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Anónimo
Análisis y Técnicas de la Obra de Arte
1º Grado en Historia del Arte
Facultad de Filosofía y Letras

Universidad de Oviedo
Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
INTRODUCCIÓN
El óleo se forma con aceite en temple. La creación de la obra y la preparación son dos
procesos que no están muy separados.
Antes del Renacimiento no eran considerados artistas, eran artesanos. Esto cambión en
el siglo XVIII con la aparición de las Academias de Bellas Artes.
¿Por qué se deben estudiar las técnicas artísticas?
Porque están asociadas a las enseñanzas prácticas y las técnicas de oficios. Dan
información y recapitulan datos (para conservación y restauración de las obras).
En el mercado de arte hay una relación entre el mecenas y el artista, también entre el
artista y los proveedores de materiales. Hay relaciones económicas por los materiales.

La técnica al óleo surgió en los albores del Renacimiento.
TEMA 1: ARQUITECTURA
¿Qué es la arquitectura?
Es la intención consciente de crear. Tiene un fin estético y utilitario.

Vitrubio en el siglo I a.C. estableció tres condiciones básicas en la arquitectura: firmitas,
utilitas y venustas.
Alberti en el tratado De Re Aeidifi reivindica la posición del artista (carácter intelectual).
La arquitectura tiene necesidad de dar cobijo y seguridad. Todas las culturas realizan
una serie de temáticas parecidas, aunque tengan diferente estilo. Desean hacer edificios
que perduren.
1. Principales materiales utilizados en la historia
2. Componentes que hacen que el edificio se mantenga
Técnica: método mediante el que se construyen arquitecturas con materiales concretos.

Construcción: conjunto de conocimientos sobre materiales, técnicas y medios de
ejecución del edificio ideado.
Clasificación de materiales por su comportamiento
1. Aquellos que trabajan por comprensión: piedra, barro, conglomerado,
hormigón.
2. Aquellos que trabajan por flexión: madera o acera.
La forma más fácil es la primera.
El material más utilizado es la piedra, tanto por variedad como por posibilidades y
abundancia.
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CONSTRUCCIONES EN PIEDRA
1) Rocas naturales: hay tres tipos de rocas naturales:
- Eruptivas: plutónicas y volcánicas (resistentes, duraderas y fáciles de
trabajar). Destacan el granito y el pórfido (pavimientos).
- Sedimentarias: areniscas y calizas. Son fáciles de tallar, se usan más en

escultura y en los canecillos.
- Metamórficas: pizarra y granito.
Utilizadas desde el origen, evolucionaron y hasta las combinan. El dolmen es el sistema
básico de construcción. Luego están los castros.
Conglomerante de la piedra
El más sencillo se hace con arcilla grasa con agua, da mucha cohesión cuando se seca

(buen aislante).
Piedras colocadas a hueso: encajadas, sin conglomerante (MAMPUESTO) da lugar a la
fábrica de mampostería.
Muro de sillares: piedras de grandes dimensiones más o menos regulares (trabajadas)
dan lugar a la fábrica de sillarejo.
CONSTRUCCIONES EN BARRO
Las primitivas chozas de ramas evolucionaron a las de barro. Utilizaron empalizadas de
madera blanda sobre las que se introduce el barro (armazón). Los ángulos están
reforzados por un pie derecho.
Se extiende por todo el mundo, Vitruvio ya la conocía y era muy común. Hubo
concentraciones en Marruecos (runas de Ksar) y Latinoamérica. En España está muy
ligada a la “Tierra de Campo”.
Hay dos formas típicas, el adobe y el tapial:
➢ Adobe: especie de ladrillo crudo creado y
secado al sol. Se le añade paja y se le apisona a
mano con gradillas/maderas.
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➢ Tapial: conglomerado monolítico compuesto por tierras arenosas y
agua. Se suele construir sobre un zócalo de piedra. Utiliza moldes o
encofrados más grandes que las de adobe. Sobre ellos se pone en
capas el conglomerado. Se quita el molde y seca. Para construir en
altura ponen el molde encima.
LA CONSTRUCCIÓN EN LADRILLO
A partir de la cocción se hacen los materiales cerámicos, y su origen está en el neolítico.
Se limpia los restos de la arcilla, se humedece con agua para pulirla (homogeneizarla) y
se utilizan moldes dentro de las que se mete, apisona y se cuece.
El material más utilizado es el ladrillo, que también dio lugar al estilo mudéjar en España.
El ladrillo es un prima de arcilla cocida con características óptimas para el consumo:

~ Barato de fabricar.
~ Gran aislante térmico y acústico.
~ Gran durabilidad.
~ Se adapta a cualquier tipo de construcción.
HORMIGÓN ROMANO

También llamado opus caementicium o argamasa romana. Está compuesto de mortero
y cal cuya arena es volcánica y de elementos pétreos (caementa), que al fraguar
adquiere gran resistencia.
Gracias a su utilización se construyen nuevas formas (arco, bóveda). Se utiliza tanto de
material de relleno como para construir elementos arquitectónicos.
CONSTRUCCIÓN EN MADERA
Tiene muchos aspectos positivos como:

~ Fácil de trabajar
~ Resistente
~ Tiene propiedades aislantes
~ Calidad estéticas
Pero también tiene desventajas, como que es un material higroscópico (crece y mengua
con la humedad) y es propenso al ataque de los xilófagos.
Es el material más utilizado en todas las culturas, también en construcciones
temporales. Hórreos asturianos, templos orientales…
Evoluciona en el momento en el que se añadieron
vigas (elemento vertical) y no solo dinteles (elemento
horizontal). Forman el entramado (armazón edifico) y
con madera puede hacerse el edificio entero.
TEMA 2: MATERIALES ANTES Y DESPUÉS DE LA INDUSTRIALIZACIÓN Interior- espacio
1.CONSTRUCCIÓN PRE INDUSTRIAL Exterior- volumen
 Diseños estáticos: piezas rectas, dinteles y arquitrabes, apoyados en

estructuras masivas de muros y pilares. (ejemplo, arquitectura griega)
 Sistemas dinámicos que transforman los esfuerzos a flexión a través de arcos,
bóvedas o cúpulas (ejemplo, arquitectura abovedada).
ARQUITECTURA ADINTELADA
Los primeros ejemplos de construcciones fueron realizados con este
sistema. Es un arquitectura sólida dominada por la masa y no por el
espacio (ejemplos, estructuras megalíticas y arquitectura egipcia). Es una
arquitectura de exteriores y de volúmenes. Esta arquitectura no es
exclusiva de Grecia.
ARQUITECTURA ABOVEDADA
A partir del Imperio Romano hay una nueva fórmula para cubrir
espacios (arco, bóveda y cúpula). Superan las limitaciones de las
estructuras adinteladas y permiten hacer estructuras colosales. Es

una arquitectura de interior.
El sistema básico es la utilización de arcos, que luego evoluciona
(sucesión de arcos, Coliseo, cúpulas inmensas.
En el románico se sustituyen por armazones de madera y en el
gótico los nervios revolucionan las bóvedas.
2.NUEVOS MATERIALES Y RENOVACIÓN ARQUITECTÓNICA
Con la Revolución Industrial hubo cambios en la vida cotidiana debido a las nuevas
necesidades (estaciones de ferrocarril, puentes…)
HIERRO
Es uno de los materiales más importantes. El hierro fundido surge en el siglo XVIII, pero
a nadie se le ocurrió utilizarlo antes en arquitectura por:
a) El hierro se extraía en pequeñas cantidades antes de la Revolución Industrial.
b) Les faltaba técnicas para su preparación, era poco resistente a cambios
meteorológicos.
El hierro no tiene importancia a menos que se produzca de manera industrial.
Los primeros armazones de hierro fueron del siglo XIX, el hierro empezó a sustituir la
madera a partir del incendio del Teatro de París.
Un hito en la construcción con hierro es la
construcción del Royal Pavilion. A pesar de su
importancia lo más revolucionario fue la construcción
del Crystal Palace de Paxton (enorme invernadero), ya
que revolucionó la arquitectura. Es un edificio de
grandes dimensiones utilizando materiales
revolucionarios (hierro y vidrio).
Posteriormente se le otorga hasta valores estéticos y se utiliza en edificios como la
cúpula de la Ópera de París o en bibliotecas. También en estaciones de ferrocarril.
VIDRIO Y CRISTAL
Se trabajan cuando están calientes. Desde el siglo XV se llama cristal al
producto más transparente del cristal.

Todas las mejoras permiten que se emplee en grandes construcciones.
Evoluciona a los muros cortina.
Se desarrollan nuevos elementos gracias al desarrollo del vidrio y cristal, como
los invernaderos.
ACERO
A mediados del siglo XIX hay un desarrollo del hierro fundido y
a finales del siglo se descubre el acero, que es más elástico y
resistente. Esta capacidad de flexión hace que sea mejor que el
hierro fundido y lo suplante. Realizan aceros con multitud de
perfiles y también aparece el hormigón en este siglo.
HORMIGÓN
Fusión de mezclas (caliza, arcilla con producción del Clinker). El
hormigón actual deriva del hormigón romano pero sus
compuestos son artificiales.
La revolución del hormigón vino con el hormigón armado
(armaduras metálicas que absorben los esfuerzos), son piezas
con gran resistencia. Se utilizan tanto en elementos verticales
como horizontales.
TEMA 3: PROCESOS Y ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS
La arquitectura es el lenguaje y sus elementos el vocabulario.

1.SOPORTES ARQUITECTÓNICOS
Conjunto de elementos verticales que realizan función sustentante. El más habitual es
el muro. Las columnas y pilares tienen función de soporte y sujeción, se les llama pie
derecho.
MUROS
Hay varios tipos:

- Muros resistentes: tienen función sustentante.
- Murros cerramiento: tiene la función de acotar y definir el espacio.
Colocación en los muros de contrafuertes que permiten aligerar los pesos. Los nervios
de las bóvedas llevan el peso a puntos específicos del muro. Los contrafuertes románicos
son la continuación de los pilares.
El aparejo es la estructura o disposición constructiva de un muro. Hay distintos tipos de
aparejo:

Aparejo a soga Aparejo a tizón Aparejo a soga y tizón
Según el tipo de material, el aparejo puede ser:

o De sillería: bloques regulares de piedra en forma de paralelepípeda (sillar), se
suelen disponer en bandas horizontales. Hay un aparejo isódomo cuando se
muestran las mismas caras y son rectangulares.
o Almohadillado: son sillares labrados en sus bordes y tienen forma de
almohadilla. Fue muy utilizado sobre todo en el Renacimiento.
o Ciclópeos: son muros de piedra enorme de piedras de diferente tamaño
(grandes) y dispone los sillares sin argamasa (a hueso). Más utilizado en Egipto y
Mesopotamia.
o Sillarejo: sillares pequeños labrados toscamente y pueden estar unidos o en seco
(a hueso).
o Mampostería: aparejo de piedras colocadas sin ninguna preparación y el tamaño
de las piedras es pequeño. También se les conoce como mampuestos.
o De ladrillo: son regulares (por molde). Depende de la posición del ladrillo son de
diferentes tipos – a sardinel, a espiga o flamenca-.
o Mixto: combina el ladrillo, la sillería, la mampostería… Con esta técnica aparece
el aparejo toledano en el siglo XVII.
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almohadillado ciclópeo
sillería
Aparejo toledano
sillarejo mampostería
1.1.ELEMENTOS VERTICALES DE APOYO: PILAR, COLUMNA Y PILASTRA

PILAR
El pilar permitió el modelo de construcción más simple, el sistema
adintelado (dos pilares sostienen un dintel o arquitrabe). El pilar soporta
la carga del elemento horizontal, el cual está hecho de madera o piedra.
El pilar se utiliza mucho como soporte. En el románico suele ser
cruciforme porque recoge el peso de los arcos fajones.
El pilar evolucionó (incluso se hacen de hierro forjado). Permiten crear
muros abiertos y se pueden hacer incluso de hormigón armado.
COLUMNA
La columna está asociada a la arquitectura adintelada. Es un soporte arquitectónico y
también tiene función decorativa.
En la arquitectura egipcia ya había un uso sistemático de ella, al igual que en Grecia. Hay
diferentes tipos: estriada, helicoidal, cariátide y atlante (masculinos).
Las piezas que forman el fuste se llaman tambor. El capitel está formado por ábaco,
equino y collarino. La columna llega a crear sus propias tipologías: Estóa, columnatas…
Es importante el desarrollo de espacios arquitectónicos en claustros, patios de
hospitales…
PILASTRA
La pilastra está adosada al muro y tiene carácter decorativo, no tiene función de soporte.
2.ELEMENTOS ESTRUCTURALES SUSTENTADOS: DINTEL Y ARCO
Una arquitectura adintelada se da con dos elementos existentes (pilar) y uno sustentado
(dintel). Se conoce como “luz” al espacio entre los dos pilares.
ARCO
Su descubrimiento permitió realzar espacios mucho mayores y revolucionar el sistema
de cubiertas con las bóvedas. Clasificación de arcos:
o Según su forma:
• Semicirculares (arco de medio punto y arco peraltado o realzado)
• Rebajados
• Escarzano, carpanel y abatido
• Con clave apuntada (lacetado, ojival, conopial…)
• Sobrepasados (herradura), con el intrados decorado
o Por su función:

• Abocinado
• Angular
• De descarga, dentro del muro sobre
dintel
• Diafragma, varios arcos seguidos
• Entibo
• Fajón, divide la bóveda de cañón
• Formeros, divide varias naves
• Triunfal, desde la nave al presbiterio
• Toral, sostiene un cimborrio de bóveda
2.1.LAS CUBIERTAS
Conjunto de elementos que cierra la construcción con su parte inferior. Nos referimos
tanto a la parte exterior como a la interior. En el exterior hay chapa, teja… En el interior
hay varios tipos como la armadura (esqueleto del edificio que se suele hacer de madera).
BÓVEDAS
Cubiertas de sección curva que se apoya y se cierra. Se conocen desde época smuy
antiguas y hay varios tipos:
~ De sección semicircular: bóveda de cañón, anular (forma de pasadizo), vaída, de
horno, bóveda de arista (superpone dos bóvedas de cañón):
~ De nervios: bóveda de crucería (todos los nervios convergen en un punto para
aligerar carga) bóveda estrellada y bóveda de abanico

CÚPULAS
Es una cubierta semiesférica situada en una planta. Todos sus
empujes son iguales en todo el perímetro. Permite crear
espacios muy amplios. Hasta el siglo XIX había dos problemas:
el peso y pasar de planta cuadrada al círculo, que se resuelve
mediante las trompas (bovedilla en forma de cono) y las
pechinas situadas en cada uno de los lados.
El tambor le permite mayor elevación y a veces está perforado
por vanos que dejan entrar la luz.
Los que primero hicieron grandes edificios con cúpulas son los romanos (Panteón), luego
los bizantinos (Santa Sofía) (Taj Mahal, Mezquita de la Roca…).

Durante la Edad Media la arquitectura se limita al ámbito religioso y
la cúpula no se usa tanto. En el Renacimiento vuelven otra vez
revolucionando ( llega con la cúpula de Santa María de Brunelleschi).
Después de esto la cúpula impone y en el Barroco se lleva a otro nivel.
Ahora ya no está tan relacionado con lo religioso.
Hubo una evolución enorme en la cúpula que llevó a dar a la cúpula
geodésica.
3.ORNAMENTOS ARQUITECTÓNICOS
Cada elemento recibió sus propios ornamentos arquitectónicos (incluso
los muros estaban decorados). Solían ser materiales vegetales o figuras
geométricas.
- Ornamento caligráfico árabe
- Ornamentos geométricos simples (repetición de motivos)
- Ornamentos complejos (se mezclan, entrelazan… típico en
arquitectura árabe)
- Ornamentos vegetales (hojas de acanto…)
- Ornamentos antropomórficos (también zoomorfos)
También hay piezas con carácter ornamental, son los coronamientos
ornamentales (colocados como remates, gárgolas, agujas, linternas…)
También hay soportes ornamentales (sujetan elementos arquitectónicos como
canecillos… ), elementos ornamentales adosados (medallones, celosías…) y
revestimientos ornamentales (azulejos, mosaicos…).
4.TIPOLOGÍAS ARQUITECTÓNICAS
Este concepto ha tenido un papel fundamental en la historia. Alude a aquella forma que
adquiere un edificio para responder a una función concreta. Es un esquema
arquitectónico que se repite a lo largo de la historia y da una gama de edificios
funcionales. Hay tres tipos de arquitecturas: religiosa, militar y
civil.
Tradicionalmente a clasificación se le dio en función de su uso pero
ahora también en función de su forma.
Modelos más antiguos (templos, tumbas...) son estructuras
masivas (zigurat, pirámides), también las estructuras adinteladas.
Los griegos y romanos lo evolucionaron. La invención de su tipo de
casa fundamental en el Mediterráneo (a partir de un patio)
permite la creación de otras tipologías como monasterios o
claustros. También crearon una serie de tipologías fundamentales para el ocio (en Roma
se monumentalizaron) y espacios públicos. Las tipologías de los templos griego y romano
son fundamentales. También lo es la basílica romana porque va a permitir el desarrollo
de las plantas basilicales cristianas.

Con la Edad Media aparecen nuevas tipologías (las religiosas dominantes) como iglesias,
catedrales, murallas, fortalezas…
Cuando se acerca el Renacimiento (en el Barroco desarrollo de ciudades) surgen
también las lonjas…
Fue fundamental la creación con los Reyes Católicos el hospital, influyó muchísimo en
toda la arquitectura hasta el día de hoy. Tiene su origen en el hospital de Milán Filarete.
A partir del Renacimiento y Barroco se expande la tipología de
palacio urbano, también hay un gusto por las villas urbanas
dedicadas a nobles. La monarquía también construye palacios
reales, que son vivienda y centro de administración.
En el siglo XIX las ciudades se saturan y se construyen bloques
de viviendas (en altura) debido al éxodo rural. Como el suelo es
más caro se construye en altura, haciendo así rascacielos. Las
clases burguesas reclaman actividades de ocio, por lo que salen
las tipologías de teatro y renacen tipologías de museos y bibliotecas (a veces incorporan
hierro). La tipología de museo es establecida por Jean Nicolas Louis Duran, se estructura
en galerías en torno a salas circulares inscritas en plantas cuadradas.
La Revolución Industrial trae numerosas tipologías arquitectónicas adaptadas a los
tiempos (mercados). Todos los avances con los materiales permiten hacer puentes.
Hoy en las tipologías hay dos corrientes: función que desempeñan y espacios dominados
por lo humano.
TEMA 4: MATERIALES Y HERRAMIENTAS PARA LA PINTURA. PRINCIPALES PROCESOS
ESCULTÓRICOS: MODELADO, TALLA, LABRA, VACIADO Y FUNDICIÓN
La escultura es el arte de manipular materiales para crear espacios tridimensionales
(altura, anchura y profundidad). Por ello, la escultura se puede percibir por todos los
ángulos. Mientras que en obras pictóricas no se tiene en cuenta donde se expone, la
escultura sí. Se distinguen dos tipos de esculturas:
 La escultura de bulto redondo (exenta): puede ser rodeada.
Los primeros ejemplos de bulto redondo son las venus del
Paleolítico, luego aparecen en Egipto y Mesopotamia. En la
Grecia arcaica siguen la ley de frontalidad, son esculturas
exentas pero están concebidas para observarse solo de frente.
A partir del siglo V hay abandono del hieratismo, el uso del
bronce favorece la transmisión de movimiento. Un paso
importante es el “Zeus de Artemisión”, el “Diadúmeno” y el
“Apoxiomenos”.
El culmen de la escultura griega se da en el helenismo, pues el
movimiento de la escultura se mejora y se hacen en grupos
escultóricos también.

 El relieve: si está adherido al muro o a la pared tiene un carácter más pictórico.
Los relieves son concebidos para verse de frente. Hay distintos tipos de relieve:
- Relieve excavado: no sobresale, está hundido respecto a la superficie,
está muy marcado para que haya contrastes de luces y sombras.
- Relieve saliente: dentro de él hay dos tipos a su vez. Altorrelieve (la figura
sobresale más de la mitad del muro, casi parece de bulto redondo) y bajorrelieve
(sobresale muy poco). También hay medio relieve.
Schiacciato combina distintas profundidades en las figuras y Donatello lo lleva a
su culmen con “San Jorge y el Dragón”.
1.MATERIALES EN ESCULTURA
ARCILLA
Es el material más común y el primero en ser
utilizado por el hombre para crear objetos. Está
constituido por una mezcla de minerales arcillosos
(parte plástica) a lo que se añade arena de cuarzo,
feldespato… que cuando se unen crea una
sustancia moldeable.

Una vez que se crea la mezcla se aprieta para tener una pasta homogénea. Una vez
hecha se deja secar en moldes (normalmente). Puede ser material en sí mismo pero
suele ser utilizado para hacer modelos. Una de sus variedades es la terracota , es rojiza
por la gran cantidad de hierro.
MADERA
Muy utilizada al ser abundante y fácil de utilizar. Su problema es que reacciona de
manera diversa a aspectos externos. Hay dos tipos de madera:
~ Coníferas: semilla al descubierto, hojas duras y perennes.
~ Caducifolias: semillas dentro y hojas largas.
Las maderas más utilizadas son las de nogal, ciprés,
encina, pino y peral.
La madera se trabaja muy bien, pues es más blanda
que la piedra, pero es materia viva, su mayor
inconveniente es la humedad (absorbe y desprende
agua, cambia de tamaño). Otro problema también es
que salta la pintura en las capas de policromía.

Las maderas secas poseen el 15% de humedad y las maderas húmedas el 60 % de agua,
por lo que las secas son las adecuadas para la escultura. Cuando se elige el tronco de la
madera se tiene que tener en cuenta que la parte interna tiene menos humedad que la
externa. La madera está expuesta al ataque de xilófagos.
A partir del siglo XVIII se utilizan maderas de importación de buena calidad y gran
colorido. Ébano, cedro y teca. A día de hoy se utilizan maderas de producción industrial.
PIEDRA
No todas las piedras son iguales, hay que conocerlas y saber sus características.
Las rocas magmáticas se forman por la consolidación del magma. Son duras y resistentes
y permiten el pulimento fino (acabado liso).
• Plutónicas: intrusivas, profundas o consolidadas (dentro de la

corteza terrestre). Granito, diorita, pórfido…
• Volcánicas: se solidifican cuando el magma está fuera de la
corteza terrestre. Basalto y obsidiana (negruzcas).
• Filonianas: se forman cuando los restos del magma se introducen
por fisuras de rocas ya existentes.
• Sedimentarias: se producen por sedimentación de otras rocas.
Son fáciles de tallar y menos resistentes. Arenisca, travertino. Más utilizada
• Metamórficas: derivan de otras y se crean por la alteración de su estructura o
composición. Pizarra. Más utilizada
METAL
Oro, plata, bronce y aleaciones.
Todas las culturas los han usado. El cobre más utilizado por su
abundancia y su facilidad de manejar. Su problema es que solo
se puede trabajar en láminas, por lo que se mezcla con otros
minerales dando aleaciones como el hierro.
El marfil y el hueso con los materiales más antiguos en ser

utilizados. El marfil es escaso y con el tiempo cambia de color,
por lo que es poco utilizado en occidente.
La cera también se puede utilizar, pero suele ser un material

para hacer bocetos o modelos.
El yeso, el estuco y el plástico (por su corte y estructura) también se utilizan.
2.INSTRUMENTOS Y HERRAMIENTAS
Los instrumentos son comunes para la escultura en madera y piedra.

▪ Para medir, trazar y comprobar: plomada, escuadra, cintas
métricas, compases, plantillas o cuerdas.
▪ Para devastar o labrar: martillos, punteros, cinceles.
▪ Para taladrar: taladro, trépano.
▪ Para pulimentar: limas, escofinas y piedras.
3.TÉCNICAS ESCULTÓRICAS
 Proceso aditivo o modelado: se añade material conforme se moldea (materiales

blandos, se da forma con la mano).
 Proceso sustractivo o talla: se sustrae material para dar forma.
 Proceso de fundición o vaciado: técnica de producción- el material líquido pasa
a un molde hasta que se solidifica.
 Proceso mixto o construcción: unión de distintas piezas para formar esculturas.
3.1.EL MODELADO
Se da en materiales blandos por medio de la adición
de materiales. Ofrece al artista la capacidad de
corregir errores. Trabaja colocando bloques de
arcilla sobre una piedra y los trabaja. Mayólica: arcilla
cocida a baja temperatura.
- Modelado en sólido: sobre todo para piezas
de menor tamaño.
- Modelado en hueco: vaciar el interior de la
pieza para hacerla menos pesada.
3.2.TALLA
En el norte y en el centro de Europa se utiliza en mayor medida la madera, mientras que
en el sur se inclinan por la piedra generalmente.
Es un proceso de trabajo donde no se pueden corregir los errores, por lo que se suelen
utilizar bocetos y modelos. Si se utilizan bocetos es talla indirecta y si no es directa.
TALLA EN MADERA
Se puede moldear la talla y tallar, pero la dificultad de trabajar
con ella hizo que solo se hicieran esculturas de pequeño tamaño.
En el Barroco español se hicieron muchas de diferentes tamaños.
Los pies y brazos se ensamblan después al tronco, pues se
trabajan por separado. Se ha tendido a ocultar el material
porque no es bonito, puede tener grietas. En el siglo XV la
madera se pulimenta y se deja la policromía.
TALLA EN PIEDRA
En un principio la piedra se trabajaba directamente (con golpeo). A partir
del siglo XV a.C. hay bocetos preparatorios en arcilla. A partir de él hay

modelos en barro. Con la invención de otros instrumentos se trabajaba
en bloques y se podía medir.
Plomada: en el modelo inicial se toman medidas y con una cuerda se
trasladan a los bloques con reglas.
Alberti revoluciona esa idea y da el Definidor: un arco graduado
horizontal se coloca en la parte superior del modelo en
cuyo centro hay un brazo giratorio graduado con peso
final. Para obtener un punto concreto se gira el brazo
giratorio.
En el siglo XVIII con el puntómetro se simplifica el
trabajo del artista. Sirve para realizar una pieza del
miso tamaño del bloque, donde realiza puntos para
conseguir medidas que se trasladan al modelo (Las
Tres Gracias de Cánovas).
TALLA EN MARFIL
Es fácil de trabajar, pero la longitud y la curvatura son una
limitación. Se humedece para evitar que se astille y se hace
más blando. Se trabaja con los mismo instrumentos que la
madera.
TALLA EN METAL
No se trabaja con facilidad, se funde o se martillea. Técnica de fundición o colado
(materiales en estado líquido, no es un proceso directo y necesita un modelo previo que
se hace con la técnica de modelado en arcilla o yeso, modo de reproducción). El material
más utilizado en la fundición es el bronce.
▪ Fundición a la cera perdida: maciza (esculturas de pequeño
tamaño porque la pieza queda totalmente llena y maciza;
modelo en cera con la que se obtiene un molde o túnica donde
se dejan unos orificios llamados bebederos) y en hueco (sobre
un material y se crean otros orificios de entrada y salida; el
metal se enfría y se rompe el molde, quedando hueca y más
ligera).
▪ Fundición a la arena: en lugar de cera se utiliza arena; dos moldes, uno en
positivo y otro en negativo, cuando se unen queda un pequeño espacio entre
ambos que es donde se vierte el metal fundido. Este sistema permite realizar
infinidad de copias, pero más imperfectas.
▪ Elaboración directa por medio de martillo y cincel sobre láminas de bronce, oro,
plata… Dos técnicas: repujado, consiste en martillear la pieza desde el interior

creando un relieve; martilleo, para piezas de mayores dimensiones y
martilleando las láminas desde el exterior.
▪ Ensamblaje
3.3.VACIADO
Existen diferentes técnicas a la hora de trabajar para la realización de esculturas:
TÉCNICA DE ELABORACIÓN DIRECTA

Trabaja el material sin fundir, a partir de láminas ya preparadas. Esla forma más antigua
de trabajar el metal y se utilizan dos técnicas:
- El repujado consiste en golpear desde la parte interna hacia el exterior de la
lámina. Con posterioridad pueden unirse varias láminas que darán lugar a una
pieza de mayor tamaño.
- El martilleo se utiliza para piezas de mayor envergadura con decorados en
relieve. Consiste en golpear en su parte exterior la lámina de metal colocada
sobre un alma de madera. La lámina de metal cuando se golpea se va
endureciendo, por lo que se hace necesario ir calentándola mientras se trabaja
(recocido), así devuelve al material su elasticidad sin modificar su forma.
En ambas técnicas se utilizan cinceles y buriles para rematar la pieza. En el caso de las
piezas grandes, el soporte de madera se cubre con betún para garantizar una mejor
adherencia del metal a las numerosas láminas. Con las piezas pequeñas, la lámina de
metal se apoya sobre un cojín de cuero para hacer el repujado.
La lámina metálica se modelaba en relieve martilleando con punzones su cara interna o
externa (Máscara de Agamenón).
TÉCNICA DE FUNDICIÓ O COLADO

En primer lugar, el artista realiza un modelo de barro o yeso fiel al resultado final que
desea conseguir. Después se construye un molde de la obra en piedra, barro cocido o
yeso. Por último se produce el colado, vertido del metal fundido en el molde. Las
estatuas pequeñas se pueden vaciar en bronce macizo, pero el peso que tendría una
estatua grande así favoreció el desarrollo de sistemas para vaciar en hueco. Esto se
consigue vertiendo el metal fundido en un estrecho espacio comprendido entre el
mencionado núcleo y un molde sacado de un modelo. Una vez enfriado el metal y
solidificado, se saca el molde. Hay distintas variantes de esta técnica:
~ Fundición maciza: Utilización de un molde abierto para piezas de una sola cara
en el que se vierte el metal fundido. Es una técnica más útil para la orfebrería.
También se puede utilizar un modelo macizo de cera que se recubre con barro y
se mete en el horno, cociéndose el barro y fundiéndose la cera. De esta manera,
el molde queda hueco y se introduce el metal fundido en el lugar que ocupaba
al cera. Después se quita el barro y queda como resultado final el modelo en

bronce. El resultado es caro, muy pesado y el proceso de enfriado no es al mismo
tiempo en todas las partes. Técnica ligada a figuras de pequeño tamaño.
~ Fundición en hueco: Se realizan dos moldes huecos que se unen mediante clavos
y se procede a cocerlos. Después se vierte el metal cocido eliminando el barro
cocido una vez se ha secado el barro.
~ Fundición a la cera perdida: habitual en la Grecia de VI-V a.C.
- Directo (con alma): sistema más primitivo. Se construye un núcleo,
macho o alma en arcilla, con la forma tan solo esbozada. Sobre él se aplica
la cera, que es el elemento que modelamos. Cuando la cera ha
endurecido, se aplica una capa de arcilla encima gruesa para que resista
al echar el metal. Se mete en el horno y se cuece, desapareciendo la cera
y quedando un molde hueco con un doble tabique por el que se vierte el
metal fundido.
- Indirecto (por piezas): método del Helenismo. Se hace un modelo en
arcilla, se cuece y se aplica yeso encima, haciendo el molde. Una vez el
yeso está seco, se corta en distintas piezas. Cada una se recubre con una
lámina de cera y arcilla. Eliminamos el yeso y se recubre con arcilla, a
partir del cual procedemos a la manera del sistema directo.
~ Fundición a la arena: variante similar a la cera perdida. Se crean una forma
positiva y otra negativa del mismo motivo, dejando un espacio entre ellas para
que entre el metal. El modelo se realiza en arcilla o yeso, que se introduce en
una caja de arcilla y arena húmedas, dejando la huella. Se hace una muestra en
positivo del modelo. Se cuecen al horno aunque de calidad no muy refinada.
Las grandes fundiciones fueron muy escasas durante la EM, pero en Italia el siglo XV
revitalizó la metalurgia artística con la realización de puertas de bronce.

TEMA 5: POLICROMÍA APLICADA A LA ESCULTURA. DORADO Y ESTOFADO
Una de las principales motivaciones para policromar era que representaban a
divinidades por lo que colorearlas parecería que estaban hechas de materiales mucho
más ricos; también para ocultar materiales. Hasta el arte contemporáneo no se valoran
estos materiales. Trabajo de pulimento para lograr diferentes texturas y resaltar las
cualidades del cuerpo humano. En la escultura contemporánea podemos ver el aprecio
por los nuevos materiales.
La policromía en la escultura se da con la combinación de distintos materiales, aplicar
directamente sobre la superficie áspera o pulida, mediante el temple, etc. Normalmente
se barnizan después, pero tienen poca duración; conservación de unas esculturas
egipcias gracias al clima seco.
La escultura pétrea fue policromada pero el material más policromado ha sido la

madera, después protegiéndola con un barniz. Existían varios tipos: compacta, teñido…
Las piezas, esculturas de madera normalmente estaban compuestas por distintas piezas
unidas por samblaje o colas. Para igualarlas y disimular las zonas de ensamblaje, se
utilizan emplastes normalmente de yeso. Se pule la madera que la alisa y se aplica el
barniz que protege la pieza y ayuda a conservar los pigmentos.
o Preparación de la superficie:
• Encolado: aplicación de varias capas de cola para
impermeabilizar el soporte.
• Imprimación o aparejo: aplicación de yeso para formar
una superficie lisa.
• Pulimento: con lija o muñequilla húmeda.
o Aplicación de pigmentos.
o Dorado y estofado: procedimiento laborioso en el que se intenta imitar telas
preciosas (stoffa). Embolado: primera fase del estofado que
permitiría una mayor adhesión de los panes de oro, una vez
aplicados se pasaba a la fase del dorado, toda la talle se cubría de
láminas muy finas de oro o plata. Una vez hecho esto, se aplica la
policromía y luego ya se procede al estofado en sí (limitar las
stoffas).
o Encarnación: las partes visibles se pintaban generalmente al óleo
imitando las tonalidades de la piel.
TEMA 6: EL DIBUJO
El dibujo es una técnica artística bidimensional o plana que necesita un soporte. La
imagen del dibujo tiene dos dimensiones: altura y anchura, y aunque en ocasiones se
utiliza materia tridimensional como en un mosaico, el resultado es de visión plana.
La característica primordial del dibujo es el trazo o la línea, y se diferencia de las demás
técnicas por los siguientes factores:
- Soporte: Cualquier superficie plana puede ser utilizada como soporte del dibujo,
aunque históricamente se fueron seleccionando ciertos materiales más
adecuados: tablillas, láminas de terracota, etc. Pero el soporte por excelencia es
el papel.
- Técnica: son variadas, pero fundamentalmente se basan en marcar con puntas
afiladas o dibujar con diferentes materiales.
- Tiempo de ejecución: se caracteriza por la brevedad de su ejecución.
- Dimensiones: a la par que su relativa rapidez de ejecución, las dimensiones del
dibujo son generalmente reducidas.
1.LOS SOPORTES

Un salto en cuanto al soporte lo encontramos en el Antiguo Egipto con la utilización del
papiro, que se obtenía del tallo de una planta muy abundante
en las orillas del Nilo. En un principio fue utilizado solamente
por el entorno del faraón ya que su elaboración era
monopolio real y no fue hasta el periodo de Alejandro Magno
cuando se universalizó su uso.
Con el tiempo fue decayendo su utilización, dando paso al
pergamino, material más duro y menos perecedero. El
pergamino se obtiene de una res.
No fue hasta la época del Bajo Imperio cuando se dejó se dejó de utilizar definitivamente
el papiro.
Durante la Edad Media el pergamino constituyó un soporte
adecuado para dibujar, pero debía estar trabajado con piedra
pómez.
El papel era conocido por los chinos desde el siglo II, pero su
empleo no se generalizó en Europa hasta el siglo XV
Un momento importante en la consideración de los soportes
para dibujo tuvo lugar en el siglo XV, cuando la figura del pintor
comienza a sobrepasar el papel de artesano y empieza a ser
considerado como artista.
Pero sin duda, será la invención de la imprenta en ese mismo siglo el hito que marcará
la difusión por papel, y con él, su utilización por parte de los artistas, reconociendo,
además de su bajo coste, las posibilidades expresivas que se abrían.
2.MATERIALES, UTENSILIOS E INSTRUMENTOS

Los materiales sobre los que se dibuja en la Prehistoria serán más materiales naturales.
La técnica más antigua y sencilla consiste en dibujar con los dedos de la mano
presionando una superficie blanda (arcilla, barro).
El dibujo en superficies blandas como la arcilla, da paso rápidamente a las incisiones en
paredes rocosas. Estas incisiones se realizaron con diferentes materiales duros (huesos,
guijarros). Posteriormente, sobre materiales cerámicos se dibujaba con trozos de piedra,
finalmente con puntas metálicas.
Con la llegada del papiro, pergamino y papel, se experimentaron nuevos instrumentos
y utensilios que ayudarían a explorar al máximo sus posibilidades.
Entre los utensilios e instrumentos más destacados están:

o Punta metálica
• Estilete con punta de plomo: Finas varillas de plomo o plomo
y estaño. Se utiliza sobre el papel sin tratar. Su trazo es
negruzco y se puede ir decolorando hasta desaparecer por
la oxidación.
• Estilete de punta de plata: Fue utilizado por los romanos
para dibujar sobre tablillas y necesita de un fondo preparado
o coloreado sobre el que deja un trazo brillante.
En un principio el dibujo con estilete se utilizó como preparación
para dibujar con pluma o realizar apuntes.
o Pluma: En los primeros siglos se usaban plumas de caña, luego fueron las plumas
de oca, pavo, cuervo y cisne. La pluma fue habitual hasta el
siglo XIX, cuando fue sustituida por el lápiz. La pluma se puede
usar con distintos tipos de tinta:
• Tinta china de color negro brillante.
• Tinta de ácido tánico, la presencia del ácido provoca
corrosión del papel.
• Otras tintas de distintos colores utilizadas sobre papel
preparado.
• Bistre, preparado proveniente del hollín.
• Sepia, se diluye el agua.
o Pincel: se compone de un soporte rígido, normalmente de madera con una punta
de pelo. Se usa mojado en las tintas y aplicándolo sobre el papel.
o Carboncillo: Se obtiene por la carbonización de palitos de madera y se
utiliza para trabajos preparatorios o apuntes. Para prolongar su
duración, a veces se le añade goma arábiga. Tintoretto lo utilizó
siempre.
o Lápiz negro: Es un lápiz arcilloso y blando utilizado primero como
barrita y luego como mina. Su color es negro y se utiliza solo o con otra técnica.
o Grafito (lápices): Ha sido usado en forma de barra desde el siglo XVI. Es una
forma cristalizada de carbono natural que dibuja con tonos grises y brillantes.
o Piedra de Italia: Es una piedra negra arcillosa y blanda que puede raspar el papel
al contener cristales de sílice. Otorga un trazo ancho y vigoroso.
o Sanguina: Es arcilla ferruginosa o hematites, y se llama también lápiz rojo. Existe
en barritas y en lápices, fue muy usada desde el siglo XV.
o Clarión: Es una pasta blanca de yeso y talco. Se emplea para otorgar luz en los
dibujos hechos con lápiz negro y sanguina.
o Pastel: Pasta construida por pigmentos minerales o vegetales en polvo mezclada
con diferentes sustancias. Se moldea en barritas cilíndricas de diferente dureza.
El difuminado efectuado con los dedos de la mano facilita la mezcla de los colores
y permite obtener diferentes gradaciones cromáticas. Se puede
emplear sobre cualquier superficie áspera. El pastel ya se usaba en

los siglos XV y XVI pero alcanzó su máximo esplendor en el siglo XVIII
con el Rococó.
o Albayalde: Conocido también como blanco de plomo y blanco de
España. Su color es blanco y ofrece luminosidad a los dibujos
realizados en pasta o tinta.
o Acuarela: Se compone de pigmentos pulverizados que se
mezclan con goma arábiga y se diluyen en agua. Se
caracteriza por su transparencia y luminosidad. Se aplica
sobre el papel con pincel. Fue en los siglo XVIII y XIX cuando
la acuarela adquirió importancia.
o Gouache: Comparte con la acuarela sus principales elementos, ya que emplea
pigmentos molidos con goma arábiga y agua, pero se le añade yeso o blanco de
plomo.
3.LA IMPORTANCIA DEL DIBUJO EN LAS TÉCNICAS ARTÍSTICAS

La máxima aspiración del arte primitivo fue llegar a la maestría del contorno. Dominar
la ejecución de la línea del contorno sería la mayor preocupación.
La elección del papel: color y granulado, estaba vinculado al uso de técnicas diversas.
El dibujo ha sido siempre considerado fundamento de las tres artes (arquitectura,
escultura y pintura), y se le asoció una fuerte connotación intelectual como proyección
plástica de la Idea.
Desde el inicio de la Humanidad el dibujo está presente como medio de expresión y
representación del mundo. A través del dibujo se plasma la concepción del mundo en el
que vive, siendo la más antigua expresión creativa en sí.
En algunos momentos de la historia, el dibujo fue concebido como “paso previo o
preparatorio” para otras manifestaciones, pero también ha sido reconocido como
expresión artística en sí misma.
El dibujo alcanzó su máximo reconocimiento en el Renacimiento italiano, ya que era
considerado esencial en la dinámica del aprendizaje artístico.
Se puede distinguir en el proceso del dibujo un nivel más creador, el apunte, que trataría
de plasmar sin más la idea, y un nivel de ejecución o de dibujo acabado. A lo largo del
siglo XVI se distinguen ya diferentes modos de realizar un dibujo:

- Apunte, toques ligeros y esbozados
- Perfil, primeras líneas del contorno
- Dibujo acabado o preparatorio, donde se toman en cuenta contornos,
luminosidad profundidad y colores
- Cartón, del mismo tamaño que la obra a realizar y con todos sus detalles y
definiciones de color.
El dibujo como fundamento de las 3 artes y como base teórica en sí misma, fue
concebido a finales del siglo XIV por Cennini. Se consideraba producto directo del
intelecto y expresión de las ideas, por lo que la línea del dibujo, su límite, su contorno,
será el elemento que lo defina.
En el siglo XVII se recogió la concepción florentina del dibujo dentro de una corriente
más clasicista de la pintura, sin embargo Rubens defendía la preponderancia del color.
Ya en el siglo XIX, se reforzó la tendencia por el estudio y clasificación de los dibujos.
En el siglo XX, el dibujo experimentó un importante impulso, para finalmente y lejos de
debates históricos, reconocer el valor del dibujo bien sea como expresión a rtística
autónoma, o bien como apunte o medio para la realización de otras obras de arte.
TEMA 7: EL GRABADO Y LA ESTAMPACIÓN

El arte del grabado es un proceso creativo en el que el artista construye una imagen
sobre cualquier material capaz de ser incidido o cortado, convirtiéndolo en la matriz que
después se entinta e imprime para pasar la imagen a un papel. Las impresiones reciben
el nombre de estampas y el número de impresiones obtenidas a partir de un mismo
grabado se llama tirada.
El papel que debe utilizarse es blando y elástico para que penetre en los surcos de la
matriz y busque la tinta.
Es habitual que el autor realice una o varias pruebas de estado
sobre papel mientras elabora la plancha para valorar el trabajo
realizado e introducir modificaciones con el fin de conseguir
una estampación lo más cercana posible a su idea original.
El aparato que se utiliza para el grabado se llama tórculo.
1.TIPOS DE GRABADOS
1.1.GRABADOS EN RELIEVE
Este tipo de grabado se realiza por lo general en madera, en el que las líneas que
componen el dibujo a estampar quedan en relieve, eliminando material de alrededor
para después entintar estas crestas.
El grabador vacía en la matriz los blancos de la imagen y deja en relieve las líneas de la
composición utilizando distintos instrumentos como gubias, cuchillas o buriles. Al
realizar la plancha de grabado se debe tener en cuenta que hay que vaciar lo que se
quiera que quede en blanco y que la imagen que se talla dará lugar a la inversa una vez
se realice la estampación.

Con estos relieves se utilizan herramientas buriles, puntas secas, ruletas o rascadores,
con los que tallan la matriz hasta conseguir el dibujo.
1.2.GRABADOS EN HUECO O INCISO
Este tipo de grabado se realiza habitualmente sobre cobre y se basa en di stintos
procesos que horadan una plancha con ácido o cualquier instrumento cortante. Una vez
realizado el dibujo sobre la matriz, se rellenan esos huecos con tinta y se aplica la
plancha a un papel, así la tinta de los huecos pasa al papel.
Primero se recubre la plancha con un barniz aislante y después se dibuja sobre él, para
que el ácido muerda donde se desee.
La prensa utilizada para el grabado de las matrices talladas en hueco está compuesta
por un plano de prensa y dos cilindros giratorios movidos a mano mediante una rueda
de con presión directa o engranajes. La hoja de papel se apoya sobre la plancha
entintada y se cubre con dos piezas de fieltro. La pieza y el fieltro pasan entre el plano
de la prensa y el cilindro superior, ejerciendo presión y realizando la estampación.
1.3.GRABADO EN PLANO
Utiliza una matriz en piedra sobre la que se realiza un dibujo y permite reproducir un
número casi ilimitado de copias.
2.EL GRABADO EN MADERA: ENTALLADURA Y XILOGRAFÍA
El procedimiento de grabado más antiguo es el de la xilografía, cuyo término se refiere
a cualquier tipo de grabado en madera (al hilo o a la testa).
El término utilizado para el grabado al hilo hasta el siglo XVIII fue
entalladura, por lo que todo lo que encontramos hasta el siglo
XVIII son entalladuras.
La xilografía al hilo horada la madera verticalmente siguiendo
sus fibras o vetas, mientras que la xilografía a testa lo hace en
sentido horizontal. La primera es más sencilla pero requiere más
cuidado, pues las crestas son más endebles y se rompen con
facilidad y la matriz tiene más tendencia a deteriorarse.
Alberto Durero fue un gran grabador alemán (Apocalipsis de San
Juan). Antes de realizar la plancha se solía realizar un dibujo.
La xilografía de Thomas Bewick se creó para transmitir
información sobre la flora y fauna. También fue importante
Gustavo Doré.
La xilografía a partir del siglo XIX tuvo más desarrollo en Alemania. Los expresionistas
alemanes de Die Brücke (el puente) retomaron el grabado y trabajaron la xilografía en
negativo, rehundiendo el dibujo que en el grabado queda en blanco.

Ugo da Capri fue el creador de la xilografía en claroscuro según la historiografía, aunque
se sabe que hubo otros antes que él. En Japón ya desde el siglo XVII había xilografías
incluso a color. Utamaro popularizó mucho los grabados en Japón tiene una gran
influencia en el siglo XIX por el uso de color y los encuadres fotográficos.
3.LINOLEOGRAFÍA
La diferencia de esta técnica con la xilografía está en el soporte/matriz. El linóleo es un
producto sintético al que se le añade resinas o colorante. El resultado es una serie de
tallas más blanda que la madera y es más fácil de trabajar.
4.EL GRABADO EN COBRE. CALCOGRAFÍA
El término en su origen se refería solo al trabajo de estampación en cobre.
En el grabado en cobre la tinta se introduce en los orificios y deja blancos los espacios
no grabados, por ello se denomina también grabado en hueco. Se utiliza el cobre gracias
a su dureza, maleabilidad, facilidad de trabajo o inalterabilidad.
4.1.MÉTODOS DIRECTOS: BURIL Y PUNTA SECA
El buril es un instrumento con mango grueso y redondeado para
adquirirse con la mano y una barra de acero de sección cuadrada
tallada oblicuamente en la punta para conseguir una sección de
rombo alargada cuyo vértice afilado graba el metal.
La punta seca es un instrumento de acero con forma de aguja de
sección circular robusta y puntiaguda. La punta seca se utiliza
tomándola como un lápiz cuya punta no corta el metal, sino que
lo araña. Es más fácil de usar.
El mezzotinto o manera negra es otro método de grabado directo sobre el
metal. Gracias a esta técnica es posible representar los efectos del
claroscuro. Antes de trabajar, se hace rugosa la superficie de la plancha con
ayuda del graneador o peine, que deja la superficie ligeramente granulada.
También se llama grabado de puntos.

4.2.MÉTODOS INDIRECTOS: AGUAFUERTE Y AGUATINTA
Son métodos indirectos porque el instrumento solo graba la capa de barniz que cubre la
plancha, mientras que la incisión sobre el metal se produce por la acción química de un
ácido llamado aguafuerte. La plancha de cobre se cubre con una capa de barniz
resistente a los ácidos. Con un instrumento afilado llamado punta se trazan las líneas del
dibujo arañando el barniz y dejando al descubierto el metal. Una vez realizado el diseño,
se sumerge la plancha de metal en un baño de mordido compuesto generalmente por
una parte de ácido nítrico y 4 partes de agua. El líquido penetra en los surcos y corroe
las líneas del dibujo sobre el metal. Con el mordido completo se elimina el barniz, se
entinta y se estampa.
El método de aguatinta es una técnica de reproducción con el objeto de conseguir
efectos parecidos a los de la acuarela o los dibujos a tinta. La imagen está constituida
por gradaciones más o menos netas de los distintos tonos de gris. En primer lugar se
realiza la granulación con el fin de lograr impresiones superficiales entintadas en lugar
de líneas. Se esparcen sobre la plancha de metal
granos de resina que se adhieren mediante
calentamiento o mojando el cobre con alcohol,
quedándose estos unidos y fijados a la matriz.
Después se procede con el mordido que penetra solo
en los huecos entre un grano y otro, volviendo la
pancha rugosa y granulada. Durante la granulación
del cobre se elaboran también imágenes. Se
comienza definiendo las partes blancas para después ir a los distintos tonos de gris hacia
el negro a través de mordidos parciales interrumpidos con pinceladas de barniz.
Terminado el procedimiento, se rebajan el fondo y las veladuras protectores de barniz.
Existe una variante de la aguatinta denominada aguatinta al azúcar en la que el artista
dibuja directamente sobre la plancha con una pluma o un pincel mojado en una solución
acuosa de tinta china y azúcar. Un aves seco, el dibujo se cubre con una capa de barniz
bituminoso y se sumerge la planta en agua, de manera que la humedad hace que el
azúcar se hinche y se desprenda el barniz que lo cubre, quedando al descubierto el metal
que se someterá al mordido.
5.EL GRABADO EN PIEDRA: LITOGRAFÍA

Su matriz es piedra. Es una técnica de impresión
plana (no hay incisión, no relieve). Es basa en la

preparación de la piedra con sales.
Sobre la matriz de piedra se traza un dibujo con
lápices, pasteles grasos o un pincel mojado en tinta
tipográfica. Una vez realizado el dibujo, la piedra se
baña con agua, y al pasarle un rodillo entintado, la
tinta grasa se adhiere a la parte dibujada y es
repelida por las partes no dibujadas. La piedra se trata con goma arábiga mezclada en
ácido nítrico diluido en agua. El mordido fija el dibujo sobre la plancha y vuelve la piedra
más porosa, se deja secar esta capa, se lava con agua; a
continuación, se refuerza con betún y trementina el trazo
del dibujo y la matriz ya está a punto para ser grabada en
una prensa litográfica.
Existe una variante denominada cromolitografía, que
consiste en el uso de matrices litográficas superpuestas a
fin de obtener una estampación en color, realizando la
impresión superpuesta de 3 matices para los colores
fundamentales y una cuarta para el negro.
6.LA SERIGRAFÍA
La serigrafía es de origen chino y retorna a Estados Unidos y Europa en la década de
1940. En ella la estampación no utiliza matrices rígidas, sino una pieza de tejido de trama
fina, originalmente seda y más adelante nailon. Extendida en un
telar, el artista compone un dibujo sobre la tela utilizando materiales
impermeables. Finalizado el diseño, se coloca una hoja de papel bajo
el telar y se extiende la tinta sobre el tejido con una espátula, de
manera que la tinta se filtra de la tela al papel dejando libres las zonas
protegidas por cola u otros materiales impermeables dejando
plasmado el dibujo. De esta manera, la serigrafía crea imágenes con
gradaciones netas sin difuminar. Protegiendo distintas zonas de la
tela con cola u otros materiales impermeables pueden realizarse varias estampaciones
con distintos colores. Se trata de una técnica de ejecución sencilla y mecánica, aunque
su sencillez no permite obtener claroscuro, solo colores planos.
Tuvo gran aplicación en cartelística, estampa popular y artes aplicadas. En los años 60-
70, movimientos como el Pop Art se sirven de la serigrafía como medio de expresión.
TEMA 8: TÉCNICAS PICTÓRICAS Y SUS PROPIEDADES EXPRESIVAS
1.COMPONENTES DE LA PINTURA: PIGMENTOS Y AGLUTINANTES
Los componentes de la pintura han sido los pigmentos disueltos en una serie de
sustancias líquidas conocidas con el nombre de aglutinantes. Estos aglutinantes
permitirán la fijación de los procesos al soporte. Para crear un color los pigmentos tienen
que fijarse al soporte y unir (gracias al aglutinante).
Junto a estos dos destacan los disolventes, que permiten que la pintura tenga la
consistencia que nosotros queramos. Por ende, la materialidad física de una pintura está
compuesta por un soporte determinado en función de la materia pictórica y por los
aglutinantes y disolventes.
El cambio más sustancial en el proceso de la pintura se dio en el último siglo. Antes del

impresionismo, el pintor tenía que hacer sus propios pigmentos.
Hay diferentes tipos de pigmentos según su naturaleza (el pigmento era extraído en
forma de polvo, obtenido por el pintor machacando un material con una muela. Hay 2
tipos:
- Pigmentos orgánicos: de origen animal, animales, insectos, sepia, huesos…
- Pigmentos inorgánicos: son compuestos metálicos y hay muchos menos, como
los óxidos… También hay pigmentos sintéticos.
1.1.PIGMENTOS
ROJOS Y ANARANJADOS
▪ Bermellón: rojo muy intenso hecho con sulfuro de mercurio. Es el más usado en
todos los tratados de pintura.
▪ Carmín: pigmento de origen orgánico (insectos). Se empezó a utilizar en el siglo
XVI.
▪ Minio: mineral óxido rojo anaranjado. Utilizado para base de la pintura y
carnaciones (mejillas). Se mezclaba también con los otros 2 rojos porque era muy
económico.
▪ Rojo Marte: hecho con óxido de hierro sintético, aparece en el siglo XVII.
▪ Almagre: hecho con óxido de hierro y es muy económico.

VERDES (MUY UTILIZADOS)
▪ Cardenillo: pigmento obtenido del cobre.
▪ Malaquita: es un tipo de cristal, utilizado al óleo y al temple sobre todo.
▪ Esmeralda: aparece en el siglo XVIII y en Francia se le llama Veronés.
AZULES (MUY COSTOSOS)
▪ Añil: más utilizado en talleres para los cielos y mezclado con verdes.
▪ Azurita: utilizado para hacer cielos y ropajes.
▪ Ultramar: procede del lapislázuli.
▪ Smalte o esmaltín: azul brillante que procede del óxido de cobalto.
▪ Azul de Bermer: aparece en el siglo XVI y es un carbonato de cobre, adecuado
para la acuarela.
▪ Azul de Prusia: fue el primer pigmento sintético y se expandió en el siglo XVIII.

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AMARILLOS
▪ Amarillo de plomo-estaño: de color amarillo claro, es un dióxido de plomo-
estaño. Se utilizó con frecuencia entre los siglos XV y XVIII.
▪ Amarillo de Nápoles: amarillo pálido derivado del plomo.
▪ Ocre amarillo: tierra natural con presencia de hidróxido de hierro, lo que le da el
color amarillento.
▪ Oro: la lámina de oro se adhería sobre una base de calcio o tierras rojas con algún
adhesivo natural. La Edad Media utilizó fondos dorados con profusión (con panes
de oro).
▪ Oropimente: es un sulfuro de arsénico, el pigmento amarillo más conocido pese
a su toxicidad.
▪ Amarillo indio: pigmento orgánico producido a partir de la orina de vaca
alimentada con hojas de mango. Es conocido en la India desde el siglo XV y llega
a Europa a partir del siglo XVI.
BLANCOS
▪ Albayalde: el blanco del plomo es un carbonato básico de plomo. Se uso mucho
en cosméticos y fue el más usado para aclarar tintas y dar efectos de luz. Hasta
mediados del siglo XIX fue el único pigmento blanco utilizado en la pintura al
óleo.
▪ Blanco de titanio: mezcla química de anhídrido u óxido de titanio. Tiene gran
poder cubriente, no es venenoso, tiene menor densidad que otros blancos y es
insensible al clima y al ácido sulfhídrico.
NEGROS
▪ Negro carbón: pigmento producto de la calcinación de maderas diversas, es muy
fácil de obtener.

▪ Negro de hueso: se obtenía calcinando huesos o astas de animales.
TIERRAS (muy utilizadas por su fácil obtención)

▪ Ocres: pigmentos naturales procedentes de la desintegración de los feldespatos.
Son baratos.

LACAS
Son productos obtenidos con el auxilio de materiales pigmentantes orgánicos, naturales
o artificiales. Son sustancias coloreadas pero sin poder cubriente.
Las más populares fueron las lacas rojas, que se empezaron a fabricar en el siglo XVI y
remplazaron al bermellón, y la ancorca, de color amarillo.
2.PINTURA Y MATERIA: COLOR, LUZ, ESPACIO Y COMPOSICIÓN
2.1.EL COLOR Y LA LUZ
El color es el conjunto de reacciones que el cerebro humano produce mediante la
estimulación de la retina del ojo por las ondas de la luz; las diferentes longitudes de onda
provocan la percepción de los diferentes colores y sus intensidades. La responsable del
color es la luz. El ojo humano posee en su retina tres tipos de células sensibles al color,

cada una de las cuales responde a una longitud de onda; el azul, el amarillo y el rojo son
los tres colores percibidos por cada una de las células (colores primarios).
Newton planteó que la luz es color, y en 1665 descubrió que la luz del sol, al pasar a
través de un prisma, se divide en varios colores conformando un espectro cromático
básico formado por los siete colores del arco iris.
La cromatología ha establecido unos estándares: los colores primarios son el rojo,
amarillo y azul. Cuando dos colores primarios se mezclan entre sí dan co lores
secundarios, el anaranjado, el violeta y el verde. Cada color secundario forma con el
tercer color primario un contraste en el que ambos se exaltan. A estos dos colores
opuestos se les llama complementarios; así el anaranjado es complementario del azul,
el violeta lo es del amarillo y el verde del rojo. Estos colores complementarios, al
mezclarse por partes iguales, se destruyen dando un gris neutro.
En la consideración artística de los colores hay que tener en cuenta la tonalidad, la
luminosidad y la saturación.
La tonalidad (tono/matiz) es el color en sí. Las variaciones de tono se denominan gama.
Muchos pintores utilizan una tinta transparente denominada veladura. Al empleo de
diferentes tonalidades se denomina policromía. El conjunto de tonalidades dominantes
de una obra se conoce como paleta.
El matiz es la mezcla de un color puro con otro u otros colores en pequeña cantidad.
Entre estos seis colores principales hay tonalidades cálidas y frías, pero a estas
sensaciones térmicas acompañan otras sensaciones espaciales, así, los colores cálidos,
que expanden la luz, son salientes y avanzan hacia el espectador, mientras que los
colores fríos, que absorben la luz, son entrantes y se alejan del espectador. Los colores
no se perciben aisladamente, sino asociados unos a otros. La calidad de un color no
depende de sí mismo exclusivamente, sino de los colores que le rodean. El pintor
dispone los colores acordes de tonalidades y armonías, y los combina según leyes
independientes de su disposición en la naturaleza. Los colores son formas elementales
con las que el pintor organiza la composición de un cuadro.
La luminosidad es el contenido de claridad y oscuridad que presenta un cuadro. El
contraste entre zonas cromáticas se llama claroscuro.
La saturación es la intensidad cromática o pureza del color, aspecto que tuvo
importancia decisiva cuando los pigmentos, colores, se preparaban a mano.
2.2.EL COLOR Y LA EVOLUCIÓN DE LOS PIGMENTOS
Los pintores rupestres tomaban sus paletas de elementos naturales; la tierra roja y
amarilla provenía de la hematita; el verde de las arcillas; el negro del carbón; el blanco
de huesos macerados, etc.
Plinio afirmaba que los artistas de la Grecia clásica solo empleaban 4 colores: negro,
blanco, rojo y amarillo fueron utilizados por Apeles.
En el siglo X el monje Heraclio escribe un libro clasificando todos los colores en: negro,
blanco e intermedios.
Los pintores de la Edad Media tenían interés en mostrar los más caros y maravillosos

pigmentos en planos de color no interrumpidos: bermellón, azul ultramarino y oro.
La Grisalla es un tipo de pintura, muy popular en el primer renacimiento, con la que se
quería emular la escultura en piedra mediante la pintura. Para ello se utiliza una gama
muy restringida de colores, pero muy diluidos. En los frescos de la Edad Media los
colores se aplican crudos y de manera plana. No obstante, al final va a haber grisalla
(técnica pictórica que da la impresión de un relieve escultórico).
A partir del siglo XV, en Italia y Países Bajos hay una mayor demanda de los verdes y
sube el precio de los pigmentos.
En el renacimiento es frecuente que el mecenas de la obra determine no solo la técnica
y tema que tiene que realizar el pintor, sino también la calidad de los pigmentos (él
mismo los compraba).
Las boticas o farmacias eran las principales suministradoras de pigmentos donde se
compraban en seco.
El comercio de pigmentos era intenso y lucrativo. Durante el renacimiento, Venecia era
el mayor centro de fabricación y comercialización de pigmentos de alta calidad o
pigmentos finos. Producía las mejores lacas rojas y el lapislázuli más caro y a ella llegaban
pigmentos de Oriente difíciles de conseguir en Europa.
Hasta el siglo XVIII la mayoría de artistas maceraba y mezclaba sus propios pigmentos o
dirigía este proceso en su taller.
En el siglo XVIII hace su aparición la química. La industria química desarrollada a finales
del siglo XVIII y principios del XIX permitió que aparecieran muchos nuevos pigmentos y
que la paleta de los pintores adquiriera una dimensión hasta ese momento desconocida.
Por otra parte, la fabricación industrial permitió el abandono del trabajo artesanal de
fabricar sus propios colores.
Los impresionistas y sus seguidores, Van Gogh, Matisse, Gaugin, Kandinsky, exploraron
las nuevas dimensiones cromáticas abiertas por la química con una vitalidad que quizá
no ha sido igualada.
En el siglo XIX hay pintura acrílica.
2.3.LA COMPOSICIÓN Y EL ESPACIO
La composición en la pintura o escultura es la distribución de los elementos en la escena,
ordena todos los elementos formales de la pintura (composición).
A lo largo de la historia de la pintura, la composición se ha apoyado más en unos
elementos formales que en otros, en determinadas épocas históricas buscó apoyo más
en la línea, dando esquemas compositivos básicos en los que utiliza el principio de
simetría lateral o el esquema piramidal, tratando de lograr composiciones en las que
predomine la idea de equilibrio, armonía y proporción. Éstos fueron los ideales del Alto
Renacimiento, y las composiciones piramidales fueron propias de pintores como
Leonardo da Vinci o Rafael Sanzio. Frente a ello, el periodo barroco busca el esquema

compositivo en diagonal o en espiral , manifestando el movimiento y el dinamismo.
Caravaggio y Rubens.
En el siglo XIX hay una ruptura radical, rompen con las leyes de composición tradicional,
es el color el que articula la composición.
LA LÍNEA
La línea tiene la función de poder limitar los objetos, fijar la apariencia de las cosas.
Mediante ella se logra la identificación y reconocimiento de las formas, se materializa
el recuerdo. El trazado lineal puede adoptar formas muy diversas: en ocasiones discurre
continuo y cerrado, conceptual, consiguiendo una forma o imagen acabada y finita,
limitada y clara.
EL DEBATE ENTRE DIBUJO Y COLOR
El artista tiene dos instrumentos (línea y color) que usa para expresar sus intenciones en
pintura. Respecto a su importancia en la técnica pictórica, ninguno de los dos puede ser
valorado por encima del otro, y cuando se habla de ellos se aplican los mismos términos
generales, pero nos sirven para distinguir dos maneras diferentes de abordar la técnica.
En la primera, practicada por los pintores renacentistas florentinos, la línea
predominaba y se respetaba con meticulosidad el dibujo. La pintura inferior nunca se
ocultaba totalmente con la pintura final; su efecto tenía una influencia fuerte y directa
en el trabajo terminado. Las pinturas no eran dibujos coloreados; eran auténticas
pinturas, pero el color o el elemento tonal estaba subordinado al dibujo.
Siempre existió un debate entre la supremacía del color y el dibujo.

EL ESPACIO
El espacio, en el sentido de “espacio físico”, es una extensión ilimitada en la que se nos
aparecen los cuerpos materiales. Es un ámbito inmaterial que forma parte y determina
las formas artísticas.
Toda obra pintada se presenta como un espacio a la vez real e imaginario, de un lado
definido por sus dimensiones geométricas y su naturaleza material, y otro, por las
formas imaginarias que lo habitan. A lo largo de la historia de la pintura, el espacio ha
sido representado de diferentes maneras, a cada expresión del espacio en pintura
corresponde un sentimiento de la realidad.
El espacio de los primitivos (sobre todo de los pintores románicos) se expresa mediante
un fondo desprovisto de profundidad, donde las escenas se desarrollan mediante
registros o bandas superpuestas, cada cual comprende cierto número de
compartimentos en los que habitualmente se representan varios momentos de la misma
escena. Esta forma de representar el espacio difiere de la forma que tenemos los
humano de percibirlo mediante la mirada o el pensamiento, y responde a la intención
de crear una sensación de espacio continuo, donde van ocurriendo diferentes cosas de
forma encadenada, pretenden representar un espacio narrativo.

Los artistas del Renacimiento crearon un nuevo sistema de representación que estuvo
vigente hasta el siglo XX. El Renacimiento concibe el espacio como un elemento infinito,
homogéneo y unitario, el cual debe cumplir dos requisitos: reflejar fielmente lo que el
ojo ve y conformarse según el principio general de representación científica, teniendo
en cuenta las leyes de las matemáticas, la óptica y la geometría (leyes de perspectiva).
Los romanos y florentinos van a defender la creación de una atmósfera con el color,
Sfumato: crear profundidad espacial a través del color.
El cubismo rompió con el espacio tridimensional, aportando un nuevo concepto de
espacio pictórico descomponiéndolo.
3.PROCEDIMIENTOS PICTÓRICOS: LOS SOPORTES Y SU PREPARACIÓN
El soporte es la base sobre la que se ejecuta la labor pictórica. La elección de este soporte
puede depender de factores que van desde los conocimientos y técnicas desarrollados
en una determinada zona, como lo fue el papito en Egipto, a la utilización de materiales
de fácil obtención. Existe gran cantidad de soportes.
Antes de aplicar la pintura sobre el soporte, es necesaria una preparación del mismo
administrando lo que se denomina una imprimación, película fina de aglutinante y color
cuyo objeto principal es proteger de la corrosión la superficie pintada y servir de base a
las siguientes capas de pintura. Sobre la imprimación se aplica un fondo, cuya misión es
cubrir bien la superficie, aunque en muchas ocasiones la imprimación es la única base.
La mayoría de las imprimaciones son higroscópicas y sensibles a los microorganismos
por lo cual se les debe incorporar funguicidas y bactericidas.
En la elaboración de las imprimaciones se utilizan básicamente las colas, que funcionan
como aglutinantes, adhesivos, aislantes, consolidantes y protectores. Existen varios
tipos de colas, las vegetales, procedentes del arroz o las gramíneas, que presentan el
problema de que con el tiempo llegan a descomponerse; las colas animales, como la
cola de conejo, obtenido de sus restos, son de las más utilizadas.
3.1.MADERA (de los soportes más utilizados a lo largo de la historia del arte)
Las pinturas realizadas sobre madera suelen denominarse tablas.
Su uso requiere una compleja preparación del soporte, que exige
un conocimiento muy preciso de la técnica y una gran minuciosidad
en la realización. Como técnica pictórica está acompañada del
temple, aunque se pueden utilizar igualmente con el óleo (las
primeras representaciones fueron de óleo sobre tabla).

Los tipos de madera utilizados en las tablas han dependido de las
maderas abundantes y de más fácil tratamiento en cada zona
geográfica, así, en el ámbito español, o incluso en el italiano se han
utilizado maderas de pino, chopo, tilo, sauce, ciprés, etc. En el sur
de Francia nogal y en Alemania roble.
Una vez preparada la madera se procede a la preparación de la superficie que va a
componer el cuadro o la tabla. Ésta está compuesta por piezas de formato reducido, de
modo que se unen mediante diferentes tipos de ensamblajes o colas. Una vez
ensambladas las piezas, las tablas se refuerzan mediante listones dispuestos unas veces
en horizontal, travesaños, o en aspa.
Primero se procede al encolado, es decir, a aplicar varias capas de cola sobre la
superficie, que permite la impermeabilización del soporte. Tras esta operación se pasa
a igualar toda la superficie aplicando trozos de estopa (fragmentos de lino, lija muy
suave). Por último, se procede al aparejo, que consiste en aplicar una capa de yeso con
la que se consigue una superficie lisa que sirve como soporte directo de la pintura , el
gesso (se le conoce como capa de yeso).
3.2.LIENZO
Los mejores lienzos están fabricados con lino, aunque también pueden ser de algodón,
habitual en los lienzos del siglo XIX, aunque presentan el problema de ser muy
absorbentes.
Al ser el lienzo un soporte textil, es un material
flexible que necesita un esqueleto sobre el que
ajustarse para no doblarse ni moverse al ser
utilizado. Este soporte es el bastidor (soporte
sobre el que se coloca la tela de lino o algodón).
Tras su ajuste al bastidor se procede a dar una imprimación al lienzo. Ésta es muy
diversa, dependiendo de la época, las zonas geográficas y los gustos del pintor. La más
sencilla y común es la que utiliza una simple cola que impermeabiliza el soporte, cierra
los poros y aísla la pintura.
Como soporte para la pintura de forma generalizada el lienzo no se utilizó hasta el
Renacimiento; su uso va unido a la popularización de la técnica de la pintura al óleo y
lienzo. En Italia se difunde a partir del siglo XV, en España y el resto de Europa desde
mediados de siglo XVI. Los pintores venecianos fueron los primeros en popularizar su
uso, aunque se atribuyera su invención (óleo)a los Van Eyck. La pintura al óleo permitía
una pincelada más suelta, más fluida y más suave, al tiempo que era una técnica menos
compleja y trabajosa que la pintura al temple. El lienzo permitía hacer obras de mayor
formato con mayor comodidad, ya que era un material más liviano.
La ligereza del lienzo como soporte permitió en el siglo XIX, la pintura al aire libre que
dio paso al impresionismo.
3.3.CARTÓN Y PAPEL
Los cartones y papeles están conformados con fibras de celulosa, son muy sensibles a
los microorganismos, al clima y a cualquier deterioro. Eso ha determinado que su uso
fuera muy escaso en la historia de la pintura, aunque se ha usado como soporte de
técnicas como la acuarela, el guache o el pastel.

En la pintura contemporánea su uso se ha hecho mucho más frecuente, debido a los
materiales industrializados que permiten su conservación.
Además, en la pintura china la utilización del papel como soporte data del siglo IV.
3.4.EL MURO (soporte fundamental)
El muro es el soporte por excelencia de la pintura rupestre. Al ser la piedra u n material
consistente, raramente se preparaba el muro antes de ser utilizado, a excepción de un
marcado previo de la representación.
El revoque facilita la adhesión de la sucesión de capas.
3.5.OTROS SOPORTES TRADICIONALES
ARCILLA
La cerámica constituye una de las manifestaciones artesanales e industriales más
antigua y característica de la especie humana, nace en la edad del Neolítico relacionada
con las necesidades surgidas de la agricultura. En un principio, la cerámica se decora
mediante incisiones, y en pocos casos muestra una cierta coloración.
En la Edad de Hierro, junto a la aparición del torno, la decoración presenta importantes
novedades, como los motivos geométricos y zoomorfos que aparecen pintados.
Pero es en Grecia cuando la pintura sobre cerámica llega a su máxima perfección. Los
vasos griegos ofrecen la peculiaridad de que su decoración pictórica está tratada como
una obra de arte, es decir, son escenas narrativas, no decorativas. Es la muestra que más
nos permite acercarnos a cómo era la pintura griega.
PAPIRO
El papiro es una planta utilizada en Egipto como soporte de escritura y de pintu ra. Para
este uso, la planta se cortaba y se preparaba aún fresca después de dejarla en agua. Se
aprovechaba la parte central del tallo y se cortaba en láminas (philyrae) que se
colocaban superpuestas y entrecruzadas sobre una tabla humedecida. Después se
golpeaban (bataneo), se prensaban y luego se secaban al sol. Una vez secas, se alisaban
mediante un objeto de marfil o un caparazón de molusco. Las hojas resultantes se unían
entre sí. De este modo, se formaban los rollos de
papiro. Sobre el papiro se pintaba con un cálamo
hecho de tallo de junco.
PERGAMINO (para realizar miniaturas y escrituras)
Es la piel de un animal tratada, generalmente ternera, cabra, oveja o carnero. Se deja en
remojo durante un prolongado periodo de tiempo, después se le daba una lechada de
cal para evitar que se pudriera y facilitar la eliminación de vello; finalmente se estiraba
y tensaba sobre un bastidor.
El pergamino fue el soporte por excelencia durante la Edad Media hasta la introducción
del papel por los árabes en Europa. Después de la difusión de éste, siguió siendo el

material preferido para los códices miniados o iluminados durante mucho tiempo. Sobre
el pergamino procedían a aplicar una
imprimación cubriendo a base de una
capa de polvo blanco. En ocasiones,
especialmente durante la Alta Edad
Media, se recurría a teñir los
pergaminos con púrpura, con la que
conseguían superficies elegantes en
códices especialmente lujosos, los
códices purpurei.
METALES
Entre los metales más utilizados como soporte de la
pintura, el más común ha sido el cobre, sobre el que
fundamentalmente se ha aplicado pintura al óleo.
En primer lugar, la superficie metálica trata con un
aguafuerte, para luego lijarla y frotarla con abrasivos.
Luego se aplica la imprimación que suele ser de blanco
de plomo mezclado con aceite.
Con estos cobres, de forma habitual, se realizaban pinturas pequeñas, llegando en
muchos casos a ser auténticas miniaturas (muy empleadas en los siglos XI-XII).En cobre
se realizaban los denominados retratos de faltriquera, pequeños retratos familiares,
muy utilizados por los miembros de la familia real como regalos de Estado.
4.UTENSILIOS DEL PINTOR: INSTRUMENTOS Y TRABAJO PREPARATORIO
4.1.INSTRUMENTOS
El caballete es el instrumento de trabajo que tiene como finalidad el soportar el cuadro
en vertical mientras se esté pintando. Hay muchos modelos de caballete. La mayoría son
ajustables, de manera que se adaptan al tamaño del lienzo y a la altura en que se quiere
pintar. Del uso de este instrumento proviene la expresión pintura de caballete.
Desde el siglo XV en adelante, va a ser constante la representación del propio pintor que
se autorretrata, haciendo pintura de caballete con la finalidad de legitimar su trabajo.
Esta representación contiene un significado emblemático y reivindicativo frente a las
artes liberales, por tanto, puede considerar al pintor como un intelectual y no como un
artesano.
La paleta es junto al caballete uno de los elementos más populares, se trata de una traba
con un agujero para el dedo pulgar, donde los pintores distribuyen los colores que
utilizan en la pintura. Tradicionalmente ha sido de madera, pero actualmente la hay de
más materiales.


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Análisis y Técnicas de la Obra de Arte

1º Grado en Historia del Arte

Facultad de Filosofía y Letras

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Es la intención consciente de crear. Tiene un fin estético y utilitario.

2. Componentes que hacen que el edificio se mantenga

Técnica: método mediante el que se construyen arquitecturas con materiales concretos.

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El ladrillo es un prima de arcilla cocida con características óptimas para el consumo:

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Según el tipo de material, el aparejo puede ser:

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1.1.ELEMENTOS VERTICALES DE APOYO: PILAR, COLUMNA Y PILASTRA

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 La escultura de bulto redondo (exenta): puede ser rodeada.

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• Plutónicas: intrusivas, profundas o consolidadas (dentro de la

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Existen diferentes técnicas a la hora de trabajar para la realización de esculturas:

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2.MATERIALES, UTENSILIOS E INSTRUMENTOS

Entre los utensilios e instrumentos más destacados están:

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3.LA IMPORTANCIA DEL DIBUJO EN LAS TÉCNICAS ARTÍSTICAS

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TEMA 7: EL GRABADO Y LA ESTAMPACIÓN

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4.EL GRABADO EN COBRE. CALCOGRAFÍA

El término en su origen se refería solo al trabajo de estampación en cobre.

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5.EL GRABADO EN PIEDRA: LITOGRAFÍA

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1.COMPONENTES DE LA PINTURA: PIGMENTOS Y AGLUTINANTES