Rag

Time y nacimiento del jazz.

Entre las danzas tocadas por las bandas de metales y de concierto se encontraban
las piezas del ragtime, popular en las décadas 1890 y 1910 con ritmos sincopados
frente a un bajo regular y con ritmo de marcha, proveniente de las palmas de juba
de los negros norteamericanos, procedente de Africa.
Hoy en dia se conoce ragtime como música para piano, pero a finales del S. XIX
abarcaba música para conjunto, era originario para improvisar, irregularizando las
piezas anotadas con ritmos sincopados. La música de cakewalks iba muy unida a el
ragtime, cabe destacar al compositor Will Marion Cook como pionero del estilo y
expansor del mismo, y a Scott Joplin como compositor de ragtime más destacado,
conocido por sus rags para piano como por ejemplo “maple leaf rag” con las
características típicas del ragtime, compas de 2/4 y con forma de marcha con ideas
rítmicas breves, como las sincopas , es una característica de la música
afroamericana que puede remontarse a África.
La década del 1910 fue también testigo del primer desarrollo de otro tipo de
música afroamericana: el jazz. Evolucionó dentro de una tradición que abarcaba
muchos estilos, generos y funciones sociales, aunque empezó como una mezcla de
ragtime y música de baile.
Nueva Orleans esta considerada la cuna del jazz, ya que el pasado francés y español
de la ciudad le habían proporcionado otro ambiente distinto a las demás ciudades.
Era la única ciudad que permitía a los esclavos reunirse en público, por ello se
conservaron las tradiciones africanas perdidas en otros lugares, además la ciudad
tiene vínculos con cuba y las islas caribe. Las bandas de nueva Orleans mezclaron
estas tendencias y asi nació un nuevo tipo de música.
El jazz era diferente del ragtime sobre todo en el modo de ser interpretado, en
lugar de tocar la música respetando todas las notaciones, los interpretes
improvisaban arreglos que distinguían a todos ( nada era igual aun interpretando
la misma obra).

Debussy y Ravel.

Mientras Mahler y Strauss continuaron con la armonía wagneriana, Debussy
tomko otro camino: hacia el placer del momento. Debussy extrajo de la tradición
francesa la preferencia por la sensibilidad, el gusto y la contención. Asimilo ideas
de compositores rusos, de la música medieval y de la música de Asia, de esta fusión
creo obras que tuvieron un impacto increíble sobre todos los compositores
posteriores.
La música de Debussy ha sido llamada impresionista, pero esta mas próxima al
simbolismo, en lugar de expresar con profundidad una emoción, como en el
romanticismo, Debussy suele evocar un estado de animo, un sentimiento o una
escena. Crea imágenes musicales mediante motivos, armonias, escalas etc.
Estos rasgos son evidentes en la música para piano de Debussy, los estilos
armónicos de Wagner y Liszt influyeron en el uso por parte de él de acordes
cromáticos y tonos enteros. Debussy mantuvo por regla general un centro tonal,
pero desafio las relaciones tonales convencionales, esta nueva idea de armonía nos
permite disfrutar de cada acorde de manera individual y no estar pensando tanto
en la resolución.Una de sus obras más famosas es Estampes.
La música para orquesta de Debussy muestra las mismas características que sus
obras para piano , con el elemento añadido del timbre instrumental. Sus obras
requieren una gran orquesta , no para emplear sonidos fuertes , sino para emplear
gran variedad de timbres, siempre buscaba el mayor numero de sonidos
disponibles en una orquesta. Un claro ejemplo de su trato con la orquesta se puede
ver en su composición “La Mer”.
Los cambios introducidos por Debussy en los usos armónicos y orquestales lo han
convertido en una de las fuerzas más influyentes de la historia de la música. Su
énfasis en el sonido en si mismo como elemento de la música abrió las puertas a
nuevas posibilidades.


Maurice Ravel ha sido con frecuencia colocado junto a Debussy como
impresionista, pero su música abarca muchas más influencias, además de llevar su
sello distintivo caracterizado por el conocimiento del oficio, por las formas
tradicionales y por el uso de las melodías, armonias complejas dentro del lenguaje
tonal. A diferencia de Debussy, Ravel trata sus sonoridades de tonos enteros como
armonías disonantes que deben ser resueltas. Otra característica de Ravel son las
séptimas mayores que añade a los acordes de tónica y de subdominante para crear
una punzante disonancia que Debussy normalmente hubiese evitado.
Las composiciones de Ravel reflejan las ideas de la música francesa mas antigua y
de la tradición clásica. Ravel evitó repetirse a asi mismo gracias a un amplio
espectro de fuentes y poniendo de manifiesto en cada obra su sello individual.

SEGUNDA ESCUELA DE VIENA : Schonberg, Berg, Weber.

Arnold Schonberg se comprometió a prolongar la tradición clásica alemana, y por
esta razón se sintió impedido de ir mas allá de la tonalidad hacia la atononalidad, y
después hacía el método dodecafónico. Sus innovaciones le hicieron famoso en
algunos círculos, pero debido a su música tan disonante y difícil de seguir, no causo
la misma fama en otros círculos.
Como otros modernistas , Schonberg empezó escribiendo música tonal en el estilo
tardorromantico, pero pronto empezó a componer piezas que evitaban establecer
una nota como centro tonal, llamaron a esa música atonal, aunque Schonberg no le
gustaba ese termino. Se sintió movido a abandonar la tonalidad, Schonberg emuló
a Strauss y a otros compositores a la hora de emitir progresiones novedosas y de
evitar las cadencias convencionales, todo esto le condujo a “la emancipación de la
disonancia” sin un eje tonal se apoyó en tres métodos para organizar la música : la
variación en el desarrollo, la integración de la armonía y de la melodía y la
saturación cromática. Por esos medios , Schonberg intentó escribir una música
atonal que fuese tan lógica como la música tonal. Pero con sus métodos atonales no
podía igualar la coherencia formal de la música tonal, por lo que tenia que
apoyarse en un texto para mantener la cohesión de las obra, encontró la solución
en el método dodecafónico. La base de la composición en 12 tonos es una serie que
consta de doce clases de tonos, dispuestos en un orden elegido por el compositor y
dando lugar a una secuencia particular de intervalos. La serie puede usarse
además de en su forma original, en inversión o en orden retrogrado y en inversión
retrógrada.
Schonberg quiso tratar los problemas como compositor moderno y la manera de
enfrentarse a ellos contribuyó de un modo considerable a dar forma a la practica
musical del S.XX. Schonberg atrajo muchos estudiantes leales, los dos mas notables
fueron Alban Berg y Anton Weber.



Alban Berg empezó sus estudios con Schonberg, aunque adoptó los métodos atonal
y dodecafónico de él, su música es más accesible. Su secreto esta en infundir a su
idioma postonal no solo las formas y procedimientos de la música tonal, como
Schonberg había hecho, sino también sus gestos expresivos, sus estilos
característicos y otros elementos que transmitían rápidamente a sus oyentes
significados y sentimientos. En su opera Wozzeck, Berg acentua el dramatismo y
organiza la música mediante el uso de leitmotiv, conjuntos de clases de tonos
identificados como los protagonistas y formas tradicionales, que expresan
comentarios irónicos sobre los personajes y la situación. Poco después de
Wozzeck, Berg adoptó los métodos dodecafónicos y los manipuló para sus propios
fines. A menudo escogía series de acordes y progresiones de acordes de sonido
tonal, lo cual ponía en conexión al nuevo estilo con el pasado y confería a su música
un impacto emocional.
Berg entendio que, puesto que la música dodecafónica era desconocida, podía
resultar incomprensible para el oyente, aunque tenia también la capacidad de
imitar cualquier estilo, por ello su música se adapta la innovación al pasado,
reelabora la estructura interna de manera radical pero mantiene un mayor numero
de elementos conocidos sobre la superficie de la música.