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HISTORIA 4 Precolombino Grecia Renacimiento PDF
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IV
Candela Bustos
Cuarto Año 2016
II
Para abordar las diversas similitudes y diferencias entre los afluentes artísticos en los que
basaré mi investigación es preciso tener en cuenta que no sólo comprenden, desde el más
antiguo al más reciente, un extenso período de 3600 años –siendo la Cultura Maya el inicio y la
consumación del mismo-, sino que también estamos hablando de espacios geográficos
absolutamente distintos, que apenas entablarán conexiones históricamente contundentes en
los últimos dos siglos de esta gran etapa.
La manifestación cultural que mejor nos brinda una idea acerca de cómo era el Arte en cada
una de estas civilizaciones son los hallazgos arquitectónicos diseminados a diestra y siniestra
del océano.
Uno de los detalles unificadores en este aspecto es la utilización del color, que muy distante
a la percepción errada de muchos, aplicaba para todas las construcciones arquitectónicas
tanto en América como en Europa. Es increíble imaginar las imponentes pirámides Aztecas con
vibrantes colores primarios, o al Partenón en Atenas sumido en un potente azul y oro. El
motivo por el que pintaban los edificios era muy simple: Se consideraba que un muro
El Arte en la Historia IV
descolorido era el vestigio de una obra inacabada; por otro lado, mientras que en América el
color era puramente simbólico –servía como invocación a los dioses, llamador de la buena
fortuna, la fecundidad y otras creencias-, en la Grecia Antigua se apuntaba a la búsqueda del
realismo, primeramente en el Arte Clásico, y a medida que el Arte Helenístico se va abriendo
paso, las obras van adoptando mayor expresividad, tanto en este tema del color, como en
otras ramas artísticas que estaban supeditadas a la arquitectura. En cuanto a estas ramas, cabe
destacar:
movilizar una gran fuerza de trabajo. Los mayas construyeron sus ciudades con tecnología
neolítica; las estructuras arquitectónicas se construyeron de piedra y materiales perecederos.
El tipo de piedra utilizado en la construcción de mampostería variaba de acuerdo a los recursos
locales disponibles, lo que también influyó el estilo de construcción.
Las grandes ciudades de la civilización maya contaban con templos piramidales, palacios,
campos para el juego de pelota, sacbeob (calzadas), patios y plazas. Algunas ciudades también
poseían sistemas hidráulicos o extensas murallas defensivas, avances presentes en las
civilizaciones antiguas de Europa con varios años de diferencia.
En sus edificios predominaban los relieves en estuco, la cerámica polícroma y las figurillas
en ornamentados dinteles de madera o piedra, detalles que también encontramos en la Grecia
antigua, y posteriormente en las portadas de iglesias románicas y del gótico. Asimismo la
escultura se hacía presente en escaleras, pilares y en piedras de pavimento trabajadas con
inscripciones y motivos religiosos y cotidianos. Y al igual que los pintores del Renacimiento
aunque con diferentes técnicas, realizaban en sus templos inmensos murales utilizando tintes
vegetales, animales y minerales.
Los artistas mayas fueron los primeros en firmas sus obras; sus trabajos eran
verdaderos artículos de lujo, por lo que eran personales y no enteramente
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Olmecas: El arte olmeca compartía con las culturas antiguas de Europa, esta
tendencia a idealizar al hombre, de verlo identificado como una deidad, como perfectas
creaciones de los dioses; de ahí que su estilo artístico y arquitectónico reflejara sus anhelos de
perfección. Decoraban sus templos y demás edificios con murales que demostraban una clara
simetría axial, siempre concordando en tamaño, color y forma con el espacio en el que se
encontraban; de modo que el centro de uno de esos murales muchas veces coincidía el centro
de una puerta o una escalera, y las figuras –por lo general zoomorfas- fluctuaban entre los
elementos constructivos encajando de manera casi perfecta.
El arte olmeca era muy complejo y se poseen muchos objetos que aún se están
investigando. Los más importantes y conocidos son las Cabezas colosales olmecas que son un
ejemplo de escultura monumental y una de sus mejores representaciones artísticas. Se cree
que pueden representar a guerreros o a jefes. Una característica llamativa de estas cabezas
colosales es la marcada apariencia negroide, lo que ha llevado a diferentes conjeturas. Se han
lanzado hipótesis, después rechazadas, que sugieren algunos contactos interoceánicos en
tiempos antiguos. También se cree que podrían representar cabezas de sus dioses —de ahí el
enterramiento— o de jefes, que se enterraron cuando éstos murieron. Se cree que podrían
tener rasgos idealizados, felinos, y de ahí ese aspecto. También se cree que son guerreros, y no
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dioses, por los cascos que llevan. Fueron esculpidas en basalto traído desde lejanos lugares.
Pesan varias toneladas y algunas miden hasta cuatro metros de altura.
La cultura Chavín construyo Pirámides Truncadas (con una sola entrada) y con pasajes y
laberintos. Estas pirámides tenían habitaciones subterráneas donde se tenía la creencia que las
V
deidades descansaban. Los Templos chavín fueron construidos para la adoración de sus dioses
y servían como centros de poder y administración.
El arte chavín es básicamente naturalista, y los temas principales son los seres humanos,
aves, serpientes, felinos, otros animales, plantas y conchas. La cerámica fue extraordinaria. Es
generalmente monocroma, en algunas ocasiones es decorado con colores rojo y negro-plata.
Se añade una serie de puntuaciones. Entre los seres más representados figuran: seres
zoomorfos (felinos, monos, lagartos, serpientes y aves), fitomorfos (tubérculos) y
antropomorfos. Los colores más usados fueron: gris, marrón y negro. También se
especializaron en la textilería; utilizando como materia prima el algodón y la lana, se hacían
tapices y tejidos. Estos podían ser simples, bordados y con adornos a base de orlas y flecos.
En las construcciones importantes como las huacas, se solía hacer cada cierto tiempo una
reedificación, en la cual en vez de remodelar una pared, la tapaban construyendo otra
adelante; esto se puede apreciar en todas las huacas. En muchos edificios moches se han
encontrado pinturas murales, de inspiración religiosa, ya que representan a seres divinos o
escenas relacionadas con ellos.
VI
Fueron los mejores orfebres de la época, por lo que sus edificaciones más importantes
poseían muchas veces ornamentos hechos con la famosa “tumbaga”, nombre que los
españoles le dieron a la aleación de oro y cobre descubierta por los mochicas y difundida en
todas las culturas colindantes. Estas alternativas a los metales preciosos puros se daban por la
escasez de dichos materiales en algunas zonas y la abundancia en otras, cosa que no sucedía
por ejemplo en las Cícladas, donde los templos de los dioses griegos refulgían de metales
preciosos y joyas. Sin embargo, tristemente debo decir, que el destino de estas decoraciones
en ambos casos fue el mismo: terminaron en manos de los conquistadores o de simples
ladrones de tesoros a lo largo de siglos y siglos.
Aztecas: Los aztecas estaban bien organizados y contaban con una fuerte
infraestructura y sistemas que movilizaban gentes y recursos materiales con el objetivo de
construir grandes edificios que satisficieran las necesidades de sus pobladores. Tenochtitlán, la
ciudad capital, simbolizaba el poder azteca. La arquitectura azteca, que era similar a la de otras
culturas mesoamericanas, poseía un innato sentido del orden y de la simetría. Los diseños
geométricos y las líneas extensas eran representaciones de dogmas religiosos y del poder del
Estado.
Además, los aztecas usaron bajorrelieves, muros, plazas y plataformas como medios con los
cuales representar a sus dioses e ideales. Durante las distintas épocas del imperio, los aztecas
VII
Entre los tipos arquitectónicos más comunes no podemos dejar de mencionar los templos
piramidales de planta cuadrada o rectangular con una sola escalinata de acceso en la parte
frontal, delimitada por dos alfardas lisas. Muchas de las pirámides de Tenochtitlan seguían este
modelo. Otro modelo relativamente frecuente es la pirámide de planta circular que
tradicionalmente se ha atribuido a santuarios del dios Ehécatl, deidad del viento, que en su
aspecto de remolino o huracán podría hacer lógica esta forma.
Otro aporte pictórico de este pueblo, fueron los códices mexicas, que como la mayoría de
los códices mesoamericanos, están elaborados en un papel especial hecho de corteza de árbol:
el amate. Fueron realizados por artistas de la élite llamados tlacuilos con convenciones de las
distintas tradiciones pictóricas de Mesoamérica. Por ejemplo, los caminos andados están
representados por pequeñas huellas de pies. Las palabras habladas están simbolizadas con
una voluta. Los realizaron con tintas variadas, que permitían lograr una viva y hermosa
policromía. Representaban a los dioses, hombres notables, animales o plantas y también
hechos de la vida real. En esta modalidad lograron un nivel artístico muy alto y se prolongó
muchos años después de la conquista, pero influenciada por los españoles.
Algo que jamás había visto: La plumería, que fue una de las expresiones más originales y
características de los aztecas, especialmente en la elaboración de mosaicos. Las aves eran
clasificadas de acuerdo con el tamaño, calidad y color, siendo las más apreciadas las verdes de
quetzal; las rojas del tlauquecholli, parecido al flamenco, y las azules turquesa del xiuhtótotl.
Los especialistas dedicados a estas tareas se llamaban amantecas y eran muy apreciados.
Por último, las esculturas y figurillas de personas son los elementos que identifican las
creaciones plásticas del Posclásico Tardío. Son imágenes de hombres y mujeres que expresan
los ideales tanto en edad como en belleza. La etapa juvenil adulta era considerada el
momento de plenitud que garantizaba la fortaleza en la guerra. Siendo esta edad también la
de mayor actividad sexual, las esculturas representan el paradigma social tan necesario para
la supremacía imperial. El notable desarrollo que alcanzaron los talleres escultóricos
existentes en las principales capitales indígenas, principalmente México-Tenochtitlan,
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sin que entre ellos pudiera pasar ni un alfiler. Muchas veces esos bloques eran tan grandes que
resulta difícil imaginar su colocación.
Su cerámica fue decorada con figuras geométricas en tonos sepias, rojos, blancos y
marrones, presento formas muy variadas, entre las que destaca el urpu o aríbalo que era una
vasija con motivos de insectos como libélulas y mariposas otra cerámica que destaco fue el
quero o vaso ceremonial. Las piezas en serie fueron utilizadas por el pueblo, mientras que la
cerámica de connotación religiosa fue trabajada a mano y presento acabados muy
meticulosos. El Paccha Inca de cerámica se utilizaba en los rituales, ya que servía para
penetrar la tierra e irrigarla de sustancias, que se creía tenían efectos mágicos. Su forma es
muy similar a la chaquitaclla, instrumento de labranza agrícola utilizado por los antiguos
peruanos.
Otro de los elementos más apreciados por los incas fue el tejido, que se confeccionaba a
gran escala a lo largo de todo el Tahuantinsuyo. Además de la función doméstica, los textiles
tuvieron una función social y religiosa. El cumbi sirvió para confeccionar la ropa del inca; y la
abasca, producto casero de enorme calidad, se empleaba para ofrendas religiosas. Los
insumos que se utilizaron fueron el algodón y la lana de llama y alpaca. Por ejemplo en la
imagen debajo se muestra el unku o vestido tradicional Inca con frecuencia esta bordado con
motivos geométricos y colores vivos.
Su arte en la metalurgia fue representado por finos trabajos de oro y plata adornaban los
templos incas, en forma de ofrendas a los dioses. La élite cuzqueña portaba narigueras y
orejeras, entre otras joyas distintivas de su clase social. Los objetos utilitarios se hacían de
bronce, una aleación de cobre y estaño. El oro se destinó casi exclusivamente a la confección
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de ofrendas.
Como se puede apreciar, los estilos arquitectónicos en las civilizaciones precolombinas eran
bastante similares entre sí. La monumentalidad, el detalle, la decoración en edificaciones
religiosas o administrativas, mientras que hogares de la gente común se mostraban sencillos y
construidos con materiales no muy perdurables en el tiempo.
Al color que como ya dijimos era un aditivo generalizado, se le suman los relieves que
narran acontecimientos y representan a sus deidades, de idéntica forma que los frisos griegos.
IX
Es clara la necesidad de dejar asentados registros históricos para las generaciones venideras y
de educar a las poblaciones con los mandatos religiosos y otras leyes. Este recurso también es
utilizado en el arte de la Era Medieval, donde la cantidad de analfabetos era tan grande que la
mejor manera de impartir el catolicismo era mediante las imágenes. Podríamos decir, que el
desarrollo arquitectónico tanto de las culturas prehispánicas, como el Románico y el Griego
Arcaico, coinciden en parte en su utilidad; el arte visto como un objeto de lujo y decoración
deberá recorrer largos caminos hasta consolidarse dentro de sus respectivas culturas, mientras
tanto, todo girará en torno a lo divino.
Ahora bien, mirando enteramente hacia Europa, el modo que tengo de asociar las distintas
tendencias son las siguientes.
Hieratismo, tosquedad.
Arte puramente representativo, sin
individualizaciones. Genérico.
GRIEGO ARCAICO ROMÁNICO Formas austeras.
(650 – 480 a.c.) (900 – 1250 d.c.) Frisos/relieves con finalidad didáctica.
Los templos eran construidos para acoger a
las concentraciones de fieles que llegaban
por unas u otras razones.
Realismo absurdo.
Bestiarios o seres mitológicos.
Gótico, no son más que eso, coincidencias dadas por la situación política y social de la época
(el Románico incluso pretendió dar continuidad al arte desarrollado por el Imperio Romano);
con esto digo, los griegos al igual que los cristianos del románico, comienzan a asentarse y
consolidarse dentro de un determinado territorio, buscan ser identificados de algún modo que
puedan atraer adeptos a sus nuevos planteos del mundo, recurriendo a templos o iglesias. Aun
así, la notable diferencia está en que lo más característico del Arcaico como en todo el Arte
Griego, fueron las esculturas, mientras que el elemento central que permitió el desarrollo del
arte a partir del Románico fueron las iglesias, logrando la unificación de toda Europa mediante
la religión.
Más tarde en la época moderna nos situaríamos con el Gótico que a mi entender es una
versión “recargada” del Románico, como el Helenístico lo es de sus estilos precedentes. La
arquitectura gótica busca la iluminación, el acercamiento con Dios, añadiendo al Románico un
detalle crucial: Los íconos religiosos ya no son figuras inalcanzables. Al igual que cualquier
persona común, Jesús alguna vez fue niño y la Virgen tuvo una vida antes de la visita del
Espíritu Santo; vemos en relieves y esculturas –adosadas a las Iglesias- a santos y a personas
por igual, sufriendo y siendo perseguidas por demonios. Este grado de consciencia de la
realidad es el que se hace presente por igual tanto en el Gótico como en el Helenístico. En este
último también vemos, aunque sin el toque del cristianismo, figuras que sufren, que ríen, y
que aparentemente tienen más masa corporal que las figuras clásicas, más movimiento, en fin,
más expresividad.
Es fruto de un trabajo en equipo, lo que hace que sea una arquitectura de una gran
perfección, con mucha armonía. Esto fue conseguido principalmente en la época clásica. Al ser
una arquitectura armoniosa es una arquitectura bella.
La cubierta exterior de los templos griegos es a dos aguas. Está realizada a base de tejas
planas con una pequeña teja curva en las junturas. Estas tejas sirven para embellecer el tejado
y para expulsar el agua lejos de los muros. En el tejado hay otros elementos: las gárgolas, con
la misma función, las antefijas, piezas de cerámica policromadas colocada en un extremo del
tejado para ocultar el extremo de una hilada de tejas y las acróteras, piezas que rematan los
vértices de un frontón con un carácter meramente decorativo. El frontón corona el tejado. Es
el lugar donde más frecuentemente se incorpora la escultura. Suelen ser dos, uno en la parte
delantera y otro en la posterior, pero a veces, al principio, sólo hay uno en la parte delantera,
creándose una cubierta a triple vertiente.
El tema principal del Arte Griego era “el hombre”. En los santuarios había imágenes de
dioses y de mortales en bronce y mármol. El Arte Griego marca un referente para la
civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la
antigüedad son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos
han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente.
negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte. Al
comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de
geométrico que recibe este primer período (siglos IX y VIII a. C.)- que apenas se destacaban
sobre la superficie. Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente
hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales
enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período
Arcaico, se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas
tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de las representaciones
mitológicas.
Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en
materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período
Arcaico que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Los motivos más comunes de las
primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos (kouros) y muchachas (korés). De formas
lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra una belleza ideal. Estas figuras
guardaban una gran similitud con las esculturas egipcias que habían servido de modelo. Con
la llegada del Clasicismo, la estatuaria griega fue tomando un carácter propio y abandonó
definitivamente los primitivos patrones orientales. Gracias al estudio de las proporciones se
pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron definitivamente en
expresividad y realismo.
los templos.
Alzado: las construcciones son más largas que altas. Los muros son gruesos y sin vanos
(ventanales). Se utiliza el Rosetón, que es la fuente de luz principal para los monasterios. La
altura va a estar dada por la nave central y las torres.
Elementos sustentantes: Arcos de medio punto, que va a estar reforzado por una
moldura y en ocasiones las dovelas van a estar decoradas en dos colores (blanco y rojo o
blanco y negro); columnas, que no van a seguir los órdenes clásicos. Serán de fuste liso y basa.
Los capiteles van a estar ornamentados; y pilares.
cumplir promesas, y también encontramos los monasterios, que eran el núcleo que aglutinaba
a la población rural. Las Iglesias de esta época instauraron un sentido espiritual y
representativo que perdurará en el tiempo; el crucero representa la bóveda celeste, la cruz, el
cuerpo de Cristo y los muros representarán a la gente.
En los espacios arquitectónicos se dejan sitios para rellenar con esculturas. Los temas
principales reflejados en estas serán los del tímpano con el Cristo Pantocrator, dentro de la
“almendra sagrada”, con una mano en alto y otra sobre un libro. En la base del tímpano suelen
presentarse a los padres fundadores de la Iglesia. En los capiteles, los cimacios están semi
redondeados, y en ellos hay representaciones de actividades cotidianas, seres monstruosos
(harpías, grifos), y la Virgen con el Niño. También se pintan los interiores, principalmente en
bóvedas y ábsides, naves centrales y laterales, y además en la entrada a los pies del edificio.
XIV
Los murales se pintaban con la técnica del fresco retocados con temple. El espacio tanto de las
esculturas como de las pinturas, se organizaba a través de líneas que organizaban la narración.
Gótico: A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo
considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de
Saint Denis (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).
También desde finales del siglo XII y comienzos del XIII se divulga por los monasterios de la
orden del Císter un estilo despojado de ornamentación y reducido a la pureza de los elementos
estructurales, expresión de las concepciones estéticas y espirituales de Bernardo de Claraval,
que se suele denominar arte cisterciense.
A los elementos constructivos del Románico se le agregan además muros más estrechos,
predominio de los vanos, contrafuertes y torres. En cuanto a la planta, la edificación principal
será la Catedral, que tiene planta Basilical de Cruz Latina. El crucero se desplaza y la
importancia va a estar en la cabecera. Se multiplica el deambulatorio para que pasen los fieles
a ver las reliquias sin molestar la liturgia. El crucero toma una forma más centralizada, y la
cabecera gana importancia.
La pintura desaparece de los muros. En la escultura gótica las tallas en piedra continúan
usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora
pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto redondo).
El Arte en la Historia IV
XV
Antes de continuar acumulando información acerca del último período, es necesario hacer
un alto y analizar el cambio estratosférico que el Renacimiento significó para el mundo, junto
con los hechos históricos que acompañaron su aparición en el siglo XV.
Se llama así porque media entre la Se llama así porque se considera un renacer
Antigüedad Clásica y los Tiempos Modernos. de la cultura Griega y Romana clásicas.
Visión del hombre: teocéntrica. Siguen siendo personas religiosas, pero ven la
vida terrenal como algo bueno y que debe ser
Se vive con los ojos puestos en la vida eterna disfrutado. Admiran la mente humana como
y cómo alcanzarla. algo único y extraordinario. Buscan el cultivo
integral y constante de la persona, en su
mente y cuerpo.
El Arte en la Historia IV
El Renacimiento supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya no
están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los muchos príncipes y la
burguesía. Nacen, así, los mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi.
Aparece la figura del artista genial, por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Sin
embargo, surge el taller del maestro, que controla el acceso a la profesión de los oficiales y
aprendices, y que es quien recibe los encargos de los clientes. Además de la burguesía, la
Iglesia y la monarquía serán protectores de los artistas, ya que se descubre el valor
propagandístico del arte. Se establecen tres tipos de relación entre el artista y el cliente: el
sistema doméstico, en el que el mecenas acoge en su casa al artista para que trabaje; el
XVI
mercado, en el que el artista simplemente vende las obras que crea por encargo, y la
academia, en el que el artista trabaja para el Estado.
Todo esto exige una formación científica de los artistas y una gran capacidad de creación.
Se inventa la perspectiva caballera, con sus puntos de fuga matemáticos, y la perspectiva
aérea, con el esfumato. Se pone mucha atención en las proporciones, para las que se utilizará
el canon clásico, que progresivamente se irá alargando, y se guardará la proporción entre las
partes. Reaparece el retrato, el desnudo, principalmente mitológico, y el paisaje, todo ello
idealizado. Se pinta la figura humana independientemente de lo que represente, Virgen o
cortesana, Apolo o Cristo, lo que importa es la figura humana. El tema interesa poco, pero sí lo
bello frente a lo representativo. El objeto del arte es el mundo natural, la imagen del mundo
que se identifica con la civilización. Hay un nuevo humanismo y una mentalidad burguesa que
busca al hombre ideal en equilibrio con la naturaleza.
Las fachadas, inicialmente son austeras, más se puede observar el dibujo de las piedras que
subraya las dovelas y les da continuidad. Las ventanas están divididas por un parteluz de
piedra, terminadas por un frontón encerrado en un arco ciego decorativo. Se usa piedra blanca
(mármol) o gris claro. Hay armonía y buen uso de elementos. La línea ascendente, expresiva de
la espiritualidad medieval es sustituida por el equilibrio de verticales y horizontales.
Surgen nuevos arquitectos que cambian el aspecto urbanístico de las ciudades y se edifican
palacios de tres plantas, construcciones formadas por una sucesión de salas como la mansión
de los Medici, Strozzi y Gondi. Destacan como representantes de la arquitectura de ésta época:
Philipo Brunelleschi, Leone Batista Alberti, Donato Bramante y Miguel Ángel.
El Arte en la Historia IV
El dominio del lenguaje clásico, para hacer llegar estos efectos útiles en los edificios, hace
posible el estudio de la perspectiva. Como resultado, surge una arquitectura insertada en un
espacio perspectivo, integralmente aprehendido por el observador y cuyas relaciones
proporcionales se muestran de forma analítica y objetiva.
Estas nuevas relaciones espaciales son especialmente evidentes comparadas con el espacio
presente en las catedrales góticas. En ellas, la intención arquitectónica es que el observador,
desde el momento en que entra en el edificio, sea dominado por el espacio e instintivamente
alce su mirada hacia la cima, procurando así un movimiento ascendente en busca de la figura
de Dios. En otras palabras, toda monumentalidad de este espacio gótico tiene una función,
entre otras, que es poseer la voluntad del individuo y determinar sus deseos, la función de su
estancia y el uso del edificio. En el espacio renacentista, la intención es justamente la
contraria: el edificio no domina al individuo, sino que éste reflexiona sobre su espacialidad y la
maneja. Se traslada el concepto de una arquitectura a la medida de Dios a la de una a la
medida del hombre.
QUATTROCENTO CINQUECENTO
Se inició en Florencia impulsado por los Corresponde al siglo XVI, se continúa
Medici. con la búsqueda estilística del período
En este período aparece la figura del artista anterior, retomando las formas clásicas y
y creador en detrimento del anonimato. Surge la mímesis de la naturaleza. Le sucede el
el taller del maestro, que es quien recibe los SEICENTO, caracterizado por la tensión
encargos de los clientes. entre las transformaciones violentas del
Como mencionamos ya, el hombre es la Barroco y el equilibrio y proporción del
obra más perfecta de Dios; se pinta a la figura Clasicismo.
humana independientemente de lo que El Cinquecento tuvo su centro en la
represente. Roma de los papas. Los artistas más
Evolucionan las técnicas de pintura, destacados fueron Da Vinci, Sanzio,
consiguiendo la perspectiva; en escultura se Miguel Ángel.
vuelve a la imitación clásica al igual que en la El saqueo en Roma (1527), culminación
arquitectura. de la crisis europea, puso fin al
En arquitectura los artistas buscaron el mecenazgo papal y dispersó a los artistas
El Arte en la Historia IV
modelos y tipos de los grandes artistas “divinos”. Esta utilización y casi copia directa de obras
ajenas, es lo que hizo llamar al estilo que estaba naciendo “Manierismo”, “a la manera de…”.
XIX
El Arte en la Historia IV