CONTENIDO

MÚSICOS DEL SIGLO XX................................................................................. 2

IGOR STRAVINSKY ....................................................................................... 2

DUKE ELLINGTON ........................................................................................ 3

DIMITRI SHOSTAKOVICH ............................................................................. 4

JOHN CAGE ................................................................................................... 6

ACTORES DEL SIGLO XX ............................................................................... 8

Leonardo DiCaprio ........................................................................................ 8

Daniel Day-Lewis......................................................................................... 10

Jake Gyllenhaal ........................................................................................... 11

Heath Ledger ............................................................................................... 13

PINTORES DEL SIGLO XX ............................................................................. 16

Pablo Picasso .............................................................................................. 16

Paolo Uccello .............................................................................................. 17

Leonardo da Vinci ....................................................................................... 18

MÚSICOS DEL SIGLO XX

IGOR STRAVINSKY

(Igor Stravinski o Stravinsky; Oranienbaum, Rusia, 1882 - Nueva York, 1971)

Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense.
Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música
contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de
Stravinsky La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos
abruptos y dislocados y su
agresiva orquestación
provocaron en el público uno de
los mayores escándalos de la historia
del arte de los sonidos.

Autor de otros dos ballets que

habían causado sensación, El pájaro de
fuego (la obra que lo dio a conocer
internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913 Stravinsky se
confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él
nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el
campo de las artes plásticas, el compositor se caracterizó siempre por
transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su
propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes
rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de
este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX.

Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de

darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó
una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su
temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se
advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general,
pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior
de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.

Su rápida evolución culminó en la citada Consagración de la primavera y en

otra partitura destinada al ballet, Las bodas, instrumentada para la original
combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas
obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa
hasta prácticamente agotarla.
 Su estilo experimentó entonces un giro que desconcertó a sus propios
seguidores: en lugar de seguir el camino abierto por estas obras, en 1920 dio
a conocer un nuevo ballet, Pulcinella, recreación, a primera vista respetuosa,
de la música barroca a partir de composiciones de Giovanni Battista
Pergolesi.

Comenzaba así la etapa neoclásica, caracterizada por la revisitación de los

lenguajes del pasado, con homenajes a sus compositores más admirados,
como Bach (Concierto en re), Tchaikovsky (El beso del hada), Haendel
(Oedipus rex), Haydn (Sinfonía en do) o Mozart (La carrera del libertino) y
obras tan importantes como el Octeto para instrumentos de viento, la
Sinfonía de los salmos o el ballet Apollon Musagète.

En ellas Stravinsky abandonó las armonías disonantes y la brillante

orquestación de sus anteriores composiciones para adoptar un estilo más
severo y objetivo -el neoclasicismo, de hecho, nació como una oposición al
arrebatado subjetivismo del Romanticismo y el expresionismo germánicos-,
estilo, sin embargo, que no excluía cierto sentido del humor en su
aproximación al pasado.

Con la Sinfonía en tres movimientos y la ópera La carrera del libertino

concluye esta etapa, tras la cual Stravinsky volvió a sorprender al adoptar el
método dodecafónico sistematizado por su colega y rival Arnold Schönberg,
aunque eso sí, a la muerte de éste. De nuevo un ballet, Agon, señaló la
apertura de este nuevo período, en el que sobresalen títulos como Canticum
sacrum, Threni, Monumentum pro Gesualdo y Requiem Canticles, ninguno de
los cuales ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas
precedentes. Fallecido en Estados Unidos, sus restos mortales fueron
inhumados en Venecia.

DUKE ELLINGTON

(Edward Kennedy Ellington; Washington D.C.,

1899-Nueva York, 1974) Pianista, compositor,
arreglista y líder de grupo de jazz estadounidense.
Se inició en la práctica musical tomando clases de
piano a los siete años. Ya en sus comienzos recibió
la influencia del ragtime, género de música
popular en boga en aquella época y uno de los
estilos de los que derivaría el jazz. Con sólo
diecisiete años debutó profesionalmente en su
ciudad natal. Desde 1919 tocó con varios grupos
de la capital estadounidense hasta que en 1922 fue llamado para actuar en
Nueva York, el punto de referencia para todo músico de jazz.
 Aunque no logró triunfar, adquirió la experiencia necesaria para formar su
propio quinteto, The Washingtonians, con los que adquirió renombre
suficiente como para realizar unas pruebas en el celebérrimo local
neoyorquino Cotton Club, en Harlem. A partir de ese momento, su fama y su
prestigio se fueron consolidando; las emisiones radiofónicas de sus
conciertos se hicieron habituales y las apariciones de Duke Ellington and The
Washingtonians en diversas películas, junto a las diversas giras que realizó
por Estados Unidos y Europa, contribuyeron a fomentar su creciente
popularidad.

El quinteto original fue incorporando nuevos miembros, hasta completar un

total de doce en sus primeras apariciones en el Cotton Club. A principios de
los años treinta, composiciones como Mood Indigo (1930) o Sophisticated
lady (1933) se convirtieron en grandes éxitos y marcaron el inicio de la época
dorada para el músico y su big band. Hacia el fin de la Segunda Guerra
Mundial, abordó la composición de obras de mayor aliento temático y formal,
por lo común en forma de suites sinfónicas, como Black, brown and beige
(1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946).

DIMITRI SHOSTAKOVICH

(Dimitri o Dmitri Shostakovich; San Petersburgo, 1906

- Moscú, 1975) Compositor soviético. Su producción
abarca todos los géneros: la ópera, la comedia musical,
la sinfonía a la miniatura para piano, la música
concertante, la cantata, el cuarteto de cuerda y la
música para el cine. Autor prolífico, escribió un total de
147 números de opus, correspondientes muchos de
ellos a obras que hoy se cuentan entre las páginas más interpretadas y
grabadas del repertorio.

Sin embargo, a pesar de ser considerado, junto a Prokofiev, el compositor

más representativo de la desaparecida Unión Soviética, su carrera no fue
fácil: premios y condecoraciones -entre los que se contaban los Premios del
Estado y Lenin y la distinción de Artista del Pueblo-, se alternaban con
continuas persecuciones y condenas por parte del mismo régimen que lo
laureaba, bajo la acusación de realizar una música antipopular y en exceso
moderna. Todo ello dejó su huella en el estilo de sus últimas composiciones,
caracterizadas por un tono amargo y sombrío, así como también por una
crudeza que contrasta con el espíritu jovial y desenfadado de las primeras.

Nacido en el seno de una familia en la cual la cultura ocupaba un lugar

importante, Shostakovich recibió sus primeras lecciones musicales de su
madre, pianista profesional, a una edad que se puede considerar
relativamente tardía, los nueve años. Ante sus grandes progresos, en 1919
ingresó en el Conservatorio de Leningrado, en donde tuvo como principal
maestro a Aleksandr Glazunov. Huérfano de padre desde 1922, Shostakovich
proseguía sus estudios al mismo tiempo que, para mantener a su familia,
tocaba en diversas salas de cine como pianista acompañante.

El estreno en 1926 de su sorprendente Sinfonía núm. 1, escrita en ocasión de

su graduación en el conservatorio, atrajo inmediatamente sobre él la
atención del mundo musical. Las obras inmediatamente posteriores, como la
ópera La nariz o el ballet La edad de oro, no hicieron sino confirmar el talento
de un joven compositor especialmente dotado para la sátira.

La carrera ascendente de Shostakovich sufrió un inesperado revés con el

estreno en 1934 de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk:
entusiásticamente recibida por el público, tanto en Leningrado como en su
posterior escenificación en Moscú, fue retirada de cartel tras la aparición de
una crítica en el diario oficial Pravda, titulada Caos en lugar de música, en la
que se acusaba al compositor de haber escrito un «concierto de aullidos»,
ajeno a los presupuestos de la música socialista, que debía ser clara y
fácilmente asequible.

Se iniciaba así una larga y contradictoria relación con el régimen estalinista:

mientras en Occidente era considerado el compositor oficial soviético, en su
propio país Shostakovich hubo de sufrir las injerencias de sus autoridades
culturales, a pesar de lo cual, y pese a su aparente aceptación tácita de los
preceptos del realismo socialista, consiguió mantener siempre su
independencia creativa.

Los estrenos de la clásica Sinfonía núm. 5 y, sobre todo, de la patriótica

Sinfonía núm. 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo ruso contra el
invasor nazi, rehabilitaron a un compositor que en 1948 volvió a ver de
nuevo prohibida la ejecución de sus obras bajo el estigma del formalismo.

Tras la muerte de Stalin en 1953, la música de Shostakovich se hizo más

personal, y se tradujo en una larga serie de partituras presididas por la idea
de la muerte. Es el caso de las tres últimas sinfonías y de sus cuartetos de
cuerda, un género que el compositor convirtió en el medio idóneo en el que
expresar sus preocupaciones y miedos de una manera privada, sin necesidad
de recurrir a máscaras o disfraces. Su música, sobre todo la de estos años
postreros, ha influido considerablemente sobre la de sus compatriotas más
jóvenes, como Alfred Schnittke o Edison Denisov, entre otros.
JOHN CAGE

(Los Ángeles, 1912 - Nueva York, 1992)

Compositor estadounidense. Tambien poeta y
ensayista, se le sitúa dentro de la corriente
vanguardista norteamericana de la segunda mitad
del siglo XX, influyente tanto en las tendencias
experimentales contemporáneas de Estados
Unidos como de Hispanoamérica.

Hijo de un ingeniero inventor de aparatos

electrónicos y submarinos, ingresó en la Universidad de Pomona (California),
y cursó luego en Europa estudios de arquitectura y piano. John Cage
desarrolló muy pronto una tranquila pero tenaz voluntad de
experimentación aplicada, en particular, a la música, pero en un campo más
amplio de exploración sobre el lenguaje. Fue fundamental su experiencia de
aprendizaje con Arnold Schönberg, que lo convirtió en seguida en un
compositor radical, inventor de una música vivida como "agregación de
sonidos" y, por lo tanto, también de "silencios", definidos como "sonidos
inaudibles".

En su producción musical, Cage se sitúa más allá de cualquier categoría

preestablecida, incluida la dodecafonía. Tras haber traspasado todas las
barreras armónicas, su uso tan heterodoxo de los instrumentos tradicionales
le llevó al descubrimiento de sonoridades inéditas. En este ámbito se
encuentra la idea del "prepared piano" (1938), que consiste en la creación de
sonoridades inesperadas colocando entre las cuerdas de un piano tradicional
objetos desacralizantes como tuercas y tornillos. La adopción del silencio
como parte integrante de la partitura musical -es célebre en este aspecto su
4'33'' (1952), que deja penetrar en sus 4 minutos y 33 segundos de silencio
los sonidos ambientales- consagró ya en su época a Cage a la vanguardia
musical.

Pero otros aspectos relevantes de su poética le hicieron merecedor de un

lugar destacado en el mundo de la filosofía contemporánea: por ejemplo, la
adopción del "alea", o composición mediante operaciones casuales ("alea
operations"). Con el uso del "alea", y negando al autor cualquier cualidad
demiúrgica, Cage consagra definitivamente el fin de toda ideología y ratifica
la afirmación de la estética posmoderna. En este sentido se sitúa HPSCHD, de
1968, obra para clavicémbalo y ordenador programado según el "libro de las
mutaciones" chino I-Ching.

A lo largo de su dilatada carrera, Cage influyó en la obra y en la poética de

innumerables artistas e intelectuales, convirtiéndose él mismo en principal
referencia de la vanguardia estadounidense y, en general, de la estética
contemporánea. Su colaboración con Merce Cunningham, que se remonta a
1942, y el trabajo teórico sobre sonido y movimiento, la colaboración con
artistas visuales como R. Rauschenberg y J. Johns, la experiencia (1948-1950)
con los poetas de la Black Mountain, la intensa amistad con Marcel Duchamp,
su maestro de ajedrez, y los seminarios de Darmstadt (1958), constituyen
piezas importantes del mosaico-Cage.

El marco filosófico sobre el que éstas se amalgaman es la doctrina Zen, en la

que Cage profundizó entre 1945 y 1946 gracias a D. T. Suzuki y que
enseguida adoptó como tranquilizante ideología para contraponerla al
narcisismo de la cultura occidental. La actitud de "escucha" silenciosa de la
naturaleza -de la cual también la tecnología entra a formar parte- constituye
el terreno epistemológico de base sobre el que Cage construye sus obras;
desde las primeras partituras para percusión de los años treinta hasta
Branches (1976), para materiales vegetales amplificados, y al proyecto de
sonorización de Montestella d'Ivrea: The Park Amplified Project (1979).

Y como si se tratara de un epistemólogo empeñado en el estudio global del

lenguaje, Cage registra también la realidad que lo envuelve, transformándola
no sólo en partituras musicales, sino en libros de ensayos y anécdotas como
Silence (1962) y A year from Monday (1967). O en diarios, como Diary: How to
improve the world (1965). O transformándola en "partituras verbales", es
decir, reescrituras (mediante "chance operations"), de las obras del
transcendentalista H. D. Thoreau -el hombre de los bosques-, o del Finnegan's
Wake de Joyce, o simplemente de nombres de hongos como Mushroom et
Variationes (1984). Otras veces, transformando esta realidad en aguafuertes
e incisiones, extraídas como siempre de manera "casual" de los bocetos de H.
D. Thoreau.

Estos aspectos múltiples de la poética de Cage se influyen siempre los unos a

los otros, para formar parte de la búsqueda incesante de este refinado
ingeniero de la sonoridad. Cabe citar también sus obras Estudios australes y
Sonatas y estudios para piano preparado.
ACTORES DEL SIGLO XX

Leonardo DiCaprio

(Leonardo Wilhelm DiCaprio; Los Ángeles, 1974) Actor

estadounidense. Su padre, George DiCaprio, fue
distribuidor de cómics; con el tiempo, y gracias al éxito y
popularidad de su hijo, ha llevado los asuntos
profesionales de éste, al mismo tiempo que ha cuidado de
sus finanzas. Su madre, de nombre Imerline, se separó de
su padre cuando Leonardo contaba con sólo un año.
Ambos cónyuges compartieron la custodia del hijo, hasta que este decidió
emanciparse en 1997.

Sus estudios fueron discretos; no fue a la universidad y cursó enseñanzas

básicas en Los Ángeles, en la John Marshall High School. Su dedicación al
mundo de la imagen comenzó en el campo de la publicidad para la televisión,
para luego participar en filmes de tipo divulgativo. Su primera aparición en
pantalla tuvo lugar con la película Critters 3 (1991), un discreto título en el
que el miedo y un raro sentido del humor se daban la mano.

Esta trayectoria sirvió para que DiCaprio fuera labrándose un historial de

actor eminentemente intuitivo, sin formación académica, pero que lograba
buenas interpretaciones, sin ceder lo más mínimo ante actores de fama más
consolidada. Su prestigio se acrecentaba gracias también a su físico: rubio, de
aspecto aniñado, entre dulce y moderno, con unos expresivos ojos claros que
en ocasiones pueden darle a su mirada un punto de dureza y rebeldía.

No obstante, su gran ocasión le llegó cuando el no siempre bien valorado

James Cameron le ofreció el papel de protagonista masculino en Titanic
(1997). La película no sólo se llevó un considerable número de oscars de la
Academia -no el de interpretación, precisamente- sino que, además, se
convirtió en un fenómeno social muy por encima de sus indudables valores
cinematográficos.

Sin duda, uno de los aciertos de Cameron fue confiar los dos principales
papeles a una pareja como DiCaprio y Kate Winslet. Ellos supieron impregnar
de romanticismo y poesía una relación sentimental que, en el fondo, no era
más que la reedición de Romeo y Julieta, con clases sociales (en lugar de
clanes) antagónicas, con el hundimiento del barco y un cuadro social e
histórico como telón de fondo. Todo ello acompañado de un despliegue de
medios y tecnología que se supo utilizar con inteligencia, sin que ocultasen la
historia a cuyo servicio se encontraban. El éxito para la película y sus
protagonistas, en especial DiCaprio, se puede calificar de grandioso.

Richard en La playa (2000)

Frank William Abagnale Jr. en Atrapame si puedes (2002, se le robó una

nominación al Oscar por mejor actor)

Ámsterdam Vallon en Pandillas de Nueva York (2002, se le robó una

nominación al Oscar por mejor actor)

Howard Hughes en El aviador (2004, justa nominación al Oscar por mejor

actor)

Billy Costigan en Los infiltrados (2006, se le robó una nominación al Oscar

por mejor actor de reparto)

Danny Archer en Diamante de sangre (2006, justa nominación al Oscar por

mejor actor)

Frank Wheeler en Revolutionary Road (2008, se le robó una nominación al

Oscar por mejor actor)

Edward "Teddy" Daniels en La isla siniestra (2010)

Dominick "Dom" Cobb en El origen (2010)

J. Edgar Hoover en J. Edgar (2011, se le robó una nominación al Oscar por

mejor actor)

"Monsieur" Calvin J. Candie. en Django desencadenado (2012, se le robó una

nominación al Oscar por mejor actor de reparto)

Jordan Belfort en El lobo de Wall Street (2013, justa nominación al Oscar por
mejor actor) ” - oliver_chima
Daniel Day-Lewis

(Daniel Michael Blake Day-Lewis; Londres, 1957)

Actor británico nacionalizado irlandés,
considerado por la crítica especializada uno de
los más completos de su generación. Sumamente
meticuloso y perfeccionista, muy selectivo en la
elección de los papeles y celoso de su intimidad
frente a los focos mediáticos, ha merecido en tres ocasiones el Oscar al mejor
actor protagonista por sus interpretaciones en Mi pie izquierdo (1990), Pozos
de ambición (2008) y Lincoln (2012).

Predestinado al éxito, este tauro convencido de su talento y enemigo

declarado de la prensa rosa tuvo por padre a Cecil Day-Lewis, reconocido
poeta inglés. Al nacer, su progenitor le dedicó unos versos acaso
premonitorios: “Qué pedacito de hombre he tenido, / ¡qué potencia tiene, /
aunque sin fuerza todavía y desnudo como / una nuez sin cáscara!”. Jill
Balcon, su madre, fue actriz de teatro, y el padre de ésta, Sir Michael Balcon,
un reputado productor cinematográfico. Progresistas, cultos y concienciados,
Cecil y Jill matricularon a su hijo en un colegio público de Londres. Como
Daniel tendía a juntarse con chicos de mala reputación, pronto optaron por
variar de rumbo pedagógico y lo mandaron a un internado en Kent. Allí el
muchacho se aburrió hasta morir de la bien conocida disciplina inglesa y sólo
en las clases de teatro encontró un rayo de esperanza.

Con sólo catorce años el futuro actor apareció fugazmente en su primera

película, Domingo, maldito domingo (un olvidado pero inspirado drama de
John Schlesinger), dando vida a un gamberro de ésos que tan bien conocía.
Después de este bautismo escénico, cambió de nuevo de internado, aunque
en este caso se trataba de una escuela mucho más abierta, donde perfeccionó
sus aptitudes interpretativas y descubrió la que a la postre sería una de sus
grandes aficiones, la carpintería.

Fogueado en la Escuela Teatral Old Vic de Bristol, donde estudió algunos

años, logró ganarse el pan con puntuales apariciones en producciones
televisivas que fue alternando con actuaciones en el teatro. En 1982 se hizo
con un papel muy secundario en el monumental biopic titulado Gandhi, y
quedó acreditado por primera vez con su nombre artístico. Dos años más
tarde, en The Bounty, adaptación del clásico naval, pudo vérsele ya en un rol
de cierta enjundia.
 Sin embargo, no sería hasta 1989 cuando llegaría su consagración definitiva
al interpretar el papel de un discapacitado que había conseguido emplear su
pie izquierdo para pintar cuadros. El filme, titulado precisamente Mi pie
izquierdo, fue la primera de sus colaboraciones con el realizador Jim Sheridan
y le proporcionó el Oscar al mejor actor principal y el premio al mejor actor
del London Critics Circle Film, así como el premio al mejor actor en los
BAFTA e idéntica distinción por parte de la National Society of Film Critics.
Lewis llegó a pasar meses y meses conviviendo con discapacitados, y durante
el rodaje no se movía de la silla de ruedas para introducirse plenamente en el
rol. Ese mismo año inició una relación sentimental con la actriz francesa
Isabelle Adjani, con la que tendría un hijo, Gabriel-Kane.

Actuaciones destacadas:

Bill 'The Butcher' Cutting en Pandillas de Nueva York (2002, justa

nominación al Oscar por mejor actor)

Daniel Plainview en There Will Be Blood (2007, merecido su Oscar por mejor
actor)

Guido Contini en Nine (2009)

Abraham Lincoln en Lincoln (2012, merecido su Oscar por mejor actor) ” -

oliver_chimal

Jake Gyllenhaal

Nació el 19 de diciembre de 1980 en Los Angeles, California (Estados Unidos)

Mide 1’83. Jacob Benjamin Gyllenhaal es hijo del director Stephen Gyllenhall
y de la guionista Naomi Foner. Su hermana mayor Maggie, nacida en 1977,
también se dedica a la interpretación.

Jake estudió en la Universidad de Columbia durante unos años, pero

abandonó el centro académico para comenzar su trayectoria como actor tras
representar de manera amateur obras teatrales estudiantiles.

Como Jacob Gyllenhaal inició su carrera en el cine actuando en “Cowboys De

Ciudad” (1991), comedia de Ron Underwood protagonizada por Billy Crystal
y Jack Palance.

Posteriormente intervino a las órdenes de su padre en “Una Mujer Peligrosa”

(1993).
Con su progenitor repitió en “Cosecha Propia” (1998). Un año después del
estreno de este último film debutó como actor protagonista en “Cielo De
Octubre” (1999), un título dirigido por Joe Johnston al que siguieron películas
como “Donnie Darko” (2001) de Richard Kelly, “The Good Girl” (2002) de
Miguel Arteta o “El Compromiso” (2002) de Brad Silberling.

Además de su labor en la pantalla, Jake también ha intervenido en

producciones teatrales como “This Is Our Youth”, representada en la escena
londinense, y ha formado parte de un grupo de rock llamado Hole Shot.

Otros títulos de su filmografía son “Jarhead” (2005) de Sam Mendes,

“Brokeback Mountain” (2005) de Ang Lee o “Zodiac” (2007) de David
Fincher.

En “Expediente Anwar” (2007), Gyllenhaal interpreta a Douglas Freeman,

un analista de la CIA en el norte de África.

En “Brothers” (2009), película dirigida por Jim Sheridan, es Tommy, el

hermano de Tobey Maguire.

En la fantasía aventurera “Prince of Persia” (2010) interpretó a un príncipe

persa del siglo VI.

En la comedia “Amor y Otras Drogas” (2010) compartía romance con Anne

Hathaway.

En la intriga de ciencia-ficción “Código Fuente” (2011), film dirigido por

Duncan Jones, el hijo de David Bowie, interpretó a un soldado que retrocedía
en el tiempo para evitar un ataque terrorista en un tren.

En el thriller “Sin Tregua” (2012) era un policía de Los Angeles.

Más tarde protagonizó “Enemy” (2013), adaptación de “El Hombre

Duplicado” de José Saramago, “Nightcrawler” (2014), thriller con dirección
de Dan Gilroy, la acción en montañas “Everest” (2015), o “Redención
(Southpaw)” (2015), película de boxeo en la que encarnó el papel de Billy
“The Great” Hope.

En “Demolición (Demolition)” (2015) interpretó a un inversor bancario cuya

vida cambia tras la muerte accidental de su mujer. Un año después estrenó
“Animales Nocturnos” (2016), thriller co-protagonizado por Amy Adams en
el que interpretó un doble papel. Más tarde participó en el thriller de ciencia-
ficción “Life (Vida)” (2017).
 Fue pareja sentimental de Natalie Portman, Kirsten Dunst, Reese
Witherspoon, Isabel Lucas, Taylor Swift y Emily DiDonato. Su última pareja
fue la modelo Alyssa Miller. Actualmente se le empareja con la actriz Rachel
McAdams.

FILMOGRAFIA,

COWBOYS DE CIUDAD (1991) de Ron Underwood

UNA MUJER PELIGROSA (1993) de Stephen Gyllenhaal
JOSH Y SAM (1993) de Billy Weber
COSECHA PROPIA (1998) de Stephen Gyllenhaal
CIELO DE OCTUBRE (1999) de Joe Johnston
BUBBLE BOY (2001) de Blair Hayes
HIGHWAY (2001) de James Cox
LOVELY & AMAZING (2001) de Nicole Holofcener
DONNIE DARKO (2001) de Richard Kelly
THE GOOD GIRL (2002) de Miguel Arteta
EL COMPROMISO (2002) de Brad Silberling
EL DIA DE MAÑANA (2004) de Roland Emmerich
LA VERDAD OCULTA (2004) de John Madden
JARHEAD (2005) con Jake Gyllenhaal, Jamie Foxx, Peter Sarsgaard.
BROKEBACK MOUNTAIN (2005) de Ang Lee

Heath Ledger

(Heathcliff Andrew Ledger; Perth, 1979 - Nueva York, 2008) Actor de cine
australiano cuyo prematuro fallecimiento truncó una prometedora
trayectoria. Los padres de Ledger, que eligieron su nombre y el de su
hermana Katherine por los personajes de la novela Cumbres Borrascosas, de
Emily Bronté, comenzaron trámites de divorcio cuando tenía diez años.
Entretanto, Heath asistía al colegio y se interesaba por el deporte; llegó a
formar parte del equipo de hockey Kalamunda Field, del que su padre fue
presidente de 1990 a 1992.

A los dieciséis años, cuando sólo le quedaba uno para graduarse, Ledger
abandonó sus estudios para irse a vivir a Sydney, con el objetivo de abrirse
camino como actor. Interpretó varios papeles en la televisión australiana y
tuvo éxito con la serie Roar. Este triunfo le abrió las puertas del mercado
estadounidense. En 1999 trabajó en la serie 10 things I hate about You (10
cosas que odio de ti).Rechazó algunos papeles en películas para adolescentes
y participó luego en dos películas por las que recibiría elogios de la crítica
especializada: El patriota (2000) y Destino de Caballero (2001).
En 2001 tuvo también un papel en Monster's Ball, película a la que siguieron
Las cuatro plumas (2002), Ned Kelly (2003), The Order (Devorador de
pecados, 2003) y Los amos de Dogtown (2005). Bajo la dirección de Terry
Gilliam trabajó en 2005 en una producción de mayor presupuesto, El secreto
de los hermanos Grimm, y rodó luego, bajo las órdenes de Ang Lee, la película
que lo consagraría como actor: Brokeback Mountain (2005). Por esta película,
que protagonizó junto a Jake Gyllenhaal, obtuvo la nominación al Oscar y al
Globo de Oro como mejor actor. Su actuación en Brokeback Mountain le valió
además el premio al Mejor Actor de 2005 del Círculo de Críticos de Cine de
Nueva York y del Círculo de Críticos de Cine de San Francisco.

De 2005 es también Casanova, en la que interpretó al seductor italiano. Se dio

la circunstancia no habitual de que tres de sus películas fueron exhibidas en
el Festival de Cine de Venecia en 2005, Brokeback Mountain, El secreto de los
hermanos Grimm y Casanova. En 2006 filmó una producción australiana,
Candy, y en 2007 apareció en un biopic sobre Bob Dylan titulado I´m not there
(No estoy allí).

Su siguiente película, The Dark Knight (Batman, El caballero oscuro) se

hallaba en fase de posproducción cuando, en enero de 2008, el actor falleció a
causa de una sobredosis accidental de pastillas para dormir. Ledger dejó
inconclusa The Imaginarium of Dr. Parnassus, la película de Terry Gilliam que
estaba rodando en la fecha de su deceso. Para poder finalizar el filme, el papel
de Ledger fue repartido entre Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell, que
encarnaron las sucesivas transformaciones del personaje de Ledger.

Actuaciones destacadas:

Gabriel Martin en The Patriot (2000)

Sonny Grotowski en Monster's Ball (2001)

William Thatcher en A Knight's Tale (2001)

Harry Faversham en Las cuatro plumas (2002)

Alex Bernier en The Order (2003)

Ned Kelly en Ned Kelly (2003)

Casanova en Casanova (2005)

Jakob Grimm en The Brothers Grimm (2005)

Ennis Del Mar en Brokeback Mountain (2005, justa nominación al
Oscar por mejor actor)

Dan en Candy (2006)

Robbie Clark en I'm Not There (2007)

The Joker en The Dark Knight (2008, merecido Oscar por mejor
actor de reparto)

Tony en The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009) ” - oliver_chimal

PINTORES DEL SIGLO XX

Pablo Picasso

Pablo Ruíz Picasso fue el artista más famoso del siglo

XX. Durante su carrera artística, que duró más de 75
años, creó cientos de obras, no sólo pinturas, sino
también esculturas, grabados y cerámica, usando todo
tipo de materiales.

Picasso se hizo famoso al ser un pionero del Cubismo,

y continuó desarrollando sus facetas artísticas con una
vitalidad comparable a la aceleración de los cambios
culturales y tecnológicos del siglo cuyo arte dominó y revolucionó. Cada
cambió le inspiraba nuevas ideas, y se podría decir que Picasso vivió varias
vidas artísticas.

Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España. Hijo de un artista,

José Ruíz, y de María Picasso. En lugar de adoptar el apellido, muy común en
España, de Ruíz, el joven Picasso prefirió usar el apellido de su madre, más
inusual, aunque su nombre oficial era mucho más largo, incorporando
homenajes a otros miembros de la familia y de los santos. La leyenda dice que
sus primeras palabras fueron "piz, piz", en un intento de decir "lápiz". Fue un
prodigio artístico que a la edad de 14 años superó el examen de acceso a la
Academia de Bellas Artes de Barcelona en sólo un día, aunque era mucho más
joven que la edad normalmente requerida para ello. De allí entró en la
Academia de San Fernando de Madrid, y volvió a Barcelona en 1900, y
empezó a frecuentar el café Els Quatre Gats, donde acudían y se reunían todos
los artistas e intelectuales de su tiempo.

Fue en Barcelona donde empezó a alejarse de los clásicos métodos

tradicionales en los que había sido educado hacia un enfoque experimental e
innovador. Más tarde contó sus éxitos: "cuando yo era niño, mi madre me
dijo: 'Si te haces soldado, serás un general. Si te conviertes en monje
terminarás de Papa." En lugar de eso se convirtió en un pintor y terminó
como Picasso".

Picasso abandonó España poco después del cambio de siglo, esta vez hacia
París, comenzando lo que se conoce como su época azul, en la que sus
pinturas utilizan casi exclusivamente este color para representar su profunda
depresión por la muerte de un amigo cercano, Carlos Casagemas. Sólo su
 historia de amor con la modelo Fernande Olivier fue capaz de hacerle superar
este oscuro capítulo de su vida.

Como mencionamos anteriormente el cubismo de Picasso es su estilo más

conocido. Les Demoiselles d'Avignon, que representa a cinco prostitutas
desnudas, inició este nuevo período. En pocas palabras, este nuevo concepto
artístico intentó desafiar las normas de copiar la naturaleza exactamente
sobre el lienzo mediante la reducción y la fractura de los objetos con el fin de
subrayar la bidimensionalidad del lienzo. Muchas de las pinturas más
famosas de Picasso se originan a partir de esta época.

Después de una breve aventura con el clasicismo durante la Primera Guerra

Mundial, Picasso adoptó un nuevo estilo en su arte a partir de 1927 conocido
como Surrealismo, sucesor natural del cubismo. A finales de abril de 1937, el
mundo se conmocionó con la noticia del bombardeo de la ciudad de Guernica,
España, un ataque a un objetivo civil cuya única meta era la práctica de
nuevos métodos de bombardeo de saturación, a cargo de la Luftwaffe nazi.
Picasso respondió a esta acción con la creación de una gran pintura
antibelicista que se ha convertido en un símbolo internacional: El Guernica.
Durante la 2ª Guerra Mundial Picasso vivió en París, donde volcó sus energías
sobre el arte de la cerámica. Desde 1947 hasta 1950, exploró nuevos métodos
en la realización de litografías. Durante este tiempo se implicó públicamente
en política, también se unió al Partido Comunista, y sus vínculos políticos
implicaron que se involucrase menos en su arte. Pablo Picasso murió el 8 de
abril de 1973 en Mougins, Francia, a la edad de 91 años. Durante su vida se
casó dos veces y tuvo cuatro hijos.

Paolo Uccello

(Paolo di Dono; Pratovecchio, actual Italia,

1397 - Florencia, 1475) Pintor italiano. La
primera noticia documental que se tiene de
Paolo Uccello es de 1412 y lo sitúa en el taller
de Lorenzo Ghiberti, donde debió de
formarse, aunque no consta que fuera
escultor.

En 1425 estaba en Venecia trabajando en unos mosaicos para San Marcos,

que no se conocen. En 1432, de nuevo en Florencia, Paolo Uccello realizó el
luneto de la Creación en el Claustro Verde de Santa Maria Novella, una obra
llena de expresividad pero todavía algo tosca.
 Su primera obra maestra corresponde al año 1436: el enorme fresco para la
catedral de Florencia en el que representó al condotiero Giovanni Acuto; la
figura del condotiero a caballo es poderosa y está bien definida, pero lo que
da la medida de su genio es el escorzo del cofre situado sobre una ménsula.
En este escorzo se advierte ya la fascinación que sentía Uccello por la
perspectiva, que es de hecho el rasgo esencial de su obra pictórica, lo que da a
sus realizaciones una singular originalidad e incluso algunas notas de
excentricidad por los extremos a los que llevó los efectos de profundidad.
Vasari lo presenta como un fanático de la perspectiva, a la que consideraba su
«amante más dulce».

La obra que plasma con mayor elocuencia esta atracción por la perspectiva, y
también la más admirada de Uccello, son las tres tablas de La batalla de San
Romano (un enfrentamiento armado entre Florencia y Siena), donde las
armas rotas, los cadáveres y las patas de los caballos aparecen situados en un
escenario enmarañado y complejo. También en la Caza nocturna los caballos
y los perros parecen alejarse hacia el interior del cuadro, mientras que en San
Jorge y el dragón la perspectiva da la impresión de estar sometida a efectos
de decorativismo.

A Paolo Uccello se le atribuyen también numerosas obras al fresco en

diversas ciudades italianas; las mejor documentadas de todas ellas son las
escenas del Antiguo Testamento para el Claustro Verde de Santa Maria
Novella (Florencia), en la actualidad muy deterioradas. Según Vasari, su amor
a los animales, en particular a los pájaros, le valió el sobrenombre con el que
se le conoce.

Leonardo da Vinci

(Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519) Artista,

pensador e investigador italiano que, por su insaciable
curiosidad y su genio polifacético, representa el
modelo más acabado del sabio renacentista.

Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado

florentino, quien no le permitió conocer a su madre,
una modesta campesina. Se formó como artista en
Florencia, en el taller de Andrea del Verrocchio; pero
gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán
(en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque
Ludovico Sforza, llamado el Moro) o Roma (en donde trabajó para Julio de
Médicis). Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado
ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó
a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitecto sólo quedan
indicios en sus notas y bocetos personales.

Es, por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho

destacar como el gran maestro del «Cinquecento» (por encima incluso de
Miguel Ángel o Rafael) y como un personaje cumbre en la historia del arte. De
la veintena de cuadros suyos conservados, destacan La Anunciación, La
Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los
Magos y el Retrato de Ginebra Benzi. El más célebre es sin duda La Mona Lisa
o La Gioconda, retrato que tuvo al parecer como modelo a Mona (abreviatura
de Madonna) Lisa Gherardini, esposa de Francisco Giocondo.

Todas sus obras son composiciones muy estudiadas, basadas en la perfección

del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del color
contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la
técnica del sfumato, que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la
pintura del «Quattrocento» y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en
una especie de neblina característica. El propio Leonardo teorizó su
concepción del arte pictórico como «imitación de la naturaleza» en un
Tratado de pintura que sólo sería publicado en el siglo XVII.

Interesado por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida,
los apuntes que dejó Leonardo (escritos de derecha a izquierda y salpicados
de dibujos) contienen también incursiones en otros terrenos artísticos, como
la música (en la que destacó tocando la lira) o la literatura. Según su criterio
no debía existir separación entre el arte y la ciencia, como no la hubo en sus
investigaciones, dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía
humana (avanzando en el conocimiento de los músculos, el ojo o la
circulación de la sangre), la zoología (con especial atención a los mecanismos
de vuelo de aves e insectos), la geología (con certeras observaciones sobre el
origen de los fósiles), la astronomía (terreno en el que se anticipó a Galileo al
defender que la Tierra era sólo un planeta del Sistema Solar), la física o la
ingeniería.

En este último terreno fue donde quedó más patente su talento de precursor
a juicio de las generaciones posteriores, ya que Leonardo concibió multitud
de máquinas que no dio a conocer entre sus contemporáneos y que la técnica
ha acabado por convertir en realidad siglos más tarde: aparatos de
navegación (como un submarino, una campana de buceo y un salvavidas),
máquinas voladoras (como el paracaídas, una especie de helicóptero y unas
alas inspiradas en las de las aves para hacer volar a un hombre), máquinas de
guerra (como un puente portátil y un anticipo del carro de combate del siglo
XX), obras de ingeniería civil (como canalizaciones de agua o casas
prefabricadas), herramientas y maquinaria de tipo industrial (como una
hiladora, una laminadora, una draga o una cortadora de tornillos),
fortificaciones, etcétera.

Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a tal cantidad de objetivos

diferentes que apenas ejerció influencia sobre la marcha de los distintos
campos que tocó, aunque sí obtuvo un gran prestigio personal, que ha
perdurado hasta nuestros días. Muchos de los proyectos que emprendió
quedaron inacabados cuando otros nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto
a los inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero no se esforzó por
plasmarlas en modelos viables que pudieran funcionar, por lo que la mayoría
de sus investigaciones fueron especulaciones teóricas sin consecuencias
prácticas. En ellas se concentró a partir de 1516 cuando, con las manos
afectadas por una parálisis, pasó a vivir en Francia bajo la protección del rey
Francisco I.