguerre sí.

Pertenece a una familia acomodada del centro Ostes de Francia. Prototipo de burgués acomodado
de provincias que compagina la vigilancia de propiedades agrícolas con las aficiones científico-
artísticas, a caballo entre el siglo XVIII ilustrado y el XIX industrial. Como segundón de familia
burguesa es destinado a las órdenes religiosas. Profesor de ciencias en colegio religioso. Con la
revolución francesa cambia el hábito por el uniforme militar. Deja el uniforma militar, y des de
Niza, en 1801 regresa a châlon. Su hermano Claude intenta patentar lo que ha hecho Niepce.

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Hace experimentos como el Pireolóforo i se intenta comercializar en Francia e Inglaterra, pero el
beneficio será muy escaso.

En este ambiente, les interesa mucho la cámara oscura (hasta 1811, en colaboración con Claude)
pero no se conserva nada de esto. De Niepce se sabe por las cartas que hizo a su hermano y a su
hijo. El escribía en estas cartas lo que hacía.

Desde 1813 le despertó el interés por la litografía:

Hasta 1814, con la ayuda de Isidore, como dibujante. Piedra especial sobre la que se dibuja con
tinta grasa, se baña con ácido para eliminar residuos u que quede solo el dibujo. La piedra hace de
matiz para estampar.

Busca métodos alternativos al dibujo: barnices fotosensibles. Utiliza grabados translucido (en
aceite) que coloca sobre piedra litográfica cubierta de un barniz fotosensible (por contacto)
expuestos a la luz solar.

Luego, lo que hace es coger la cámara oscura, colocando dentro la piedra litográfica con barniz
fotosensible para que se proyecte encima la imagen. Lo que le interesa es hacer litografía,
imprimir.

Como la piedra no le va bien (la tenía que encargar) y es costosa, sustituye la piedra litográfica por
otros soportes que sensibilizara: crista, papel, cobre, zinc, peltre (aleación de estaño).

Dificultades:

• Problemas para obtener piedra especial en la zona (=peltre, etc.). la sustituye por otros
materiales.

• Muchas horas de exposición al sol: investiga cómo reducir el tiempo de exposición al sol.

• Las imágenes no quedan fijas mucho tiempo, desparece: investiga como fijas las imágenes
resultantes.

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 • Prueba con cámaras oscuras de diferentes formatos donde se va a parís (Daguerre lo
conocerá).

Recopilación epistolar:

Histoire de la decouverte improprement normmée daguerréotyoe (1841).

Se supone que entre abril y mayo de 1816 consigue la primera imagen sobre papel emulsionado
sensibilizado con cloruro de plata en cámara oscura. La fija con ácido nítrico. Dura unos minutos
(mucho más que Wedgoow) pero desaparece. Se le envía a su hermano que la ve unos minutos y
desaparece.

No es lo que buscaba: él quería positivos.

Entre 1816-1822 hace nuevas pruebas: descartaba el cloruro de plata y usa betún de judea
disuelto en petróleo o aceites. El betún se vuelve blanco con la luz. Con betún
consigue imagen positiva invertida (positivo directo). En julio de 1822
consigue la primera foto que es una heliografía, hecha a partir de un grabado
del cardenal Amboise. Este grabado del cardenal es una plancha de cristal con
betún (fotosensible) y más sustancias, calor, frío, pulida… coloca encima el
grabado original translucido (por contacto) y lo ha dejado dos o tres horas al
sol. Después ha lavado la plancha y elimina residuos con disolvente y la fija.
La plancha de cristal le sirve de matiz para estampar. Este grabado es importante. Proceso: julio de
1822.

Niépce hará dos tipos de fotos: heliografías que son copias por contacto de grabados o láminas,
que las hace sin cámara y que las utiliza como matriz, el otro tipo de imagen las llama puntos de
vista son imágenes tomadas del natural, del exterior con cámara oscura. Aquí, lo que utilizará
como soporte será el peltre (estaño). Para las heliografías utilizará el cristal y para la cámara
oscura el peltre. Se cree que la primera que consigue es de 1826.

En la bibliografía se puede utilizar el término heliografía para designar cualquier experiencia.

El termino fotografía surge posteriormente en 1836.

Punto de vista desde la ventana de Gras: es una imagen que ya sale

en positivo, y no negativo. A esto le llamamos un positivo directo. Y,
es un punto de vista. Para hacerla estuvo el peltre sensibilizado
dentro de la cámara ocho horas al sol. El soporte es una plancha.

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Otro punto de vista es Mesa puesta: bodegón, de posiblemente 1827. No se ha conservado.

Sigue investigando, porque su mentalidad no es la de fotógrafo, sino de grabador, sigue

investigando porque quiere puntos de vista que pueda imprimir. Abandona el peltre (muy frágil
para usarla de matriz) por plancha de cobre recubierta con plata. Investiga con cámaras: de
madera de nogal, hechas por el (otras de Chevalier), diafragma, cilindro de madera (algo que se
piensa que es un carrete), y óptica de Chavalier.

Diferenciar las heliografías de los puntos de vista!!.

1826: contactos con Daguerre: busca cómo reducir el tiempo de exposición.

1827: Londres: patentar la heliografía.

Situación económica precaria.

1829: firma con Daguerre una sociedad. Niépce es el inventor, Daguerre lo comercializará.

1833: Fallece Niépce, casi en la ruina.

1837: Daguerre firma un nuevo documento con Isidore: N. Niépce no consta. Daguerre se
proclama el inventor, porque introduce algunos cambios:

• Utiliza el agente sensible. No utiliza el betún, sino yoduro de plata.

• Tras hacer la toma, la placa no se somete a un proceso de aceites, sino a vapor de

mercurio.

• Lo denomina daguerrotipo.

• Isidore acepta porque cree que el acuerdo es verdadero.

04/10/2017

Dia 19: elegir la foto y tutoría o práctica.

El siglo XIX es el siglo de la ciencia, del progreso. Esto hay que asociarlo a la fotografía.

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Heliografía: copia por contacto, sin cámara. Cardenal de Amboise.

El soporte que utiliza para los puntos de vista es el peltre, una especie de estaño. El agente sensible
que mezcla el más conocido sería el betún de judea.

DAGUERRE

Fotógrafo, pintor, decorador, experimentador francés. Con un espíritu comercial y empresarial

muy fuerte, aspecto que lo distingue del resto. Es un burgués. Necesita sacar la rentabilidad
económica des del principio, mientras que Niépce lo hace solo al final de su vida.

Es el prototipo de la figura de la primera mitad del siglo XIX que se da cuenta de la importancia
que está cogiendo la imagen colectiva y lo mediática, que luego llamaremos massmedia. El diorama
y la fotografía. El diorama es un espectáculo visual público que comienza en 1822 y que se ve como
un precedente del cine. El diorama lo funda Daguerre con otro pintor también francés ya alumno
de David: Charles Marie Bouton. Ambos son los co-fundadores o inventores del diorama. El
diorama también recibe otros nombres como el panorama.

Los dioramas son espectáculos públicos, colectivos de pago de grandes dimensiones. Son
escenografías pintadas con ayuda de la cámara oscura y lentes de la casa Chevalier. Con el tiempo,
porque tuvieron mucho éxito y difusión recibirán diferentes nombres como mareorama porque el
público se colocaba en una posición desde donde veían escenas de mar. También recibe el nombre
de cosmorama. Incluso podían ser de 360º.

Era un buen pintor, pero hacer los dioramas de muchos metros era un trabajo difícil además de
que requerían mucho tiempo, por eso se ayudaba de la cámara oscura. Como elementos
interesantes tenemos que los dioramas jugaban con luces y sonidos. Jugaban con un juego de luces
(delante o detrás de las sábanas) de diferentes colores que le permitían hacer escenas que
oscurecían o escenas de amanecer.

Construyen ambos un edifico, el diorama que en el 39 se incendia por causas desconocidas.

Maqueta de este edificio diorama: el público se colocaba en un sitio y veía el paisaje. En Inglaterra
y en Londres fue muy famoso.

1826: contactos Daguerre-Niepce

1829: crean una sociedad:

• Niepce es el inventor.

• Daguerre lo comercializará.
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1833: fallece Niepce.

1837: Daguerre firma un nuevo documento con Isidore (hijo de Niepce):

• Niepce no consta.

• Daguerre se proclama el inventor porque dice que hace algunos cambios respeto a Niepce:

o La sustancia sensible que reacciona ante la luz ya no es el betún, sino el yoduro de

plata.

o El proceso ya no era un proceso de aceites porque utilizaba Niepce, sino que el

utiliza un vapor de mercurio.

o El soporte donde está el elemento fotosensible no es el peltre ni el vidrio, sino una

lámina de cobre que es muy fina y que se cubre de plata.

• Lo denomina daguerrotipo y se proclama el inventor.

Los daguerrotipos tienen un efecto de espejo. Cuando se comercialice lo meterá en un estuche que
a modo de librito se podrá abrir y se dejará encima del piano, escritorio o se colgará, etc. Si algo
caracteriza el daguerrotipo es la nitidez de la imagen, el detallismo. Ni siquiera Talbot conseguirá
esta nitidez, tampoco lo consiguió Niépce.

¿Qué es el daguerrotipo?:

• Es un positivo directo: mete la plancha de cobre sensibilizada en la cámara, la saca, la

somete a una transformación que llamaremos revelado y sale positivo.

• Soporte: lámina (plancha, placa) de cobre cubierta de plata y pulida.

• Sustancia sensible: yoduro de plata.

• La placa se coloca en la cámara y se hace la toma.

• Proceso: vapor de mercurio, etc. Fijado: cloruro sódico.

• Frágil, fácil de rayar.

Los daguerrotipos más comunes son paisajes y sino, retratos al exterior. Era difícil de ejecutar. Es
mucho más nítido que los puntos de vista de Niepce. El acabado tiene ese aire de espejo, especular
de que miras y no ves claramente la imagen, si no que tú tienes que cambiar el ángulo de la imagen

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para ver que está registrado. Es una pieza única. Tiene un tiempo de exposición largo, por esto
presenta dificultades para el retrato.

Tiene una difusión extraordinaria, por eso encima ejemplos a académicos y científicos europeos y
americanos. También contacta con un político liberal francés de Perpiñán llamado François Aragó,
que también era científico y astrónomo. Casualmente, François había estado pasando casi un año
en Ibiza, Formentera y Mallorca. En Mallorca se alojó en la Moleta de s’Esclop (Andratx).

1839 enero: Aragó explica el proceso de la academia de ciencias. Felip Morau está presente. Talbot
(se entera por un diario local inglés); en agosto lo vuelve a hacer público.

1839 julio: el estado francés compra el invento (para hacerlo de dominio público). Cualquier
persona en Francia podía hacer daguerrotipos y a cambio, daba una renta vitalicia para Daguerre y
Legion de honor. También el estado dio una renta vitalicia (menor) para Isidore Niepce. El estado
francés lo que hace es comprar la patente del diorama porque se produjo un incendio casual ese
año.

1839: Daguerre patenta el daguerrotipo en Inglaterra.

1839 Aragó agosto: vuelve a presentar el daguerrotipo a la academia de ciencias y es a partir de

aquí que tiene un éxito internacional.

A Mallorca llega el daguerrotipo en diciembre de 1939 con la cámara daguerrotipo gracias al

apoyo de la Sociedad Económica de Amigos de País. El primero en realizar una de estas fotos es
Francesc Muntaner, en enero de 1840.

Prospecto 1840: se publica en un diario de Mallorca que el daguerrotipo tendrá un impacto tan
fuerte como el vapor, el tren, la imprenta.

Se cree que el primer libro publicado basado en daguerrotipos en España fue de Antonio Furió,
Panorama óptico…, 1840 (primer libro editado en España basado en daguerrotipos). Es un libro
que comienza a editarse en el 40 y en el 44 aún se editaban.

Recreación del primer daguerrotipo hecho en Barcelona por Ramon Nabern.

Daguerre ha recibido una compensación económica, ha sido homenajeado y además publica un

manual con instrucciones para hacer un daguerrotipo y también dioramas: Historique et
descriptio des Procedes du daguerreotype et du diorama, dictado y traducido a números idiomas.
Tuvo mucho éxito.

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1839: Además, Daguerre enseña el método. Llega a un acuerdo con Giroux y Chvalieer y fabrica las
cámaras con Giroux y óptica de los Chevalier. Necesitada un trípode o otros accesorios. Están
firmadas por Daguerre y también numeradas. En el año 1839 esto era muy costoso: 50 kg/ 400
francos de oro.

Esta cámara del 39 evoluciona siendo más pequeña y sobre todo más barata, como la cámara del
41. Se da lo que en su época se llamó la daguerrotypomanie. Hay no solo gravados en prensa, sino
oleos como el de Pierre Roch Vigneron de 1847 donde sale un personaje que es un coleccionista
contemplando un daguerrotipo de una catedral con el manual de Daguerre sobre la mesa.
Muntaner crea un estudio en Mallorca y en 1843 solo tarda varios segundos en hacerlo, mientras
que dos años antes en 1841 se tardaba tres minutos.

05/10/2017

Ya cuando Daguerre era conocido, ya había sido patentado en su invento y con sus honores es
cuando ya comienzan las críticas. Primero será el hijo de Niépce, que en 1841 dos años después de
la presentación pública del daguerrotipo hace un libro que explica su versión de cómo fue la
relación entre Niépce y Daguerre. En 1925 Georges Potonniée con Histoire de la couverte de la
photographie mitiga el descubrimiento de Daguerre. Raymond Lecuyer con Histoire de la
photografie en 1945 más de lo mismo.

Daguerre hace daguerrotipos. Uno de los más conocidos es

Boulevard de París o Boulevard du Temple (1838-9): no uso
prisma para corregir derecha e izquierda. Es un detalle de
una de las calles de París más conocidas y transitadas. El
hace el daguerrotipo, se cree que la azotea del diorama en
ella tenía el estudio y desde allí coge un detalle de lo que es
una de las calles más conocidas. La realiza antes de las
modificaciones del varón Haussman. El diorama ya estaba ubicado en un sitio céntrico y en una
calle de las más concurridas, donde se ubicaban teatros, cafés y cabarets de moda. Era habitual que
muchos de los estudios fotográficos se ubicaran en calles céntricas y sitios populares.

También realizó otras de las mismas zonas. Algunos de estos daguerrotipos han sido conservados
porque las envió (visto en la clase anterior). Boulevard de París o Boulevard du Temple (1838-9)
tuvo solo diez minutos de exposición. Los que lo han estudiado dicen que el hecho de que haya
tanta vegetaciones y toldos puestos indica que seguramente la debió de hacer en verano del 1838
o en primavera de 1839. Posiblemente la realizo en un momento de una calle muy concurrida. Sin

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embargo, parece hecha un día que no pasa nada, pero sale así porque en los diez minutos de
exposición la gente que pasaba si no estaba quito seis minutos al menos no salen. Cuando tenemos
abierto tanto tiempo el diafragma lo que se esté moviendo no sale. Aun así, se ve una figura que se
cree que es un señor y un limpiabotas que aparecen difuminados. Hay como cinco grupos de
personas que pueden salir, pero salen muy borrosas. Es un punto de vista elevado porque lo hizo
des de la azotea del diorama. Es habitual el punto de vista elevado para hacer fotografías de
paisajes. Se ha querido ver como un tipo de pre-impresionismo, incluso con la influencia del
japonismo pero ambos movimientos cogen fuerza más tarde.

Además de este daguerrotipo se han conservado otros como este de arquitectura o de su mujer
Madame Louise Daguerre (c. 1845), en la que la pose, se debe al tiempo de exposición. También
tiene de un artista Portrait d’un artiste que no se sabe quién es pero que aparece con los atributos
de pinto. También tiene Daguerre, N. Huet (1837), que presenta una caligrafía que se ha asociado a
que está escrita por él. Esta datada de 2837 mediante análisis químicos. Tiene una óptica
semejante a la que usaba en 1837 Daguerre. Sería de dos años antes de la presentación pública del
invento.

Las tesis de Pinson:

Otro de los grandes temas de Daguerre son las naturalezas muertas o bodegones. Un historiador
ha hecho un estudio importante sobre este tipo de daguerrotipos. Atelier de l’artiste (1837).
Algunas son copias de obras de arte pero que se conservan en muy
mal estado. Pinson cree que las piezas que escoge que, en este caso,
son fósiles no lo hace por casualidad, sino que sabe perfectamente
que piezas escoge porque está en línea con las tesis de esos años que
es sobre todo la monarquía de Luis Felipe. Son años en que el estado
francés a finales del XVIII pone un museo de moldes de yeso para la escuela de bellas artes para
reproducir las obras de arte del mundo para que las reprodujesen los estudiantes. El estado
también está interesado en hacer de Francia el centro de documentación artística más importante

15
del mundo. Lo que más van a difundir es la estética más academicista y esto es lo que va a
fotografías Daguerre. Otro rasgo es que Daguerre se preocupa muchísimo por trabajar la
iluminación, las zonas de luces y sombras en la fotografía. Se preocupa mucho como ilumina la
pieza, cómo le dará la sombra, se preocupa por los efectos visuales del daguerrotipo. Coge las
obras más academicistas, pero des del punto de vista formal se preocupa por juego de luces y
sombras, el juego de grises y no de blancos y negros.

Resumen de las tesis de Pinson: para el las naturalezas muertas estarían en sintonía con el gisto de
la época que sería el estilo más academicista de la escuela de bellas artes. En sintonía con Atelier
de moulage du Louvre es des muséer de France. En sintonía con el ideario formativo y estético de
la monarquía de julio de Luis Felipe I de Francia entre 1830-48. Too esto es un sistema para
configurar hitos de memoria nacional y de memoria colectiva universal para hacer de Francia el
centro de “documentación” de la cultura europea. Que este autor diga esto, significa que los
daguerrotipos anuncian la función documental y formativo de la fotografía para la historia del arte.
El papel principal que tendrá la fotografía en la difusión de objetos museísticos. El papel principal
que tendrá la fotografía en el análisis de las obras de arte (comparación, identificación de
elementos formalista). El Musée imaginaire de Andre Malraux con la idea de difusión y arte para
todos 1947.

Por otra parte, la tesis que se distingue de otras son sobre los daguerrotipo de naturalezas
muertas porque son lecciones sobre las propiedades de la luz (está interesado en la
representación de las condiciones lumínicas naturales -eso viene a ser un diorama-. Son estudios
cuidadísimos de la luz). Además, relaciona esta preocupación por la luz con otros recursos
técnicos de Daguerre con un recurso óptico anterior que lo utilizaron michos los pintores
paisajistas y los viajeros-turistas: los miroir Claude (espejo/cristal claude) que también se llama
espejo negro. Se le puede ver como un antecedente del daguerrotipo. Este espejo era una caja con
un cristal oscuro negro, sepia o marrón oscuro que es un poco convexo. Lo utilizaban mucho los
pintores para elegir qué encuadre y condiciones lumínicas iban a utilizar. Era habitual en la maleta
del artista o del viajero. La idea era ponerse de espaldas a lo que se quería hacer y el reflejado
queda reflejado en grises y se controlan las condiciones de luminosidad. En este sentido, Pinson
dice que a nivel iconográfico y lumínico fue un precedente del daguerrotipo.

En el siglo XVIII y XIX la relación arte-tecnología están muy presentes, al igual que hoy en día. Un
artista ejemplar de esto es David Hockney porque utilizaba la cámara lucida para hacerlos retrato.
Es un artista que comenzó en el pop y que ahora ha estudiado objetos para hacer fotografías que
se utilizaron en el siglo XIX.

16
Pinson llama tablets a la continuación de.

Otros fotógrafos actuales que también trabaja esta línea es Joel-Peter Witkin, que no utiliza el
daguerrotipo pero si continua una estética muy parecida al daguerrotipo. Utiliza los errores del
daguerrotipo para su obra contemporánia. Son fotografías manipuladas de manera que parezcan
estropeadas, oxidadas, con los fallos de una mala conservación del daguerrotipo.

Hay también grupos como AtelieRetaguardia que hacen daguerrotiòs actaules:

Otros ejemplos son:

JHarvey Zucker s.t.

Irving Povarosky 1976 daguerrotipo.

Los chicos, Carlos Darío Albornoz cogiendo la máxima conservación del daguerrotipo.

Otras contribuciones:

Hippolyte Bayard

Es un funcionario de lo que hoy sería hacienda muy experimentador de todos los procesos
iniciales de la fotografía. Ya desde el 1837 empieza a trabajar con la fotografía, primero sin cámara.

Experimenta desde 1837 con sustancias fotosensibles. Tiene problemas económicos, sin ayuda ni
medios. Y entre 1837 y enero de 1839 hace fotogramas sobre negativo sobre papel conseguido por
contacto. Encima del papel sensibilizado pone encima lo que tiene a mano y le da luz externa. Así
consigue que le salga un negativo. No le interesa el negativo y lo rechaza, porque lo que busca son
positivos directos sobre papel.

En enero de 1838 consigue positivos directos sobre papel hechos con cámara y revelado. Los
enseña a Arago (quien opta por Daguerre y revuelo mediático). A fines de 1839, la academia de
BBAA aconseja su uso para viajeros (el papel sensible se podía prepara antes y luego usar). Queda
eclipsado por la fama del daguerrotipo y en la historia de la fotografía hasta hace pocos años.

17
Aun así, hace una de las fotografías más importantes: el Autorretrato como ahogado (1840). Es un
positivo directo. Su proceso es:

• Papel bañado en sales de plata

• Se expone al sol y se ennegrece

• Se sumerge en yoduro potasio y, aun húmedo, se adhiere a un soporte (pizarra) y se mete

en la cámara.

• Se saca el papel de la cámara y la plata (ya ennegrecida por la luz se transforma en yoduro
de plata).

• Luego se baña en hiposulfito o cianuro y aparece la imagen positiva.

• Positivo directo sobre papel.

Detrás la foto iba con una nota dirigida a Franois Arago. Lo que tiene de importante esta foto
porque es una carga irónica, una demostración de cómo se toma el rechazo de Aragó. Es la primera
falacia de ficción porque hace como si se ahogara.

Resumen: es la representación de su propia muerte, aunque sea una muerte falsa. Es un

autorretrato de ficción. Es una fotografía de denuncia y es una fotografía con una gran carga
irónica.

Des del punto de vista formal lo podemos relacionar con la muerte de Marat, de David en 1798.
También el Satiro barberini y venus y marte de Botticelli. Posteriormente, de Rejlander con el
sueño del soltero.

Bayard también hizo otros positivo directo sobre papel en 1840. Frente al daguerrotipo presenta
mas contrastados (con menos tonos grises), es menos detallado y tiene menos nitidez por la
calidad del papel. Como similitud con el daguerrotipo es que se trata de imágenes únicas y ser
positivos directos.

Bayard fue miembro fundador de la Sociedad Heliográfica en 1851. También miembros fundados
de la Sociedad Francesa de Fotografía.

Talbot

Es el último de los iniciadores de la fotografía. Va a ser conocido sobre todo por ser el inventor del
negativo de papel. Este primer negativo papel recibe el nombre de calotipo o tabotipo. Es un
personaje de época victoriana que se mueve en la historia cultural del romanticismo. Tiene
18
orígenes aristocráticos seculares. Es un gran conocedor de botánica, de matemáticas, de óptica, de
química y a la vez un gran conocedor de arqueología, de civilización asiria, un especialista en
escritura cuneiforme. También especialista en jeroglíficos egipcios. Combinaba la idea de hombre
culto tanto en ciencias como en letras. Fue miembro de muchas asociaciones tanto científicas como
filológicas. Es un terrateniente que puede vivir de rentas. Combina las gestiones de sus
propiedades agrícolas con su faceta de experimentador. Estudios de luz, de óptica, fotografía y
trascripciones de lenguas clásicas y preclásicas. Además, hereda una antigua abadía de monjas
agustinas y que ya su familia había convertido en una residencia y explotación agrícola: Lacock
Abbey, modificada en el siglo XVI i XVIII. Es de la familia Talbot hasta los años 40 que pasa a ser
patrimonio nacional. Uno de sus grandes ayudantes es su mayordomo, que pasó a ser su mano
derecha en fotografía. Se conserva el mirador, que es allí donde se registró el primer negativo.
Talbot era un gran viajero (Grand Tour) con la cámara lucida, el espejo negro. De esto de han
conservado varios dibujos: dibujo con cámara oscura o lucida, Lecco, cerca del lago Como (1833).
Se conservan dos de las cámaras lúcidas en el Fox Talbot Museum.

En el 1834 como es un gran botánico busca un sistema para reproducir hojas y flores para sus
herbarios si tener que dibujarlas. Experimenta sin cámara. Fox Talbot Lace.

En 1835 experimenta también con cámara oscura.

En febrero en su cuaderno de notas describe por primera vez el proceso fotográfico

negativo/positivo. En el proceso de dibujo, si el papel es trasparente el primer dibujo puede servir
como objeto para.

En agosto hace su primer negativo en papel con cámara oscura: ventana de la abadía de Lacok. Lo
hace con unas cámaras muy pequeñas llamadas ratoneras. Todo lo que hace con ellas lo denomina
dibujos fotogénicos (tanto fotos por contacto como con cámara).

En enero de 1839:

• Se entera por Literari Gaze sobre la invención del daguerrotipo en Francia (discurso de
enero de Aragó).

• Inmediatamente presenta y expone sus dibujos fotogénicos a la Royal Institution de

London (contacto de hojas y plumas) y reclama la paternidad de la fotografía.

Nicolas Henneman:

Tras describir el negativo en papel, investida cómo conseguir el positivo:

19
 • Lo consigue en 1840 cuando inventa el proceso negativo/positivo.

• Del negativo papel saca por contacto un positivo también sobre papel sensibilizado con
nitrato de plata

• El negativo papel es la matriz de la cual se obtendrían múltiples imágenes positivas.

• Lo interpreta simplemente como una mejora de su procedimiento fotogénico.

• Podemos decir que auqi se inventa la fotografía en su sentido clásico.

• Lo patenta en Inglaterra.

Daguerrotipo: obra única no permite copias, mientras que el calotipo permite las copias que se
quieran porque es un negativo. El daguerrotipo es una placa de cobre cubierta de plata, el calotipo
es un negativo de pape. por tanto, pasamos de la unicidad a la multiplicidad gracias al negativo.

¿Qué fotografía Talbot?

Lo que tiene próximo: la arquitectura que le rodea como Lacock y a su familia. También las
universidades que conoce bien como Oxford o Cambridge. También sus viajes.

Arquitectura. Detalles, pocas imágenes frontales, puntos de vista o encuadres.

Talbot se maravilla de que la fotografía tarda el mismo tiempo en retratar a una persona o a un
grupo. Los grupos de figuras no toman mayor tiempo en su obtención que las figuras solitarias,
porque la cámara les retrata a todos a la vez, no importa cuantos sean.

Monta la primera industria fotográfica.

Talbot es uno de los iniciadores de la fotografía. Es el perfil de terrateniente que podía dedicarse a
explotaciones agrícolas e investigaciones científicas y humanísticas. Dentro de sus intereses estaba
a fotografía y odia hacerlo por vivir de rentas. El empieza como botánico y busca un sistema para
reproducir hojas y flores para sus herbarios sin tener que dibujarlas. Se han conservado bastantes
de sus herbarios. Hay muchos botánicos y botánicas aficionados al tema que van a trabajarlo. Es
consciente de que crea un negativo y quiere pasar a un positivo. Utiliza cámaras pequeñas
llamadas ratonera. Tanto fotos por contacto como son cámara los denomina dibujo fotogénico.

Crea la primera empresa de fotografía especializada en calotipos y daguerrotipos. Esto es algo muy
novedoso: Talbotype Manufacturig Establishment, primer establecimiento fotográfico del mundo.
En él se hacían todo tipo de obras como revistas, vista, productos editoriales. Se daban también

20
cursos de formación. Lo gestiona su ayudante y mayordomo Nicolaa Heeman. Sobre todo, va a ser
conocido por la edición de una serie de libros. Son libros costosos porque son libros con calotipos
originales que pegaba en cada uno de los ejemplare, que entones el coste obligaba hacerlo por
entregas. Hizo una serie de reediciones como Animals of the Artists of Spain (1847) que está
considerado como el primer libro de la historia dl arte con copias fotográficas, son siempre copias
de grabados u obras que estaban en colecciones de España o coleccionistas de Inglaterra. Algunos
oleos sí que os van a fotografías des del original. Esto es muy costoso y complejo. Las ediciones son
muy cortas, como de diez libros.
El otro gran libro es The pencil of Nature. Fue también editado por entregas de 1844 hasta el 1846
i consta de 24albumes con 4 calotipos que son copias positivas de papel salado ordenados en seis
capítulos. Combina imagen y palabra. Es el primer libro ilustrado con fotografía y el primer
tratado de literatura fotográfica. Es consciente de que estamos ante una nueva manera d
producción visual. Cada calotipo del libro lleva un texto que explica como hizo la imagen y también
como lo hizo es de un punto de vista plástico sobre la composición, el tipo de figuras utilizar, el
tipo de encuadre etc. También relaciona esto con la teoría de la historia del arte. Él ve la fotografía
como nigromancia moderna y sobre todo como una nueva forma visual frente a las clásicas formas
de reproducción. Este concepto que platea de entender la fotografía como el paso, un cambio de
formas tradicionales de representación grafías a nuevas. Él es consciente de que introduce algo tan
nuevo que incluso hoy día, aunque forme parte de nuestro día a día.

Hay un historiador conocido que es Mike Weaver que dice que Talbot va a dar una dimensión
simbólica, alegórica, una doble intención a sus imágenes e incide en olvidarse de la carga banal y
casual que escoge y enfocar a Talbot como un fotógrafo que sabe muy bien que fotografía por qué
lo fotografía concediendo a su obra esa carga simbólica, esa doble intención. Llega a la conclusión
de que es un fotógrafo producto de una época muy culta y que sus fotos son alegorías o símbolos,
es decir, un objeto real alude a otra realidad distinta que tienen un componente simbólico.

Resumen:
Es un fotógrafo erudito. Es un pensador global.

La escalera (1848), que su madre la denomino soliloquio de la escalera. Aparentemente es una

fotografía sencilla en el que coge un edificio muy auxiliar y secundario con una composición
triangula centrado en torno una escalera y flanqueado por la vegetación. Aparentemente es casi
una instantánea, pero NO lo es. Esto lo ha hecho a través de una escena con persona, que una luz
natural y con posados naturales.

21
Otra pieza de El lápiz de la naturaleza es The open door (1843) que su madre la bautizo como el
soliloquio de la escoba. Es un detalle. Uno de los edificios secundarios con una puerta entreabierta
y una escoba que la cruza, ubica esta imagen dentro de la traición pictórica y en concreto en la
escuela flamenca. Tenemos a suficiente autonomía dentro… los ojos del pintor pueden con
frecuencia…

La biblioteca (1843-44) es para los estudiosos algo así como un retrato. Esta muy pensada. En
algunos lomos sobre todo las etiquetas blancas permiten ver el título. La luz incide en algunos
títulos. Es un guiño a sus intereses culturales. Jeroglíficos asociados tradicionalmente a estos muy
eruditos y simbólicos. es una manera de mostrar a través de la imagen sus inquietudes culturales.
Es un autorretrato.

Época victoriana: resurgimiento de los estudios sobe la emblemática (lo que está por dentro muy
oculto). Por lo tanto, no solo veremos un trio muy bien pensado en la escalera, sino que la riqueza
de los significados de los objetos cuotidianos:
• Escalera: puede tener un significado simbólico alegórico.
• Ligado a la escalera ceremonial.
• Ritos de ascensión o subida
• Ascensión celeste.
• La escalera de perfección.
• La escalera como muerte o cambio
o El camino hacia el conocimiento.
La escalera está presente en los jeroglíficos egipcios y en los libros de los muertos. Talbot es
experto en la literatura emblemática y en su tradición ilustrada.
Monte Sancto Dio (Baldini,1477). Microcosmi (1617). Historia, de Fludd (1619). Plate 10:
Haystack.
Uno de los más conocidos es el de Durero Melancolia I de 1514 que ha sido estudiado sobre todo
por Panofsky.
Man with a crutch (1844).
Ejemplo actual de artistas que trabajan con calotipos. La recuperación de procesos antiguos es
ahora un proceso muy contemporáneo. Uno de ellos es Paolo Giolicon Omaggio o Hyppolite Bayard
de 1981 que es un homenaje a Bayard por el ahogado. Otro de los grandes es Tony Catany con la
serie de calotipos (1976/86). Otro de Martí Llorens como Papel encerado.

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LA DIFUSION DEL DAGUERROTIPO Y CALOTIPO
Primeras cámaras de daguerrotipo:
las Cámaras de Giroux.
Susse frèresOptica chevalier 1839
50 kg. 1839
400 francos oro 1839
Evolución acelerada
caramas de lerebours
Ópticas Chevalier y Voigtlander
4 kg 1841.
Con el daguerrotipo surge una nueva profesión: la del fotógrafo, tanto fotógrafo profesional como
aficionado. Pero si hablamos de nueva profesión nos referimos a un fotógrafo profesional estos
fotógrafos se difunden internacionalmente. Los primeros estudios profesionales necesitaban
muchos productos, por lo que no era una profesión de aprendizaje fácil. Es de dimensión
internacional.
El fotógrafo profesional trabajara en cualquier género, pero uno de los géneros preferidos será el
retrato. Hebra retratos policromados a mano.
Albert Sand Southworth: es un autorretrato de 1845/50. Es un daguerrotipo. Es de un fotógrafo
profesional.
Southworth y Hawes, Retrato de Rollin Heber.
Lemuel Shaw: Jurista americano.
Las medidas son muy estándar. Normalmente era de tapa o estuche como protección o para
decorar encima de muebles. O el daguerrotipo en el daguerrotipo de un fotógrafo desconocido.
Los daguerrotipos post-mortem serán también famosos. El fallecido iba al estudio hasta que a
finales del XIX se prohíbe por un tema de higiene y entonces es el fotógrafo que va al lugar donde
está el fallecido. Hay estudios, tesis y estudios antropológicos de este tema.
También hay daguerrotipos dobles que se llaman daguerrotipos. estereoscópico.
También está el fotógrafo ambulante, con su carro más o menos lujoso o sencillo. Daguerrotype
saloon (c.1850). Este fotógrafo hace la competencia al miniaturista. Por eso se dice que cuando
llega el daguerrotipo es la crisis del miniaturista y por esto es habitual que algún pintor de
miniaturas se pase a la fotografía. Tiene facilidad para luego policromarla. La. Crisis era sobre todo
más para el miniaturista.
Uno de los que se va a quejar es Pere que hace miniaturas.

23
Cuando surge un nuevo invento es habitual la ironía, que la veremos en muchos casos. Uno que
hizo esta ironía es Daumier, ex. Le Charivari que para no moverse estaban sujetos al sujeta-
cabezas. La paciencia es la virtud de los asnos.
Con la fotografía también se hacen joyas, que complementos en general de moda, el reloj, incluso
en los costureros. La fotografía es algo que se extiende a casi todos los ámbitos sociales.
Se hacen con estos primeros daguerrotipos vistas urbanas, paisajes, las panorámicas, el desnudo,
el acontecimiento. Muchos de los daguerrotipos sirven luego para hacer los grabados en las
diferentes publicaciones. Aunque había que hacerlo y revelarlo rápidamente, cualquier género y
tema podía ser fotografiado. Otro de los grandes temas es el desnudo, que está ligado a la
fotografía erótica. La fotografía microscópica como John William Draper. La astronomía como John
Adams Whipple con Vista de la luna 1852 que es un daguerrotipo. John Collins Warren Primera
fotografía con anestesia (1846). El viaje como Teofilo Gautier. Las excursiones dagerrienas son
muy famosos y son grabados a partir de daguerrotipos. Aquí tenemos el Panorama óptico histórico
de las islas Baleares que en teoría es el primer libro editado en España con imágenes del
daguerrotipo.

DIFUSIÓN DEL CALOTIPO Y OTROS PROCESOS CON NEGATIVO EN PAPEL

Entre los más conocidos que van a utilizar el calotipo está David Octavio Hill que va a trabajar con
Robert Adamson entre (1843-1848). Hill era pintor y lo utiliza como una herramienta de soporte
para sus cuadros. Edinburhg.
En 1843 le encargan un óleo enorme sobre la nueva iglesia de escocia con todos sus integrantes.
Firma del acta de separación de la iglesia de escocia (1843-1866). Lo que hace es fotografiar a
todos los integrantes y a partir de la fotografía hace el cuadro. Están todos fotografiados con
negativos de papel pasados a positivo. Aparecen de pie por un tema de exposición y con una
postura no de instantánea pro si de bastante libertad a la hora de registrarlo.
Serán muy conocidos a parte de esta obra por sus vistas de escocia por paisajes del lugar, por
registrar escenas cotidianas con el calotipo y serán serios competidores de la fábrica de Talbot.
Hill and other in Grey… son lo que diríamos tipos> el pescador, la vendedora etc. Gran calidad
plástica de las obras. Todos parten de negativos en papel.

24
A partir de aquí se hacen una serie de mejoras que vana. Permitir que la calidad sea mejor, que el
tiempo sea menos etc. Un ejemplo es Gustave Le Grey y Charles Negre que muchas veces de la foto
luego hace el cuadro. Henri Le Seq en Notre es una copia en papel salado a partir de un negativo
papel o calotipo.
18/10/2017

LA DIFUSION DE LA FOTOGRAFIA. LOS ESRUDOS PROFESIONALES. EL ESTUDIO AFICIONADO.

NUEVOS PROCEDIMIENTOS TECNICOS: NEGATIVO DE COLODIÓN HÚMEDO Y COPIAS POSITIVAS

A LA ABLÚMINA.

La novedad es que se utilizara el papel, pero sobre todo se introdujera el negativo con el material
de cristal. Hasta los años 80 del XIX el colodión húmedo y la albumina desbancara al daguerrotipo
y calotipo como procedimientos en desuso.

Mejoras en el procedimiento del negativo

Louis Désiré Blanquart-Evard:

• Negativo papel húmedo entre cristales: reduce el tiempo de exposición u que el papel no
se arrugue, 1847.

• Emulsión que baña el papel, sin usar pincel (más pulcro).

Abel Niépce de Saint-Victor:

• Negativo papel albuminado (más transparente). 1847.

• Negativo de vidrio con albúmina y nitrato de plata.

Gustave Le Gray:

• Negativo papel con colodión húmedo. 1849

• Negativo papel encerado seco. 1851.

• Negativo de vidrio con colodión húmedo 1849-1850.

MEJORAS EN EL PROCEDIMIENTO DE LA COPIA POSITIVA

Louis Désiré Blanquart-Evrard.

Abel Niepce de Saint-Victor.

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1850: papel de albúmina para positivos (copia a la albumina).

Quien se lleva la fama en este caso es un pintor y escultor llamado Frederic Scott Archer que en
1851 explica que está trabajando un nuevo método: un nuevo negativo y lo va publicando en
diferentes medios como la revista The Chemist. Este nuevo proceso es el negativo de vidrio al
colodión húmedo: copias positivas con papel albuminado. Este método servirá para una difusión
internacional de la fotografía. Esto ya lo había hecho el daguerrotipo, pero esto será el pistoletazo
definitivo principalmente para el desarrollo de la fotografía profesional (estudios) y también para
el amateur.

Esta nueva técnica del negativo de colodión húmedo tiene de ventajas que es más fácil de preparar
que el daguerrotipo y calotipo, porque no necesitas saber tanta química. Además, es más
económico porque los productos que se utilizan son más baratos. El proceso es más rápido. El
tiempo de exposición que el negativo ha de estar en la cámara es menor. Si se reduce el tiempo, la
gente no saldrá movida o desenfocada o con falta de nitidez. De inconvenientes, tiene que todo el
proceso ha de hacerse rápido por lo tanto se recomienda una habilidad por inmediatez. Además, el
negativo se coloca en la cámara húmedo y lo sacas húmedo aun porque sino pierde el efecto.
Además, se tienen que llevar todo el laboratorio a cuestas para hacer las fotos.

El colodión combina nitrocelulosa, éter y alcohol, con yoduro de plata.

Colodion = nitrato de celulosa disuelto en alcohol y éter. El colodión permite que el agente
sensible se adhiera al vidrio. A esto se le llama la emulsión.

• Sustancia pegajosa que se extiende sobre la placa de vidrio y, húmeda, se sensibiliza con
un baño de yoduro de plata.

• Se coloca la placa húmeda en la cámara.

• Se hace la foto.

• Luego se revela y fija.

• Placa de tonalidad marrón.

• Se requería mucha rapidez pata preparar las placas.

• Positivo por contacto al sol (papel albuminado es el habitual).

Esto permitió el desarrollo de muchísimos estudios fotográficos. Dentro de la complejidad era

bastante más fácil de manejar.

26
Dentro de la técnica del colodión, veremos otras modalidades: el ambrotipo, el ferrotipo y la copia
en papel (albuminado). Colodiones húmedos tratados de una manera concreta que aparentan ser
daguerrotipos. Se pueden colorea a mano. A este negativo de vidrio se llama subexpuesto, es decir,
con poca luz y detrás les pone un cartón o un papel y parece un positivo. El ferrotipo es lo mismo,
pero con metal, hacer fotos en hojalata y era muy económico. Era lo típico del feriante. Pero lo que
tendrá más éxito es el positivo en papel. Jules Virenque será uno de los más conocidos. Como se
positiva con un papel muy fino, se pegan a un cartón y se pone en la parte del dorso información
del fotógrafo.

Una versión que se va a trabajar en colodión y que no es propiamente una fotografía es el Cliché-
Verre, muy utilizado por artistas. Un ejemplo es Le Grand Cavalier, Corot. Millet o Man Ray.

• Originariamente se coloca barniz de grabado sobre un cristal y se raya (dibuja) encima

para luego estampar.

• Con el colodión se coloca el colodión sobre el cristal, se dibuja con punzo, se pone por
contacto con el papel fotosensible, luego se revela el positivo.

• Se dibuja directamente sobre el cristal, se pone por contacto con papel positivo sensible y
se revela.

Autores que van a trabajar el colodión y que abarca prácticamente el siglo XIX al menos hasta los
años 80:

Sintetizamos el panorama a través de dos perfiles diredente de fotógrafos del periodo del negativo
en vidrio al colodión húmedo:

Le Gray: fotógrafo profesional

Disderi: somo protagonista del auge mediático del medio.

Cameron: como fotógrafa aficionada de gran calidad

Nadar: como fotógrafo profesional que destaca por su vertiente de alta calidad plástica.

Carroll: como fotógrafo aficionado

La popularidad del medio llega de la mano de un fotógrafo profesional: Disdéri.

Después trabajaremos los generemos más desarrollado.

Gustave le Gray

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Va a trabajar a fotografía des de un punto de vista profesional. Era un investigador preocupado x
los avances técnicos de la foto. Tiene un estudio en parís que luego vende a Nadar. Empieza
trabajando con daguerrotipos y luego va dejando el daguerrotipo, se pasa al negativo papel hasta
llegar al negativo de vidrio de colodión húmedo. Investiga y introduce mejoras y podría ser el
padre del negativo del colodión húmedo y no Archer. Publico algunas de sus investigaciones como
el tratado práctico de la fotografía (1850), con ediciones posteriores más completas.

El experimentaba y utilizaba la fotografía como un instrumento de creación plástica, como un

instrumento artístico. De hecho, en una de las ediciones del tratado dice que desea que se integre a
la fotografía en las artes. El fotógrafo tiene estudio, gabinete, y que normalmente se le etiqueta casi
como a un artesano o comerciante y no como artista.

1851 es contratado por el gobierno para estar en la misión Heliográfica.

Recorre el suroeste de Francia, fotografiando castillos del valle de Loira, iglesias en la ruta de
peregrinación a Santiago de Compostela, Carcassone antes a la restauración de Viollet-le-Duc

Fue también profesor de Nadar, Delacroix, Le Seqc, du Camp, etc.

1860: crisis económica por la competencia de otros estudios profesionales. Arruinado deja todo y
se va a Oriente Próximo (viaje con Alejandro Dumas). Reside en el Cairo. Documenta los
monumentos arqueológicos de Egipto.

En su estudio hacia retratos como Palmira Leonardi (Mme Le Gray), 1848: es un daguerrotipo. Lo
vemos para saber que ha estudiado otras técnicas.

Portrait de Louis-Napoleon Bonaparte en Prince President (1852).

L’impératrice Eugénie en prière.

Trabajará géneros como el acontecimiento o la noticia.

La Industria, Terre-noire, Francia (1851-55): copia positiva en papel salado negativo de papel
encerado (calotipo).
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Fontainebleau (1849): copia positiva en papel salado negativo de papel encerado (calotipo). A
partir del 48 sigue teniendo su estudio en París, pero hace escapadas a Fontainebleau y lo hace en
los años en que lo hacen la escuela de Barbizón.

Relación con la escuela de Barbizón, los pintores del bosque de Fontainebleau. Relación con obras
de juventud y otras de Corot.

Estudio a partir de la naturaleza, Fontainebleau (1850).

Bosque de Fontainebleau, 1856.

1849-52.

También va a ser conocido por las marinas. Un ejemplo es Salves de la flotte française à Cherbourg
(1858). Tirage sur papier albuminé d’après un négatif sur verre au callodion. Destaca la captación
de las nuves, el cielo con las nubes tan evidentes. Le Gray trabaja el punto de vista, pero sobre todo
que todo esté en los grises que él considera. Por lo general, él procura controlar los grises, trabajar
la gama de grises. Otro elemento que controla es el de las detonaciones. Como el investía, consigue
hacer las fotos con menos tiempo y le permite casi congelar y esto es porque el tiempo de
exposición es más corto y por tanto el resultado es más nítido.

Beteaux quittant le Port du Havre: Positivo en papel albuminado a partir de un negativo vidrio al
colodión. Lo hace con una necesidad de expresarse a través de una imagen. No fotografía la fragata
como un documento, sino para expresarse como artista. Contraste de luces.

Flotte française en rade de Cherbour: Efectos de contraluz. Efectos lumínicos del mar.

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Faro de Le Have (1856-57): copia positiva de albúmina.

Marine, étude de nuages (Maria, estudio de nubes), 1857.

El bergartin (1856).

Efecto solar, océano (1857).

La gran ola, Sète.

Sète (1857): copia positiva de albumina. Trabaja con dos negativos: por una parte, fotografía como
él quiere el mar. Y, por otra parte, fotografía el cielo y sacrifica el mar. En uno ha valorado solo el
cielo y en otro el mar y como ambos, combina los dos y hace el positivo que quiere.

Sus marinas son referentes para la historia de la fotografía y también para la historia de la pintura,
porque contaminan este género pictórico tan característico de la tradición de la escuela inglesa:

• Por el estudio cuidadoso de los efectos de luces y sombras.

• Por la idea de armonizar volúmenes

• Por el cuidado trabajo de la perspectiva y composiciones

• Construcciones geométricas que juegan con formas triangulares y luenas horizontales

(mástiles, etc).

Retrato de Garibaldi (1860).

Sala hipóstila del templo de Amón en Karnak (1867). Copia positiva de albúmina.

Disdéri:

Fotógrafo profesional. Es importante porque fie el inventor de la llamada carta de visita. La tarjea
de visita es una fotografía más o menos de 6x9 cm que será muy habitual en el estudio del
fotógrafo y en los álbumes familiares. Será una de las fotos de las modalidades de mayor fama que
permiten abaratar el medio, que mas grupo sociales tengan acceso y permiten también difundirlo.

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Disdéri es tan conocido porque inventa y patenta una cámara de fotos nuevos. Esta cámara es de
varios objetivos (4,8,16 objetivos). Le permite hacer muchas fotografías en una sola placa. Hará
doce fotos con una sola placa pequeñas, tamaño carta de visita. El tiempo de exposición es para
una, y esto le permite abaratar los costos. Esto lo patenta en 1854. Disderi llego a tener el estudio
más grande y más importante de parís y abrió sucursales en muchas ciudades europeas. La cortina
de detrás siempre oculta el sujeta-cabezas del trípode. Es el momento de auge del álbum de
fotografías a partir del 1854.

Julia Margaret Cameron:

Hasta finales de los años 40 no fue objeto de consideración por parte de dos grandes historiadores
de la fotografía, pioneros en el campo de la fotografía y del ámbito coleccionista: el matrimonio de
Alison Helmut Gersheim (1942). Fueron los que dieron a conocer a figuras como Cameron.
Es un perfil relativamente parecido al de Talbot porque es también fotógrafa aficionada, terrateniente
(sus tierras están en la india, ella nace en Calcuta porque su padre era funcionario del gobierno
británico en la India). Su formación académica es en Inglaterra y Francia, porque su madre es francesa.
Hacia 1860 regresan a Inglaterra y vivirá bastantes años en Inglaterra hasta que ya mayor vuelve a la
india y se queda allí hasta su fallecimiento. Es una mujer de buena formación, cuta, que vive más o
menos bien. Pudo permitirse el lujo de dedicarse a la fotografía.
Ella tenía una sobrina nieta que era Virgina Wolf que dice ‘era de verbo apasionada y
comportamiento pintoresco’ porque rompe con muchos tabús en la sociedad, también por su
educación.
Empieza a hacer fotos tardíamente, en 1864 porque su hija le regala una cámara para sus
momentos de ocio. Además, tienen un elemento a destacar y es que hizo un registro oficial, un
registro de patentes las imágenes que hacía e incluso reivindicó su papel como fotografía ante
diversos espacios museísticos. Aprende la técnica a través de un científico y astrónomo, Sir John
Herschel (1792-1871). En esta relación epistolar él le va explicando cosas de la técnica fotografía y
ella aprende de él. Tiene relación con Rejlander, con quien también discute y conversa de
fotografía gracias a Tennyson, que era su vecino. Quien más le influyó fue un pintor y también
fotógrafo David Wilkie Wynfield, que va a hacer sobre todo retratos de sus amigos artistas, de sus
amigos poetas e intelectuales a quienes recrea y viste a la manera de (renacentista, medieval…),
hace recreaciones de época, intenta componer siguiendo postulados que recuerdan a la manera de
trabajar de Rembrandt o de Tiziano. Hace publicaciones sobre sus retratos. Cuando fotografía
suelen ser sobre todo retratos, cuando pinta hace cuadros históricos y cuadros de ambientación
histórica. Hace primeros planos o planos muy cercanos. Cameron dice que es su maestro. Este tipo
de retratos es lo que Cameron trabajara, se ve claramente la influencia. Wynfield en pintura es más

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academicista, en fotografía no. Los amigos de Wynfield son los pintores prerrafaelitas. Cameron
tiene un retrato suyo que es David Wilkie Wynfield, hecho con albumina, que tiene un tono
amarillento.

En Inglaterra monta el estudio en su casa, en una isla al sur de Inglaterra. Dice su sobrina Virginia
Wolf en 1860 los Cameron compraron casitas cubiertas de rosas, las hicieron anexas para dar su
hospitalidad. Remodela varias habitaciones del lugar. Ella hacia todo el proceso de revelado. Ella
preparaba las placas de colodión. Ella también positivaba. Tiene mucha obra deficitaria porque era
una fotógrafa autodidacta. Unos son contactos que se conservan en álbumes. Al principio todo esto
lo hace ella, pero luego lo lleva a empresas, a laboratorios fotográficos de Londres. Revelado y
tiraje: copias positivas por contacto albuminadas, también revelado profesional en
establecimientos especializados. Registra su fotografía.

Qué caracteriza sus sobras: es difícil ver dónde está la nitidez, donde está bien enfocado. Es
característico de su época buscar el desenfoque que, al primero, lo hizo por un desconocimiento,
luego lo hizo porque quiso. Utiliza largos tiempos de exposición, diafragmas abiertos, iluminación
muy suave. No hay profundidad de campo, es decir, que todos los campos de una fotografía estén
bien enfocados. Tiene el diafragma muy abierto significa que no habrá muchos planos enfocados.
Este guste por e desenfoque, por la imagen poco nítida, con la diversidad de planos desenfocados y
solo un plano enfocado porque huye de la idea de fotografía como documento ya que para ella des
de un principio la fotografía era un proceso creativo por esto se expresa con este gusto por hacer
planos nítidos. Iluminación suave significa poca luz.

Cámaras:
• Al principio utilizaba una cámara con un objetivo de distancia focal corta:
o Aberraciones ópticas/falta de nitidez/pocos planos enfocados (1863).
• Pero luego, compra otra cámara que tiene un objetivo adecuado (de focal variable):
o Mantendrá la falta de enfoque de planos (1866).

Como géneros le interesan básicamente los retratos, como el de Charles

Darwin. También retratos individuales. También le interesan las fotos a la
manera de como hacía su mentor. También fotos que recreaban
históricamente episodios mitológicos y también le interesan los episodios
literarios. También recreación plástica, porque bebe de la historia del arte.
Entiende al igual que Talbot la fotografía y Le Gray como un lenguaje con categoría artística. Es
lógico que tienda a moverse en el plano simbolista y alegórico, sobre todo cuando hace recreación.

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Trabaja mucho con los términos simbólicos y alegóricos y esto lo traduce mucho los títulos de sus
obras como El susurro de las musas, que el rostro de la niña no es nada nítido, tampoco las manos
o el instrumento, ni la otra niña ni la barba. Aquí parece que el perfil de la
nariz es la zona más enfocada. Sus modelos son los amigos, la familia, sus
vecinos, los sirvientes de la casa y son todos éstos a los que fotografía. Charles
Norman with his daughters. Julia Jackson (1867) (madre
de Virginia Wolf) con una luz lateral pero no hay
claramente una parte nítida más allá de los ojos y los
labios. Amistades como Ellen Terry at Age Sixteen (1864). Su doncella Mary
Hillier sigo la llamada, dejadme morir (1869). Sus sirvientes, Mary Hillier,
Elisabeth and Kate Kuhn (1864). Annie, mi primer éxito (1864) porque dice que es la primera foto
que le salió bien. Alfred Tennyson (1870), 1875. A los poetas que iban a su casa como Henry
Wadsworth Longfellow (1867) o el pintor George y Charles Darwin (1981).

Algunos se los retratos de Cameron de estos primeros planos con unas teorías que estaban de boga
que es la frenología: pensar que la inteligencia se concentra en la forma de la cabeza, en su medida
y que a través de esa forma y medida podemos saber cómo es la persona. En el caso de Herchel se
plasmaría para ver su inteligencia. Ella no se limita a reproducir o valorar una apariencia física,
sino a captar la fuerza que emana el personaje. Por lo tanto, le interesa la psicología del retratado.
Considera el arte como una vía de conocimiento. En sus diarios reivindica la capacidad artística de
la fotografía.
Muestra una complicidad de mismas fuentes literarias y plásticas con la hermandad prerrafaelita y
con los artistas simbolistas. Es amiga de Rossetti, etc. Hay relación con obras como John William

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Waterhouse, El alma de la rosa. También Alma Tademas, Millais, Waitig. Cameron, La hija del
jardinero. Dia de verano (1865). Muchas veces los títulos son el título de un poema de Tesesi. La
ninfa de la montaña (1866). En el jardín vs. El alma de la rosa.
Watts, La elección i ¿.

Fuentes:
 Historia del arte: arte clásico, medieval, 400, Rembrandt Vermeer.
 Literarias. Mitología, leyendas medievales, Shakespeare y Tennyson.
 Narración bíblica: Antiguo y Nuevo Testamento, hagiografías.
Bebe de fuentes medievales, renacentistas, poesía coetánea histórica, narración bíblica,
mitología…. Para plasmar ideales universales o arquetipos como la inocencia, la sabiduría, la
piedad, la belleza, etc. Por eso huye de la foto-documento, para ir a la foto creación. Se sabe mover
bien en la recreación histórica.
Cree en el arte con una intencionalidad moral a través de la alegoría. En un contexto histórico
marcado por el progreso y el maquinismo. Si plasma unos ideales es porque plasma un nivel
superior y no el nivel más objetivo y terrenal, sino un ideal elevado.
Santa Cecilia a la manera de Rafael – Rafael, Éxtasis de Santa Teresa.

A la manera de los frescos del Partenón (1867).

Beatrice (1866) - Guido Reni, Beatrice Cenci (1662).
La carta (1860) - y que luego el gran Stieglitz con Paula trabajará habiendo un guiño a esta autora.
I wait (Rachel Gurney).
Cupido reposando (1872).
Madonna con niño (1864) – Lucca della Robbia.
Paz, amor y fe – La rosa triple de Rossetti.
Santa Inés (1872) (Alice Liddell): ataviada como una santa.
Sigo la llamada, dejadme morir (1862) según un poema de los idilios del Rey.
Demasiado tarde demasiado tarde.
Julia Jackson (1864-65).
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Su manera de representar es siguiendo arquetipos/ideales, pero no plasma la idea de la mujer
tentadora, culpable, que aconseja a Adán que coja la manera como es propio del XIX por parte del
artista y escritos hombre de plasmar a la mujer.
Pomona (1872).
Ofelia, estudio núm. 2 (1867).
Beatrice (May Prinsep).
Eco (1868) (Ellen Therry).
Otros de sus trabajos importantes fue recrear un texto de Tennyson conocido como los idilios del
Rey, que narran leyendas artúricas des de la vida del rey Arturo, la vida de sus caballeros, de
Lanzarote, el amor por ginebra etc. Para ello, Cameron durante tres meses hace fotografías
inspiradas en los textos de Tennydon escenificando muchos de los poemas que narraban la
historia del rey Arturo. En este proyecto se arruinó y se vuelve a la india. No son sus mejores
fotografías, tienen de novedad/original el estar basada en fuentes literarias de Tennyson.
Elaine.
La muerte del rey Arturo (1875).
Cuando vuelve a Ceylan sigue con una fotografía de carácter más etnográfico como Grupo de
Kalutara (1878) y Cameron retratada por su hijo (1870).

NADAR
Es un francés de familia burguesa, intelectual de provincias, sus padres proceden de Lyon. El
empieza medicina en París, aunque la familia se arruina y entonces debe dejar los estudios y
ponerse a dibujar. Era buen dibujante de caricaturas y escritor, por lo que dibuja caricaturas y
escribe para periódicos ilustrados de provincias. Monta su taller fotográfico con su hermano.
Funda la revista cómica, donde tiene un personaje y de manera regular va contando sus historias.
Era un republicano radical, simpatizante de la revolución del 78 y de la comuna de Paris del 71.
Se introduce en la fotografía por casualidad, para hacer sus caricaturas necesita tener el retrato de
la persona para poder captar la esencia de la persona. Hará litografías de los personajes más
importantes en el panteón Nadar donde serán grandes fotografías en plano caricaturesco. Hizo dos
grandes litografías. A partir de estas litografías y retratos litográficos que parten de fotografías
monta el estudio. Un estudio que primer es muy sencillo, donde va a trabajar la carta de visita.
Luego, se convierte en el gran estudio de nadar en el Boulevard des Capucines en una calle muy
popular que será más conocido cuando se instala con su hermano en el estudio.
Cuando deja el estudio, aquí hicieron los impresionistas la primera exposición cuando fueron
rechazados. Pasa Todo París y Toda Francia con estas cartas de visita.

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Suele utilizar planos cercanos, plan hasta las rodillas frontal o de perfil, un fondo neutro para que
no moleste. Juega mucho con el volumen y lo hace a través de la luz. Trabaja mucho la relación con
la persona que va a trabajar. Muchos eran amigos y si no lo eran, los intenta conocer para plasmar
su psicología. Por tanto, no trataba tanto el parecido físico como si plasmar una psicología y luego
las trabaja mucho formalmente. Control completo de la iluminación comienza con iluminación
normal y luego iluminación de gas. Todas sus fotos se han conservado y se conservan en la
biblioteca general de París y todos son con la técnica del colodión húmedo.
Geoge Sand. Honoré Daumier. Delacroix. Hector Brlioz. Rossini. Debussy. Edmond y Jules
Concourt. Julio Verne. Baudelaire. Contrario a la fotografía. Cartas de visita de Baudelaire. Victor
Hugo. Manet. Rodin. Sara Bernhardt. Mme. Ernestine Nadar (1854-1855)
9-11-2017
TEMA NUEVO

Difusión del colodión húmedo (y de otras modalidades coetáneas)

Nos movemos en el colodión húmedo, aunque algunos autores que veremos comienzan con el
calotipo. Sobre todo, vamos a trabajar géneros con dos líneas: una línea más documentalista y otra
línea más pictorialista.

LA FOTOGRAFIA ESEREOSCÓPICA
Tenemos una fecha concreta de 1851 con la exposición universal de Londres que tendrá el papel
fundamental para difundir la fotografía y especialmente cogerá fuerza la fotografía
estereoscópica.
Hay otro elemento a tener en cuenta y es que también en este año, pero en Francia en París, se
crea la sociedad heliográfica que dará pie a una especie de campañas para registrar con la cámara
el legado medieval francés arquitectónico antes de su posible intervención para su restauración. El
51 actúa como una fecha enigmática para la fotografía y luego con la creación en Francia de la
sociedad heliográfica encargada de llevar a cabo esta misión heliográfica donde aparecen
fotógrafos como Gustave Le gree o Hyppolite Bayard. Des del punto de vista documental es
importantísimo porque registra monumentos que luego serán rehabilitados y restaurados. Es una
fuente informativa básica. Un ejemplo es Cathédrale Notre-Dame de Laon.

Paralelamente cogen fuerza las exposiciones solo de fotografía, como la del 1858 que es la
exposición conjunta en Inglaterra de la Photographic Society of London y la Societé Française de
Photographie. Vemos la unión entre estas dos sociedades.

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Se trata principalmente de hacer conciliar una actividad comercial que es lo que hará el fotógrafo
profesional con una vocación plástica o artística (que ya algunos autores comenzaban con este
punto de vista). Las técnicas que se utilizaban era tanto en negativo papel y negativo papel
encerado como el negativo de vidrio de colodión húmedo. El negativo papel es ligero y fácil de
transportar y se podía preparar en unos meses. En cambio, el negativo de vidrio colodión es más
nítido que el negativo papel, es más fácil de manejar y se prepara en el momento. Respecto a los
géneros, se trata de géneros diversificados más dos apreciaciones dominantes (no excluyentes):
documentalismo y pictorialismo.

En 1851 en la exposición universal de Londres se presenta la fotografía estereoscópica o también

llamada anaglifo, que es la nueva modalidad en boga. Esta es la fotografía tridimensional, en
relieve. Es decir, se trata de un efecto fotográfico de relieve o de tridimensionalidad. Se considera
el primer fenómeno visual de masas de la industria del entretenimiento. Fusión de tecnología y de
entretenimiento. Es el fenómeno de la industria de masas y entretenimiento. Por su riqueza de
detalles interesa al fotógrafo profesional (documentalista-guerras, etc.) y por su puesta en escena
gusta al gran público (distracción doméstica y familiar). Se harán proyecciones o será motivo de
reunión familiar ver las fotos de la familia, del viaje o compradas con los visores estereoscópicos y,
por lo tanto, será una manera de uso de disfrute y uso del gran público teniendo en cuenta de que
sigue siendo una actividad costosa, aunque ya una clase media podía usarla.
• Charles Wheatstone:
Físico y teórico de la visión binocular.
En 1838 construye y patenta el primer aparato óptico de experiencia ilusoria de captar el relieve
para dibujos geométricos planos que se podían visualizar en tres dimensiones.
• David Brewster:
En 1844 construye la primera cámara estereoscópica, que tiene un objetivo que se desplaza
horizontalmente sobre una plancha graduada.
En 1849 construye una cámara con dos objetivos o cámara binocular. Registra a la vez dos
imágenes (un tanto desplazadas) del mismo motivo.
Ejemplo: Talbot. Retrato de sir David Brewster junto al microscopio de Talbot, en Lacock. Calotipo
y copia positiva. 1842.
En 1949 crea un visor estereoscópico. Una caja de madera con dos binoculares en la parte superior
y una apertura para la entrada de luz.

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En 1851 presenta la cámara binocular y el visor estereoscópico en la Exposición de Londres
(Crystal Palace). Tiene mucho éxito porque le gustó mucho a la reina victoria y, por tanto, al resto
de la aristocracia.
Brewster se une a una empresa óptica (Duboss & Soleil).
Auge de la fotografía estereoscópica hasta el extremo de que en 1862 la London Stereocopic
Company vende más de un millón de positivos estereoscópicos.
Otros sistemas para conseguir la tridimensionalidad es la visión estereoscópica por color o
anaglifo por color. 1853 Willem Rollmann i 1891 Louis Decor. También se hacían proyecciones
colectivas.
Anaglifo por color o visión estereoscópica por color: proyectar en una pantalla dos fotos idénticas,
una foto lleva un filtro de color rojo y la otra un filtro de color azul o verde. La unión de ambos
provoca el efecto de relieve. Se debía de visualizar con gafas bicolor rojo-verde o rojo-azul.
También se puede imprimir dos imágenes idénticas en dos colores, superpuestas y ligeramente
desplazadas. Si la imagen se contempla con gafas de color se ve en relieve o profundidad.
• Louis Ducos du Hauron: pionero de la fotografía a color.

Fotografía estereoscópica:
• Industria prospera y fenómeno visual de masas.
• Industria del entretenimiento, recurso de ocio.
• Motivación icónica:
o Recurso para conseguir mayor sensación de veracidad.
o Apreciado por los fotógrafos documentalistas.

GENEROS FOTOGRÁFICOS (I)

DOCUMENTALISMO Y PICTORIALISMO
• DOCUMENTALISMO S XIX:
Es la plasmación del mundo externo con una intencionalidad, que es algo novedoso. Implica
documentar con intencionalidad. Es una nueva manera de concebir la imagen. Se trata de un nuevo
género:
• Diversificación: intención – testimonial, social, antropológica…
Documentalismo bélico:
Balaklava, The Crimea: la instantánea aún no se ha desarrollado. Hay una pose porque entienden
por documentalismo bélico la retratística la mayoría de las veces y, sobre todo, la de los mandos
como no tanto la de las tropas.

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El documentalismo bélico comienza con los fotógrafos que cubren la Guerra de Crimea, por tanto,
hacia el 1853-53. Los primeros fueron Roger Fenton, James Robertson y Felice Beato.
Otro hito fue la Segunda guerra del opio (1856-60) que la va a cubrir Felice Beato.
El tercer gran hito es la Guerra de Secesión Americana. La van a cubrir Mathew Brady, el Studio
Brady, Timothy O’sullivan, Alexander Gardner y Georgen.
-documentalismo geográfico:
Hitos:
El oeste americano, que forma parte también del imaginario colectivo. Yosemite, Yellowstone,
Himalaya y Alpes. Atores: Alexander Gardner.
Muchos de los fotógrafos americanos cuando acaba la guerra de sucesión son contratados para
fotografiar y documentar la construcción de grandes líneas ferroviarias que cruzan diferentes
estados o la búsqueda de materias primeras, de grandes industrias que van con geógrafos.
-Documentalismo etnográfico: es el descubrimiento por parte de unos de Japón, de Egipto, del
próximo oriente, del oeste americano. Autores: Felice Beato, Thymoty O’Sullyvan.
-Documentalismo arqueológico: Culturas pre-colombianas, Egipto palestina, roma con autores
como dérisñe Charny, hermanos Bisson y Francis.
En el XIX coge importancia y que sobre todo se va a ceñir a Europa con autores como Johan
Thomson y Thomas Annan.

ALGUNOS AUTORES REPRESENTATICOS:

ROGER FENTON:
Conocido por ser el primer reportero de la guerra. Visto como el fotógrafo más importante del
siglo XIX en Inglaterra. Es un hombre formado en leyes, es un abogado de familia terrateniente con
posibilidades económicas. Muy aficionado al arte, sobre todo a la pintura. De hecho, va a clase con
algunos pintores como Charles Lucy. Se forma también como pintor aficionado en París, de hecho,
estudia en el estudio de Paul Delaroche.
Se aficiona a la fotografía, forma parte del Photographic Club (1847). En la exposición universal de
Londres de 1851 le impacta tanto la fotografía que allí piensa que lo que tienen que ser es
fotógrafo por lo que abandona su profesión de fotografía y monta su estudio profesional. Se han
conservado algunas imágenes suyas de los primeros años, como Venado muerto (1852), que se
pensaba que es un estereoscópico. Es un negativo de papel encerado. Positivo a la sal. Sabemos
que empieza trabajando negativo papel y los estudios consideran que era un calotipo. Lo debió
hacer con una cámara estereoscópica de objetico único (de las primeras; no binocular o de dos
objetivos). Esta composición, elegir este anila se le ha asociado con vivir al lado del zoo y la
tradición de la pintura flamenca y barroca. Además, era un gran aficionado a la pintura.
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Luego, empieza a hacer algunos reportajes, en concreto, en 1852 es invitado o contratado en (no
está claro) para irse con un ingeniero que estaba construyendo el punte más alto del mundo en
Kiev (Ucrania). Varias cámaras, estereoscópica.
En este caso, una imagen de Moscú.
Tuvieron mucho éxito. Abrieron los ojos al conocimiento en Europa del mundo ruso, ucraniano.
Entre las obras más conocida y de más fama esta Cúpulas de la catedral de la Asunción (1852):
coge un encuadre muy personal, que es la fuerza de esta foto. Es como si fuera un encuadre muy
preciso y moderno y muy diferente a las vistas generales que es el tipo de fotografía más habitual.
Este se trata de un encuadre mucho más pensado, que es lo que tiene de moderno frente a otros
fotógrafos que hacían este tipo de panorámicas. Juega con el contraste: blancos sucios y negro.
Juego de planos. Énfasis en lo que a él le debía de sorprender que son las cubiertas. Esta es una de
las fotos que más se ha valorado.
Sus fotografías le permiten vivir de ello, de tal manera que el British Museum le encarga el
inventario de todo el museo. La reina Victoria le pidió que fotografiase a la familia real esto
provoco que mucha aristocracia de la época quisiera ser fotografiada. Son fotos muy pensadas y
cuidadas, pero con cierto tratamiento espontáneo, libre y suelto.
Otra de las actividades que va a realizar es emular la visión heliográfica francesa. Se dedica a
recorrer buena parte de las abadías y iglesias de época medieval, muchas en ruinas. Estamos en el
contexto romántico. Documenta sobre todo iglesias medievales, porque es lo que interesaba. Por
eso es muy conocido como fotógrafo de arquitectura. Son fotografías muy románticas con un valor
de la ruina. A parte de la importancia de encuadre y del plano a elegir, le da mucha importancia del
tema: la arquitectura medieval aludiendo a la importancia de la arquitectura heliográfica por su
misión de recorrer estas arquitecturas. Se ha asociado con algunos pintores de la época como
Gilpin, Turner o Constable porque tenía buenas competencias pictóricas ya que pintaba. Con
Constable tenía el mismo valor de las nubes y la misma composición.
También captara escenografías de un momento concreto.
También realizara el género del bodegón con fotografía estereoscópica que se ha asociado a la
influencia flamenca. Son imágenes muy limpias, muy nítidas y con un gran detalle. En este género
se le ha asociado con George Lance, con el que incluso llegó a tener disputas por la autoría.
Publica mucho: álbumes y libros por entregas; comercialización de lotes de positivos
estereoscópicos, etc. Phtography art treasures.
Es invitado, contratado para cubrir la guerra de Crimea. Se cree que era la primera vez que se
llamaba a un fotógrafo para cubrir la guerra porque lo normal era llamar a dibujantes. Para él fue
toda una osadía porque fue el primero en hacerlo.
14/11/2017
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Fenton es bogado que está muy aficionado a la pintura y a las artes que había estado en París
recibiendo lecciones de pinturas. En el 51 la exposición universal allí vio lo que se podía hacer con
la fotografía, deja su bufete de abogados y pasa a trabajar profesionalmente montando su estudio.

También va a trabajar la fotografía documentando las iglesias y abadías medievales que estaban en
Inglaterra, muchas de ellas en ruinas y las asocia con la estética victoriana. Fotografías muy
estudiadas en la composición, en la calidad técnica y en el juego de luces y sombras que se ha
asociado con la tradición de la acuarela de la época y con pintores de la época como Turner.

Fenton va a ser sobre todo reconocido como el primer reportero bélico. Con él empieza el
reportaje de guerra. Va a cubrir la guerra de Crimea (1853-56). Por parte de la opinión pública la
guerra se conocía a través de la prensa escrita y de los dibujos que hacían los dibujantes que
estaban en el lugar o a través de la crónica escrita los dibujantes de los diarios. Lo novedoso con
Fenton es que se introduce la fotografía como una nueva fuente de documentación visual para
prensa y documentaciones en general.

Trabaja con el colodión. El colodión requiere mucho tiempo de exposición y el concepto de

instantánea, por tanto, no ha aparecido. Hará fotografía de documentar la plana mayor del ejército,
no tanto el campo de batalla. Se van a dar a conocer a través de retratos de generales y oficiales.
Era una mirada muy diferente a como se podía plasmar en el escrito. Se tachaba al ejercito inglés
como muy desordenado y los generales con un problema de coordinación. Por una parte, hay un
editor de Manchester que ve que podría sacar un provecho económico a mandar al fotógrafo más
famoso del momento que es Fenton que haría fotos para luego enviarlas en prensa para luego
transformarlos en gravados. Y, por otra parte, podría hacer álbumes, estereoscópicas y portafolios
para vender por entregas. Además, como la guerra era tan impopular, la monarquía facilita a
Fenton cartas de recomendación para que se pueda mover libremente por Crimea y que sea capaz
de dar una imagen no tan dura, sino de cubrir mediante reportajes la guerra y de ofrecer la cara
amable de la guerra y no de drama y violencia que muchos periodistas de prensa escrita
plasmaban. Esto es básico ara entender que el primer reportaje de guerra tiene poco de reportaje
de guerra.

En el año 55 en el mes febrero parte de Inglaterra a Gibraltar para embarcar a Crimea. Cuando
llega a Crimea, no le dejan desembarcar porque necesita un permiso y no hay manera de saber
dónde tiene que dejar el permiso. Se va con un ayudante de fotografía, Sparling su ayudante de
fotografía i con Williams, conductor y sirviente. William conducía un furgón fotográfico. Escribió
un diario de este viaje en el que relató el problema del desembarque. Hace títulos fotgraficos como
Un cantinero ayudando a un hombre herido, La comisión sanitaria, La cocina de la octava de los
41
húsares. Por estas cosas, Scharf nos dice que este es el primer reportaje bélico de la historia no
contiene imágenes de guerra. En este sentido, las imágenes no comunican las impresiones de la
guerra, si no más buen el pintoresquismo. Un día tranquilo, Puerto de Balaclava, Preparación de
granadas para cañones, General Cambell y oficiales, momentos de asueto, Cantinera, cookhouse of
the 8th Hussars.

El colodión se estropeaba con las altas temperaturas, la emulsión se hinchaba, los mosquitos y las
moscas se adherían, el polvo se pegaba. Trabajaba de madruga y a las 10h de la mañana lo dejaba.
La baja fotosensibilidad del colodión requería exposiciones muy largas. Motivos inanimados,
figuras en posa e inmóviles. Hacía retratos de gente sedente. Sir Colin Cambell; General turco; Dr
Marlow; Sanitarios. Algunos de los preparativos del campo de batalla para comenzar la batalla.
Campamento de 5º de dragones. Sebastopol desde un campamento. Estas fotos luego se vendían y
se publicaban en los diarios del momento y álbumes. Se publicaban gravados a partir de sus
fotografías. Al igual que portafolios, fotografías hechas bajo el patronazgo de su Majestad la Reina
en Crimea. Hay una fotografía que sí que ha merecido la atención de muchísimos historiados que
es El valle de la sombra de la muerte (1855) porque es un paisaje después de la batalla, el lugar en
el que se ve que hubo algo antes, como las bolas de los cañones que ya han tenido un uso. Esta
fotografía tan sencilla sí que impacto en la publicación. De entrada, es un terreno de lo más árido,
luego está bastante trabajada para dar la sensación de profundidad y de que solo queden en el
suelo piedras y bolas de cañón. Es, como remarcó Lemagny, una especie de representación
metonímica de la muerte, que aparece así figurada como lo sería una cosa a través de su sombra. El
carácter documental de la fotografía reside en su autenticidad y no en la escena representada (la
parte por el todo de la guerra). Esta foto impactó en la opinión pública. Un periodista de la época
escribió las terribles sugestiones (de la imagen) no despiertan simplemente la memoria, sino que
realmente nos la llevan delante de los ojos, por la reproducción fotográfica. Y, además, impacta
porque coincide con la una de las batallas más dura que pierde Inglaterra: la de la Carga de la
Brigada ligera en el valle de la muerte por una descoordinación de los altos mandos. Lanceros
brigada ligera. De este episodio de la brigada ligera se han hecho películas, novelas, obras
pictóricas (Thomas Jhon Barker), etc.

Poco después regresa a Inglaterra con cólera y allí es recibido con todos los honores. Seguirá
imágenes escenificadas, editando álbumes y en 1862 dejará la fotografía y volverá a su bufete de
abogados.

El es el fotógrafo más importante del siglo XIX en Inglaterra y que la Historia de la fotografía dice
que comienza el reportaje bélico.

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No fue el único que cubrió el reportaje de guerra, Felice Beato también cubrió la guerra de Crimea.

Carol Popp de Szathamari:

Hay un fotógrafo rumano, Carol Popp de Szathamari que también cubrirá la guerra antes que
Fenton. Fenton sigue el criterio de Carol: refleja no el drama, sino la otra cara del drama. La
novedad de Carol frente a los otros es que es capaz de registrar los dos bandos, no solo el band de
turcos con franceses e ingleses, sino también el bando de los rusos. Hay dos elementos a tener en
cuenta: las fotografías de Fenton eran muy acuradas y, además, era inglés y esto hace que la
fotografía marque a Fenton como el iniciador del reportaje bélico. Está en la misma línea,
fotografiando oficiales, pero no escenas de guerra o de violencia.

Siguiendo con el documentalismo, podemos citar a Felice Beato, que no sólo hará reportaje bélico,
sino otros. De beato no sabemos mucho de su vida, ni siquiera donde nació. Trabaja con Robertson
y cubre la Guerra de Crimea. Luego lo deja y va a trabajar de manera autónoma. Se va a apuntar a
diversas expediciones militares en la india, China, Japón y Egipto desarrollando su vida en estas
zonas.

También se le conoce como un documentalismo bélico porque en la India será uno de los
fotógrafos que cubrirán una serie de revueltas contra el ejército británico. Por ejemplo, cubre la
rebelión de los cibayos (los soldados indios que trabajaban bajo el ejército británico y que eran
considerados como ciudadanos de quinta categoría). Documenta la matanza que hubo debido a
esta rebelión: Rebelión de los cipayos, india (1858), interior del templo secundaría. De novedoso
esta fotografía tiene una violencia que en todo caso no se ve como algo crítico Beato muestra la
violencia, pero siempre del lado vencido. Otro elemento a destacar es que el no estuvo en la
rebelión, sino que llegó medio año después y para documentar como escarmiento hacia los cipayos
lo que hacen es desenterrar todos los muertos para recrear la batalla. También Rebelión de los
cipayos, India 1858 mostrando a los indios vencidos. Con estas fotografías Beato hace álbumes que
se exportan y se editan en Inglaterra. Por lo tanto, se hace como un producto de venta pública,
mediática.

También hace expediciones militares con franceses e ingleses a China y hará fotografías de escenas
bélica donde aparece el ejercito contrario vencido como Fuerte Norte de Taku, Tsiensin, china,
inmediatamente después de su captura, 21 de agosto de 1860. Se cree que Picasso tuvo en cuenta
esta fotografía para hacer el Guernica. También hizo fotografías de arquitecturas y la familia
imperial.

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También aprovecho para hacer panorámicas. Hizo paisajes como el Munte Fujiyama (1860).
Pagoda en Kamukara. Puerto de Nagasaki (1871). Escena agrícola. Barco de pesca (1871) con los
que hacía álbumes y los pintaba a mano. Estas fotografías recuerdan bastante a la tradición del
gravado japonés del siglo XVII al siglo XX como Suzuki Harunobu o La vida que pasa. El sigue la
vida cuotidiana y la manera de componer. Siguiendo la tradición de estos grabados hace álbumes
como fotografías como Three women, One with umbrela pintadas a colores. Eran fotografías de la
gente de vida cortesana, Otra seria Music girls (1860). El mercado era el europeo, y de hecho se
vendieron en Europa con mucho éxito.

Egipto, Templo egipcio.

Expedición al Nilo.

Además de Fenton y de Beato y sobre todo además de la Guerra de Crimea o la rebelión de los
cibayos, otro lugar de contienda que también será cubierto por la fotografía es la guerra de
secesión norte americana que v a ser trabajada sobre todo por cuatro: Brady, Timothy O’Sullivan,
Alexander Gardner y George N. Barnard. Brady será el que comienza con más fuerza. Es un
fotógrafo bastante conocido. Empieza trabajando con daguerrotipos en su taller. Uno de sus
daguerrotipos más conocidos es Samuel Morse. Edita álbumes.

Desde 1850 publica Gallery of ill.

Cuando comienza la guerra de secesión también fotografiara a los soldados que quieren dejar un
recuerdo a su familia. Al principio eran con daguerrotipos, después con colodiones. Se abre un
mercado para hacer retratos de los soldados que se van a la guerra. Abre el Studio Brady en el que
contrata a varios fotógrafos que cubren la guerra por zonas: Gardner, O’Sullivan, Barnard, etc. Las
hacen con daguerrotipos (Brady), y negativos vidrio con colodión húmedo.

Hacen imágenes similares a los de Fenton; retratos de los altos mandos. Historia gráfica de la
guerra civil. Tuvo mucho éxito de ventas, pero el coste era muy elevado y se arruinó. Hace
fotografías parecidas a las de Fenton. Son imágenes de gran calidad, de vida cotidiana, pero hay
una diferencia fundamental: la guerra de secesión sí que se registra la violencia y el drama de la
guerra; hace lo mismo que Fenton (retratos etc.) pero además muestra muertes, no es una cara
amable. Una de las más conocidas es esta, que no se sabe de quien es, porque se firmaban como
Studio Brady, pero podría haberla hecho cualquiera de los tres. De hecho, cuando se independizan
lo hacen reivindicando la autoría de sus fotografías.

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Muchos de estos autores, cuando acaba la guerra permanecen en el territorio y acompañan
misiones de documentación etc. Se hace tanto en estereoscópica como en imagen única.

Lo que hace cuando acaba la guerra es documentar la construcción de una Vía férrea del oeste
(1867) con una mirada que algunos autores lo han querido relacionar con la corriente que tendrá
mucho éxito en los años 30: la nueva objetividad de la oda al desarrollo tecnológico, la
construcción de las vías sobre todo los puentes.

También cubre la ejecución de los que atentaron contra Lincolm. Rettrato de Lewis Paine
esposado. Documentación del juicio por el atentado contra el presidente Lincoln en 1865. Roland
Barthes (La cámara lúcida) explica esta imagen porque es como muy moderna, incluso el corte de
pelo, la manera de vestir y no hay ningún elemento que indique que es una foto de 1866. Es el
momento previo a la ejecución. Barthes destaca que está tranquilo, el impacto de esta imagen es
esa.

Lo que tienen de novedad es que hizo una especie de secuencia del ahorcamiento, de la ejecución.
Está trabajado con colodión. Es un documentalismo secuencial, técnicamente difícil (o con varias
cámaras).

Otro autor que también trabaja la guerra de sucesión es George N. Barnard, Fuego en los molinos.
Trabaja para Brady y luego se independiza para retratar la guerra. Hace retratos de oficiales y
luego algunas escenas violentas de heridos en la guerra.

O’Sullivan, más de lo mismo. Destacar como cubrir la guerra de secesión se hace recordando a la
de Crimea, pero en ellas se introducen los muertos y también hay una dificultad en identificar
autorías. Todos hacen álbumes, todos hacen estereoscópicas. Cuando acaba la guerra es
contratado para documentar zonas no exploradas del oeste americano organizadas por el
gobierno. Sobre todo, buscan localizar recursos naturales para ser explotados y potencias nuevos
asentamientos de colones. Por lo tanto, hace documentalismo bélico, geográfico y etnográfico. Irá
con su carromato. Reflejara la vida cotidiana de los expedicionarios. Indio Mojave. Incluso
documentará las minas de plata con luz de magnesio.

Sullivan será uno de los grandes documentalistas de paisajes de la época. Río Snake. Uno de los
que seguirán esta fotografía del paisaje es Ansel Adams, que guarda mucha relación con las del
siglo XIX.

Siguiendo esta tradición de carácter documental. Podemos citar a Edward Sherif Curtis, interesado
en retratar el oeste de O’Sullivan con el gusto por el documentalismo geográfico y etnográfico.

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Mark Klett. En esta línea también.

OTROS FOTÓGRAFOS DOCUMENTALISTAS

William H. Jackson hace tanto documentalismo geográfico, geológico…

Carleton.

Eadweard Muybridge. Yosemite.

Joseph Desiré Charnay – documentalismo arqueológico y etnográfico.

Samuel Bourne

Sir Richard Francis Burton

John Shane

Hermanos Bisson – expedición a los Alpes.

Charles Clifford (1860).

John Thompson – será de los pocos que va a trabajar el documentalismo social, que es un género
muy poco trabajado e el siglo XIX y él será el iniciador. En 1872 regresa a Inglaterra y sigue
publicando sus imágenes en álbumes. Después intenta hacer algo parecido en Londres, donde abre
su estudio profesional. Proyecto con el periodista A. Smith pata documentar la vida cotidiana y
callejera del este de Londres. 1876-77 revista y en 1877 libro Street Life in London (1877). En él
hay temática social, textos sociológicos. Son imágenes en negativo de colodión húmedo y el
positivo de woodburytipos. Son fotos muy cuidadas en iluminación, composición y tratamiento
formal que habla del Londres más pobre y por eso se ha asociado al documentalismo social,
aunque muestre la cara amable. Es el día a día de diversos barrios de Londres.

Siguiendo con este documentalismo también podemos citar a Francis Frith porque tendrá más
clara a que publicó va dirigido: a los viajeros del gran tur como el público de un poder adquisitivo
menor que de Inglaterra se ira a Francia etc. para hacer turismo, mucho más barato- servirá tanto
a los ideales icónicos del gran viajero como a los viajeros pequeños. Hace estereoscópicas.

Suministrar imágenes para un mercado floreciente europeo y norteamericano de fotografía.

Combina imágenes de paisajes lejanos con imágenes asociadas al turismo de interior y próximo.

Charles Marville:

Autorretrato (1856).
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Es un fotógrafo francés que hace álbumes, pero sobre todo va a ser contratado por el
ayuntamiento de parís para fotografiar el París los barrios antes de la remodelación de Hausmann,
conocido como el álbum viejo de París. Luego, es contratado para hacer el álbum del Paris nuevo.

1850-55 hace calotipos.

En el 1877 es encargado del ayuntamiento de parís: documentar el nuevo parís = París como
ciudad moderna, post-Hausmann. Documentacion ssematica del nuevo mobiliario urbano:

• Iluminación: nuevas farolas a gas.

• Quioscos y columnas Morris.

• Urinarios públicos.

Otro que documenta también lo urbano es Thomas Annan. Que v a documentar el rasgo más pobre
antes de su remodelación en 1868 y documenta los barrios en peor estado y más deficitario antes
de ser remodelados.

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