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LA DANZA Y LAS MANIFESTACIONES EXTERNAS

Emociones: su fuente y su significado


"Deléitate en el Señor" es un mandamiento bíblico, Pero ¿Cómo podemos deleitarnos sin
sentirnos afectados? Más aún si no entendemos cómo funcionan nuestras emociones, podemos
caer fácilmente en el subjetivismo y buscar una experiencia emocional efímera.

Si bien las emociones puede parecer que son impredecibles, siempre tienen su origen en
nuestra percepción de la realidad. Los sentimientos siempre se basan en lo que creemos. Son
como un barómetro que mide como está centrado nuestro corazón en un momento dado, bien
sea seamos conscientes de ello o no. Sentimos temor porque nos encontramos con algo que
trasciende nuestra comprensión. Nadie tiene que recordarnos que debemos sentirnos tristes
cuando oímos hablar acerca de un niño que ha muerto inesperadamente, o cuando nos
despedimos de unos adiós que quizás nunca los volvamos a ver de nuevo. Muchas veces creo
que no estoy asustado cuando me paro frente al micrófono para cantar un solo, pero mi voz y
los latidos de mi corazón revelan otra cosa. En ese sentido, las emociones son como la ventana
de nuestro corazón.

Sin embargo, el hecho que una emoción se basa en lo que creo no necesariamente indica como
me siento. Dos personas pueden experimentar una misma emoción pero estar motivadas por
pensamientos totalmente distintos. La persona que cantaba del solo mencionada en el párrafo
anterior puede tener miedo por las notas altas del canto. Pero otra persona puede sentir lo
mismo si es la primera vez que canta después de una operación y por lo tanto duda si su voz le
acompañará. Otra persona podría tener miedo al micrófono porque puede darle una descarga
eléctrica si está mojado. En cada caso, el miedo proviene de diferentes causas.

Así que para beneficiarnos de las emociones en la adoración, debemos descubrir los
pensamientos que producen lo que sentimos. Parafraseando a Jonathan Edwards, las
emociones no son la forma como Dios afecta nuestras vidas de una forma o de otras. Nos puede
afectar un cambio en la iluminación o un cambio en el decorado. También nos puede afectar la
habilidad de un músico o el estilo de la música. Por supuesto, tanbien nos afecta las verdades
bíblicas que estamos cantando.

De todas emociones que podemos experimentar durante nuestro culto, las que más honran a
Dios son las que tienen su origen en las verdades que profesamos. Cuando canto una alabanza o
un himno, mi corazón debe motivarse más por el contenido de la letra y como tan
impresionantemente me habla de Dios. De casi nada vale salir de la reunión impresionado
solamente por la música que he escuchado, o por la atmósfera que he disfrutado. ¿Por qué
siento que el servicio fue "bueno"? ¿De qué manera Dios se me ha revelado? ¿Cómo el Espíritu
Santo me ha mostrado un atributo de Dios de una nueva manera? Si estamos convencidos de
que nuestras emociones deben utilizarse para la gloria de Dios, estas son la clase de preguntas
que debemos a preguntarnos.

Si decimos que amamos a Dios con todo nuestro corazón, que le deseamos más que nada, que
contamos todas las cosas como pérdida sólo por conocerle, con seguridad nuestras emociones
serán tocadas cuando damos culto en honor de Dios.

Expresiones corporales y la adoración


Hemos visto que la Biblia señala la adoración Dios como una actividad en la que se involucran
nuestras emociones. A pesar que la adoración en la cultura hebrea de la antigüedad se
expresaba en de manera muy distinta en muchos aspectos a la forma como lo hacemos en la
actualidad, no hay ninguna indicación en las escrituras en la que se nos inste a que debamos
cuidar nuestras emociones cuando adoramos a Dios. Las expresiones externas pueden cambiar,
pero las verdades que las motivan no cambian.

Entonces ¿Cómo deben ser expresadas nuestras emociones cuando adoramos? ¿Cuándo
nuestras emociones son una evidencia que estamos adorando de corazón? ¿Cuando son un
factor de distracción y obstáculo? ¿Cuál es la línea que pone límite entre la adoración con el
corazón y la adoración de nuestras emociones?

Estas son preguntas muy importantes para el pueblo de Dios. El motivo es que deseamos hacer
todo para la Gloria de Dios, y debemos tratar de entender como encajan nuestras emociones en
la adoración cuando nos reunimos como Cuerpo.

Primeramente debemos reconocer que el compromiso emocional con Dios en la adoración no


es un factor de temperamento sino de obediencia a su Palabra. Adorar con tibieza no es
adoración. No importa que seamos introvertidos, extrovertidos o en un punto intermedio,
debemos desear a Dios más que a nada. En la medida que descubrimos en forma fresca quién es
Dios debemos responder de acuerdo a esa revelación, bien ya sea con alegría, paz, temor o
deleite. Cuando somos confrontados por el Espíritu Santo deberíamos tener el temor de Dios.
Todas estas son respuestas naturales que nacen de una verdadera relación con Dios vivo.

En segundo lugar nuestra expresión emocional no es un asunto de personal sino de edificación


mutua. A pesar que la adoración bíblica abarca una amplia gama de respuestas emocionales,
nuestra respuesta debe estar sometida lo que la escritura dice en relación a como podemos
edificar a otros cristianos. "Por lo tanto, esforcémonos por promover todo lo que conduzca a la
paz y a la mutua edificación" (Romanos 14:19 NIV). Soy líder de adoración en una iglesia donde
las expresiones emocionales se permiten. Cualquier domingo en nuestros cultos podemos ver
gente aplaudiendo, danzando, llorando, postrándose o cantando con entusiasmo. En este
contexto si me motiva el hecho que Dios envió a su Hijo para redimirme, no está fuera de lugar
que levante mis manos como una expresión de gratitud y rendición. Sin embargo, si me
encuentro entre un grupo de personas de tradición menos expresiva, debo ejercitar el dominio
propio y responder emocionalmente a Dios pero sin distraer a los demás. En este sentido
entiendo que demostrar mi amor por mis hermanos es una forma de demostrar mi amor a Dios.

Por último, debemos evitar confrontar la proclamación de una verdad contra la respuesta
emocional a esa verdad. Dios desea ambas cosas, nuestro conocimiento de Dios y Su Gracia que
nos inspira a una mayor pasión. En este sentido la experiencia y el gozo como adoramos a Dios
crea en nosotros más sed para conocerle mejor.

Es obvio que todas las personas no reaccionan de la misma manera, ni que tampoco una
persona se inspira siempre de la misma forma. Lo que no debemos es dejar que el temor a los
hombres, las enseñanzas erradas y la complacencia nos impidan amar a Dios con todo nuestro
corazón, nuestra mente y nuestras fuerzas. Por las maravillas de la creación, el milagro de un
nuevo nacimiento, el sacrificio de Su Único Hijo, por la paz de su cuidado soberano, por la
bendición de su Palabra -- por todo esto y por infinitas cosas más, Dios merece nuestras más
puras y expresivas emociones.

Para su Gloria
En nuestra entrega anterior vimos como una gran cantidad de pasajes bíblicos confirmaban que
Dios se place en actos físicos cuando le adoramos. Sin embargo las manifestaciones externas
que podamos hacer no garantizan que nuestra adoración sea aceptable ante Dios. En esta
oportunidad veremos las acciones físicas que fueron condenadas por Dios debido al pecado que
había en el corazón de los adoradores.

La palabra que más se usa en el Antiguo Testamento cuando se habla de adoración es


'hishtahvah' que significa postrarse o tener una posición reverente. El postrarse está
considerado por todas las denominaciones como un acto aceptable en la adoración del
creyente, pero tenemos que tener en mente que esa misma palabra y por consiguiente su
acción se utiliza en la Biblia cuando se habla de adoración a los ídolos. Por ejemplo en Isaías 2:8
se lee: "Su país está lleno de ídolos; el pueblo adora la obra de sus manos, lo que han hecho con
sus propios dedos" (NVI).

Cantar acompañado de instrumentos es otra forma de expresar nuestra pasión y devoción a


Dios. En nuestra cultura, cantar ha sido asociado a la adoración de tal manera que son como
sinónimos. Sin embargo Dios no se place en el canto que no está avalado por una vida recta.

Alzar las manos puede implicar muchas cosas bien sea una actitud de dependencia, de gratitud,
de reverencia, de celebración o de expectativa. Sin embargo, dios condenó estas acciones y los
motivos de los israelitas tal como lo expresó Isaías "Cuando levantan sus manos, yo aparto de
ustedes mis ojos; aunque multipliquen sus oraciones, no las escucharé, pues tienen las manos
llenas de sangre". (Is. 1:15 NVI). Al comentar este pasaje Ron Allen y Gordon Borror dicen: "Es
posible que se puedan hacer las cosas debidas pero hacerlas debidamente, si el corazón no está
en sintonía ante el Señor. son manos santas las que alzamos al Señor (1 Tim. 2:8) para bendecir
su Santo Nombre e implorar su gracia. Las manos con sangre es una imagen de vidas sucias. De
vidas donde hay maltrato a los pobres, abuso a los desafortunados, denigración de las cosas de
Dios, incluso el derramamiento de sangre - tales son las marcas que Dios ve en las manos y por
las cuales el dice que no son manos santas" (Worship: Rediscovering the Missing Jewel,
[Adoración: Redescubriendo la joya perdida])

Aun el más simple acto de permanecer de pie puede ser ofensivo a Dios si no está acompañado
de una auténtica devoción en el corazón. En Mateo 6, Jesús denuncia a los hipócritas a quienes
les encanta orar de pie en las sinagogas y en las esquinas de las calles para que otros les vean.

Nuestras expresiones externas de devoción deben estar alineadas con las actitudes llenas de fe
de nuestra devoción interior. De otra forma en nuestra devoción la adoración no existe. No
importa cuántas expresiones corporales podamos hacer, pues serán vanas si no hay un corazón
contrito.

Jesús condenó tales actividades hipócritas como si fuesen una adoración sin valor. En Marcos
7:6 dijo: "Este pueblo me honra con los labios, pero su corazón está lejos de mí"

Que nuestras acciones externas sean un reflejo de nuestra pasión, de nuestra verdad y de
nuestro amor hacia nuestro magnífico Salvador.

En esta serie hemos visto hasta ahora como las Escrituras son compatibles con una amplia gama
de expresiones físicas en nuestro culto a Dios. También hemos visto que las respuestas externas
en sí mismas no son garantía de que una verdadera adoración se esté llevando a cabo.

Muchos cristianos luchan con expresarse libremente en su adoración. Algunas de las acciones
que podemos asumir cuando nos reunimos con otros cristianos podrían incomodar a otros.
Muchos cristianos que saltan con entusiasmo en un concierto de música cristiana muchas veces
tienen dificultades de expresar su emoción a Dios durante el culto del domingo por la mañana.
Vamos a ver por qué ocurren estas cosas.

En primer lugar, algunos cristianos simplemente desconocen lo que la Biblia enseña en relación
a cómo responder físicamente a Dios. No saben que las Escrituras están llena de ejemplos de
cultos exuberantes y apasionados (Salmo 150, Nehemías 8:6, Apocalipsis 5:11-14). Tal vez se
debe a que se ha crecido en un entorno de iglesia en las que se eleve cierto tipo de expresiones
y se omitan otras. Tener una mayor comprensión de lo que la Biblia dice a menudo nos ayuda a
tener una mayor libertad cuando rendimos culto junto a otros cristianos.

En otras ocasiones, restringimos nuestras respuestas a Dios porque tenemos miedo de lo que
otros pueden pensar en nosotros. Nos preguntamos si vamos a empañar la imagen que tienen
como "respetables" cristianos. La Biblia llama a esto el temor al hombre (Pro 29:25).
En 2 Samuel 6, vemos como Mical la esposa del rey David, su esposa, Michal, se avergonzó y
despreció a David al verle bailando con todas sus fuerzas ante el arca del pacto. Ante tal
desprecioDios respondió haciéndola estéril. Mark Buchanan comenta al respecto que "Dios no
es un guardián seguro de nuestra reputación. Dios no es una deidad doméstica o "Mister
Caballero Educado" que cumple con toda la etiqueta de cortesía de la sociedad priggish
nacional, un celestial Miss Manners la intención de prescripción de la etiqueta que la sociedad
mantiene cortés. Nuestro papel en esta Tierra, ya sea como profeta, como rey, como sacerdote,
o como ama de casa, no es permanecer en la vergüenza. Debemos llegar ante el Rey, en
dignidad o indignidad, en presencia de la élite o en compañía esclavos, y darle culto y con todas
nuestras fuerzas" (Cristianity Today, oct 7, 2002, p. 53-54). Estas palabras son muy fuertes, pero
creo que vale la pena hacerles caso si estamos más preocupados por lo que la gente piensa que
por lo que Dios piensa.

Nuestras acciones físicas a Dios también puede ser moderadas por ideas teológicas. Tengo
buenos amigos a quien respeto profundamente y que aman a Dios apasionadamente. Ellos
conoce la Biblia mucho mejor que yo. También son más reservados en la forma como expresan
su integridad física. A sus juicios, el culto se caracteriza por una actitud de reverencia y temor
(Hebreos 12:28), de sobriedad y solemnidad.

Estoy de acuerdo en que la reverencia y el temor son esenciales para el culto según la Biblia,
pero creo que esas actitudes no siempre se manifiestan físicamente de la misma manera. Por
otra parte, es imposible ignorar la multitud de ejemplos y mandatos en las Escrituras que invitan
a la celebración, a la pasión, a la alegría y a la exuberancia, y todos ellos reflejados a través de
nuestros cuerpos.

Algunos sostienen que la adoración es un asunto del corazón y no del cuerpo. En realidad,
ambas son importantes. Romanos 12:1 exhorta a la presentación de nuestros cuerpos a Dios
como un sacrificio vivo, como nuestro culto espiritual. Si le dijera a mi esposa que me la amo en
mi corazón, pero nunca demuestro esto a través de acciones físicas, dudo que ella me creyese.
Seguramente nuestro matrimonio no existiese.

La expresividad en el culto es más que una cuestión cultural. De rodillas, levantando las manos,
gritando, bailando, de pie, cantando, doblegándose son medios adecuados para demostrar
nuestra pasión por Dios. Quizás la próxima pregunta es como trabajar este tema en una iglesia
local donde los miembros tengan diversas experiencias, diverso grado de madurez y de
comprensión.

Hemos estado examinando la práctica de la adoración con la expresividad de nuestros cuerpos


cuando nos acercamos a Dios. Llegamos al punto en el cual nos podríamos hacer la siguiente
pregunta: ¿Cómo ejercitar esto en una iglesia local donde se congregan personas de distintas
experiencias, diversa madurez y distintas percepciones de lo que significa adorar a Dios?
Recientemente, fui invitado a discutir esto en un seminario donde se estudia para el pastorado y
donde los participantes podían exponer sus puntos de vista. Durante la sesión de preguntas y
respuestas uno de los estudiantes, Mark Alderton, aportó sus puntos de vistas que me han
ayudado muchísimo. Creo que es beneficioso para esta columna y por eso le he pedido permiso
para compartirlo.
¿Cómo puede un pastor o un líder de una iglesia navegar con
prudencia en las tormentosas aguas de expresión física
durante la adoración?
Se ha dado cuatro directrices.

1. Predicando la magnificencia de los atributos de Dios, centrándose en el Evangelio, de tal


modo que los fieles puedan expresar sus sentimientos a Dios.

Cualquier charla que se base en la expresividad física cuando adoramos debe comenzar dándole
al mismo Dios la gloria. En la actualidad muchas de nuestras predicaciones y en nuestra música
apenas hemos rozado la superficie de la magnificencia y del esplendor de Dios. Animar a las
personas para "canten con emoción" o que le den "aplauso más fuerte para Jesús" enfoca la
atención más sobre nuestras acciones que en la misma la grandeza de Aquel que adoramos.

Necesitamos menos exhortaciones a poner más energía, y estar más informados


teológicamente en relación a descubrir la naturaleza de Dios, su carácter y sus hazañas
salvíficas. Necesitamos más líderes de adoración que sean capaces de exponer con pasión la
gloria del Evangelio que nos revela la santidad de Dios, Su justicia, Su amor, Su misericordia y Su
poder.

2. Enseñe a la importancia de la expresión corporal en la adoración con las exhortaciones y


los ejemplos de la Escritura.

Como hemos visto en esta serie, expresar nuestro amor por Dios a través de acciones físicas es
natural y es bíblico, además es algo mandado por Dios. Pablo nos exhorta para que por la
misericordia de Dios presentemos "nuestros cuerpos en sacrificio vivo, santo, agradable a Dios,
que es vuestro culto racional". Si bien nuestro culto como respuesta física va más allá de cuando
nos reunimos como un Cuerpo, es fundamental que no descuidemos la importancia de esas
expresividades cuando nos reunimos.

Nuestros motivos para que se practique esta expresividad debe basarse en las Escrituras en
lugar de nuestras preferencias o nuestra personalidad. Extrovertidos e introvertidos, jóvenes y
viejos, los intelectuales y deportistas están llamados a adorar a Dios de todo corazón en tal
forma que se exprese valor supremo a Su dignidad.

3. Enseñe también que la auténtica adoración nace de un corazón dedicado a Dios, que las
expresiones corporales pueden ser vistas por los demás, pero a Dios no se le engaña.

Aunque hagamos hincapié en la importancia de las expresiones, no queremos dar el mensaje


que las mismas de por sí son agradables para Dios. Si no existe una actitud de corazón hacia
Dios, nuestros aplausos, danzas, o postraciones en el suelo pueden ser un obstáculo para el
verdadero culto, e incluso peor pues pueden ser una ofensa a Su gloria.
4. Insista en este tópico para que en la medida que se ejercita la expresividad corporal no
se ofenda parte de la congregación con el fin de lograr que "los pensamientos adecuados que se
produzcan en nuestras cabezas guíen el afecto de nuestro corazón para que nos motiven a que
respondamos adecuadamente con nuestro cuerpo". (John Piper)

Al fin y al cabo, nuestro centro no somos nosotros mismos ni los demás sino Dios mismo. Esta
perspectiva se aplica a quien adora con su danza de distrayendo a otros, como a la persona que
no expresa ningún sentimiento y que asume una actitud de frialdad mientras la mayoría de la
congregación cae ante la extravagante manifestación de Dios por su obra en la Cruz.

Sea cual sea nuestro el punto en nuestra vida cristiana en que nos encontremos en relación a
nuestra expresividad hacia Dios, mi oración es que no nos centremos en la físico sino en Aquel
que es digno de nuestro mayor y puro afecto.

Con esto cierro esta serie, y espero volver ansiosamente escribir el próximo artículo de esta
columna para que juntos descubramos la importancia de nuestra adoración hacia Dios
PREGUNTA:

¿Es apropiada la danza en la iglesia?

RESPUESTA:

Ustedes mis inter-lectores me van a meter en problemas porque al contestar su pregunta voy a
tener que ir en contra de las enseñanzas tradicionales que se han enseñado en cuanto a la
danza. Apriétense los cinturones porque vienen los baches y lean con cuidado.

Quiero decirles lo que la Biblia dice acerca de la danza, apuntando a unos buenos ejemplos y a
otros malos. Entonces mencionar algunos principios sobre los cuales podremos basar nuestras
decisiones. Comencemos con Éxodo 32:6,19-25 Mientras que Moisés estaba en la montaña
hablando con Dios los Israelitas hicieron el becerro de oro, en el proceso de adorar a ese ídolo
comenzaron a bailar, este baile terminó en desenfreno (algunas traducciones dicen "desnudos")
y vemos que en ese caso el baile les llevó a actividades muy pecaminosas. Sin embargo en
Éxodo 15:20 encontramos a la hermana de Moisés, Miriam, bailando en celebración de la
victoria que Dios había dado al cruzar el mar rojo. En II de Samuel 6:12-16 se nos cuenta que
David bailó ante su Señor celebrando el retorno del Arca a Jerusalén.

En cada instancia donde se habla del baile entre el pueblo de Dios, sin ser pecado, están
bailando en adoración y alabanza a Dios. Aquí hay unos principios que debemos tener en
cuenta: Eclesiastés 3:4 hay un tiempo apropiado para bailar por lo tanto hay otros tiempos
inapropiados, el Salmo 149:3 y 150:4 ambos mencionan que podemos adorar a Dios por medio
del baile. En I Corintios 6:19-20 se nos recuerda que nuestros cuerpos pertenecen a Dios y son el
templo del Espíritu Santo por lo tanto todo lo que hacemos con el cuerpo debe glorificar a Dios.

Cuando bailamos para atraer la atención, para que la gente nos vea y nos observe, entonces
sería pecaminoso. En I Corintios 7:1-3 se nos dice: "bueno le sería al hombre no tocar mujer".
Pablo reconocía que los varones tienen un impulso sexual muy fuerte y si no nos cuidamos
nutrimos esos impulsos. Muchos estilos de bailes precisamente son muy tentadores,
especialmente al varón. II Timoteo 2:22 Pablo le dice al joven ministro Timoteo "huye de las
pasiones juveniles" cualquier tipo de baile que anime los deseos sexuales es pecaminoso y en
Mateo 18:6 se nos dice que no seamos causa de piedra de tropiezo a otros. En I Tesalonicenses
5:22 Pablo nos dice que evitemos toda clase de maldad. En fin, hay muchos bailes que son
inapropiados para el creyente, pero a la vez la Biblia nos dice que podemos bailar de manera
que no tentemos a la carne, pero traemos gloria a Dios.

Hace unas semanas en la revista TIME salió un artículo de Barbara Barker (esposa de un Pastor
muy usado por Dios) y su escuela de danza en una iglesia de Chattanooga, Tennessee en USA. El
tipo de danza es ballet clásico y con esas danzas hacen dramas por ejemplo del Hijo Pródigo, de
las 10 vírgenes, de la Resurrección, y son tan bien presentadas y bíblicamente hechas que
conmueven al público y les ayudan a entender la verdad de Dios. Ella fue una bailarina
profesional que llegó a Cristo y se dio cuenta del valor de ese tipo de danza para ilustrar las
verdades del Evangelio. Yo veo eso como una añadidura a la comunicación de la iglesia y no
como un perjuicio. Me interesó una declaración de la esposa del famoso evangelista Billy
Graham en que dice: "Esta vieja cristiana nunca aprendió a bailar pero siempre he tenido una
esperanza secreta, que arriba en el cielo se nos permitirán los valses y bailes parecidos". Usted
como pastor al tratar el tema en su iglesia no se trata de prohibir la danza pero asegurarse en la
celebración que hacen por lo que Dios ha hecho por ustedes, se haga de tal forma que Dios en
realidad sea glorificado y que no se vuelva en algo carnal.
DANZA CRISTIANA

I. ORIGEN DE LA DANZA EN LA IGLESIA


Tradición Hebrea
El Dios de los Hebreos es el Dios de los Cristianos: los grandes padres de la fe Cristiana son los
padres de la fe Hebrea. La historia de salvación de Dios sobre nosotros se parte en dos en el
momento en que Jesús nace y cumple extraordinariamente la misión colocada por el Padre.
En la Iglesia Bautista, reconocemos la importancia del pueblo de Israel como pueblo elegido, y
su historia contenida dentro del denominado Antiguo Testamento, como parte de nuestra
formación y como medio de entendimiento del misterio Mesiánico de Jesús.
Es por esto que las enseñanzas y mandatos establecidos dentro del A.T.
son tomados, siempre, desde la mirada de Jesús, experiencia descrita dentro del denominado
Nuevo Testamento. Partiendo de lo anterior, en varios textos del Antiguo Testamento se nos
hace notar la utilización de la Danza dentro de los diferentes rituales y fiestas judías. Llaman la
atención aquellos que nos invitan a Danzar como forma de Oración y Ofrecimiento de la
alabanza a Dios.
Experiencia de David (2 Samuel 6, 1-23)
Si se lee este pasaje se pueden comprender varios aspectos:
David es uno de los más grandes ejemplos del Amor de Dios, de ser un humilde pastor pasa a
ser uno de los más grandes reyes del pueblo israelí, su profundo amor a Dios lo hace un ser
humano en permanente comunicación con Dios.
En el tiempo del reinado de David, la presencia de Dios tenía un lugar de específico encuentro
con Él, que era donde estaba ubicada el Arca de la Alianza. Ésta era lo más sagrado entre lo
sagrado, y allí frente a su presencia un hijo de Dios (como tu o como yo), Danzaba frente a Él.
David un hombre pecador, sensible, orgulloso y temeroso de estar lejos de Dios, en constante
lucha personal, encontraba en la danza la forma de expresar agradecimiento y alabanzas al Rey
de Reyes, a Dios nuestro Señor (2 Sam 6, 1-7); encontraba la forma de pedir su misericordia sin
importar mayor comentario (2 Sam 6, 21-23).
Plasmaba así un mandato para todo creyente:"...Alaben a Dios en su Santuario, alábenlo en el
firmamento de su gloria....Alábenlo con Danzas y tambores... alabe al Señor todo el que vive
Aleluya" (Sal 150), para ser reconfirmado el mandato del Libro del Apocalipsis (5, 13)".... y oí que
respondían: al que esta sentado en el trono y a Cristo, alabanza, honor, gloria y potencia por los
siglos de los siglos"
Vivencia del Pueblo Judío
La danza, en el pueblo judío no podía faltar en ninguna celebración, ya sea de tipo religioso o
festivo. La danza realizada a nivel religioso, consistía en un conjunto de pasos que se ejecutaban
de forma repetitiva y en rondas, donde abrazados, danzaban cánticos con mensaje religioso.

Transición Judeo-Cristiana
Jesús, los discípulos y primeros seguidores, en su mayoría eran judíos, y practicaban las leyes
hebreas con sus costumbres. Una vez Jesús realiza su labor evangelizadora, se inicia la
formación del culto y ritual de la primera Iglesia Cristiana, donde comienza a fusionarse esta
tradición hebrea con el nuevo mensaje de Cristo Jesús. De lo anterior podemos deducir que la
danza pudo ser parte de los rituales de esta primera Iglesia, más aún teniendo en cuenta la
importancia de David dentro de las escrituras, dentro de la vida de Jesús, (donde a Jesús se le
nombra varias veces en el nuevo testamento como el "Hijo de David").
El ejemplo de David, la forma de orar, su contacto íntimo con Dios, sus mensajes y expresiones
orantes como la danza, no podrían desaparecer dentro de las formas de alabar a la Santísima
Trinidad.

Danza en la Iglesia Cristiana Bautista


En los principios fundamentales de la doctrina bautista se hace referencia a las diferentes
expresiones artísticas para alabar a Dios, que deben ser impulsadas. Eso sí, cumpliendo
respetuosamente los mandatos de la Santa palabra de Dios.
La información que se tiene de la danza, aún es incipiente y está en construcción, por todos
aquellos a quienes Dios nos ha permitido conocerla.

II. EL CUERPO COMO INSTRUMENTO DE ORACIÓN

Todo movimiento de nuestro cuerpo expresa algo, en cualquier situación. Él habla


constantemente a los demás. Apoya lo que piensas y sientes; es por esto que la Danza es tan
natural para las personas, para toda cultura o credo.
La decisión que tú tomas al danzar para Dios, es la decisión de unir cuerpo, mente y
sentimientos para expresarle algo a Él, es decir"oras" y ayudas a que toda una comunidad se
atreva a hacer lo mismo, siendo en ese momento, instrumentos de oración.
Templos del Espíritu Santo (1 Corintios 3,16-17; 6,19-20)
Para que la Danza sea oración, es absolutamente y completamente necesario que el Espíritu
Santo sea quien dirija nuestro cuerpo (estar en Gracia), sin Él no es posible. Aunque desde el
bautismo, el Espíritu Santo se ha depositado en nosotros y hemos sido sellados por su amor y
por la Sangre de Cristo, necesitamos promover ese estado de gracia, a través de la lectura
bíblica, la oración y el compartir entre hermanos en la fe; por tanto para Danzar en la Iglesia se
ha de cumplir un conjunto de preceptos.
· Estar en estado de reconciliación
· Estar en intima comunión
· Estar en continua oración, tanto a nivel personal como grupal
· Dedicar el tiempo suficiente a la preparación de las diferentes coreografías
· Las coreografías deben ser montadas en oración
· La danza debe estar de acuerdo con la palabra de Dios
· Los vestidos y ornamentos deben ser destinados única y exclusivamente a la adoración de
Dios (Consagrados)
· El Ministerio debe ser obediente a la Iglesia y en particular al Pastor y director del
ministerio de alabanza

III. COMPROMISO DEL DANZANTE

La Iglesia, necesita personas que se comprometan con el plan de Salvación de Dios. Se sabe que
no todas las personas que llegan a la iglesia lo van a hacer, pero es deber de aquellos que lo
lideran dar lineamientos que induzcan a las personas a hacerlo, de tal manera que se tenga
claro que:
· El único que salva es Cristo Jesús
· Que pertenecemos a la Iglesia pueblo escogido por Dios para anunciar las virtudes de
aquel que nos llamo de tinieblas a su luz admirable, y respetamos sus lineamientos
· Que todo el trabajo pastoral que se hace es para dar a conocer el Amor inagotable de
Dios, sus enseñanzas y preceptos.
· Que el compromiso es necesario para llegar al estado de intimidad con Dios.
Por tanto el danzante debe comprometerse a:
· Colocar su disposición para que Dios haga su obra en sí mismo y en el ministerio como
tal.
· Procurar ser sencillo, humilde y manso de corazón, con el fin de que el Amor sea el
que maneje su ser. Así mismo, aguerrido, creativo y luchador por el Reino de Amor De
Dios.
· Colocar los dones y carismas que Dios le dio, en función del bien del ministerio y de la
Iglesia en general.
· hacerse partícipe en especial de servicios de celebración y Comunión.
· Realizar una disciplina de oración personal, pues es la fuente de fortaleza en Dios.
· Realizar una disciplina de estudio de Dios, la Iglesia y de formación personal.
· Fomentar con amor la espiritualidad en el ministerio. (Es decir, no perder el sentido de
amor y servicio de la Danza).
· Respetar las normas e instrucciones del ministerio de alabanza, así
como los Ornamentos y PRECEPTOS para danzar.
· Una vez se haya hecho una adecuada preparación podrá
consagrarse.

IV. DISPOSICIÓN DEL DANZANTE

La Danza en la iglesia no es un espectáculo (Mc 7, 15-16), es decir, no se hace en función de


agradar la colectividad, sino en función de dar a conocer la vivencia cristiana de los danzantes,
para que se convierta su testimonio en instrumento de oración para la comunidad. Por tanto, el
danzante debe trabajar en su fortalecimiento espiritual, de forma tal que exprese y refleje
desde lo profundo de su corazón, actitudes como:
Humildad y sencillez
Alegría por alabar Dios
Respeto a Dios, a la Iglesia, actos y símbolos, al pastor y a la comunidad en general
Preparación Física para Danzar
Al ser humano Dios lo construyó de tal forma que lo hizo íntegro: unió en un solo ser Cuerpo,
alma y espíritu. A la hora de danzar no podemos desarraigar el uno del otro, por tanto el cuerpo
necesita también ser cuidado para que pueda cumplir sus compromisos:
Alimentándose sana y balanceadamente
Realizando ejercicio entre semana para fortalecerse cardio-vascularmente, fortalecer músculos,
capacidad respiratoria, elasticidad y motricidad
Siempre que se haga ejercicio, se ensaye o se Dance, se debe realizar calentamiento,
estiramiento, y una vez acabe la actividad, terminar con estiramiento
Condiciones del Danzante
La pretensión de la Danza Rhema no es tener danzantes profesionales, sino que las personas
que deseen servir de esta forma lo puedan hacer, sin necesidad de ser expertos. Esto no
significa que de existir un conjunto de profesionales en danza, que haya hecho la preparación
necesaria en Danza, no pueda hacerla; por el contrario, Dios bendiga que pronto se den este
tipo de Ministerios.
Lo que sí es cierto, es que los Ministerios deben trabajar por profesionalizarse de cierta manera,
que cada vez se note más trabajo y entrega, que estéticamente sea mejor, que se puede
alimentar con los ritmos y pasos regionales, que acercan más a la comunidad, en fin todo lo que
esté a nuestro alcance para darle mejores acciones a Dios.
Cuando una persona desea entrar a ser parte del ministerio, es necesario que tenga la
disponibilidad de querer aprender. Todos podemos Danzar: algunos se demoran más otros
menos, pero lo cierto es que todos lo podemos lograr y es misión del ministerio hacer posible
esto.
No se puede negar que Dios ha regalado a muchas personas la facilidad de expresar con su
cuerpo, por tanto, son estos los encargados de enseñar con más amor y ahínco. Esta facilidad,
no debe ser el elemento primordial para aceptar un nuevo miembro en el ministerio, sino que lo
debe ser su disposición a aprender, su disciplina y su búsqueda espiritual.
El Llamado del Danzante
Como todos los creyentes en Cristo, estamos llamados a ser santos como Él, es decir A AMAR
CON TODO NUESTRO CORAZÓN Y ALMA A DIOS NUESTRO SEÑOR, Y A NUESTRO PRÓJIMO
COMO A NOSOTROS MISMOS, llamados a amar, amar, amar, amar, amar, amar, amar.......
Estamos llamados a ser Discípulos de Dios, cercanos a Él, no simplemente seguidores. Estamos
llamados a ayudar a descubrir los dones y carismas de nuestros hermanos en fe, a alentarlos y
ayudarlos en las dificultades.
ALABAD A DIOS
Con Pandero y Danza

Introducción
Muchas son las manifestaciones con las que podemos alabar a Adonai por sus maravillosos
hechos, diversos son también los sentimientos y emociones que se mueven cuando la alabanza
esta en su mas alto clímax; la alegría y el regocijo son algunas de las emociones que existen en
nuestro corazón cuando alabamos a Adonai; ahora, ¿Como podemos manifestar esta alegría y
gozo internos, en nuestro exterior? El Salmo 150 nos enseña cual es la mejor forma de expresar
nuestras emociones al alabarle.
La Torah no condena dar rienda suelta a nuestras emociones siempre y cuando estén sujetas a
la voluntad de D'os expresada en sus Mitzvot. David manifestaba con cantos y danzas la
Gevurah de Adonai, y esto nunca ofendió al Eterno D'os de Israel, aun cuando se envileció
delante de todo el pueblo humillándose para exaltarle a El; cuando Milca reto a David HaMelej
por excederse en sus manifestaciones de Alabanza en medio del pueblo, D'os la reprendió no
dándole descendencia con quien subir al Trono de David.
Hoy día dentro de la Bet Haknesset, nuestro corazón debe ser similar al de David HaMelej,
Imitando sus meritos delante de D'os, conduciendo Aarón HaKodesh con Gran Alegría y Gozo,
manifestadas en Danza, Cantos y Alabanzas gloriosas; que emanan de nuestro corazón.

EL CONSEJO DE TEHILIM 150:4


1 Alabad a Dios en su santuario; Alabadle en la magnificencia de su firmamento.
2 Alabadle por sus proezas; Alabadle conforme a la muchedumbre de su grandeza.
3 Alabadle a son de bocina; Alabadle con salterio y arpa.
4 Alabadle con pandero y danza; Alabadle con cuerdas y flautas.
5 Alabadle con címbalos resonantes; Alabadle con címbalos de júbilo.
6 Todo lo que respira alabe a JAH. Aleluya.

El Salmo 150 contiene las instrucciones explicitas para Alabar al Eterno: Inicia diciendo, donde
debemos alabar (v1) y continua por que debemos alabarle (v3), luego nos instruye como
alabarle (vv3-5) y culmina diciendo quienes deben de alabarle (v6).
En esta oportunidad nos ocuparemos de cómo alabarle; en particular del versículo cuatro en la
parte "A": Alabadle con pandero y Danza, Sin embargo debemos observar que a partir del
versículo 3 nos enseña a alabarle con distintos instrumentos de música, con los cuales
componer alabanzas para D'os, también debemos notar que en Tehilim 150 no aparece la
palabra Shir (canto), por lo que debemos suponer que halal es en si misma, es una composición
de alabanza.

ALABADLE CON PANDERO


Su definición
El tof/pandero es un instrumento de percusión, que bíblicamente estaba hecho como un
pequeño tambor cuyo sonido era parecido a la fonética de su nombre en Hebreo Tof, en la
actualidad se le han agregado los címbalos para lograr un tono mas alto, este instrumento como
los demás instrumentos bíblicos, eran usados por nuestro pueblo tanto para alabar a Dios, como
para celebrar una victoria, despedir a un pariente amigo o alguien importante o solo por
vanidad y en el peor de los casos para adorar un dios extraño. El Tof por lo regular va
acompañado de Danza, así que debemos hacer coreografías combinadas con el pandero para
cumplir lo escrito en Tehilim Alabadle con Pandero y Danza

¿Cuándo se tocaba el pandero?

Definitivamente el uso bíblico del tof no era exclusivo de la alabanza. Y sin forzar la
espiritualización del uso del pandero en la Biblia, enlistare los usos del tof en la Torah:
a) Para despedir o recibir a un amigo pariente o personalidad
Ge 31:27 ¿Por qué te escondiste para huir, y me engañaste, y no me lo hiciste saber para que yo
te despidiera con alegría y con cantares, con tamborín y arpa?
Jdg 11:34 Entonces volvió Jefté a Mizpa, a su casa; y he aquí su hija que salía a recibirle con
panderos y danzas, y ella era sola, su hija única; no tenía fuera de ella hijo ni hija
1 Sa 18:6 Aconteció que cuando volvían ellos, cuando David volvió de matar al filisteo, salieron
las mujeres de todas las ciudades de Israel cantando y danzando, para recibir al rey Saúl, con
panderos, con cánticos de alegría y con instrumentos de música
b) Para celebrar una victoria militar o de liberación
Jdg 11:34 1 Sa 18:6
Ex 15:20 Y María la profetisa, hermana de Aarón, tomó un pandero en su mano, y todas las
mujeres salieron en pos de ella con panderos y danzas.
Is 30:32 Y cada golpe de la vara justiciera que asiente Adonai sobre él, será con panderos y con
arpas; y en batalla tumultuosa peleará contra ellos.
c) Para profetizar
1 Sa 10:5Después de esto llegarás al collado de D'os donde está la guarnición de los filisteos; y
cuando entres allá en la ciudad encontrarás una compañía de profetas que descienden del lugar
alto, y delante de ellos salterio, pandero, flauta y arpa, y ellos profetizando.
d) Solo por vanidad o celebración no relacionada a Adonai
Job 21:12 Al son de tamboril y de cítara saltan, Y se regocijan al son de la flauta.
Is 5:12 Y en sus banquetes hay arpas, vihuelas, tamboriles, flautas y vino, y no miran la obra de
Adonai, ni consideran la obra de sus manos.
Is 24:8 Cesó el regocijo de los panderos, se acabó el estruendo de los que se alegran, cesó la
alegría del arpa
e) Para adornar a una persona
Je 31:4 Aún te edificaré, y serás edificada, oh virgen de Israel; todavía serás adornada con tus
panderos, y saldrás en alegres danzas.
Ez 28:13 En Edén, en el huerto de Dios estuviste; de toda piedra preciosa era tu vestidura; de
cornerina, topacio, jaspe, crisólito, berilo y ónice; de zafiro, carbunclo, esmeralda y oro; los
primores de tus tamboriles y flautas estuvieron preparados para ti en el día de tu creación
f) Para Alabar y regocijarse delante de Adonai
2 Sa 6:5Y David y toda la casa de Israel danzaban delante de Adonai con toda clase de
instrumentos de madera de haya; con arpas, salterios, panderos, flautas y címbalos.
1 Cr 13:8 Y David y todo Israel se regocijaban delante de Dios con todas sus fuerzas, con
cánticos, arpas, salterios, tamboriles, címbalos y trompetas.
Ps 81:2Entonad canción, y tañed el pandero, El arpa deliciosa y el salterio.
Ps 149:3 Alaben su nombre con danza; Con pandero y arpa a él canten.
Ps 150:4 Alabadle con pandero y danza; Alabadle con cuerdas y flautas.
Que nos enseña el Pandero
Como ya hemos visto el pandero tiene muchos usos, y no solo, como podríamos pensar el de la
alabanza, también como ya hemos estudiado el sonido original del pandero en tiempos bíblicos,
similar al escuchado en la fonética de la palabra hebrea Tof, es decir sin el sonido de los
címbalos adaptados de forma contemporánea. Pero que podemos aprender del pandero, por
ahora si, espiritualizando un poco lo aprendido a través de la Torah.
En Yeshayahu 30:32 dice: "Y cada golpe de la vara justiciera que asiente Adonai sobre él, será
con panderos y con arpas; y en batalla tumultuosa peleará contra ellos."
Ahora con el conocimiento del sonido del tof en tiempos bíblicos entendemos un poco mas lo
que Yeshayahu nos quiere decir en este texto; el sonido real del tof no era un sonido agudo
como lo oiríamos el día de hoy, sino mas bien un sonido mas estruendoso, por el cual nuestro
enemigo HaSatán huye temeroso.
Pero no solo es un sonido de estruendo, pues en Tehilim 81:2 2Entonad canción, y tañed el
pandero, El arpa deliciosa y el salterio al unir el sonido estruendoso del Tof con el sonido
delicioso del arpa se logra la armonía y equilibrios necesarios
Para entonar un canto hermoso a Adonai, de esto aprendemos: dentro de la kahal para lograr
llegar al corazón de Adonai son necesarios tanto los miembros rudimentarios y sin
conocimiento, como los eruditos; los miembros ásperos y toscos como los delicados y tiernos y
aunque estos son distintos entre si, cuando se logra un equilibrio y una harmonización la Kehila
esagradable a D'os.

ALABADLE CON DANZA


Su definición
La danza a acompañado durante mucho tiempo al hombre, como parte de una expresión de
admiración, respeto y alegría. En tiempos antiguos, los hombres solo usaban esta expresión
artística como culto a sus deidades; ya mas avanzados en los siglos para expresar sus emociones
y actualmente se usa aun como diversión. Bíblicamente la danza es una expresión de alegría ya
sea por la liberación o por celebración y alabanza al Eterno, En hebreo existen dos palabras para
definir la Danza, pero hoy nos ocuparemos del estudio de Majol que viene de la palabra Jol que
podría traducirse como dar vueltas o girar, en otro sentido la palabra Jol se traduce como
retorcer o torcer que en el sentido en que la estamos estudiando seria girar, da vueltas torce o
retorcer el Cuerpo como una manifestación del gozo que D'os nos ha dado

Cuando debemos Danzar


a) Para Alabar a D'os
Ps 149:3 Alaben su nombre con danza; Con pandero y arpa a él canten.
Ps 150:4 Alabadle con pandero y danza; Alabadle con cuerdas y flautas
b) Cuando se esta alegre
Ps 30:11 Has cambiado mi lamento en baile; Desataste mi cilicio, y me ceñiste de alegría.
Je 31:4 Aún te edificaré, y serás edificada, oh virgen de Israel; todavía serás adornada
con tus panderos, y saldrás en alegres danzas.
Je 31:13 Entonces la virgen se alegrará en la danza, los jóvenes y los viejos juntamente; y
cambiaré su lloro en gozo, y los consolaré, y los alegraré de su dolor
Cuando no podemos danzar
La 5:15 Cesó el gozo de nuestro corazón; Nuestra danza se cambió en luto.
Que nos enseña la Danza

Conclusión
El Salmo 150 nos ha enseñado mucho al respecto de la alabanza a Adonai, si bien es muy lógico
lo que nos enseña, también podemos observar que pocas veces, si no es que nunca, logramos
tener un momento de alabanza de acuerdo a la instrucción dada por HaShem, es por esto que
debemos esforzarnos cada día por tener un corazón alegre. Felicidad en nuestra vida que solo
viene de hacer la voluntad de Dios.
LA DANZA DAVÍDICA

Muchos han sentido y experimentado de forma literal la expresión "adorar a Dios con todo el
ser", pues con la danza se puede adorar a Dios con toda nuestra alma, nuestro espíritu, y
realmente, todo nuestro cuerpo. No en vano, el Rey David danzaba a Jehová, e incluso el mismo
Jesús, luego de la llegada de los 70 que él envió, danzó de alegría en alabanza al Creador.
Te invitamos a adorar a Dios con todo tu ser, y sentir en carne propia la pasión de amor
desesperado por Él.
¿Qué es la danza Davídica?
La danza es mucho más que un simple conjunto de movimientos. Cuando el objetivo es danzar
para el Señor también es una forma de adoración que refleja una actitud del corazón.
Así la danza davídica proviene precisamente de las raíces del cristianismo. Ya en el antiguo
testamento se dan a conocer una serie de episodios donde está presente algún tipo de danza
como una expresión de las emociones y convicciones del hombre frente al Creador.
En el antiguo testamento (2 S 6:14,21) encontramos como la danza fue utilizada como un medio
para atraer la presencia del Señor en medio de su pueblo. Al igual que en éxodo 15: 20-21,
podemos observar como este medio de adoración desató el gozo del pueblo de Dios. Otros
casos están presentes en Jer 31:4, Sal 149:3, Sal 150:4
Aunque la danza es una forma de veneración que data desde los comienzos de la relación de
Dios con el hombre, podemos ver etapas de la historia del cristianismo donde este modo de
adoración estuvo en silencio en las iglesias. Sin embargo, en estos tiempos el Señor ha
comenzado un proceso de restauración de la danza en distintas congregaciones de todo el
mundo.

Una danza con significado y poder


La diferencia entre la danza dedicada al Señor y un baile cualquiera, es que la primera forma de
expresión tiene el objeto de agradar el corazón de Dios, de establecer un vínculo con él en la
esfera espiritual. En cambio la segunda actitud tiene por finalidad agradar a otra persona y por
eso generalmente se dan entre dos sujetos y tiene un componente erótico.
La danza no tiene patrones absolutamente rígidos, ya que es una expresión del corazón del
hombre, que desata precisamente el fluir del Espíritu Santo. Mover los pies o el resto del cuerpo
en forma rítmica -generalmente al son de la música-, dar vueltas, saltar, etc., son modalidades
de la danza.
No obstante, la danza davídica o cristiana como se le puede denominar en la actualidad, tiene
una serie de significados en sus movimientos con un sustento bíblico. Entre algunos de ellos:

Antiguo Testamento
Chul-chil: Dar vueltas, remolinear (Jue 21:3-21).
Machowl: Danzar en círculo (Sal 30:11; 149:3; 150:4; Jer 31: 4,13).
Pazas: Brincar, ser ágil, saltar, danza en hileras, campo de batalla (2 S 6:16).

Nuevo Testamento
Hallomai: Brincar, saltar (Hch 3:8).
A través de la danza el ser humano puede ingresar a diferentes esferas en el área espiritual:
Para ganar territorio al enemigo (Sal 149).
Para atraer la presencia del Señor en medio de su pueblo (2 S 6:14,21).
Desata el gozo en el pueblo de Dios (Ex 15:20-21).
Alaba a Dios (Sal 150:4).

Instrumento que acompañan a la danza

Pandero:
Usado como instrumento para alabar a Dios (Sal 149:3).
Utilizado en la danza (Jer 31:4; Sal. 150:4).
Para celebrar victoria sobre el enemigo (Ex 15:20, Is 30:32).

Banderas y pendones:
Elemento de victoria en medio de la batalla.
Símbolo de señorío del Señor.
Tomar territorio (Is 59:19; Sal 20:5; Is11:12)

Streamers o cintas:
Representa en la danza el río de Dios y restaurado para glorificarlo (Is 30:25).
Se utiliza en la guerra espiritual (Is 30:33)

Mantos (Is 61: 3, 10):


Símbolo de unción y autoridad (1R 19:2,19; 2 R 2: 9-14)
"Recordemos que Dios está restaurando estas cosas en su iglesia y la adoración es lo primero,
ya que es a través de ella que reconocemos que sólo hay un Dios, que es Rey y Señor. Y que
todas las cosas por él subsisten, que si él nada somos".
LA DANZA DE ADORACION Y ALABANZA

Es licito o pecaminoso danzar en la iglesia o fuera de ella para Dios? Las denominaciones
no pentecostales danzan?, Algunas de ellas critican fuertemente a los que danzan, por
que? Hay bases bíblicas para danzar para Dios? Que es la danza en el Espíritu de Dios?
Que hay de cierto en todo este asunto?
Las gentes podemos opinar sobre lo que se nos ocurra y querramos, con pleno
conocimiento y vivencia de ello, o porque nos lo contaron, o porque lo vimos, o porque
nos lo imaginamos. Aun sabiendo del negocio, nadie, y solo Dios es dueño de una
veracidad absoluta, y de un correcto razonamiento.
La televisión ha contribuido grandemente a dar a conocer, mas que las Buenas Nuevas,
ciertas cualidades artísticas y comerciales de muchos pastores, predicadores, y
evangelistas de corte pentecostal, con portentosas muestras de ministerios de
sanidades, de lenguas, de profecías, de echar fuera demonios, de discernimiento de
espíritus, de ciencia y conocimiento, de danzas y dones musicales; la mayoría de estas
han sido fraudulentas en el Espíritu de Dios.
Debo aclarar también, que el movimiento pentecostal es muy criticado por las
denominaciones que no lo son; y en la mayoría de los casos muy injustamente; porque
para muestra de sus censuras, tomaron estadísticamente una muestra esmirriada de una
o dos congregaciones con matices de pseudo pentecostalismo, que no representan a las
serias y bien organizadas denominaciones pentecostales que existen.
El fondo motivador de estas censuras no es constructivo, sino mas bien cargado de
envidia, de celo legalista, de crítica fanática, que demuestra tanta o más pecaminosidad
que en los censurados.
Yo no he visto hasta ahora un articulo serio en fórum donde se enseñe qué es el
movimiento pentecostal, y qué no lo es, lo único que he visto son ataques negativos y
llenos de desamor, así como un gran desconocimiento de las materias o actos que se
critican como desviados de la sana doctrina bíblica. Se tira la piedra y se esconde la
mano, se mira la paja en el ojo ajeno, y no se ve la viga en el propio.
No se exactamente que hayan visto los que se oponen a la danza como expresión de
alabanza y adoración a la majestad de Dios. Ellos solo critican, generalizan, no definen,
no formalizan sus experiencias en lo que censuran, no contribuyen a edificar, sino más
bien a coactar, intimidar o restringir legalmente aspiraciones justas de muchos
creyentes.
Como aquel niño envidioso que dice al amiguito que come su helado, "Tu helado es feo,
se derrite, es barato; el que me compra mi papa, es de frutas, sabroso, dura mas, jo jo jo,
ta ta ta ta, fello fello, y te saco la lengua, ya no eres mi amigo !!!."
Hay un movimiento llamado gospel music, que se presenta en la TV, por allí pasan
cantantes de magnificas tesituras vocales, afiatados coros, y hay gente que va a verlos
"actuar"; sus vestimentas y actitudes histriónicas y coreográficas, en nada difieren de
aquellas otras mundanas y mostradas por los artistas profesionales del mundo.
Estos "artistas", son vocalistas, coros, y músicos, con vocaciones frustradas de
profesionalismo. Son estupendos, sus mímicas, estilos, son como los de los mejores
cantantes del escenario mundial de música profana. Sus atuendos y vestimentas no son
como para Dios, sino como para una fiesta de gran boato social. Tienen grabaciones en
su haber y son comercializadas al mundo religioso. A estos artistas se les ve "danzar", y
por supuesto que para su público y sus conveniencias, no se creería que para Dios.
Cualquiera que es tocado por el Espíritu puede danzar solo en su casa y sin testigos, si
Dios lo quiere así. No hay reglas legalistas impuestas por Dios para adorarle, alabarle en
espíritu, santidad, y en verdad. Dios se manifiesta bajo su voluntad, en la forma que el
quiere, cuando quiere, y a quien quiere.
Se que hay iglesias en donde se "enseña a danzar" y "hablar en lenguas", esto es
absurdo, pero todos los cristianos no tienen el mismo nivel de discriminar lo errado de lo
correcto en cuanto a las cosas de Dios, porque el Espíritu de Dios no tiene presencia en
sus comunidades, ni habita en sus vidas. Se diría entonces que es una apreciación de la
carne, o discernida en el Espíritu?
Precisamente por el legalismo que imponen sus denominaciones como doctrina de la
denominación. La doctrina emerge del Consistorio, del Presbiterio, por interpretación de
la cúpula de gobierno, y es impuesta verticalmente como la expresión del pensar y el
sentir lo que "identifica" a la denominación, y la hace diferente de las otras que son
también denominaciones, y lo declaran asi en sus bases, no tienen la configuración de
las iglesias locales, como lo fue la iglesia primitiva.
La palabra habla en varios pasajes de la danza como instrumento de dedicar u ofrendar
"santamente" el amor del siervo a su Dios, asi vemos en los(Salmo 149:3,5,6)

" Alaben su nombre con DANZAS; canten al son del pandero y de la lira."
“Los fieles se REGOCIJARAN con GLORIA; cantarán desde sus CAMAS."
“Exalten a Dios con sus GARGANTAS, y con espada de dos filos en sus manos," Y (Salmo
150:3-6)
“¡Alabadle con toque de corneta! ¡Alabadle con lira y arpa!
¡Alabadle con panderos y DANZA! ¡Alabadle con instrumentos de cuerda y flauta!
¡Alabadle con címbalos resonantes! ¡Alabadle con címbalos de JÚBILO!
¡Todo lo que respira alabe a Jehovah! ¡Aleluya!
En que circunstancias se danza?, como opera este fenómeno de la relación humano con
Dios? Bajo que reglas se produce?
Hay hasta tres formas en que el ser humano manifiesta el danzar supuestamente para
Dios.
a) Expresiones corporales de danzas de personas que aman a Dios, y denodadamente
quieren expresar en "su voluntad" su adoración y alabanza a Dios. Durante estos
gestos corporales y de voces, el control lo tiene la persona en su mente y en sus
movimientos, el decide cuando, como, duración, y forma de danzar. Yo no censuraría
cáusticamente a estas personas, porque su motivación es sincera, genuina, pero no
llevan presencia del Espíritu, esa danza no es fruto alimentado por Dios.
Los fines son encomiables, pero los medios son de su propia carne, porque no dejan
a Dios que sea el quien actúe según su voluntad.
Este danzante, "seguirá" el ritmo y los compases de la música, su sentido sensorial
esta en las tonalidades, y se moverá conforme evoluciona la música o los
instrumentos. El "estímulo" es el marco musical, y también se convierte y sin ya
proponérselo, en el "objetivo" de su gesto corporal.
b) Danzas de personas cuyas motivaciones son artísticas, comerciales, u otras ajenas al
objetivo de adorar santamente a Dios. Estas personas están en plena operación de
sus actos y movimientos completamente; saben cuando entrar, cuando salir, de los
ritmos, cuando poner mas énfasis, cuando influir en el publico, cuando generar
palmas, cuando estimular sensaciones y emotividades en el publico.
Ellos manejan personal y directamente el escenario, y pueden hacer muchas cosas
porque tienen los comandos musicales y protagónicos de la coreografía y los fines
que persiguen; todo esta conversado con antelación; y pueden manipular muchas
cosas desde exacerbar al publico hasta hacerlo entrar en cierto éxtasis.
Sus ritmos, acústica, y géneros musicales, generalmente, no son géneros para adorar
santamente a Dios, son géneros mundanos, con matices de rock, salsa, jazz.
Tampoco dudemos que entre el publico haya gente sincera, que crea que esa es la
forma magnifica de adorarle, y de que el Espíritu se esta paseando allí; a lo mejor
caiga de espaldas, porque sienta la presencia de Dios.
Los instrumentos aunque con ellos se puede interpretar todo género de música, para
la música de Dios también deberán ser los apropiados, con los cuales se puedan
hacer los sonidos musicales que expresen la belleza del amor cristiano al Señor.
Cualquiera puede ver una casa por fuera cómo es, pero mientras no entre no sabrá
que hay adentro de ella, de qué realmente esta construida, ni el tipo, de servicios
que tiene, ni la calidad de sus materiales, ni quién habita realmente allí.
No me aventuraría a decir 100% que ese hermano no haya sido tocado realmente
por el Espíritu de Dios, o este fingiendo, simulando. Hay ciertos indicios, por sus
frutos, que podrían permitir discernir en el Espíritu si es presencia o no de Dios. Pero
me pregunto también si Dios habitara en el ambiente del desorden, el fraude, la
pecaminosidad? A lo mejor alguien querrá denegar con (1Co 1:27-29) "Y lo vil del
mundo y lo menospreciado escogió Dios, y lo que no es, para deshacer lo que es, a
fin de que nadie se jacte en su presencia".
c) Personas que danzan definitivamente por el poder del Espíritu de Dios, cuándo,
cómo, dónde, duración, y forma en que el quiere manifestarse. Esta es la danza de
santidad, de la que habla la biblia.
Que no se sujeta a formas convencionales, ni va necesariamente al ritmo de la
música, ni tiene formas establecidas, son comandadas por Dios, hay orden, decencia,
gozo, júbilo, paz, moderación; responde a determinadas formas musicales que
produciendo gozo inefable, dan paz, no exacerban los sentidos, son ministrados por
el Espíritu.
Hay cadencia y sobriedad en estos movimientos, que pueden ser de manos, o del
torso en forma balanceada, o de los pies, o de pequeños saltos; las personas no
están en ningún trance, son conscientes, están quebrantados por la presencia de
Dios en sus almas.
He podido ver danzar en forma de rondas o tomados de las manos, en círculos,
también a algunos dar ciertas carreras y saltar, pero en esos movimientos había una
dedicación de cada movimiento a Dios, esas gentes como mirando al cielo, buscando
o tratando de agarrar algo.
No me atrevería a juzgar mal o criticar a estas personas, o lo que hacen, porque yo
no sienta algo como ellos; porque en el ambiente no había desorden, ni gritos
extraños, las personas cantaban armónicamente, no dejaban de adorar en ningún
momento.
El tiempo pasa, se siente la presencia de Dios ahí, porque hay una paz masiva, un
gozo profundo, una fe, una seguridad, una sensación de protección; y por supuesto
hay lenguas; y como que el Espíritu no quiere irse, que esta gozoso de que su pueblo
lo adore en espíritu y en verdad. Alguien que no ha vivido esta bendición de Dios, no
podría entenderlo.
Cuando la TV apareció en USA, en Latinoamérica nadie la había visto pero la gente
creyó y espero que llegara; cuando el hombre llego a la luna, nadie fue con el, pero
todos hemos creído. Aquel que vivió en las alturas andinas, o en la selva
amazonense, nunca vio el mar, pero sabia y creía que existía una inmensidad de agua
organizada y controlada ahí al otro lado de sus tierras.
Dios nos dé humildad, humillación, esperanza, entendimiento; para conocer las cosas
del Espíritu aun no reveladas a nuestra experiencia; a veces por incredulidad, por
dureza de corazón, por insensibilidad espiritual, por fanatismo, por legalismo
religioso; o porque no se lo hemos pedido con denuedo, con quebranto, con interés,
con ayuno, con oración, con santidad, con amor de prójimo, y corazón limpio.
El Señor nos bendiga.
Las Danzas de Poder y Unción.

Danza De Liberación.
Es un tipo de danza con movimientos rápidos o violentos pero en orden de batalla, en el hebreo
significa Hepnaniah (Danza Violenta) con toda tu fuerza.

Danza Profética.
Es una forma distinta de la danza sagrada en la cual la revelación es recibida por el Danzor de
Dios y se manifiesta en el movimiento para llevar un mensaje a la gente.

Danza de Sanidad y Milagros.


Es un tipo de danza que al ejecutarla trae sanidad a los cuerpos enfermos por la manifestación
del Espíritu Santo en la vida del Danzor.
Fuente: Libro Mas allá de la Danza por Neila de Andrade.
Clasificación de las Danzas.
Danza Clásica o Ballet.
EL Ballet son trabajos coreográficos empleados en esta técnica, y usualmente incluye, danza,
mímica, actuación y música. Es muy conocido por su técnica y sus presentaciones únicas, tales
como el trabajo de puntillas y las largas extensiones, sus movimientos preciosos, sueltos y llenos
de gracia.
El Ballet como expresión corporal nos permite adorar a Dios de una manera majestuosa y única
nos enseña a disciplinar nuestro cuerpo ya que es el instrumento principal para la adoración.
Danza Intérprete.
Es un tipo de danza que escenifica las letras de una canción, haciéndola entender en un lenguaje
sencillo, para el pueblo de Dios, llevándolos poco a poco a un nivel de educación sobre lo que es
adoración o alabanza distinto, que involucra a todos los sentidos de la persona.
Danza Hebrea.
Es una forma de adorar al Señor, en la tradición Israelita durante muchos años se practica,
siendo una expresión de fe, de adoración y alabanza a Jehová, en la que cada movimiento del
cuerpo tiene un significado y cada gesto de las manos tiene un sentido propio de adoración.
Danza Espontánea.
Definiciones por Varios Ministerios de Danza.
 Es conocida como danza libre, sin previo ensayo al montarla, solo tiene que conocerse
pasos, rutinas y movimientos, cualquier tipo de danza puede ser espontánea. (Ministerio
Darak).
 Se realiza libremente, deleitándose delante de la Presencia del Señor. (Misterio Hafel)
 Danza Espontánea: es un tipo de danza creativa que motiva a la improvisación, para
tiempos donde debes danzar sin seguir un patrón. (Amy Zamora)
 Es aquella que sin previo ensayo ministras para el Señor, sin técnicas, sin rutinas es la
que nace del corazón y entregas todo lo que tienes y sientes en ese momento.
Es bueno notar varias realidades al respecto. David danzo como expresión de júbilo, no porque
fue a una escuela de danza, ni porque se había montado una coreografía al respecto. Fue algo
espontaneo, y sin programar. Recordemos que en la mente judía la presencia de Dios estaba en
el arca, y esto producía júbilo. Era tal el entusiasmo de David, que en un momento de la danza,
se le cayó la ropa, quedando desnudo (2 Sm 6:20) lo cual no da base para practicar danzas al
desnudo, como también se podría argumentar.
¿Qué es el júbilo y gozo? Un estado anímico de alegría frente a algo que nos emocionas. Esto
lleva a una reacción espontanea: llorar, gritar, saltar, danzar, correr, etc. Ahora bien, cuando
estas acciones son programadas, y se expresan artísticamente ¿Es producto de una acción
espontanea o aprendida? ¿Es genuino el gozo implantado mediante un aprendizaje que a veces
tiene matices hipócritas? Si analizamos las danzas de Israel, todas ellas ocurrían por un motivo
determinado, casi siempre a una acción milagrosa de Dios, o a un hecho especial, lo que
producía una reacción lógica de gozo y jubilo (Ex 15:20, Jue 11:34, Jue 21:21).
(Directora de la fundación Danza Jeshua. Neila de Andrade)
Danza Profética.
Es la expresión de nuestra adoración, gratitud y gozo por medio de movimientos, formas y el
idioma espiritual, el cual es utilizado para evangelizar, interceder, guerra espiritual, ministración
de dones y sanidad.
Implementos Usados en la Danza.
Podemos Definir implementos como todo articulo, utensilio o instrumento que sirve para la
ejecución de la Danza.
Tipos de Implementos:
 Tradicionales como son:
o Mantos: es un pedazo de tela de diversos colores y diseños, dentro del ministerio
de Danza representa la cobertura y protección de Dios. (Ezequiel 16:8)
o Cintas: es un lienzo con una vara en un extremo para ser suspendido en el aire
con ellas exaltamos la majestad y la gloria de Dios. (Efesios 6:14)
o Banderas: es un pedazo de tela rectangular asegurada por uno de sus lados con
un asta y que posee elementos diferenciadores para servir como insignia a un
pueblo o nación. (Éxodo 17:15, 33:19)
o Panderos: es un instrumento circular en forma de media luna o rectangular, que
puede ser cubierto, en su totalidad o parcialmente, con una piel o membrana de
cuero o plástica. Cubierto en sus bordes, con sonajas o discos metálicos, que
resuenan alrededor y son utilizados para alabanza, para profetizar y para
destrucción del enemigo. (1 Samuel 10:5, Isaías 30:32)
 No Tradicionales como son:
o Copas: Apocalipsis 5:8. Dice que ahí copas de oro llenas de incienso, que son las
oraciones de los santos. Al danzar con copas recordamos esa promesa que
nuestras oraciones son guardadas con amor por Jesús para presentárselas al
Padre para que el las ejecute.
o Coronas: Apocalipsis 4:10. Dice que los 24 Ancianos se quitan sus coronas para
dar adoración al Señor. Es símbolo que él gobierna nuestras vidas, y nos
rendimos a él.
o Las Rosas: Cantares 2:1 Recordamos que el Señor es mas hermoso que una flor.
o Velas Encendidas: Mateo 5:16 Nos Recuerda que nosotros somos Luz en medio
de la oscuridad y al danza con ellas le decimos al mundo somos instrumentos
para llevar la salvación de Jesús en la vidas de las personas.
o Vasijas de Barro: Jeremías 18:4 Nos recuerda que somos barro en las manos de
Dios y si la vasija no está como él, le gusta la quiebra y hace una de nuevo para
un mejor uso.
Instrumentos de Poder y Unción en la Danza
A menudo Dios utiliza objetos simples y ordinarios para llevar a cabo su tarea en el mundo. Es
importante que sean dedicados exclusivamente a Él para su uso. ¿Qué es lo que usted tiene que
Dios pueda usar? Cualquier cosa puede ser un instrumento que él pueda usar.

Objeto Referencia ¿Quién lo usó? ¿Cómo se Usó?


Una Vara Éxodo 4:2-4 Moisés Para hacer milagros delante de Faraón
Trompetas Josué 6:3-5 Josué Para Derribar las murallas de Jericó
2 Reyes 4:1- Para demostrar el poder de Dios para
Aceite Eliseo
7 proporcionar sustento
Cinturón de Jeremías
Jeremías Como una lección objetiva de la ira de Dios
lino 13:1-11
Cinco panes y Marcos Para alimentar una multitud de más de cinco
Jesús
dos peses 6:30-44 mil personas.
Estas son algunas referencias bíblicas de Personas e instrumentos utilizados por Dios para
expresar su poder, en este mismo orden de ideas veamos los utilizados en la Danza.
María la
Éxodo profetisa Para expresar la victoria después que el Señor
Pandero
15:20 hermana de los Saco de Egipto.
Aarón
1 Reyes
Manto Elías Para el llamado al ministerio
19:19
Vasija de Jeremías Para demostrar el poder de Dios de
Jeremías
barro 18:1-6 transformar las vidas
Cinturón de Jeremías
Jeremías Como una lección objetiva de la ira de Dios
lino (Cintas) 13:1-11
Para convertir el alma, nos hace sabios y
La Palabra de Salmo 19:7- alegran el corazón son guía a nuestros
David
Dios 10 caminos nos señalan el peligro y nos libra de él
hasta llevarnos a la victoria.
Fuente: La Biblia del Diario vivir.

Tipos de Danza
Danza Intérprete

Es un tipo de danza que se expresa a partir de movimientos corporales, lo que el Espíritu Santo
esta diciendo a través de la música o letra de un himno se puede hacer individual o en grupos.
Danza Contemporánea
Es un tipo de expresión corporal que no está basado en la técnica del ballet clásico, y que
conlleva menor rigidez de movimientos; se busca expresar a través del danzor una idea, un
sentimiento o una emoción.
Danza Ballet
Es el nombre específico dado a una forma concreta de danzar y su técnica; se requiere una
concentración para dominar el cuerpo, añadiendo además un entrenamiento en flexibilidad,
coordinación y ritmo musical.
Danza Judío Mesiánico
Es una combinación de música, danzas contemporáneas y coreográficas del Folklore israelí con
pasos definidos y con significados propios del Judaísmo Mesiánico.
Danza Nacionalista
Es una mezcla del ballet, danza contemporánea y principalmente la danza tradicional y popular,
es indispensable mucha disciplina para mejorar la representación de nuestros bailes típicos de
cada país.
NOTA: Todas estas expresiones de danza mediante movimientos corporales, fueron creadas
para adorar y alabar a nuestro SEÑOR Y SALVADOR JESUCRISTO DE LA MANERA MÁS
AUTENTICA POSIBLE.

Instrumentos de Danza I
Danza con Panderos

Comencemos por definir lo que es un pandero, y los diferentes nombres usados en la Biblia.

Definición del Pandero:


Tambor de mano de una pieza. Instrumento circular en forma de media luna o rectangular, que
puede ser cubierto, en su totalidad o parcialmente, con una piel o membrana de cuero o
plástica. Cubierto en sus bordes, con sonajas o discos metálicos, que resuenan alrededor.

Nombres Usados en la Biblia y sus Raíces:

• Tamboriles. Tambor pequeño que se lleva colgado del brazo. Éxodo 15:20.
• Timbrel. (Versión NKJ).
• Pandero. Ex. 15:20, Jue. 11:34, Isa. 10:5, 2 Sam. 6:5, Sal. 68-25, 81:2, 149:3, 150:4, Isa. 24:8,
30:32, Jer. 31:4.
• Tof.: En hebreo: Pandero, Tamboril, Tamborin.
• Tafáf: Tocar la pandereta, golpear.
• Tófet: Golpe, desprecio.
Símbolos Principales
• LOS LISTONES: Los listones aparte de adornar el pandero significan un pacto personal con
Dios, no se escogen los colores por bonitos o llamativos, sino que todos los colores reunidos dan
un significado, al tiempo que estas viviendo con Dios en este momento, además de simbolizar al
ser azotado, dar latigazos a nuestro enemigo, y al ser ondeado (lazadas) dar alabanza y gloria a
nuestro Dios.

• LOS MOVIMIENTOS: En lo que es la danza con pandero se utilizan una serie de movimientos a
lo que se le llama danza coreografiada, estos movimientos tienen significado y estructura a esto
se le llama patrón o rutina, simboliza que tenemos un Dios de orden que establece las cosas en
su soberanía, y son inspiradas con un significado que Dios.
Historia Bíblica del Pandero:

• Los panderos se han utilizados desde la creación (Ez 28:13).


• Es un instrumento de alabanza a Dios (Salmo 68:25, 81:2, 149:3, 150:4).
• El Pandero es un instrumento que al tocarse junto con otros desempeña un papel cuando se
recibe palabra de Dios en profecía (1 Samuel 10:5)
• Se usa para expresar el gozo de Dios (Ex 15:20, Jue 11:34, 1 Samuel 18:6, Jer 31:4)
• El pandero es un instrumento que celebra victoria sobre el enemigo(Ex 15:20, 1 Sam 18:6, 1 Cr
13:8, 2 Sam 6:5).
• El pandero es un instrumento para celebrar fiestas locales (Gen 31:27, Job 21:12, Is 5:12, Jer
31:4, Is 24:8)
• Es un instrumento cuya música es un arma que Dios utiliza en la destrucción del enemigo (Is
30:32)

El pandero va adornado con listones de colores llamados TASSEL, estos se usan de acuerdo a su
significado espiritual.

Instrumentos de Danza II
Danza con Mantos:
El manto es un instrumento muy importante dentro del ministerio de danza, ya que por medio
de él llamamos la presencia de Dios, e impartimos palabra profética, bendición, liberación, gozo,
entre otros.

Este instrumento es utilizado desde la antigüedad; Samuel juez de Israel, Eliseo y Elías que eran
profetas a través de la unción podían realizar grandes milagros y uno de ellos fue realizado por
Jesús cuando la mujer del flujo de sangre toco su manto. (Lucas. 8: 43-44)

¿QUE ES EL MANTO?
Es una vestidura, una túnica, capa ó una ropa; Era una especie de capa confeccionada con lino y
algodón.
Los profetas utilizaban mantos de piel de ovejas. (Zacarías.13:4).
El manto tipifica la cobertura y protección de Dios. (Ezequiel. 16:8).
El libro del Profeta Zacarías nos habla de no utilizar o ministrar con manto cuando se esta en
pecado, porque lo que se va a ministrar es un fuego
extraño.
Por eso es de vital importancia vivir en santidad para poder ministrar bajo la guianza del Espíritu
Santo.

PROPOSITO EN EL USO DEL MANTO


1. Adornar a Dios. (2 Crónicas.20:21)
2. Prepara el camino. Tomar posición del territorio del enemigo. (Malaquías. 4:3).
3. Traer la presencia de Dios. (Isaías.65:18-19).
4. Establecimiento del reino de Dios en la tierra. (Isaías.61:1-4). Nos dice como establecer el
reino de Dios en la tierra.

LA ESCRITURA HABLA DE VARIOS TIPOS DE MANTO


a) Manto de amor y misericordia. (Ezequiel.16:8).
b) Manto de Justicia. (Isaías.61:10),
c) manto de celo de Jehová. (Isaias. 59: 17).
d) Manto de alegria. (Isaias. 6: 13).
e) Manto de adoración. (Números. 15: 37-41).

Danza con Cinta


¿Que es la cinta?
La cinta es pedazo de tela o lienzo con una vara en un extremo para ser suspendido en el aire.

La cinta se utiliza primeramente para exaltar la majestad y la gloria de Dios,pero tambien como
instrumento de alabanza que celebra las victorias dadas por el Señor y se le ministra al pueblo
gozo,regocijo y jubilo (Efesios 6:14).

Tambien con el mover de la cinta atamos al enemigo, y desatamos bendición (Mateo 18:18)
Simbología de la Cinta.
Lo largo de la cinta simboliza lo sobrenatural y grandeza de Dios.
Cintas Delgadas: Son representación de latigasos, y tambien elementos artisticos de gozo, jubilo
y celebración.
Cintas Anchas: Son elementos representativos de guerra transmite fuerza y lipieza de los aires.
Danza con Tabroit.
La palabra en inglés para Tabroit es Tabret, y viene de la raíz hebrea “Tafaf” que significa
tamborilear, tocar la pandereta, golpear.

El Tabroit es un brillante instrumento que te ayudará a expresar externamente, la impresión


interna de alabanza, adoración, grandeza, suntuosidad, poder, dignidad de Dios, que esta en el
gran deposito de tu corazón, porque: “La alabanza es una expresión externa de la impresión
interna”
(1 Cr 29: 10-13).
El Tabroit es un instrumento usado para fluir en alabanza y adoración, trayendo una ofrenda al
Señor.

El Tabroit se usa de acuerdo a su significad Y cumple la misma función que el pandero, excepto
que no produce ningún sonido musical. Es conocido también como aros de Gloria o de tintineo,
son aros de colores glamorosos que expresan diferentes colores y diferentes significados.

Significados: Buenas nuevas, nuevo corazón, Espíritu Santo, Pacto, Tabernáculo, Ríos de agua
viva, rey de gloria, entre otros.
Pasos de Danza con Tabroit
En Guerra
Destrucción de fortalezas.
Limpiando los cielos.
Abriendo caminos.
Derribando los muros.
Hollando al enemigo dándole la gloria a Dios.

En Adoración:
Espíritu Santo.
Buenas Nuevas.
Ríos de Dios.
Rey de Gloria.
Reverencia, Humillación y Exaltación a Dios.
Danza con Banderas
¿Que es una Bandera?
Es un lienzo para hacer señales o un pedazo de tela por lo general rectangular asegurada por
uno de sus lados con un asta y que posee elementos difenciadores para servir como insignia a
un pueblo o nación.

El pueblo de Israel se agrupaba alrededor del tabernáculo de reunión en campamentos por cada
una de las tribus, cada una tenia un símbolo distinto que las demás que les servia para ser
reconocidas por los demás y el lugar correspondiente.

Jehová Nissi significa el Señor es mi bandera al danzar con una bandera declaramos la soberanía
es del señor, que delante de nosotros va el todopoderoso, el que pelea por nosotros y que
somos el pueblo de Dios (Éxodo 17:15, 33:19 Josue 1:2-4 Num 2).
LOS ORIGENES DE LA DANZA CONTEMPLATIVA Y SAGRADA. 2009
DANZA CONTEMPLATIVA: ORAR DESDE LO PROFUNDO DEL CORAZÓN. Victoria Hernández
Al andar
No estamos habituados a ver una danza en nuestras celebraciones u oraciones comunitarias,
aunque en los últimos años es posible que nos hayamos sorprendido al contemplar a un grupo
de personas llevar las ofrendas, dar gracias o hacer una petición con todo su ser y al ritmo de la
música. Y aún más sorprendente es que nos hayan invitado a danzar a todos los allí reunidos,
especialmente si estamos en un congreso, un encuentro, unas jornadas, donde de una manera
especial se celebra la reunión de personas de distintos ámbitos y con un interés común. Parece
que la danza ayude a sentir la unión y a expresar la alegría del encuentro en nombre de Aquel
que nos ha convocado.
Las danzas contemplativas son danzas sencillas, fáciles de aprender, que no exigen grandes
desplazamientos, a veces ni siquiera nos movemos de nuestro sitio. De carácter lento, nos
provoca una sensación de relajación, de calma mental y en general, nos ayudan a entrar en un
clima de oración.
El sentido de la danza contemplativa
La Danza Contemplativa no busca enseñarle a nadie quién es Dios, aunque le nombremos, nos
dirijamos a Él y digamos alguno de sus rasgos. Pero sí busca mostrar un camino para escucharle
en nuestro interior y no vivir indiferentes a Su Presencia. Cuando bailamos en una celebración,
suele ocurrir que cambia el clima de dicha celebración. Nos emociona ver la danza porque nos
emociona profundamente que nos recuerden que somos hijas e hijos amados de Dios, con
quien establecemos un vínculo personal y amoroso.
La danza en grupo recuerda que no hemos venido a este mundo para ser indiferentes a la
realidad de nuestros hermanos. Dios nos quiere unidos, apoyándonos unos a otros, amándonos
unos a otros.
Quién puede danzar
Dado el carácter suave y lento de los movimientos, prácticamente todo las personas, aunque no
hayan bailado en su vida, aunque tengan 80 años, pueden danzar.
Son danzas sencillas, pudiéndose hacer adaptaciones para simplificar aún más la danza o
adaptarla a las características de algunos grupos, por ejemplo aquellos con alguna discapacidad.
Personalmente he danzado con pacientes psiquiátricos, siendo el proceso de aprendizaje mucho
más lento.
Porque todo el mundo puede danzar. Todos pueden hacer un silencio en su interior para
encontrarse con Aquel que le ha creado, que le ama. O al menos, empezar un proceso que le
lleve poco a poco a ese encuentro.
El objetivo no es danzar bien sino gozar de esa danza, de esa oración. Por eso, quienes se
preocupan obsesivamente de hacerlo bien, de quedar bien ante los demás, andan un tanto
despistados. Aprender bien viene bien para luego gozar. Pero si no, pues a gozar igualmente,
aunque cambiemos algún paso, aunque gire al revés que todo el mundo. ¿A Dios le importará?
A mí, tampoco. Es verdad que si vamos a danzar en representación de la comunidad, conviene
hacer los ensayos necesarios para que visto desde fuera no rompa la armonía del conjunto. Y
aún así, si estoy en oración, probablemente nadie le dé importancia a mi error, pues la paz que
transmito absorbe la atención del que observa. Estamos sedientos de Paz.
Eso sí, cuando dances, mírame por favor. Algunas danzas establecen contacto visual entre el
grupo. Dejémonos ver lo profundo de nuestros corazones. En la medida que podamos y
queramos. Igual encuentro ahí el Misterio que habita en mi propio corazón y que ando
buscando debajo de tantas piedras. Piedras muertas. Y AQUÍ TENEMOS PIEDRAS VIVAS.
Las raíces de la danza que contempla
Todas las culturas han utilizado la danza como medio de comunicación con aquello que
transciende al ser humano, miremos al continente que miremos. Cada cultura lo hace a su
modo, de una manera más reverente o una forma más desenfrenada o eufórica.
Todas las grandes religiones incluyen de una forma u otra la danza. Así los sufís, místicos del
islam, desarrollan su famosa danza de los derviches con la que buscan tener un experiencia de
encuentro con Dios, llegando al trance.
En la Biblia la costumbre del pueblo hebreo de danzar a Yahvé queda manifiesta en numerosos
pasajes. Por ejemplo, tras atravesar el mar Rojo, “María, la profetisa, hermana de Aarón tomó
en sus manos un tamboril y todas las mujeres la seguían con tamboriles y danzando” (Ex 15, 20).
Tenemos además testimonios de que no era algo sólo habitual del pueblo judío en su culto a
Yahvé sino que otros pueblos dando culto a otras divinidades también utilizaron la danza, en
algunos casos incluyendo ritos sangrientos: “Estuvieron invocando el nombre de Baal desde la
mañana hasta el mediodía, diciendo: ¡Baal, respóndenos! Pero no hubo voz ni respuesta.
Danzaban cojeando en torno al altar que habían hecho. Gritaron con voz más fuerte, haciéndose
incisiones, según su costumbre, con cuchillos y lancetas hasta chorrear la sangre por sus
cuerpos” (1 R 18, 26. 28).
¿Y el cristianismo? ¿Danzó su alegría de saberse salvado? ¿Pregonó de mil maneras, incluida la
danza, que Dios nos ama, que podemos encontrarnos con Él? Así lo ha hecho y aún lo hace, más
frecuentemente en culturas donde el cuerpo es más aceptado y está más integrado como obra
amorosa y gozosa del Creador, allí donde la influencia de la dicotomía cuerpo-mente no
desprestigió al cuerpo.
Sabemos que a lo largo de los veinte siglos de cristianismo ha habido danza por distintos
escritos, ya sean de los propios padres de la Iglesia, de himnos, textos ceremoniales, de
biografías o cartas de santas/os… y por decretos que comenzaron a prohibir la danza debido
principalmente a abusos como llegar a danzar bajo los efectos del alcohol, en torno a tumbas de
mártires, en los primeros siglos del cristianismo.
Sabemos que danzaba el pueblo, pero que también lo hacían los sacerdotes, monjes y obispos.
Así mismo, sabemos de santos y santas que expresaban con el movimiento su fervor hacia Dios.
Cuentan así de santa Teresa que danzaba cuando no podía contener el amor que la embargaba,
mientras sus hijas la acompañaban con castañuelas o palmas.
Ésta es la danza que tratamos de recuperar hoy en día. Aquella que nos permita entrar en
relación con Dios, ya sea escuchándole, ya sea expresándonos. Sentirnos hijas e hijos de Dios,
que acuden a su Padre-Madre con la confianza de ser bien recibidos.
La danza actual
Muchas de las danzas que se bailaron a lo largo de la historia del cristianismo se han perdido
probablemente por las continuas prohibiciones. Otras han llegado hasta nuestros días,
realizándose sólo en fechas especiales: fiestas solemnes del calendario litúrgico o festividades
del patrón o patrona del lugar. Por ejemplo la danza de los Seises en Sevilla, o en Calatayud, la
danza ante el altar de San Pascual Bailón el 17 de mayo.
La recuperación de la danza como expresión religiosa en nuestra sociedad occidental ha tenido
mucho que ver con la revalorización del cuerpo en el siglo XX. Lugar de vida, lugar de expresión,
lugar de gozo. ¿Por qué no alabar a Dios a través de este tesoro que es el cuerpo que me ha
regalado y me configura en esta tierra, que me une a ella? En los años 50 surgen por ejemplo en
Centroeuropa las Danzas del Círculo. Son de carácter comunitario. Las hay alegres, otras
tradicionales de distintos países y otras llamadas meditativas por su carácter lento, suave y que
llevan a la persona a su interior. Esta danza extendida a Gran Bretaña y a Estados Unidos, en
cambio no transcendió a España hasta hace quizás unos pocos años y de forma puntual.
La danza que realmente llegó a nuestra península fue la danza hebrea. Ésta sí que tenía carácter
religioso: de alabanza, con movimientos alegres y de adoración, con movimientos lentos. En los
años 60 y 70 muchos judíos se convirtieron al cristianismo y recuperaron sus costumbres, entre
ellas la de danzar como el mismo David hacía ante el Arca de la Alianza. Estos judíos,
denominados mesiánicos, fueron extendiendo su danza religiosa a través de talleres.
Distintas congregaciones religiosas, otras comunidades no necesariamente cristianas,
parroquias y movimientos incorporaron este “nuevo” lenguaje para su expresión religiosa
dentro de las celebraciones o posteriormente, a modo festivo. Desconociendo esta danza,
algunas personas orábamos de forma personal danzando, como hoy en día sin duda continua
habiendo.
Para mí, que danzaba orando u oraba danzando de una manera espontánea, improvisada y a
solas, descubrir la danza hebrea, de carácter comunitario, fue un abrir los ojos. ¿Por qué ocultar
y por qué la soledad? Cuando puedes embellecer, transmitir, llenar de paz, reverencia y armonía
un lugar y cuando puedes compartir las miradas, la oración, la acogida con los demás. Quienes
vibrábamos con el movimiento a la vez que con la oración, este cauce era agua fresca.
Las comunidades del Arca de Lanza del Vasto realizaban, entre otras, estas danzas hebreas. En la
parroquia del Perpetuo Socorro de Madrid conocieron estas danzas a través suyo y solían
danzar en distintas ocasiones. En el año 88 llevaron las ofrendas danzando durante la Eucaristía
en el congreso de Teología organizado por la asociación Juan XXIII. Para mí fue todo un impacto.
Mi párroco, Federico Bellido, me puso en contacto con Merche Mas, quien me enseñó la danza.
En mi parroquia, Ntra. Sra. de la Merced, también de Madrid, varios jóvenes de distintos grupos
se ofrecían para danzar y así lo hicimos en diversas ocasiones.
Pero cuando quisimos hacer una danza diferente, por cambiar, descubrimos que no sabíamos
más. Así que, impulsada por la vocación que sentía por la danza, me decidí a intentar
coreografiar y fui realizando otras danzas, en parte parecidas, en parte distintas. Movimientos
más universales, y movimientos más de nuestra cultura. Al principio fueron danzas más
pensadas. Con el tiempo y la oración, fueron danzas que surgían de experiencias de la vida y del
encuentro con el Dios de la Vida.
A lo largo de diecinueve años he ido dando a conocer estas danzas, junto con algunas hebreas
suaves y muy recientemente, junto a algunas danzas del círculo de carácter meditativo. A través
de encuentros de arte cristiano, congresos, jornadas y talleres de jóvenes por toda España
fundamentalmente. Encontré a varias personas que ya habían creado alguna danza para alguna
celebración o que se animaron a hacerlo a raíz de esta danza que les transmitía. Sin duda, la
inquietud de orar danzando estaba y surgió a la vez en distintos puntos. Pero también surgió de
distintas maneras. Y aquí es donde necesité poner un nombre para designar qué tipo de danza
es la que yo hacía, porque como decíamos anteriormente, hay muchas formas para
comunicarse con Aquello que trasciende a la persona.
La danza que he desarrollando es una danza que surge de forma suave, de lo profundo del
corazón. De allí donde la persona se encuentra con el Misterio que la habita y queda muda ante
tal Presencia.
Ésta es la Danza Contemplativa, que invita a la contemplación y al encuentro amoroso con Dios.
Originalmente la habíamos llamado en el equipo de Soma, donde hice un primer taller
propiamente con estas danzas, Danza Litúrgica, pues las danzas las realizábamos hasta entonces
fundamentalmente para las celebraciones. Pero con el tiempo fui descubriendo que transcendía
los momentos puramente litúrgicos. Hablando del tema con Eladio, hermano de San Juan de
Dios, que conocía la dimensión contemplativa de esta danza, me sugirió el actual nombre.
Al ver la danza-oración, la persona enmudece. Al realizarla, sucede lo mismo. La mente calla, el
espíritu despierta. Y se ve con los ojos del corazón. Es verdad que es sólo una simbología de las
relaciones que estamos llamadas a vivir en la vida cotidiana, no sólo danzando. Junto a esta
grandeza del ser humano no podemos olvidar nuestra pobreza. Junto a la gran capacidad de
amar está nuestra gran capacidad de pensar sólo en uno mismo. Seguimos siendo
profundamente humanos, enfermos, equivocándonos… quizá por eso, la última danza que he
hecho sea Misericordia “Señor, he pecado, he hecho daño a mis hermanos, y sigo
relacionándome tantas veces desde los esquemas del mundo, no desde los de Tu Reino”.
Las nuevas relaciones, donde todos y todas nos reconocemos seres sagrados, hay que
ensayarlas en algún sitio. Hemos de entrenar de alguna manera para estar preparados para el
juego de la vida, para la vida cotidiana.
En los últimos seis años he puesto prioritariamente mi ilusión y energías en extender esta forma
de oración, al ver cómo igual que ha habido un despertar en el siglo XX de toda la dimensión
corporal, en este siglo XXI se está dando el despertar de toda la dimensión espiritual. Parece
que va a tener razón Karl Rahner cuando planteaba que el cristiano del siglo XXI sería místico, o
no sería.
El padre Arrupe decía: “No hay nada más práctico que encontrarse con Dios”. La danza
contemplativa no pretende quedarse en un éxtasis egocéntrico sino que, como cualquier otro
tipo de oración, es un medio para encontrarse con Dios, sentir su amor y después, con la mente
clara y el corazón dispuesto, ocupar nuestro lugar en el mundo. Y transmitir desde ahí la Buena
Noticia que se nos ha dado: con la palabra, la danza, el trabajo cotidiano, la vida familiar, el
compromiso político, social… empapándolo todo del amor con el que se nos ha colmado.
Cuando uno encuentra un tesoro no puede dejarlo escondido. La danza contemplativa no es
para quedarse en el anonadamiento sino para transcender al mundo.

Tomado desde :
http://www.redescristianas.net/2007/04/06/danza-contemplativa-orar-desde-lo-profundo-del-
corazon-victoria-hernandez/
Historia de la Danza 1: los orígenes

Historia de la danza (1)

Los orígenes

La danza podemos encontrarla en el mismo origen del ser humano, pues ya el hombre primitivo
la utilizó, muy tempranamente, como forma de expresión y de comunicación, tanto con los
demás seres humanos, como con las fuerzas de la naturaleza que no dominaba y que
consideraba divinidades. Entre los hombres primitivos la danza tenía un sentido mágico
animista, pero también valor de cohesión social. La danza sirve para infundir ánimo a los
guerreros, para el cortejo amoroso, para ejercitarse físicamente, etc.

Tenemos que considerar que el elemento fundamental de la danza está en la propia naturaleza
humana: el ritmo, que le viene dado por su propio funcionamiento orgánico, con la respiración y
los latidos del corazón. El mismo principio que hace nacer la música en los orígenes de la
humanidad, hace también nacer la danza, que están unidas indisolublemente.

Los primeros en reconocer la danza como un arte fueron los griegos, que le dedicaron en su
mitología una musa: Terpsícore. Su práctica estaba ligada al culto del dios Dionisos y, junto con
la poesía y la música, era elemento indispensable de la tragedia griega, donde la catarsis ponía
al individuo en relación con los dioses, aunque también entre los griegos cumplía la danza una
función de comunicación y cohesión social.

En la antigua Roma la danza perdió importancia y valor social y religioso. De hecho, bailar podía
ser algo considerado inconveniente en los hombres, lo que demuestran las críticas dirigidas a
Escipión el Africano que tuvo el atrevimiento de danzar ante sus hombres, seguramente una
danza guerrera.

Edad Media

En la Edad Media, la danza estuvo muy apartada del desarrollo de las demás artes, debido a la
mentalidad cristiana, que la encontraba cargada de connotaciones sexuales, o sea,
pecaminosas. La Iglesia rechazaba todo cultivo del cuerpo con fin estético. Sin embargo, las
prohibiciones no tuvieron efecto real, pues tanto el pueblo como los cortesanos siguieron
bailando en sus celebraciones. En esta época se produce la separación entre la danza de corte y
la popular, lo que perjudicó al desarrollo de la danza como actividad artística. Floreció la danza
popular, eso sí, en lo que conocemos como folclore. Muchas de las danzas folclóricas
conservadas actualmente tienen su origen en estas danzas medievales de creación popular,
provenientes de ritos y fiestas paganas (de guerra, de trabajo, de cortejo), que se realizaban a
pesar de la prohibición eclesiástica o precisamente contra ella. Sólo las llamadas “danzas de la
muerte” tenían relación con la iglesia que las protegía. Eran en realidad danzas de tipo
pasacalles, filas en cadeneta que recorrían calles y plazas, en las que estaban representados
todos los estamentos sociales; la idea era representar el poder omnímodo de la muerte sobre
los seres humanos, idea de la que el hombre medieval tenía buen conocimiento por las
epidemias que asolaron Europa.
Las celebraciones populares dieron lugar a gran número de danzas, entre las que destacan las
llamadas moriscas, de origen hispano-musulmán. Aún se conservan en Inglaterra con el nombre
de morris dances: se bailaban en filas, con pañuelos o bastones, y haciendo sonar cascabeles
que se llevaban en los vestidos.

Renacimiento

Con el Renacimiento se produce un cambio de actitud y mentalidad frente al conocimiento y la


percepción del mundo. Para el Humanismo, movimiento intelectual de la época, el hombre pasa
a ser el centro de la cultura y del pensamiento; esta consideración tiene un efecto importante
para el desarrollo de las artes, aunque en lo relativo a la danza, los cambios vienen dados por la
nueva organización social. Las ciudades italianas, dominadas por grandes señores y enriquecidas
por la burguesía, clase social que hace su aparición entonces, compiten entre sí en ofrecer
espectáculos a los visitantes extranjeros para mostrar su riqueza y poder. La danza recobra con
estos espectáculos su posición perdida. Aparecen en este momento y en Italia los primeros
manuales prácticos de danza, siendo el primero de ellos de 1450, cuyo autor fue Domenico
Piacenza, considerado el primer coreógrafo de la historia. En su tratado, “De arte saltandi et
choreas ducendi”, Piacenza establece ya los elementos fundamentales de la danza: el compás
de medida (musicalidad), la manera (carácter del bailarín e interpretación), la memoria (fijación
de pasos y evoluciones), la división del terreno (el espacio) y el aire (calidad del salto). También
clasifica los pasos de la danza en naturales (como el andar) y accidentales (paso corrido, cambio
de pie, etc.). Este tratado teórico vino motivado por la práctica habitual de la danza en medios
cortesanos y populares. Hay que destacar la colaboración que los artistas del Renacimiento,
como Da Vinci y Botticelli, prestaron a la danza con el diseño de escenografías muy complejas.

Por esa misma época y por influencia italiana, se produce en Francia el nacimiento del ballet
comique, que será el germen del ballet moderno. Su introducción en Francia se debe a Catalina
de Médici, esposa del Duque de Orleans. El ballet comique era un gran espectáculo cortesano
para recepciones de embajadas y grandes invitados, donde predominaba el diseño espacial
sobre la creación de pasos; los bailarines no precisaban unas cualidades físicas especiales, sino
que su actuación requería decoro, elegancia y porte.

Se considera el primer ballet de la historia, con todas las salvedades hechas, la representación
del Ballet Comique de la Reine Louise, en 1581, dirigido por el francés de origen italiano
Balthasar Beaujoyeulx. Duraba cinco horas y narraba la historia de la hechicera Circe. Su
principal valor era la unidad temática y artística; representaba la unión culminante de los gustos
italianos y franceses en estética coreográfica.

El siguiente tratado sobre danza fue debido a Thoinot Arbeau; ha llegado hasta nosotros y en él
se encuentran descripciones de pasos, posturas y movimientos aún en vigor en algunas escuelas
de danza. Establece una estrecha relación entre la música y la danza y dedica gran atención a la
geometría coreográfica.

Cuando el ballet de corte declina en Francia, Inglaterra toma el relevo, y durante el siglo XVII, a
imitación de los franceses, la danza se convierte en el espectáculo cortesano más apreciado,
conocido con el nombre de masques. Sin embargo, su origen está en los llamados “revels”,
entretenimiento cortesano donde se unía la música y la poesía, con un vestuario suntuoso y la
aparición de danzas. En estos revels participaba toda la corte, incluidos los propios reyes.

Enrique VIII importó de Italia la llamada masquerie, que recibió en Inglaterra el nombre de
masque. Combinaba el canto, el diálogo y la danza, todo unido por un argumento. Se introdujo
un elemento nuevo, la antimasque, en la que la danza se aislaba como arte autónomo. Su hija,
la reina Isabel, continuó esta tradición, a la que era muy aficionada.

Siglo XVII

En este siglo vuelve a ser Francia el país donde continúe la evolución del ballet hacia lo que es
en tiempos modernos. Esto ocurre con la llegada al poder del cardenal Mazarino, un italiano
amante de la ópera, que lleva este género a París, bajo la protección de la reina. Otro italiano,
que afrancesó su nombre, Jean Baptiste Lully, fue el que adaptó la ópera al gusto francés e
impulsó la danza como arte escénica independiente. Lully era un gran compositor, pero también
un buen bailarín; en 1653 apareció en el Ballet de la Nuit, donde también actuaba el propio Rey.
Pasó a ser músico del rey Luis XIV, consiguiendo su apoyo y consideración. Este rey, bajo el
consejo de Lully, profesionalizó a los bailarines, fundando en 1661 la Real Academia de la Danza,
primera de todas y modelo de otras europeas. De la mano de coreógrafos como Beauchamp,
Torelli y Molière, Lully fue el impulsor de esta gran academia.

Los puntos principales en el avance del desarrollo de la danza en esta época, con el coreógrafo
Beauchamp y la Academia de la Danza, son los siguientes:

Comienza la tradición de la “danse d’école”, tal y como hoy se entiende.


Se le confiere a la danza naturaleza escénica independiente.
Se desarrolla la técnica para crear coreografías adaptadas a nuevas exigencias visuales.
Se introduce el “en dehors” y las cinco posiciones de los pies, así como la codificación de los
movimientos derivados. Esto explica que el lengua del ballet sea el idioma francés.
La danza se desarrolla como espectáculo con valores tan esenciales como su unidad dramática y
musical
En 1780, Raoul Auger Feuillet publica un nuevo sistema de notación para la danza, que ha hecho
llegar hasta nuestros días gran número de coreografías de la época.

En 1713 se crea la Escuela de Ballet de la Ópera de París, la más antigua de Europa y modelo de
las que se habrían de fundar posteriormente en otros países. A lo largo del siglo XVIII se
desarrollará de tal modo que permitirá el triunfo de la danza como arte escénica en el siglo XIX.
Por Kenny V. Azurín
Abancay, 26 de marzo del 2012

LA DANZA EN LA ANTIGÜEDAD:
En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Hubo danzas
que representaban la muerte y la reencarnación del dios Osiris, fueron ejecutados por
profesionales de alto dominio técnico, debido a su compleja estructura estética. También
existieron danzas asociadas a los cortejos y los placenteras, donde participaban bufones,
enanos, negros y jorobados, para regocijar a reyes y nobles.

Por otro lado la danza a la muerte en el Egipto popular, fue una de las principales expresiones
de alto valor estéticos y se efectuaban con personificaciones de dioses astados. La actitud del
hombre ante la muerte ritualizó dancísticamente el cortejo, y a la vez teatralizó el viaje del ka
(sustancia divina) hacia el tribunal de Osiris. Ambas eran representaciones que integraban
espacios de danza y música.

Los santuarios de Luxor y Karnak (Tebas), fueron los principales centros en el desarrollo de las
danzas sagradas y profanas. Asimismo, Egipto fue el país de las danzarinas; contaba con las
Plañideras, que danzaban incansablemente al derredor de los sarcófagos durante las
ceremonias fúnebres.

En la Grecia antigua por su parte, la influencia Egipcia fue propiciada por viajeros y filósofos que
solían transitar por Egipto, buscando ampliar sus conocimientos. Platón catalizó y propició el
ejercicio de la danza griega, por ser una importante actividad para el fortalecimiento del
espíritu.

Cubiertas sus necesidades, los griegos tuvieron tiempo de mirar hacia otros puntos de su
interés, así descubrieron el cuerpo humano, que aunque resulte obvio, nunca antes nadie se
había detenido a observarlo. Los griegos fueron los que notaron que el cuerpo, podía ejercitarse
y embellecerse, pero sobre todo, descubrieron lo agradable que era ver un cuerpo bello, a
través del baile. Así fue que crearon las danzas, para que hombres y mujeres los interpretaran,
además de dedicarle buena parte de su tiempo en mantener una figura ágil y hermosa.

En los rituales de la danza, prevalecía la fuerza por encima de la perfección interpretativa. La


danza griega, estuvo articulada al panteón originario y la conducta profana de la sociedad, estas
formaron parte de los banquetes, matrimonios y actividades funerales, asimismo fueron
proferidas mediante el ejercicio de las tragedias, comedias y dramas satíricos.

La Pírrica, fue una danza mítico-religiosa, acompasada por el ruido de escudos militares, y se
practicaba en honor de Atenea, la diosa de la guerra, danza con la cual se instruían a los niños a
partir de los cinco años. Asimismo se practicaba la llegada a Delfos de una caravana de
bailarines, procedentes de los pueblos más remotos con el propósito de consagrar al dios Apolo.
Existió otra danza mitológica donde se recreaba la historia de Teseo, que había matado al
Minotauro en el laberinto de Knossos. Cuenta la historia que mientras Teseo retornaba a Atenas
se detuvo en Delos, para efectuar un sacrificio a favor de los dioses que lo habían resguardado
durante la contienda y, mientras duraba el sacrificio, este héroe inventó una especie de baile,
que imitaba los movimientos de las serpientes en representación del escabroso camino que
había recorrido en su lucha con el Minotauro.

Por otro lado hubo danzas frenéticas, celebradas en tributo a Dionisio y acompañadas por
percusiones, que eran protagonizadas por Sátiros y Ménades.
Alrededor de Dionisio (Baco para los romanos), diversos grupos de mujeres llamadas Ménades
iban de noche a las montañas, que bajo los efectos del vino, celebraban sus orgias con danzas
extásicas. Estas danzas incluían, eventualmente música y mitos que eran representados por
actores y bailarines entrenados. A finales del siglo V antes de Cristo, estas danzas comenzaron a
formar parte de la escena social y política de la antigua Grecia.

Los griegos, amantes de lo bello y de lo bueno, tanto en el sentido filosófico como biológico,
concedieron a la armonía de movimientos y al ritmo corporal una importancia decisiva, que los
llevó no sólo a admirar la belleza plástica, sino también por el desarrollo armónico del propio
cuerpo.

Por otro lado, en la sociedad romana, la danza fue practicada como una prodigiosa actividad.
Incluso llegaron a crear la pantomima. A través de este gesto los danzarines contaban historias
mediante la sola acción del cuerpo. Si las danzas romanas se caracterizaron por ser orgiásticas,
ejecutadas por esclavos y representando historias completas de Afrodita, hubo también bailes
en honor a los dioses del panteón romano, que se efectuaban en importantes ceremonias
públicas. Danzas para recibir las estaciones, efectuadas mediante juegos florales, en honor a la
diosa Flora (la Cloris Griega), divinidad virginal que fue honrada con danzas sencillas, cuya
intención, era la expresión de alegría por la llegada de la primavera. Festividad que se vio
confundida, por el hecho de que una mujer pública, que llevaba por nombre Flora, había dejado
su herencia al pueblo romano, y éste en su desenfreno, mezcló a las dos mujeres en una sola
celebración. Irónicamente, la Iglesia una vez asegurada su poder, capitalizó esta situación,
limpiando toda intención libertina, para luego reconvertirla en una fiesta en honor a la Virgen.

Sin embargo, el inicial entusiasmo por la danza en Roma desapareció rápidamente, ya que a
este pueblo, que se distinguía por ser guerrero y conquistador de países y de riquezas, no le
resultaba favorable ante sus oponentes. Motivo por el cual los poderes públicos y la nobleza, en
150 a. c. contuvieron la práctica de la danza y cerraron todas las escuelas de baile. La danza, fue
considerarla como una actividad sospechosa y muy peligrosa para la élite romana, pero a pesar
de ello su práctica social no se detuvo.

Posteriormente y durante el reinado del emperador Augusto (63 a. c.-14 d. c.) la danza reflotó
su ejercicio social, no obstante cuando el imperio romano adquirió su cristianización, el valor del
cuerpo, la sexualidad y la danza -una vez integradas a la razón coreográfica-, fueron objeto de
controversias y de conflictos, que agudizaron la distintiva diferencia entre la danza profana y la
danza sagrada.

LA DANZA EN LA EDAD MEDIA:


A partir del siglo IV la posición de la iglesia con respecto a la danza se mostró ambivalente, por
un lado fue rechazada al ser considerada como catalizador de la permisividad sexual, lascivia y
éxtasis y por otro, intentaron incorporarla es sus diversas celebraciones. Danzas estacionales
Celtas, Anglosajonas, Galos, etc., formaron a menudo parte de los ritos religiosos católicos
durante la edad media.
Pero fue a principios del siglo IX, cuando Carlomagno prohibió la danza, sin embargo la sociedad
no acató la orden, algunas danzas fundamentadas en tradiciones paganas continuaron como
parte de los ritos colectivos de los pueblos europeos camuflados con nuevos nombres y nuevos
propósitos. En el medio rural se practicaba la danza popular con acentuado carácter distractivo
y como forma de relación social; se solía hacer frecuentes referencias a las intrigas de tipo
amoroso lo cual favorecía la inclusión de la gestualidad de la gestualidad figurativa, sobre todo
mediante la mímica facial.

La Iglesia Cristiana fue la única religión importante que ha proscrito y condenado el desarrollo
de la danza. La razón es evidente: una religión basada en la mortificación de la carne no puede
hacer de la carne y sus ardores un medio adecuado de expresión. No sólo se prohibió la danza
sino que también se impuso reglas que vedaban su estudio y conocimiento, incitando a la gente
sólo a la adoración de Dios y a la instrucción.

Debemos a la iglesia nuestra arquitectura, nuestra pintura y nuestra música. Ella creo y
perfecciono la armonía polifónica, junto con los métodos de escritura, y música, tarea en la que
invirtió quinientos años y necesitó el mayor grupo de eruditos jamás reunidos para una única
tarea. La iglesia necesitaba de la música; el baile no le hacia falta, sino todo lo contrario (…) El
baile, junto con la fantasía en las comidas y el exceso de cintas y adornos en la ropa, fue la
forma de dar expresión a los instintos animales. Se lo utilizó también como un auxiliar menor
del galanteo. Naturalmente, no llegó a desarrollarse como arte y poco a poco fue quedando
reducido a expresión inconsciente de una manifestación folklórica. En contraste con las demás
artes, no hubo manera de que fuera consignado por escrito y, por consiguiente, careció de
reconocimiento serio. Los intelectuales no pensaban nunca en expresarse por la danza, salvo,
por supuesto, en el terreno biológico. Las mujeres inteligentes estaban por ese entonces en la
cocina o en el cuarto de juego de los niños. Jamás un talento portentoso, comparable, por
ejemplo, a Shakespeare, Goethe o Bethoven, se preocupó por la danza…la danza había perdido
los vestigios de su parentesco con las demás artes hermanas y no hubo razón para considerarla
en un mismo plano con la música y la pintura. (Cf. Agnes de Mille, Ballet, pp. 74 – 82: 1960). (1)

No obstante durante esta época surgió una danza secreta considerada la danza de la muerte, a
raíz de la aparición de la Peste Negra que flagelo Europa y cobró la vida de 50 millones de
personas.
“La muerte empieza a ser asociada con la figura del esqueleto, o un cadáver en descomposición.
En actitud de danzar, dialoga y arrastra uno por uno a las personas de las más diversas clases
sociales. Asimismo a través de diversas representaciones iconográficas se buscaba plasmar la
fugacidad de la vida y de los placeres terrenales, en esa época donde la mortalidad era alta”. (Cf.
Charles Baudelaire).
La práctica de esta danza comprendió los siglos XIV y XV, sobre todo entre los territorios de
Alemania e Italia. La danza de la muerte fue descrita como una acción ritual, donde los
ejecutantes se movilizaban a base de saltos, dando gritos y convulsiones con furia, como quien
arroja la enfermedad del cuerpo.

“Asimismo con la parición de la peste negra, cambió también la actitud de la sociedad hacia los
nobles y la propia Iglesia: ni unos ni otra pudieron hacer nada para detener la enfermedad. El
fenómeno llegó a afectar el poder del clero. La Iglesia ya nunca más seria el de antes, puesto
que muchas de sus atribuciones serían transferidas al poder temporal. La impotencia de los
gobiernos, unida por un lado a las medidas restrictivas (al admitir las cuarentenas) no tuvo
ningún efecto para contrarrestar la crisis social, a ello se sumaron la falta de trabajadores
cualificados para la manifactura, ¡puesto que la mayor parte estaban ya muertos! Se crearon
rebeliones y, como consecuencia mejoro la calidad de vida de los supervivientes. (…) Algunos
historiadores piensan que el Renacimiento no se hubiera podido producir sin la aparición de la
peste negra”.

EL RENACIMIENTO Y EL BALLET:
Con el advenimiento del Renacimiento, los enfoques hacia el cuerpo del hombre, cobró un
importante interés, al vinculársele a las artes a la danza. Los impulsos estéticos, surgieron en el
interior de las cortes de Italia (balletto) y de Francia (ballet). Durante el renacimiento empieza a
proliferar el Ballet Cour creado en Italia, como forma de espectáculo integro con un inicio y final
manifiesta sobre un tema dramático que se propala por medio de variadas evoluciones
coreográficas junto al canto, la declamación y la música.

Recién en el siglo XV y XVI aparece la Opera-Ballet que centra su interés en la técnica y


mecanicismo del gesto (monomorfo y perfecto) y la actitud corporal, afirmando las primeras
bases de la danza académica. El ballet nace como una expresión cuya técnica fue distinta a la
empleada en las danzas folklóricas. Mientras que en el baile popular se ejecutaban movimientos
rápidos con los pies levantados, en la danza de carácter señorial, los movimientos eran lentos,
donde los pies sólo resbalaban por el suelo y la cortesía sólo permitía que apenas se rozaran la
punta de los dedos de la mano entre damas y caballeros.

Si bien en idiomas como el castellano y el italiano las palabras danza y baile se emplearon como
sinónimos, sin siquiera evaluar las características que las pueda diferenciar. Esto no ha sucedido
siempre, ya que con la aparición del ballet en el Renacimiento, la diferencia entre ambos
términos, se acentuó con mayor intrepidez. Baile se llamó a todas las expresiones corporales,
procedentes de los sectores populares, donde la improvisación se exhibía, como uno de los
elementos de exteriorización más comunes, mientras que por danza se categorizó, a aquellas
expresiones con profundas raíces mágicas y coreografía establecidas, ajenos a toda
improvisación. (Cf. Enrique Pinilla: 1964).

Gracias al aporte de los mecenas, las danzas se desarrollaron a grandes escalas sociales, paralelo
a ello se incrementaron las celebridades y festividades en las cortes y los espacios públicos
respectivamente. De este modo la danza se convirtió en objeto de estudios, para ello un grupo
de intelectuales considerados Pléyades, fueron los que se encargaron de articularla con la
música, el sonido y el teatro, como se solía demostrar en la época griega.

En la corte de Catalina Medici (1519-1589), la esposa italiana de Enrique II, nacieron las
primeras formas de Ballet Clásico, de la mano del genial maestro Baltazar de Beauyeulx en 1581.
El contenido del ballet normalmente era alegórico-mitológico (manifiesta mediante mascaradas
y pantomimas) y bailado sólo por aristócratas aficionados en un salón. El reimpulso de la danza,
determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos que cristalizaron en el siglo XVII.

En las diferentes cortes europeas los danzantes de ballet, se presentaban con sus presuntuosos
vestuarios, bajo una ostentosa decoración, cargada de fuentes artificiales, luminotecnia, etc. El
ballet fue un espectáculo donde música, argumento y escenografía se presentaban ante el
público como un todo expresado.

En 1661 Luis XIV de Francia, autorizó el establecimiento de la primera Real Academia de la


Danza, fue en esta escuela donde se fijaron las famosas cinco posiciones de la danza, así como la
mayor parte de la técnica que actualmente se emplea. Muchos de los ballets presentados
fueron creados por el compositor italiano francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo Pierre
Beauchamps, a quien se le atribuye la determinación de las cinco posiciones mencionadas.

De este modo, en los siglos siguientes el ballet, se convirtió en una disciplina artística reglada
que fue adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época. En un primer momento
solo los hombres podían participar de ella, y los papeles femeninos los realizaban estos mismos
pero disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron recién en 1681, en una escenificación
llamada “el triunfo del amor”. En estos mismos años las danzas sociales de pareja como el
Minuet y el Vals comenzaron a emerger como espectáculos dinámicos.

A lo largo de los siglos XVI y XIX se han presentado un progresivo desarrollo en las líneas
académicas en la danza y en las otras líneas alternativas a esta, así, ya en el siglo XVIII, Jean
Georges Noverre denuncia el vacio que genera la danza reducida a las “proezas técnicas” y a la
esquematización estereotipada de los movimientos. Noverre, fue el más famoso defensor del
ballet francés en acción, escribió cartas sobre la danza y los ballets, en las que aconsejaba
utilizar los movimientos naturales, sensibles y realistas. Este crítico enfatizaba que todos los
elementos de un ballet, debían funcionar armónicamente para expresar su argumento”. (Cf.
Rori Dane Suarez, 2008).
Al comienzo del siglo XVIII, la escena creo para si una categoría independiente de profesionales
adiestrados y expertos en el arte teatral, a quienes la sociedad segregaba de su seno y señalaba
por todos los medios posibles. Fue Marie Anne Camargo, quien acortó las faldas y empezó a
usar zapatillas sin tacón. Alrededor de 1841, se inventó la zapatilla de puntas y se estreno
"Giselle", una obra cumbre del romanticismo y una de las importantes bases del ballet clásico,
sin embargo la danza sobre puntas sólo se utilizó para exhibir pasos y saltos en tiempos breves.
Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar “Pigmalión”. Por
otro lado John Weaver, eliminó las palabras e intentó transmitir, el sentido dramático por
medio de la danza y el gesto.
Se encajó el cuerpo del bailarín con los ideales de cortesía, elegancia y pudor que se valoraban
en aquella época. En las obras, el espacio fue utilizado de una manera equilibrada, ordenada,
simétrica y con cierta jerarquía espacial.
En las escenas grupales del siglo XVIII, se llegaron a representar al Rey Sol (Luis XIV), llamado así
por una coreografía en la que todos los demás danzaban a su alrededor, haciendo visible su
poder a través de la metáfora espacial de la jerarquía.
En el siglo XIX, el Ballet Romántico, se reflejó con el culto a la bailarina y la lucha entre el mundo
terrenal y el mundo espiritual que trascienden la tierra. El ballet "Las Sílfides", fue un ejemplo
de ello, cuya primera representación tuvo lugar en París, con María Taglioni a la cabeza. Al
mismo tiempo, los poderes políticos de Europa colonizaron África, Asia y Polinesia, donde
prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por considerarlos bastos y sexuales.
Durante el siglo diecinueve, paso a ser lisa y llanamente un vehículo femenino de expresión. El
movimiento romántico hallo en la danza sus manifestaciones mediante un estilo ligero,
incorpóreo y etéreo que resulto inmensamente más apropiado para mujeres. Los hombres
quedaron subordinadas a ellas, levantándolas, sosteniéndolas en alto, soportándolas,
transportándolas y tomándolas en el aire. Cuando disponían para si de unos minutos en el
escenario, no podían pensar en nada mejor, con el objeto de hacer digna pareja con sus
incorpóreas compañeras., que en imitarlas y procurar aventajarlas en el aspecto flotante,
inmaterial, etéreo. No es masculino desprenderse de la tierra y flotar, sino por el contrario,
afianzarse bien sobre ella. (…) Las mujeres no tropezaron con obstáculo alguno, sencillamente
porque los hombres encontraron la tarea tan poco de su gusto como para no oponerles ninguna
barrera. La coreografía es quizás la única actividad en que las mujeres no han tenido que luchar
contra la resistencia de los hombres, y no es casual el hecho de que los grandes revolucionarios
del baile hayan sido siempre mujeres. (Agnes de Mille, Ballet y Sexo en MI VIDA EN LA DANZA,
pp. 74 – 82: 1960) Compañía General Fabril Editora, S. A. Buenos Aires-Argentina.
A pesar de que el ballet se había expandido por toda Europa, fue a partir de la segunda mitad
del siglo XIX, donde comenzó a perder su interés público debido a la rigidez académica,
situación que fue denunciado por Dalsarte desde el terreno alternativo, Isidora Duncan hizo lo
propio en el siglo XX, sin embargo y a pesar de ello se produjeron destacables obras como la
“Coppélia”, “Sylvia” y “La fuente”, con música de Leo Delibes. Por su parte Rusia siguió con la
tradición del ballet, gracias al coreógrafo Marius Petipa. Entre sus obras los más conocidos
fueron: “La Bella Durmiente” (1890), “El Lago de los Cisnes” y “Cascanueces”, obras que fueron
elaboradas con acompañamiento musical de P. I. Tchaikovsky y la colaboración de Liev Ivanov.
Petipa llegó a convertirse en un punto de referencia. Fokine fue otro artista que hizo hincapié
en la idea de la expresividad. Hubo también otros representantes como S. Diaghilev, Vaslav
Nijinski, que contribuyó la reaparición de la figura masculina. (Cf Historia del Ballet Clásico,
2009).
En el siguiente siglo, la apertura de la danza moderna, diversificó los movimientos dancísticos,
los bailarines produjeron una variedad de admirables obras. Sin embargo pasado los años el
antagonismo entre la danza moderna y el ballet clásico terminarían por borrarse, y los bailarines
finalmente alcanzarían a manifestarse en ambos estilos.
“El ballet ejerce singular influjo sobre las mujeres de occidente, y yo diría que no es por lo
temático, sino por la fastuosidad con que se presenta, las flores, el publico de gran lujo y el
sistema estelar, aunque la opulencia seduce siempre. Su pujanza y atractivo, según creo,
estriban más bien en su cualidad real de la técnica.
La técnica del ballet, en comparación con la de los bailes mas modernos y hasta con las
manifestaciones folklóricas, es menos natural, si tal vocablo puede utilizarse con respecto a su
arte, mas arbitraria, mas estilizada y mas impersonal. El cuerpo esta obligado a perder su
apariencia humana. Toma elementos del dibujo abstracto y, visto superficialmente, al principio
parece perder toda relación con la experiencia sexual y emocional. Con todo, debe seguir siendo
un cuerpo y nada más. Ese cuerpo debe ser tal como nosotros desearíamos que fuese, no uno
de nuestros cuerpos gastados, sino un cuerpo ideal, de ensueño, liberado de la fatiga y la
inquietud. Es la condensación de todos los elementos que consideramos más atrayentes:
ligereza, vaporosidad, fuerza, facilidad y, sobre todo, perfección. Todas las articulaciones y los
tendones se estiran al máximo, los brazos se abren y liberan, el pie se arquea en el último
espasmo de la exaltación, la espina dorsal queda tensa; de la cabeza a los pies, el cuerpo es una
fuerte y positiva aserción. Por eso constituye quizás la forma más erótica de danza conocida por
nosotros. (…) La línea alargada, erecta, fuerte y vital, es música en nuestros espíritus…el
estiramiento y encogimiento, el salto liberador, la carrera y la huida de la tierra son expresión
occidental europea. (…) Con la cabeza en alto, brincamos y corremos. El oriental acaricia y se
echa al suelo, encorvado y vuelto hacia su interior, en un único sitio. La suya es danza de diseño
y habla de vida restringida y de introspección. El espacio le ha faltado durante miles de años; a
nosotros nos ha sobrado”. (Agnes de Mille, Ballet y Sexo en MI VIDA EN LA DANZA, pp. 74 – 82:
1960) Compañía General Fabril Editora, S. A. Buenos Aires-Argentina.
DE LA DANZA MODERNA A LA DANZA CONTEMPORANEA:
La Danza en el Siglo XX:
Si la danza clásica buscó el preciosismo, lo estructurado y, la conexión con lo etéreo y celestial,
ligada al concepto de lo apolíneo. La Danza Moderna y Contemporánea por su parte, escudriñó
siempre la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones. Su expresión libre y su
carácter transgresivo estuvieron siempre ligados al concepto de lo dionisiaco. (Cf. Adolfo
Vásquez).
Finalizada la Primera Guerra Mundial, surge entre los más sensibles, un serio cuestionamiento
sobre los valores. Los artistas buscan expresar algo mucho más personal, dinámico y compatible
al espíritu coyuntural. Si en Rusia surgía un renacimiento del ballet propiciado por los más
brillantes coreógrafos, compositores y artistas visuales y diseñadores como Ana Pavlov, Claude
Debussy, Stravinsky, Pablo Picasso, etc. Paralelo a ello en occidente, las primeras
manifestaciones de la Danzas Modernas comenzaban a tomar protagonismo, como reacción
frente a los estilizados movimientos del ballet.
A la progresiva emancipación de la mujer, surgió una nueva forma de bailar, que declamaba la
libre expresión corporal, tomando a Isidora Duncan como su principal referencia.
La danza moderna apasiona más a las mujeres que a los hombres…es la única ejercitación física
posible a las mujeres que no comportan responsabilidad moral o riesgo físico. Constituye un
verdadero retorno a la libertad pagana y a los juegos infantiles. Puede hasta ser un sustituto
completo, aunque inconsciente, del amor físico, y en las vidas de las grandes bailarinas suple
habitualmente esta función…tan imbuido de sexualismo esta el movimiento mismo. No hace
falta que sea una mujer hermosa; no es necesario que se apoye en la mínima coquetería
personal; más aun, no debe hacerlo. (Agnes de Mille, Ballet y Sexo en MI VIDA EN LA DANZA, pp.
74 – 82: 1960) Compañía General Fabril Editora, S. A. Buenos Aires-Argentina.
Por otra parte, desde la segunda década del siglo XX hasta la actualidad, nuevas libertades en el
movimiento del cuerpo se impusieron al constante cambio de actitudes. La música con
influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación en la creación de las salas de
baile y de danzas como la rumba, la samba, el tango, el cha, cha, cha, etc.
A partir de la década de los cincuenta, otras danzas individualistas como el rock and roll, el
twist, los free-style, considerados bailes de rebeldía, tomaron el relevo. Posteriormente
aparecieron el disco dancing, el breakdancing, danza-jazz, etc; En las ultimas décadas del siglo
XX y paralela a la danza contemporánea, académica y la danza-jazz, se impusieron una
diversidad de danzas que inclusive cuentan con un diseño teórico, que pueden ir desde lo
espiritual, lo epistemológico, lo filosófico, hasta lo terapéutico, medico, correctivo y de
rendimiento motriz, tal es el caso de la Gym-dance, el Aerobic, dance-Contact-Improvisation,
Biodanza, Danza-terapia, etc.
Ya en los albores del siglo XXI, la danza retomaría el significado de los temas dramáticos, la
musicalidad y el virtuosismo técnico renovado. Todas estas practicas iniciadas en el
renacimiento hasta la actualidad, han conservado concepciones y practicas coyunturales, en
función a una variedad de técnicas en la mecánica, la gestualidad y la coreografía corporal.
Todas ellas han conjugado aspectos figurativos y abstractos, aspectos relacionados con la
emocionalidad humana en sus diversas condiciones de vida.

La Danza Moderna:
La Danza Moderna se consolidó sobre todo, entre los dos primeros decenios del siglo XX,
apareció como una contrapropuesta o ruptura esencial en oposición a los valores
fundamentales del ballet. Al igual que las otras tendencias artísticas de la época, los artistas de
la Danza Moderna, se manifestaron desarrollando propuestas abstractas y expresionistas de
carácter real.
A los cambios en la ciencia, la tecnología, así como la trágica y desolada coyuntura, luego de la
devastación producida por la Primera Guerra Mundial, se sumaron la agitación de las grandes
vanguardias, que buscaban nuevas formas de expresión.
La danza tradicional como el Ballet Clásico, que aun preservaba el valor de la métrica, el ritmo,
los saltos y los pasos, fue transformada radicalmente por la variabilidad de las nuevas corrientes
vanguardistas. Para muchos defensores del ballet clásico, la danza moderna no era otra cosa
sino, una manifestación degenerada de las artes danzarías, algunos pensaron, que se solo se
trataba de una simple ruptura estética y/o cambio de gustos.
Sin embargo la danza expresionista y abstracta, buscó la recuperación del movimiento libre,
mediante la interacción dinámica con el espacio y la posibilidad de la autoexpresión corporales.
De este modo la Danza Moderna, rompió con los pasos pre establecidos de la academia, para
luego convertirse en un componente intenso, prevaleciendo la expresión emotiva y los
sentimientos más profundos del ser.
La desnudez fue otro recurso que se impuso como parte de su búsqueda de la libertad. Los
artistas consideraban, que la belleza corporal se encontraba por encima de la indumentaria,
motivo por el cual, eliminaron toda exuberancia de las escenografías, asimismo redujeron los
excesos en el acompañamiento musical. A los danzarines también les pareció indispensable,
experimentar con los silencios y los sonidos aislados.
Por otro lado la característica zapatilla del ballet, fue descartada, los artistas prefirieron danzar
con el pie descalzo, con el propósito de establecer contacto con la tierra. Eliminaron el
virtuosismo académico y en sustituto, se buscó la expresión libre. También se propusieron
cambiar la concepción del espacio escénico y la utilización de la energía en el movimiento del
tiempo.
Una de las fundamentales motivaciones de los artistas de vanguardia, fue su espíritu
explorador. Los danzantes se dedicaron a investigar y recopilar estilos y técnicas de una
diversidad de expresiones tradicionales (India, Egipto, Grecia, etc.), para luego insertarlas en sus
respectivos estilos y prácticas. De ese modo resaltaron la individualidad creativa.
La Danza Moderna se originó primero en la Alemania, sin embargo, su desarrollo técnico se
efectuó en los Estados Unidos, junto a artistas como Denisshawn, Martha Graham y Doris
Humphrey. Por su parte en Europa, el foco principal fue Berlín, allí destacaron Isidora, Duncan,
Loie Fuller y Rudolf Von Laban, quienes hasta buen tiempo se mantuvieron en el terreno de la
independencia expresiva.
Isidora Duncan, utilizó en sus trabajos los ideales del antiguo arte griego, con el propósito de
revalorar el carácter natural de las expresiones. Rudolf Von Laban, creó la labanotación, que
consistía en un análisis científico del movimiento humano, basado en una notación geométrica,
que consistía en estirar y contraer el cuerpo ajustado a un espacio. La técnica de Martha
Graham, se basó en la relajación y contracción de la respiración, en sus inicios priorizó las
expresiones abstractas, posteriormente se centró en el carácter místico y psíquico de las obras.
Graham, afirmaba que la región abdominal era la fuente de energía que controlaba el cuerpo
del danzante. Mary Wigman, fue otra de las principales figuras de la Danza Moderna, cualificó el
silencio y la mímica dentro de sus trabajos, para explorar el lado oscuro de la naturaleza
humana, su coreografía estuvo inspirada en el mundo asiático y oriental y en muchas de ellas
utilizo mascaras.
Posteriormente surgieron figuras como Mary Wigman, Merce Cunningham, José Arcadio Limón,
Emile Jaques-Dalcroze, Charles Weidman, entre otros.
“Cabe mencionar que con el nazismo muchos artistas alemanes como Laban y Jooss emigraron
fuera del país. Kurt Jooss había criticado duramente a la sociedad alemana en sus coreografías,
incluyendo entre sus personajes figuras como la de la muchacha que debe vender su cuerpo por
dinero, la madre desesperada, el soldado humillado, el hombre hambriento de poder, etc. Su
obra más crítica fue La Mesa Verde, en donde destacaba la grieta existente entre las distintas
clases sociales”.
La Danza Contemporánea:
El surgimiento de la Danza Contemporánea formó parte de la búsqueda de un espectáculo
totalizador y teatral, en el que de forma cohesionada y equilibrada los artistas mezclaron y
relacionaron, las acciones corporales, con otras disciplinas artísticas como la acrobacia, el ballet,
la danza moderna, el jazz, el karaoke, la música electrónica, el video, los cuerpos pintados e
inclusive tuvieron un acercamiento al performance (mediante la danza performatica, la
metaformance, etc.).
Si definimos las características de la Danza Contemporánea, podemos comenzar argumentando
que se trató de una expresión artística polivalente, donde los artistas buscaron representar los
ideales políticos y el manejo de nuevos conceptos de libertad creativa, contrastando con los
compromisos ideológicos de la élite y la burguesía dominantes.
“Los sesenta fue en la década en que se produjo una revolución artística en los postulados
mundiales de la anarquía. En aquellas sociedades que enfrentaban la crisis política y social del
capitalismo y sus oponentes. El arte manifiesta la existencia de un ser humano que no
encuentra su lugar dentro de la sociedad y la coyuntura, rechazando rotundamente a lo
establecido y a la política mercantil de la burguesía”.
Existe una preocupación por develar las preocupaciones internas, cualidades y defectos
fundamentales del ser humano. Los artistas utilizan una diversidad de vías para quebrar los
conceptos tradicionales a través de lo absurdo y lo grotesco. Se formula un lenguaje
coreográfico basado en lo presente y la vida cotidiana. Rechazan los conceptos tradicionales del
tiempo, espacio y acción, en sustituto mantiene el contraste, la contraposición y la
heterogeneidad expresiva. Objetan las estructuras narrativas y secuencias lógicas tradicionales,
priorizando los movimientos espontáneos, asimismo niegan el escenario convencional y
trasladan las actuaciones a los espacios abiertos; muros, escaleras, jardines, calles, escenarios
flotantes, balsas, etc.
Incorporan al público como parte de sus actuaciones. Hay quienes llegan a negar al propio
bailarín, para luego convertirlo, en objeto de provocación de efectos visuales. Algunos artistas
dejaban que las obras se manifestaran libremente, para destacar la interacción con el público,
inclusive se llegó a utilizar bailarines no entrenados. (Cf. Paola Lorenzana, 2007).
La Danza Contemporánea se manifestó a través de una pluralidad de vías estéticas y, una de sus
principales modalidades expresivas fue la Danza-Teatro (tanztheater), que consistió en la unión
de la danza “genuina” y los métodos del teatro, creando de este modo una nueva y única forma
de danzar. La Danza-Teatro se distinguió por una fuerte referencia con la realidad, para ello los
artistas se valieron del dolor social. Las presentaciones se centraron por revelar conflictos
humanos, a base de movimientos y gestualizaciones, alternadas con caídas, golpes, saltos y
colapsos dramáticos., estimulando al espectador a identificarse y reflexionar sobre ciertas líneas
de pensamiento. A diferencia de las otras modalidades dancísticas, que representaron la
búsqueda coreográfica de los conocidos códigos de baile, influenciados por escuelas y las
diversas técnicas, la Danza-Teatro fundaba cada vez que se realizaba un trabajo, expresiones
visuales que concuerden con la temática escogida. Estuvo representada en Europa por artistas
como Pina Bausch, Susanne Linke, Reinhilde Hoffman, Eugenio Barba, entre otros.
Fue en 1973 cuando la alemana Pina Bausch, puso de manifiesto su Danza-Teatro y su
psicodrama analítico, La artista colocó en cuestión los automatismos psíquico-sociales, la
formalidad y la banalidad excesivas de la época. Bausch fue testigo de una época desgarrada y
devastada, motivo por el cual se situó en una escena de avanzada, desde donde reinvento los
movimientos primigenios de la danza, que habían sido reducidas a lánguidos ritmos carentes de
emoción, asimismo lucho contra las categorías del buen gusto y la belleza y los modelos
canonizados sobre el “cuerpo ideal”, para mostrar una realidad heterogénea en la que el
movimiento adquiría un enorme poder transgresor. (Cf. Adolfo Vásquez).
El Psicodrama Analítico de Bausch, ofreció no solo la metodología adecuada de sublimación,
socialización y producción de subjetividad singular y colectiva, potenciando o mejor redirigiendo
la agresión del espectador, y previniendo la violencia social. La expresión corporal escenificaba
la agresión ritual como campo de enfrentamiento en el que comparece la tensión, la
competencia y el origen genético del comportamiento teatral. De este modo el espectador, se
convertía en también organizador de los impulsos de la experiencia estética, por medio de la
catarsis se movilizaba internamente, ejercitada de agresión o erotismo anestesiado. (Cf. Adolfo
Vásquez).
A diferencia de los europeos los artistas norteamericanos, de los años sesenta, se concentraron
más en el alarde técnico y su vuelco hacia las concepciones posmodernas, heredando de este
modo la técnica de Martha Graham. Cabe resaltar la particularidad de Georgi Melitonovitch
Balanchivadze, mejor conocido por su nombre artístico de George Balanchine, considerado
como el arquitecto principal del ballet en los Estados Unidos, fue responsable de la exitosa
fusión de conceptos modernos con las ideas más viejas del ballet clásico, además, gracias a él, la
gran academia se transformó en un juego bastante dinámico y geométrico, bien alejado de las
languideces románticas. Influyo notablemente en artistas contemporáneos como Helgi
Tomasson, Christopher Wheeldon, Arthur Mitchell, Edward Villella, Suzanne Farrell y entre
otros.
Artistas inmigrantes como Antony Tudor, no estuvieron exentas del desarrollo dancístico en los
estados unidos, Tudor fue quien cambió de la manera más drástica el rostro de la danza
estadounidense, al inyectar una dosis de verdad emocional a la fórmula del ballet del siglo XIX.
Por otro lado cabe también mencionar al compositor John Cage, que influyó notablemente en la
vanguardia de su tiempo, tanto en la música como en la danza. Paul Taylor, Mark Morris,
Michael Smuin, Patrick Makuakane, Lily Cai, Alvin Ailey, Bill T. Jones, David Rousseve y Robert
Moses, fueron los más destacados durante la segunda mitad del siglo XX, que influenciaron en
danzantes actuales como Lar Lubovitch, Gerald Arpino, Stanton Welch, Mikko Nissinen, Judith
Jamison, Yuri Possokhov, Dennis Nahat, Michael Smuin, Margaret Jenkins discípula de
Cuningham, Joe Goode, Alex Ketley, Christian Burns, entre otros.
El Ballet-Teatro fue otra de las modalidades expresivas de la Danza Contemporánea, donde se
utilizaron códigos dancísticos de carácter literal. En el Ballet-Teatro los artistas se valieron de
expresiones miméticas (gestos, movimientos e imágenes) para contar o no historias,
sustentadas en inteligibles argumentos. Representaban la realidad sea imitándola o por medio
de diversas sensaciones corporales, apelando a una yuxtaposición de expresiones abstractas,
enfocados al inconsciente del espectador, pero fueron abstraídos progresivamente por la
Danza-Teatro.
De los sesenta a la fecha, se viene desarrollando una variedad de estilos y categorías dancísticas,
que responden a una variedad de líneas de enseñanza, múltiples coreografías y una diversidad
de compañías, que se vienen insertando dentro de la corriente contemporánea. En el siglo XXI,
la tecnología ha llegado a irrumpir en el mundo del arte, con más o menos vigor en las distintas
zonas del mundo. De este modo la multimedia junto al artista, se ha comprometido ya, en la
promoción del arte en forma interdisciplinario, integrando el video, la música de vanguardia, la
gestualidad verbal, la moda, la iluminación, etc.; enriqueciendo los espacios y escenarios en
forma sorprendente. Sin embargo en muchos casos y a pesar de la tensión dramática, el acento
se ha centrado en lo visual, lo puramente cinético y efímero.
(1)…la época medieval repudió completamente todas las manifestaciones de la danza durante
un tiempo, y mas tarde, cuando ya estaban ahogados para siempre los restos de exuberancia
pagana, sólo presto su aprobación a las formas de salón, fuera del claustro, y aun esto
únicamente como una válvula de seguridad social. Su práctica sólo se favoreció en los castillos,
las cortes y en las escenas pero como algo meramente ornamental. (Cf. Agnes de Mille, Ballet,
pp. 74 – 82: 1960).

BIBLIOGRAFIA & WEBBLIOGRAFIA:


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-Agnes de Mille, MI VIDA EN LA DANZA, Compañía General Fabril Editora, S. A. 1960, Buenos
Aires-Argentina.
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-Luis E. de Santiago Guervos, pp. 678: 2004. Nietzsche y la Expresión Vital de la Danza, del libro
NIETZSCHE Y EL ARTE, Arte y poder, Aproximaciones a la Estética de Nietzsche, pp. 678, Editorial
Trotta, 2004, Madrid-España.
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Interactividad y el Uso de las Nuevas Tecnologías Aplicadas a las Prácticas Corporales,
Compositivas y Escénicas. Alejandra Ceriani, Licenciada y Profesora en Artes Plásticas, Facultad
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http://www.alejandraceriani.com.ar/tesis_alejandra_ceriani.pdf

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http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/levin.pdf
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Argentina, 2008).
http://www.memoria.fahce.unlp.edu.ar/art_revistas/pr.3700/pr.3700.pdf
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Baile y Danza
El hombre, desde sus más remotos orígenes, como ser sociable y religioso a un mismo tiempo,
sintió la
necesidad de comunicarse con sus semejantes y con los poderes sobrenaturales. Para ello, con
anterioridad al
dominio del lenguaje y a la difusión de la expresión oral, tuvo que recurrir a sus propias
limitaciones, a su
propio cuerpo, para contactar con las divinidades, rendir culto a la naturaleza y poder expresar a
sus
congéneres de forma instintiva y espontánea sus propios sentimientos,
necesidades o temores.
Por eso con unos movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados
generalmente con
música sirvieron como forma de comunicación o expresión ya que los seres humanos se
expresan a través del
movimiento. La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en
movimientos
fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios. Incluso una acción tan normal como el
caminar se realiza
en la danza de una forma establecida, en círculos o en un ritmo concreto y dentro de un
contexto especial
entre otras cosas.
No se puede negar la antigüedad de este arte porque para algunos antropólogos, es anterior a
la aparición del
ser humano el sentido de que, en cuanto a actividad natural e instintiva, aparece en diversos
planos de la
animal. Se habla así de la danza nupcial en numerosas aves. Se designa de igual manera el ritmo
del
movimiento ritual de algunas especies de serpientes antes de lanzarse al ataque.
Junto a la pantomima y la gesticulación más primigenia el hombre incorporó como
acompañamiento
diferentes sonidos, de carácter rítmico y repetitivo, que convirtieron esos iniciales movimientos
corporales en
ritos ancestrales vinculados a las creencias y religiosidad de los pueblos y tribus de la
antigüedad.
Por esta razón es considerada como una de las primeras artes de la humanidad, por
el hecho de que la danza
ha ocupado un papel primordial en la evolución de
las civilizaciones, en unas ocasiones como instrumento al
servicio de creencias míticas y mágicas, otras veces como reflejo y expresión de las costumbres,
saberes y
preocupaciones de determinadas sociedades, y, en fin, como medio de diversión y
entretenimiento de las más
variadas gentes
y clases sociales.
Origen y desarrollo. En el arranque de la civilización se registró una estrecha relación entre
danza y juego,
como manifestaciones naturales ambas de la vitalidad y la expresividad humana. Así, podrían
equipararse el
llamado instinto de juego y la espontánea inclinación a la danza. En tal sentido, ha de
considerarse la danza
como manifestación del excedente de energía del ser humano o como una actividad catártica,
de liberación de
impulsos.
La danza presenta la peculiaridad intrínseca de ser un arte intangible y fugaz, que se funde en
los cuerpos de
quienes la realizan y perece al concluir el movimiento. En consecuencia, su representación fue
incompleta y
estática prácticamente a lo largo de toda la historia hasta que las técnicas cinematográficas
permitieron
reproducir la imagen en movimiento.
El estudio de los modos culturales que manifiestan
las tribus primitivas que aún sobreviven permite suponer
con fundamento que la danza, entendida como movimiento rítmico del cuerpo, con
acompañamiento sonoro o
sin él, comenzó a configurarse en torno al sonido que producían los pies de los danzantes,
quienes, en su
expresión corporal, individual o colectiva, prestaron cada vez mayor atención a lo que habría de
convertirse en
la esencia de la danza: el ritmo. El acompasamiento
de gestos y movimientos se vería sucesivamente
reforzado por el batir de palmas, la percusión
y, más tarde, la instrumentación.
Según las especulaciones antropológicas, las primeras
danzas humanas eran individuales y se relacionaban
con el cortejo amoroso. Las colectivas aparecieron también en el origen de la civilización y su
función,
1
utilitaria y evocadora dentro de un contexto religioso, se asociaba a la adoración de las fuerzas
superiores o de
los espíritus para conseguir
el éxito en expediciones guerreras o de caza, o para solicitar la bonanza o la
lluvia. Las danzas para invocar las lluvias persistieron durante siglos en algunos lugares, y la
creencia en el
hacedor de lluvia permaneció viva en el acervo cultural de los indios de Norteamérica. La danza
primitiva
encerraba, pues, un valor simbólico y, en ella, los danzantes no representaban a personas
concretas, sino que
encarnaban a un espíritu, a un poder superior que se expresaba a través de quien bailaba. En
tales danzas
tribales, todos los danzantes eran actores y desempeñaban un papel en el conjunto:
Se diferenciaban así los papeles principales, los del coro o los que acompasaban el ritmo con
instrumentos o
con las manos. Se trataba de una ceremonia
ritual colectiva en la que todo ritmos, pasos, máscaras, vestidos
obedecía a una pauta definitiva. En este contexto han de situarse, como expresión máxima de la
catarsis de la
danza, las manifestaciones de cultos animistas como el vudú o la macumba, que perduran aún
en Haití y
Brasil respectivamente.
La introducción en el conocimiento humano de la sensibilidad artística determinó la
configuración de la danza
como manifestación estética. En la antigua Grecia, la musa de este arte, Terpsícore, inspiraba
a los danzantes
y les confería gracilidad y agilidad, rasgos éstos que se acentuarían a lo largo la historia para
culminar en la
que tal vez sea la más exquisita de las manifestaciones de la danza, el
ballet. En otros términos, la evolución
del baile determinó la aparición de estilos cortesanos y palaciegos, y, en especial, de
expresiones de danza
popular que constituyen la raíz de la tradición y del folclor.
Perfil histórico. En el antiguo Egipto, veinte siglos antes de Cristo ya se habían establecido las
danzas
astronómicas en honor del dios Osiris. El carácter religioso y profundamente simbólico, de alto
contenido
espiritual, fue, de uno u otro modo, común a la danza oriental y se muestra aún patente en las
danzas clásicas
de los pueblos asiáticos,
conservadas y ejecutadas rigurosamente. De ello constituyen una excepción las
danzas de los países islámicos, cuyo sentido, ritmo y contenido coreográfico discurrió
evolutivamente por
singulares
derroteros.
Antigüedad clásica. En la Grecia clásica, la danza apareció con frecuencia vinculada a los juegos,
y
singularmente a los olímpicos. En estas manifestaciones
se hacía patente, más que en ninguna
otra ocasión,
el sabio equilibrio de músculos y articulaciones, de respiración y circulación, en el que juego y
danza se
conjugaban. Entre las diversas
danzas corales de la Grecia clásica se diferenciaban
múltiples modalidades
como las guerreras (gimnopédicas, pírricas) o las interpretadas en honor
del dios Dioniso que, conocidas
como dionisíacas,
tenían lugar en conmemoración de cada una de las estaciones del año.
En el ámbito romano, los ritos religiosos en los que el baile constituía un elemento principal se
iniciaron
a la
manera de los griegos, aunque a continuación
degeneraron para convertirse en las llamadas
danzas
orgiásticas, que eran características de las fiestas de Baco, las bacanales. Con la aparición
y consolidación del
cristianismo se produjo una radical remisión de este tipo de manifestaciones,
que prácticamente
desaparecieron, si bien la danza popular se introdujo progresivamente en las celebraciones
cristianas, incluso
en el interior de los templos, como en el caso de la danza de los seises
de las catedrales de Sevilla y Córdoba,
tradición
española aún vigente. Otras fiestas populares,
singularmente los carnavales, mantuvieron viva la
secular tradición coreográfica.
Danza cortesana. Con el Renacimiento, la danza teatral, virtualmente extinguida en siglos
anteriores,
renació
pujante en los escenarios cortesanos
y palaciegos. A partir del siglo XVI se inicio la elaboración de tratados
sobre el arte de la danza.
El ideal estético de la época trascendió el ámbito
de las cortes italianas en las que
nació para extenderse por toda Europa. En la que puede considerarse
primera época de desarrollo de la danza
moderna adopté una función preponderante la pantomima que, derivada del mimo, logró su
máxima expresión
en la comedia del arte italiana.
Cada país, y más concretamente cada corte europea,
fue creando sus formas peculiares de danza.
Así, se
2
establecieron el branle francés, un baile de corro en el que podía participar todo el que llegaba,
y el volta, que
gustaba sobremanera a Isabel
I de Inglaterra, al tiempo que, según parece, escandalizaba
a los clérigos de la
corte. España puso de moda la pavana y la zarabanda, y asimismo fueron
apareciendo y popularizándose la
chacona y el pasacalle. Compositores geniales como Johann Sebastian Bach y Wolfgang
Amadeus Mozart
incorporaron
a sus composiciones ritmos de danza, casi siempre tomados del folclor.
Una de las danzas europeas más complejas en su ejecución era el minué o minuetto, de
movimiento
moderado y que constituye la representación
del refinamiento cortesano del siglo XVIII. Después fue el vals
la danza cortesana por excelencia,
y con él se inició el paso de la danza en grupo
al baile de parejas; grandes
compositores como los Strauss contribuyeron a la popularización de esta danza, que, no
obstante, tuvo
enconados detractores.
Algo semejante ocurrió, ya en el primer cuarto del siglo XX, con el tango, baile de
pareja de origen y espíritu argentino, que llegó a ser prohibido
por inmoral por la autoridad eclesiástica.
Igualmente discutido fue el charleston que, aunque
de vida efímera, alcanzó altas cotas de popularidad
y que
en cierto modo preludié los ritmos modernos, iniciados con el rock and roll.
La historia ha influido sobremanera en el desarrollo de la danza, ya que ésta fue
progresivamente
desprendiéndose de su primigenio sentido ritual y religioso en beneficio de una funcionalidad
lúdica y estética
que derivó con el transcurrir de los siglos en dos formas sociales y culturales diferentes de
concebir el
espectáculo de la danza. Por un lado, su carácter de manifestación colectiva contribuyó a su
consolidación
como
expresión festiva, popular y folclórica, mientras que sus valores estéticos y visuales favorecieron
la
aparición de una danza de carácter teatral, el ballet, caracterizada por una mas clara
diferenciación entre
espectador (personaje que contempla) y bailarín (artista que actúa ante un público realizando
movimientos
corporales acordes con la música que interpreta).
La danza ha de valorarse, en todo caso, no sólo como el resultado artístico de un discurrir
histórico, de unas
civilizaciones
en evolución constante, con sus preocupaciones religiosas,
sus costumbres, sus
comportamientos sociales y sus ocios, sino también como el reflejo de la capacidad expresiva
y cultural de
cada pueblo.
Cabe reseñar a este respecto el interés creciente de la administración pública y de algunas
fundaciones
privadas por defender, preservar y difundir las danzas autóctonas como una forma más de
rescatar el valioso
patrimonio cultural y artístico legado por el pasado. Asimismo, ámbitos del saber humano como
la
antropología, la sociología o la psicología han ido ocupándose en mayor medida de la danza
como fuente
fundamental para el conocimiento de las sociedades presentes y pretéritas.
Si, como se ha mencionado, la danza es el reflejo de un pasado cultural no es menos cierto que
esta forma
artística no debe anclarse sólo en formas y presentaciones tradicionales
o académicas, anquilosándose en
cierta medida. Debe ser también un espectáculo vivo y para ello ha de corresponder
a las inquietudes y gustos
estéticos de los nuevos tiempos incorporando cuantas innovaciones técnicas, rítmicas, visuales,
expresivas y
estéticas se vayan sucediendo tanto
en la propia parcela de la danza como en otros espectáculos
artísticos
con similares lenguajes y posibilidades expresivas.
De los orígenes de la danza a la música contemporánea
Desde los remotos inicios de la humanidad la danza ejerció
una singular función en el desarrollo de los ritos
mágicos
y de las creencias religiosas, ya que los movimientos corporales, repetidos constantemente y
casi de
forma automática,
eran el principal instrumento comunicativo empleado
por magos y chamanes para
relacionarse con las divinidades
y las fuerzas sobrenaturales en espera de ayuda y protección.
Danzas paroxistas y orgiásticas, danzas fálicas y de fecundidad,
danzas guerreras, danzas totémicas y danzas
sacras constituían el repertorio esencial de los ritos de los pueblos antiguos (egipcios, griegos,
romanos,
culturas precolombinas,
civilizaciones china e hindú...). Dichas danzas, pese a su distinta funcionalidad
3
mágica, tenían en común la utilización
de un complejo y enigmático conjunto de signos y símbolos sólo
comprensible para iniciados; el empleo de máscaras, tatuajes y vestidos rituales; y la ejecución
de una serie de
movimientos y gestos codificados, repetitivos y estilizados.
Todo ello nos habla de una concepción abstracta
y mítica del universo, aún perdurable en pueblos primitivos actuales, que ha ido perdiendo
fuerza con la
progresiva sucesión
en la historia de las grandes civilizaciones, muchas de ellas íntimamente relacionadas
con la aparición de alguna de las grandes religiones y creencias universales.
Con el transcurrir de la edad media y la época moderna la danza fue abandonando en occidente
su cariz
mistérico y religioso, en parte por la persecución de que fue objeto por la iglesia cristiana, la
cual consideraba
la danza como un acto pagano, obsceno y de escasa moral, y en parte por la progresiva
secularización de las
comunidades, para convertirse en un divertimento y juego, en un acontecimiento social, imagen
perfecta de
las peculiaridades, la idiosincrasia y el folclore de los pueblos.
Por un lado, las clases populares promovieron los bailes, mascaradas y carnavales, festejos
colectivos
caracterizados por una amplia participación ciudadana y ejecutados por lo general en espacios
abiertos y
públicos con motivo de festividades,
grandes eventos nacionales o fechas relacionadas con las estaciones del
ano o con ciertas actividades laborales casi siempre de ámbito agrario. Por su parte, las clases
aristocráticas
contribuyeron a la consolidación de unos modelos
de danza elitista y elegante, que se practicaba
exclusivamente
en salones palaciegos y nobiliarios, o en zonas ajardinadas anexas a dichos espacios lúdicos,
sólo accesibles a las clases altas de la sociedad.
Se trata, en definitiva, de dos comportamientos sociales definidos, de dos formas distintas de
entender la
diversión y el espectáculo, cuya vigencia dura hasta nuestros días, respectivamente,
en las danzas folclóricas
y populares, cargadas
de vitalidad y dinamismo (cueca, samba, merengue, tarantella, baile flamenco...) y en
los bailes de salón (pavana, minueto, vals, polonesa...), los cuales, en cierta medida, se han
popularizado y
difundido en los últimos tiempos conforme
la aristocracia se ha ido despojando de su tradicional carácter
clasista.
La preeminencia secular que había ejercido Europa en cuanto a gustos y estilos de danza se
refiere comenzó a
declinar
en el siglo XX en beneficio de un nuevo foco cultural y artístico, los Estados Unidos, indiscutible
origen de la mayoría
de los ritmos y los bailes contemporáneos (fox−trot, charlestón, blues...), en los que la
juventud ha cobrado un protagonismo fundamental conforme a su creciente papel social y cuya
difusión se
debe en gran parte al desarrollo de nuevos medios de comunicación de masas como la radio, el
cine o la
televisión.
Así mismo hay que reseñar otra novedad de importancia aportada por el siglo XX, la
proliferación de nuevos
espacios destinados a la práctica de la danza, ya fuera como diversión o como espectáculo
teatral. Esto es, los
tradicionales espacios urbanos abiertos o los salones aristocráticos han perdido buena parte de
su pujanza en
beneficio de otros espacios
de entretenimiento, como el cabaret o el music−hall, o de distintos ámbitos
expresivos. Tal es el caso de la cinematografía,
uno de cuyos géneros, el musical, ha permitido en buena
medida el conocimiento generalizado de un mundo
como la danza, y sobre todo la danza clásica, e incluso ha
dado origen a innovadoras coreografías y lanzado al estrellato
a virtuosos bailarines, entre ellos Fred Astaire
o Gene Kelly.
Si las épocas medieval y moderna permitieron, al menos en occidente, la estructuración y
especialización de la
danza atendiendo a las diferenciaciones sociales y a su distinta concepción como diversión y
espectáculo, los
siglos XIX y XX además de acrecentar con originalidad y variedad los tipos de baile y danza,
contribuyeron a
la consolidación de ésta como una de las manifestaciones más importantes en la evolución de la
música
clásica contemporánea.
Hasta la edad media la música apropiada para la danza y el baile había sido compuesta por
individuos o
colectivos anónimos y había ido transformándose de acuerdo a los diferentes gustos estéticos
de las épocas y
4
conforme se incorporaban nuevos instrumentos musicales. Desde entonces, al igual que había
ocurrido en
otros ámbitos de la cultura, se introdujo el concepto de autoría pudiéndose así atribuir
diferentes creaciones
musicales a compositores de cierta celebridad, muchos de los cuales pertenecían a círculos
artísticos cercanos
a los centros de poder y cuyas composiciones solían ir destinadas a los múltiples festejos
palaciegos y
aristocráticos.
Sin embargo, no sería hasta la difusión del romanticismo en la primera mitad del siglo XIX
cuando, al
producirse una premeditada y constante recuperación del pasado musical y folclórico, la
mayoría de los
compositores clásicos mostraron un creciente interés por incluir en su repertorio creativo
diversas tipologías
de danzas, ya tradicionales y populares, ya aristocráticas y elegantes, todas ellas con amplias
connotaciones
nacionalistas como eco de la situación política que vivía Europa tras la revolución francesa y el
auge de los
nacionalismos.
Esta tendencia a incorporar a la música clásica composiciones de marcado carácter popular y
nacional
prosiguió a lo largo del siglo XX, con especial énfasis en aquellos ámbitos
culturales alejados del impacto
occidental, como puede ser el caso de algunos sobresalientes compositores latinoamericanos,
los cuales, sin
olvidar la tradición clásica musical europea no renegaron de sus propias raíces culturales y
procuraron
incorporar a su producción variadas danzas y bailes de raigambre ancestral y festiva.
Algunos compositores en sus producciones han tenido una cierta relevancia en danzas y bailes
tradicionales,
autóctonos y folclóricos tales como la familia Strauss.
2 LA DANZA Y LA CULTURA HUMANA
La danza puede ser recreativa, ritual o artística y va más allá del propósito funcional de los
movimientos
utilizados en el trabajo y los deportes para expresar emociones, estados de ánimo o ideas.
Puede contar una
historia, servir a propósitos religiosos, políticos, económicos o sociales; o puede ser una
experiencia agradable
y excitante con un valor meramente estético.
1 La danza y el cuerpo humano
El cuerpo puede realizar acciones como rotar, doblarse, estirarse, saltar y girar. Variando estas
acciones físicas
y utilizando una dinámica distinta, los seres humanos pueden crear un número ilimitado de
movimientos
corporales. Dentro del extenso campo de movimientos que el cuerpo puede realizar, cada
cultura acentúa
algunos caracteres dentro de sus estilos dancísticos.
El potencial normal del movimiento del cuerpo puede ser aumentado en la danza, casi siempre
a través de
largos periodos de entrenamiento especializado. En el ballet, por ejemplo, el bailarín se ejercita
para rotar o
girar hacia afuera las piernas a la altura de las caderas, haciendo posible el poder levantar
mucho la pierna en
un arabesque. En la India, algunos bailarines aprenden a bailar incluso con sus ojos y cejas.
También el
vestuario puede aumentar las posibilidades físicas: las zapatillas de puntas, zancos y arneses
para volar, son
algunos de los elementos artificiales utilizados por los bailarines.
2 La danza y la mente
Además de proporcionar placer físico, la danza tiene efectos psicológicos, ya que a través de ella
los
sentimientos y las ideas se pueden expresar y comunicar. El compartir el ritmo y los
movimientos puede
conseguir que un grupo se sienta unido. En algunas sociedades, la danza puede llevar a estados
de trance u
otro tipo de alteración de la conciencia. Estos estados pueden ser interpretados como muestras
de posesiones
de espíritus, o buscados como un medio para liberar emociones. El estado de trance permite a
veces realizar
hazañas de fuerza extraordinaria o de resistencia al peligro, como el bailar sobre brasas. En
algunas tribus, los
chamanes bailan en estado de trance para poder curar a otros tanto física como
emocionalmente. Se ha
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desarrollado un nuevo tipo de terapia utilizando la danza para ayudar a las personas a
expresarse y a
relacionarse con los demás.
4 Danza y sociedad
Los efectos tanto físicos como psicológicos de la danza le permiten ser útil para muchas
funciones. Puede ser
una forma de adorar a los dioses, un medio de honrar a nuestros ancestros o un método para
crear magia. Se
menciona la danza en la Biblia, y hasta la edad media era una parte usual de los homenajes y de
las
celebraciones religiosas (tradición que se mantiene en algunos lugares de España y América
Latina). Aunque
la Iglesia cristiana denunció la danza como inmoral, el cristianismo no consiguió suprimir todos
los ritos
paganos.
La danza puede también formar parte de los ritos de transición que se realizan cuando una
persona pasa de un
estado a otro. Así, el nacimiento, la iniciación, la graduación, el matrimonio, el acceso a un
puesto oficial y la
muerte pueden ser enmarcados por la danza. También forma parte a veces del galanteo. En
algunas
sociedades, los bailes son los únicos eventos a los que acuden y donde se conocen los jóvenes
de distinto
sexo. En la sociedad contemporánea, los bailes proporcionan a los jóvenes ocasiones
importantes para
reunirse. También es factible trabajar ayudado por la danza. Los movimientos rítmicos son
capaces de lograr
que el trabajo sea más rápido y eficiente, como en las danzas japonesas que se realizan en las
plantaciones de
arroz. En algunas culturas, la danza es una forma de arte, y en el siglo XX algunas danzas que
originalmente
eran ritos religiosos o entretenimientos de la corte se han adaptado al teatro.
3 Tipos de danza
Existen dos tipos principales de danza: danzas de participación, que no necesitan espectadores,
y danzas que
se representan, que están diseñadas para un público. Las danzas participativas incluyen danzas
de trabajo,
algunas formas de danzas religiosas y danzas recreativas como las danzas campesinas y los
bailes populares y
sociales. Para tener la seguridad de que todos en la comunidad participan, estas danzas
consisten casi siempre
en esquemas de pasos muy repetitivos y fáciles de aprender.
Las danzas que se representan se suelen ejecutar en templos, teatros o antiguamente delante
de la corte real;
los bailarines, en este caso, son profesionales y su danza puede ser considerada como un arte.
Los
movimientos tienden a ser relativamente difíciles y requieren un entrenamiento especializado.
La danza teatral: el ballet
Con el transcurso de los siglos, la danza fue despojándose
de sus rasgos rituales y mistéricos, y al
consolidarse definitivamente
la mentalidad renacentista se transformó en un espectáculo teatral donde los
movimientos corporales ejecutados
por los bailarines perseguían esencialmente la creación artística, la
búsqueda de la belleza la expresión de unos sentimientos.
No hay que olvidar en ningún momento que el principal destinatario de un espectáculo como el
ballet es, sin
duda, el público. Hasta entonces, en las fiestas y las celebraciones donde se bailaban danzas
tradicionales y
folclóricas, los espectadores
llegaban a confundirse con los propios participantes
e incluso tomaban parte
activa en el acontecimiento. Sin embargo, el ballet, por su condición de espectáculo teatral,
responde a otros
criterios y lo que antes se concebía como una relación activa público−bailarines ahora queda en
una relación
meramente contemplativa en la que el espectador permanece alejado del centro de la acción,
sin que ello evite
su intervención, con aplausos o silbidos, cuando el espectáculo le agrade o le defraude.
Al igual que en la danza, los movimientos de los intérpretes
de ballet no tardaron en ser codificados, pese a
que en este caso no fueron la tradición, el culto y los ritos los encargados de su normalización,
sino las propias
escuelas y academias creadas a tal efecto desde los órganos de poder, siendo la primera de ellas
la fundada en
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Francia en el siglo XVII en tiempos del monarca Luis XIV.
Mientras el baile popular recorría sus propios rumbos, más hermanados a la evolución de la
cultura popular
que a los estilos de la música clásica, el ballet, que desde sus orígenes
atrajo el interés de los grandes
compositores, se desarrolló al compás del gusto musical occidental de los últimos
siglos, bajo las directrices
emanadas de Francia, Italia, y, en especial, de Rusia, cuyos ballets adquirieron un extraordinario
prestigio por
la calidad de sus montajes a finales del
siglo XIX y comienzos del XX.
Sin embargo, cumplida ya la tercera década del siglo XX, tras perder París parte de su
preponderancia
cultural, los Estados Unidos se convirtieron en la primera potencia del ballet contemporáneo,
ofreciendo al
mundo no sólo bailarines y compañías de primera talla sino también nuevos y originales ritmos,
a la par que
innovadoras concepciones coreográficas
de gran libertad expresiva e íntimamente ligadas a espectáculos
musicales neoyorquinos y al creciente auge de la comedia musical cinematográfica.
Aun así, países de tradición coreográfica como Francia, la Unión Soviética y el Reino Unido han
seguido
manteniendo un dignísimo nivel en el ámbito del ballet. En la actualidad se puede decir que la
práctica de este
arte se ha extendido a casi todo el mundo y que la inmensa mayoría de las naciones poseen
alguna compañía
de danza clásica de carácter estatal.
De ahí que el ballet tienda a convertirse, cada vez en mayor proporción,
en un lenguaje y espectáculo homogéneo, comprensible por un público heterogéneo de
cualquier
parte del
globo y muy alejado de las peculiaridades autóctonas características de las danzas nacionales o
regionales.
El destacado protagonismo colectivo que pueden tener las danzas tradicionales, por su carácter
festivo y
social, queda un tanto mitigado en las representaciones de ballet, donde, si bien es
fundamental la buena
ejecución del conjunto para la consecución de una perfecta coreografía, la propia concepción
del ballet como
espectáculo acerca esta forma expresiva
al teatro y exalta con cierta frecuencia la figura del propio bailarín
solista como individualidad autosuficiente en el proceso creador.
De todas formas no hay que desdeñar el valor de la tarea desempeñada por el coreógrafo en la
concepción y
puesta en escena de un ballet, donde actúa como director y organizador
coherente de cuantos aspectos forman
parte de un espectáculo de danza, para crear así una obra artística total en la cual cada
componente, si bien ha
de brillar de forma individualizada, debe a su vez subordinarse al resto de los elementos y
coordinarse con
ellos en beneficio de la consecución
de un conjunto armónico.
La complejidad inherente a los pasos de ballet, la originalidad
de los movimientos, la improvisación e
inspiración, la agilidad y elegancia al discurrir por escena, la armonización y equilibrio, la
compenetración, la
utilización de un lenguaje de signos y símbolos donde la pantomima, la abstracción y la
gesticulación
adquieren protagonismo, y la posesión
de una indudable fortaleza física y una sensibilidad extraordinaria
son características que deben conjugarse en un buen bailarín. La ideal combinación de todos
ellos o la genial
capacidad de algunos intérpretes de ballet para destacar en alguna de las facetas mencionadas
ha permitido
escribir la historia del ballet clásico a través de la sucesión de sus personalidades
míticas, cada una de las
cuales va asociada a alguna
aportación innovadora, bien sea la ejecución de un paso, la invención de un
vestuario, la incorporación de un nuevo estilo o la peculiar interpretación de una pieza del
repertorio
clásico
desde una óptica renovadora e incluso revolucionaria.
Sin lugar a dudas la historia del ballet no sería la
misma si no hubieran existido en ella figuras de la talla de Isadora Duncan o Váslav Nijinski,
nombres que
permanecen
indisolublemente unidos al arte de la danza y a su progreso.
Los grandes intérpretes del ballet clásico así como distintos
medios expresivos parcialmente relacionados con
la danza entendida como espectáculo teatral configuran la enumeración
de artículos contenida en la Tabla n.°
3.
El esplendor conocido por el ballet en el siglo XIX no hay que relacionarlo únicamente con la
aparición de
algunas de las grandes figuras de la danza sino además con el creciente interés de los
compositores por la
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elaboración de composiciones
musicales destinadas a ser llevadas a escena como ballets
debido a la
influencia del gusto romántico. Los mundos
oníricos, fantasmagóricos, exóticos e imaginarios ideados por
los músicos decimonónicos encontraron sobre todo en el ballet la forma idónea de
representación.
Las innovaciones introducidas por los coreógrafos del siglo
XX unidas a la exaltación del ballet por la
mayoría de las vanguardias plásticas de dicho siglo, que veían la ejecución de una serie de
movimientos
convencionales y casi automáticos
por parte de los bailarines como una forma de expresión
verdaderamente
moderna, atrajo la atención de algunos compositores contemporáneos, convencidos de que la
complejidad
del
ballet le convertía en un espectáculo total, donde
se hacía factible la combinación de las artes teatrales, la
decoración, la música, el tiempo y el espacio, y donde era posible realizar una verdadera
apología del cuerpo
humano en su concepción más artística, la de crear belleza con el movimiento.
Compositores en cuya producción musical han tenido cabida
ciertas piezas destinadas al ballet o asimismo
compositores
cuyas obras, no concebidas en origen para la danza, han inspirado exquisitos ballets a los
coreógrafos más afamados
forman la relación de artículos, por lo general referidos
a músicos de los siglos
XIX y XX, que componen la Tabla n° 4.
Danza oriental. El carácter ceremonial y profundamente
religioso que sin duda tiene la danza en su origen se
ha mantenido vivo en la tradición oriental, llenando de simbolismo cada uno de los
movimientos y gestos de
los danzantes, así como sus vestiduras. En el teatro chino, el color tenía una precisa
significación, de modo
que la jerarquía de los personajes, su edad y sus caracteres venían representados por un
determinado color. Lo
mismo
acontecía con el maquillaje del rostro, que encerraba
una significación característica. En Japón, el
teatro no tiene su equivalente campesino en la dengaku; el kabuki, por su parte, utiliza las
danzas
pantomímicas del repertorio clásico.
En el archipiélago indonesio, la danza constituye
una actividad consustancial al carácter autóctono,
en la que
todos participan.
Por otra parte, la atracción que el exotismo de los países del lejano oriente ha ejercido sobre el
arte europeo
desde finales del siglo XIX se ha puesto de manifiesto tanto en el repertorio y los modos de
destacados
bailarines contemporáneos como en la inspiración de modernos ballets.
Danzas populares. La configuración de un género de danza circunscrito al ámbito teatral
determiné
el
establecimiento de una disciplina artística
que en primer término dio lugar al desarrollo del ballet y, más
tarde, creó un marco dentro del cual se desarrollarían géneros como el de mustchall,
el cabaret o las múltiples
manifestaciones cinematográficas
de danza. En este contexto surgieron
modalidades específicas de bailes,
tales como el claqué (tap) o el swing, y relevantes figuras como Josephine Baker, Ginger Rogers,
Fred Astaire
o Gene Kellv.
No obstante, el arraigo de la danza hallé su mayor
nivel fuera del mundo del espectáculo, enraizado
en las
tradiciones populares. En tal sentido Han de valorarse los condicionamientos culturales y
geográficos de cada
país. Decisiva importancia tuvo, por ejemplo, la penetración de la tradición musical
negroafricana en el
continente americano. El fenómeno ejerció, junto con la tradición occidental europea y la
ancestral cultura
precolombina,
una influencia determinante en el nacimiento de danzas como la cueca chilena, el bambuco
colombiano,
el bayón o baiao y el samba brasileños, y las múltiples danzas del área geográfica antillana:
rumba, guaracha, conga, mambo, merengue, etc.
Análoga multiplicidad se aprecia en los bailes populares europeos. La interpretación de
espectaculares saltos y
rápidos giros caracteriza las danzas eslavas, entre las que cabe citar la prisiadka y golpak rusos,
la zarda
húngara o la polea bohema.
Otros rasgos como el ritmo de los movimientos
y la sincronía en el
desplazamiento de los bailarines
resultan definitorios de danzas tales como la tarantella italiana y la jota, la
muiñeira, la sardana o la espatadanza de diversas regiones españolas.
En este ámbito destaca por su
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singularidad el baile flamenco, característico de Andalucía, en el sur de España, que presenta
ciertas
afinidades con las danzas orientales: son múltiples sus manifestaciones
y entre ellas cabe citar el zapateado,
la seguiriya
o la alegría.
La danza y la música
El necesario acompañamiento sonoro y rítmico de cualquier
tipo de baile ha hecho que danza y música sean
dos manifestaciones completamente interrelacionadas. Lo que en sus orígenes más remotos no
era más que un
simple acompañamiento estético y rítmico se ha convertido con el tiempo en un elemento
esencial e
insustituible en toda representación
de danza o ballet, haciéndose del todo incomprensible
la ejecución de
cualquier baile sin un mínimo componente
sonoro.
Ello nos lleva a pensar en el necesario conocimiento que todo buen bailarín o coreógrafo debe
tener tanto de
la teoría
como de la práctica de la música, para una mayor comprensión
del fenómeno de la danza. No
obstante es curioso observar cómo dos formas distintas de concebir el baile, a saber, la danza
popular y festiva
y el ballet clásico, requieren
para su ejecución no sólo composiciones musicales marcadamente
diferentes en
ritmo, movimiento, participación y temática, sino principalmente la utilización de unos
instrumentos
acordes
con la modalidad. Así, frente al empleo de instrumentos de gran sencillez y arraigo popular en
las
modalidades
de danzas folclóricas y tradicionales encontramos en los ballets el predominio de aquellos otros
que son propios
de cualquier orquesta de música clásica. De todas maneras,
algunos de los más modernos
compositores, en especial
los de origen latinoamericano, suelen incluir en sus obras el empleo de ciertos
instrumentos de arraigo popular. Mantienen así el vínculo de la tradición clásica, aprendida en
sus viajes y
estudios en occidente, con la tradición folclórica propia de sus respectivos países de origen.
Diferentes artículos referentes a las múltiples relaciones entre la música y la danza, sobre todo
los que afectan
a distintos instrumentos musicales y a aspectos de la teoría y la historia de la música se
encuentran en la Tabla n°5'.
La danza y las artes plásticas
Por su vinculación con la historia de la humanidad y por su importancia cultural y expresiva la
danza ha sido constante motivo de inspiración de artistas plásticos de las más variadas épocas y
civilizaciones, los cuales han buscado en su representación no sólo la captación del movimiento
y la fugacidad, características innatas a la danza y el ballet, sino también reflejar las costumbres,
las inquietudes religiosas y los principios estéticos de las sociedades y colectividades a las que
pertenecían.
Las diversas vinculaciones de la danza y el ballet con las artes plásticas a lo largo de la historia
hallan representación en la serie de artículos enumerada en la Tabla n°6.
Ya desde las primeras manifestaciones artísticas prehistóricas aparece representada la danza,
como parte primordial que era de ritos y creencias mágicas, en cuevas y abrigos paleolíticos,
donde pueden contemplarse escenas de bailes en grupo.
Entre los pueblos de la antigüedad, cuando el baile conservaba aún fuertes connotaciones
religiosas y constituía un elemento esencial de la vida colectiva, se practicaba con frecuencia,
como ha podido comprobarse por los restos arqueológicos que reflejan las costumbres y modos
de vida cotidianos de aquellas civilizaciones.
Con posterioridad, el mundo griego recurrió a la danza para expresar estéticamente sus
particulares concepciones de la armonía, la belleza y las proporciones del movimiento; en
cambio, para el mundo romano, mucho más pragmático y belicista, las escenificaciones
artísticas de danzas guerreras y sacras constituyeron en mayor medida el reflejo plástico de
unas costumbres y unas actitudes cotidianas.
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Sin embargo, los pueblos orientales, donde la danza había alcanzado un refinamiento y una
elegancia sin parangón en occidente, las artes, y en especial la escultura, lograron representar
de forma idealizada, no exenta de erotismo, la magia y la pasión de los movimientos corporales
en toda la expresión de su belleza.
Muy lejos de la sensualidad y el misticismo de las escenas de danza orientales habría que situar
las composiciones con bailarines y danzantes propias de artistas renacentistas y barrocos,
preocupados más por representar distintos aspectos de la vida ociosa y festiva, popular o
cortesana, que por exaltar los valores del arte de la danza.
Los artistas románticos y costumbristas, cuyas obras se inspiraron con frecuencia en ambientes
pintorescos, Folclóricos y exóticos, plasmaron con minuciosidad y colorido muy diversas
tipologías de danzas y bailes, tanto tradicionales como cortesanos. A finales del XIX, fueron los
impresionistas, entre ellos Edgar Degas y Henri de Toulouse−Lautrec, quienes, en su interés por
captar en sus lienzos el movimiento, el dinamismo y la fugacidad, vieron en las escenas de danza
y ballet un tema muy propicio para llevar a cabo sus investigaciones pictóricas.
El arte del siglo XX, cuyos temas y estilos han ido sucediéndose casi vertiginosamente desde las
primeras vanguardias históricas de la década de 1900, ha logrado por fin compenetrarse con la
danza ya no sólo como motivo de habitual inspiración sino como ámbito extraordinario de la
creación plástica. Así, destacadas personalidades del arte contemporáneo, como Salvador Dalí o
Pablo Picasso, han prestado su colaboración, su imaginación y su obra plástica para la ejecución
de distintas escenografías y vestuarios destinados a las representaciones de danza y ballet.
Cabría reseñar en este sentido la personalidad de Serguéi Diaghilev, quien supo aunar en una
empresa común, la de los Ballets Rusos, a los principales intérpretes del ballet, a los mejores
coreógrafos, a los grandes compositores de vanguardia y a loa artistas plásticos más
innovadores, logrando así prestigiar el ballet y convertirlo en uno de los espectáculos más
importantes del siglo XX.
En épocas más cercanas la danza continuó atrayendo la atención de artistas plásticos de nueva
índole. Ya no eran sólo los pintores quienes se preocupaban por este arte. Cineastas,
realizadores de televisión y fotógrafos también lo han reflejado en sus obras.
El cine creó todo un género en torno a la danza, y no sólo como componente de comedias
musicales. Se rodaron gran número de películas sobre ballets pensados para su representación
en el teatro. Los grandes nombres de esta disciplina son conocidos y admirados por un gran
número de personas gracias a este medio.
Incluso algunos directores de eme como Gene Kelly o Bob Fosse eran ante todo coreógrafos, y
varias de sus películas estaban pensadas como auténticos espectáculos de danza representados
por medio de la cinematografía. La fusión entre ambos artes ha sido tanto más armónica cuanto
que ambos se han ido adecuando paralelamente a las nuevas corrientes estéticas. La imagen del
bailarín vestido sencillamente con unas mallas habituales de los ballets del Maurice Bejart
queda muy lejos de los complicados trajes de antaño, pero encajan perfectamente con la
estética cinematográfica moderna.
También la televisión se ha ocupado de hacer llegar el ballet a buen número de aficionados,
para los cuales constituye la única posibilidad de disfrutarlo. Citaremos su vertiente más seria,
en la que las cadenas televisivas intervienen como productoras de piezas de danza con
primeras figuras y coreógrafos renombrados; también la existencia de series televisivas cuyos
protagonistas son bailarines; o la casi inevitable aparición de un cuerpo de baile en cuanto un
programa de variedades sale al aire.
Todo ello provoca que el baile sea va una costumbre muy extendida, de tal forma que cada vez
se practica más coma forma de ejercicio, relajo y expresión.

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