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FUNDAMENTOS DE LA ESCRITURA MUSICAL

Código 410001

Elaborado por: Ricardo Londoño


Adaptado por: Mauricio Mosquera Samper

Londoño. 2014

Generalidades del curso:


El curso fundamentos de la escritura musical pretende generar las competencias
necesarias para que el estudiante adquiera las habilidades psicomotrices en respuesta
a estímulos sonoros y los codifica usando la notación musical tradicional, de igual
manera; al igual que la comprensión de la simbología y la sintaxis constitutiva de la
notación musical y a partir de ella demostrar un resultado sonoro por medio del uso de
representaciones corporales u otras interfaces instrumentales.
Es la apertura al lenguaje musical y una oportunidad para que el estudiante de música
unadista adquiera las bases sólidas para asumir las asignaturas futuras que necesitan
la lectura rítmica, melódica y armónica; así mismo es un pre saber fundamental de sus
respectivos contextos de aprendizaje. El curso una vez asumido y apropiado, acercará
el aprendizaje musical de manera más eficiente y concreta para el uso y disfrute de la
música, es la ventana a entender y adquirir la capacidad de construir discursos
musicales que harán parte de una estructuración y formación profesional musical en
cualquier campo del mundo musical y aspectos relevantes para los procesos de
composición, arreglos y producción musical.

LA NOTACION MUSICAL
Notación musical es el nombre de cualquier sistema de escritura utilizado para
representar gráficamente un discurso musical, permitiendo a un intérprete que la
ejecute de la manera deseada por el compositor (López, 1984).
El sistema de notación más utilizado actualmente es el sistema gráfico occidental que
representa sobre un pentagrama una serie de signos. El elemento básico de cualquier
sistema de notación musical es la nota, que representa un único sonido y sus
características básicas: duración y altura. Para López (1984), los sistemas de notación
también permiten representar otras características diversas, tales como variaciones de
intensidad, expresión o técnicas de ejecución instrumental. No obstante, existen
muchos otros sistemas de notación y muchos de ellos también se usan en la música
moderna.
Los sistemas de notación musical existen desde hace miles de años. Se encontraron
pruebas arqueológicas de escritura musical practicada en Egipto y Mesopotamia hacia
el III milenio a. C. Otros pueblos también desarrollaron sistemas de notación musical
en épocas más recientes. Los griegos utilizaban un sistema que consistía en símbolos y
letras que representaban las notas, sobre el texto de una canción.

MARCO HISTORICO
El sistema moderno tiene sus orígenes en las neumas (del latín: curvado), símbolos que
representaban las notas musicales en piezas vocales del canto gregoriano, hacia el siglo
VIII. Inicialmente, las neumas, trazos que representaban intervalos y reglas de
expresión, estaban posicionadas sobre las sílabas del texto y servían como soporte
sobre cómo ejecutarlo para los que ya conocían la música.
Para resolver este problema las notas pasaron a ser representadas con distancias
variables en relación a una línea horizontal. Esto permitía representar las alturas. Este
sistema evolucionó hasta una pauta de cuatro líneas, con la utilización de claves que
permitían alterar la extensión de las alturas representadas. Inicialmente el sistema no
contenía símbolos para las duraciones de las notas ya que eran fácilmente inferidas por
el texto a cantar, hacia 1150 estos neumas adoptaron una forma más definida (Notación
cuadrada). Cabe decir que la escritura musical conoció una importante evolución al
sustituir la caña por la pluma de ave que dejará un trazo cuadrado sustituyendo el
sistema de neumas anterior.
En el siglo X comenzaron a usarse líneas para señalar con cierta exactitud la altura de
los sonidos musicales. Al principio una línea roja trazada sobre el pergamino señalaba
el sonido Fa y servía como referencia para los demás sonidos, luego se añadió una
segunda línea de color amarillo que representaba un DO y, finalmente, el monje
benedictino Guido D´Arezzo (995-1050) añadió otras dos más, creando el tetragrama
o pauta de cuatro líneas.
Curiosamente, no existía una norma generalizada para usar un número exacto de líneas,
y en algunos manuscritos se pueden ver pautas de cuatro, cinco, seis y hasta diez líneas.
La pauta de cuatro líneas se solía usar para música religiosa, y el pentagrama o pauta
de cinco líneas, para la música profana. Ya en el siglo XVI, el pentagrama se impuso
como pauta de uso común para toda clase de música.
La aparición de la partitura supuso un progreso decisivo en la escritura musical: con la
indicación de la altura de los sonidos será posible "leer" la música, aligerar la memoria,
y facilitar el aprendizaje de los cantos.
A Guido D´Arezzo se le debe también, el haber dado nombre a las seis primeras notas
de la escala – ut, re, mi, fa, sol, la -, basándose en las primeras sílabas de los versos
de un himno del siglo VIII, dedicado a San Juan Bautista. Los seis primeros versos dan
el nombre a las notas, la melodía de Guido daba a la primera sílaba de cada verso un
sonido diferente, que coincidía con los sonidos de la escala. Con el tiempo la primera
sílaba se cambió por Do y se añadió el Si uniendo la "S" y la "I" de los dos últimos
versos.
La notación neumática así como la cuadrada supusieron grandes progresos en la
escritura musical, pero quedaba impreciso el ritmo a adoptar, era pues necesario
introducir la dimensión de tiempo - duración en la escritura musical. Cabe decir que los
valores de mayor duración acabaron por desaparecer. La semibreve será el valor de
referencia equivalente a nuestra redonda actual.
La invención de la imprenta en 1455 supuso un cambio radical para la divulgación de
las partituras. A partir de ese momento se tuvo la posibilidad de multiplicar los originales
de las partituras. No obstante, según los expertos, sólo una décima parte de la música
escrita con anterioridad a 1600 ha llegado a nuestras manos, debido principalmente a
que hasta esa fecha la impresión seguía siendo cara y compleja. Generalmente las
copias de las partituras se hacían a mano por expertos. Así, gracias al buen hacer de
Bach, las obras de Vivaldi han llegado hasta nuestros días. A partir de 1700, con la
llegada de la burguesía al poder, se empezará a producir y a distribuir música impresa
a gran escala. Es éste el principio de una evolución que, ayudada por los avances
tecnológicos, ha desembocado en la actual presencia constante de la música en nuestra
vida cotidiana.
Ver los siguientes ejemplos:
https://www.youtube.com/watch?v=vArNf76XxYo
https://www.youtube.com/watch?v=JtQZvoaMEy8
https://www.youtube.com/watch?v=E3di_FWO8MU

En el siglo XVII, empiezan a emplearse las indicaciones de tempo o de velocidad:


allegro, adagio, andante, entre otros.
Adicionalmente comienza el uso de los matices de dinámica, aunque no pasan de ser
niveles de intensidad muy limitados: forte o piano, el uso de estos signos se fue
estandarizando durante el siglo XVIII. Se perfeccionaron los matices de intensidad, y se
convirtieron en habituales las indicaciones de crescendo o decrescendo.
En el siglo XIX, entre los compositores existe una tendencia generalizada a escribir todos
los detalles expresivos en la partitura. Por otro lado, se amplía el espectro de
indicaciones de tempo: largueto, allegro con moto y andante non troppo son algunos
ejemplos. Estas indicaciones incluso se precisarán con el invento del metrónomo
Maelzel, que indica exactamente el número de negras que han de hacerse por minuto.
Ya más cerca de nuestros días, a principios de siglo XX, pocas innovaciones se
introdujeron. Realmente, la notación que nosotros empleamos hoy en la música culta
se corresponde con la empleada en la primera mitad del siglo XX.
Hoy la escritura musical se ha individualizado tanto, que los compositores emplean
frecuentemente sus propios sistemas de notación musical, que suelen incluir en las
partituras; aunque en la actualidad existen nuevos códigos para el aprendizaje de
patrones melódicos, rítmicos, ritmo-melódicos y armónicos, al igual que las dinámicas,
expresiones, articulaciones, entre algunos más; presenta un matiz de creatividad, sin
embargo no llegan hacer tan exactos como los de los modelos centro europeos
(Rodríguez, 2010).

LA ESCRITURA MUSICAL
Para poder hacer uso de la lectura musical en un contexto que necesite de ella, se deben
codificar ciertos símbolos, que en combinación con otros desencadenen el discurso de
manera coherente, para ello deben conocerse cada una de las figuras que intervienen
en la lectoescritura, comprender la relación entre si y a partir de allí hacer la codificación
correspondiente.

Figuras Rítmicas:
Son símbolos que representan el tiempo de duración de las notas musicales. Dentro de
la lectura musical, es necesario comprender las relaciones entre cada una de las figuras
rítmicas, a continuación expondremos dicha relación y su identificación numérica:
NOMBRE FIGURA REPRESENTACION

NUMERICA

REDONDA 1

BLANCA

NEGRA

CORCHEA 8

SEMICORCHEA 16

FUSA 32

SEMIFUSA 64

Londoño. 2014

SILENCIOS FIGURAS RITMICAS


NOMBRE FIGURA REPRESENTACION

NUMERICA

SILENCIO DE REDONDA

SILENCIO DE BLANCA 2

SILENCIO DE NEGRA 4

SILENCIO DE CORCHEA 8

SILENCIO DE SEMICORCHEA 16

SILENCIO DE FUSA 32

SILENCIO DE SEMIFUSA 64

Londoño. 2014

EL PENTAGRAMA
Es el símbolo gráfico en el que se centra la grafía musical y está conformado por cinco
líneas y cuatro espacios tal como se describe a continuación.
Penta: Cinco
Grama: Línea
Londoño. 2014

El pentagrama se utiliza para escribir las notas musicales y según la clave al inicio de
este, determinar la altura de cada una de las notas, consta de cinco líneas horizontales
paralelas y equidistantes entre si, además de cuatro espacios entre estas líneas. Las
líneas se enumeran de abajo hacia arriba como línea 1, 2, 3, 4 y 5, y los espacios 1, 2,
3, 4.

El Pulso y el Acento
El Pulso
El ritmo suele organizarse en patrones regulares, dichos patrones controlan el
movimiento musical. La unidad rítmica a usarse como referencia es el pulso, un patrón
espaciado regular y periódico, el cual podemos agrupar por tiempos y a partir de estos
tiempos determinar compases, las agrupaciones más comunes son 2,3 y 4 tiempos.
El Acento
El acento nos permite identificar los diferentes patrones rítmicos que escuchamos y a
partir de allí agruparlos según su regularidad, gracias al acento podemos identificar si
lo que estamos escuchando hace uso de dos tiempos, tres tiempo, cuatro tiempos, etc…
El Compás
El compás, es la entidad métrica musical compuesta por varias unidades de tiempo
representadas por las figuras rítmicas (Redonda, Blanca, negra, Corchea…) que se
organizan en grupos, en los que encontramos partes acentuadas y en contratiempo.
Los compases se pueden clasificar en función de sus números de tiempos y en función
de su subdivisión, he aquí en donde encontramos los compases binarios y ternarios y
los compases simples y compuestos.
Londoño. 2014

Compases binarios
Los compases binarios se dividen en dos tiempos. A su vez, cada uno de estos pulsos
se puede subdividir en dos o en tres corcheas, dando compases de subdivisión binaria
o ternaria, respectivamente.

Londoño. 2014

Compases ternarios

Los compases ternarios son los que se dividen en tres tiempos. A su vez, cada uno de
estos pulsos se puede subdividir en dos o en tres corcheas, dando compases de
subdivisión binaria o ternaria, respectivamente.
Londoño. 2014

El indicador de compas
Uno de los primeros símbolos que encontraremos será la indicación de compás. Los
compases se indican con dos números. El número superior nos indica la cantidad de
tiempos o pulsaciones que tiene y el número inferior la figura que representa la unidad
de compás o unidad de pulso, generalmente se puede identificar como un fraccionario.

Ejemplo: 2/4, 3/4. 4/4, etc...

Nota: Revisar el cuadro de las figuras rítmicas y ver el cuadro de representación


numérica

Ejemplo:

2 Compas de dos tiempos

4 Número que indica la


figura unidad de tiempo
del compás en este
caso.
4:

3 Compás de tres
tiempos

8 Número que indica la


figura unidad de tiempo
del compás en este
caso.

8:

CLAVES DE SOL, FA Y DO

La clave en notación musical es un signo cuya función es indicar la altura de la música


escrita, asignando una determinada nota a una línea del pentagrama, que se toma
como punto de referencia para establecer los nombres del resto de las notas. Se ubica
al principio de cada pentagrama, aunque puede cambiarse en cualquier momento
durante el transcurso de la obra si se requiere.

La Clave de Sol
La clave de sol situada sobre la segunda línea del pentagrama se denomina clave de sol
en segunda o simplemente clave de sol. Actualmente en ingles se llama G clef (clave
de sol) o treble clef (clave para agudos).

Al ser apropiada para representar sonidos agudos, aparece en la música para los
instrumentos con tesituras más altas; sobre todo el oboe, la flauta, el violín, algunos
instrumentos de percusión y la mano derecha del piano, en música vocal, las voces de
soprano y contralto están en esta clave. La clave de sol es la más usada en la actualidad

Imagen clave de Sol:


Imagen Clave de Sol Ubicada en el Pentagrama:

Clave de Fa

El símbolo empleado para representar esta clave proviene de una versión estilizada de
la letra F, que en notación alfabética representa la nota fa. La línea en la que se ubica
se delimita con dos pequeños puntos, uno encima del otro, que se colocan a la derecha
de la clave. Se emplea para representar sonidos graves y su ubicación es sobre la cuarta
línea, también se conoce en inglés como Bass Clef .

Imagen clave de Fa:

Imagen clave de Fa en pentagrama:

FA

Clave de DO
En concreto el signo está formado por dos C al revés, una encima de la otra. Esta clave
sitúa en el pentagrama a la nota do central. Esta clave puede presentar cinco posiciones:
en quinta, cuarta, tercera, segunda y primera línea. Si bien, en notación moderna la
primera y las dos últimas han caído en desuso. Generalmente se emplea para
representar sonidos medios.
Imagen clave de DO:

Imagen de clave de Do en el
pentagrama:

Clave neutra
La clave neutral o clave de percusión, a diferencia del resto de claves, no asigna notas
musicales a las diversas líneas y espacios, sino que se asigna instrumentos de percusión
de altura no determinada y planos rítmicos. Se trata de una convención que indica que
lo escrito a continuación en el pentagrama es para este tipo de instrumentos, y por
tanto no tiene ninguna altura o afinación concreta. Con la excepción de algunas
distribuciones de percusión comunes como la batería, la codificación de líneas y espacios
a instrumentos no está estandarizada, por lo que es necesaria una leyenda o indicación
sobre el pentagrama que señale lo que hay que tocar. Por otra parte, los pentagramas
con una clave neutral no siempre tienen cinco líneas; en ocasiones, las pautas musicales
para percusión sólo tienen una línea, aunque pueden ser utilizadas otras
configuraciones.

Imagen clave Neutra o Clave para Percusión:

LECTURA RITMICA
Existen diferencias entre comprender un patrón rítmico y poder captar y reproducir el
gesto rítmico con un sólo vistazo. Para tener una buena lectura es muy importante que
el ritmo esté tan incorporado que no sea necesario pensarlo en el momento de leer.
Pero además hay que entender que el ritmo no es solamente una combinación de
duraciones. La lectura rítmica implica tener una sensación clara del pulso, la métrica,
de los acentos y de las direcciones. Para poder captar estas diferencias lo más
importante es que el ritmo se sienta en el cuerpo ya sea bailando o utilizando las manos
para marcar.
Durante el curso de lectoescritura se realizan ejercicios para mecanizar la identificación
de los patrones rítmicos, pero es muy importante que cada estudiante también trabaje
en la interiorización del ritmo a nivel corporal, es importante hacer ejercicios específicos
que permitan afinar progresivamente el pulso hasta tener un buen control.

Cada uno de los números que aparece frente a la figura, nos indica cuál de estas figuras
usaremos como pulso dentro de un compás.

Ejemplo:

Esto nos indica que el compás usa dos tiempos de negra, a partir de allí en cada
compas de 2/4, podemos incluir otras figuras siempre y cuando estas no excedan los
dos tiempos planteados en el indicador de compas, para esto debemos conocer la
equivalencia rítmica la cual veremos en el esquema siguiente.
Visto esto, podemos hacer diferentes combinaciones
Ejemplo:

O usar figuras que representen según el esquema de equivalencias, el doble de la negra,


la cual es la blanca:

También podemos dividir la negra o subdividirla, para ello usaremos corcheas y


semicorcheas respectivamente, pero nunca excediendo los dos tiempos planteados en
el indicador de compas.
Ejemplo:

Para facilitar la lectura se ligan las corcheas y semicorcheas entre sí:

Otros indicadores de compas:


El cual indica que tendremos seis corcheas por compas, o su respectiva
equivalencia con otras figuras sin exceder los seis tiempos, bien sea
ampliando o subdividiendo:

LECTURA RITMICO MELODICA

La lectura rítmica no se puede desligar de la lectura de alturas, ya que estas dos


dimensiones (horizontal y vertical) son mutuamente necesarias, para esto usamos el
pentagrama y las claves como puntos de referencia en nuestro plano de lectura. Muchos
estudiantes desarrollan una excelente lectura de ejercicios rítmicos cuando no tienen
que pensar en las alturas, pero pierden completamente esa destreza cuando se trata de
solfear una melodía. Otros, desarrollan una muy buena habilidad para identificar alturas
pero se enredan cuando tienen que pensarlas dentro de un pulso estable. Es
recomendable que todos los ejercicios de alturas y nombres de notas, se hagan dentro
de un pulso.

Aquí podemos apreciar la ubicación de cada nota en el pentagrama, haciendo uso de


cada una de las claves.
INTERVALOS
Un intervalo es una distancia en altura entre dos sonidos. Estos se dividen entre
intervalos armónicos, cuando los dos sonidos se tocan a la vez y en intervalos melódicos,
cuando los dos sonidos son tocados uno detrás de otro.
La distancia más corta de un intervalo musical a otro es de un semitono. Por otra parte,
estos intervalos pueden llegar a clasificarse desde los intervalos simples que están
dentro de la octava y los intervalos compuestos que están fuera de la octava.

DO DO# RE RE# MI FA FA# SOL SOL# LA LA# SI

Los intervalos musicales, según los tonos y semitonos que tenga, serán catalogados
como intervalos unísonos, de segunda menor, de segunda mayor, de tercera menor y
así sucesivamente como se puede apreciar en la siguiente correspondencia entre
tonos/semitonos y el nombre de los intervalos:

Unísono: (dos notas iguales)


Segunda menor: 2m (1 semitono)
Segunda mayor: 2M (1Tono)
Tercera menor: 3m (1Tono+1semitono)
Tercera mayor: 3M (2Tonos)
Cuarta justa o perfecta: 4J (2Tonos+ 1semitono)
Cuarta aumentada o tritono: T (3 Tonos)
Quinta justa o perfecta: 5J (3 Tonos + 1semitono)
Sexta menor: 6m (4 Tonos)
Sexta mayor: 6M (4T+1st)
Séptima menor: 7m (5T)
Séptima mayor: 7M (5T+1st)
Octava justa o perfecta: 8J (6T)

Ejercicios de aplicación en clave de sol

Ejercicio 1

Ejercicio 2

Ejercicio 3
Ejercicio 4

Ejercicio 5

Ejercicio 6
Ejercicio 7

Ejercicio 8
Ejercicio 9

Ejercicio 10

El sostenido (#)
En el ámbito musical es un signo que indica que la nota ha de tocarse medio tono más
alto. El símbolo siempre lo encontraremos de la siguiente manera:

Los instrumentos temperados están dispuestos por medios tonos (semitonos) y si


revisamos la nota Do “C” en un teclado aparece en la tecla blanca el Do sostenido C#
quedaría en la tecla inmediata de la derecha:

Mosquera. 2017

Bemol (b)
El bemol es un signo que indica que la nota ha de tocarse medio tono más baja, su
símbolo es el siguiente:

El vemos se toca en la nota inmediata a la izquierda (medio tono más baja)

Mosquera. 2017
El becuadro
Es un símbolo utilizado para anular el efecto de las alteraciones bien sea por
sostenidos o por bemoles.

El ejemplo anterior muestra una nota en sostenido # y posteriormente el símbolo


indica que la nota quedaría natural.

Escala diatónica:
Es aquella que conocemos comúnmente y se nombran las notas tal como su nombre
original, musicalmente hablando está conformada por intervalos de segunda que en el
ejemplo muestra que va de orden ascendente de la nota Do a la Do una octava arriba,
es decir (DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, DO).

commons.wikipedia.org

Escala cromática:
Es una escala denominada también como dodecafónica, conformada por la sucesión de
doce sonidos y contiene doce semitonos; es decir que está constituida a partir de los
semitonos que es la mínima distancia que existe entre dos sonidos.
commons.wikipedia.org

En el ejemplo anterior vemos como la escala se construye con las siguientes notas
musicales: DO DO# RE RE# MI FA FA# SOL SOL# LA LA# SI DO
De igual manera una escala puede estar en orden descendente y escribirse por
bemoles tal como se muestra a continuación:

commons.wikipedia.org

Semitono:
Es la mínima distancia que existe entre dos sonidos musicales en un frecuencia
determinada y que es mayormente percibida en los instrumentos temperados tales
como la guitarra o el piano. Este sistema de afinación temperada divide equitativamente
la octava en doce sonidos. La distancia o diferencia en frecuencia sonora entre cada uno
de estos sonidos se conoce por el nombre de semitono. El intervalo de un semitono
equivale a un segunda menor.

www.teoria.com
Tono:
Es la unión de dos semitonos, en términos musicales es un intervalo de segunda mayor,
a manera de ejemplo todas las teclas blancas del piano separadas por una tecla negra,
están a la distancia de un tono. Las que no tienen tecla negra ente ellas están a un
semitono de distancia.

www.teoria.com

El ejemplo es evidente igualmente en la guitarra tal como aparece a continuación:

Socialplaymusic.com

La armadura de clave:

En el esquema de notación musical existen el conjunto de alteraciones propias que se


escriben al inicio del pentagrama y sitúan un fragmento musical en una tonalidad
específica. Se escriben con los sostenidos o bemoles y su función es simplificar el
número de notas que aparecen alteradas.
Armaduras de clave por sostenidos #:
El primer sostenido que aparece en esta estructura es en la nota fa y hace referencia a
la escala mayor de sol “G” o en su defecto la relativa menor que es mi menor “Em”

teoría.com

Cada una de las alteraciones va aparecer por quintas de manera ascendente y le da el


carácter a la tonalidad.

teoría.com

Nota: Para encontrar fácilmente la tonalidad de una pieza recomienda el autor John
Brimhall en su libro 3 en 1; tener en cuenta el último sostenido de la armadura ya que
está por debajo de la Tónica. Así, subiendo ese semitono hallaremos el tono. A la inversa
si, dado el Tono lo que buscamos es la armadura, bastará descender un semitono de la
tónica y aparecerá el último sostenido de la armadura al que deberán preceder los que
correspondan en el orden de los sostenidos.

Armaduras de clave por bemoles b:


Presenta la misma lógica que la armadura por bemoles en cuanto que aparecen después
de la clave, sin embargo el orden de aparición es por cuartas, el primer bemol que
aparece en esta estructura es en si bemol Bb que representa la tonalidad de fa mayor
F o su relativa menor re menor Dm.
wikipwdia.org

Cada una de las alteraciones va aparecer por curtas de manera ascendente y le da el


carácter a la tonalidad.

teoría.com

Al igual que en el apartado pro sostenidos el autor Brimhall sugiere que para encontrar
fácilmente la tonalidad de una pieza con la estructura por bemoles es revisar el
penúltimo bemol que es el mismo nombre del tono. A la inversa si, dado el Tono
buscamos la armadura bastará con subir una 4° a la tónica y ella nos dará el nombre
del ultimo bemol de la armadura. A este deberán preceder los que correspondan en el
orden de los bemoles. Cabe decir que si en el fragmento se encuentra un Sib la tonalidad
es fa mayor F.

Otra forma de ver las armaduras de tonalidad


Las armaduras de clave por lo general se representan al principio de una línea de
notación musical, inmediatamente después de la clave y antes del signo de compás. Su
propósito es reducir al mínimo el número de alteraciones necesarias para anotar la
música en la partitura a lo largo de una pieza. Por esa razón, se suelen emplear las
armaduras para evitar la complicación de tener que escribir las alteraciones accidentales
cada vez que aparecen las notas musicales que deban ser alteradas en una determinada
tonalidad.
Las alteraciones de la armadura, que se denominan alteraciones propias, aparecen
siempre siguiendo un orden determinado, que varía dependiendo de que se trate de
bemoles o de sostenidos. El orden de bemoles es el inverso al de sostenidos y viceversa.
En el sistema latino de notación son:
Orden de sostenidos, avanzando ascendentemente por quintas: Fa - Do - Sol - Re - La
- Mi – Si
Orden de bemoles, avanzando ascendentemente por cuartas: Si - Mi - La - Re - Sol -
Do – Fa
El efecto de la armadura se extiende a lo largo de una pieza o movimiento, en principio,
cualquier pieza puede ser escrita en cualquier tonalidad con su armadura específica,
utilizando luego alteraciones accidentales para corregir individualmente cada nota en la
que tal armadura no debería aplicarse
Ejemplos y Ejercicios de construcción de armaduras
La convención para el funcionamiento de las armaduras es el círculo de quintas. Cada
tonalidad mayor y menor cuenta con una armadura asociada que adjudica sostenidos o
bemoles como alteraciones propias a determinada tonalidad. Partiendo de do mayor (la
menor) que no tiene alteraciones, existen dos posibilidades:
La secuencia de sostenidos o bemoles en las armaduras suele ser rígida en la notación
musical actual. Salvo do mayor que a su vez es la misma armadura para la menor, las
armaduras se presentan en dos variedades: armaduras de sostenidos y armaduras de
bemoles, siempre representando una tonalidad Mayor o una tonalidad menor según el
caso.
Así pues, hay 14 armaduras convencionales para tonalidades mayores y sus respectivas
menores con un máximo de siete sostenidos o siete bemoles, incluyendo la armadura
vacía o sin alteraciones.

Circulo de quintas:
Con base en lo planteado anteriormente respecto a las alteraciones por sostenidos y
bemoles, existe un modo gráfico de representar esta estructura de manera un poco más
global y es el circulo por quintas que representa las relaciones entre los doce semitonos
de la escala cromática, sus respectivas armaduras de clave y las tonalidades relativas
mayores y menores.

Londoño, 2014.
ESCALAS MAYORES Y MENORES
Escala Mayor
Una escala es una sucesión de sonidos ordenados, generalmente por grados conjuntos,
de forma ascendente o descendente y que sirve de sistema sobre el que fundamentar,
por ejemplo, una pieza musical o una simple melodía. Un tipo de escalas son las escalas
diatónicas cuyo origen se remonta a la antigua Grecia. De entre todas ellas, la escala
mayor es una de las más conocidas e importantes de la música tonal occidental.
La escala mayor deriva del modo jónico. A partir del siglo XVI, cuando se
establecieron las leyes de la armonía, la escala mayor ha representado el material básico
para la construcción de la música occidental.
Su construcción posee la siguiente característica:
1Tono, 1Tono, 1Semitono, 1Tono, 1Tono, 1Tono, 1Semitono.
Visto de otra forma: 1, 1, ½, 1,1,1, ½.

Escala Menor Natural


La construcción de una escala menor es muy similar a la de una mayor, pues también
pertenece al grupo de las escalas diatónicas. Ambas difieren en su estructura en el uso
de la secuencia de intervalos. Una escala menor natural puede construirse a partir de
una escala mayor pero iniciando desde el sexto grado de esta.

Escala Menor Armónica


La escala menor Armónica, conserva la misma estructura de la escala menor natural, a
excepción del séptimo grado el cual alteramos.
Escala Menor Melódica
La escala menor Melódica conserva en gran parte la estructura de la escala menor
armónica y la escala menor natural, la única diferencia es la alteración en su sexto y
séptimo grado de forma ascendente y de forma descendente usando por completo una
escala menor natural.

Sistema de notación anglosajón.


Es un sistema de notación que proviene del inglés y es un tipo de notación musical
alfabético, también es conocido como el cifrado anglosajón, cifrado inglés o cifrado
americano. Presenta una codificación a partir de la notación griega y se intercambian
las notas que conocemos DO, RE, MI, FA, SOL, LA SI por letras del alfabeto, es el
sistema más utilizado universalmente y facilita la forma de nombrar los acordes y las
notas. y en resumen se nombran de la siguiente manera:
DO: C
RE: D
MI: E
FA: F
SOL: G
LA: A
SO: B
Para identificar los acordes mayores se deja la letra tal y como aparece, ejemplo: Do
mayor: C
Para denominar los acordes menores va acompañado de la letra m minúscula, ejemplo:
La menor: Am
Para identificar los acordes con 7ª va acompañado del número 7, ejemplo: Re 7: D7.
Sol menor siete: Gm7

Importante:
El curso de fundamentos de la escritura musical generará en las unidades dos y tres
material que será publicado al interior de los foros y correo del curso, de igual manera
se presentaran ejercicios tipo recursos multimedia como páginas web, videos, audios y
material complementario con el fin de fortalecer las habilidades musicales tales como el
solfeo rítmico, hablado y cantado.

ACORDES
Un acorde consiste en un conjunto de tres o más notas diferentes que suenan
simultáneamente y que constituyen una unidad armónica. En determinados contextos,
un acorde también puede ser percibido como tal aunque no suenen todas sus notas.
Pueden formarse acordes con las notas de un mismo instrumento o con notas de
diferentes instrumentos (incluyendo la voz humana) tocados a la vez. Formalmente, un
acorde consta de entre tres y siete notas de las doce que componen una octava; las
notas pueden pertenecer a la misma o a diferentes octavas. Cada tipo de acorde puede
presentar como tono fundamental cualquiera de las doce notas musicales (do, do♯, re,
mi♭, mi, fa, fa♯, sol, la♭, la, si♭, si). Este tono fundamental (también conocido como
«fundamental» o «tónica») determina la tonalidad del acorde y constituye la referencia
para los intervalos del mismo.
Las combinaciones de dos notas suelen llamarse díadas, las de tres, tríadas, las de
cuatro, cuatríadas, las de cinco, quintíadas, las de seis, sextíadas, y las de siete,
septíadas.
A una sucesión de acordes se la denomina progresión armónica. En una canción, o un
tema instrumental, las progresiones armónicas determinan en líneas generales el
camino que debe seguir la música de acompañamiento y, el que, en bastante medida,
suele seguir la melodía principal, que por razones de armonía debe y suele adaptarse
en cierto grado al fondo musical.

Acordes Mayores.
El acorde mayor puede considerarse como una superposición de terceras a partir de una
nota fundamental o tónica (F o T), el intervalo entre la fundamental y la primera tercera
es de tercera Mayor (3M) (Dos Tonos = 2T) y el intervalo siguiente entre la tercera
mayor y la siguiente nota es de una tercera menor (3m) (un tono y medio 1 ½):

3m Tercera menor 1 ½ Tono de SOL


diferencia

3M Tercera Mayor 2 Tonos de MI


diferencia

T Tónica o DO
fundamental
Nota: Es importante construir el acorde desde del sonido más grave al más agudo.

Acordes menores:
Al igual que los acordes mayores, el acorde menor también nos presenta una
superposición de terceras, pero en este caso en particular, de forma invertida al acorde
mayor, es decir consta por una Fundamental o tónica, Tercera menor (3m) y una tercera
Mayor (3M).

3M Tercera Mayor 2 Tonos de Sol


diferencia

3m Tercera menor 1 ½ Tono de Mib


diferencia

T Tónica o Do
fundamental

Acordes disminuidos
El acorde disminuido posee gran similitud en la construcción del acorde menor, como
diferencia sustancial se identifica una segunda tercera menor en la segunda parte de la
superposición de terceras.

3m Tercera menor 1 ½ Tono de Solb


diferencia

3m Tercera menor 1 ½ Tono de Mib


diferencia

T Tónica o Do
fundamental
Acordes Aumentados
El acorde aumentado posee en este caso, similitud con el acorde Mayor, su diferencia
radica en poseer en la superposición de terceras, dos terceras Mayores.

3M Tercera Mayor 2 Tonos de Sol+


diferencia

3M Tercera Mayor 2 Tonos de Mi+


diferencia

T Tónica o Do
fundamental

ESCRITURA RITMICO MELODICA


La escritura Rítmico melódica usa dos dimensiones, una horizontal representada por el
discurso rítmico y la vertical representada por las alturas, esta integración da como
resultado las melodías.

ESCRITURA ARMONICA
La escritura armónica en el pentagrama, hace referencia al uso simultáneo de las voces
de un acorde, como vimos anteriormente una sucesión de acordes se conoce como
una progresión armónica, dichas progresiones son aquellas que evidenciamos en
diferentes obras musicales o canciones.

Bibliografía:

Brimhall, J. (2009). Cuaderno de teoría 3 en 1.


Carothers, A. (1998) Studying Rhythm. 21-26.
Recuperado de
http://blog.fullpartituras.com/wp-content/uploads/2016/03/Studying_Rhythm-
Anne_Carothers_hall.pdf

López, P. (1984). Escritura musical y ritmo en la edad media las cantigas de Alfonso x
y la influencia de su música.
Recuperado de
http://www.uv.es/dep210/revista_historia_medieval/PDF171.pdf

Rodríguez, S. (2010). Corriente pedagógico-musicales del siglo XX.


Recuperado de
https://pedagogiamusicalupel.files.wordpress.com/2010/10/temario-muestra-
msica-1.pdf

Santana F. (S.F) Teoría Musical 13-26.


Recuperado de
http://anamadan2.webcindario.com/paginas_interesantes/Teoria_libro.pdf