1 ARTE BARROCO

Arquitectura y escultura

Barroco italiano.
Barroco es el término que da nombre a la corriente artística que se desarrolla tras el Renacimiento, durante el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. El Barroco nace en Italia y se extiende por muchos
países europeos como Francia, España y Alemania.
Es un arte creado al servicio de los grandes poderes del momento: la Iglesia católica -cuestionada por los protestante- y las monarquías absolutas, que pretenden servirse de él para exaltar su autoridad, y
asegurarse la obediencia de sus súbditos y fieles respectivamente.

Como arte propagandístico, empleará a menudo recursos de gran teatralidad con el objetivo de atraer y deslumbrar al que lo contempla.

Frente a la serenidad clásica racional del renacimiento, el barroco opta por el mundo en movimiento y agitado de los sentidos. Por lo tanto, la tendencia del barroco es la exageración y la ostentación.

Características
Aparece un repertorio de infinitas curvas: elipses, parábolas, espirales... que sustituyen a la obra equilibrada y racional del Renacimiento; ahora las columnas salomónicas se retuercen, los frontones son curvos
y mixtilíneos. Los muros se curvan a la búsqueda de efectos luminosos:

- Siguen utilizándose la planta basilical y central pero con predominio ahora de la línea curva: plantas elípticas, circulares y mixtas.
- Se siguen utilizando el arco de medio punto y las bóvedas de cañón, pero se experimenta también con bóvedas estrelladas y se multiplican las cúpulas exteriores.
- La cúpula, uno de los máximos logros del renacimiento, seguirá usándose en su apariencia externa, pero en su interior quedará oculta su superficie semiesférica pura, decoradas con cielos pintados
plagados de figuras que parecen ascender al infinito
- Las fachadas de las iglesias se van haciendo más movidas y ricas en claroscuro, fachadas cóncavas y convexas, que se relacionan con el espacio urbano; se llenan de esculturas; las columnas se
desprenden del muro y el efecto en general es de mayor riqueza y movimiento.
- En los interiores la escultura y la pintura se aliarán con la arquitectura creando un todo, en el que la percepción visual no sabrá distinguir donde empieza lo uno y dónde termina lo otro.
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Arquitectura y escultura

Lorenzo Bernini (1598-1680)

Bernini es el genio del siglo XVII, practicó todas las disciplinas artísticas, aunque el siempre se consideré escultor.

Su estilo arquitectónico y urbanista buscaba la grandeza, la clara distribución de masas y la rica ornamentación interior. Su arquitectura puede definirse como clasicista y de raíz renacentista lo que le valdrá para
recibir los grandes encargos de los papas a la hora de construir una Roma triunfal que recupera su supremacía espiritual y política que le prefieren a su rival Borromini mucho más transgresor e innovador.

Entre sus obras más importantes se encuentra el Baldaquino de San Pedro, situado en el crucero de la iglesia bajo la gran cúpula de Miguel Ángel, es un gran dosel de bronce sostenido por cuatro columnas
salomónicas.
Como constructor de iglesias prefiere la planta central, sea de cruz griega, circular u oval como en la iglesia de San Andrés del Quirinal. Esta iglesia, inspirada en el Panteón romano, posee una planta ovalada,
marcada por un pórtico semicircular en la fachada.
Su obra maestra es la Columnata de la Plaza de San Pedro. Se trata de una plaza de forma elíptica rodeada de una gran columnata de cuatro filas de columnas en cuya primera fila se levantan estatuas también
realizadas por él.

Es el gran arquitecto y escultor del barroco italiano. Comenzó trabajando para Scipione Borghese. Sus obras principales las desarrolla en Roma, trabajando para diversos papas casi en exclusividad, principalmente
para Urbano VIII que al recibirlo le dijo “ es una gran fortuna que m e veas como Pontífice, pero mayor es mi fortuna porque vivas en mi pontificado ”.

Comentario

BALDAQUINO DE SAN PEDRO (Bernini, 1624-33)

Primer encargo de Urbano VIII a Bernini para llenar el espacio vacío del crucero de la basílica de San Pedro. Es realizado con el bronce expoliado del Panteón de Agripa, lo que le valió la frase “lo que no hicieron
los bárbaros, lo hicieron los Barberini” en alusión a la familia del Papa. Se trata de un gran palio (toldo procesional), sustentado por cuatro columnas salomónicas, de fustes con decoración vegetal y capiteles
corintios, sobre cuatro podios de mármol. El dosel formado por cuatro gigantes volutas (diseñadas por Borromini), se remata con el globo terrestre y la cruz, símbolos del triunfo universal de Cristo. Su
estructura transparente no rompe la visión, pero sí que el movimiento de sus formas y su decoración que alterna dorados y ocres imprimen al lugar un bello dinamismo. El baldaquino simboliza el lugar,
cobijando la tumba de San Pedro, pero también enfatizando la figura del Papa, cuyos símbolos familiares (las abejas y el sol) aparecen numerosas veces en la parte superior. Las columnas similares a las del
Templo de Salomón, simbolizan el lugar como la nueva Jerusalén, triunfante sobre el protestantismo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Baldaquino de San Pedro), Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (San Pedro del Vaticano,
Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini con la más clásica de
Maderno, también en Italia, o Mansart en Francia), Influencia obra-época (el papado y su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y el uso del arte como medio de propaganda y para mostrar su
grandeza).
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Francesco Borromini (1599-1667)

Arquitecto de gran ingenio e imaginación, en un principio colaborador de Bernini para después pasar a ser su rival y abversario con una obra totalmete contrapuesta.
Su estilo arquitectónico se basa en la fantasía, en lo dramático y en la expresión arquitectónica del movimiento. Inventa elementos nuevos y formas novedosas.
Sus edificaciones, de plantas complejas y geométricas, son de pequeño tamaño y materiales modestos ya que están al servicio de órdenes religiosas con pocos recursos al contrario que Bernini.

Arquitecto y escultor, llegó a Roma en 1619, trabajando para Maderno y para Bernini, donde se enemistaron de por vida. Sólo trabajó con el papa Inocencio X y debió trabajar principalmente para órdenes
religiosas con mucho menos poder económico que el Vaticano. Su carácter era solitario, poco interesado en las riquezas materiales. Inmerso en una profunda depresión quemó todos sus escritos y diseños y se
suicidó en 1667.

Entres sus obras destaca San Carlos de las cuatro fuentes. Esta pequeña iglesia forma parte de un convento de la orden de los trinitarios y es una de las obras más ingeniosas que ha dado la arquitectura. La
planta es ovalada, al igual que la cúpula y la pared ondulante de su fachada, característica de toda su obra, juega con las formas cóncavas y convexas, consiguiendo un tremendo dinamismo y un intenso claroscuro.

Otras obras que abría que destacar serían Sant´Ivo della Sapienza con una original planta en forma de estrella mixtilínea que alterna lineas rectas con formas cócavas y convexas. Formas que también combina
en la cúpula.
El pontificado de Inocencio X supuso su momento de mayor explendor y reconocimiento. Es en este momento cuando realiza la fachada de la Iglesia de Santa Inés en la Plaza Navona.

Comentario

SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES (Borromini)

Primer encargo realizado en solitario para Borromini. Los Trinitarios encargan construir su convento e iglesia. Disponen de un pequeño e irregular solar que hace esquina al cual hay que adaptarse, además de
respetar las 4 fuentes que dan nombre al lugar. Las obras se inician por la iglesia construida entre 1638 y 1641, la fachada se comenzará en 1665 y se finaliza después de la muerte del autor. La planta es un
óvalo que se adapta al solar e imprimiendo una sensación ondulante. Se levantan grandes columnas, sobre ellas arcos de medio punto y pechinas, que sostiene una cúpula de forma oval con inconfundibles
casetones geométricos (octógonos, hexágonos y cruces) que parece estar suspendida por la iluminación de las pequeñas ventanas superiores. En la fachada predomina la línea curva. Se divide en dos cuerpos,
donde se combinan diferentes tamaños de columnas. En el superior se coloca un pequeño templete y sobre él un medallón central sostenido por ángeles. La escultura es incorporada a la fachada como un
elemento más. El conjunto se inserta a la perfección en el contexto urbano de Roma. El resultado dio a Borromini un especial reconocimiento, recibiendo numerosos encargos de órdenes religiosas. Su estilo
fue siempre la unión de arquitectura y escultura y el predominio de las líneas curvas.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes), Autor (Francesco Borromini), Situación (Roma,
Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini con la más clásica de
Maderno, también en Italia, o Mansart en Francia), Influencia obra-época (el papado y su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y el uso del arte como medio de propaganda y para mostrar su
grandeza).
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Arquitectura y escultura

Escultura:

Bernini
Durante el siglo XVII, Roma es el centro creador y propagador de las formas barrocas y Lorenzo Bernini (1598-1680) su máximo representante, con un estilo que combina teatralidad, fantasía y técnica y que se
caracteriza por:

- La representación del movimiento exaltado.

- Los violentos juegos de luces y sombras
- El virtuosismo para representar distintas texturas (piel, telas, nubes, hojas, rocas...)
- El gusto por lo trágico y la expresividad.
Sus obras, realizadas para los cardenales y los papas romanos, representan la escultura barroca más genuina e influirán en sus contemporáneos y en un gran número de artistas posteriores tanto italianos como
del resto de Europa.

Obras
Su producción es muy variada y abarca grupos escultóricos de temática religiosa y mitológica, bustos retratísticos, tumbas y fuentes, casi siempre realizadas en mármol.

Sus primeras obras las realiza en torno a los veinte años para el cardenal Borghese: El David, El Rapto de Proserpina y Apolo y Dafne. En todas ellas elige el momento culminante en el desarrollo de la acción
y usa una composición basada en el uso de la línea serpentinata tan del gusto de los escultores manieristas. Su obra más importante es El Éxtasis de Santa Teresa.

Comentario

APOLO Y DAFNE (Bernini, 1622-1625)

Obra de juventud realizada para el cardenal Borghese. Representa un tema mitológico, narrado en la Metamorfosis de Ovidio. Dafne, una ninfa, había renunciado a casarse. El dios Apolo se había enamorado
de ella, y a pesar de ser rechazado, la persiguió por el bosque. Dafne, al encontrarse acorralada, pidió ayuda a su padre, el dios del río Peneo, que la convirtió en laurel antes de ser atrapada. Se combina a la
perfección la belleza clásica con el movimiento barroco. La expresión de los sentimientos es grande, la ninfa grita asustada, mientras el dios mira perplejo la transformación. Bernini capta con genialidad ese
momento fugaz en el que Dafne es mitad mujer, mitad laurel. La composición es de grandes diagonales que acentúan el dinamismo, con el movimiento de los cabellos y los ropajes. El dominio técnico en el
mármol se hace patente en los distintos acabados de la piel, el tronco o incluso las hojas, y la luz, que incide sobre la obra y pasa a formar parte de ella.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Apolo y Dafne), Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (Galería Borghese de Roma, Italia),
Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la escultura renacentista y manierista y comparar también la escultura barroca italiana con la
barroca española), Influencia obra-época (Bernini como arquitecto y escultor casi exclusivo del Vaticano, del Papa Urbano VIII, de ahí su fama y sus encargos y su enorme influencia en los siglos XVII y XVIII).
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ÉXTASIS DE SANTA TERESA (Bernini, 1645-1652)

Forma parte de la capilla Cornaro en la Iglesia de Santa Mª de la Victoria (Roma) dedicada a Santa Teresa de Jesús. Se unen arquitectura, pintura y escultura, formando un escenario teatral, completado con los
palcos laterales, donde se representan a la familia Cornaro que asiste al milagro e integra en la escena al espectador. En el centro, una escena descrita por la propia Santa Teresa en su obra Vida : "Veíale en las
manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba
consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios."

Sobre una nube, Santa Teresa en pleno éxtasis, con el cuerpo desmayado y la boca entreabierta en un gemido. Frente a ella, un ángel sonriente, se dispone a atravesar su corazón con una flecha de fuego. Las
distintas calidades contrastan en un mismo material, el mármol, y evidencian el dominio técnico del autor. La escena se ilumina por una ventana, oculta por elementos arquitectónicos, pero que se materializa
en rayos dorados que completan el conjunto barroco por excelencia.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Éxtasis de Santa Teresa), Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (Capilla Cornaro en la Iglesia de
Santa María de la Victoria en Roma, Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la escultura renacentista y manierista y comparar
también la escultura barroca italiana con la barroca española), Influencia obra-época (Bernini como arquitecto y escultor casi exclusivo del Vaticano, del Papa Urbano VIII, de ahí su fama y sus encargos y su
enorme influencia en los siglos XVII y XVIII).
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LA IMAGINERÍA ESPAÑOLA
La escultura española trata principalmente temas religiosos. Imágenes religiosas. Por eso, a los escultores se les llama imagineros. Los mecenas y clientes son cofradías, parroquias, gremios.

El material empleado, dada la crisis, es madera policromada mediante la técnica de estofado y de carnaciones.
Con estas técnicas se busca representar con todo realismo la piel, las telas...Tambien se emplean cabello natural, lágrimas de cristal, telas en las imágenes de vestir, ojos de cristal...

Otra característica importante es la expresividad, la exaltación religiosa, el dramatismo.

Finalidad: en un momento marcado fuertemente por la Contrarreforma, las imágenes religiosas buscan resaltar su valor pedagógico y moral y son concebidas como instrumento de acercamiento del mensaje
doctrinal a los fieles. De ahí la importancia de hacerlas comprensibles, verosímiles y capaces de emocionar o conmover. Busca despertar sentimientos de piedad.
Las manifestaciones más importantes son: pasos para procesiones, imágenes de santos patronos de ciudades o de gremios, Inmaculadas, retablos..

Destacan cuatro focos artísticos: VALLADOLID (GREGORIO FDES) , SEVILLA (MARTIN MONTAÑES) , GRANADA (ALONSO CANO Y PEDRO DE MENA) Y MADRID (MANUEL PEREIRA Y FRANCISCO
SALZILLO)

Valladolid
Gregorio Fernández
Valladolid fue sede de la corte real desde 1601 a 1606.
En 1605 Gregorio Fernández se traslada desde Galicia a trabajar a la ciudad de Valladolid. Impulsa la actividad artística y crea un taller en el que se forman discípulos. Crea una escuela de escultura que sigue las
características del maestro:

- Realismo exagerado y dramatismo: plasma el dolor con abundancia de sangre, es realismo por tanto hiriente. Usa la policromía para acentuar el dramatismo
- Estudio anatómico realista
- Rostros dramáticamente expresivos
- Los piegues de las telas forman ángulos agudos que, además de dar volumen, añaden más dramatismo al provocar fuertes contrastes de luz.

Gregorio Fernández es el imaginero más importante y en las obras siguientes podemos apreciar las características de su escuela anteriormente ennumeradas.
y que podemos apreciar en las siguientes obras:

Cristo yacente Barroco. S XVII.

Gregorio Fernández Madera policromada. Talla
Escuela castellana
Museo Nacional de Escultura
de Valladolid

Uno de los prototipos de la escultura de Fernández es el Cristo yacente. Partiendo de esquemas anteriores, el maestro creó un modelo propio que gozó de amplio éxito en la escultura barroca. El Cristo,
procedente de la Casa Profesa de los Jesuitas de Madrid, apoya la cabeza y su torso sobre unos almohadones, quedando de esta manera el rostro inclinado hacia el espectador. El desnudo cuerpo, equilibrado y
sereno, se coloca sobre una blanca sábana en la que destacan los delicados pliegues. Para romper la simetría y la frontalidad de la figura, Fernández coloca la pierna izquierda doblada sobre la derecha. El rostro
del Salvador, con los ojos y la boca semicerrados, transmite al espectador un intenso sentimiento, destacando también la calidad mórbida del conjunto, especialmente el hombro y la mano derechos. La
policromía acentúa el patetismo en la herida del costado y en los moratones de las rodillas y de los pies.
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Sevilla
J. Martínez Montañés
El descubrimiento de América trae a Sevilla riqueza y prosperidad. La actividad artística adquiere importancia en una ciudad con importancia económica.
Martínez Montañés crea la escuela sevillana de escultura que se caracteriza:

- Realismo un tanto idealizado, menos dramático y más equilibrada la composición que la escuela de Valladolid.
- Madera policromada con la técnica de estofado.

Inmaculada
J. Martínez Montañés
Barroco. Siglo XVII. Catedral de Sevilla.

La iconografía responde a la exaltación contrarreformista de los temas marianos, especialmente el de la Inmaculada.

Técnicamente la talla es un bello exponente de la imaginería sevillana destacando en ella una aparente sencillez que encierra una compleja composición de líneas diagonales, curvas y un sutil contraposto. El
acabado, obra de F. Pacheco, presenta unas carnaciones brillantes y unos ropajes de rico estofado.

Cristo de la Clemencia
Martínez Montañés
Barroco. S. XVII .Catedral de Sevilla

La anatomía de la figura está modelada con una perfección naturalista extrema inspirada en los modelos clásicos, sin más símbolos de la tortura que la propia crucifixión, sin sangre ni crispación muscular,
incluso con cierta belleza atlética. El paño de pureza es otra muestra de la habilidad escultórica del artista por el complicado diseño de su variado, múltiple y plegado menudo que rítmicamente se distribuye
creando una zona donde el movimiento rompe la quietud vertical
La obra creada por M. Montañés responde con toda precisión a los deseos del cliente y a las normas dictadas por Trento para representar a Jesús crucificado: representa a un Cristo crucificado vivo antes de
expirar, que con la cabeza inclinada sobre el hombro derecho mira serenamente al que está orando ante él, no hay exageración dramática ni aspavientos agónicos, hay serenidad y dulzura en la mirada, hay
comunicación, como quejándose del padecimiento divino por los pecados del orante.
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Granada
Alonso Cano
Alonso Cano Almansa fue un pintor, escultor y arquitecto español. Por su contribución en las tres disciplinas y la influencia de su obra en los lugares donde trabajó, se le considera uno de los más importantes
artistas del barroco en España, siendo además el iniciador de la Escuela granadina de pintura y escultura. Importantes discípulos suyos fueron los pintores Juan de Sevilla, Pedro Atanasio Bocanegra y José
Risueño, también escultor, y los escultores Pedro de Mena y José de Mora entre otros.
Es el fundador de la escuela de Granada.

Alonso Cano es el creador de esta Inmaculada menuda, íntima y melancólica que incita a la oración.
Aspecto fusiforme. El giro de la cabeza y la disposición de las manos rompen la simetría.

LA INMACULADA (Alonso Cano, 1655)

Figura de pequeño tamaño, encargada para el facistol del coro de la Catedral de Granada (un atril central que se situaba en el centro del coro para colocar el libro de cantos) La obra podía ser contemplada
desde cualquier punto de vista y por ello, Cano se esforzó en esos varios puntos de observación. Apoyada sobre una nube de querubines, muestra a una virgen en la línea de la imaginería andaluza, una niña de
enorme dulzura. Su rostro está concentrado lo que le proporciona más espiritualidad. Une sus manos con finura y el autor las trabaja con delicado estudio anatómico. La policromía es muy cuidada,
demostrando que Cano conocía a la perfección las técnicas pictóricas.
ALONSO CANO (1601-1667): Trabajó todas las artes. Inició su formación con su padre y después en el taller de Pacheco. En 1683 fue llamado a la Corte, protegido por el Conde Duque de Olivares.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco español del siglo XVII, Escuela Andaluza), Título/Obra (Inmaculada), Autor (Alonso Cano), Situación (Catedral de Granada, España),
Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de la Escuela Andaluza, y ambas con la escultura
barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis política, económica y social, sus
consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).
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Pedro de Mena
es el principal representante de esta escuela aunque su estilo evolucionó hacia la expresión espiritual y mística abandonando la elegancia de las obras de Alonso Cano.

Comenzó trabajando en el taller de su padre y fue discípulo de Alonso Cano. Trabajó en diversos puntos de Andalucía, firmando todas sus obras, en busca del reconocimiento artístico. Su obra tuvo gran éxito,
conectó con el sentimiento del público y creó modelos iconográficos propios como la Magdalena o San Francisco.

Destaca el virtuosismo de la talla, con el que consigue magníficos efectos realistas en el tratamiento de las calidades, que combina con la hondura espiritual.

MAGDALENA PENITENTE (Pedro de Mena, 1664)

Encargo de los jesuitas de Madrid que refleja la importancia del arrepentimiento en el pecador. La expresión de la mujer refleja ese sentimiento y sus pies descalzos, la penitencia, junto con una túnica de
trenzado vegetal atada con una cuerda. Se trata de una figura de madera en tamaño real, que conectó muy bien con el gusto del pueblo, ya que su rostro expresa dolor y comunica ese sentimiento religioso. Al
rostro, le acompañan la expresividad de las manos, el pelo lacio, y el cuerpo que se inclina ligeramente hacia el crucifijo de madera. La policromía es sobria, de colores oscuros que realza la espiritualidad. La
figura es muy simple pero responde perfectamente al sentimiento barroco español contrarreformista, expresando el arrepentimiento y la penitencia, sacramento que es negado por los protestantes.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco español del siglo XVII, Escuela Andaluza), Título/Obra (Magdalena Penitente), Autor (Pedro de Mena), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de la Escuela Andaluza, y ambas con la
escultura barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis política, económica y social,
sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

Madrid

Manuel Pereira
Cuando la corte se traslada a Madrid, la capital de España se convierte en centro de atracción de artistas. El escultor más importante en el siglo XVII es Manuel Pereira.
San Bruno: Piedra. Talla.Barroco. Siglo XVII. Figura serena y elegante, llena de sentimiento místico.
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En el siglo XVIII se impone una estética cercana al rococó cuyo principal representante es Francisco Salzillo.

FRANCISCO SALZILLO (1707-1783):

Comienza su trabajo en el taller de su padre, familia de origen italiano. Trabajó toda su vida en Murcia. Perteneció a la cofradía de Jesús Nazareno, para la que realizó ocho pasos procesionales entre los que
destacan la Oración del huerto o La Caída. Otra de sus grandes obras fue un belén, formado por más de 500 figuras

PASO DE LA ORACIÓN DEL HUERTO (Salzillo, 1760)

Paso para la procesión del Viernes Santo en Murcia, perteneciente a la Iglesia de Jesús, donde se guardan otros pasos del autor. La obra recoge el momento en el que Jesús se retira al huerto de los olivos,
momentos antes de iniciarse la Pasión. Sólo le acompañaron los apóstoles Juan, Santiago y Pedro, que quedaron dormidos. Pedro, el más anciano, porta la espada que pronto utilizará para defender a Jesús, su
sueño es menos profundo y en su brazo se adivina la tensión muscular del que está alerta. Es el momento en el Jesús reza y se le aparece un ángel para reconfortarle. Jesús está arrodillado, hundido, y el ángel,
de belleza adolescente, con las alas aún desplegadas, acaba de posarse en el suelo. Todas las figuras forman un grupo integrado, de gran belleza que expresan como pocas un sentimiento religioso como sólo lo
hicieron los grandes maestros del barroco.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco español del siglo XVIII en Murcia), Título/Obra (Magdalena Penitente), Autor (Pedro de Mena), Situación (Museo del Prado, España),
Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar la escultura de Salzillo con la escultura barroca de la Escuela Castellana y la de la Escuela Andaluza, y
con la escultura barroca italiana), Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis política, económica y social, sus
consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).