Apuntes Tema 10 Renacimiento PDF

Tema 11.
Arte del Renacimiento y del

Manierismo
1. Introducción al Renacimiento.
2. El Quattrocento italiano.
a. Arquitectura: Brunelleschi y Alberti.
b. Escultura: Donatello y Ghiberti.
c. Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli.
3. El Cinquecento y la crisis del Manierismo en Italia.

a. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio.
b. Escultura: Miguel Ángel.
c. Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.
d. La escuela veneciana.
4. El Renacimiento en España.
a. Arquitectura: del Plateresco al Escorial.
b. Escultura: los primeros imagineros: Berruguete y Juni.
c. Pintura: El Greco.
5. Comentarios.
a. Cúpula de Santa María de las Flores
b. Anunciación, de Fra Angelico
c. El nacimiento de Venus, de Boticelli
d. Escuela de Atenas, de Rafael Sanzio
e. Pietá del Vaticano, de Miguel Ángel
1. Introducción al Renacimiento.
La palabra Renacimiento se refiere a la recuperación de los valores y las formas de la

antigüedad clásica realizada durante el siglo XV.
Recibió un gran impulso el estudio de las humanidades (la gramática, la retórica, la

historia, la poesía y la filosofía) y se exaltaron las virtudes del arte grecorromano. Las
obras clásicas, tanto las literarias como las artísticas, fueron estudiadas en profundidad
y tomadas como modelo para las obras nuevas.
ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 1

Estos pensadores y artistas del Renacimiento tuvieron que poner mucho cuidado en
hacer compatible la tradición clásica politeísta con el cristianismo dominante en su
época. Lo resolvieron, sobre todo, planteándolo como un regreso a la moral de los
primeros cristianos, que no encajaba con los vicios que el clero había ido adquiriendo.
El origen del Renacimiento estuvo en Florencia, que se había recuperado de la crisis

provocada por la peste negra y que tenía una floreciente economía basada en los
talleres laneros, la industria de los paños y las operaciones bancarias. La ciudad, que
funcionaba como ciudad-estado, se consideraba la heredera intelectual de Atenas.
La Academia Platónica Florentina difunde la nueva concepción del mundo, que

podemos resumir en los siguientes conceptos:
Antropocentrismo: aunque no niega la existencia de Dios, colocan al hombre

como centro del universo.
Defensa del libre albedrío. Sirvan como ejemplo estas palabras de Pico della
Mirandola1: “¡Oh, Adán! Te coloqué en el centro del mundo para que volvieras
más cómodamente la vida a tu alrededor y miraras todo lo que hay […] para
que, como modelador y escultor de ti mismo, te forjes la forma que prefieras.
En tu decisión está degenerar a lo inferior, con los brutos, o realzarte a la par
de las cosas divinas”.
En cuanto al arte, se otorgará prioridad absoluta a la figura humana, lo que hará que
vuelva la teoría de la proporción del cuerpo humano, concretamente al canon de Lisipo
(ocho cabezas). El siguiente paso fue situar a los seres humanos en la naturaleza, y a
los edificios en el paisaje urbano. Para que la relación de todos elementos fuera
armoniosa, hubo que inventar el efecto visual de la perspectiva, único aspecto en el
que los artistas del Quattrocento se sintieron superiores a los antiguos.
2. El Quattrocento italiano
Italia, durante el siglo XV, no existía como tal, sino que convivían en ella una serie de
ciudades-estado gobernadas por príncipes, casi siempre con un poder muy grande. De
ellos, los más importantes son Federico de Montefeltro (Urbino), Segismundo
Malatesta (Rímini), Francesco Sforza (Milán), Alfonso de Aragón en Nápoles, y las
familias de los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua y los Medici en Florencia.
En las cortes de estos señores era frecuente el lujo en los edificios, los vestidos y los
estilos de vida. Muchos de ellos, se convirtieron en importantes mecenas que
financiaban obras de arte. Esto, junto a su oposición al Gótico, ayudó mucho a la
propagación del arte renacentista por toda Italia.
1
Filósofo florentino del siglo XV.

a. Arquitectura: Brunelleschi y Alberti.
Los dos arquitectos más importantes del Quattrocento italiano son Filippo Brunelleschi
León Battista Alberti.
BRUNELLESCHI (Florencia, 1337-1446)
Sus comienzos artísticos fueron como escultor. En 1401, participa en el concurso para
realizar las segundas puertas del Baptisterio de Florencia, concurso que ganaría
Ghiberti. Decepcionado, marchó a Roma, donde la contemplación de sus ruinas hizo
que cambiara su vocación de escultor por la de arquitecto.
En 1414, coincide con Ghiberti en otro concurso, esta vez para la construcción de la
cúpula de la Catedral de Florencia. Esta vez sí gana, con un proyecto que consiste en
cubrir el tambor octogonal con dos cúpulas superpuestas, dejando una cámara de aire
entre una y otra. El peso de los materiales disminuía, lo que le permitió elevar la
cúpula hasta los 56 metros. Las obras comenzaron en 1420 y duraron 16 años. El
edificio causó gran admiración entre sus contemporáneos, hasta el punto de que
Alberti llegó a compararlo con un gran paraguas abierto sobre el corazón de Florencia.
Brunelleschi parte de la idea de, en la creación artística, que hay que seguir a los
maestros de la Antigüedad pero que las técnicas de construcción pueden ser
mejoradas. Entre los elementos clásicos, prefiere las columnas de fuste liso, cuando
construye pórticos y basílicas, y las pilastras cuando edifica capillas de planta central;
en ambos casos, con capiteles corintios de ocho volutas y arcos de medio punto.
La proporción vendrá determinada por el espacio de separación entre los soportes

(sean columnas o pilastras); esta medida arroja un módulo con el que estarán
relacionadas las demás distancias.
Brunelleschi fue el creador de la perspectiva renacentista: una armonización visual de

las masas del edificio, graduándolas según las leyes ópticas.
Todas estas características son observables en los siguientes edificios:
El Hospital de los Inocentes

La basílica del Espíritu Santo
La basílica de San Lorenzo; dentro de ella construyó la llamada Sacristía Vieja,
cubierta con cúpula sobre pechinas, donde plasmó la idea que se tenía en la
época de lo que debía ser una obra comparable a las de la Antigüedad.
La Capilla Pazzi, incluida en el convento franciscano de Santa Croce:
o Pórtico exterior sobre columnas
o Cúpula interior con pechinas

o Juega con el color de los materiales (piedra gris para los elementos
arquitectónicos y cal blanca para el revoque de los muros) lo que
proporciona claridad al edificio.
ALBERTI (Génova, 1404 – Roma, 1472)
Podemos considerarlo un genio renacentista que sobresalió en todas las artes:

atletismo, música, diseño de artilugios mecánicos; además, por supuesto, de escultura,
pintura y arquitectura.
Sobre arquitectura escribió De re aedificatoria, 10 tomos en los que defiende por

primera vez la importancia del trabajo intelectual del arquitecto, como dibujante de
planos y fabricante de maquetas. Lo que dejaba la ejecución en manos de los maestros
de obras y los albañiles.
En 1446, el comerciante Giovanni Rucellai le encarga la construcción de un palacio que

se convertirá en el prototipo de mansión urbana del Renacimiento. Para Alberti, estas
casas de los ricos deben ser dignas y cómodas pero no ostentosas. Basándose en el
modelo del Coliseo, organizó la fachada en tres pisos de órdenes superpuestos y la
protegió con un amplio saledizo.
Como arquitecto religioso, se dedicó, sobre todo, a remodelar edificios medievales, a

los que dotaba de fachadas renacentistas:
Esto es lo que hace en la basílica gótica de Santa María Novella, en la que

utilizó el cuadrado como módulo compositivo y la policromía como elemento
visual básico.
O en el convento de San Francisco, de Rímini (llamado también templo

malatestiano):
o El tirano de esta ciudad, Segismundo Malatesta, quiso reunir en este
edificio los restos de sus antepasados, los de su amante y los de los
artistas y poetas que daban brillo a su corte.
o Alberti recubrió el viejo templo franciscano de mármoles y lo decoró
con un arco de triunfo romano. Tanto lo transformó que el Papa Pío II
dijo que no parecía una iglesia cristiana sino un lugar de culto para los
adoradores del demonio.
Pero el edificio religioso más importante de Alberti fue la iglesia de San Andrés, en
Mantua.
El diseño de la fachada, aupada sobre un podio y con un arco central profundo,

remite a los templos romanos.

La planta es de nave única con capillas entre contrafuertes. Un siglo después
será copiada por Vignola en el Gesú de Roma.
b. La escultura. Ghiberti y Donatello
LORENZO GHIBERTI (Florencia, 1378-1455)
En 1401, ganó el concurso para realizar las Segundas Puertas del Baptisterio de
Florencia, superando a Brunelleschi. El contrato establecía que el ganador debía
ajustarse al modelo establecido en 1336 por Andrea Pissano cuando ganó el concurso
para esculpir las Primeras Puertas del edificio. Por tanto, Ghiberti tuvo que
fragmentarlas en veintiocho cuadros y desarrollar en ellos, enmarcándolas en tréboles
de cuatro hojas, escenas del Nuevo Testamento (20) e imágenes de los evangelistas y
doctores de la Iglesia (8, situadas en el zócalo). En la obra, entregada en 1426, le
ayudaron Pablo Ucello y Donatello.
Poco después, y sin concurso previo, las autoridades le encargan las Terceras Puertas.
Los cambios respecto a las anteriores fueron muy profundos y las sitúan de manera
clara en el estilo renacentista:
Sustituye las casillas lobuladas por diez espacios cuadrados, lo que le va a

permitir mayor amplitud para tratar las escenas del Antiguo Testamento que le
encargan.
Utiliza la perspectiva lineal de Ucello y los efectos de profundidad que
Donatello había creado mediante la técnica del schiacciato (aplastado).
Decora los marcos con reproducciones de esculturas griegas y festones de
plantas y animales; lo que significaba una muestra de respeto por la
Antigüedad clásica.
Estas Terceras Puertas recibieron numerosos elogios desde su inauguración en 1452.

Miguel Ángel Buonarrotti las alabó diciendo que eran dignas de figurar en la entrada
del Paraíso.
Ghiberti realizó también estatuas independientes. Las más importantes son las
imágenes de San Juan Bautista (patrón de los tejedores de lana) y San Mateo (patrón
de los trabajadores de la Casa de la Moneda), que formaban parte de las 14 hornacinas
que debían decorar la fachada de la capilla de Or San Michelle, propiedad de los
gremios florentinos. Ambas imágenes, llenas de gracia y dulzura, responden a una
belleza ideal que pronto será cuestionada por Donatello.

DONATELLO (Donato di Niccolò), Florencia, 1386-1468.
Es el escultor más influyente del siglo XV. Equiparado por la crítica posterior con
Miguel Ángel y Bernini.
Sus cualidades más importantes como escultor son las siguientes:
El dominio de todas las técnicas y materiales.

La profundidad psicológica que expresa en los sentimientos humanos.
Su capacidad creadora para definir y dar forma renacentista a construcciones
como la tumba, el púlpito, el altar, la cantoría 2 y el monumento ecuestre.
En su larga trayectoria, podemos distinguir las siguientes etapas:
1) Fase inicial de adolescencia y madurez en Florencia (1404-1443)
Donatello aprendió las técnicas de la fundición del bronce en el taller de Ghiberti. Sus
primeros trabajos son estudios psicológicos para decorar los principales edificios
góticos de la ciudad: apóstoles para la Puerta de la Mandorla de la Catedral, profetas
para el Campanile y patronos gremiales para la capilla de Or San Michele. En esta
última, talla un San Marcos, que le encargan los pañeros, representante ideal del ser
humano serio y responsable; y un San Jorge, patrón de los fabricantes de armaduras y
espadas. Esta imagen del “santo que venció al dragón” incorpora a sus pies un relieve
de la Muerte del Dragón en el que combina por primera vez la perspectiva lineal con el
schiacciato; la sucesión de planos aplastados dotan al relieve de un efecto pictórico.
Es también en esta primera etapa florentina cuando forma equipo con el arquitecto
Michelozzo. De su trabajo conjunto saldrá la forma definitiva de la tumba y el púlpito
renacentista:
Las tumbas responden a un esquema muy simple. Consisten en adosar a la

pared un arco de triunfo romano y superponer en su interior, de abajo arriba:
o el sarcófago sostenido por Virtudes.
o la inscripción que hace referencia a la fama del difunto.
o un tondo con la imagen de la Virgen.
La más importante es la tumba del Cardenal Rainaldo Branacci, en la iglesia de

Sant’Angelo a Nilo de Nápoles3.
La predicación pública que hacían los dominicos y franciscanos en las calles y

plazas aconsejó la construcción de púlpitos al aire libre.
2
Tribuna utilizada por los cantantes del coro.
3
Las piezas fueron construidas en Florencia y trasladadas en barco hasta esa ciudad del sur.

o En 1428, construyeron uno en la esquina sur de la catedral de Prato,
que debía servir para guardar la principal reliquia del templo, El
Cinturón de la Virgen. Presenta dos novedades principales:
 La plataforma está colgada de la pared, en vez de apoyarse en
una columna con base en el suelo.
 El antepecho se decora con niños danzantes. Son los típicos
putti, que a partir de ahora se convertirán en un adorno
frecuente.
En 1433, disuelta la sociedad con Michelozzo, Donatello esculpirá la Cantoría de la

Catedral de Florencia, destinada a albergar a los niños cantores.
A continuación, se centra en darle forma a algo nuevo: altares de piedra o bronce que
iban a sustituir al retablo de madera policromada típico del Gótico. El primero fue el
tabernáculo de la Capilla Cavalcanti, en la iglesia de la Santa Croce de Florencia, con el
tema de la Anunciación.
Todavía antes de marchar a Padua, realiza una de sus obras más conocidas: la estatua
en bronce de un David adolescente para el Palacio de los Medici. Es el primer desnudo
masculino del arte europeo.
2) Estancia en Padua (1443-1453)
Cuando Donatello llega a Padua tiene 58 años y es el escultor más famoso de Italia.
Durante la década que permanece en esta ciudad, realiza los espectaculares
bajorrelieves con los Milagros de San Antonio (altar mayor de la iglesia de San
Antonio).
También en Padua realiza una de sus obras más famosas, la estatua ecuestre de
Erasmo da Narni, más conocido como “el Gattamelatta”. El personaje es un capitán de
mercenarios que había defendido la República de Venecia contra Milán. Atendiendo a
sus deseos de ser enterrado en Padua, el gobierno de Venecia cede un aplaza y
encarga a Donatello una monumental estatua que le sirviera de sepultura. A partir del
modelo romano de la estatua de Marco Aurelio, Donatello la imagen de un militar
poderoso (caballo, armas, armadura) con un rostro sereno que trata de simbolizar el
ideal humanista de la época.
3) Última etapa en Florencia (1453-1468)
Cuando Donatello regresa a Florencia tiene ya más de sesenta y cinco años. En estos
años, y hasta su muerte, sufre una crisis religiosa anti-humanista parece que
promovida por su arzobispo, el fraile dominico San Antonino. Este señor, en un intento
de recuperar los valores del cristianismo primitivo, se paseaba por la ciudad vestido de

harapos y predicando a sus vecinos que abandonaran las costumbres licenciosas
relacionadas con las riquezas, el sexo y la buena vida. En uno de sus sermones, dijo,
respecto a María Magdalena: “Oh cuerpo, materia de corrupción, ¿qué tengo que
hacer contigo?”. Esta prédica fue visualizada por Donatello a través de su Magdalena
penitente, la imagen de una mujer demacrada y temblorosa que parece la negación de
la belleza. Es el comienzo de una serie de obras del mismo tipo que reflejan la angustia
vital de un artista y que anticipan parte de lo que va a ser la escultura del Cinquecento.
c. Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli.
Beato Angélico
Interesados por
la línea
Sandro Boticelli
Pintores italianos
del siglo XV
Masaccio
Interesados por
el volumen
Piero della
Francesca
BEATO ANGELICO o FRA ANGELICO (Florencia, 1400 – Roma, 1455)
Este fue el nombre con que conocieron sus contemporáneos a Giovanni da Fiesole
fraile dominico. La razón es que lo consideraban prácticamente un santo, cuya pintura
tenía inspiración divina.
Comenzó como iluminador de manuscritos. El dominio de esta técnica será

fundamental en su posterior dedicación a las pinturas sobre tabla y al fresco.
Las obras de Fra Angelico (otro de los nombres por los que es conocido) son herederas
del gótico. Si los historiadores lo incluyen dentro del Quattrocento es por el uso que
hizo de la arquitectura y de la perspectiva brunelleschiana.
En el retablo de La Anunciación (1430), utiliza colores brillantes y fondos dorados,

imágenes estilizadas y una luz especial que dota al cuadro de un ambiente primaveral.

En 1438, se produce un hecho fundamental en su vida. El Papa había concedido a los
dominicos el convento de San Marcos, en Florencia, y Angelico recibe el encargo de
decorar la sala capitular, el claustro y las celdas. Serán 50 frescos que dotarán al
convento de un mensaje de espiritualidad, con una técnica detallista y minuciosa.
Este conservadurismo pictórico, más cercano al gótico que a las nuevas tendencias
humanistas que se están poniendo de moda, puede deberse a la presión de la Iglesia y
de la aristocracia toscana.
MASACCIO (apodo de Tommaso di Giovanni) (Arezzo, 1401 – Roma, 1428)
Impresiona la precocidad de este artista, que solo vivió 27 años. Pero, pese a su corta
carrera, puede considerarse el fundador de la pintura moderna.
Técnicamente, es el primer pintor que construye con el color, preocupándose de los

volúmenes y de los efectos tridimensionales.
Sus primeras pinturas, los frescos de la Capilla Brancacci, en la iglesia florentina del
Carmine, son ya una obra maestra:
Felice Brancacci era un rico comerciante que quiso decorar su tumba con un
ciclo iconográfico dedicado a San Pedro.
El conjunto fue encargado a Masaccio y a Masolino de Panicale.
De la parte que correspondió a Masaccio, la más famosa es El Tributo de la
Moneda, que fragmenta en tres escenas yuxtapuestas:
o En el centro, Cristo es requerido por el recaudador de impuestos de

Cafarnaún para que pague el derecho de portazgo antes de entrar en la
ciudad.
o A la izquierda, se observa a San Pedro pescando un pez en el lago de
Genezaret; en las entrañas del pez, encontrará una moneda con que
poder pagar el tributo.
o A la derecha, Pedro entrega la moneda al recaudador.
Se puede observar que los personajes están tratados con la intención de

mostrar los rasgos psicológicos de cada uno. A nivel formal, se puede observar
una corporeidad de las figuras, que se inspira seguramente en las esculturas
que Donatello había realizado en los santos de Or San Michele.
Otro importante cuadro de Masaccio es La Trinidad, pintado para la iglesia de Santa

María Novella de Florencia:

Se puede observar en ella el conocimiento que el autor tenía de la perspectiva
de Brunelleschi.
Los tres grupos (el Padre Eterno, el Calvario y los donantes) se recortan sobre
un tabernáculo, cubierto por una bóveda acasetonada, crean en el espectador
una ilusión de profundidad.
Debajo de la pintura, hay una falsa mesa de altar con un esqueleto. En ella, se
puede leer la siguiente inscripción: “Yo fui antaño lo que sois vosotros, y lo que
soy ahora, lo seréis mañana”.
La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión
hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la
Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión
de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).
PIERO DELLA FRANCESCA (Arezzo, 1420-1492)
Se educa en Florencia, a pocos kilómetros de su ciudad natal, donde entabla amistad

con su paisano Giovanni Bacci. Su primera gran obra (1452-1460), precisamente, es la
decoración de la capilla familiar de los Bacci en la basílica de San Francisco, en Arezzo.
Desarrolla en ella la Historia de la Vera Cruz, en diez episodios extraídos de la Leyenda

Dorada:
La Leyenda de la Vera Cruz cuenta la historia de la madera que se usó en la

cruz de Cristo:
o Comienza en el momento en que los hijos de Adán colocan bajo su
lengua una ramita del Árbol de la Vida, proveniente del Paraíso
Terrenal, con cuya madera se haría luego la cruz en que Jesús fue
crucificado.
o Este árbol fue talado por Salomón y su tronco utilizado en la
construcción de un puente situado delante de su palacio.
o Reconocido por la reina de Saba en un viaje, no quiso pisarlo sino que lo
“adoró devotamente”.
o Las siguientes escenas relatan el recorrido de la madera después de la
resurrección de Cristo: Santa Elena descubrió la reliquia, los persas se la
arrebataron pero fue recuperada por el emperador Heraclio que, con
ella a cuestas y descalzo, la llevó a Jerusalén.
Las características de esta obra, recogidas con detalle en algunas de sus obras
teóricas, son:

o modelación de los hombres, los objetos y el paisaje a través de la luz y
el color.
o reducción de la naturaleza a figuras geométricas.
o uso de la perspectiva con rigor matemático.
Estos aspectos convierten a Piero della Francesca en un precursor de pintores

como Cézanne e, incluso, de los cubistas.
Della Francesca es también un importante pintor de retratos. Hizo cuadros de varios

príncipes y tiranos de los estados italianos: Segismundo Malatesta, de Rímini; Lionello
d’Este, en Ferrara; Federico de Montefeltro y Battista Sforza, en Urbino.
En Urbino, precisamente, redactará sus escritos sobre la perspectiva y entrará en

contacto con la pintura flamenca, cuya técnica de las veladuras utilizará en su Virgen
de Senigallia y en la famosísima Pala de Brera de Milán.
Moría en la madrugada del 11 al 12 de octubre de 1492, en el mismo momento en que

la expedición de Colón llegaba al Nuevo Mundo.
SANDRO BOTICELLI (Florencia, 1447-1510)
La producción pictórica de Botticelli puede dividirse en dos etapas bien diferenciadas:
a) Hasta 1492, es un pintor desarrolla una obras de tema mitológico y contenido

moralizante, muy influido por el círculo neoplatónico 4 de los Medici, que gobiernan la
ciudad.
Las obras principales de este periodo son tres: La Primavera, El nacimiento de
Venus y Palas domando al Centauro.
La Primavera es un horóscopo para celebrar las bodas de su propietario,

Lorenzo de Pierfrancesco, de la familia de los Medici:
o Con el fondo de un bosquecillo de naranjos y flores, Venus (diosa
protectora de la educación humanista) libera a las Gracias5, que bailan a
4
En la Italia del siglo XV (especialmente en la Florencia de los Medici), en el contexto intelectual
del humanismo renacentista, se recuperó la tradición del platonismo, frente al aristotelismo de la Baja
Edad Media y comienzos de la Edad Moderna. Las figuras más destacada de la Academia platónica
florentina fundada entonces fueron Marsilio Ficino y su discípulo Giovanni Pico della Mirandola.
5
Diosas latinas de la juventud, el esplendor y el placer. Son tres hermanas, hijas de Zeus, llamadas
Viriditas, Splendor y Laetitia Uberrima. Se las representa jóvenes y bellas, desnudas y cogidas por los
hombros formando un coro. Los griegos las llamaron Carites.

su derecha junto a Mercurio, y a Flora, que es producto de la unión
carnal entre el viento Céfiro y la ninfa Cloris.
o Lo que Botticelli ha representado en este cuadro es la doble naturaleza

del amor: la gracia de las artes liberales y los vientos de la pasión en un
paisaje de ensueño; o, si se prefiere, la novia casta y sensual que
siempre hará feliz al esposo.
El nacimiento de Venus:
o A la derecha, Céfiro abraza a la inocente ninfa Cloris.
o De su unión, nace Flora, que ofrece una túnica a Venus.
o Según la mitología clásica, Venus nació de los testículos de Urano al
contacto con el mar, cuando fue castrado por Cronos. Ficino, un filósofo
neoplatónico de la época, interpretó el mito como el nacimiento de la
Belleza en la mente del hombre a través de la fertilización de la
divinidad.
Palas domando al Centauro:

o Se repite el modelo femenino de postura agraciada y bucles. Esta vez,
Palas Atenea representa la Sabiduría al haber nacido de la cabeza de
Júpiter (Zeus).
o Los anillos que decoran su vestido son el emblema de Lorenzo “el
Magnífico”. La obra se convierte así en una alegoría del conocimiento
político de Lorenzo Medici y de su buen gobierno sobre la ciudad de
Florencia.
b) La irrupción de Savonarola en la escena política y religiosa de Florencia iba a influir

de manera decisiva en el cambio que dio la obra de Botticelli.
Savonarola fue un fraile dominico que predicó contra el lujo y la opulencia que reinaba
en Florencia. Se enfrentó a los neoplatónicos a los que reprochó “la tontería de querer
comparar a Jesús con Pitágoras, con Platón, con Aristóteles o con cualquier otro
filósofo”. Y a los pintores y coleccionistas de cuadros, a los que acusa de de
escandalizar al pueblo (“Mostráis a la Virgen vestida como una alcahueta”, les dice). En
el momento de máxima influencia, llegó a convertir el carnaval en una fiesta
penitencial, donde los flagelantes sustituyeron a los coro; en 1497, montó una hoguera
piramidal de siete pisos, por los siete pecados capitales, en la que se queman cuadros
“impúdicos”. Los cuadros más representativos de este periodo son Los milagros de San
Cenobio y La natividad mística.

El arte de Botticelli, que se convierte en seguidor del fraile, se vuelve dramático. Sus
últimas obras están dotadas de un fuerte sentido religioso.
3. El Cinquecento y la crisis del Manierismo en Italia.
INTRODUCCIÓN
A partir de comienzos del siglo XVI, Roma sustituirá a Florencia como capital del arte y
la cultura. Da comienzo lo que se conoce como “renacimiento clásico”. Es de la época
de los grandes genios, como Leonardo o Miguel Ángel, pero también la época de la
aparición del capitalismo, del fortalecimiento de las monarquías, de las reformas
religiosas y de los descubrimientos geográficos.
En 1503, alcanza el papado Julio II. Sin duda, el nombre que eligió recordaba a los
césares romanos y manifestaba su intención de colocar a Roma como Caput Mundi.
Fue un papa militar, amante de la guerra y partidario de la expansión de los Estados
Pontificios 6. A pesar de esto, fue un gran mecenas de las artes. Inició la construcción de
San Pedro del Vaticano, mandó decorar la Capilla Sixtina y alentó las excavaciones
arqueológicas comprando las estatuas que iban apareciendo.
León X, sucesor de Julio II, patrocinó otro tipo de hallazgos. Al descubrir la Domus
Aurea de Nerón se encontraron numerosas galerías enterradas, cuyos pasillos reciben
el nombre de grutas, y grutescos el de sus pinturas. Aunque tenían una temática
caprichosa y monstruosa, Rafael Sanzio las tomó como inspiración para decorar las
loggias vaticanas (1519). Los discípulos de Rafael grabaron estampas con estos
motivos y las difundieron por toda Europa.
Esta situación de Roma como centro de la creación artística acaba en 1527. Ese año,
las tropas del Sacro Imperio Germánico saquean la ciudad. Además, el creciente
domino español en Italia y los avances de la Reforma protestante crean dudas entre
los artistas. Muchos de ellos caen la imitación de los grandes maestros (Leonardo,
Rafael y Miguel Ángel) de una forma exagerada: copian su maniera pero la deforman y
la vacían de contenido; es a esto a lo que se ha llamado Manierismo.
a. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio.
DONATO BRAMANTE (1444-1514)
Sus comienzos se producen trabajando en las cortes de Federico de Montefeltro

(Urbino) y de Ludovico Sforza (Milán). Los conocimientos adquiridos los completa en
6
Se dice que cuando Miguel Ángel le consultó si debía representarlo leyendo un libro en la estatua que
se le iba a erigir en Bolonia, le contestó: “Ponme una espada, que yo no entiendo de letras”.

Roma con el estudio de las ruinas de la época clásica. Genera, de esta forma, un estilo
solemne y austero, diríamos que dórico, sin ninguna concesión ornamental.
Su primer trabajo en Roma es para los Reyes Católicos. Estos, en agradecimiento por la
toma de Granada, deciden consagrar una iglesia a San Pedro en el lugar en que la
tradición decía que había sido crucificado. San Pietro in Montorio, que así se llama el
templo, es un templete con 16 columnas dóricas (1502) que pronto se convertirá en
símbolo del renacido estilo clásico.
En 1503, tras la elección de Julio II como Papa, Bramante es nombrado “arquitecto e

ingeniero general de todos los edificios pontificios”. Este cargo le llevará a la
ampliación del Palacio Vaticano y al diseño de un nuevo templo de San Pedro.
El Palacio de los Papas
El proyecto consistía en unir la residencia de invierno con el palacio de Belvedere,

usado como pabellón de verano, separados por más de 300 metros en declive.
La obra, inspirada en las villas romanas, constaba de los siguientes elementos:
Un patio inferior previsto como escenario de torneos.

Dos jardines superiores, a los que se accede por escaleras monumentales,
decorados con las estatuas que se iban encontrando (entre ellas, el Laoconte).
Un cerramiento de las alas del rectángulo con galerías de tres pisos, basadas en
la ordenación del Coliseo.
Una exedra o nicho en el frente principal.
El acondicionamiento de este espacio convirtió a Bramante en un maestro de la

perspectiva arquitectónica.
La Basílica de San Pedro del Vaticano
Fue Julio II el que concibió la idea de demoler la basílica paleocristiana de San Pedro y
sustituirla por otra más grandiosa, acorde con los nuevos tiempos.
Bramante diseña un edificio de planta central, con forma de cruz griega inscrita en un
cuadro de ábsides salientes. Las cubiertas serían cúpulas; el empuje de la situada sobre
el crucero sería contrarrestado con otras cuatro más pequeñas situadas sobre las
capillas de los ángulos.
Pero a su muerte sólo se habían levantado los gigantescos pilares maestros. En los
años sucesivos, los planos de Bramante sufrirían numerosas innovaciones. Una idea
aproximada de cómo sería su interior nos la ofrece Rafael en La Escuela de Atenas,
donde Bramante hace mediciones con un compás.

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)
La obra arquitectónica de Miguel Ángel se desarrolla en Florencia y en Roma.
En 1520, el Papa León X le encarga la Sacristía Nueva de la Basílica de San Lorenzo, en

Florencia. La intención era doble: que hiciera juego con la Sacristía Vieja que había
construido Brunelleschi y que sirviera de panteón a cuatro miembros de la familia
Medici, entre ellos Lorenzo “el Magnífico”. La prematura muerte de León X hizo que
las obras se dilatasen en el tiempo y que las tumbas se redujeran a dos. Miguel Ángel
sigue en esta obra el esquema de Brunelleschi pero le añade tensión nerviosa a través
de la utilización de frontones curvos y ventanas ciegas, elementos que se convertirían
en característicos de su arquitectura.
En este mismo edificio, realiza la Biblioteca Laurenciana. Consta de sala de lectura y

vestíbulo. En este último, los soportes no sostienen, dado que las columnas, en vez de
sobresalir, se disimulan; las escaleras unen sus tres tramos por razones estrictamente
decorativas.
En Roma, las intervenciones arquitectónicas de Miguel Ángel serán tres:
La Porta Pia.
Las reforma urbanística de la Plaza del Capitolio.
Cúpula de San Pedro del Vaticano.
ANDREA PIETRO DELLA GONDOLA, PALLADIO7 (1508-1580)
Su máxima preocupación fue adaptar las formas clásicas a las necesidades modernas.
Lo conseguirá, tanto en las obras religiosas (iglesias) como civiles (basílicas, villas y
teatros.
En 1549, recibe el encargo de revestir de piedra la Basílica o Palacio de la Razón de

Vicenza, un edificio gótico de planta trapezoidal. Su intervención fue magistral. Diseña
una fachada con dos plantas (dórica, la primera; jónica la segunda) y una repetición del
llamado “tramo rítmico palladiano”, compuesto por marcos arquitrabados con
columnas gigantes y, en su interior, arcos de medio punto sostenidos por columnas
más pequeñas.
Quizás las construcciones más famosas de Palladio fueron las villas que construyó en
Vicenza, Verona y Venecia. Las hay de dos tipos:
7
El palladio era la imagen de Palas Atenea que se veneraba en Troya y que, tras la destrucción de esta
ciudad, fue llevada a Roma por Eneas. Este arquitecto recibió el sobrenombre de Palladio en alusión a la
sabiduría grecorromana que aportaba a sus obras.

a) Las que servían de segunda residencia a las clases acomodadas. Un buen
ejemplo es la célebre Rotonda. Consta de un salón central, cubierto con cúpula,
y cuatro pórticos con frontón, que actúan como galerías desde las que se puede
disfrutar del paisaje.
b) Las construcciones para uso agrícola. Por ejemplo, Villa Barbaro. Tiene un
cuerpo central para viviendas y dos alas para almacenes, establos, bodegas y
graneros.
Durante un tiempo, construyó teatros de madera que tuvieron notable éxito. Esto
llevó a que las autoridades de Vicenza le solicitasen uno definitivo (el llamado Teatro
Olímpico). Palladio construyó una estructura semielíptica cerrada por un escenario con
decoración en perspectiva, que muestra las calles de Tebas, tal como se concibió en
origen para representar Edipo Rey.
Sus obras religiosas, concentradas en Venecia, tienen todas dos características: plantas
de cruz latina y fachadas con dos frontones. La más importante es el monasterio de
San Giorgio Maggiore.
Ya viejo, en 1570, publicó I Quattro Libri dell’Architettura: cuatro volúmenes que

tendrán una gran difusión en Europa y se convertirán en referentes para los
arquitectos y estudiosos por la claridad de sus textos y dibujos.
b. Escultura: Miguel Ángel.
Miguel Ángel fue un artista muy valorado por sus contemporáneos. Baste decir que se
le dedicaron tres biografías en vida. Fue arquitecto, urbanista, poeta y pintor, pero él
se consideraba, sobre todo, escultor.
Sus años de formación los pasa en el palacio de los Medici en Florencia, donde estudia
las estatuas clásicas que ha ido coleccionando Lorenzo “el Magnífico”. De este periodo,
es el relieve de la Virgen de la Escalera, influido por la técnica del schiacciato de
Brunelleschi.
Tras la caída de Savonarola, al que apoyó, se establece en Roma. Su primera obra en su

nuevo destino es un Baco que ha sido definido como una combinación entre “la
esbeltez de la juventud masculina y la carnosidad y redondez de la femenina”.
Poco después, el banquero Jacopo Balli, que había comprado la estatua de Baco, le
consigue un encargo para el embajador francés ante la Santa Sede: una Piedad para su
tumba:

Terminada en 1499, pronto se convierte en prototipo de imagen devota para el
arte cristiano.
Es el único trabajo firmado por Miguel Ángel, lo que puede dar idea de lo
contento que quedó con el resultado.
Presenta a una María joven y bella. Según Vasari, símbolo de la pureza no
corrompida por el pecado.
La desproporción entre el pequeño cuerpo de Cristo y el de su madre responde
a la composición piramidal que el artista quiso dar al grupo.
En 1501, Miguel Ángel recibe de sus paisanos florentinos el encargo de esculpir un

David sobre un bloque de mármol de Carrara de más de cuatro metros. Era un bloque
tan grande que nadie se había atrevido con él. Tres años después, “el Gigante” –como
lo llama la gente- se coloca en la Plaza de la Señoría:
Representa al joven pastor judío con la honda sobre el hombro.

Está inspirado en las estatuas clásicas y muestra los extensos conocimientos
sobre anatomía de M. Ángel.
Marca el momento de transición entre el estilo “dulce” y el “terrible” que
comienza a partir del sepulcro de Julio II.
Terminado el David, Miguel Ángel proyecta un sepulcro grandioso para el Papa Julio II.
Constaba de tres pisos, distribuidos en una estructura piramidal:
En la base, Victorias flanqueadas por esclavos8.

La planta intermedia contenía relieves con las hazañas del Papa y cuatro
grandes imágenes en las esquinas: Moisés, San Pablo, la Vida Activa y la Vida
Contemplativa.
En lo más alto, Julio II aparecía sentado en una silla sostenida por dos ángeles,
uno sonriendo (alegre de que el Papa esté en el cielo) y otro llorando (triste
porque un hombre semejante haya abandonado el mundo).
El proyecto, que trataba de armonizar la fama temporal con la salvación eterna del
alma del Papa, tuvo enormes dificultades para ser ejecutado, sobre todo por la
oposición de Bramante, que trató de convencer a Julio II de la inconveniencia de
construir un sepulcro en vida.
El resultado final fue el siguiente:
De las 47 estatuas previstas solo se realizaron ocho:

o los dos Esclavos del Louvre
8
Estas figuras han sido explicadas de diversas maneras. Para Vasari, personificaban “las provincias
subyugadas por su Santidad y llevadas a la obediencia de la Iglesia Católica”; para Condivi (discípulo y
biógrafo de Miguel Ángel) aludían a las artes liberales.

o los cuatro de la Academia de Florencia
o la Victoria del Palazzo Vecchio
o el Moisés, la única que se conserva en el mausoleo
A pesar de ello, quedan de manifiesto dos aspectos importantes del arte

escultórico de Miguel Ángel:
o la potencia gramática de sus obras (terribilitá)
o el inacabado (non finito)
A partir de 1550, Miguel Ángel ya solo se dedica a realizar variaciones sobre la Piedad,
un tema iconográfico que le ha conmovido desde la juventud. Por orden cronológico,
son las siguientes:
La de la Catedral de Florencia;
o Debía formar parte de su propio sepulcro
o El autor se retrata en la figura de Nicodemo9 con el rostro deformado
por un puñetazo que le propinó Torrigiano cuando eran jóvenes.
o Cuando esculpía las piernas del Cristo, el mármol se quebró. Miguel
Ángel abandonó la obra, que fue terminada por su discípulo Tiberio
Calcagni.
La Piedad Palestrina (Galería de la Academia, Florencia)
La Piedad Rondanini (Milán).
c. Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.
LEONARDO DA VINCI (1452-1519)
Leonardo es, sobre todo, un científico que aporta a la pintura su espíritu investigador.
Su principal aportación técnica es el sfumato (difuminado), consistente en sombrear
las figuras en el espacio a través del claroscuro.
De joven, realizó su aprendizaje en el taller del pintor Verrocchio, donde mostró muy
pronto sus aptitudes. Dice Vasari que el maestro abandonó la pintura al comprobar
que era superado por su discípulo. Verrocchio estaba pintando un cuadro sobre el
Bautismo de Cristo y quedó impresionado por el ángel sosteniendo una tela que había
pintado Leonardo.
9
Personaje que aparece en el Evangelio de San Juan y que representa al judío sabio que reconoce en
Jesús al Mesías y se hace su discípulo.

En 1482, Leonardo marcha a Milán, donde Ludovico Sforza lo contrata como ingeniero
militar, arquitecto, escultor y pintor. Su primera obra terminada es La Virgen de las
Rocas, donde quedan definidas dos de las características de su pintura: el sfumato y la
composición piramidal.
Su gran obra en Milán será La Última Cena, pintada en 1482 para decorar el refectorio
del convento de Santa María delle Grazie:
Como la técnica del fresco no le interesaba porque le obligaba a pintar muy

deprisa desatendiendo los detalles, trató de inventar un sistema que le
permitiera pintar al temple sobre la pared. El resultado fue un fracaso: la
magnífica pintura que vieron sus contemporáneos está hoy casi desvanecida.
Como necesitaba mucho espacio para representar las trece figuras, Leonardo
amplía ópticamente el muro central creando una habitación fingida.
Siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, dirige las líneas de fuga hacia las
tres ventanas situadas a la espalda de Cristo, que, por otra parte, dan luz
natural al espacio.
La escena recoge el momento exacto en que Cristo anuncia que uno de sus
discípulos lo traicionará. Esto le permite, agrupando a los apóstoles de tres en
tres, mostrar las diversas actitudes respecto al anuncio. El único que no se
sorprende del anuncio es Judas, que estruja con inquietud la bolsa de monedas.
En 1501, regresa a Florencia. Es ya un pintor consagrado. Pinta el lienzo Santa Ana, la

Virgen y el Niño que ya desde que es presentado el cartón preparatorio recibe
numerosas visitas.
Poco después, realiza el fresco de la Batalla de Anghiari, que representa una carga de
la caballería florentina contra los milaneses. El cuadro está perdido, aunque algunos
suponen que permanece bajo otro pintado posteriormente.
Entre 1503 y 1506, pinta Leonardo el que quizás sea el cuadro más importante de la
pintura universal, el busto de Monna Lisa:
Llamada “Gioconda” por estar casada con Francesco Giocondo.

Se trata de un busto de mujer con fondo de paisaje con atmósfera vaporosa.
La silueta está difuminada y el rostro ofrece una expresión enigmática.
Leonardo debió quedar muy satisfecho de su obra porque la llevó a Francia
cuando viajó para trabajar en las fortificaciones de Francisco I, donde murió.

RAFAEL SANZIO (1483-1520)
Rafael lo tuvo todo para ser admirado por sus contemporáneos: un físico atractivo, un
carácter afable y un arte amable. Además, murió con 37 años, en su plenitud personal
y artística.
Su vida se desarrolla en cuatro etapas:
a) En Perugia estudia con el maestro local Pietro Perugino, de que adquiere la

afición por los tonos claros, las posturas elegantes y los paisajes idílicos.
b) En Urbino, profundiza en el aprendizaje de la perspectiva, muy de moda desde
que había trabajado allí Piero della Francesca.
c) En Florencia, toma de Leonardo el sfumato y la composición piramidal. Pinta
una serie de madonas, que lo llevan al éxito inmediato. Quizás la más famosa
sea la Virgen del jilguero.
De esta etapa florentina es también el cuadro titulado Los desposorios de la
Virgen: sobre el fondo de un templete clásico, se desarrolla una ordenada
escena sacada del Nuevo Testamento.
d) La vida de Leonardo cambia cuando, en 1508, Julio II lo llama a Roma para que
decore cuatro habitaciones, que han pasado a la historia con el nombre de
Estancias Vaticanas:
a. Cámara de la Signatura o Estancia del Sello. Es la única que Rafael pintó
personalmente. Era la sede del Tribunal pontificio del Sello y servía de
biblioteca personal al Papa. En sus cuatro paredes, se representa un
programa humanístico con alusiones a la Jurisprudencia, la Poesía, la
Teología y la Filosofía:
 La alegoría dedicada a la Teología lleva el nombre de La disputa
del Sacramento.
 La dedicada a la Filosofía, con el título de La Escuela de Atenas,
es un canto a la filosofía clásica. En ella, Platón indica el cielo,
mientras Aristóteles señala la tierra.
b. Cámara de Heliodoro
c. Cámara del Incendio del Borgo
d. Cámara de Constantino.
Fuera del Vaticano, decoró la llamada villa Farnesina con temas mitológicos. El
fresco más importante es El triunfo de Galatea, una amable escena en la que la
protagonista navega sobre un carro tirado por dos delfines.

Importante también es su conjunto de retratos, entre los que destacan los de
los papas Julio II y León X, el su novia, “La fornarina”, y el del escritor Baltasar
de Castiglione.
Su última obra son diez cartones para tapices con los Hechos de los Apóstoles,
tejidos en Bruselas y destinados a la capilla de León X. Muestran, como el resto
de su obra, la perfección de una sociedad en equilibrio, unos valores que siete
años después de que muriera el artista serían puestos en cuestión por el
saqueo de Roma.
MIGUEL ÁNGEL
Su primera obra relevante data de 1504 y fue un encargo del fabricante de paños
Agnolo Doni (El tondo de Doni). En él se aprecia a la Virgen tendiendo el Niño a San
José en un escorzo exagerado, con un fondo de cuerpos desnudos.
Las mismas formas se pueden observar en el cartón de La Batalla de Cáscina, que

debía servir para decorar al fresco una de las paredes del Salón de plenos del Palacio
Público:
Cáscina es un episodio militar en el que los florentinos habían vencido a los

pisanos.
Miguel Ángel llenó la escena de hombres desnudos que, mientras se bañan en
el río Arno, reciben el ataque de los enemigos.
El fresco no se llegó a pintar pero sirvió de inspiración a numerosos artistas
durante todo el siglo XVI.
El dominio de la representación del cuerpo humano le venía a M. Ángel de sus
estancias en un hospital “descuartizando cadáveres”.
Entre 1508 y 1512, Miguel Ángel realiza la que será su obra maestra como pintor: la
decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina:
En la parte baja del techo pintó a los antepasados de Cristo.

Sobre ellos, pintó alternados a los profetas y a las sibilas, con Jonás sobre el
altar y Zacarías en el otro extremo.
En la parte central, Miguel Ángel pintó nueve escenas del Génesis.
Originalmente sólo se le encargaron doce figuras, los doce apóstoles. Rechazó
el trabajo porque él se consideraba escultor, no pintor. El Papa le dio permiso
para pintar las escenas y figuras bíblicas que él eligiera como compensación.
Cuando el trabajo estuvo terminado, había pintado más de 300 figuras, que
mostraban la Creación, Adán y Eva en el Jardín del Edén y el Diluvio Universal.

Vasari escribiría sobre ella un encendido elogio: “Esta obra ha hecho tanto bien y
ha dado tanta luz al arte de la pintura, que ha bastado para iluminar su mundo,
envuelto en las tinieblas durante tantos centenares de años”.
Pero el trabajo de M. Ángel en la Capilla Sixtina no había terminado. Entre 1535 y

1541 pintará, en el Altar Mayor, un Juicio Final que se ha convertido en una de las
más hermosas obras del genio humano:
Cristo, en actitud de juez justo, divide la composición en dos mitades: a la

derecha, los elegidos suben al cielo sostenidos por los ángeles; a la
izquierda, los pecadores se dirigen al infierno, donde los aguarda Caronte
con su barca.
Todavía tendrá tiempo Miguel Ángel de atender la petición del Papa Paulo III para que
decore la Capilla Paolina. Serán dos grandes obras murales: la Conversión de San
Pablo y el Martirio de San Pedro.
d. La escuela veneciana: Tiziano
La escuela veneciana de pintura se caracteriza, sobre todo, por el uso del color. El
maestro indiscutible de esta escuela será TIZIANO VECELLIO (1490-1576).
Su formación la hace con Giorgione, un pintor modesto pero que es el primero que
funde las figuras en el paisaje mediante el color. En 1508, discípulo y maestro decoran
al fresco el Fondaco dei Tedeschi, centro comercial de los alemanes residentes en
Venecia.
En 1516, es nombrado pintor oficial de la República. Por estas mismas fechas, pinta su
primera obra maestra, la Asunción de la Virgen, para el altar mayor del convento de
Santa María Gloriosa dei Frari:
Las imágenes son de tamaño colosal pero de formas clásicas.

La composición está dividida en tres pisos.
María, en el centro, aparece envuelta en una nube dorada.
Para la misma iglesia, pintaría más tarde el Retablo Pesaro, en que rompe con la
simetría frontal e impone un punto de vista lateral.
Importante fue también para Tiziano la colaboración con la monarquía española, que
le llevaría a ser nombrado “pintor de corte” en 1533. En 1529, pintó el Carlos V
vencedor en Mühlberg, en el que representa al emperador a caballo y en actitud
triunfante. En la misma línea pintó una serie de cuadros dedicados a Felipe II.

Muy lejos del convencionalismo formal de los cuadros anteriores está Paulo III y sus
sobrinos. Los tres personajes reflejan posturas naturalistas: el Papa, su afán de poder;
Octavio, el servilismo hacia su tío; y Alejandro, la contención y el disimulo.
Otra línea interesante de la pintura de Tiziano son los temas mitológicos realizados
para la nobleza. Destacan Venus, Diana y Dánae10, todas con fuerte carga erótica.
En sus últimos años, desarrolla un estilo de trazo nervioso que anticipa la técnica
impresionista pero que conserva su notable gusto por el color.
Otros pintores importantes de la escuela veneciana son:
Tintoretto, del que podemos destacar las siguientes obras: San Marcos
liberando al esclavo, El Lavatorio, Venus, Vulcano y Marte, Cristo en casa de
Marta y María y La Última Cena.
Paolo Veronese: Las bodas de Caná, Venus y Adonis, y Alegoría de la Virtud y

el Vicio.
10
A propósito de este cuadro, cuenta Vasari una interesante anécdota: “Un día que Miguel Ángel y
Vasari fueron a visitar a Tiziano en el Belvedere, vieron en su taller un cuadro que acababa de terminar y
representaba a una Dánae desnuda, con Júpiter en su regazo, transformado en lluvia de oro. Lo
alabaron mucho (como se debe hacer en presencia del artista). Pero cuando dejaron a Tiziano,
comentando su obra, Buonarroti la elogió bastante, diciendo que le gustaban mucho su colorido y su
factura, pero que era pecado que en Venecia no se aprendiera desde el principio a dibujar bien y que los
pintores de allá no siguiesen mejor método en el estudio”.

4. El Renacimiento en España.
A partir de comienzos del siglo XVI, las formas renacentistas comienzan a introducirse
en España. Los medios son los siguientes:
los artistas italianos que vienen a trabajar a la P. Ibérica.

la educación de artistas españoles en Florencia, Roma y Nápoles.
la importación de fuentes, sepulcros y portadas.
la llegada de libros y estampas grabadas que muestran los monumentos de la
antigua Roma.
a. Arquitectura: del plateresco al Escorial.
La arquitectura renacentista española pasa por tres etapas, que se diferencian, sobre
todo, por la mayor o menor cantidad de decoración: plateresca, romanista y purista.
PLATERESCO
El nombre se lo da el parecido entre la decoración de sus edificios con el trabajo de los

orfebres. Estamos, por tanto, ante un estilo que enlaza con el gusto por los excesos
decorativos de los edificios mudéjares y del gótico del tiempo de los Reyes Católicos.
Se caracteriza por colocar gruesos paneles con grutescos11 en los muros. Los ejemplos
más significativos son la portada de la Universidad de Salamanca y el Ayuntamiento
de Sevilla.
ROMANISMO
Poco a poco, los edificios van respetando las proporciones clásicas. Por otra parte, los
grutescos se cristianizan: incluso en los contratos se establece que no se utilizarán
“figuras monstruosas” sino “obras honestas y de buena gracia y perfección”.
El introductor de esta corriente será Diego de Siloé, que había trabajado en Nápoles.
En 1528, se traslada a Granada para terminar la iglesia de San Jerónimo, que albergaba
los restos del Gran Capitán. A los pocos meses, lo encargan de las obras de la Catedral:
Se trata de un edificio revolucionario en el panorama arquitectónico español,

del que los expertos han encontrado antecedentes en la iglesia de la Natividad
de Belén y en San Lorenzo de Milán.
11
Elementos decorativos a base de seres fantásticos, vegetales y animales, enlazados y combinados
formando un todo.

Sus principales características son:
o Cinco naves y una rotonda con deambulatorio en la cabecera.

o Cabecera gigantesca con un martyrium12, que se instaló por dos
razones: servir de panteón a Carlos V y halagar al Cabildo 13.
o Los soportes de las naves presentan una particularidad (usada luego por
el arquitecto en Guadix): encima de un notable primer tramo, había un
entablamento y, más arriba, otro pilar menor para elevar la altura total
del edificio.
PURISMO
Consiste en aplicar los planteamientos arquitectónicos clásico pero sin añadir adornos.
Los edificios más representativos de este estilo son el Palacio de Carlos V (Granada) y
el monasterio de San Lorenzo el Real (El Escorial, Madrid).
El Palacio de Carlos V
Su construcción fue decidida por el propio emperador cuando visitó la Alhambra en

1526.
Pedro Machuca diseñó un edificio muy sobrio. Cuadrado, de dos pisos y con un patio
circular en el centro:
El primer piso, dórico, está cubierto por una bóveda anular.

El segundo, jónico, queda separado del patio por una sólida barandilla.
En 1550, muere Pedro Machuca sin que el edificio esté terminado. Sus sucesores
(primero, su hijo Luis) continuaron la obra gracias a la maqueta que el maestro había
construido.
El monasterio de San Lorenzo el Real
Si el palacio situado en la Alhambra fue la gran obra arquitectónica de Carlos I, El

Escorial será la de su hijo y sucesor en el trono, Felipe II.
Considerado por sus contemporáneos “la octava maravilla del mundo”, el monasterio
situado en la sierra madrileña resume las ideas religiosas y artísticas de su constructor.
12
Templete de planta central donde se veneran la memoria y los restos de un mártir.
13
Granada había permanecido ocho siglos en manos de los musulmanes pero había una tradición que la
identificaba como Iliberis, donde San Cecilio, discípulo de Santiago, habría fundado la primera diócesis
de la P. Ibérica. La recuperación de la ciudad debió influir para que los canónigos intentaran recuperar
modelos paleocristianos. Solo así se comprende que Siloé decidiera prescindir del retablo mayor y
sustituirlo por un altar donde estuviese permanentemente expuesto el Santísimo. Era una forma de
redimir a la ciudad de su pasado musulmán.

Felipe II (rey entre 1556 y 1598) luchó durante toda su vida en defensa del catolicismo,
contra los turcos musulmanes y contra los protestantes. Y consideró, como uno de los
frentes de esa lucha, que debía construir el edificio cristiano perfecto que sirviera de
palacio, panteón y convento.
El estilo que mejor se adecuaba a esta idea el que había creado Bramante en Italia, un
estilo rígido desde el punto de vista geométrico y desprovisto de adornos.
Las obras se prolongaron durante más de veinte años, entre 1563 y 1584 y el sitio
elegido para su emplazamiento fue la Sierra de Guadarrama, un lugar de clima
saludable, lejos y cerca de la corte, con agua, madera y piedra en los alrededores.
El diseño del conjunto fue encargado a Juan Bautista de Toledo, que había colaborado
con Miguel Ángel en la Basílica del Vaticano. Pero su temprana muerte hizo que el
grueso de la obra fuera realizado por Juan de Herrera, que modificó notablemente el
proyecto inicial.
El plano definitivo tiene la forma de una parrilla, en recuerdo del instrumento que se
usó para martirizar a San Lorenzo, en cuya festividad, 10 de agosto de 1557, las tropas
mandadas por Felipe II vencieron a las francesas en San Quintín:
Todas las dependencias se agrupan en torno a dos patios, actuando la basílica

como eje de simetría.
Las habitaciones privadas del rey rodean el presbiterio para que el rey pudiera
oír la misa sin salir de ellas.
El panteón real fue situado bajo el altar mayor.
En lo que sería el mango de la parrilla, se colocó el Salón del Trono.
Desde el punto de vista formal, el edificio es una combinación matemática de

volúmenes geométricos. La decoración se limita a pirámides rematadas por bolas.
El culto y las oraciones por los reyes difuntos se encargaron a los monjes jerónimos,
que pasaban un mínimo de ocho horas rezando en el coro.
b. Escultura: los primeros imagineros, Berruguete y Juni.
LOS PRIMEROS IMAGINEROS
En el siglo, la Reforma protestante llevó a que la Iglesia Católica contraatacara con la

llamada Contrarreforma. El Concilio de Trento adopta una serie de medidas para
fortalecer el catolicismo, entre ellas fortalecer todos los mecanismos que pudieran
favorecer la fe del pueblo. En el siglo XVI, algunos escritores católicos consideran que

los escultores debían ser como los predicadores en el púlpito; su tarea debía servir
paran que los creyentes se mantuvieran en el camino correcto. Los imagineros debían,
por tanto, dar más importancia al “alma” de las figuras que al cuerpo. Nace de esta
manera una escultura expresionista al servicio de la fe católica.
Los principales representantes de la imaginería española del siglo XVI serán Alonso
Berruguete y Juan de Juni. Aunque con formas distintas, ambos realizan piezas
desgarradas y doloridas, presentadas en violentas contorsiones e inestables posturas.
Esculpen retablos, pasos para procesiones, sillería de coro y sepulcros. Dominan el
barro, la piedra y el mármol, pero sacan especial partido a la madera, pulida, pintada y
con fondos de oro.
ALONSO BERRUGUETE (1489-1561)
Ya en su tiempo, gozó del reconocimiento de clientes y pueblo. Hijo del pintor Pedro
Berruguete, pasó un tiempo en Roma y Florencia, donde conoce a Bramante y Miguel
Ángel, cuyas recomendaciones le permiten realizar copias de diversas obras.
Sus comienzos fueron como pintor. En 1518 ya se encuentra en España, donde ha

obtenido el título de “pintor del rey” Carlos V. Poco después, realiza en Zaragoza el
retablo pictórico de la capilla funeraria del Canciller de Aragón. En los años siguientes,
recibe otros encargos, como las telas del barco que conducirá al rey a Flandes o la
Sacristía de la Capilla Real de Granada.
Pero sus trabajos como pintor son un fracaso. Se refugia en Valladolid, donde
comenzará su exitosa carrera de escultor de imágenes religiosas.
Desde 1523, recibe numerosos encargos, tantos que se ve obligado a crear un taller
que dé salida a los pedidos. Berruguete se convierte en un empresario que diseña los
proyectos y deja que sus discípulos las terminen. Esto explicaría las incorrecciones de
algunas de sus tallas.
De este taller vallisoletano saldrán cuatro retablos platerescos de enorme valor:
El del monasterio de La Mejorada en Olmedo (Valladolid)

El de San Benito el Real (Valladolid), que contiene obras tan emblemáticas de
Berruguete como El sacrificio de Isaac, San Sebastián, San Cristóbal y San
Jerónimo.
El del Colegio de los Irlandeses, en Salamanca.
El de la parroquia de Santiago, en Valladolid.
Todos estos conjuntos albergan una colección de figuras crispadas, descarnadas y

alargadas, obedientes a la proporción “quíntupla” (diez cabezas). Son imágenes
herencia de Donatello y su mundo florentino.

El éxito le lleva a que el Cardenal Tavera le encargue la mitad 14 de la sillería de la
Catedral de Toledo: 35 sitiales en nogal con figuras del Antiguo Testamento. Más tarde
recibe el encargo de rematar la silla episcopal que había iniciado Bigarny. Lo hará con
el grupo de la Transfiguración.
Dos obras más dejará en Toledo:
El retablo de la Visitación para el Monasterio de Santa Úrsula.

El Sepulcro del Cardenal Tavera, en el Hospital de San Juan Bautista
Antes de morir, en 1561, nombraría a Juan de Juni como su sucesor.
JUAN DE JUNI (1507-1577)
Se pueden señalar a Juan de Juni tres influencias:
De Borgoña (Francia), su región de origen, toma el dinamismo de los paños,

usado por los escultores locales para cubrir sus pesadas figuras; y la
composición iconográfica que le hizo célebre, el Entierro de Cristo.
En Italia aprende a redondear los perfiles de las telas y admira el clasicismo de
Miguel Ángel.
En España, se acomoda a la fuerte religiosidad imperante.
A partir de 1541, se instala en Valladolid. El motivo es esculpir el Entierro de Cristo que

le han encargado para la capilla funeraria de obispo Fray Antonio de Vergara en el
monasterio de San Francisco:
Juni representa un drama teatral: la Virgen, San Juan, las Marías y los Santos
Varones embalsaman a Jesús, que yace tendido.
Todos los personajes están diseñados para provocar la pena del espectador.
El objetivo de implicar al espectador se completa con la imagen de José de
Arimatea, que ofrece una espina de Cristo a alguien que se acerca.
Juni extenderá después su obra al campo del retablo. Destacan tres:
El de la parroquia de Santa María de la Antigua (Valladolid), con un

desbordado dramatismo del que es buena muestra la Virgen desmayada a los
pies de Cristo.
El de la Catedral de Burgo de Osma (Soria)
14
La otra mitad la realizaría Felipe Bigarny.

El de la capilla privada de la familia Benavente en Medina de Rioseco
(Valladolid).
Ya en el final de su vida, esculpió una Virgen de las Angustias para la cofradía de la que
era miembro. Es una estremecedora figura que se convertirá en prototipo de las
vírgenes castellanas.
c. Pintura: Domenikos Theotokópoulos, “El Greco” (Creta, 1541 – Toledo,

1614).
La pintura de El Greco, con sus alargadas figuras, tiene un sello inconfundible y sigue
manteniendo la estimación del público y de los expertos.
Comenzó su formación en Creta, en talleres donde se pintaban iconos religiosos sobre

fondos dorados, según la tradición bizantina. Con 27 años, se traslada a Venecia,
donde admira los colores de Tiziano y las elegantes figuras alargadas de Tintoretto. Su
permanencia en Italia la completa con un tiempo en Roma, donde asimila el depurado
dibujo de Miguel Ángel. Ambas tradiciones, el color veneciano y el diseño romano,
influirán notablemente en su obra posterior.
Su llegada a España tiene como objetivo participar en la decoración de El Escorial. El

historiador Lafuente Ferrari expuso la hipótesis de que su carta de presentación para
trabar en el monasterio de San Lorenzo fue el lienzo Alegoría de la Santa Liga 15, que
conmemora la derrota de los turcos en la batalla de Lepanto.
A la espera de que Felipe II le responda, El Greco acude a Toledo para pintar los
retablos de Santo Domingo el Antiguo. En 1557, el Cabildo de la Catedral le encarga El
expolio de Cristo: será su primera obra en la ciudad castellana y constituye, por el uso
que hace del dibujo y del color, una ruptura con la escuela pictórica local:
aunque el colorido general es intenso, domina claramente el rojo de la túnica

de Cristo, la prenda que una serie de personajes está a punto de quitarle para
que empiece la Pasión.
la inspiración literaria del tema está en Las Meditaciones de la Pasión, de San
Buenaventura, cuya narración incluía a las tres Marías y agregaba que Cristo
tenía las manos atadas con una soga. A la hora de recibir la obra, los peritos del
obispo dicen que hay errores y ordenan borrar las cabezas de los sayones que
sobresalen de la imagen de Jesús. El Greco se niega a cambiar nada, sin duda
15
El lienzo, que se conserva en el propio Escorial, representa a los gobernantes de las potencias
vencedoras (Felipe II, rey de España; Alvise Monecigo, dogo de Venecia; y el Papa Pío V) arrodillados
ante el Nombre de Jesús mientras los herejes musulmanes yacen sepultados en la boca del infierno.

molesto porque le habían rebajado el precio inicial y porque, de todas formas,
él no pensaba quedarse a vivir en Toledo.
En estas estaba, cuando Felipe II le encarga un cuadro para El Escorial, el Martirio de

San Mauricio y la legión tebana. El Greco se esmera porque comprende que su futuro
está en juego. Aunque tardó dos años, el cuadro no gustó al rey. En vez de potenciar la
decapitación del santo a manos de los romanos, el pintor concentra su atención en los
momentos previos, cuando se produce la discusión previa al momento en que los
cristianos deciden no adorar más a los ídolos paganos. El rey y sus consejeros
consideraron que esta discusión no haría más fervorosos creyentes a los que se
acercaran al cuadro, por elegantes que fueran las figuras y brillante el colorido. El
Greco había violado la regla de oro de la estética de la Contrarreforma al otorgar más
importancia a los aspectos artísticos que a los religiosos.
En 1582, fija definitivamente su residencia en Toledo. Poco después, realizará la obra

maestra de la pintura española del XVI: El Entierro del Conde de Orgaz:
El tema del cuadro está inspirado en una leyenda medieval. En 1323, cuando
muere don Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de la villa de Orgaz, bajan del cielo
San Agustín y San Esteban para sepultar el cadáver en la iglesia de Santo Tomé,
diciendo a los asistentes: “Tal galardón recibe quien a Dios y a su santos sirve”.
El mérito de Ruiz de Toledo había sido fundar un convento agustino consagrado
a San Esteban. En 1586, el párroco de Santo Tomé encarga al Greco un cuadro
para conmemorar el milagro.
El cuadro está dividido en dos registros:
o En la zona inferior, San Agustín y San Esteban inhuman los restos del
conde, en la forma en que José de Arimatea y Nicodemo habían
trasladado el cuerpo de Cristo. A su alrededor, dispone el cortejo
fúnebre, formado por los amigos del muerto y la nobleza local. Un
acierto del artista es este tratamiento del tema, observable también en
los atuendos, como si fuera un acontecimiento contemporáneo.
o En el nivel superior, un ángel eleva el alma del señor de Orgaz, que
recibido en la Gloria por Cristo, la Virgen y San Juan Bautista.
A partir de este cuadro, El Greco ganó prestigio, al tiempo que iniciaba una nueva
etapa en su pintura:

o los colores, más apagados, se reducen a una corta gama de verdes,
grises, amarillos y carmines.
o las figuras ganan expresividad porque el pintor rompe las proporciones
de los miembros y deforma las anatomías.
Su situación económica mejora, al tiempo que mantiene una relación estable con doña
Jerónima de la Cueva, a la que pintará en la Dama del armiño. De este matrimonio,
nacerá su único hijo, Jorge Manuel, que se convertirá en su mejor discípulo.
Las obras que pinta en este último periodo abarcan cuatro frentes:
Retablos. Quizás el más importante sea el de la Capilla de San José. En todos

ellos, se puede observa su visión arbitraria de vírgenes y santos.
Apostolados. Conjuntos de trece cuadros (apóstoles + Cristo) de medio cuerpo,
con rostros alucinados y miradas extraviadas. Solo se han conservado dos
íntegros, uno se puede contemplar en la Catedral de Toledo y el otro en la
Casa-Museo del pintor.
Retratos de la aristocracia local. Destaca El Caballero de la Mano en el Pecho.
Paisajes de Toledo.
El Greco murió en 1614, a los 73 años de edad.

5. Comentarios.
a. Cúpula de Santa María de las Flores (1418-1436)
Ficha técnica
Filippo Brunelleschi
Florencia, Italia
El artista y su época
Brunelleschi empezó como escultor. En 1401, perdió, frente a Ghiberti, el concurso

para realizar las puertas del baptisterio de Florencia.
Pero sí ganó el concurso convocado para realizar esta cúpula, que marca un antes y un
después en la historia de la arquitectura. Brunelleschi aprovechó sus amplios
conocimientos matemáticos para diseñar una obra que se aprovecha también de las
excavaciones que estaban sacando a la luz construcciones de la antigua Roma.
El duomo de Florencia había sido levantado en el siglo XIII por Arnolfo di Cambio. Pero
la cúpula quedó sin hacer, sobre todo porque la ciudad había vivido una profunda crisis
en el siglo XIV.
Análisis
El proyecto de Brunelleschi para cúpula tenía 42 metros de diámetro y 87 de altura. El

problema principal era que semejante mole no se podía construir con la técnica del
momento. No era posible que la forma tradicional (una estructura de madera)
sostuviera la construcción hasta que estuviera terminada.
Brunelleschi, como hombre del Renacimiento que no se asustaba ante los retos más
complicados, encontró una solución diferente. Su cúpula sería “autosustentante”, es
decir, se construiría por trozos que, una vez acabados, se sostendrían a sí mismos sin
tener que esperar a que el conjunto estuviera terminado. De esta manera, los
andamios serían mucho menores y se podrían ir cambiando de sitio.
La clave de la construcción es que, en vez de un solo cascarón, tendría dos, uno

exterior y otro interior, que se refuerzan uno al otro.
Estos dos cascarones se apoyan en una base octogonal de cuyos ángulos salen ocho
grandes nervios de piedra. Entre cada par de estos nervios se teje una segunda
estructura de nervios horizontales y verticales. Además, para asegurar más la

estructura, los nervios horizontales eran curvos, lo que los hacía funcionar como
verdaderos arcos.
Pero había otros tres elementos que reforzaban el conjunto: una malla de cadenas,
una disposición de los ladrillos en forma de “espina de pez” (encontrándose en ángulo
agudo) y un perfil de la cúpula ligeramente apuntado (por tanto, no era exactamente
semiesférica).
Comentario
Apuntemos dos ideas que, aunque parezcan menores, tuvieron una importancia
notable. En primer lugar, Brunelleschi diseñó complejas máquinas que le permitieron
subir los materiales hasta puntos tan elevados.
En segundo, es la primera vez que se separa de una forma clara el diseño de la

ejecución material de la obra. El arquitecto adquiere así la categoría de un intelectual,
iniciando un camino que se ha mantenido hasta la actualidad.
Para la inauguración de la cúpula se organizó una ceremonia que contó con el estreno
de una obra musical compuesta especialmente para la ocasión: el motete Nuper
rosarum flores, de Guillaume Dufay.
b. Anunciación de Fran Angelico
Ficha técnica
Pintura al temple sobre tabla

1430-1432
Ubicación original: Iglesia de Santo Domingo (Florencia)
Ubicación actual: Museo del Prado16
16
La obra fue vendida por los frailes a Mario Farnese en 1611 para sufragar los gastos de la construcción
del campanario de la iglesia. Poco después este príncipe italiano la enviaba como regalo al Duque de
Lerma, valido del rey Felipe III. Aunque la pieza se depositó en la Iglesia de los dominicos en Valladolid,
poco después se remitía al Convento de las Descalzas Reales de Madrid, donde se conservó hasta
mediados del siglo XIX. Precisamente en su claustro alto la descubriría el pintor Federico Madrazo,
director del Museo del Prado, quien, tras no pocas gestiones conseguía que el rey consorte don
Francisco de Asís se interesara por su traslado al Prado, consintiendo la priora del monasterio, que
recibió a cambio otra Anunciación pintada por el propio Madrazo. Fue remitida al Museo como donación
real el 16 de julio de 1861.

La obra de Fra Angelico hay que situarla en el contexto del siglo XV italiano. (Ver
introducción).
Fra Giovanni da Fiesole, perteneciente a la orden de los dominicos, debe el apodo de

Fra Angelico a la suave luz cristiana con la que bañaba sus obras. Cuenta Vasari que
“tenía la costumbre de no repasar ni retocar nunca sus cuadros […] por creer, según él
decía, que esa era la voluntad de Dios”. Y se dice que nunca se ponía a pintar sin haber
rezado antes.
Inspiración divina aparte, las pinturas de Fra Angelico muestran los rasgos de los
primeros pintores del Quattrocento: ampliación de la perspectiva, fondos
arquitectónicos y mayor realismo de las figuras humanas.
Análisis
En esta tabla podemos apreciar como tema principal la Anunciación del arcángel
Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenitas del banco o predela,
otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, por
orden de lectura, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a
Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su
muerte.
En la tabla principal se puede contempla, junto a la Anunciación, una escena

secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las
dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del
mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel.
Esto es un recurso que utiliza el fraile para simbolizar el pecado original cometido por
Adán y Eva, y su redención en la tierra, que es la encarnación de Cristo en María.
El marco arquitectónico en el que se desarrolla no es más que una mera referencia

espacial, que se ve desbordada por las propias figuras:
 Si la Virgen se pusiera en pie no cabría en la estancia.

 Las columnas son funcionalmente imposibles, porque sus fustes son demasiado
delgados para sostener el techo.
Los colores y la elegancia de la habitación crean un marco refinado, principesco y

tocado por la divinidad, el único posible para el misterio de la concepción de María.

También los riquísimos ropajes que llevan el arcángel y la Virgen remiten a una imagen
noble de los personajes. El empleo de los colores azul y dorado indica un cliente rico,
ya que ambos colores se fabrican con minerales semipreciosos y son muy caros de
elaborar. Otra alusión al cliente poderoso es el tratamiento del jardín, sin profundidad
ni perspectiva, que imita el fondo de un tapiz, como los que en esa época se
importaban de Bruselas.
La iconografía de la Anunciación es la característica de la época:
 El arcángel que desciende a la presencia de María, quien le recibe temerosa

pero con sumisión al mandato divino.
 Entre la Virgen y el arcángel hay un jarroncito con nardos blancos, símbolo de
su virginidad.
 La mano de Dios asoma desde el cielo para enviar en un rayo dorado a la
paloma del Espíritu Santo, hasta el oído de María, siendo éste el momento de la
concepción de Jesús.
Comentario
Como hemos apuntado, Fra Angelico entendió el arte como un medio de comunicación
con Dios, por lo que trató de transmitir la belleza del Ser Supremo que se refleja en los
seres humanos y en las cosas.
Hay otra Anunciación de Fra Angelico en el Museo Diocesano de Cortona (Italia), con
algunas diferencias respecto a la que estamos comentando. Por ejemplo, recoge, en
elegantes letras doradas escritas a la altura de las cabezas, el diálogo entre la Virgen y
el arcángel.
Las dos influencias más importantes que podemos encontrar en Fra Angelico son:
 Masaccio y Ghiberti, en el modelado de las figuras.

 Brunelleschi, en la concepción de los espacios arquitectónicos.
c. El nacimiento de Venus, de Boticelli
Ficha técnica
1485
Sandro Boticelli
Óleo sobre lienzo
Galería de los Ufizzi. Florencia

La obra de Boticelli hay que situarla en el contexto del siglo XV italiano. (Ver
introducción).
Aunque sus cuadros más famosos (La primavera y El nacimiento de Venus) son de
tema mitológico, la mayor parte de su producción es religiosa.
Boticelli trabaja apoyado por los Medici, en el ambiente de recuperación de la cultura

clásica creado por Lorenzo el Magnífico. Pero los Medici también tenían enemigos. En
1477, se produjo la llamada “conjuración de los Pazzi”, en la que Giuliano fue
asesinado y el propio Lorenzo, herido. Este se vengará ahorcando a los culpables y
ordenando a Boticelli que pintara un cuadro representando el ajusticiamiento.
Análisis
El cuadro recoge un tema de la mitología clásica. El dios Cronos arrancó los genitales a
su padre Urano y los arrojó al mar en un lugar cercano a Chipre. De estos y de la
espuma marina nació Afrodita (Venus). Este lienzo representa el momento en que la
diosa del amor llega a la costa subida en una venera17. Céfiro, el dios del viento, y Aura,
diosa de la brisa, han soplado para que la concha avance a través de las olas. En la
orilla, la primavera (una de las Horas, diosas de las estaciones) espera a Venus para
cubrirla con un manto de flores.
El nacimiento de Venus es uno de los primeros desnudos de tema pagano que se dan
en la pintura.
La obra, de grandes dimensiones (1.72 x 2.78 m.), está concebida para que la diosa y la
concha ocupen el centro. Se piensa que el modelo de Venus pudo ser Simonetta
Vespucci, una mujer de la época cuya belleza se convirtió en legendaria.
A la izquierda, Céfiro y Cloris dibujan una fuerte diagonal que refuerza la presencia de
la diosa. No parece que Boticelli pusiera demasiado interés en la perspectiva: los
árboles de la derecha son de tamaño poco proporcionado y parecen destinados a
acompañar la escena más que a representar una naturaleza auténtica.
El canon de las figuras, como casi siempre en Boticelli, es estilizado, con las figuras
ligeramente alargadas. Utiliza una gama de colores suaves, entre los que se intercalan
17
Concha relacionada con Venus. Es semicircular y tiene de dos valvas, una plana y otra muy convexa,
de diez a doce centímetros de diámetro, rojizas por fuera y blancas por dentro, con dos orejuelas
laterales y catorce estrías radiales que forman a modo de costillas gruesas.

pinceladas doradas para dar sensación de destellos luminosos. La piel de Venus, hecha
a base de amarillos, rosados y blancos, tiene el aspecto de algunos marfiles. Está claro
que el artista ha tratado de representar una belleza ideal más que imitar la realidad.
Comentario
Cuando Boticelli pinta es obra es ya un artista consagrado. Unos años antes, había
participado en la decoración de la Capilla Sixtina: Las tentaciones de Cristo, Las
tentaciones de Moisés y El castigo de los rebeldes.
Fue un miembro de la familia Medici, Lorenzo di Pierfrancisco, el que le encargó la

obra para decorar una casa rural. Era frecuente colgar en este tipo de casas cuadros de
tema más ligero que las pinturas solemnes que se hacían para los palacios urbanos. En
todo caso, esta Venus responde al modelo de “venus púdica”: la diosa se cubre los
senos y el sexo en actitud pudorosa.
La sensualidad de la obra contrasta con la última etapa del pintor, en la que, influido
por Savonarola, se dedicará a temas exclusivamente religiosos.
d. Escuela de Atenas, de Rafael Sanzio
Ficha técnica
Pintura al fresco.
7.70 x .5.50 metros
Stanza della Segnatura, Palacios Vaticanos, Roma
Rafael, a pesar de que murió con solo 37 años, es considerado uno de los más
importantes pintores de la historia. En numerosos países, surgieron escuelas que lo
tomaron como el modelo perfecto a imitar.
Nació en Urbino, donde existía un importante centro artístico animado por Federico de
Montefeltro. Su padre, también pintor, lo mandó a estudiar al taller de Pietro
Perugino. Pero pronto se hizo independiente y comenzó a recibir numerosos encargos.
La fama lo llevó a Roma en 1508, donde se convirtió en el pintor favorito de los papas
Julio II y León X.
Análisis
Las Stanza son los salones privados del papa Julio II. Su ambición le lleva a querer
imitar a los emperadores romanos y para ello financia numerosos proyectos. Las
estancias decoradas por Rafael y sus discípulos son cuatro:

La Sala la de la Segnatura, y en ella se representan, además de La Escuela de
Atenas, La Disputa del Sacramento (destinada a glorificar la Teología), El
Parnaso (donde Apolo es el propio Papa) y Las Virtudes.
Sala del Incendio
Sala de Heliodoro
Sala de Constantino
La Escuela de Atenas, pintada con el objetivo de ensalzar la Filosofía, incluye a

pintores, escultores y arquitectos, en un intento de que las artes liberales no se
redujeran a la Teología, la Filosofía y la Poesía. Aparecen en ella muchos personajes
con rasgos de artistas de la época: entre otros, Platón sería Leonardo da Vinci,
Heráclito sería Miguel Ángel y Euclides recuera mucho a Bramante. El propio Rafael
está retratado a la derecha del cuadro.
La obra está compuesta a base de grupos de personajes que conversan bajo una
arquitectura que representa el ideal de perspectiva y que recuerda mucho al proyecto
que Bramante había hecho para la Basílica de San Pedro:
Hay hornacinas simuladas que contienen estatuas clásicas, y casetones en las

bóvedas.
La perspectiva se ve favorecida por elementos como el espacio abovedado que
se aleja, las baldosas del suelo o los escorzos de los personajes.
Las figuras se integran perfectamente en este espacio y participan de él, algunas

charlando mientras andan y otras entregadas al estudio:
En el centro, pasean los grandes sabios de la Antigüedad, Platón y Aristóteles.

Platón, consecuente con su filosofía idealista, alza la mano y sostiene el Timeo,
su tratado sobre el origen del Cosmos. Aristóteles, filósofo más apegado a la
realidad sensible, lleva consigo su Ética y señala con la mano hacia la tierra.
En el grupo de la izquierda, Pitágoras, representante de la aritmética y la
música, expone sus conocimientos a un grupo que incluye a Averroes (con
turbante).
Más a la izquierda, se encuentra Epicuro, que lee un libro sostenido por un
niño.
Heráclito, apoyado en el primer peldaño de la escalera, se muestra pensativo y
extrañamente quieto, si tenemos en cuenta su afirmación de que todo está
sometido a continuo cambio.
Tumbado en la escalera está Diógenes el Cínico, famoso por rechazar las
posesiones terrenales y las convenciones sociales.

Abajo, a la derecha del espectador, Euclides mide una figura con un compás.
Sócrates, situado a la derecha de Platón, expone sus ideas a Alejandro Magno.
También a la derecha del espectador, Zoroastro está representado con una
esfera celeste, mientras Ptolomeo, de espaldas, sostiene un globo terráqueo,
símbolo de su teoría de que la Tierra es el centro del Universo.
El joven con birrete negro que mira hacia nosotros es el propio Rafael.
Comentario
La utilización de la arquitectura de Bramante no es una novedad en La Escuela de

Atenas. Rafael ya la había utilizado en Los desposorios de la Virgen.
Hemos dicho que Rafael comenzó su aprendizaje en su ciudad natal, en el taller de

Perugino. Añadamos que, en 1504, marchó a Florencia a completar su formación. Ese
mismo año, Miguel Ángel había presentado su David y la ciudad estaba inmersa en una
efervescencia artística.
Cuando marcha a Roma, en 1508, Rafael es un artista extraordinario que consiguió

numerosos encargos y fue nombrado maestro de obras de San Pedro. Su temprana
muerte ha privado a la humanidad, seguramente, de numerosas obras maestras.
e. Pietá del Vaticano de Miguel Ángel Buonarroti
Ficha técnica
1498-1499
174 x 195 cm.
Mármol
Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma
Estamos ante la primera obra maestra de un genio.

Miguel Ángel fue poeta, arquitecto y pintor. Pero él se consideraba, sobre todo,
escultor. De sus manos y cinceles saldrían, dentro de esta disciplina, otras obras
extraordinarias como el David o el Moisés.
Desde muy joven, formó parte del círculo de Lorenzo el Magnífico y pudo aprender de
las estatuas clásicas que adornaban los jardines de la familia Medici.

Cuando Florencia comenzó a decaer, debido a diversos problemas políticos, marchó a
Roma, convertida –gracias al creciente poder de los papas- en nuevo centro artístico y
cultural.
Análisis
El tema de la Piedad fue desarrollado por Miguel Ángel cuatro veces a lo largo de su
vida. Es una escena que se pone de moda gracias a la importancia que el culto a la
Virgen adquirió durante el Gótico. Recoge el momento en que María recoge el cadáver
de su hijo, recién bajado de la Cruz, y lo sostiene sentada en una roca del monte
Gólgota.
La del Vaticano es la primera Piedad de Miguel Ángel, que la ejecutó cuando solo tenía
23 años.
Está hecha en mármol de Carrara y destaca por el intenso pulido, que hace que la luz
resbale por la superficie. Al contrario que las otras tres, en las busca la expresividad a
través de la tosquedad de la piedra.
La composición es piramidal, con el vértice en la cabeza de la Virgen. A partir de ahí, se

desarrollan una serie de líneas que dan estabilidad al grupo de acuerdo con las leyes
de la geometría. La mano izquierda de María es el único gesto doliente y traza una
línea paralela al brazo derecho de Cristo, que cae suavemente. Las piernas de este
trazan un marco en la parte inferior.
El estudio de pliegues es extraordinario y da al conjunto una rotundidad que sería

insuficiente si solo estuvieran las estilizadas figuras de la madre y el hijo. A pesar de la
obvia diferencia de edad entre uno y otro, Miguel Ángel los retrata como dos jóvenes.
Esto tiene una explicación teológica: María es la madre de Jesús pero también, como
todos los demás humanos, es su hija.
El rostro de la Virgen muestra dolor, pero un dolor digno por una muerte prevista.
El último rasgo a destacar es el tamaño de los cuerpos: la Virgen es mucho más alta.
Sin duda es para que pueda acoger, de forma armoniosa, el cuerpo del hijo en su
regazo.

Comentario
Hemos dicho antes que esta Piedad es la primera de cuatro. Las otras tres son las
siguientes: la Piedad florentina, en la que las dos figuras principales aparecen
acompañadas de María Magdalena y Nicodemo, cuyo rostro es un autorretrato del
propio Miguel Ángel; la Piedad Palestrina, en la que aparece también María
Magdalena, esta vez ayudando a la Virgen; y, por último, la Piedad Rondanini, que
quedó inacabada y que muestra la crisis de fe que padeció el autor en los últimos años
de su vida.
Esta Piedad del Vaticano fue encargada por el abad de Saint Denis para regalarla al
Vaticano, lo que indica que Miguel Ángel debía tener, a pesar de su juventud, cierto
prestigio.


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Tema 11.

Arte del Renacimiento y del

3. El Cinquecento y la crisis del Manierismo en Italia.

La palabra Renacimiento se refiere a la recuperación de los valores y las formas de la

Recibió un gran impulso el estudio de las humanidades (la gramática, la retórica, la

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 1

El origen del Renacimiento estuvo en Florencia, que se había recuperado de la crisis

La Academia Platónica Florentina difunde la nueva concepción del mundo, que

Antropocentrismo: aunque no niega la existencia de Dios, colocan al hombre

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 2

BRUNELLESCHI (Florencia, 1337-1446)

La proporción vendrá determinada por el espacio de separación entre los soportes

Brunelleschi fue el creador de la perspectiva renacentista: una armonización visual de

Todas estas características son observables en los siguientes edificios:

El Hospital de los Inocentes

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 3

ALBERTI (Génova, 1404 – Roma, 1472)

Podemos considerarlo un genio renacentista que sobresalió en todas las artes:

Sobre arquitectura escribió De re aedificatoria, 10 tomos en los que defiende por

En 1446, el comerciante Giovanni Rucellai le encarga la construcción de un palacio que

Como arquitecto religioso, se dedicó, sobre todo, a remodelar edificios medievales, a

Esto es lo que hace en la basílica gótica de Santa María Novella, en la que

O en el convento de San Francisco, de Rímini (llamado también templo

El diseño de la fachada, aupada sobre un podio y con un arco central profundo,

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 4

b. La escultura. Ghiberti y Donatello

LORENZO GHIBERTI (Florencia, 1378-1455)

Sustituye las casillas lobuladas por diez espacios cuadrados, lo que le va a

Estas Terceras Puertas recibieron numerosos elogios desde su inauguración en 1452.

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 5

Sus cualidades más importantes como escultor son las siguientes:

El dominio de todas las técnicas y materiales.

En su larga trayectoria, podemos distinguir las siguientes etapas:

1) Fase inicial de adolescencia y madurez en Florencia (1404-1443)

Las tumbas responden a un esquema muy simple. Consisten en adosar a la

La más importante es la tumba del Cardenal Rainaldo Branacci, en la iglesia de

La predicación pública que hacían los dominicos y franciscanos en las calles y

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 6

En 1433, disuelta la sociedad con Michelozzo, Donatello esculpirá la Cantoría de la

2) Estancia en Padua (1443-1453)

3) Última etapa en Florencia (1453-1468)

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 7

c. Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli.

BEATO ANGELICO o FRA ANGELICO (Florencia, 1400 – Roma, 1455)

Comenzó como iluminador de manuscritos. El dominio de esta técnica será

En el retablo de La Anunciación (1430), utiliza colores brillantes y fondos dorados,

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 8

MASACCIO (apodo de Tommaso di Giovanni) (Arezzo, 1401 – Roma, 1428)

Técnicamente, es el primer pintor que construye con el color, preocupándose de los

o En el centro, Cristo es requerido por el recaudador de impuestos de

Se puede observar que los personajes están tratados con la intención de

Otro importante cuadro de Masaccio es La Trinidad, pintado para la iglesia de Santa

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 9

PIERO DELLA FRANCESCA (Arezzo, 1420-1492)

Se educa en Florencia, a pocos kilómetros de su ciudad natal, donde entabla amistad

Desarrolla en ella la Historia de la Vera Cruz, en diez episodios extraídos de la Leyenda

La Leyenda de la Vera Cruz cuenta la historia de la madera que se usó en la

ANTONIO CALERO_2º Bach. _Hª_ DEL ARTE_TEMA_11_Arte del Renacimiento Pág. 10

Estos aspectos convierten a Piero della Francesca en un precursor de pintores

Della Francesca es también un importante pintor de retratos. Hizo cuadros de varios

En Urbino, precisamente, redactará sus escritos sobre la perspectiva y entrará en

Moría en la madrugada del 11 al 12 de octubre de 1492, en el mismo momento en que

SANDRO BOTICELLI (Florencia, 1447-1510)