PINTURA DE ANIMALES

EN ACUARELA
La Vaca con la Oreja de Cebra, tamaño original 35×35cm, acuarela sobre papel.
PINTURA DE ANIMALES

EN ACUARELA

Liz Chaderton
Publicado por primera vez en 2020 por

La prensa Crowood Ltd

Ramsbury, Marlborough

Wiltshire SN8 2H

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Este libro electrónico se publicó por primera vez en 2020

© Liz Chaderton 2020

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Datos de catalogación en publicación de la Biblioteca Británica

Un registro de catálogo para este libro está disponible en la Biblioteca Británica.

ISBN 978 1 78500 788 0
Dedicación

Gracias a todos en Crowood por darle vida a este libro. Muchas gracias a todos mis
alumnos de clases y talleres que han sido conejillos de indias, siempre aprendo mucho de
ellos. Agradezco a mi familia por su paciencia y tolerancia a medida que mi arte se
extiende desde el estudio a todas las habitaciones de la casa. Finalmente, gracias a los
hermosos animales (especialmente @bassethound_sofie) que han posado y me dan tanta
alegría.
 CONTENIDO

INTRODUCCIÓN

1 TÉCNICAS DE DIBUJO

2 QUÉ NECESITAS YA DÓNDE IR

3 USO DEL COLOR Y LA FOTOGRAFÍA

4 COMPOSICIÓN Y DISEÑO

5 ELABORANDO TUS BOCETOS

6 PELO, PLUMAS Y CARACTERÍSTICAS

7 ACUARELA

8 PLUMA Y LAVADO

9 MEDIOS MIXTOS

RECURSOS ÚTILES

ÍNDICE
 INTRODUCCIÓN

La alegría de capturar animales en obras de arte (y por qué

deberías dibujar del natural)

Desde la época en que los primeros Homo sapiens dibujaron bisontes y caballos salvajes en las
paredes de sus cuevas, parecemos obligados a capturar la asombrosa variedad de vida animal e
integrar sus imágenes tanto en nuestros objetos funcionales como decorativos. Lo que es tan
sorprendente es que los animales, incluso en estas primeras representaciones, aunque tienen
muchos miles de años, tienen una vida y una esencia que salta de las rocas y nos llega a través
de los siglos.

Muchos artistas todavía sienten la misma compulsión por dibujar animales hoy en día,
y el desafío sigue siendo cómo dar vida a nuestras pinturas y hacer que los animales
salten del papel. Para mí, la pregunta es cómo capturar la esencia de la bestia. Pintar
cada pelo o pluma puede capturar una semejanza, pero unas pocas líneas bien
escogidas o pinceladas de pintura capturarán el carácter y el alma del animal. Es este
último enfoque el que exploraremos aquí.
Atrápame mientras puedas. Recorte de pintura dodo en tinta, acuarela y hoja de
metal sobre tabla. Tamaño original 46×55cm.

Estamos viviendo lo que los científicos llaman la sexta extinción masiva en la historia de la Tierra. El
consumo excesivo humano está causando una crisis no solo en el clima sino también en la vida
silvestre. Se están perdiendo especies comunes y raras, y nosotros tenemos la culpa. Incluso la
oveja de corral o el gato doméstico más humilde es una criatura de increíble belleza y complejidad.
Al descubrir y capturar esa belleza y compartirla con los demás, espero generar una actitud más
solidaria con los animales con los que compartimos este planeta y, a su vez, con el medio ambiente
del que todos dependemos.

Es inevitable que cuando empiezas a dibujar o pintar animales te apoyes en la

fotografía; sin embargo, llega un momento en el que querrá inyectar más vida y
movimiento a su trabajo y, por lo tanto, necesitará estudiar animales de la vida. El
propósito de este libro es ayudarlo a dar el salto de simplemente capturar una
semejanza a realmente mirar y ver al animal tal como es.

La viabilidad de un safari o aventurarse en la selva tropical es baja para la mayoría de nosotros,

pero es posible que tengamos mascotas, veamos la vida silvestre en nuestros parques o vivamos a
una distancia relativamente corta de un zoológico. Si bien puede ser desalentador trabajar al aire
libre y en público, los beneficios son inmensos. Este libro pretende ser una guía realmente práctica
sobre dónde ir, qué llevar y cómo vencer los nervios. En lugar de ser un libro de referencia
brillante, ha sido escrito (espero) de una manera que sientas que estás pintando o dibujando
conmigo. Quiero ver sus páginas hojeadas y salpicadas de pintura.
Atigrado, 35 × 45 cm, acuarela sobre papel. Un moggy doméstico es tan increíble como un tigre
salvaje cuando empiezas a mirar de verdad.

Estos bocetos no son un fin en sí mismos, y podrías pensar que son bastante toscos,
para ser honesto. Una vez que haya estudiado y esbozado a su animal, querrá
convertir sus esbozos en una pintura más acabada en el estudio, por lo que la segunda
mitad de este libro le brinda indicaciones e ideas para ayudarlo a hacerlo.

Elegí usar medios a base de agua. Puede pensar en las pinturas de acuarela como
delicadas y etéreas; pueden serlo, pero también pueden ser vívidas y apasionadas. Puede
pensar en ellos como sutiles y escondidos detrás de un vidrio; pueden vivir expuestos a la
luz en un lienzo o panel. Puede cuestionar su versatilidad, pero las acuarelas pueden
mezclarse con otros medios y mantenerse. No pienso en la acuarela y la tinta como
primos pobres de la pintura al óleo o una pálida imitación de los acrílicos. La acuarela es
un medio poderoso por derecho propio. Espero convertirte a mi manera de pensar.

Dibujar y pintar son habilidades que se aprenden y practican. Así como no

esperarías poder correr un maratón sin un régimen de entrenamiento previo, no
te desanimes si tus primeros bocetos o pinturas no salen como deseas. Necesitas
entrenar tu ojo y ejercitar tu mano. La práctica realmente hará al maestro, y
conserva tus primeras piezas para ver qué tan lejos has viajado.

Por lo tanto, me gustaría que este libro lo ayude a ver lo extraordinario en los animales
que encuentra y también a explorar la versatilidad de la acuarela para capturar sus
observaciones y respuestas emocionales a los animales.

Sobre todo, si este libro te anima a coger un lápiz, un bolígrafo o un pincel y tratar de
captar la fauna que nos rodea, sentiré que ha conseguido su objetivo.
En una misión, 45x35cm, acuarela sobre papel.
Somos Familia, 45x33cm, acuarela sobre papel. Pintado después de una visita a Birdland
en Bourton-on-the-water para capturar ese encantador giro de su pico y sus patas azules.
 CAPÍTULO UNO

TÉCNICAS DE DIBUJO

Dibuja lo que ves, no lo que sabes

Decidir aprender a dibujar y pintar puede ser desalentador. Procrastinamos y saboteamos nuestros
esfuerzos al esperar hasta que tengamos el lápiz perfecto y un cuaderno de bocetos impecable o
hayamos recopilado la larga lista de suministros recomendados. La buena noticia es que todo lo que
realmente necesita es algo para hacer una marca y una superficie para poner esa marca. Puede
comenzar a entrenar su ojo para ver verdaderamente usando un bolígrafo y un trozo de papel de
fotocopiadora. Así que pasemos directamente a las técnicas y preocupémonos por los materiales más
adelante.

Hay dos desafíos principales cuando empiezas a dibujar. El primero es entrenar nuestras
manos y ojos para trabajar juntos de manera coordinada. Esto suele ser una simple cuestión
de práctica; hazlo lo suficiente y mejorarás. El segundo desafío puede ser más complicado, ya
que implica desaprender nuestra experiencia para que veamos la realidad y no lo que
esperamos ver. Necesitamos aprender a 'olvidar' lo que estamos dibujando y, en cambio,
centrarnos en la verdad del tema.

Pero primero, para tratar de evitar que avance a los capítulos de pintura, consideremos por qué deberíamos
molestarnos en perfeccionar nuestras habilidades de dibujo.
In a Twist, 35 × 55 cm, pluma y acuarela sobre papel.

¿Por qué dibujar de la vida?

Puede estar pensando que sería mucho más fácil dibujar a partir de una fotografía
que tener que preocuparse de que el sujeto se estire y se mueva o que tenga que
empacar sus suministros y dirigirse a un campo o al zoológico.

Dibujar te obliga a estudiar tu tema más de cerca, permitiéndote absorber su forma,

forma, carácter y movimiento inconscientemente mientras trabajas.

La frescura y honestidad que se obtiene al dibujar de un ser vivo es difícil de imitar. Si su

sujeto puede salir corriendo sin previo aviso, sabe que tiene que trabajar rápidamente. Es
más, pronto descubres lo que es crucial acerca de ese animal. ¿Es importante cada raya
del gato cuando se abalanza sobre el ratón? No claro que no. Sin embargo, la curva de la
columna vertebral del gato y la energía en espiral en sus patas traseras sí lo son. Trabajar
desde la vida te hará tomar decisiones inmediatas sobre qué poner y qué dejar de lado.

Dibujar a partir de un sujeto vivo puede devolverle la vida a tu trabajo. Por lo tanto,
incluso si es un artista experimentado, saber que su tema puede no quedarse lo
ayudará a reaccionar más rápido y mejorar su memoria visual. Dibujar cualquier cosa
in situ utiliza algo más que la vista; utiliza todos sus sentidos. Tal dibujo es
increíblemente gratificante. Cuando mire su cuaderno de bocetos más tarde,
recordará más sobre toda la experiencia, y un boceto incompleto será más rico
incluso que la mejor foto.

Más allá de todo, tal dibujo debe ser divertido. Puede sentirse frustrado, pero,
incluso si sus dibujos están incompletos y lejos de ser perfectos, el solo hecho de
haber observado al animal que aparece en un boceto le habrá enseñado mucho.
Esa conexión y conocimiento brillarán a través del trabajo posterior completado
en el estudio.
Es posible que su tema no esté disponible por mucho tiempo, así que obtenga la
información más importante mientras pueda.

La vida es corta, pero el arte es largo.

¡Toma tiempo! La frase 'La vida es corta, pero el arte es largo', en lugar de significar que el
arte dura para siempre, significa 'Hay tanto arte que aprender y tan poco tiempo para
aprenderlo'.

Hay una historia china sobre un emperador que le dijo a un artista que pintara un
gallo para él. Después de un año, el emperador se cansó de esperar y exigió saber
dónde estaba su foto. El artista sacó pintura y papel y pintó el cuadro más
maravilloso en cinco minutos. El emperador estaba furioso por tener que esperar
algo que tomó tan poco tiempo, hasta que el artista (presumiblemente aterrorizado)
le mostró al emperador su estudio, lleno de papel cubierto de dibujos. Le había
llevado un año aprender a pintar un gallo perfecto de cinco minutos.

Por lo tanto, recuerde que deberá dedicar tiempo y esfuerzo para adquirir
habilidades y confianza. Guarde sus primeros dibujos o pinturas y, cuando esté
desanimado, mire hacia atrás y vea lo lejos que ha llegado.

CONSEJOS

• Mire su tema mucho más de lo que mira su trabajo.

• Trate de dibujar como si estuviera viendo al animal por primera vez.

• Observar el 90 por ciento del tiempo; dibuja el resto.

• Identificar formas y líneas generales. Trate de pensar en el sujeto no como un ser vivo sino
como una combinación de formas tridimensionales.

Comience con formas grandes y luego trabaje hasta el detalle.

Comience con líneas tenues y luego agregue peso y detalle.

• ¡Sé valiente, es solo un trozo de papel!

Dibuja rápidamente y usa tu energía para capturar la energía del animal.

• Llene su página.

• Si es práctico, dibuje en grande. Es difícil ser expresivo en un sello postal.

• Use fotos como referencia solo para detalles y texturas.

Diferentes enfoques de dibujo.

Aquí se describen tres enfoques diferentes para liberar su técnica de dibujo. Puede
encontrar uno que sea más adecuado para dibujar ciertos animales o para su propio
estilo personal, pero pruébelos varias veces antes de rechazar o aceptar cada uno.

Dibujo de línea continua

¿Qué y por qué?

La idea básica es que no retire su herramienta de dibujo de la superficie del papel

mientras dibuja. Entrena tu ojo para moverse suavemente alrededor del sujeto. También
es perfecto para familiarizarse rápidamente con las peculiaridades del animal que está
estudiando.

¿Cómo?

Seleccione un medio de dibujo que proporcione una línea constante. Ahora, deje que su ojo se
mueva con fluidez alrededor del sujeto, tanto su contorno como sus características internas, y
busque los contornos. Mientras tanto, deje que la mano que sostiene su medio de dibujo siga
su ojo. Si saltas a una parte diferente del animal, haz lo mismo con la mano, manteniendo la
pluma, el lápiz u otro instrumento de dibujo sobre el papel todo el tiempo. Puede repetir
líneas y terminar con líneas que se ejecutan en un espacio vacío
- Ambos están bien.

Si encuentra que sus dibujos aún son tentativos y apretados, intente dibujar en línea
continua con su mano no dominante. Lo que pierdes en delicadeza lo debes ganar en
expresión.

Puede entrenar aún más su coordinación mano-ojo haciendo un dibujo de línea continua
a ciegas; en otras palabras, no mira su papel mientras dibuja. Puede terminar con algunos
resultados muy extraños y al estilo de Picasso, pero también pueden ser encantadores.
Beneficios

Esta es una manera fantástica de comenzar una sesión de dibujo, ya que te obliga a no
tomarte demasiado en serio, también te familiariza con el tema y asegura que tu
cerebro no te permita saltarte grandes porciones.
Este boceto de gato debe tener veinticinco años, pero recuerdo dónde estaba
cuando lo hice. Dibujar del natural involucra todos tus sentidos y tu memoria,
independientemente de la calidad del boceto.
El uso de la línea continua le permite pasar más tiempo mirando un sujeto en
movimiento. Este tucán no quería ser dibujado.

Dibujo de gestos

¿Qué y por qué?

El objetivo es dibujar lo que ves, como lo ves, en una variedad de marcas expresivas. El dibujo
de gestos le permite registrar rápidamente lo que ve y con un propósito. Esto tiende a
funcionar mejor en hojas de papel más grandes. Trate de sostener su instrumento de dibujo
en el extremo de su eje para fomentar la creación de marcas libres y expresivas.

¿Cómo?

Es importante mirar el tema al menos tanto como miras el papel. Imagina que
estás describiendo el objeto con tus manos mientras hablas con alguien que no
habla el mismo idioma que tú. Esos gestos con las manos son muy parecidos a
los que haces cuando dibujas con gestos. Es simplemente un boceto rápido en el
que tu mano sigue a tu ojo.

Al intentar capturar el espíritu del animal a través de una serie de líneas de contorno
fluidas y sombras dibujadas rápidamente, el resultado es un dibujo esencial. El dibujo
de gestos es una forma suelta de esbozar que intenta capturar la forma básica del
sujeto y expresar su movimiento.
Beneficios

La elaboración de las marcas es rápida y deliberada. Miras el tema y tratas de

resumirlo con algunas marcas, como podrías describirlo en pocas palabras. Debido a
que no tiene mucho tiempo, cada marca debe decir algo significativo sobre el tema.

Dibujar identificando formas

¿Por qué y qué?

Este método se basa en identificar las formas básicas de las que está hecho el animal.
Busque formas de teclas que contengan el animal (formas externas) o estén contenidas
dentro de él (formas internas). Al dibujar estas formas y luego desarrollar formas más
pequeñas dentro de ellas, crea el sujeto.

¿Cómo?

En su forma más simple, puede identificar formas bidimensionales planas: tal vez la cabeza
sea un círculo, el hocico sea un cuadrado y la anca sea un óvalo. Pon estas formas
juntos en tamaños y posiciones apropiados y luego únalos y desarrolle
líneas más fluidas para capturar la forma del animal.

Alternativamente, puede buscar la forma en la que encaja un animal. Un elefante visto de

frente cabe dentro de la forma de un ataúd: plano en la parte superior de la cabeza, saliendo
en dos puntos en la parte más ancha de las orejas y estrechándose en ambos lados hasta los
pies en el suelo. En tres dimensiones, es posible que puedas ver que el animal cabe en un
cubo o un cilindro.

Si te vuelves fanático de este método, te recomiendo que estudies La guía de

campo para dibujar y esbozar animales de Tim Pond.

Este método puede usarse en exceso como un atajo para dibujar, casi para aprenderse de
memoria; por ejemplo, un pato podría dibujarse como un óvalo con uno más pequeño
posado en el frente como cabeza. Se debe tener cuidado de observar al animal en lugar
de suponer que encaja con la taquigrafía que ha aprendido.

Beneficios

Este método es especialmente útil cuando se dibuja un sujeto en escorzo. Si identifica

que el animal es básicamente un paralelepípedo con una pata en cada esquina, dibujarlo
en perspectiva se vuelve más fácil.

Uniendo las técnicas

De manera realista, a medida que desarrolle sus habilidades de dibujo, probablemente usará un
poco de cada uno de estos métodos en un boceto. Puede identificar algunas formas y esbozarlas a
grandes rasgos usando un enfoque más gestual y luego verificar su trabajo usando ángulos y
líneas, antes de perfeccionar los contornos, mientras observa
el animal en lugar de mirar su papel.

Sin embargo, al practicar cada método en su forma pura, podrá encontrar la fortaleza
y la debilidad de cada enfoque y comenzar a determinar cuál se siente natural para
usted o qué tipo de marca se adapta a cada animal.

tomando notas

Es útil anotar observaciones incidentales mientras dibuja. Todas las cosas que anotas son
útiles, independientemente de lo buenos o malos que sean tus bocetos. Algunos artistas van
más allá y sus cuadernos de bocetos se convierten en un diario visual. Consulte el Capítulo 2
para obtener más información sobre el diario, si esta es una dirección en la que desea ir.
El esfuerzo de estudiar un animal se ve recompensado cuando llegas a pintarlo.

No tenga miedo de tomar notas para estimular su memoria. Una nota puede ser una
impresión o un fragmento de conversación escuchado, tal vez sobre el animal o su
entorno, o ser un mensaje de color.

Vale la pena anotar cualquier pregunta que se te ocurra mientras dibujas. Puedes
investigar las cosas en cuestión a tu antojo, y las respuestas pueden llevarte en una
dirección interesante.

Si agrega medidas y cantidades a sus notas, está comenzando a recopilar datos e

información visual. Combinar dibujo, texto y datos puede llevarte por un camino
más científico, pero la ciencia no tiene por qué estar reñida con el arte.
Un sujeto inquieto y peludo pedía dibujo gestual.
Las vacas se pueden describir como cuboides, porque encajan en un rectángulo
tridimensional.

orden de trabajo

Comience con la columna vertebral: busque la línea que va desde la punta de la nariz o el pico
hasta la punta de la cola.

• A veces es más preciso juzgar la distancia desde el vientre del animal hasta
el suelo que juzgar la longitud de las patas del animal.

• En lugar de dibujar la forma y los ángulos de las piernas, dibuje los espacios entre ellas;
esto le dará con precisión la forma, la separación y los ángulos de las extremidades.

Otras Consideraciones

Medición

Al dibujar una naturaleza muerta o un retrato, la norma es utilizar una técnica cuidadosa de
medición y comparación. Con un sujeto vivo que respira, usar un enfoque tan considerado es
un lujo; sin embargo, tal vez si el sujeto está durmiendo, es posible que desee hacerlo.
Identifique una unidad presente dentro del sujeto que está dibujando; podría
ser el ancho de la cabeza. Sosteniendo el lápiz derecho frente a usted, con el
brazo estirado y un ojo cerrado, marque la longitud de esta unidad, medida
desde la punta del lápiz, colocando el pulgar en el eje del lápiz. Ahora, con el
brazo aún bloqueado, compare la longitud marcada en el lápiz con otras partes
del sujeto. En su papel, use las mismas proporciones para representar con
precisión los objetos que está viendo. Mantener el brazo bloqueado significa
que el lápiz siempre está a la misma distancia de tu ojo y hará que tu medición
sea más precisa. No es necesario que dibuje a tamaño real: la clave son las
proporciones. Si el cuerpo del gato es cinco veces el ancho de su cabeza, en tu
página, no importa si dibujas la cabeza como 2 cm o 5 cm,

Dibujo cronometrado

Para este enfoque, utilizando la técnica de dibujo que prefieras, necesitarás mucho
papel y un cronómetro. Para los primeros intentos, solo tienes 30 segundos para
completar los dibujos de tu sujeto. Repetir. Aumente el tiempo de dibujo a un minuto,
pero mantenga el enfoque de dibujo como cuando tenía la mitad del tiempo. Sé
audaz y olvídate de cometer errores. Repetir. Ahora, aumente el tiempo de dibujo
nuevamente. Notarás que tus líneas se vuelven más seguras en apariencia. Mire lo
que está dibujando tanto como el dibujo en sí, y no deje de mover la mano cuando
mire al sujeto.

Espacio negativo

El espacio negativo es el área alrededor del tema principal de la imagen: las formas y los
espacios que definen el tema y varios elementos dentro de su dibujo. Elija un objeto o una
escena que tenga formas interesantes en su interior; por ejemplo, creo que
las hojas de una planta o un árbol son interesantes. Identifique lo que parece ser el área
principal de espacio negativo alrededor del objeto y luego intente dibujar esto; olvídate del
tema de la imagen - concéntrate únicamente en las formas y ángulos que componen esta
imagen.

Creando una sensación de distancia.

Tamano relativo

Los animales más cercanos a ti serán más grandes que los que están lejos. Parece obvio, ¿no?
Si estás dibujando un grupo de animales, variar sus tamaños creará una sensación de
distancia.
Si su dibujo se sale de la página como con este boceto de garza, hecho en un museo,
haga lo que haga, no intente aplastarlo, ya que distorsionará las proporciones.
Continúe con la parte que no encajará en otra parte de la página o pegue una
extensión de papel en su cuaderno de bocetos.

Detalle

Administrar los detalles que pones en un boceto también puede decir algo sobre
qué tan cerca o lejos está el sujeto de ti. Cerca de ti, podrás ver cada pluma o hebra
de piel. Más lejos, lo que puedas ver e interpretar será sobre la forma. Al variar el
detalle que captura en un boceto grupal, creará una sensación de distancia y
enfoque. Las áreas de alto contraste captarán la atención y acercarán esa área al
espectador.

peso de linea

Usar una línea más gruesa acercará al animal al espectador o al menos dará
esa impresión. Una línea más fina aparecerá más lejos.
Una página típica de cuaderno de bocetos, con notas e impresiones. No es una cosa de
belleza, pero contiene información para despertar mi memoria.

Líneas duras y suaves

Las líneas más cercanas a la vista serán duras y enfocadas; los que están más lejos serán más
suaves, desenfocados y posiblemente perdidos.

animales en movimiento

El problema de los animales es que tienen la mala costumbre de moverse. Si bien es aconsejable
comenzar su viaje de dibujo con animales grandes y lentos, la mayoría de las personas aspiran a
capturar la esencia de los animales más rápidos en algún momento. Por supuesto, las fotos
realmente ayudan a congelar la acción, pero el peligro es que la foto congela una milésima de
segundo de movimiento antinatural en lugar de capturar algo que es característico de la bestia.

• Dedique tiempo a observar al animal e intente resolver los componentes de su

movimiento.

• La familiaridad lo hace más fácil.

• Identificar si una posición se mantiene un poco más, indicando que es

característica del movimiento del animal, y buscar repetición.

• Incluso el dibujo más pequeño e incompleto es útil. Usted tendrá

absorbió más del personaje de lo que te das cuenta al hacer un boceto.

• La forma del cuerpo cambiará a medida que el animal se mueva.

• Use la dirección de sus marcas para indicar el movimiento del animal.

El movimiento implícito se puede representar, por ejemplo, mediante una representación cuidadosa de la forma de
la columna vertebral.
Capturar la esencia de un sujeto en movimiento es difícil, no se puede negar. Use
una hoja grande, llenándola con bocetos. Cuando el sujeto se mueva, comience de
nuevo a dibujar y, si vuelve a la pose original, simplemente continúe donde lo dejó.

Comprobación de la precisión

Como ya hemos cubierto, su cerebro está conectado para ver lo que piensa que hay allí o lo
que pretende dibujar. Necesitamos engañar a nuestros cerebros para que vean lo que
realmente está ahí y no lo que queríamos poner por escrito. Hay varias formas sencillas de
hacer esto.

• Dar la vuelta a tu dibujo.

• Usar un espejo para invertir la imagen.

• Mirando desde la distancia.

• Simplemente aléjate y deja que tus ojos y tu cerebro descansen cinco minutos: los ojos frescos
son más honestos.

• Pedir la opinión de un compañero honesto y de confianza: es mucho más fácil detectar los
errores de otras personas que los propios.

• Usar líneas diagonales, verticales y horizontales para ver dónde se cruzan las
líneas en el objeto real y luego si lo hacen en su dibujo.

• Tomar una foto: los errores parecen más obvios en una pantalla.

Utilice las técnicas de medición y de espacio negativo ya descritas para comprobar la

posición relativa de las características. Sostenga un objeto recto vertical u horizontalmente
frente a su dibujo y verifique qué hay en esa línea. ¿Está la nariz del animal por encima de la
pata delantera? ¿Está la nariz más alta o más baja que la curva de la columna, etc.? Si algo se
ve un poco fuera de lugar en su dibujo, verifique los ángulos entre las características
principales, como entre la cabeza y el cuerpo. Este método revelará rápidamente cualquier
error.
Traducido del afrikáans al español - [Link]
Puedes ver que el cuerpo del gato es aproximadamente tres veces más largo que su
cabeza y unas dos medidas de profundidad. El espacio negativo es la hoja arrugada
en este caso.
Las líneas indican los ángulos y niveles que verificaría subconscientemente para
garantizar la precisión. La altura de las astas es aproximadamente la misma que la
distancia de la cabeza al suelo. El ángulo de la nariz es el inverso del ángulo del cuello, y
así sucesivamente.

SOLO HAZLO

• Ningún tiempo dedicado a dibujar es tiempo perdido.

• Preocúpate por el estilo más tarde.

El dibujo comienza en casa: los animales domésticos dormidos son el primer tema ideal, seguidos de
los animales en los documentales de vida silvestre en la televisión, con la ayuda del botón de pausa.

• Elija sujetos grandes, sencillos y de movimiento lento: un labrador viejo será más fácil de
dibujar que un cachorro de terrier; un elefante será mejor que una gacela.

• Elija su vista: una silueta de vista lateral será más fácil que luchar con
el escorzo.

• Hay seguridad en los números: comience con un rebaño o una manada.

• Etiquete y feche cada dibujo.

 CAPITULO DOS

QUE NECESITAS Y A DONDE IR

Consideraciones iniciales

Vale la pena detenerse por un segundo y pensar para qué están destinados sus estudios
con animales. Este libro está escrito asumiendo que querrás convertir estos estudios en
pinturas terminadas; sin embargo, ese puede no ser el caso. Tal vez desee llevar un diario
visual o desarrollar un diario de arte. Tal vez su inclinación sea más científica y desee
llevar un diario de la naturaleza.

Todas estas opciones son igualmente válidas, pero tu intención impactará en los
materiales que elijas utilizar y, por supuesto, hay un gran cruce.

Como sea que llames a tu producción (diario de arte, cuaderno de bocetos o diario visual),
al final, lo importante es que estás mirando, registrando e interpretando el mundo. Solo
necesitas hacer algunas marcas en el papel. El dibujo es un músculo que necesita ejercicio
regular.
Gato Ragdoll, 35×45cm, acuarela sobre papel.

¿POR QUÉ DIBUJAR ANIMALES?

Pregúntese por qué quiere dibujar animales, porque la razón afecta su elección
de medios. Hay muchas razones y motivaciones diferentes para dibujar.

• Como una forma divertida de disfrutar dibujando por dibujar, sin expectativas y sin
miedo al fracaso.

• Para entrenar tu memoria visual.

• Crear un libro que sea una obra de arte por derecho propio.

• Explorar y documentar su relación con el reino animal.

• Recolectar datos y evidencias para estudios científicos.

• Para recopilar información para su posterior desarrollo en un entorno de estudio.

• Como entrenamiento para una mayor exploración, tal vez antes de irse de
vacaciones.
Qué buscar en sus suministros

Ya hemos señalado que el peligro de una lista de suministros larga es que pone una barrera para
comenzar a dibujar. Sin embargo, el peligro de no tener uno es que puede adquirir o ya tener
materiales que frustran sus esfuerzos en lugar de apoyarlos. Haga un viaje rápido a cualquier
tienda de arte y quedará deslumbrado con la variedad de productos que se ofrecen; sin embargo,
muchos artistas tienen bolsas llenas de "cosas" y un cuaderno de bocetos vacío.

Mi principio rector es encontrar el punto óptimo entre costo y calidad. Los

materiales que son un poco mejores o hacen un poco más de lo que esperaba
deberían encontrar un lugar en su bolsa de arte o armario.

Por supuesto, los materiales que desea dependen del propósito de su boceto. Las
sugerencias dadas aquí son para apoyar el dibujo de observación con el objetivo final de
continuar con el desarrollo de obras de arte terminadas. Si decide que el desarrollo de un
diario de artista es su meta, su lista de materiales será diferente. En los Capítulos 5, 8 y 9
se tratan materiales de acuarela adicionales, otros suministros de estudio y más
materiales específicos de la técnica.

Además de abordar el punto óptimo de costo y rendimiento, si está dibujando fuera

de casa, deberá considerar que llevará sus suministros todo el día. Mantener el peso
bajo es una necesidad obvia, por lo que la versatilidad es clave. Si te has dejado algo
en casa, improvisa y quizás descubras una nueva forma de trabajar. Todo lo que
realmente necesitas es algo con lo que dibujar.

Sobre qué dibujar

Consideremos el tema de cuando un cuaderno de bocetos deja de ser un cuaderno de bocetos y

se convierte en un diario o un diario visual.

Cuadernos de bocetos

Un cuaderno de bocetos se utiliza para recopilar información, desarrollar ideas y registrar la

inspiración. Puede usarse para averiguar lo que piensa y siente sobre un tema o para
planificar y desarrollar una pieza más acabada. Tienden a ser privados y personales, ya que
registran sus impresiones y pensamientos de una manera cruda e inacabada.

En general, un cuaderno de bocetos será visual, pero el artista puede optar por
complementar los bocetos con notas escritas. Estas pueden ser observaciones generales
o preguntas sobre el animal o su carácter o personalidad o notas de color.

Nuevamente, una generalización, pero los medios secos funcionan mejor para usar en cuadernos de bocetos,
aunque a muchos artistas les gusta usar la acuarela como complemento de la tinta, la pluma y el lápiz.

Lo bueno es que, dado que se sabe que un boceto es tosco e inacabado, esto significa que
no tienes que apuntar a la perfección en tu cuaderno de bocetos. Es un lugar para
explorar tus ideas y observaciones: un poco como hablar contigo mismo, pero de una
manera visual.
¿Cuaderno de bocetos o diario? Determinar para qué quiere que sean sus dibujos lo
guiará para elegir la superficie y el formato de dibujo correctos, así como los
materiales a utilizar.
Tejones, 35 × 45 cm, acuarela sobre papel. ¿Tus bocetos están destinados a convertirse en pinturas
terminadas? Esta obra de arte terminada fue inspirada por nuestros visitantes nocturnos en una casa de
vacaciones en Dorset.

Los cuadernos de bocetos vienen en una asombrosa variedad de tamaños y tipos de papel, así que
considere el punto final. Si desea producir un cuaderno de bocetos como un fin en sí mismo, uno con
papel de acuarela de calidad puede ser la mejor opción. Si el cuaderno de bocetos es un documento
de trabajo, uno con papel lo suficientemente bueno como para recibir un lavado ligero es suficiente.
Probablemente no querrá llevar un caballete o un tablero de dibujo, pero un libro de tapa dura le
brinda apoyo. Mientras que un libro más grande te da espacio para ser expresivo, puede ser molesto
y difícil de manejar y es más difícil de sostener mientras dibujas de pie.

Mi preferencia es un cuaderno de bocetos cuadrado, encuadernado y de tapa dura. Es imposible

trabajar a través de una espiral de alambre, pero, si desea hacer un boceto alargado, trabajar a través
del espacio donde se pliega el cuaderno de bocetos es sencillo. Mi favorito (actualmente) es un libro de
tapa dura de Seawhite de 20 cm cuadrados. Además, un papel de cartucho pesado aceptará un lavado
ligero y es bastante versátil.

Concertina

Un cuaderno de bocetos de acordeón es aquel en el que una larga tira de papel se dobla
varias veces para crear las páginas individuales. Son fáciles de hacer usted mismo, lo que
significa que tiene el control de la calidad y el tamaño del papel. Pueden tener la
desagradable costumbre de desplegarse sobre ti con vientos fuertes, así que usa un clip
bulldog para mantener el tuyo bajo control. Son ideales para documentar a lo largo del
tiempo, ya que se prestan a una narrativa visual. Si viaja de vacaciones, visita un lugar
específico o estudia una especie, esta podría ser la opción ideal.
Teñido

El papel de color se ve muy efectivo con marcas negras. Hay algunos libros de papel kraft
económicos disponibles, destinados a la creación de álbumes de recortes. Por lo general, son lo
suficientemente resistentes como para recibir un lavado ligero, y el papel marrón es una buena
lámina para el trabajo con pasteles. Si trabaja con acuarelas, sería sensato agregar gouache a su
kit o seleccionar colores más opacos. Se necesitará un bolígrafo blanco, un pastel blanco o un
lápiz de carbón blanco para obtener las mechas.

revistas de arte

El diario está teniendo un buen momento. La obra de arte en una revista tiende a ser un
proyecto completo por derecho propio. Las páginas, ya sean de una o dos páginas, están
pensadas como piezas terminadas. A menudo existe la intención de compartir su
producción. Las ideas se realizan por completo, o al menos no hay intención de llevarlas
más lejos en un proyecto más grande. Si un cuaderno de bocetos es un trabajo en
progreso, un diario de arte es el destino final. Parece que cuanto más puedas arrojar a una
página, mejor. Mientras que un cuaderno de bocetos se trata de registrar su impresión y
ordenar sus pensamientos hacia un resultado final, un diario de arte parece ser una
terapia en papel. Los medios mixtos y la escritura suelen ser clave, por ejemplo, al
incorporar citas y dichos. El contenido no es sólo de la observación. Hay muchos recursos y
libros en línea excelentes para estimularlo,

con que dibujar

Con tantos medios de dibujo para elegir (lápiz, pincel, bolígrafo, carboncillo), es
fácil sentirse abrumado.

Lápiz de grafito

Esta es la opción obvia. Sin embargo, los lápices de grafito no aportan mucho a la fiesta.
Un lápiz oscuro y suave, aunque expresivo y rápido de usar, puede mancharse
fácilmente en su cuaderno de bocetos. Si elige agregar acuarela, el grafito puede
disolverse en el lavado y enturbiar su trabajo. Las ventajas son que estos lápices son
baratos y fácilmente disponibles. Si elige usar lápices, considere tomar algunos de
diferentes durezas, desde HB hasta 4B.
Desde arriba: lápiz Col-Erase; Lápiz policromos; lápices de grafito de dureza HB a 6B; Bolígrafo
de escritor elegante; bolígrafos Stabilo Point 88 en negro y sepia; Pluma fuente; pluma de
punta fina; bolígrafo de tinta de pigmento de bola; bolígrafo de gel blanco.

Lápiz de color

Si te gusta dibujar con un lápiz, usar uno azul puede ser una opción mucho mejor. Si
solo has usado lápices de colores baratos diseñados para uso infantil, es una
maravillosa revelación cuando tomas un lápiz con calidad de artista por primera vez.
Mi primer lápiz Polychromos borró todas mis ideas preconcebidas.

Los animadores usaban lápices azules que no eran para fotografías antes de la llegada de la
animación digital. La idea es que las cámaras o las fotocopiadoras no detecten fácilmente el azul
ftalo pálido, por lo que no aparece en las obras de arte terminadas que se fotografían, escanean o
copian. Si usa un lápiz azul para dibujar, encontrará que simplemente se mezcla visualmente
cuando trabaja en otros medios sobre la parte superior del boceto inicial.

John Muir Laws, el periodista de la naturaleza, sugiere usar un lápiz azul borrable que no sea
fotográfico para colocar las formas básicas del animal que se está dibujando. Una vez que se han
capturado las proporciones básicas o la postura, se puede usar grafito o acuarela sobre este dibujo.

Aunque puede obtener lápices borrables como Prismacolor Copy-Not Col-Erase

non-photo blue, si mantiene sus líneas ligeras, descubrirá que no distraen como
lo hace una marca de grafito y, por lo tanto, no necesitan ser borrado.

El lápiz azul no fotográfico Prismacolor Col-Erase es bueno, mientras que otras marcas pueden
hacer marcas más oscuras. Si tiene dificultades para encontrar estos lápices, un Polychromos o un
lápiz de un azul medio similar es una adición fantástica a su caja de herramientas, especialmente si
tiene la intención de agregar un toque de color. La desventaja es que algunos lápices contienen
cera, que puede actuar como una resistencia al agua.
Carbón

El carboncillo es un medio maravillosamente expresivo, con su capacidad para lograr grandes

trazos y detalles; sin embargo, es muy complicado y no es ideal para trabajar en el lugar.
Puede usar lápices de carbón, pero luego pierde la capacidad de usar el lado del carbón para
obtener una cobertura rápida. Si afila esos lápices con un cuchillo en lugar de un sacapuntas,
aún puede tener el lado del carbón disponible para hacer marcas más anchas y gruesas.

Bolígrafo

La tentación con el lápiz es ser tentativa y borrar líneas. Los bolígrafos fomentan la creación de
líneas más audaces y fluidas. Dado que es poco probable que tenga tiempo para ser tentativo al
dibujar animales de la vida, la pluma es mi herramienta preferida. Simplemente tienes que
agregar la línea correcta si primero dibujaste la incorrecta, y esto puede dar una gran sensación
de movimiento.

Los bolígrafos de inmersión son un desastre esperando a suceder cuando están en el lugar (¡pero podría ser
torpe!), Por lo tanto, las plumas estilográficas o los revestimientos de pigmento en grosores adecuados para el
tamaño del papel que se utiliza son el camino a seguir. Si la tinta es resistente al agua, puede agregar un lavado
de color después.

Los bolígrafos con punta de bola tienen una sensación más agradable para trabajar que los que tienen punta
de fibra. Se deslizan sobre la superficie del papel, captando su sentido del tacto mientras trabaja. Tanto los
bolígrafos de punta redonda como los de punta de fibra producen líneas que carecen de carácter, por lo que
tendrá que trabajar para inyectar energía en sus marcas.

El bolígrafo Stabilo point 88 es fabuloso. La tinta no es resistente al agua, por lo que puede
hacer su dibujo y luego usar un pincel de agua para agregar agua e introducir el tono. Él
Los bolígrafos negros y sepia son los más versátiles.

Tenga cuidado con el uso de bolígrafos con tinta de alcohol, ya que las marcas que haga con ellos se
desangrarán a través de las páginas de su cuaderno de bocetos.

Pluma fuente

Una pluma de caligrafía o tal vez una pluma de fudenib japonesa puede agregar una variedad de pesos
a su línea. La tinta de pluma estilográfica normal no es resistente al agua, aunque está disponible en una
amplia variedad de colores. La tinta Quink se divide maravillosamente con agua pero no es resistente a
la luz. Esto rara vez es un problema en un cuaderno de bocetos. Si usa tinta a prueba de agua en una
pluma estilográfica, asegúrese de enjuagarla si la pluma no se usa por un tiempo. Si la tinta se seca
dentro del bolígrafo, es posible que nunca vuelva a funcionar. Dependiendo de la finura del mecanismo
de la pluma, algunas tintas pueden bloquear la punta.

El negro es el color más versátil para dibujar. Hasta la fecha, la tinta Platinum Carbon, varias
tintas registradoras, incluida la tinta para documentos Koh-i-Noor y la tinta Daler-Rowney Calli,
han funcionado bien en una pluma estilográfica LAMY safari. La resistencia al agua exacta
también puede verse afectada por la elección del papel. Lo mejor es experimentar antes de un
viaje de dibujo.

Si está trabajando en un suelo teñido, necesita un bolígrafo blanco. Las marcas realizadas por el
bolígrafo Uniball Signo son bastante opacas, al igual que las realizadas por el bolígrafo Sakura Gelly
Roll. Los marcadores Posca también son muy útiles en blanco o en crema (que no es tan marcado).

Otros materiales y equipos

Color

Mi fuerte consejo es trabajar en monocromo mientras aprendes. Esto le permite

concentrarse en el dibujo y la observación. Pero, de manera realista, querrá comenzar a
agregar color a sus bocetos en algún momento. Cuando esté listo, la combinación clásica
es aplicar acuarela sobre penwork. Latas pequeñas para acuarelas están disponibles y son
muy portátiles.

La paleta más pequeña y liviana que se haya ideado hasta ahora se hace garabateando
parches densos de lápiz de acuarela en un trozo de papel grueso de acuarela. Usando un
pincel de agua, puede agregar toques de color a su trabajo desde esta pequeña paleta. Tenga
en cuenta que usar lápices de acuarela para dibujar con la esperanza de activar más tarde las
líneas con agua rara vez tiene éxito. Las líneas no son expresivas ni satisfactorias.
Las pinturas de acuarela portátiles vienen en todas las formas y tamaños.
La paleta más liviana disponible, hecha de densos garabatos de
lápices de acuarela que se activan con un pincel de agua.

Los lápices pastel también son una opción interesante, especialmente sobre un papel tonificado. El
problema serán las manchas, por lo que se recomienda el uso de un fijador. Se mezclan bien con el
carbón.

cepillos de agua

Si bien el elemento de pincel de estas herramientas no se compara de ninguna manera con el

rendimiento de un pincel de acuarela, dado que el barril contiene agua, su conveniencia es
fantástica. Busque cepillos con una válvula para evitar que el color sea succionado hacia el
depósito y asegúrese de que su cepillo no tenga fugas. La punta del pincel se puede limpiar en
un pañuelo o paño entre el uso de diferentes colores.

Borradores

¡No tomes un borrador! Cada línea hecha te ayuda a aprender; no borre su registro de
aprendizaje.
Materiales para bocetos exteriores (trabajo al aire libre)

La comodidad lo es todo. Es difícil dibujar si le duelen las piernas y no puede encontrar la

herramienta adecuada para el trabajo. Tenga una lista de verificación metida en su bolsa de
arte, pero pregúntese qué puede omitir en lugar de pensar en lo que puede poner.
Cualquier cosa en su kit al aire libre tiene que ganarse su lugar. Piense más en
lo que puede omitir que en lo que puede tomar.

• Un taburete plegable es muy útil, ya que los bancos nunca parecen estar en el lugar correcto. Solo tenga
en cuenta que debe cargarlo, y es posible que esté sentado demasiado bajo para obtener una buena vista.
Muchos museos tienen taburetes para préstamo.

Los clips de Bulldog a menudo son necesarios para evitar que sus páginas pasen en un abrir y cerrar de ojos.

• Una cámara es útil para tomar otras tomas de referencia, pero solo como respaldo.

• Se necesita una bolsa para poner sus suministros (y sándwiches). Es más fácil acceder a un bolso
con una correa cruzada que a una mochila. Una bolsa de mensajero o computadora es ideal, ya
que están acolchadas y tienen muchos bolsillos.

Ropa y comodidad para dibujar al aire libre.

En invierno, piensa en capas. Las muñecas calientes hacen que los dedos estén calientes, los pies
cómodos son vitales y una bufanda cómoda evita los escalofríos. En verano, un sombrero de ala ancha es
mejor que unas gafas de sol para proteger los ojos. Es posible que esté tan absorto que no se dé cuenta
de que se está quemando, ¡así que póngase mucha loción! Sea cual sea la época del año, estarás tan
absorto en tu trabajo que te olvidarás de beber y comer, así que sé amable contigo mismo y tómate
descansos regulares.
Dónde buscar encuentros con animales

Este libro tiene como objetivo presentarle las habilidades, los materiales y la confianza
necesarios para salir y dibujar animales en sus hábitats naturales o en entornos artificiales
como zoológicos y museos, pero es sensato no pasar por alto a los animales más cercanos a
nosotros. Encontrar lo extraordinario en lo cotidiano es uno de los placeres del arte.

En casa, con mascotas

Ya sea tuyo o de un amigo, las mascotas probablemente serán tus primeros sujetos. Los perros y
los gatos pasan una buena cantidad de tiempo durmiendo y, por lo tanto, son sujetos ideales para
perfeccionar sus habilidades de dibujo. Muchas personas también crían pollos o animales más
exóticos, así que use las mascotas y el ganado de sus amigos para desarrollar su confianza.
Su propia mascota, o la de un amigo, será un punto de partida obvio,
aunque si el animal cooperará depende totalmente de ellos.

En televisión

Los documentales ofrecerán no solo temas en movimiento sino también múltiples puntos de vista del
mismo animal. Desafortunadamente, las demandas de la audiencia significan que el ritmo será rápido:
nadie verá a un león dormitar durante media hora en la televisión, mientras que uno podría verlo en un
parque de safari. El botón de pausa es tu amigo. Esta es una buena oportunidad para practicar dibujos
cronometrados.

Museos

A menudo, incluso los museos locales tienen una pequeña sección de taxidermia. Sean cuales sean sus
pensamientos sobre estas colecciones, ofrecen la oportunidad tanto de estudiar un animal en
profundidad como de acostumbrarse a dibujar en un lugar público sin avergonzarse. Es probable que un
día laborable en un museo provincial sea tranquilo. En la vida real, es poco probable que puedas
estudiar los detalles de los cascos o las narices, por ejemplo: estarán demasiado lejos o estarán ocultos
por el follaje. La colección de un museo le permitirá observar de cerca estas características.
Incluso los museos locales tienen pequeñas colecciones de taxidermia, aunque pueden ser bastante
tristes. Una liebre disecada me dejó estudiar sus patas en el Museo de Lectura.

George Stubbs es famoso por su estudio de la anatomía animal, incluyendo la suspensión de un caballo
muerto en su estudio para poder estudiar su musculatura y esqueleto. Si bien tal dedicación a un
estudio profundo de la anatomía no es necesaria, cierto conocimiento del funcionamiento del esqueleto
y los músculos ciertamente puede ayudar si tiene un rompecabezas mientras dibuja. Muchos museos
tienen algunos esqueletos, lo que le permite ver en qué dirección se doblan las articulaciones. Mientras
desarrollamos el carácter de nuestros sujetos, también estamos tratando de ser anatómicamente
correctos.

Los museos ofrecen una buena introducción al dibujo de la 'vida', pero tenga en cuenta que hay algunos
ejemplos pobres de taxidermia por ahí. Si una muestra es victoriana, es posible que se haya deteriorado
o se haya ejecutado mal en primer lugar. Los colores pueden haberse desvanecido y el esqueleto
subyacente no estará presente. Los ojos a menudo son simplemente canicas de vidrio, así que no les
prestes mucha atención. La iluminación en un entorno de museo suele ser baja para proteger las
exhibiciones de la decoloración, por lo que es posible que deba llevar una linterna si realmente necesita
examinar los detalles de cerca.

configuración de la granja

¿Qué podría ser más agradable que un paseo por el campo, con su cuaderno de bocetos en
el bolsillo, para capturar la semejanza de algunas vacas, ovejas o burros? La desventaja es
que los animales que deseas dibujar estarán inevitablemente al otro lado del campo y
escondidos detrás de un seto espinoso. Tenga cuidado de no desviarse de los senderos en su
búsqueda del tema ideal.

Considere los parques de granjas para niños para un acceso visual más fácil a su tema. Muchas tiendas
de productos agrícolas tienen algunos animales cerca como parte de su estrategia de marketing. Si
tiene alguna duda durante su visita, por favor pregunte y recuerde que las fincas son
ambientes de trabajo

Tienda de animales

Necesitarás pedir permiso, pero potencialmente las tiendas de mascotas pueden ser un
buen ambiente para ver y dibujar una variedad de animales pequeños o incluso un loro
o dos, de cerca.
Esta obra de arte de un loro se inspiró en un encuentro cercano en una tienda de mascotas local.

Parques y reservas naturales

Los gansos, cisnes y patos suelen estar presentes y acostumbrados a los humanos, por lo que, si
va armado con una bolsa de migas, debe tener un suministro listo de sujetos, ya sea en una
reserva natural dedicada, en su parque local local o por un río. (Sin embargo, tenga en cuenta que
la alimentación de aves silvestres está prohibida en algunas reservas naturales, parques privados y
lugares públicos).

Zoológicos, parques naturales, acuarios y centros de cetrería

Mi regla personal es no pintar animales con los que no estoy familiarizado, así que, si eres como yo
y quieres ampliar tu repertorio, los zoológicos y los parques de vida silvestre son un puerto de
escala obvio. Mucha gente tiene fuertes objeciones a los zoológicos por motivos de crueldad animal
y ética. Si tuviéramos las políticas correctas hacia el medio ambiente, probablemente no
necesitaríamos zoológicos. Se ha dicho, sin embargo, que los animales en cautiverio son
embajadores de sus primos en la naturaleza. Además, muchos zoológicos y parques de vida
silvestre juegan un papel importante en la conservación y protección.

PETA (Personas por el Trato Ético de los Animales) estima que más de las tres cuartas partes
de los zoológicos británicos no cumplen con los estándares mínimos de bienestar animal, por
lo que debe asegurarse de visitar los que sí lo hacen. Si las jaulas son pequeñas y están vacías,
es posible que obtenga una buena vista del animal, pero debe hacerse preguntas éticas
específicas.

El comportamiento de los animales en los zoológicos y parques de vida silvestre está destinado a ser diferente de la de
lo salvaje. Los animales son potencialmente más gordos, más perezosos y están en mejores condiciones que
sus primos salvajes. En el peor de los casos, pueden mostrar un comportamiento repetitivo como señal de
angustia. Recuerda que, aunque los buenos zoológicos tratan de crear ambientes enriquecedores para sus
animales, estos son criaturas en cautiverio.

Los búhos y las aves rapaces en los centros de cetrería están acostumbrados a que los manipulen y a las
multitudes, por lo que son a prueba de golpes y es más probable que estén a la vista durante más tiempo que
las aves en la naturaleza. De manera similar, los peces y los animales en los acuarios están acostumbrados a
ser observados y, de nuevo, puede ser más fácil verlos durante largos períodos de tiempo.

Cuándo ir a dibujar

Si hay un animal en particular que desea dibujar, verifique cuándo está activo. Por ejemplo, los
perezosos pueden permanecer en el dosel la mayor parte del día y bajar al suelo solo al final
de la tarde. Si vas a un lugar como un museo, zoológico o parque, evita las vacaciones
escolares si no quieres que los niños te pisoteen. El invierno puede ser más tranquilo. Los
animales de climas más cálidos pueden permanecer inmóviles y cerca de sus lámparas de
calor, por lo que es posible que obtengas una mejor vista o no. Estar de pie afuera dibujando
bajo la llovizna puede ser bastante deprimente. ¡Los guantes sin dedos son imprescindibles!

Muchos zoológicos ofrecen un descuento si compra un boleto en línea con anticipación. Consulte los
ahorros disponibles y gaste lo que ahorre en un nuevo cuaderno de bocetos.

Dibujar al aire libre en la naturaleza

Tienes que tener el temperamento adecuado para levantarte a las 4 de la mañana e ir a un

escondite frío y húmedo para tratar de detectar un animal escurridizo. No tengo esta paciencia. Si
desea realizar este tipo de estudio, necesitará equipo especializado, como binoculares.
y un trípode. Consulte el excelente Manual del artista de vida silvestre de Jackie
Garner.

Primeros pasos en un trabajo de aire cuadrado

Felicidades por dar tus primeros pasos para dibujar en público. Puede ser
estresante, pero encontrará que la gente estará interesada, no crítica. Los no
dibujantes desearán poder dibujar y los artistas entenderán tu valentía.

Relájese y comience con algo relativamente fácil. Los animales grandes tienden a moverse más
lentamente que los pequeños. Los rebaños o bandadas te darán más para observar que los
animales solitarios. Si estás en un zoológico o parque de vida silvestre, habrá menos personas
alrededor de animales impopulares. Recuerda que, para un ambiente de museo, la taxidermia no
se mueve.
Elija un rebaño o una manada de animales de movimiento lento como su primer tema.
Los flamencos son ideales ya que tienden a repetir un número limitado de poses.

Selecciona un grupo de animales para tu primer dibujo. En un zoológico, los flamencos o los pingüinos son
buenos, al igual que los bancos de peces. En una granja, las vacas son más dóciles que las ovejas.

Antes de comenzar, dedique tiempo a observar. ¿Cómo se mueven los animales? ¿Qué acciones se
repiten? ¿Hay un patrón de movimiento y ritmo que puedas discernir? Entonces, si está mirando
flamencos, es posible que los vea estirando el cuello hacia arriba, pueden beber con el cuello en
forma de S y pueden acicalarse o esconder la cabeza debajo de un ala para dormir una siesta.
Algunos podrían pararse sobre una pierna; algunos en dos.

Ahora, tomando una página doble abierta, comience representando una de esas acciones
identificadas. Cuando el animal se mueva, comience con otra pose. Cuando el animal vuelva a
la actividad original, agregue un poco más de información a su primera imagen. De esta
manera, trabajará en múltiples imágenes en una doble página en cualquier momento,
agregando información a cada boceto de acción a medida que el animal se mueve. La ventaja
de ver un grupo es que, si un animal deja de hacer lo que está dibujando, es probable que
otro siga haciendo lo mismo. Puede construir rápidamente un registro de comportamientos
repetidos de esta manera.

Ahora, cambia de medio y completa los espacios de tu tirada con otras acciones
identificadas y repetidas. Intenta capturar al animal desde el costado, el frente y la
espalda. Tal vez agregue un detalle del pico, el ojo o los pies.

En general, comience con formas grandes, desarrolle formas más pequeñas y agregue tono y
finalmente detalles. Llena las páginas con imágenes desde muchos ángulos hasta que tengas una
comprensión general de la forma y el movimiento del animal.

Tome notas si algo le llama la atención, ya que le ayudará a recordar la experiencia.

Puede ser la luz, el entorno o un fragmento de conversación escuchado por casualidad.
Está tratando de capturar una rica fuente de referencia, de modo que cuando mire sus
bocetos, incluso meses después, será transportado de regreso a la experiencia.

Divide tu tiempo, para que no pases todo el día haciendo innumerables bocetos de
un solo animal. Su objetivo será tanto ejercitar sus músculos de dibujo como capturar mucha
información que pueda desarrollar más adelante en obras de arte terminadas.
 CAPÍTULO TRES

USO DEL COLOR Y LA FOTOGRAFÍA

Si lo piensa, agregar color a sus bocetos y usar fotografías para complementar sus
observaciones de bocetos son simplemente dos formas diferentes de capturar más
información. Ninguno debe convertirse en un sustituto del proceso de observar y
dibujar, pero ambos son excepcionalmente útiles.
Dignidad, 35 × 45 cm, acuarela sobre papel.

Color

El uso de medios de dibujo monocromáticos realmente lo ayudará a perfeccionar sus

habilidades de observación, dibujo y creación de marcas, pero, por supuesto, el color de los
animales es parte de su fascinación y alegría. Así que en poco tiempo es probable que te canses
de usar solo un bolígrafo negro o un lápiz gris.

El peligro de pasar al color es que, si dedica tiempo a encontrar el color correcto

entre, digamos, veinte posibilidades, no está mirando al animal. Dibujar del natural
tiene que ver con la observación, y debe esforzarse por pasar más tiempo mirando
el tema que mirando su papel o materiales de arte.

Por otro lado, una gran ventaja del color es que puedes incorporar pintura en negativo a
tu trabajo; está capturando información adicional y, aceptémoslo, el color es simplemente
divertido.

Siendo realista, no se puede esperar que se adhiera a un lápiz negro sobre papel blanco por mucho
tiempo, así que exploremos algunas de las opciones.
Los bocetos monocromáticos tienen su propio encanto, así que no se apresure a
colorear. Aquí se muestran lémures en el zoológico de Londres; puedes acercarte a su
recinto.
Boceto de Amandrill en tinta y acuarela.

CONSIDERACIONES

Al seleccionar los medios para agregar color a sus bocetos de campo, debe ser
práctico. Necesitas pensar en los siguientes factores.

• Peso: si lleva sus suministros todo el día, rápidamente decidirá que menos
es más.

• Necesidad de agua: el agua pesa mucho y se derrama. Si está pintando en un zoológico,

es probable que un niño pequeño curioso patee la olla de agua que colocó
momentáneamente en el piso o, peor aún, tome un trago.

• Velocidad de uso: mezclar el color correcto lleva tiempo y, si está tratando de capturar
un animal en movimiento, el tiempo no está de su lado.

• Precisión: si va a basarse en sus bocetos para trabajos futuros y le gusta

mantenerse fiel a la naturaleza, querrá ser preciso.

Misma imagen, diferente color

Ahora considere lo importante que es para usted la precisión del color. Si el tono define la
forma del animal, el color aporta emoción a la pieza. Puede que sea un día frío y gris, pero, si
estás lleno de emoción y entusiasmo por estar en el zoológico, quizás tus colores deberían
reflejar mejor este sentimiento que el color absoluto del animal. Una jirafa morada podría
comunicar su asombro por su altura mejor que una de color marrón amarillento. En este
sentido, la elección es totalmente suya. Solo si está ilustrando un libro de zoología científica
debe ceñirse a los colores 'reales'.
Un ganso de Canadá camino a nuestro parque local.
Misma imagen, diferente color: ¿es importante para usted la precisión del color o le
agrada que los diferentes colores formen parte de la historia?

Es importante darse cuenta de cuánto varía el color con las condiciones cambiantes de luz. El
color local es el color natural de un objeto sin modificar mediante la adición de luces o
sombras poco realistas o cualquier otra distorsión. El color que observa el ojo se ve alterado
por las condiciones de iluminación, como la hora del día o las influencias del entorno
circundante. Por lo tanto, un flamenco se verá rosado (su color local) con una iluminación
neutra, pero podría percibirse como naranja bajo un cálido sol de la tarde o más lila en la fría
sombra del invierno.

Opciones de color

Trabajando en un suelo tonificado

Es increíble la diferencia que puede marcar la introducción de un papel tonificado. La opción

habitual es seleccionar un color de tono medio y luego trabajarlo con un tono claro y otro oscuro
(por ejemplo, con un bolígrafo blanco y uno negro), lo que significa que tiene un dibujo de tres
tonos.
Las páginas de un cuaderno de bocetos tonificado actúan como un tono medio, por lo que solo necesita agregar una

luz y una oscuridad.

El papel kraft marrón es una buena opción, ya que es lo suficientemente resistente como para recibir un lavado
ligero. Se pueden obtener pequeños álbumes de recortes encuadernados en espiral por solo unas pocas libras y
son perfectos para dibujar al aire libre. Las versiones más grandes están fácilmente disponibles, si necesita
espacio para ser más expresivo.

También puede considerar el uso de blocs de colores pastel, que están disponibles en hojas
de colores, y Strathmore produce diarios Toned Tan y Toned Grey que no contienen ácido. El
papel Strathmore Mixed Media es lo suficientemente pesado como para soportar lavados
significativos y hacer un trabajo de acuarela terminado (184 lb / 300 gsm).

Utilizar estos fondos con un fine-liner o un rollerball con tinta pigmentada a prueba de agua
para el tono más oscuro y un bolígrafo blanco opaco (uni-ball Signo es una buena opción)
para resaltar y dar vida al trabajo es una opción sencilla.

Puede usar acuarela sobre fondos tonificados, pero el color del fondo alterará
significativamente el color percibido de la acuarela. También encontrará que los papeles de
colores se ven más oscuros cuando están húmedos, por lo que deberá tener en cuenta este
cambio mientras trabaja, ya que la pieza se verá diferente cuando se seque.

Tonificando tu cuaderno de bocetos

Considere la posibilidad de tonificar su cuaderno de bocetos antes de salir a dibujar. Si tiene

restos de pintura en su paleta, ¿por qué no tonificar y texturizar una página? Cuando esté en el
campo, puede seleccionar una página de tonos que se adapte al tema que está dibujando. Una
vez que haya esbozado, puede agregar más color para definir y aclarar los detalles del tema, si es
necesario.
Traducido del afrikáans al español - [Link]

Simplemente puede matizar con una mancha, como tinta impermeable diluida o una bolsita de té vieja. La
mancha tiene la ventaja adicional de no levantarse, en caso de que luego use un medio húmedo en la parte
superior. Agregar una mancha a la página también tiene la ventaja de relajarte: ¡mucha gente encuentra
aterradora una página en blanco!
Cuando tenga restos de acuarela, es una buena idea crear páginas de tonos
interesantes. La próxima vez, puede elegir una extensión tonificada que se adapte a
su tema.

Hacer notas de color

En lugar de intentar pintar todo el estudio, puede ser más rápido colocar notas de color
alrededor del dibujo. Una nota de color es una muestra de color que puede complementar
con notas escritas. Todos estos parches y notas pueden parecer desordenados en su página,
pero su cuaderno de bocetos es una herramienta de trabajo, y tener demasiada información
es mejor que no tener suficiente. A medida que adquiera más experiencia con la acuarela, es
posible que desee utilizar los nombres de los tonos de las acuarelas para aportar más
matices a su información; es decir, en lugar de señalar que un pájaro es azul, podría escribir
'azul de Prusia con ftalo en los reflejos'.
Anotar o agregar muestras de color puede ser una forma sencilla de capturar
información de color.

Pluma y lavado

Si ha estado dibujando con tinta a prueba de agua, puede aplicar ligeros lavados de
acuarela sobre su dibujo. Generalmente, si usa su pincel para hacer marcas en la
misma dirección que la piel o las plumas de su sujeto, desarrollará un volumen más
convincente. Veremos la pluma y el lavado con mayor detalle en el Capítulo 8.
Pen and wash es el medio clásico en el lugar para capturar información de color. Esta
hoja de estudio de tamaño A2 se completó a partir de una exhibición de historia natural
e inspiró la pieza de pastel y acuarela en el Capítulo 9 (consulte la sección 'Lechuza
común').

Lápices de acuarela

Como se señaló anteriormente, dibujar con lápices de acuarela no es muy satisfactorio, pero
puede aplicar color rápidamente en áreas de su boceto y luego, cuando el animal se haya
movido, tómese un momento para mezclar el lápiz con agua de un cepillo de agua para
acumular tono y forma.

Crayones Neocolor, lápices pastel y pasteles al óleo

Si bien todos estos medios pueden agregar color a sus bocetos, ¿agregan más
por su dinero y son dignos de un lugar en la bolsa que deberá llevar todo el
día?

Los crayones Caran d'Ache Neocolor tienen una alta concentración de pigmento que da como
resultado colores brillantes y opacos, adecuados para muchas técnicas en papel seco o húmedo. Son
más suaves que los lápices de colores y más densos que los crayones de cera para niños, siendo
extremadamente sensibles a un pincel húmedo. Carecen de sutileza y, dada su opacidad,
potencialmente enmascararán los detalles de su boceto.

Los pasteles suaves o al óleo son buenas opciones para que los medios secos agreguen color a sus
bocetos de vida silvestre, en caso de que los medios húmedos no estén disponibles. Se pueden mezclar
con la punta de un dedo para ser una adición dinámica y emocionante a su boceto. Es posible que deba
llevar una lata de fijador para evitar que su cuaderno de bocetos se vuelva un desastre. A
El fijador factible le permitirá agregar más marcas, en caso de que desee ajustar su boceto
más tarde (eche un vistazo al fijador Ironlak). Los lápices pastel pueden ser una opción menos
desordenada, con la desventaja de que no puedes usar el borde para hacer grandes trazos de
color.

Bolígrafos de tinta de colores

Si bien los bolígrafos negros y sepia son invaluables para dibujar, los bolígrafos de colores no
tienen mucha versatilidad y, por lo tanto, no se ganan un lugar en mi kit de dibujo.

Fotografía

Las fotografías nunca mienten, o eso dice la sabiduría popular. Aunque puede que no
mientan, ciertamente omiten decir toda la verdad. Las fotos tienen deficiencias y, antes de
usarlas como referencia, es bueno saber cuáles son. No seamos desdeñosos: casi todos los
artistas usan fotos en algún momento. El secreto para usar fotos de manera adecuada y
exitosa es tomar medidas para compensar las deficiencias de las fotos como material de
referencia. Al final, las fotos no sustituyen a tus propios ojos.

Es muy fácil tener una visión de túnel y ver el mundo a través del pequeño cuadrado de tu
visor o de la pantalla de tu teléfono. Cuando mire hacia atrás en estas imágenes, es
posible que no recuerde haber visto realmente las cosas que ha grabado. Entonces, dibuje
y tome notas de color antes de alcanzar la cámara; es para respaldo en lugar de como
fuente principal. Si usa fotos, trate de usar las suyas propias en lugar de las de otras
personas. Si usa las fotos de otra persona, no necesariamente está pintando sus propios
conceptos, sino copiando.
Escasez de fotografías

Date cuenta de que depender de las fotos puede hacer que la pintura sea plana y poco convincente.

Color

La cámara no puede ver como el ojo cuando se trata de color. Compare los colores de
su fotografía con los de la vida real, decida activamente lo que quiere hacer y luego
ajústelo en consecuencia. Puede exagerar y aumentar la saturación o ajustar los
colores a los de la naturaleza.

Profundidad de campo

Un fondo desenfocado puede ser deseable en una foto, pero no le

deja muchas opciones cuando está pintando.

Oscuridad
Las fotografías matan las sombras: los blancos se desvanecen y los oscuros se vuelven
negros. En la vida real, no vemos el mundo así. En acuarela, es posible que desee iluminar
los reflejos, pero también puede iluminar las sombras e introducir color. Puede encontrar
que una foto de bajo contraste le brinda detalles en las áreas oscuras y claras y le permite
elegir qué tan oscuro o claro se va mientras pinta.

Distorsión

Los ángulos extraños y los efectos de ojo de pez pueden verse estupendos en las fotos, pero no en
una pintura. Es posible que ni siquiera note tales distorsiones de inmediato. Tienden a ser
evidentes con la arquitectura pero quizás no con los animales. Primero, sea consciente de estas
distorsiones; segundo, elimine estas distorsiones o amplíelas de la manera que desee. Si te gusta
el look entonces exagera.

Capturando un momento en el tiempo

Una sola foto puede capturar solo un breve momento en la vida de un animal, y la postura y el
comportamiento del animal en ese momento pueden no ser ni remotamente típicos de ese
animal. Piensa en fotos de fiestas con los ojos cerrados y la boca abierta: las fotos de animales
pueden ser el equivalente.

Enfocar

Las cámaras de enfoque automático a menudo capturan todo, incluso los objetos distantes, enfocados y
hacer que todo parezca nítido incluso en áreas donde nuestros ojos nunca verían con tanta
claridad. Debe decidir cuál es el punto focal y hacer que esa sea la única área enfocada en su
pintura, mientras que todo lo demás se puede renderizar con bordes más suaves y con
detalles menos visibles.

Distancia y perspectiva

Las fotos hacen que las cosas lejanas se vean bastante nítidas y minimizan el efecto de la
perspectiva atmosférica. Para una sensación más dramática de profundidad en su pintura, es
posible que desee enfatizar esos cambios, impulsando la luminosidad, la monotonía y la frialdad
de los objetos distantes.

Cuando las fotografías cobran vida

Use una cámara como respaldo para los bocetos. La mayoría de los animales son demasiado
impacientes para hacer buenos modelos. Use bocetos para registrar los aspectos principales del
sujeto y termine haciendo una instantánea para registrar los detalles y el color. Las fotos se
pueden usar para verificar los detalles de las marcas o partes de la anatomía que no pudo ver al
dibujar. Hacer referencia a las fotos para obtener detalles de las marcas y el color está bien,
pero siempre use su tiempo con el animal para tratar de capturar su esencia.

Derechos de autor
Cuando las imágenes fotográficas se utilizan simplemente como punto de partida y no pretende
que la imagen final se parezca mucho a las características esenciales de las fotografías de origen,
es menos probable que se produzca una infracción de los derechos de autor. La prueba legal será
colocar las imágenes originales y resultantes una al lado de la otra, para que un profano -es decir,
que no sea un artista o alguien formado en las artes- juzgue si es obvio que las dos están
conectadas visualmente y si la la obra de arte es una copia parcial. Si son varias conexiones visuales
identificables, es probable que se produzca una infracción de los derechos de autor.

Para cualquier cosa que no sea el uso personal, siempre busque permiso antes de usar una
imagen creada por otra persona.

Consejos para tomar fotografías.

• Planifique las cosas con anticipación. Si tiene una idea para una pintura, piense qué
fotos se necesitan para apoyar la ejecución de esta pintura y luego tome las fotos
necesarias.

• Trate de usar diferentes ángulos y posiciones de la cámara.

• Apunta a fotos con sombras, profundidad y un buen rango de valores.

• No utilice la función de flash.

• Utilice luz natural. Si es posible, haga que la luz caiga al costado del sujeto y evite la luz del sol
deslumbrante, ya que las sombras estarán ausentes o serán demasiado fuertes.

• Tenga en cuenta de qué dirección viene la luz al tomar cada

fotografía.

• ¡Toma mucho!
• Hacer anotaciones; si ve al sujeto solo a través de la lente de la cámara, no
está usando todos sus sentidos y no recordará mucho sobre el sujeto y su
entorno.

Dónde encontrar referencias fotográficas útiles

La fotografía personal será mejor, ya que habrá compuesto activamente la toma y se sentirá
atraído por algo en ella en primer lugar. Tampoco hay problemas de derechos de autor con
las fotos personales.

Sin embargo, no siempre es posible usar solo fotos personales, por lo que, para verificar los
detalles, los libros y las revistas son maravillosos. La revista BBC Wildlife es tanto educativa como
una maravillosa biblioteca visual. Los periódicos suelen publicar excelentes fotografías de
animales, pero la calidad de impresión puede ser deficiente. Recuerde que el hecho de que una
foto haya aparecido impresa no significa que esté libre de derechos de autor. Los calendarios
pueden tener excelentes fotografías de animales, especialmente las de caridad.

Volviendo a la web, existen excelentes sitios web libres de regalías como Pixabay, Unsplash
y StockSnap. Hay otros sitios web de fotos, como Flickr, en los que algunas fotos están
disponibles bajo licencias gratuitas. El sitio Paint My Photo alberga una comunidad de
artistas activa que fomenta el uso de las fotografías que aparecen en el sitio. También hay
numerosos grupos de Facebook, como Fotos para artistas, a través de los cuales se
pueden obtener fotos.
La referencia y la inspiración pueden provenir de cualquier lugar, ya sea un periódico
nacional, un calendario, un folleto, una tarjeta de cumpleaños o una revista. Sin embargo,
debe conocer y respetar los derechos de autor.

Es su responsabilidad verificar los términos de uso y si se requiere atribución. Tenga en cuenta que
el fotógrafo puede haber gastado miles de dólares en un equipo costoso y haber salido a las 4 a. m.
durante tres días seguidos para obtener la toma perfecta, así que no infrinja sus derechos.

Trabajando a partir de fotografías

Elige activamente

Intente que la experiencia de trabajar a partir de fotografías sea lo más parecida posible a
la de trabajar a partir de la vida real. Tal vez haga un dibujo de línea continua de
calentamiento. Identificar formas dentro y fuera del sujeto; buscar ángulos. Decide qué te
gusta de la foto y qué es importante en su contenido y composición. No se limite a copiar.
Pregúntate qué quieres decir sobre esta imagen. Al igual que cuando trabajas del natural,
decide qué quieres pintar, dónde recortar tu imagen, qué omitir, en qué enfocarte y qué
es menos importante.

Verifique la iluminación de su referencia: ¿de dónde proviene y, si está combinando

varias referencias, es consistente? Preste atención a las áreas más claras y más
oscuras: ¿todavía puede ver los detalles allí? Elija una foto que muestre más que el
nivel de detalle que desea lograr. Para un estilo de pintura más relajado, use fotos de
menor resolución. La resolución más baja hará que sea imposible ver
ciertos detalles, permitiendo la simplificación de las formas y resultando en pintar sólo lo
verdaderamente necesario para entender el tema.

Utilice varias tomas de referencia. Tome muchas fotos de su sujeto desde diferentes
ángulos, variando distancias y apuntando su enfoque a áreas con diferente iluminación.

Editar

El software gratuito le permitirá recortar, dibujar, pegar, cambiar colores, cambiar fondos,
agregar y superponer imágenes adicionales, cambiar el color de la luz y profundizar o aclarar las
sombras y los reflejos. Si tiene dificultades para identificar los tonos, use un software de edición
para hacer una copia en blanco y negro.

Agregar

Si copia una gran foto, se verá plana y aburrida en la pintura a menos que
haga algo, agregue algo. Debe preguntarse por qué se molesta en pintar
esta foto y cómo su pintura será mejor que la foto.

Imprimir

Algunas personas dicen trabajar desde una pantalla, para que pueda acercar y realizar
otras acciones similares para su foto. Creo que esto fomenta la copia servil. Imprime tu
foto en papel fotográfico, si es posible, para ganar tantos matices como sea posible.
Pero recuerde, las sombras y las áreas oscuras no se imprimen bien. Los oscuros se vuelven más oscuros y, por
lo tanto, pierden detalles. Además, después de haber impreso su foto, cuando se agote la batería de su
computadora portátil o cámara, no se queda atascado.

Componer

Recorta la foto según sea necesario, haciendo que el recorte sea proporcional al tamaño de tu lienzo.
Use la foto principalmente como una guía para su dibujo, proporciones y relaciones de valores, pero
siéntase libre de alterar los colores como mejor se adapte a la pintura.

¡No olvides entrecerrar los ojos! Si no lo ve al entrecerrar los ojos, no lo pinte. Esto le permite
simplificar y pintar de lo general a lo específico. Solo al final, cuando sea el momento
apropiado para agregar los detalles, puede pintar algunos de los detalles que ve solo cuando
no entrecierra los ojos. Elige bien. La mayoría de los detalles suelen estar en su punto focal.

aclarar sombras

Una buena regla general es aclarar las sombras y oscurecer las luces. No pintes las
sombras de negro, aunque así aparezcan en la foto. Siempre hay algo de color
local incluso en la sombra más profunda.

Guardarlo
Al final, su pintura debe valerse por sí misma, así que guarde la foto: deje que su
pintura le hable. Responda a su propia imagen y haga que funcione por derecho
propio.
 CAPÍTULO CUATRO

COMPOSICIÓN Y DISEÑO

Convirtiendo tus bocetos en pinturas

Cinco o diez minutos de planificación le ahorrarán horas de angustia. Si no sabe a

dónde quiere llegar, o tiene pocas ideas de la ruta, entonces las posibilidades de
llegar a su destino final y, de hecho, incluso sabiendo que ha llegado, son escasas.
La guía es simple: sepa por qué quiere pintar su tema, manténgalo simple y tenga
un plan.
Baa Humbug, 35 × 55 cm, tinta y acuarela sobre papel.

Planificación

• Estudie su tema - realmente llegue a conocerlo.

• Sepa lo que quiere comunicar.

• Reúna material de referencia, principalmente bocetos y fotografías. Vea cómo otros

artistas han pintado al animal anteriormente y trate de hacer algo diferente.

• Cree algunos bocetos en miniatura para determinar la composición, el formato y el tamaño de

su obra de arte.

• Seleccione su paleta de colores.

¿Qué han hecho otros artistas?

Con toda razón se nos enseña a no copiar, por lo que puede que te haya sorprendido el título
de este párrafo. Sin embargo, si está a punto de pintar un animal en particular, puede ser útil
investigar lo que han hecho otros artistas. Una búsqueda en línea del término 'acuarela' más el
nombre del animal, por supuesto, mostrará miles de imágenes. La idea es ver lo que pintan la
mayoría de los artistas y luego descubrir cómo puedes hacer algo diferente. Lejos de plagiar,
esto es 'descopiar'. Es posible que se sorprenda al comenzar a detectar quién ha utilizado una
foto particularmente popular para basar su trabajo. Por lo tanto, si desea pintar, por ejemplo,
un pato, y una búsqueda en Internet identifica muchas imágenes de patos parados en un pie,
tal vez le gustaría evitar repetir exactamente ese formato y, en cambio, pintar un pato mirando
por encima de su
hombro. No hay nada de malo en pintar lo que otras personas han hecho en el pasado,
pero es posible que encuentres algo único que decir explorando primero las
representaciones obvias de tu tema.

El poder de una miniatura

Siempre trate de hacer un boceto en miniatura antes de comenzar. Esto no debe mostrarse a
nadie y es su documento de trabajo. Una miniatura es probablemente de 5 a 10 cm de tamaño
y es un espacio para trazar el mejor formato, verificar la forma en que cae la luz, identificar
áreas para guardar los tonos claros y los reflejos, y planificar su orden de trabajo. Vale la pena
crear un par de opciones, para que no opte simplemente por la interpretación más obvia.
Entonces, además de hacer un dibujo lineal, es bueno mapear sus valores o tonos. En
acuarela, básicamente estás pintando sombras y dejando luz, por lo que identificar estas áreas
dentro de tu composición en la etapa de planificación es crucial.
Siempre pregúntate por qué quieres pintar un animal en particular. La idea
de un dálmata que no sea blanco y negro me hizo reír.
Una miniatura es tu oportunidad de explorar posibles composiciones y tener una
idea de por dónde empezar y lo que esperas lograr. No pretende ser hermoso,
pero es un mapa de ruta para guiarlo a través de su pintura.

¿POR QUÉ QUIERES PINTAR ESTE ANIMAL?

• Encuentre el enfoque: ¿qué le atrajo de este tema en primer lugar?

• Busque los tonos principales: considere claros, medios y oscuros. El área de

mayor contraste atraerá tu atención, así que colócala en el foco de tu pintura.

• Incluir sólo lo que realmente se necesita y utilizar el arte de la sugestión. Trate de decir lo
máximo con la mínima información y permita la ambigüedad.

• Pintar algo simple y bien, en lugar de intentar pintar algo

complicado y fracasar.

• Determine si necesita antecedentes. En caso afirmativo, planifíquelo y no lo agregue como una

ocurrencia tardía; si no, trabaje hacia afuera desde el centro de enfoque.

• Simplifique y no sea esclavo de la precisión.

• Utilice la menor cantidad de colores posible: tres deberían ser suficientes, siendo seis o siete el máximo
absoluto (consulte la sección posterior 'Selección de colores' para obtener más información sobre la
planificación de colores).

Mezcla mezclas oscuras de colores que son opuestos en la rueda de colores que hayas
usado en otras partes de tu pintura.

• No utilice un color en un solo lugar.

• Presentan una variedad de bordes: duros, blandos, perdidos y encontrados. Crean interés y
movimiento.

Comienza con una brocha grande y termina con una pequeña.

• No juegue: termine demasiado pronto en lugar de demasiado tarde.

• Si está sucediendo algo atractivo, considere detenerse allí.

formato y tamaño

El peligro de tener un bloc de papel de acuarela es que todos los cuadros resultan del
mismo tamaño y formato. Puede alternar la orientación horizontal y vertical, pero eso
es a menudo lo más lejos posible.

Decida activamente el formato que se adapte a su idea: vertical, cuadrado u horizontal.

Considere el tamaño también; una versión en miniatura de una composición
comunicará algo completamente diferente a una versión de gran tamaño.

Considere su superficie también. Un papel áspero hecho a mano puede contribuir a su

interpretación del tema, mientras que uno suave puede restarle valor, o viceversa.
He pintado estos gorriones en un cuadrado de 25 cm y en una versión de 100 cm.
El tamaño hace una gran diferencia en lo que comunica cada pintura.

Composición

Una composición agradable requiere planificación y reflexión antes de que el lápiz o el

pincel golpeen el papel. No importa cuán hábilmente pintes, si el sujeto se deja caer en el
medio del papel, será aburrido.

Aunque la composición es en gran medida una cuestión de gusto personal, las siguientes
secciones presentan algunas pautas para ayudarlo a lograr composiciones efectivas.
Tu pintura necesita un punto focal, y este suele ser la cabeza del animal en un retrato de
cuerpo completo o su ojo en una pintura de solo la cabeza. Trate de colocar la cabeza, o el
ojo, en una intersección de las terceras líneas y colocar otras características importantes a
lo largo de las líneas de los tercios. Como todavía tiene que ser anatómicamente correcto, a
menudo necesitará colocar el 'peso' de la pintura en el lugar correcto.

Regla de los tercios

Esta es una simplificación de la media áurea. Esencialmente, establece que, sea cual
sea el formato de su pieza, si divide los lados horizontal y vertical en tres e imagina
líneas de conexión a lo largo de la pieza, de modo que termine con nueve secciones
iguales, debe apuntar a una prominente rasgo de su composición caiga en una
intersección de estas terceras líneas. Hay cuatro intersecciones de este tipo o 'puntos
de poder', y debe seleccionar uno para la ubicación del centro de interés de su
pintura.
El objetivo de esta pintura era representar la hermosa sombra de la cabeza del caballo,
por lo que la simplificación era crucial.

Otras características clave deben organizarse teniendo en cuenta las terceras líneas,
particularmente colocando estos elementos en una de las terceras líneas.
El espacio libre alrededor de tu animal es tan importante como el sujeto. Apunta a tener
un espacio negativo interesante.

Recuerde que el color, el contraste, los bordes nítidos y los detalles atraerán la
atención. Por lo tanto, querrá colocar el área de mayor contraste en su centro de
interés y querrá evitar colocar áreas de alto detalle y contraste en el medio de su
pintura.

Simplificación

Forme su diseño general a partir de algunas formas grandes. Las formas grandes contiguas funcionan
mucho mejor que las formas pequeñas que no se superponen esparcidas por toda la pintura.

Debe vincular formas para crear un flujo y vincular las áreas claras y oscuras
para lograr ritmo, equilibrio y movimiento.

Recuerda que los tres funcionan muy bien: incluye tres áreas de un color, tono o
textura, por ejemplo.

espacio negativo y positivo

Siempre vale la pena observar el espacio alrededor del sujeto. A esto lo llamamos el espacio
negativo. El sujeto es el espacio positivo. Trata de hacer que el espacio negativo de tu pintura
sea realmente variado y equilibrado. Es posible que desee enfatizar y crear formas negativas
interesantes en su composición. Una forma de hacer esto es
tener partes del animal saliendo del borde de su papel o lienzo. Una regla general
rápida es asegurarse de que cada esquina de su pieza tenga un formato diferente.

Hágase las siguientes preguntas cuando tenga

llegar a una composición.

• ¿Hay un centro de interés? Si el espectador no tiene un lugar en el que concentrarse en

la pintura, se sentirá perdido.

• ¿Siente que todo va unido? ¿Algo parece una ocurrencia tardía?

Debes aspirar a un todo unificado.

• ¿Tiene sentido? ¿Las diferentes partes de tu composición funcionan juntas en

proporción? Considere cómo las cosas encajan y se relacionan entre sí en términos de
escala.

• ¿Se siente equilibrado, sin que un lado sea más pesado que el otro? Piense en un balancín:
varios elementos pequeños pueden equilibrar uno grande. Si las cosas son simétricas, la
pintura puede parecer tranquila o incluso aburrida. La composición asimétrica puede ser más
dinámica, pero aún debe estar equilibrada.

• ¿El ojo se mueve satisfactoriamente alrededor de la pintura y se atasca en alguna parte?

Considere el uso de líneas principales para dirigir al espectador. Pueden ser líneas reales,
como las de los bigotes y el pelaje, o líneas implícitas de salpicaduras y color. Si tu ojo se
atasca en alguna parte, ¿cómo puedes moverlo? Diagonales, triángulos y círculos ayudan
con el movimiento.

• ¿Hay una repetición de formas, colores o marcas subyacentes que puedan dar un
patrón y ritmo a su composición? Trate de evitar usar algo en un solo lugar; en su lugar,
intente repetir o hacer eco de ese elemento en particular en otro lugar. Esto también
ayuda con la unidad de la pieza. Una gota puede parecer un error, mientras que tres
parecerán intencionales.
• ¿Cuál es el contraste en la composición? Las pinturas de alto y bajo contraste se sienten muy
diferentes. Está tratando de transmitir un estado de ánimo, así que use el contraste para respaldar
su intención. Toda pintura necesita una gama completa de tonos, de claros a oscuros, pero su
equilibrio lleva a que una pintura tenga un contraste alto o bajo.

• ¿Hay variedad en las marcas, texturas y bordes de la pintura? Ninguna variedad hará
una pintura aburrida, pero con demasiada será discordante. Trate de darle a la vista un
lugar para descansar si está poniendo mucha variedad y contraste.

Detalle

Una pregunta común es sobre la cantidad de detalles que hay que poner en una pieza.
¿Quieres ver cada pluma o cada bigote? Si está leyendo este libro, la respuesta
probablemente sea no, porque nuestro objetivo es capturar la esencia de la criatura que se
está pintando. Pero, es una preferencia personal en cuanto a qué tan flojo vas.
¿Cuánto detalle quieres? ¿Cada cabello? cada pluma? ¿O una impresión
general?

El ojo humano es maravilloso y extrapola tan fácilmente. Si tiene una pequeña área
de detalle, tendemos a asumir que el resto está ahí. Al colocar los detalles en el
centro de interés, implica que hay muchos más detalles presentes. Si ha
identificado lo que le atrajo de pintar el animal en primer lugar y lo que quiere
comunicar al respecto, esta comprensión le ayudará a orientarse sobre cuántos
detalles incluir y dónde.

Fondo

En mis pinturas, el animal es la estrella del espectáculo. La intención es mantener el

foco en el animal, por lo que el fondo no es demasiado importante. Mi objetivo es
evitar pintar un paisaje que tiene un animal en él. Otro argumento en contra de incluir
un fondo literal o realista es que muchos animales salvajes han evolucionado para
camuflarse.
El fondo debe considerarse al principio y no al final de la pintura. Quiero que
mis animales sean el centro de atención, por lo que los detalles en el fondo no
son importantes para mí; sin embargo, el fondo todavía necesita ser
considerado activamente, y aquí usé hoja de cobre.

Su enfoque es muy personal, pero, decida lo que decida, asegúrese de que el

animal y el entorno no sean demasiado iguales: quiere evitar que su pintura no
sea ni pez ni ave.

Habiendo dicho eso, pintar un animal sobre un fondo blanco puede ser demasiado
rígido. Es posible que desee insinuar su hábitat o presentar algo que convierta la
pieza de un boceto logrado en una pintura completa.

Hay varios enfoques. Potencialmente, podría hacer eco de los colores del animal en
el fondo, pero en una interpretación más sutil. Alternativamente, puede elegir un
fondo complementario que realmente muestre a la criatura. Aprovecha el uso de
pares de colores complementarios, por ejemplo, rojo y verde, amarillo y morado,
naranja y azul. Valdrá la pena asegurarse de que haya motas del color
complementario dentro del animal, para unir las dos áreas.

Simple no significa aburrido. Mi forma favorita de pintar es variar el tono,

agregar un poco de textura y resaltar 'vahos' de color alejando el pincel del
animal (vea el Capítulo 7).

Sobre todo, piensa en tus antecedentes antes de empezar. Si llega al final y comienza
a preguntarse qué hacer con el fondo, probablemente sea demasiado tarde.

orden de trabajo

Su miniatura también es invaluable para ayudarlo a planificar la forma en que trabaja como
Tu pintas. En lugar de saltar alrededor del papel, es bueno trabajar de manera fluida
desde el centro de interés hacia afuera. Habrá momentos en los que necesitará dejar
que las áreas se sequen, pero sí quiere que su pintura cuelgue de manera coherente;
puntear alrededor no logrará este fin.

La transparencia de la acuarela dicta algunas reglas, por lo que generalmente trabajamos de la siguiente
manera.

• Claro a oscuro.

• De fondo a primer plano.

Sin embargo, encuentro útil obtener algunos oscuros desde el principio, ya que estos definen
su rango tonal. Para esta gama tonal, el blanco del papel es tu tono más claro; es como la letra
mayúscula al principio de la oración, siendo el punto el tono más oscuro. Tus medios tonos
simplemente se rellenan entre las luces y las sombras.

Aquí hay un proceso general.

1. Bloquear en formas, mientras se guardan los blancos (la zona de mayor contraste
suele estar en el centro de interés).

2. Agregue los valores más oscuros.

3. Esmalte selectivamente las áreas de espacio en blanco que no desea conservar.

4. Agregue detalles y perfeccione.

5. ¡ALTO!
Selección de color

Hay potencialmente miles de colores de pintura que podría comprar, pero usar
cuarenta y ocho colores en una pintura no la hará más viva y hermosa; de hecho,
es probable que tenga el efecto contrario. Planificar y limitar el uso del color le da
una gran ventaja a usted como artista.
Solo se usaron tres colores en la pintura de esta jirafa.
Esta cebra fue pintada con los mismos tres colores que la jirafa: carmesí
de alizarina, oro de quinacridona y ultramar francés. Una paleta simple
puede hacer una pintura más interesante.

Los tonos, las luces y las sombras, definen la forma y el volumen de todo. Es por eso que no
tenemos problemas para reconocer el contenido de las fotos en blanco y negro. Por otro lado, el
color introduce emoción en una pintura. Los colores estrechamente relacionados pueden sentirse
armoniosos y tranquilos. Los colores cálidos pueden ser edificantes y enérgicos. Los colores fríos
pueden sentirse serenos o deprimentes.
Este elefante fue pintado en dos colores que aparecen casi opuestos entre sí en
la rueda de colores, dando una viva impresión de gris.

Recuerda, el tono, no el color, es lo realmente importante. Hay un dicho encantador que

dice: "El tono hace todo el trabajo y el color se lleva toda la gloria". Puedes pintar un
elefante gris o morado; si coloca las luces y las sombras en el lugar correcto, aún se
sentirá real.

Así como queremos dividir nuestra pintura en formas desiguales que aún están en equilibrio,
queremos tener una temperatura dominante para nuestra pintura. Tal vez sea
predominantemente cálido con algunas áreas frías (quizás en las sombras), o los colores fríos
pueden dominar, con solo un destello cálido en alguna parte.

Pregúntese qué colores preparan el escenario para el estado de ánimo del sujeto. Esos
colores deben dominar la pintura.

Conoce tus colores

Cuanto más conozca sus pigmentos, mejor podrá predecir cómo se

comportarán e interactuarán. La acuarela es un medio impredecible, pero
podrá aventurar una muy buena suposición.

Tono

¿Qué tan oscuro es su color cuando está en su máxima potencia (es decir, con suficiente
agua para que fluya)? Aclaramos y oscurecemos la acuarela añadiéndole más o menos agua,
no añadiéndole pintura blanca o negra. Las muestras de valor lo ayudan a comprender la
proporción requerida de agua a pigmento para lograr un tono o efecto particular. Es una
buena idea acostumbrarse a hacer muestras valiosas, especialmente para las nuevas
acuarelas que se agregan a su caja de pinturas. Vale la pena el esfuerzo, ya que lograr un
cambio de tono uniforme es más difícil de lo que parece.

Transparencia

Todas las acuarelas son transparentes hasta cierto punto: es una propiedad fundamental
del medio, pero es solo que algunas son más transparentes que otras. Dicha información
debe estar en el tubo o en una tabla de pintura, pero, si no está seguro del grado de
transparencia de una acuarela dada, pinte un lavado lechoso de este color sobre una
línea oscura impermeable. Si la pintura vela la línea, la pintura es opaca; si la línea es
claramente visible, la pintura es transparente; en algún punto intermedio significa que la
pintura es semitransparente.
Probar la transparencia de los colores es sencillo. Aquí puedes ver la opacidad
tanto del rojo de cadmio como del amarillo limón.
Cuanto más sepa acerca de sus colores, más podrán trabajar para usted.
Cómo puedes ajustar los tonos de tus acuarelas con agua y si son
transparentes son conocimientos clave.

Granulación

Esto sucede con pigmentos inorgánicos más densos que tienen partículas más grandes.
Estos se depositan en los poros del papel de acuarela, dando un efecto moteado. Puede
fomentar esto en su trabajo usando mucha agua en un papel más rugoso o agregando un
medio de granulación. El ultramar francés es conocido por granularse.

Tinción y levantamiento

¿El color se hunde en el papel de modo que ninguna cantidad de humedecimiento y frotamiento lo
eliminará por completo, o se asienta en la superficie, de modo que puede ajustar el tono fácilmente con
un pincel húmedo o mojado? Es posible que desee seleccionar colores de tinte para las capas iniciales y
usar colores más opacos y fáciles de levantar al final de la creación de una pintura.

Un poco de teoría del color

A todos nos enseñaron en la escuela que hay tres colores primarios y que, cuando
Traducido del afrikáans al español - [Link]

mezclados juntos, estos hacen cualquier otro color. La siguiente pregunta lógica es ¿por qué
diablos tenemos cuarenta y ocho colores en nuestra caja de pinturas y no solo tres?
Cada caja de pinturas debe tener un color primario frío y uno cálido. Esto le
permitirá mezclar colores secundarios apagados y claros. Si bien los colores de la
rueda de colores se denominan complementarios y sonarán cuando se coloquen
uno al lado del otro, se neutralizarán entre sí a marrón/gris cuando se mezclen.

Los pigmentos de pintura no son primarios puros. Cada uno tiene un sesgo; por ejemplo, el
amarillo limón es ligeramente verde, por lo que decimos que es fresco. El amarillo de cadmio
es ligeramente anaranjado, y decimos que es cálido. Si tuviera que mezclar los tres primarios
puros, obtendría negro. En acuarela, obtendrás un marrón/gris. Entonces, se deduce que, si
mezclas un amarillo que tiene un poco de rojo con un azul, en realidad estás mezclando los
tres primarios. Mezclarlos te dará un verde ligeramente apagado. Por lo tanto, al tener
versiones cálidas y frías de los primarios, puede mezclar versiones apagadas o claras de los
colores secundarios: naranja, verde y morado.

Los colores que aparecen opuestos entre sí en el círculo cromático se denominan

colores complementarios. Uno al lado del otro, casi vibran y se disparan.
Mezclados, se someten y encanecen entre sí. Conocer y amar a tus primarios es
un placer.

salvando el blanco

Si la acuarela es transparente, se deduce que no tenemos pintura de acuarela blanca: el blanco

transparente es incoloro, ¿no es así? Así que tenemos que introducir un blanco opaco, que
podría verse en desacuerdo con el resto de nuestros colores, o usar el blanco del papel como
nuestra 'pintura' blanca. Rápidamente te das cuenta de que una vez que pierdes el blanco dentro
de tu pintura, luchas por recuperarlo.

Con mucho, la forma más fácil de mantener las áreas blancas dentro de una pintura es simplemente
pintar alrededor de las formas blancas requeridas. Tienes que ser un poco obsesivo con
esto, ya que siempre puedes deshacerte del blanco más adelante, pero te resultará difícil recuperarlo si
lo pintas por accidente. Si las áreas de blanco son demasiado pequeñas o complicadas para pintar
alrededor, entonces el líquido de enmascarar puede ser su rescate.

El líquido de enmascarar es un líquido de látex que se aplica al papel. Una vez seco,
puedes pintar sobre él. Cuando lo quite, dejará expuesto un papel prístino. Tal es la teoría.
En la práctica, es posible que el líquido se adhiera al papel y que la pintura se acumule a
su alrededor, de modo que termine con un borde duro desagradable. El secreto es
aplicarlo sobre papel seco y asegurarse de que, a su vez, esté seco antes de pintar encima
y al lado. Quítelo lo antes posible para que no se suelde a la superficie del papel. No
acepte la marca blanca que le dan una vez que se ha retirado el líquido de
enmascaramiento; use un cepillo pequeño húmedo para ajustar sus blancos y suavizar los
bordes. Las áreas de blanco serán entonces mucho más naturales.

Además de la máscara removible, puede usar una protección permanente como un crayón de
cera o una vela. Si usa un crayón blanco, evitará que la pintura llegue al papel subyacente. Este
es un juego peligroso, ya que, si lo pones en el lugar equivocado en el papel, estás lleno. Sin
embargo, puede producir efectos de textura interesantes para los valientes.

Agregar un poco de goma arábiga a su mezcla hará que su pintura sea más fácil de
levantar, o, si pone goma pura en su papel y lo deja secar, actuará casi como un líquido de
enmascaramiento y podrá recuperar sus blancos más adelante.

Recuperando blanco

Si ha perdido un blanco o no desea usar enmascaramiento, puede usar gouache blanco

(una forma opaca de acuarela), bolígrafo de gel, tinta o pastel para agregar reflejos
finales.
Aprender a considerar y dejar áreas en blanco es una habilidad crucial en la pintura con
acuarela. Las áreas pequeñas se pueden recuperar si se pierden, pero nada supera el
brillo del papel blanco intacto.

La otra opción es usar un bisturí o un cuchillo artesanal para raspar pequeñas áreas de blanco
o incluso papel de lija para levantar un poco de pintura y dar como resultado múltiples áreas
blancas moteadas. Con la lija, efectivamente estás despegando los picos del papel. Su artículo
debe estar completamente seco, y este es un enfoque de matar o curar. Estás dañando tu
papel y no hay vuelta atrás si te resbalas. De ninguna manera decida pintar sobre el área
dañada, ya que la pintura se hundirá en el papel y será más oscura. Debe ser lo último que
haga antes de firmar su trabajo terminado.

recorte

Una de las ventajas de trabajar en papel es que unas tijeras afiladas pueden salvar una
composición ligeramente poco fiable. Si tiene un desorden fangoso a un lado pero el resto
de la pintura tiene mérito, no tema cortar la parte ofensiva. Si desea tener más inclinación
en la cabeza del animal, tal vez pueda rotar su pintura y luego cortarla para recuperar sus
ángulos rectos. Nunca tengas miedo de hacer un cultivo final; estos pequeños ajustes
pueden marcar la diferencia.
 CAPÍTULO CINCO

TRABAJANDO TUS BOCETOS

Materiales para usar en el estudio

La portabilidad y la versatilidad no son determinantes tan fuertes de su lista de suministros una vez
que está de vuelta en su estudio. Sin embargo, sigo buscando que mis materiales alcancen el punto
óptimo de rendimiento un poco mejor de lo que cabría esperar por el precio que ha pagado.
Reflejo de avoceta, 35 × 45 cm, acuarela sobre papel.

Papel

La superficie es clave para el éxito de la pintura con acuarela. Tiene más impacto que cualquier otro
aspecto de sus suministros. Puedes pintar un buen cuadro con pinturas de mala calidad en un papel
decente, pero incluso los mejores pigmentos tendrán problemas en un papel desagradable. Como la
superficie a menudo se deja sin pintar en algunos lugares, se convierte en una parte integral del trabajo
de una manera que el lienzo simplemente no lo hace con el uso de óleos o acrílicos.

Hay tres tipos principales de papel: prensado en caliente, NO y rugoso, como se describe
en las siguientes secciones, y cada superficie cambiará la pincelada que se puede lograr
con la acuarela.

Tenga en cuenta que los papeles de diferentes fabricantes varían en sus texturas y en sus otras
características, como la absorción.

El papel viene en diferentes pesos, que se miden en libras por resma o gramos por
metro cuadrado. El papel más liviano es de 90 lb / 195 g / m2 y el peso del papel
sube a 300 lb / 525 g / m2. Cuanto más pesado sea el papel, más caro será por hoja.

El papel más liviano debe estirarse antes de usarlo para pintar con acuarela. Sin embargo,
en mi opinión, cualquier cosa que pueda impedir que comiences a pintar no vale la pena.
El problema con el estiramiento es que debes planificar con anticipación. ¿Qué pasa si
estiras un papel que no es del tamaño o formato que te apetece cuando lo vas a utilizar?
Es mucho mejor darse el gusto con un papel de mayor gramaje que no requiere estirarse
y, por lo tanto, puede usarse sin ninguna planificación previa. ¡La vida es demasiado corta
para estirar papel!

Si experimenta arrugas leves, es decir, arrugas o pandeo en la superficie del papel una
vez humedecido, entonces, para eliminar las ondas en el papel, una vez
el papel está seco, planche suavemente la parte posterior de su pintura o humedézcala y pésela
durante la noche.
Suministros para su trabajo de estudio: una tabla de apoyo, paleta para mezclar, tinta, recipientes de agua,
pintura, líquido para enmascarar, cinta adhesiva, gouache blanco, secador de pelo, bolígrafos, lápices,
toallas de papel, botella con atomizador, cuchillo para manualidades y Magic Eraser.

El papel Bockingford NOT, disponible en un peso mínimo de 140 lb/300 g/m², es un

papel excelente y confiable. Soporta bastantes castigos sin perder su sentido del
humor. Debido a que no es 100 por ciento algodón en contenido material, aunque es
completamente de archivo, es una opción asequible. Está hecho en una máquina de
molde cilíndrico, con su superficie creada mediante el uso de fieltros de lana natural
que le dan al papel una textura aleatoria distintiva. Utilizo papel de 140 libras para
experimentos y papel de 200 o 250 libras para trabajos de estudio. Cuanto más grande
planee trabajar y más agua pretenda usar, lo guiará cada vez más en la dirección de
seleccionar un papel de mayor peso.

prensado en caliente

El papel prensado en caliente tiene una superficie muy suave, lo que lo hace ideal para
trabajos detallados. Su nombre proviene del proceso de fabricación, en el que el papel pasa
por rodillos calientes que efectivamente lo planchan.

NO

Este papel se llama así porque no se prensa en caliente; por lo tanto, conserva algo de textura. No hay
tanta textura que se interponga en el camino de los detalles, pero tiene suficiente para inyectar
algo de carácter, y retiene más agua, lo que le permite trabajar la pintura por más
tiempo.

Áspero

El papel rugoso tiene una textura rugosa. La textura puede ser una adición maravillosa a una pintura
y facilita el trabajo con pincel seco; sin embargo, también puede volverse intrusivo. Los efectos de
granulación serán más pronunciados en una superficie rugosa, y el papel rugoso se usa a menudo
para trabajos de jardinería.

Color

La pintura de acuarela está disponible en dos calidades, para estudiantes y para artistas, y en dos formas,
en recipientes y en tubos.

Si bien las bandejas son excelentes para pintar sobre la marcha, los tubos son los preferidos
para el trabajo de estudio, ya que es más rápido mezclar lavados de pintura vibrantes y
cremosos. Si usa sartenes, vale la pena rociarlas con agua limpia mientras se instala. El agua se
hundirá en la superficie de la pintura, lo que permitirá que el color se libere sin frotar
demasiado con la brocha. Asegúrese de que sus sartenes estén secas antes de guardarlas, de
lo contrario, puede tener problemas de moho, especialmente si vive en un clima más cálido.
Puede reemplazar o rellenar las bandejas con el color del tubo, si lo desea; la pintura añadida
se secará gradualmente, aunque los dolores que contienen miel pueden permanecer húmedos
durante mucho tiempo.

Las acuarelas de calidad para estudiantes son más baratas, ya que contienen menos pigmento o
incluyen pigmentos que son menos costosos. Dicho esto, las gamas para estudiantes de fabricantes de
renombre como Winsor & Newton (Cotman) son una buena opción para quienes tienen un presupuesto
limitado. Y, debido a que las pinturas de los estudiantes tienden a ser menos
animados en el papel, algunos artistas eligen activamente usarlos.

Se pueden mezclar y combinar diferentes gamas. El mismo color nombrado puede tener una
apariencia diferente; por ejemplo, el turquesa ftalo es visiblemente diferente entre los
fabricantes, al igual que el gamboge. Para verificar la identidad y las características de un color
en particular, debe consultar el código de pigmento del fabricante correspondiente.

No necesita demasiados dolores para comenzar, alrededor de ocho debería ser suficiente.
Como se detalla en el Capítulo 4, una paleta básica contendrá una versión fría y cálida de
rojo, azul y amarillo. Agregue siena tostada y ámbar crudo, junto con quizás un buen
púrpura o un verde savia, y debería poder mezclar casi cualquier color. Si quieres pintar
flamencos, ¡consigue un buen rosa! Con el tiempo, puede disfrutar de nuevos colores y
crear su colección. Sin embargo, el hecho de que tenga cincuenta tubos en su caja de
pinturas no significa que deba usarlos todos. Trate de limitarse a usar de seis a ocho, o
menos, en cualquier pintura.

cepillos

Con el tiempo, recogerá muchas brochas, pero para empezar con una ronda grande (tamaño 14–16,
llegando a un buen punto), una ronda más pequeña (tamaño 8), un rigger (tamaño 2) y un cepillo
pequeño debería ser suficiente. .

Los mejores pinceles para acuarela están hechos de marta cibelina, pero, más allá de la cuestión
del costo, es posible que no desee utilizar productos animales para su obra de arte. Las fibras
sintéticas han recorrido un largo camino en los últimos años. Mire la capacidad de retención de
fluidos del pincel y cómo libera la pintura cargada: desea una liberación controlada de acuarela.
Además, busque un cepillo que sea suave, para no alterar las capas inferiores, y uno que tenga
buena elasticidad. Si es redonda, debe volver a ser una punta afilada cuando se moja y se golpea
ligeramente en el costado de la olla de agua.

El uso de pinceles pequeños fomenta la pintura apretada, así que intente usar un pincel que se sienta un
poco demasiado grande para el área que está pintando.
sosteniendo tu cepillo

La forma en que sostienes el pincel hace una gran diferencia en la marca pintada que
logras con su uso. Si sostienes el pincel como lo harías con un lápiz, usarás solo tus dedos
para moverlo, logrando el control pero careciendo de expresión. Sostenerlo ligeramente
en el medio o incluso en el extremo de su eje significará que usará todo el brazo y el
hombro, lo que resultará en menos control pero más energía para sus movimientos de
pintura. Si te pones de pie para pintar, comprometerás todo tu cuerpo. Un agarre por
encima de la cabeza del pincel puede agregar una fuerza diferente a su marca.

No olvides que tienes a tu disposición la punta, la barriga y el lateral del pincel para
realizar las marcas. Unos minutos dedicados a experimentar con la variedad de marcas
que puede hacer un solo pincel serán tiempo bien invertido. Busca mucha variedad en
cada pintura. No olvides que también puedes usar el mango, tus dedos o una ramita a
mano para hacer marcas; la pintura no necesita hacerse solo con un pincel.

Técnicas esenciales

Tono

Como vimos en el Capítulo 4, para aclarar u oscurecer su acuarela, agrega más o menos
agua. No agregue pintura blanca, ya que esto destruirá inmediatamente la transparencia
de su color, y es la transparencia de la acuarela lo que la hace tan agradable. Asimismo,
para oscurecer un tono, no agregue negro, ya que esto alterará el
tono de la pintura original. Para profundizar el tono, agregue más pigmento. Rápidamente te
darás cuenta de que algunos colores, como el amarillo, tienen una gama tonal bastante
estrecha, mientras que otros son mucho más amplios. Esto es crucial para entender si desea
comenzar a intercambiar colores.

Lavados

Un lavado es una simple capa de color. Tradicionalmente, los acuarelistas construyen la

profundidad del color y la impresión de volumen pintando finas capas transparentes una
sobre la otra. Cada capa debe estar completamente seca antes de la aplicación de la
siguiente capa, para evitar que una capa inferior se altere y enturbie por la pintura de una
capa posterior.
¿Por qué no elegir una silueta simple y crear una hoja que demuestre las diferentes
técnicas de acuarela? La calidad de tus bordes es crucial en la pintura con acuarela.
Una mezcla de suave y duro, y de objetos perdidos y encontrados, creará interés y
dirigirá la mirada: mire las dos liebres en la parte inferior de la hoja y considere cuán
diferentes se sienten.

RECUERDA, RECUERDA, RECUERDA…

La acuarela tiene que ver con el agua: viene primero en el nombre por una razón.
Si controla la cantidad de agua en su pincel y la cantidad de agua en su papel, está
a medio camino de domar este medio impredecible.

La segunda cosa a recordar es que la acuarela es transparente. Cada capa influye en

las que están por encima y por debajo. Incluso si pones una capa negra sobre un
lavado amarillo, el amarillo sesgará el negro.

Menos es más. Siempre puedes agregar más acuarela, pero eliminarla es mucho más
difícil. Una vez que haya trabajado demasiado en una pieza, volver a pintarla es muy difícil.

¿Recuerdas que 'El tono hace todo el trabajo y el color se lleva toda la gloria'? Si
las luces y las sombras están en la ubicación correcta y son correctas entre sí
en su pintura, su sujeto se verá real, y realmente no importa qué color de
pintura use.

La acuarela se seca más ligera: es hasta un 15 por ciento más ligera seca que cuando está mojada.
Si desea un color intenso, debe aumentar la cantidad de pigmento presente en el lavado.
El período de peligro

Cuando la acuarela está mojada, puede agregar con seguridad más color o más agua. Cuando la
acuarela esté completamente seca, puede agregar con seguridad capas delgadas de pintura en la
parte superior sin alterar la pintura que ya está en la superficie. Sin embargo, cuando no está
húmedo ni completamente seco, ha entrado en la zona crepuscular. En este período de peligro,
debe dejar bien en paz. Si agrega acuarela ahora, es probable que pierda la transparencia de la
pintura o que aparezcan marcas de agua en lugares no deseados. La excepción a esta regla es si
desea agregar efectos de textura, como con la aplicación de sal; Las técnicas de textura a menudo
funcionan mejor en el período de peligro.

Dominando la simplicidad

Del uso de papel húmedo y seco y pintura húmeda y seca, solo hay cuatro combinaciones
disponibles para pintar con acuarelas. Entonces, la acuarela es muy simple; solo se
necesita toda una vida para dominar esa simplicidad.

Húmedo sobre seco - lavado plano

El objetivo es aplicar la pintura al papel en una capa uniforme, sin rayas. Trabaja rápido,
pero con propósito: no entres en pánico. Comenzando con papel seco y un fluido
lavado de una consistencia como la de la leche desnatada, con su trabajo inclinado a unos 10
grados, cargue su pincel completamente con pintura pero para que no gotee. Sosteniendo el pincel
en un ángulo de 45 grados con respecto a la superficie del papel, pinte una línea horizontal de color
en una sola pasada. A lo largo de toda la parte inferior de esta pincelada, encontrarás una pequeña
gota de líquido; si no, necesitas cargar tu pincel más completamente con la pintura. Vuelva a cargar
el pincel sin sumergirlo en agua limpia, luego pinte la siguiente línea del lavado de manera que se
superponga ligeramente a la línea pintada anteriormente, recogiendo esta gota de líquido. Cuando
haya terminado, use un cepillo seco, es decir, un cepillo limpio y húmedo, para aspirar el exceso de
pintura de la cuenta. Luego, extienda su trabajo para que se seque. No caigas en la tentación de
volver atrás y arreglar las rayas, las empeorarás.
Simplemente combinando agua, pintura y una superficie, puedes crear magia.
Esta pintura de sabuesos se basa en la repetición de ojos y narices, pero mira de
cerca y verás todo tipo de pinceladas y colores inesperados.
Lograr un lavado plano depende de mezclar primero suficiente pintura y luego cargar
la brocha con suficiente mezcla para lograr una gota de pintura en la parte inferior de
cada pincelada. También es vital resistir la tentación de retocar cualquier raya.

Húmedo sobre seco - lavado graduado

Un lavado graduado va de claro a oscuro o viceversa. Trabajar de oscuro a claro es más fácil.
Voltee su papel boca abajo si es necesario. Para un lavado de oscuro a claro, trabaje como
para el lavado plano, pero, en lugar de usar la misma fuerza de pintura en toda la pintura del
lavado, agregue un poco de agua con cada pincelada sucesiva. Trate de obtener una transición
suave.

derecho en derecho

La mezcla aleatoria de colores en la superficie del papel es muy característica del medio y es
una manera maravillosa de trabajar. Moje la forma que desea pintar primero, luego agregue
los colores. Para mantener cierto control, puede dejar que el agua penetre en el papel antes de
aplicar la pintura o usar pintura más cremosa (más seca), que no fluirá tanto en el área
húmeda. Tenga en cuenta que el agua en el papel diluye aún más su pintura, por lo que es
posible que deba ajustar la cantidad de pigmento que usa para lograr el tono que está
buscando.

Mojado sobre mojado

Si todo el papel está mojado antes de aplicar la pintura, obtendrá bordes muy suaves y
perderá mucho control. Es posible que deba esperar hasta que el papel y cualquier acuarela
aplicada estén secos y luego glasear en la parte superior para recuperar algo de definición.

acristalamiento

Para esta técnica, que explota las propiedades transparentes de la acuarela, se pintan
capas de acuarela sobre la parte superior de la pintura seca, y cada capa actúa como una
vidriera. Una capa roja sobre azul creará la ilusión de púrpura.

creciendo un lavado

Este método es una forma más controlada de permitir que los colores se mezclen en el
papel. Primero, se pinta un área pequeña, luego se ajusta o cambia el color que se está
usando y se continúa la forma que se está pintando aplicando la pintura a un área
adyacente del papel; habrá mezcla en los bordes ya que ambas áreas de pintura aún están
húmedas. El color de cada pincelada se modifica hasta que se completa la forma deseada.

cepillado en seco

Excelente para agregar textura rota a una pieza, esta técnica se usa ampliamente
en la pintura de paisaje. Solo se puede lograr en un papel NO o rugoso: la pintura
golpea los picos y pierde los valles del papel. Después de cargar la pintura en su pincel,
frote la mayor parte con una esponja o papel de cocina. Con el lateral de la brocha,
barrer ligeramente la superficie del papel, de forma que se obtenga un moteado del
color.

Floraciones - cómo evitar, cómo obtener

Marcas de agua, coliflores, flores, llámalos como quieras. Ya sea que los considere
hermosos o dolorosos, son un sello distintivo de la acuarela. Ocurren cuando el pincel
está más húmedo que la superficie del papel. Entonces, si desea que sucedan, agregue
más agua o pintura acuosa en un lavado de secado. Si desea evitarlos, agregue solo
pintura más concentrada en un lavado de secado. Si hay menos agua en el pincel que
en la superficie del papel, no florecerá.

La alegría y la utilidad de un cepillo sediento

Un pincel sediento es una herramienta muy útil y se puede utilizar para lograr diferentes efectos. Una brocha limpia
y húmeda puede levantar suavemente el exceso de color o absorber el exceso de agua de una manera mucho más
controlada que simplemente frotando ligeramente con un pañuelo de papel.

Manejo de bordes

Los bordes de cada área de color marcan una enorme diferencia en la sensación de la
cuadro. Los bordes duros, donde el color se detiene repentinamente, llaman la atención. Pueden
ser duros; pueden ser energéticos. Los bordes suaves, donde el color se desvanece
gradualmente, son tranquilos. Se desvanecen en el fondo o pueden crear una sensación de
movimiento.

Los bordes perdidos son cuando no puede discernir dónde está el borde real, mientras que un
borde encontrado está definido por los objetos que lo rodean. Mezclar estos tipos de bordes atrae
al espectador hacia la pintura y agrega una sensación de intriga.

Trate de variar la calidad de sus bordes, probablemente usando unos duros en el centro
de interés y unos suaves en las áreas de soporte. Demasiadas áreas blandas y su pintura
se verá como una mancha; demasiados difíciles y parecerá torpe o errático.

mezcla de colores

Todos sabemos que el rojo y el amarillo forman el naranja, pero tienes varias opciones para
mezclar esos dos colores que impactan en el resultado. Se pueden premezclar directamente
en la paleta, lo que produce un resultado consistente y potencialmente aburrido. Se puede
colocar el rojo en capas, esperar a que se seque y luego colocar el amarillo sobre él. Esto se
llama mezcla óptica. Tiende a producir un naranja más interesante, ya que el rojo y el amarillo
variarán ligeramente en el área de color. Por supuesto, podrías empezar con el amarillo y eso
produciría un efecto diferente. Finalmente, utilizando un enfoque húmedo sobre húmedo,
puede mojar el papel y luego dejar caer pintura roja y amarilla en el agua, para que se
mezclen al azar. Desde la distancia, se dará la impresión de naranja.
Las tres formas de mezclar colores -en capas (glaseado), húmedo sobre húmedo y
premezclado tradicional en la paleta- dan tres resultados diferentes.

Busque maximizar el interés de sus mezclas de colores.

Cambio de color de valor

Hemos visto que el tono da la ilusión de volumen a tu pintura, entonces, ¿cuál es

el papel del color? Es para darle emoción y atmósfera a una pieza. Si desea
capturar la esencia del animal, en lugar de hacer una interpretación 100% precisa
de sus colores y marcas, debe aplicar el concepto de cambio de color de valor. En
esencia, puedes cambiar cualquier color por otro siempre que sus valores sean los
mismos.
Para entender cómo intercambiar colores con éxito, primero cree algunas tiras
tonales.
El intercambio de valores de color es la técnica mediante la cual se pueden sustituir con
éxito dos colores del mismo tono pero diferente matiz.
Pruebe su precisión en el cambio de valor de color tomando una foto en blanco y
negro.

Para probar esto, elige cinco colores diferentes. Muestras tonales completas (use la
parte posterior de una pintura antigua para hacer tiras) para cada color, con el
objetivo de obtener siete pasos uniformes desde la fuerza máxima hasta el valor más
pálido. Una vez seco, corte estas tiras en cuadrados. Ahora organícelos con los tonos
más oscuros juntos, independientemente del tono. Continúe de esta manera hasta
que haya juntado todos los cuadrados más pálidos. Para comprobar si lo ha hecho
bien, tome una foto de los cuadrados dispuestos y conviértala a blanco y negro. Debes
tener tonos de gris iguales para cada grupo de cuadrados. Descubrirá que algunos
colores son simplemente incapaces de lograr los tonos más oscuros; por ejemplo, el
amarillo no puede. Entonces, en su pintura, podría sustituir el púrpura por un marrón
oscuro y un valor pálido de cualquier color por un área clara. Por supuesto,

Secando tu trabajo

¿Ya está seco? Es importante saber esto, porque la acuarela se seca hasta un 15 por ciento más
rápido que cuando está mojada. Deberá ajustar su proporción de pigmento a agua para tener
esto en cuenta. Tu trabajo parece seco, pero ¿lo es? Siéntelo con el dorso de tu mano. Si el
papel está frío, todavía hay humedad en el papel. Si está a temperatura ambiente, puede
continuar. Puede usar un secador de pelo o un calentador para acelerar el proceso; sin
embargo, tenga cuidado. Simplemente soplar una superficie húmeda con aire puede causar
corridas y empujar el pigmento en una dirección que no desea. El sobrecalentamiento de la
superficie puede cambiar los pigmentos susceptibles y, si no permite que el papel vuelva a la
temperatura ambiente, obtendrá un secado desigual en la siguiente capa de su trabajo.
Técnicas texturales

Aunque la acuarela es un medio bidimensional plano, sin duda puedes crear la impresión de
textura al romper el pigmento de diferentes maneras. Descubrirá que los diferentes
pigmentos se comportan de diferentes maneras, y puede aprender qué acuarelas reaccionan
mejor solo a través de la experiencia. En general, un lavado húmedo aceptará mejor los
materiales texturizados que un lavado muy húmedo o seco.
Aunque la acuarela es un medio bidimensional, puede colocar el
pigmento de acuarela para crear todo tipo de efectos.

A veces, una marca de pincel es demasiado predecible. Un espíritu de aventura y

experimentación le permite aportar una dimensión adicional a su trabajo. Sin embargo, una
palabra de advertencia. Agregar textura a la acuarela puede ser adictivo: el dicho menos es
más es relevante. Demasiados métodos de textura en una sola pieza no dejarán el ojo donde
descansar. El uso repetitivo de una sola técnica puede convertirse en un cliché. Entonces,
aunque ames una técnica en particular, siempre pregúntate '¿qué aporta esto a la fiesta?'. No
permita que los efectos se vuelvan intrusivos o resten valor a su pintura. Si bien nunca debe
tener miedo de probar nuevas formas de trabajar, no se exceda y asegúrese de que se
integren perfectamente en su trabajo.

El abanico de posibilidades está limitado únicamente por tu ingenio. Pero, antes de usar
las técnicas en pinturas 'reales', es una buena idea hacer una hoja de referencia.

Gorronería

Las esponjas naturales se pueden manipular para dar marcas de pintura al azar. Moja la
esponja primero y luego escurre el exceso de humedad, de lo contrario, absorberá
grandes cantidades de pintura. Deberá mezclar una buena cantidad de pintura de todos
modos, ya que la esponja aún absorberá bastante. Es importante controlar la cantidad de
pintura en la esponja si desea evitar la formación de manchas. También es importante
rotar la esponja ligeramente entre toques, de lo contrario obtendrás una repetición del
mismo patrón, que se verá lejos de ser natural. El efecto se puede construir húmedo sobre
seco con varios colores o la densidad y el tono de la marca se pueden construir con un solo
color.
Impresión

Se pueden usar muchos elementos diferentes para imprimir acuarela en su superficie de manera similar
a como se hace con una esponja. Algunos de los elementos más útiles para la impresión son las toallas
de papel con textura y los bordes de tarjetas y tarjetas de crédito.

salpicaduras

En papel seco o húmedo, las salpicaduras pueden romper un contorno demasiado duro, desviar la atención o
agregar textura interesante. Sin embargo, las salpicaduras pueden ser propensas al uso excesivo, y los animales
terminan luciendo como si tuvieran sarampión.

La pintura se puede salpicar de diferentes maneras. A algunos les gusta usar un cepillo de
dientes viejo cargado con pintura y dibujar una uña sobre las cerdas; esto tiende a crear una
salpicadura fina y direccional. Para gotas más circulares, se puede cargar un pincel con la
aguada y luego se golpea con un dedo para que las gotas caigan en la zona adecuada del
cuadro. Una toalla de papel es útil para enmascarar cualquier área a proteger o, si desea un
contorno nítido en el área salpicada, se puede cortar una plantilla para definir el área
salpicada.

Las gotas más grandes se pueden colocar con cuidado para ayudar a guiar la vista por la
composición. Un cepillo grande tirado hacia abajo debería producir gotas de tamaño decente,
o una jeringa o pipeta cargada con pintura puede dar un mayor control sobre la colocación de
la pintura.

Si accidentalmente salpica su trabajo con una sola mancha, encontrará que

parece un error; sin embargo, al agregar algunos puntos más, el efecto general
parece intencional.
Soplo

Una bocanada corta y aguda de aliento en un charco de pintura líquida en la superficie del papel
creará una corriente aleatoria de líneas finas. Una pajita te permite dirigir estas líneas de golpe.

fumigación

Un pequeño rociador de agua es muy útil para suavizar los bordes o para humedecer previamente el
lienzo; también puedes rellenarlo con pintura diluida. Pulverizar a través de una plantilla da un patrón
interesante, o puede rociar un esmalte sobre un área para evitar alterar los lavados anteriores.

agregando sal

Esto, junto con las salpicaduras, son las dos técnicas de textura más propensas al uso excesivo.
Pinte un lavado bastante intenso y luego espolvoree una pequeña cantidad de sal de mesa común
cuando el brillo comience a desaparecer. Espera la magia: aparecen los copos de nieve. Cuando
todo esté absolutamente seco, raspe con cuidado los cristales de sal con una uña. La sal de roca
creará marcas más grandes y las sales de Epsom crearán una forma diferente de marca.

Si usa la sal demasiado pronto, simplemente terminará con un charco de pintura salada. Si la
pintura está demasiado seca, no habrá ningún efecto. Esta técnica funciona más
dramáticamente con algunos pigmentos que con otros. Como referencia, la tinta china sobre
lienzo toma una textura salada de una manera fabulosa. Tiempo lo es todo.

Usando film transparente

La película adhesiva (envoltura de Saran) puede ser una excelente manera de romper un
lavado dando estrías geométricas de color y tono.

La película adhesiva se arruga o se estira sobre el lavado fresco (de un solo color o
variado). Las arrugas de plástico se pueden manipular para dar el efecto deseado en el
papel subyacente, así que mueva el plástico hasta obtener un patrón que le guste. Deje la
película adhesiva en su lugar para que la pintura se seque, pero tenga en cuenta que es
posible que deba pesarla.

Si quitas el film transparente cuando la pintura aún está húmeda, obtendrás una marca más
suave; si la película adhesiva se pesa y se deja hasta que la pintura se seque, obtendrá un
resultado nítido. Se pueden obtener efectos similares cuando usa papel de aluminio y papel de
seda (pero use papel blanco sin ácido, ya que el color se desvanecerá del papel de color). Si lo
desea, puede dejar el papel de seda en su lugar para crear un sutil efecto de collage (consulte la
sección 'Collage' en el Capítulo 9 para obtener más información sobre este enfoque).

Uso de abrillantador para lavavajillas o alcohol

Colocar una sola gota de abrillantador para lavavajillas o alcohol transparente en un lavado de secado
crea un efecto de ojo de pez característico, con un centro oscuro y un círculo más pálido a su alrededor.
Fabuloso para nebulosas o escenas submarinas y, francamente, ¡simplemente divertido de hacer! Si el
lavado está demasiado húmedo, el efecto desaparecerá ya que el agua volverá a su lugar de origen. Si
está demasiado seco, el líquido se asentará sobre la pintura y hará poco. Tú
puede pasar unas gotas de dicho líquido a través de un lavado para fomentar la creación de
flores más dramáticas.

Lijar lápices de acuarela

Si bien los lápices acuarelables son muy convenientes para trabajar con un aire sencillo,
no siempre dan la intensidad de color que buscan los artistas. Sin embargo, con un
poco de imaginación, pueden ser muy útiles para crear un sutil efecto de textura.

Frote suavemente un lápiz de acuarela de color sobre la superficie de un trozo de papel de lija,
permitiendo que el polvo de acuarela resultante caiga y se adhiera a un área previamente
humedecida en el papel. Esto crea una fina mota de color. Se pueden construir diferentes colores,
capa sobre capa. El polvo se adherirá únicamente a una superficie húmeda. Si la superficie está
demasiado húmeda, el color se disolverá y formará un lavado.

Ejercicios de calentamiento

Manejo de mezclas de dos colores

Elige la silueta de un animal que te guste y dibuja su contorno. Ahora, comenzando con un color,
pinte la forma del animal hasta aproximadamente la mitad del camino. Trabajando rápidamente,
use un color diferente para pintar desde el otro extremo de la forma para que los bordes aún
estén húmedos cuando y donde se encuentran. Incline el papel para obtener interesantes
mezclas de colores. Ahora, repite con otras combinaciones de colores.
¿Cuáles funcionan bien juntos?
Dos pigmentos se pueden mezclar para dar un número infinito de posibilidades de color y
efecto. Estas liebres fueron bastante más divertidas de pintar que simples muestras.

Plumas de pintura

Aprenda a controlar la combinación de colores y la calidad de sus bordes

cultivando un lavado.
Una simple pluma es un tema maravilloso para explorar cómo se comporta el pigmento
en papel húmedo y seco y para explorar el levantamiento y el control de los bordes.

Encuentra una pluma que actúe como tu inspiración. Míralo de verdad. Tenga en cuenta la
pluma central (raquis); esta compensado? Observe la dirección en la que salen las púas de las
paletas. Mire la pluma posterior suave y las púas individuales. Ahora, decida si desea pintar
esta pluma en sus colores reales o con una selección de colores inventada.

Dibuje con un contorno claro. En papel seco y usando su ronda más grande, comience en la parte
superior y trabaje hacia abajo, dejando manchas blancas para sugerir la separación ocasional de las
púas de las aspas. Cambie los colores a medida que avanza para permitir que se fusionen. Cuando
llegue al eje hueco al final, use el extremo equivocado de su pincel para pintarlo. Cambiar la calidad
de sus marcas aumenta el interés visual incluso del tema más simple. Tal vez también saque el
plumón con el extremo equivocado de su cepillo.

¿No sería bueno tener algunos bordes suaves? Use un pincel limpio y húmedo para pintar
hasta el borde de la pluma con agua y luego deje que se desvanezca un poco del color. Si tiene
un rociador fino, intente rociar suavemente el borde (use su mano para proteger las partes de
la pintura que no desea rociar). Si desea aclarar cualquier área para darle una apariencia
brillante, mientras esa área aún está húmeda, levante algo del pigmento con un cepillo seco. Si
la pluma tiene marcas, puede levantar un poco de pintura para representarlas, si son más
claras, o dejar caer el color en el lavado húmedo para obtener marcas suaves, si son más
oscuras.

Ahora, repite los pasos de pintar la misma pluma, pero primero humedece el papel.

Deje que esta segunda pintura de plumas se seque y luego analice los resultados. ¿Qué partes
de las plumas pintadas te gustan? ¿Puedes ver cómo las áreas blancas sugieren la forma de la
pluma? ¿Te gustan los bordes suaves y duros? ¿Puedes ver cómo la variedad presente ayuda a
que tu ojo se mueva alrededor del sujeto? Si desea implicar más detalles, puede pintar una
segunda e incluso una tercera capa en la parte superior.
Pintando siluetas

Para practicar las técnicas de húmedo sobre húmedo y de acristalamiento, y para

comprender mejor cuánto nos dicen las formas y los bordes, intente usar siluetas simples.
Leemos tanta información de formas y bordes, y en ninguna parte se puede
demostrar mejor que en una silueta. Comience creando un fondo de lavado
simple.

Seleccione tres colores: armoniosos o contrastantes. Ahora, crea un lavado de fondo

interesante, húmedo sobre húmedo. No oscurezca demasiado, de lo contrario no podrá
lograr suficiente contraste. Permita que este lavado se seque por completo. ¿Los
patrones que has logrado te recuerdan algo? Puede voltear el papel de lado para ver el
lavado desde otro ángulo. Ahora, usando mezclas más ricas de los mismos colores,
trabaje una silueta en la parte superior de la misma manera que pintó la pluma.

Recuerde que nuestros ojos leerán detalles que no están presentes.

Trabajando en su fondo seco, pinte una silueta de mojado a mojado. Tal
silueta es muy impactante.

Cuando venga a pintar sombras, recuerde la riqueza de color que logró aquí al
superponer diferentes colores. No sería ni la mitad de hermoso si simplemente
usaras un negro mate, ¿verdad?
Nuestra imaginación llena los espacios en blanco de la silueta: inmediatamente sabes que se trata
de un martín pescador.
Traducido del afrikáans al español - [Link]

CAPÍTULO SEIS

PELO, PLUMAS Y CARACTERÍSTICAS

Cada especie tiene características distintivas, por lo que capturarlas con precisión es clave
para plasmar la esencia del animal en papel o lienzo. El equilibrio es lograr una imagen
expresiva mientras se asegura de que sea anatómicamente correcta. Si te desvías de esto, en
el mejor de los casos, tu arte se verá caricaturizado y, en el peor de los casos, simplemente se
verá mal. Es su decisión como artista en cuanto al nivel de detalle que desea representar y qué
tan suelta será su traducción del pelaje, las plumas y las características.
Tail of the Unexpected, 35 × 55cm, acuarela sobre papel. Estás tratando
de capturar la esencia del animal, en lugar de cada pelo y bigote.

Ojos

Las ubicaciones y formas de los ojos y las pupilas son muy distintivas para cada especie. Las especies de
presa que vigilan el peligro tienen ojos a los lados de la cabeza para tener una visión completa,
mientras que los depredadores confían en la visión binocular, por lo que sus ojos están en la parte
delantera de sus cráneos.
El ojo -u ojos- pintados del animal es fundamental y determina el éxito
de la pintura en general

Si no puede ver un ojo en una pintura, tiende a sentirse impersonal, por lo que es posible que desee
presentar un vistazo de uno (piense en la vaca de las Tierras Altas). ¡Intenta no poner ojos humanos en
los animales!

Una vez que agregas un ojo a una pintura, puedes ver que toda la criatura cobra vida, por
lo que realmente vale la pena practicar hasta que te enamores de pintarla. Siempre
sugeriría comenzar con el ojo. Si, por la razón que sea, la pintura del ojo no tiene éxito,
toda la pintura fracasará; mucho mejor hacer esto al principio de pintar una pieza en
lugar de después de varias horas de trabajo. Los ojos son esféricos y están colocados en
el cráneo, por lo que no querrás que se vean como si los hubieran cosido al final. Pintar
los ojos al principio asegura que se incrusten correctamente en el resto de la cabeza.
Otro punto a recordar es que los ojos están húmedos; por lo tanto, un punto culminante
es importante.

Hay una bonita historia china sobre el pintor Zhang Seng Yao. Cuando se le pidió que
pintara un dragón en el Templo Jinling Anle, pintó cuatro dragones pero los dejó sin
ojos. Explicó que los ojos son el espíritu del dragón y que, si añadía sus ojos, los
dragones volarían. Todos insistieron en que los agregara, lo que hizo de mala gana
para dos de los cuatro. Rápidamente atravesaron la pared y volaron hacia las nubes,
dejando solo a los dos dragones sin ojos en las paredes.

Cuando pinte un animal de frente con ambos ojos visibles, no haga que los ojos sean
idénticos. Es muy confuso para el espectador, porque no sabe dónde mirar primero. Intenta
hacer los ojos sutilmente diferentes. Decide cuál es el más importante y haz que sus bordes
sean un poco más nítidos o los colores un poco más brillantes. Una diferencia de unos pocos
puntos porcentuales hará que el retrato general sea más agradable.

Hay tres formas de ojos principales, y son muy fáciles de pintar con acuarela,
ya que es un medio lleno de luz.
Los viejos perros pastores ingleses y el ganado de las Tierras Altas pueden ser la excepción a la regla sobre las
formas de los ojos.

ojo sencillo

El ojo más simple es un círculo con un reflejo blanco; esta forma de ojo se encuentra a menudo en
aves (ver el ejemplo de cabeza de ganso que se muestra abajo a la izquierda) pero también en
roedores. El secreto es dejar pequeños destellos de blanco que indicarán párpados húmedos
alrededor del ojo. Una vez que tengas el círculo en su lugar, con agua limpia, pinta alrededor, dejando
un pequeño hueco de papel seco. Luego, cierra la brecha en un par de lugares y observa cómo el
color de los ojos desaparece para comenzar a formar las plumas o el pelaje circundantes.
Los ojos se dividen en tres categorías: los simples, los que no tienen una pupila perceptible y los
que tienen una pupila distinta.

Ojo sin pupila visible

Si el ojo es más grande, debe trabajar un poco más para que parezca una esfera. Aunque
todos los ojos tienen pupilas, es posible que no sean visibles, por ejemplo, como en una
lechuza común. El secreto es realmente observar el ojo del animal y ver lo que está pasando.
Pinte la forma del ojo (no asuma que es un círculo, podría ser alargado), dejando el resaltado.
Es posible que deba simplificar el resaltado y hacerlo consistente, pero no idéntico, si ambos
ojos están visibles. Mientras la acuarela aún está húmeda, use su pincel sediento para esculpir
un toque suave, luego continúe pintando hacia afuera, dejando espacios blancos para las
membranas de los ojos, como antes. Es posible que también desee agregar un color
diferente, por ejemplo, un poco de turquesa en un ojo marrón.

Ojo con pupila

Esto tendrá que ser construido en capas. Si no está familiarizado con el animal, haga un
boceto rápido, calculando la forma general del ojo, observando el punto culminante, la
sombra del hueso de la ceja, etc. Comienza pintando el iris, incluyendo donde estará la
pupila, y dejando las luces. Mientras la pintura está húmeda, toque un poco de color en
los bordes que se extenderán a través de la acuarela ya aplicada para formar las motas
que ve en el iris. Usando su pincel sediento, cree la ilusión de una pelota como antes.
Puedes empezar a pintar alrededor del ojo. Me gusta que parte del color del iris se
extienda por el pelaje. Una vez que toda la pintura esté seca, observe la forma y posición
de la pupila de su sujeto y luego colóquela
cuidadosamente en su pintura, reservando el punto culminante. Este podría ser un buen momento para
poner un poco de sombra debajo de la ceja, dependiendo de la dirección de la luz. Nuevamente, una vez
que la pintura esté seca, usando una mezcla azul, coloque la pupila detrás del resaltado. Por lo general,
se puede ver en el tema.
No olvide que un globo ocular es realmente una bola, aquí, la de una lechuza común. Usar
un pincel sediento para extraer un toque suave ayuda a convertirlo en una esfera.
Un ojo más complejo, aquí el de un gato, debe construirse en capas,
observando y simplificando las luces y las sombras.

Pelo

Nuestro objetivo al pintar suelto es dar la impresión del pelaje y no incluir todos los
pelos. Considere dónde cae la luz y qué luces deja. Un perro negro no es negro
mate: puede haber azul o verde en su pelaje. Trabajar húmedo sobre húmedo es tu
mejor opción para lograr una textura de pelaje maravillosa.

Los detalles son más visibles en el borde de una masa, así que concéntrese en obtener un borde
hermoso para el pelaje. Para un animal más distante, el cepillado en seco será efectivo. Se puede sugerir
una piel mojada usando una película adhesiva para colocar el pigmento. Rara vez sugeriría usar un
cepillo de abanico con el objetivo de ejecutar cada mechón de cabello. Si realmente observa el pelaje,
verá que a menudo se acumula, por lo que, para reproducirlo de manera efectiva, debe pintar las
sombras detrás de los grupos.

Los colores granulados también pueden ser efectivos para capturar el efecto del pelaje.
Recuerda que cuanto más rugoso sea el papel más pronunciada será la granulación y
también que cuanta más agua utilices más granulará la pintura.
La técnica húmedo sobre húmedo es excelente para lograr una textura difusa.
El pelaje suele estar en mechones, y la textura es más visible en los bordes. El pelaje
mojado aquí requería un enfoque más duro.

Ahora, observe las marcas de su animal y vea cómo siguen los contornos del cuerpo. Si se
trata de un animal manchado, las manchas se acortarán a medida que aparecen en los
bordes del cuerpo y se distenderán a medida que se extiendan a través de áreas redondas. El
uso efectivo de las marcas le dará un volumen maravilloso a su animal.

El pelaje no crece en una dirección y, aunque puede cubrir el cuerpo, revela la forma
de hueso y músculo debajo. Mientras pintas, siente como si estuvieras acariciando al
animal con tu pincel. Si accidentalmente omite un punto, la marca de luz resultante
será completamente plausible y se sumará a la vida del dibujo.

Plumas

¿Sabías que hay siete grandes tipos de plumas? Dado que cada uno tiene una estructura y
un propósito diferentes, es probable que desee utilizar una variedad de técnicas para
representarlos. Estas plumas aparecen en tramos definidos, no al azar, así que asegúrate
de que las tuyas también lo hagan. Aunque no creo que tengas que contar las plumas
presentes de cada tipo, las plumas que incluyas en tu pintura deben ser plausibles.
No es necesario que muestres todas las plumas de vuelo, pero las que pintes
definitivamente deben seguir el patrón de ubicación, así que primero tómate un poco de
tiempo para observar cómo crecen.

Las plumas de las alas son asimétricas con un borde de ataque más rígido que evita que se tuerzan en
el aire. Dispuestas en forma de abanico, la mayoría de las plumas de la cola, o rectrices, presentan una
estructura entrelazada similar a la de las plumas de las alas. Por lo general, las aves tienen seis pares de
plumas en la cola. Las plumas de contorno cubren el cuerpo y agilizan su forma y están dispuestas en
un patrón superpuesto. En su mayoría ocultas debajo de otras plumas en el cuerpo, las semiplumas
tienen un raquis central desarrollado pero no tienen ganchos en las bárbulas, lo que crea una
estructura aislante y esponjosa. Al igual que las semiplumas con poco o ningún raquis central, las
plumas de plumón son relativamente cortas y se ubican más cerca del cuerpo, donde atrapan el calor
corporal. Al ser plumas simples y cortas con pocas púas, las filoplumas funcionan como los bigotes de
los mamíferos para detectar la posición de las plumas de contorno. Las cerdas son las plumas más
sencillas, con un raquis rígido que suele carecer de ramas con púas. Las cerdas, que se encuentran más
comúnmente en la cabeza, pueden proteger los ojos y la cara del ave.

Al representar algunas plumas con más detalle, el espectador inferirá que el resto del cuerpo
está cubierto de manera similar.

Soplar en los bordes de una forma de ala recién pintada puede crear una impresión interesante,
mientras que las pinceladas con forma, tal vez hechas con una daga o un pincel de avellana, pueden
representar plumas individuales de vuelo o cola. La aplicación de sal o el trabajo húmedo sobre húmedo
pueden crear una sensación de depresión. Los detalles de tinta, lápiz o crayón, en lugares limitados,
pueden agregar suficiente interés a un área más grande de plumas. Trabajar con pintura cremosa en un
área húmeda dará marcas suaves en los bordes y, por lo general, levantarla es más exitoso para la
creación de manchas blancas, para evitar que se vea como si hubieras usado un perforador en las
plumas.

Narices
El filtrum es la línea central que baja por la nariz de muchos animales, como la de un perro o
un gato. La forma de las fosas nasales es distintiva, al igual que su textura, así que observe y
no asuma.
¿Quién puede resistirse a la nariz de una vaca? Ciertamente no yo. Usé una textura de película
adhesiva aquí, pero a menudo pinto el patrón deseado con agua limpia antes de agregar los
colores para luego mezclarlos en el papel.

Las narices de los perros están cubiertas con formas ovaladas planas. Las narices de los gatos están
relacionadas con el color de su pelaje, y los patrones de sus narices son únicos, como las huellas dactilares.
Para la nariz de un conejo, las fosas nasales están ocultas. La forma de las fosas nasales de un caballo cambia
con el estado de ánimo: ¡cuidado con la llamarada!

Usar un pincel fino para dibujar el patrón de la textura de la nariz en agua limpia y
luego tocar el color para seguir su camino es una forma exitosa de implicar textura.

Las fosas nasales no deben ser negras, pero es probable que sean muy oscuras y se
rendericen con éxito mezclando una oscuridad de los colores que ha usado en otras
partes de la pintura.

Pies

Patas, pezuñas, manitas, llámalos como quieras, pueden ser difíciles de ver en un sujeto vivo. Muy
a menudo están escondidos en la hierba o el barro. Personalmente, considero que un montón de
hierba que oscurece las patas del animal es un cliché. Use una tarde en un buen museo de historia
natural para dibujar tantos pies de referencia como sea posible para cualquier animal o ave que
crea que es probable que pinte algún día. Esta hoja de referencia será invaluable. Busque
diferencias entre las patas delanteras y traseras, y considere cuidadosamente la cantidad de
dedos.
Las patas, los cascos y otras formas de los pies a menudo se oscurecen en la naturaleza, por lo
que una sábana dibujada en el museo de historia natural local puede ser útil.

Orejas

Los oídos humanos son una mejor marca de identificación única que las huellas dactilares. Aunque el
lóbulo desciende un poco con la edad, se nace con las orejas completamente formadas. En los animales,
las orejas son igualmente distintas ya menudo muy expresivas. ¡Cuidado con el gato de orejas caídas!
Las orejas expresan carácter y emoción. Vale la pena considerar su ubicación para
crear formas negativas interesantes a su alrededor.

Las orejas pintadas a menudo se benefician de tener bordes suaves, para implicar movimiento, o
salpicaduras, para dar la impresión de que se está haciendo un tic. Dichos tratamientos también evitarán
que las orejas se vuelvan demasiado enfocadas en una pintura.

picos y bocas

La boca no tiende a ser la característica dominante en muchos animales, con la excepción de las
aves, donde la forma del pico es fundamental. Hacer que las aves rapaces se vean bien depende
de su pico: demasiado redondeado y el ave se verá como un loro, demasiado largo y se verá como
un buitre. Los picos se ven diferentes de frente y de perfil. Tenga en cuenta que las bocas de las
aves son anchas y se extienden bastante hacia la cara.
Las bocas de los animales no siempre son características, pero un pico realmente puede
definir a un ave en particular.
La longitud del pico de un ave de rapiña afecta si el ave parece un
periquito, un búho o un buitre, por ejemplo.

Las lenguas son una cuestión de gusto. Personalmente, no me gustan en los retratos de animales;
tenga en cuenta que puede terminar pareciendo que el perro ha atrapado a una rata topo desnuda. Si
desea poner una lengua en su trabajo, estudie cuidadosamente su longitud, color y textura: las jirafas
tienen lenguas azul-negras y las lenguas de las vacas son sorprendentemente largas.

Otras características

Los cuernos son una oportunidad fantástica para introducir una textura contrastante: líneas
gráficas duras contra la lana suave o el abrigo. Mire cuidadosamente los colores en el cuerno
y no tenga miedo de introducir un elemento de sorpresa. La barba y la cresta de un pollo
tienen una textura interesante y se pueden pintar con éxito de manera similar a las narices.

Las escamas de los peces se superponen en patrones misteriosos, pero ciertamente no es

necesario que pintes cada uno. Considere usar una textura creada por burbujas en su pintura o
renderizar el patrón superpuesto en solo unas pocas áreas, para concentrarse en las marcas
generales.
Los cuernos introducen un contraste de duro contra suave.

Creando una sensación de movimiento.

Hemos visto que los bordes suaves crean una sensación de movimiento. Las diagonales en su
composición también pueden crear dirección, para dar la impresión de acción. No es necesario que
estén en el sujeto real, pero pueden estar en el fondo, la pincelada o la colocación de puntos y
salpicaduras. Las líneas de dirección pueden ayudar, pero evita las de dibujos animados.
 CAPÍTULO SIETE

ACUARELA

Habiendo ganado cierto control de la acuarela con los ejercicios del Capítulo 5 y visto
cómo se pueden crear las diferentes características del animal en el Capítulo 6, es hora
de juntar las cosas y comenzar a pintar animales.
Vestie, 35 × 35 cm, acuarela sobre papel.

Monocromo

Si no ha pintado por un tiempo o es nuevo en acuarela, una excelente

manera de entender y controlar el flujo de agua es completar un estudio
animal en un solo color. Esto le permite concentrarse realmente en la forma
y la textura, sin preocuparse por mezclar el tono correcto.
Una pintura monocromática es una excelente manera de familiarizarse con el
tema y las nuevas técnicas. Al eliminar la necesidad de considerar el tono,
realmente puede concentrarse en obtener los tonos correctos.
Cuando suceda algo bueno, prepárate para detenerte. No suelo ser fanático de
pintar la mitad de un animal, pero, cuando pinté esta pequeña liebre como
demostración, me gustó bastante el aspecto inacabado. Parecía resumir la
naturaleza cautelosa de la liebre.

SIETE PUNTOS PARA EXITOSO

PINTURA DE ACUARELA

1. La transparencia es clave.

2. Deje que el agua haga el trabajo.

Preocúpate del tono, no del color.

4. Mantenga sus blancos y luces.

5. Las marcas de pincel repetitivas pueden ser aburridas: haga una variedad de marcas.

6. Cambia tus bordes: duros y blandos, perdidos y encontrados.

7. Deténgase demasiado pronto, no demasiado tarde.

Acuarelas sobre papel

Paso a paso: liebre

Las liebres son un tema perennemente popular. Las posibilidades de verlos lo suficientemente
cerca como para dibujarlos son lamentablemente bajas, por lo que es posible que desee dirigirse a
un museo de historia natural para estudiar especímenes (consulte la sección 'Dónde buscar
encuentros con animales' en el Capítulo 2 para ver un ejemplo). Complementado con referencias
fotográficas, podrá pintar este animal icónico.
Comience con una miniatura y luego planifique su paleta. Realmente quería que el foco
aquí estuviera en el ojo. Utilicé turquesa ftalo, sombra tostada, tinte neutro y rosa
quinacridona. Dibujé el contorno básico en un papel de NO 140 lb y luego comencé con el
iris, trabajando hacia afuera para asegurarme de que realmente estuviera encajado en
el cráneo, aunque los ojos de la liebre son bulbosos. Tuve cuidado de dejar manchas de
papel blanco y usé un poco de sal en el área de la cara para romper el pigmento.
Luego agregué el área de las mejillas, asegurándome de usar mucha agua y obtener hermosos
flujos de color húmedo sobre húmedo. También suavicé varios bordes con agua de una botella de
spray. Esta es una forma bastante salvaje de lidiar con los bordes, pero es un método encantador
para fomentar la espontaneidad.
Pasé a la carrocería con los mismos colores, dejé que se mezclaran en la superficie del papel y
salpiqué un poco de ámbar quemado para insinuar los mechones de pelo, suavizando de
nuevo los bordes en algunos lugares.
Una vez que el ojo estuvo seco, llegó el momento de colocar la pupila. Siempre estoy
más feliz después de este punto. También insinué el segundo ojo. Las orejas fueron un
montón de diversión para pintar. Comenzando con una mezcla oscura de tinte neutro
en la parte superior y luego extendiendo el lavado hacia la cara, me aseguré de que, a la
izquierda, la oreja realmente se mezclara con la cabeza y, una vez más, suavicé los
bordes para dar una sensación. de espasmos Se puso un poco más de sal en el lavado de
secado, para desarrollar marcas interesantes. Con el 85 por ciento de la pintura
completada, la dejé secar y consideré qué hacer con el fondo. Decidí simplemente
fortalecer los lavados de colores e introducir más rosa. Habiendo suavizado los bordes
antes, gran parte del fondo ya tenía suficiente color.
Una vez más, dejé que todo se secara y luego agregué los bigotes usando un atador y una
mezcla de los colores usados en otras partes de la liebre. Agregar bigotes blancos habría
sido demasiado severo. Pensé que algunas salpicaduras del ámbar ayudarían al ojo a
viajar alrededor de la imagen y aprovechar algunas de las pequeñas salpicaduras que
había introducido en el cuerpo. Mi objetivo era hacer que estas salpicaduras parecieran
aleatorias, mientras las colocaba con cuidado. Para salpicaduras grandes, generalmente
uso una jeringa (sin aguja), de modo que pueda liberar un punto de color desde la altura
que desee, para obtener círculos limpios o más explosión.

Paso a paso: ciervo

Otro maravilloso animal al que cada vez estamos más acostumbrados a ver es el ciervo.
Tengo la suerte de poder verlos de vez en cuando en el campo frente a donde vivo. Los
que veo no son tan grandiosos como este espécimen, pero a menudo puedes acercarte
lo suficiente como para dibujarlos en parques rurales o en propiedades del National
Trust.
Considere una vez más lo que quiere comunicar sobre el animal. ¿Son las astas
ramificadas, los ojos enormes o la nariz de whisky? Quería enfatizar la suavidad
de la nariz, así que completé una miniatura y saqué las astas del borde de la
página; mi paleta incluía sombra tostada, turquesa ftalo, azul nórdico (una
mezcla disponible en SAA) y gris neutro. Dibuje los contornos básicos de su
diseño en su papel, manteniendo las líneas al mínimo. Pasando a la etapa de
pintura, comience con los ojos, usando una mezcla oscura y fuerte de azul
nórdico, dejando reflejos como papel blanco limpio y llevando la oscuridad a los
conductos lagrimales.
Traducido del afrikáans al español - [Link]
A continuación, con una brocha limpia y húmeda, comience a retirar un poco del color
húmedo de los ojos y muévase hacia el área de las orejas. Cepilla en seco algunas áreas de
la oreja para darle una textura diferente a la pintura. Rocíe otras áreas con agua limpia,
de modo que ahora tenga áreas duras y blandas.
Pasando a la parte superior de la cabeza y el cuello, haz crecer el lavado en la dirección del
pelaje, dejando destellos de papel blanco para sugerir el patrón de crecimiento. Las fosas
nasales son muy características por lo que se ponen muy oscuras, y las mechas se dejan
limpias. Cuando el ojo se haya secado lo suficiente, esculpe un toque de luz suave con un
pincel seco. Permitir que la pintura para ojos se seque lo suficiente antes de este paso de
esculpir es crucial; si lo hubiera hecho antes, la pintura habría regresado directamente.
Tiempo para las astas y el resto del cuerpo. Para esta pieza, necesitaba poner las
astas muy planas, para asegurar un contraste con la piel. El cuerpo se pintó de
forma más sencilla que el cuello, de modo que se echó hacia atrás.
Con el 85 por ciento de la pintura terminada, era hora de dejar que todo se secara por
completo y evaluar. Decidí poner una segunda capa en las astas y también pinté
negativamente alrededor del área de la nariz para crear los bigotes. Pensé que había
terminado, pero algo no estaba del todo bien, así que dejé que todo reposara por un
tiempo antes de idear un plan.
Decidí que había una falta de contraste, así que trabajé lavados alrededor de
algunas de las astas y por los lados del cuello. No había usado sal para el
ciervo, pero introduje sal en el fondo para agregar más interés.

Acuarelas sobre lienzo

Las dos pinturas presentadas anteriormente están en la superficie de papel esperada,

pero ¿qué sucedería si tuviera que pintar sobre lienzo? Con nuevos motivos, ahora puede
preparar un lienzo ordinario para aceptar acuarela. También puedes comprar lienzos ya
preparados.

Al usar el lienzo, no estaría restringido por el tamaño o la necesidad de enmarcar el

trabajo final. Dada la naturaleza más tridimensional de un lienzo, especialmente uno de
bordes profundos, los lienzos son ideales para pintar animales que quieres que salten
de la superficie.

algunos consejos

El lienzo es más áspero para su equipo que el papel, por lo que es posible que desee guardar
sus pinceles de marta más finos en favor de los sintéticos. Las demostraciones paso a paso
exploran varias técnicas y diferencias, pero aquí se indican algunos de los puntos clave.

Planifica tu composición incluso más de lo habitual. En papel, puede

ajustar la composición al final recortando o rotando. Si los bordes van a ser
escondido debajo de una montura, esto está bien, pero, en un lienzo, está todo a la
vista, así que necesitas saber a dónde vas. ¡Ninguna tijera puede venir al rescate!

2. Considere los bordes del lienzo. ¿Quieres continuar con la pintura en los bordes
laterales del lienzo, usarás un marco para ocultar estos bordes, o los dejarás en
blanco? Me gusta el efecto tridimensional de continuar la pintura sobre los lados
del lienzo.

Un borrador normal no funciona bien en el lienzo, así que, si dibujas en tu

imagen, mantén las líneas claras y al mínimo, a menos que quieras que se vean.
Si necesita borrar errores, creo que un Magic Eraser húmedo (una esponja
abrasiva de melamina) funciona mejor.

4. Si necesita enmascarar para retener los blancos, esto es fácil en el lienzo porque la
superficie no se rasgará. Recuperar el blanco original con un pincel húmedo también
es más sencillo sobre lienzo que sobre papel.

5. La pintura se levanta tan fácilmente sobre el lienzo que le resultará complicado aplicar el
vidriado. Es más fácil si eres directo en tu pintura. Si realmente desea esmaltar, use un toque
muy ligero después de que la capa anterior de pintura esté totalmente seca. La pintura tarda
muchísimo más en secarse sobre lienzo que sobre papel. Aqua Fix de Schmincke es un aditivo
muy útil para usar si desea esmaltar sobre lienzo.

6. Los colores aparecen más brillantes y claros en el lienzo; parece más difícil
enturbiarlos.

7. Los efectos de textura, como los retrocesos y los que se logran con sal o película
adhesiva, suelen ser más pronunciados. Es posible que deba resistir la tentación de
usarlos, ya que su uso excesivo restaría valor a su pintura.

8. La tinta china funciona fantásticamente en lienzos de acuarela. Puedes mezclar

tinta y acuarela de maneras emocionantes. Incluso la tinta china seca se puede
ajustar en el lienzo con el uso entusiasta de un Magic Eraser, pero se puede glasear.
La técnica mixta, el collage, la hoja de metal, etc., se pueden utilizar con éxito con
acuarela sobre lienzo.

Antes de que la acuarela y el lienzo puedan usarse juntos, el lienzo debe estar imprimado.
Varios de los grandes fabricantes producen fondos de acuarela; tales motivos
de Daniel Smith, Schmincke y Golden (QoR) están ampliamente disponibles, mientras que el
yeso absorbente ofrece más posibilidades. Para preparar un lienzo imprimado, debe aplicar
tres capas delgadas del suelo. Cada capa debe secarse durante unas horas antes de aplicar
la siguiente, y luego debe permitir que todo el lienzo se cure durante al menos veinticuatro
horas antes de pintar. Para obtener más información sobre los fondos, consulte la sección
'Fondo de acuarela' en el Capítulo 9.

Paso a paso: gato sobre lienzo

La composición es aún más crucial en el lienzo, ya que no puede recortarlo, así que
primero haga un plan de miniaturas. Esboce ligeramente su composición en la
superficie con lápiz. Como será difícil de quitar, evita crear líneas oscuras. Planeé
que mi paleta incluyera naranja pirol, siena tostada, sombra tostada, oro de
quinacridona y azul de Prusia.
Comenzando con el iris, dejando las luces fuertes, mezclé colores mojado sobre mojado
para crear motas e interés. Tomando un pincel sediento, esculpí un suave reflejo. Luego,
puse las sombras alrededor del ojo, dejando pequeños espacios de blanco para indicar
los bordes y evitar que todo se fusione.
Ahora, trabajando desde el ojo, desarrollé el área de la mejilla, siendo consciente de
la dirección de crecimiento del pelaje y dejando pequeñas áreas blancas para dar
una idea de la estructura del pelaje. Rocié sal para crear una textura de piel junto a
las áreas húmedas de la pintura.
Luego, pasé a trabajar las orejas, usando un chorro de agua en algunos lugares para suavizar los
bordes. También salpiqué un poco de agua alrededor de la oreja como alternativa a un borde
suave. Había usado una gran cantidad de agua en la oreja izquierda para obtener un color muy
plano, así que dejé que todo se secara y se asentara en este punto.
Esperé a que el iris se secara antes de pintar las pupilas. ¡El alumno le da vida! Pinté
negativamente alrededor de la mitad de los bigotes, agregando agua deliberadamente
para obtener flores en algunos lugares. Una vez seco, usé gouache blanco para agregar
otra capa de bigotes.
En un lienzo de borde profundo, debe tener en cuenta los bordes. Me gusta
continuar la imagen por los lados para dar una imagen tridimensional. Una vez
que estuvo todo completamente seco, apliqué tres capas finas de barniz mate en
spray, sin olvidar los bordes. Esto sella y protege su pintura.
 CAPÍTULO OCHO

PLUMA Y LAVADO

Usar bolígrafo (o 'línea') y lavado es una forma maravillosa de trabajar. Si está

buscando aflojar su técnica de acuarela, puede ser un gran trampolín. Si desea llevar
los bocetos al siguiente nivel, puede ser perfecto. O simplemente puede disfrutar del
contraste entre las líneas duras y los lavados suaves, por sí mismo. Piense en el
bolígrafo como la percha para colgar la acuarela.

Para mí, la línea y el lavado son mejores cuando la suma del dibujo a tinta y la
aplicación de la acuarela suman más que las partes individuales. Delinear una pintura
o colorear un dibujo a tinta pierde la oportunidad de aportar dramatismo y
movimiento a su trabajo, que entonces es mucho más emocionante.
Martín pescador, 35 × 45 cm, pluma y aguada sobre papel.
Faisán, 35 × 45 cm, pluma y aguada sobre papel.

Ya sea que comience con el dibujo a tinta y agregue color en las etapas posteriores o
comience con la pintura y agregue definición con tinta hacia el final, intente que cada
elemento realce al otro. Solo recuerda que, en pluma y aguada, por una vez 2 + 2 = 5.

NO REGLAS, SOLO PAUTAS

• Muchas personas consideran que la pluma y la aguada son más adecuadas para trabajos más pequeños. El trabajo

más grande necesita una línea más gruesa.

• Simplifique el tema: concéntrese en lo que le atrajo en primer lugar y vaya al

corazón de ello con su pintura.

• No colorees tu dibujo ni delinees tu pintura.

• En cualquier pintura es necesaria una amplia gama de tonos.

• Sea espontáneo, aunque puede ser detallado; en este caso, utilice un papel de prensa
caliente.

• La línea describe la figura y la forma del animal.

• Los trazos sueltos y espontáneos parecen funcionar bien: intente sostener el bolígrafo bien
alto y no apoyar la mano con demasiada fuerza sobre el papel.

• Las líneas discontinuas suelen ser más expresivas.

• No se preocupe si coloca una línea incorrectamente, solo coloque la correcta en la
pintura también.

• Intente dibujar sin quitar el lápiz de la superficie del papel, ¡pero esto no funciona con un
lápiz de inmersión!

• Puede sombrear o puntear con tinta para agregar valor tonal; considere la luz que cae
sobre su sujeto.

• El lavado no necesita relacionarse con el trabajo de línea en absoluto.

• Use técnicas de húmedo sobre húmedo y húmedo sobre húmedo para los lavados.

• Recuerde, la acuarela se seca más clara.

Comience con los colores claros y luego trabaje más oscuros.

• Puede volver a pintar y agregar más tinta o viceversa.

• No juegue: deténgase demasiado pronto en lugar de hacerlo demasiado tarde.

Guardar una pintura fallida

A veces puede ser difícil obtener suficiente definición y contraste en una pintura de
acuarela. Si esto le sucediera, la pluma y la tinta pueden acudir a su rescate. Todavía
no desea simplemente delinear sus pinturas, y debe considerar realmente dónde
puede contribuir la tinta.
Materiales

Tradicionalmente, se utiliza una superficie lisa de papel prensado en caliente para permitir la
realización de un dibujo detallado. Sin embargo, como no buscamos el aspecto coloreado en la
imagen, en este caso se utiliza una superficie NOT.

Plumas y tintas

Además de los bolígrafos que usamos para dibujar, ahora que estamos de vuelta en el
estudio, podemos agregar otros a nuestro repertorio.
Solo algunos de la increíble variedad de bolígrafos y tintas disponibles.

Un bolígrafo con tinta china puede ser una opción más desordenada, pero le da una libertad y
expresión a sus marcas que a menudo faltan con un bolígrafo con punta de fibra. La tinta china
también se puede aplicar con un pincel y diluir, de modo que pueda producir una pintura/dibujo en
escala de grises antes de aplicar el color. Por supuesto, no tienes que usar tinta resistente al agua.
Algunos rotuladores hacen marcas que no son permanentes y dan un hermoso efecto suave
cuando la tinta corre ligeramente cuando se aplica agua a estas marcas. Sin embargo, debe
verificar la resistencia a la luz, ya que a menudo las tintas de los rotuladores son fugitivas. La tinta
se puede aplicar con un palo o una piedra, por ejemplo, con gran efecto, dando resultados muy
vivos.

Luego están las tintas chinas, las tintas acrílicas y las barras de tinta. La tinta acrílica es interesante
ya que tienes la oportunidad de usar una línea blanca, que puede ser más efectiva.
Usando solo un bolígrafo Elegant Writer, dibujé estas torres. La tinta se
separa en rosa y turquesa cuando se mueve con agua.

Planificación

Será muy útil hacer un boceto en miniatura de cinco minutos para encontrar las
respuestas a algunas de las siguientes preguntas; posiblemente le ahorrará dolores de
cabeza en el futuro... Pero, como siempre, las reglas están para romperlas y, si ocurren
accidentes o tu pintura cobra vida propia, puedes responder y cambiar tu camino.

¿Qué estás tratando de decir en la pintura y qué sentimiento estás tratando de provocar?
Piense en las variedades de tono: ¿dónde estarán sus áreas oscuras y las más claras? ¿Qué
papel quieres que jueguen la tinta y la acuarela en tu pintura? ¿Y cuál será el equilibrio de
los dos medios? Personalmente, creo que uno u otro debería dominar, de nuevo, la regla
de los tercios, en lugar de que ambos tengan el mismo protagonismo. Finalmente, ¿vas a
dejar zonas tranquilas en tu pintura? A veces, el ojo necesita un lugar para descansar un
rato…

Técnicas

Cómo haces tu dibujo a tinta es completamente una cuestión de preferencia, pero

vale la pena experimentar. Puedes usar una variedad de elementos.
• Lineas de contorno

• Entrecruzados

• Sombreado

• Lineas paralelas

• Escribiendo

• Punteado

Algunas personas usan líneas muy estilizadas o incluso patrones entintados con gran efecto.
Si usa tinta líquida, puede considerar soplarla, salpicarla o dejarla caer sobre el papel. Sin
embargo, no podrá levantar ni borrar esta tinta, así que tenga cuidado pero sea valiente.

La tinta china corre a través de la acuarela húmeda y se granula maravillosamente, por lo que
podría considerar mezclar las cosas: dibujar primero, pintar después, aplicar más tinta a los lavados
húmedos...

Considere todas las técnicas de texturizado que podría usar: bordes suaves, bordes duros, pincel
seco, sal, film transparente, etc. Es posible que desee usarlos de manera juiciosa para evitar que
su pintura se vuelva demasiado ocupada. La pintura en negativo puede funcionar bien con la
pluma, para evitar el aspecto delineado.
Debe elegir activamente qué estilo de marca usará, en lugar de confiar en su
configuración predeterminada. Especialmente con los bolígrafos de línea fina, debe
trabajar duro para inyectar algo de carácter en las líneas.

Misiones de rescate

Si no has usado antes pluma y aguada, podrías dar los primeros pasos
rescatando una pintura fallida.
A esta pintura le faltaba definición y estaba lista para tirarla a la basura.
Mediante la adición de líneas, se recuperó el enfoque de la pintura.

Esta pintura de ciervo (arriba) simplemente no estaba funcionando para mí. Lo comencé como una
demostración paso a paso para el capítulo de acuarela, pero sentí que le faltaba algo de fuerza.

Usando un delineador fino con tinta de pigmento, trabajé en los ojos e inmediatamente me sentí
mucho más feliz. Luego me aseguré de usar marcas diferentes en las astas que en el pelaje.

Poniendo las cosas de cabeza!

No es necesario que entinte primero; si le resulta difícil ser espontáneo con sus
lavados, hágalos primero, sabiendo que podrá obtener más control usando la línea
después. Y por supuesto siempre se puede añadir más color o más trazo una vez se
haya secado la anterior aplicación de tinta o acuarela. Es mucho más difícil hacer
menos, pero siempre es posible hacer más.

El primero de estos carneros se dibujó con tinta, y el color se añadió una vez que la tinta se
secó. Había sido muy duro con la tinta y finalmente tuve que agregar algunas salpicaduras de
tinta blanca para romper la cara negra. Este es el peligro de aplicar la tinta primero: es
indeleble, por lo que debe detenerse demasiado pronto y no demasiado tarde. El segundo
carnero se pintó primero con aguadas sueltas y coloridas, evitando la distintiva forma blanca
de la nariz del carnero. Luego pude entrar con pluma y tinta para redescubrir a la oveja a
partir de lo que parecía ser un patrón abstracto. Luego puede agregar un poco más de color al
final, si necesita fortalecer y definir aspectos del tema.
El peligro de usar tinta primero es que haces demasiado, dejando poco espacio para que
juegue la acuarela.
La desventaja de usar acuarela primero es que te sentirás tentado a
delinear tu trabajo.

Tinta y aguada sobre lienzo

Como vimos en el Capítulo 7, las nuevas preparaciones de superficies significan que ahora puede usar
acuarelas en prácticamente cualquier superficie. La tinta china reacciona maravillosamente sobre un
fondo de acuarela. Debido a que la tinta china es resistente al agua, no se levanta fácilmente como lo
hace la acuarela ordinaria. Por tanto, trabajar con tinta y aguada sobre lienzo supera uno de los grandes
inconvenientes de esta nueva superficie. Muchas personas se sienten intimidadas por la tinta. Es
permanente, argumentan, por lo tanto da miedo, en caso de que cometa un error que no pueda
corregirse. Aunque de forma permanente en el papel, de hecho, en un lienzo, al usar un Magic Eraser,
generalmente puede ajustar el tono de su tinta y, en muchos casos, eliminarla por completo. Por lo
tanto, la tinta y el lavado son mucho más indulgentes sobre el lienzo y, de hecho, es un placer trabajar
con ellos.
La tinta china funciona maravillosamente en un lienzo preparado.
Por lo general, es un proceso rápido colocar aguadas de acuarela sobre una grisalla de
tinta.

Los bolígrafos se pueden usar sobre lienzo; sin embargo, la superficie del lienzo es muy abrasiva y es
probable que se dañen las puntas de los bolígrafos. Utilice un lienzo de trama fina o lije el suelo para
que quede liso, para evitar el desgaste excesivo de sus bolígrafos.

Las pinturas de antes y después ilustran un enfoque útil para la pintura con tinta y lavado.
Después de haber pintado una grisalla con tinta china en el lienzo, es rápido agregar un toque
de color. Una vez secos, los delineadores finos de tinta de pigmento se pueden usar para
agregar detalles como los bigotes. Luego, solo se necesita una capa de barniz mate para sellar
y proteger la pieza terminada.

Demostraciones: basset hounds

Adoro a los basset hounds, desde que un amigo tenía uno que solía dormir sobre mis pies y
mantenerlos calientes mientras mi amigo y yo tomábamos tazas de té.

Método paso a paso con tinta primero

Antes de comenzar a trabajar en una pieza, es una buena idea decidir qué roles desea
que jueguen la tinta y la acuarela. Decidí que quería un dibujo bastante detallado
que llevara el color. Planeé usar rayado cruzado y rayado para captar el carácter del
pelaje del basset. Empecé con líneas quebradas hechas con un bolígrafo de punta fina
para mapear las características principales.
Traducido del afrikáans al español - [Link]

Una vez que estuve satisfecho con la ubicación de las partes principales de la composición,
comencé a desarrollar el dibujo. Siempre evalúo las proporciones a medida que avanzo, de
modo que, si noto que algo está mal, generalmente puedo ajustar las cosas y colocar la línea
correcta. Varié el peso de las líneas usando diferentes anchos de bolígrafos. Si hubiera
estado usando un bolígrafo o una pluma estilográfica, podría haber variado la presión con la
que estaba dibujando para obtener líneas más expresivas. En algunos lugares, traté de
seguir los contornos de los pliegues de las orejas.
El dibujo completo aún deja suficiente espacio para que la acuarela se
divierta.
Realmente traté de evitar colorear el dibujo a tinta y, al igual que antes, suavicé
algunos bordes con agua aplicada con una botella de spray. Pero, en otros lugares,
pinté en seco el color, para variar las marcas hechas.
Una vez que se completó la etapa de pintura principal, me senté para asegurarme de que
estaba satisfecho con el equilibrio de la pieza. Podría haber agregado más bolígrafo, si
fuera necesario. Debido a que el dibujo había sido bastante lineal, decidí que algunas
manchas de color romperían las cosas.

Método paso a paso con acuarela primero

Me encantó la oportunidad de pintar otro basset, quería capturar la hermosa luz en
la nariz de Sofie. Empecé dibujando las formas básicas y luego pinté negativamente
alrededor de la nariz y dejé caer el azul ftalo para florecer húmedo sobre húmedo.
Hice grandes trazos de color, dejando solo el área de los ojos, ya que quería pintar
eso con más cuidado. Seguí amplias áreas de tono y cepillé en seco en lugares para
obtener una buena variedad de marcas. La pintura terminada todavía deja espacio
para que la tinta haga algo de trabajo.
Una vez que la pintura base estuvo completamente seca, tomé mi delineador y comencé
a trabajar en el ojo. También pinté en el iris.
Sorprendentemente, no se requirió mucho trabajo de pluma, porque la pintura estaba haciendo
la mayor parte del trabajo.
Definí los pliegues y bordes de la oreja y oscurecí las fosas nasales. Los bigotes
siempre son divertidos de colocar, pero debes controlarte y no colocarlos todos.
Una vez que pensé que la pieza estaba terminada, me senté y contemplé. Decidí
que se necesitaban reflejos en el área de la nariz y, para equilibrar eso, rocié una
pequeña cantidad de gouache blanco sobre la papada y la oreja y en la parte
superior de la nariz, para enfatizar la luz, razón por la cual había pintado este
pieza en primer lugar.
 CAPÍTULO NUEVE

MEDIOS MIXTOS

acuarela y mas

Seguramente te enamoraste de la acuarela por su transparencia y su inmediatez.

Puede ser luminoso y se puede lograr mucho en un período corto, sin la necesidad de
productos químicos nocivos y una limpieza prolongada. No es de extrañar que la
acuarela sea un medio muy popular. Sin embargo, una vez que haya dominado las
técnicas básicas, puede estar buscando un nuevo desafío. Al combinar la acuarela con
otros medios, realmente puedes traspasar los límites de la pintura con acuarela sin
perder las cualidades que te atrajeron al medio en primer lugar.

La tinta con acuarela está tan aceptada que no tendemos a pensar en ella como una
técnica mixta en absoluto, y cubrimos esta combinación en el capítulo anterior.

Como regla general para los medios mixtos, use primero el medio húmedo y cualquier cosa
que llene el diente del papel al final. Sin embargo, las reglas están para romperlas. Por
ejemplo, si se utilizan primero los pasteles al óleo, actúan como una resistencia a la acuarela,
pero, si se aplican encima de la acuarela seca, se pueden utilizar de forma similar a los
pasteles suaves. Los pasteles suaves se utilizan generalmente sobre la acuarela seca, pero, si
lavas los pasteles con agua, puedes obtener un efecto similar al que se logra con la acuarela,
aunque más opaco.
My Best Layer, 37 × 37cm, acuarela y carboncillo sobre papel.

Trabajando con pasteles

Las pinturas al pastel casi vibran con el color y, debido a que los pasteles se aplican
directamente sobre la superficie del dibujo, a menudo están llenas de energía. Los
pasteles y la acuarela parecen hechos el uno para el otro. El color fluido de la pintura
combina brillantemente con la franqueza del dibujo al pastel.

Puede comenzar por querer combinar deliberadamente los dos medios, cada uno con un
papel que desempeñar, o puede desear rescatar una pintura fallida agregando pastel
encima. Si a tu acuarela le falta un poco de contraste, los pasteles pueden hacer que
destaque. Alternativamente, puede usar la acuarela para crear una base tonal o una base
para permitir que el pastel haga la mayor parte del trabajo. Estos tres enfoques son
válidos, aunque es necesario reflexionar para evitar que la acuarela o el pastel parezcan
una adición tardía. Su objetivo debe ser contrastar las marcas duras y blandas y los
colores cálidos y fríos y aprovechar los puntos fuertes de cada medio.

Materiales

Los pasteles generan naturalmente algo de polvo. Si tiene problemas para respirar,
considere si este es el medio adecuado para usted y tal vez considere usar una máscara o
usar pasteles al óleo en su lugar. Algunas personas con asma pueden tener una reacción
al polvo, pero no es una reacción tóxica. Evite soplar sobre su trabajo y
considere usar un caballete, para que las partículas se caigan de la superficie de la
obra de arte y puedan aspirarse. La otra ventaja de usar un caballete es que estarás
de pie y, por lo tanto, las marcas que hagas serán más dinámicas.
Los pasteles vienen en un arcoíris de colores y en una variedad de formatos.

Documentos

Una superficie NOT tiene el diente (textura) ideal para atrapar y retener el pastel, mientras que
una superficie prensada en caliente es demasiado suave. Dependiendo de la marca de papel que
desee usar, es posible que una superficie áspera sea demasiado dominante si intenta usarla para
técnicas mixtas con pasteles.

Añadiendo diente

Si encuentra que su papel no tiene suficiente diente para capturar y sostener los
pasteles, tiene un par de opciones. Primero, puede rociar su acuarela con un fijador
manejable y dejar que se seque; después, no debería experimentar ningún cambio de
color. Una alternativa es recubrir la pintura de acuarela seca con un yeso transparente
o una base de acuarela transparente. Permita que esta capa se seque y luego podrá
sentir la diferencia en la superficie de la pintura. Ahora, debería poder aplicar
fácilmente capas de pastel suave.
Los tocones de papel (centros) son útiles para mezclar con precisión. Se pueden
limpiar con papel de lija.

Pasteles

Los pasteles están disponibles en tonos (a menudo numerados del 0, el más claro, al 8, el más
oscuro), por lo que es posible que desee comenzar con una selección de colores en un tono claro,
medio y oscuro. Tener que ser creativo con una selección limitada de colores a menudo conduce a un
resultado más emocionante: después de todo, puede mezclar colores colocando trazos de colores
uno al lado del otro o uno encima del otro.

Cuidado de los pasteles

Retire la envoltura de papel del pastel para que tenga la oportunidad de hacer trazos
amplios usando los lados del palo y marcas más precisas usando los extremos. Los palitos
de pastel se pueden guardar en su caja original o en algo casero o cartón corrugado, para
que dejen de rodar. Si los pasteles se contaminan por estar almacenados mezclados en
una caja, puede sacudirlos suavemente en arroz molido para quitar el polvo de color
suelto en sus superficies. Este arroz deberá tamizarse antes de usar los pasteles. Si lo
prefiere, y en particular si desea desarrollar su trabajo con pasteles, puede terminar con
una caja de tonos rojos, amarillos, azules y verdes, que también lo ayudarán a encontrar
el color/tono adecuado cuando sea necesario. Si un pastel se ensucia mientras trabaja
con él, simplemente frótelo en una hoja de papel para quitar cualquier exceso o polvo no
deseado. Recuerde, incluso el fragmento más pequeño de pastel todavía se puede
utilizar.
Lápices pasteles

Los lápices pastel son maravillosos para agregar detalles a las imágenes y son considerablemente
menos complicados de usar que los pasteles suaves. Vienen en una gama igualmente amplia de
colores, pero el pastel que contienen tiende a ser más duro que el de los pasteles en barra, por lo
que se pueden afilar (cuidadosamente) hasta un punto que permita aplicaciones más detalladas.
Evita dejarlos caer, ya que es muy molesto tener una 'mina' de pastel rota en el lápiz.

Otro equipo

Una goma de masilla, un borrador suave que se puede amasar hasta obtener una punta fina, es
útil para quitar el pastel de la pintura limpiamente. Una brocha dura de pelo de cerdo también
puede eliminar el polvo de pastel. Si desea mezclar sus pasteles, una herramienta útil para usar
es un tocón de papel. El muñón se puede limpiar frotándolo con una hoja de papel de lija.
Personalmente, prefiero ver las marcas individuales de pastel y creo que contrastan mejor de
esta manera con los elementos de acuarela.

Técnicas

Recuerda que no quieres llenar todo el diente del papel. Cuando haya puesto
capa sobre capa hasta que la siguiente comience a caerse, esto es el
equivalente a crear 'barro' con acuarela y debe evitarse.

Los pasteles son tan similares a la acuarela que los efectos y técnicas de cada uno
medio tienen muchos paralelos, como se detalla aquí.

• Cepillado en seco: si arrastra suavemente el lado de la barra de pastel por la superficie

del papel de acuarela texturizado, el pastel se adherirá a las partes elevadas y no llegará
a las depresiones de la superficie del papel. Esto es equivalente al pincel seco con
acuarela y significa que parte del color subyacente se asomará. Esto puede ser útil para
cubrir y teñir áreas grandes.

• Escurrimiento: si ajusta la presión con la que aplica el pastel cuando se aplica el

pincel en seco, llenará más papel. Puedes poner capas de diferentes colores una
encima de la otra, para que las capas inferiores se asomen. Esto se conoce como
scumbling.

Mezcla: si arrastra la barra de pastel sobre el papel un poco más y luego mezcla el
pastel con el dedo o con un muñón de papel, obtendrá el equivalente a un lavado
suave en el papel. Puede lograr un lavado graduado mediante una aplicación más
intensa de pastel en ciertas áreas del papel y, al colocar dos colores pastel
diferentes y luego mezclarlos, logrará el mismo efecto que con un lavado de color
degradado.

• Mezclar con agua: mezclar pastel con agua limpia produce un efecto similar al de la acuarela
húmedo sobre húmedo, aunque el resultado es menos transparente.

• Despegar: al igual que es posible quitar la pintura de acuarela con un pincel limpio y húmedo, es
posible quitar parte o la mayor parte del pastel usando un pañuelo de papel, un borrador
amasado o un cepillo de cerdas duras.

• Líneas y sombreado: al usar el extremo de la barra de pastel o el lápiz, puede

lograr líneas y detalles más finos, lo que permite que se vea más superficie o
soporte. Puede utilizar el rayado cruzado para crear una cobertura o textura más
densa. Seguir los contornos del sujeto con trazos lineales puede ser efectivo,
agregando la impresión de movimiento y dando forma al sujeto.
Los pasteles y las acuarelas se complementan en la forma en que se pueden
aplicar.

Fijación y almacenamiento

Las pinturas al pastel deben manejarse y almacenarse con cuidado y, aunque no es

necesario usar un fijador, muchos artistas optan por hacerlo. La desventaja es que los
fijadores pueden provocar un cambio de color, por lo que, si tiene dudas sobre cómo
funcionará un fijador, haga una prueba antes de usarlo en su obra de arte.

El fijador es similar al barniz. Cuando se rocía sobre tu obra de arte seca, ayuda a que el
polvo del pigmento, carbón o grafito que hayas utilizado se adhiera a la superficie del
papel o soporte. Puede usarlo al final, en la pieza terminada, o en varios puntos mientras
trabaja, si no desea perturbar las primeras capas (consulte 'Scumbling' en la sección
anterior 'Técnicas'). Si decide aplicar el fijador varias veces durante su trabajo en una pieza,
lea atentamente las instrucciones del fijador, asegurándose de que puede aplicar capas
posteriores tanto del medio que se está utilizando como del fijador. Aplique el fijador solo
en una habitación bien ventilada o preferiblemente al aire libre, ya que los solventes
ciertamente no le harán ningún bien a sus pulmones.

Evite usar laca para el cabello en cualquier cosa que desee conservar. Es poco probable que
esté libre de ácido, por lo que puede degradar el papel o cambiar de color con el tiempo. Si es
para una pieza de práctica y es todo lo que tienes a mano pues adelante, y cuanto más barata
sea la laca mejor: las más caras pueden contener acondicionadores, perfumes y demás, todo
lo cual seguramente no será deseable para tu pobre pintura .

Si la obra de arte se va a exhibir debajo de un vidrio, no necesita arreglar la superficie; sin

embargo, deberá montar su trabajo para asegurarse de que el vidrio no roce los pasteles
y dejar libre la parte inferior del soporte para que el polvo pueda caer detrás de él en
lugar de acumularse en los bordes. Si almacena varias obras de arte
juntos, coloque una hoja de papel libre de ácido o un pañuelo de papel entre cada pieza para evitar la
contaminación cruzada.

Paso a paso: lechuza común

Después de haberme sentado y estudiado una lechuza común en un museo local, tenía muchas ganas de intentar pintarla.
Empecé pintando este búho desde los ojos y trabajando hacia afuera. Me aseguré
de oscurecer un poco el tono de lo que hubiera hecho de otro modo, ya que sabía
que agregaría pasteles más adelante.
Por supuesto, si la pintura empezaba a salir realmente bien, podría haber continuado y
haberla mantenido como una pintura pura de acuarela. Vale la pena seguir el consejo de
'si te está pasando algo bueno, para'.
Una vez que la acuarela estuvo seca, usé pasteles suaves en una gama de colores desde
el blanco hasta los azules verdosos, pasando por amarillos y naranjas, para crear textura
y la impresión de movimiento. Empecé frotando con el borde del pastel y luego usé el
extremo para agregar más marcas lineales que sentí que reflejaban las plumas.
Continué construyendo la capa de pastel y, después de un período de reflexión, usé un lápiz
de pastel para trabajar alrededor de los ojos.
Mi objetivo era asegurarme de que la acuarela y el pastel se combinaran para que
ninguno pareciera una ocurrencia tardía.
Una vez que estuve feliz, rocié la pieza con un fijador viable. Sé que esto puede
oscurecer los pasteles, pero valía la pena correr el riesgo dada la protección que
ofrece.

Carbón

El carbón se puede usar con mucho éxito sobre un lavado de acuarela seco. Las acciones
de dibujar, borrar y difuminar con el carboncillo no se ven alteradas por la acuarela,
siempre que la aguada esté completamente seca.

Por supuesto, es posible que desee agregar acuarelas sobre un dibujo al carboncillo. Para
evitar un desorden fangoso, use un fijador viable. Algunos fabricantes sugieren usar también
un fijador en el reverso del papel. Probar primero un área pequeña le permitirá verificar dos
veces que el carbón no se mueva.
Strutting His Stuff, 37 × 37 cm, acuarela y carboncillo sobre papel.

El carbón líquido es un producto relativamente nuevo hecho de carbón en polvo y goma

arábiga, junto con otros ingredientes mágicos. Es soluble en agua y se puede usar espesa,
como un aceite, o diluida, como la acuarela. Se granula maravillosamente y se puede trabajar
una vez seco de manera similar a las barras de carbón. Puede ajustar los valores desde muy
claro hasta un negro profundo y rico.
El carbón líquido combina las propiedades de la acuarela y el carbón en una
pintura fluida.

Paso a paso: león

Este león con cicatrices parecía un tema ideal para intentar un dibujo en
carbón líquido.
Comenzando con la capa de carbón, trabajé desde los ojos hacia afuera. Si tiene
dificultades para ver el tono y está utilizando una referencia fotográfica en lugar de sus
propios bocetos, puede convertir su foto a blanco y negro. Esto ayudará a entrenar su ojo
con el tiempo para evaluar el tono, de modo que ya no necesitará usar una referencia de
escala de grises. El carbón líquido se granula maravillosamente e, incluso con toda su
fuerza, es de color gris oscuro en lugar de negro. Al igual que con las acuarelas,
asegúrate de variar el tono y tener una variedad de bordes también.
Puedes apreciar la cantidad de agua que usé por la cantidad de reflexión.
Permita que esta capa se seque y ajuste cualquier marca o tono usando un borrador de
masilla amasado. Encontrará que las áreas de máxima resistencia son difíciles de borrar
debido a la concentración de aglutinante. Donde se diluyó el carbón, se levantará por
completo.
A continuación, agregue la capa de acuarela. Deberá trabajar con un cepillo muy
suave y un toque muy ligero, ya que de lo contrario el carboncillo se moverá. Si
tiene dificultades para trabajar con un toque ligero y quiere marcas nítidas de
carbón, considere agregar AQUA Fix (Schminke) al lavado inicial. AQUA Fix es un
aditivo que impermeabiliza las acuarelas.
La capa de acuarela terminada debe secarse por completo antes de continuar.
Traducido del afrikáans al español - [Link]
Una vez seco, usa carboncillo de vid o, si lo prefieres, un lápiz de carboncillo, para agregar
áreas de tono profundo o para resaltar los detalles alrededor de los ojos y, por supuesto,
agrega los bigotes tan importantes. Debe usar un fijador, pero asegúrese de aplicarlo en un
área bien ventilada debido a su contenido de solvente.

Collage

El collage es una técnica en la que se combinan diferentes materiales para crear un

todo nuevo. Se puede usar cualquier cosa en el collage, pero el papel es el material
más utilizado. El peligro que debe evitarse es que los materiales que utilice se
conviertan en clichés y sustituyan la forma pintada.

Si bien probablemente sea mejor comenzar una pintura sabiendo que se hará un collage, de
manera realista, una pintura fallida podría rescatarse o podría rasgarse o cortarse y usarse
como materiales de collage.

Posibles aproximaciones al collage

La acuarela y el collage es un tema enorme; las posibles combinaciones de medios y

técnicas son infinitas. Si esta es una técnica que le atrae, tiene toda una vida de
exploración por delante. Aquí hay algunas aplicaciones posibles.

• Usar acuarela para colorear y diseñar papeles, que luego se rompen o cortan y
volver a juntar para formar la imagen.

• Agregar un elemento interesante de patrón a su trabajo, mediante la creación de un fondo

que tenga una conexión con la imagen principal pintada. Trabajar en las páginas de un libro
antiguo, mapas o una partitura musical puede agregar una dimensión adicional a su trabajo,
ya sea por el patrón de la impresión o la conexión con el concepto que desea comunicar. La
selección de una forma o parte de la composición a realizar con papel colaje también puede
resultar eficaz.

• Aportar una cualidad tridimensional a una pieza esencialmente bidimensional con piezas u
objetos de collage más gruesos. El desafío es asegurarse de que lo que sea que esté adherido
no parezca una ocurrencia tardía o se desprenda más tarde.

• Introducir textura real para resaltar áreas particulares o dar un giro interesante a
una representación; estamos acostumbrados a crear la ilusión de textura con
acuarela, pero la textura real se puede lograr con collage y complementa la acuarela.
Por ejemplo, pintar sobre un fondo de collage de papel de seda podría evocar la
impresión de ondas en el agua.

• La introducción de texto puede reforzar un concepto subyacente y es un uso clásico del

collage. Quizás agregar texto en hindi a una pintura de un pavo real ayudaría a transmitir la
herencia india del ave. O bien, podría pintar una oveja en un collage de una revista agrícola
o pintar un animal en peligro de extinción en artículos sobre el calentamiento global.
Cisne del Támesis, 60 × 80 cm, acuarela sobre lienzo en collage. Pegué papel de seda
sin ácido sobre el lienzo con pegamento PVA diluido antes de aplicar la base de
acuarela. Puedes hacer lo mismo en papel de acuarela, en cuyo caso no necesitas
aplicar tierra.

Materiales y técnicas

Como ya se mencionó, usar papel en collage es mi método preferido. Hay

innumerables papeles hermosos disponibles, y desarrollarás el hábito de nunca
tirar los restos, una vez que te des cuenta de las posibilidades del collage.

Documentos

Papel de seda: busque papel sin ácido para evitar que se amarillee con el tiempo. Los papeles de seda de
colores pueden perder sus colores cuando están húmedos y probablemente no sean resistentes a la luz, por
lo que puede ser recomendable usar blanco para la textura o colorear los suyos propios con acuarelas.

• Papeles japoneses y hechos a mano: si busca papeles con texturas e inclusiones

interesantes, hay miles de papeles orientales, especialmente japoneses, para
elegir, así como una variedad de papeles hechos a mano.

• Texto impreso: piezas de periódicos antiguos o extranjeros pueden ser adiciones interesantes
a sus pinturas. Estos amarillearán con el tiempo, por lo que puede aceptarlos como parte del
proceso artístico o evitar usarlos. Tenga cuidado con los periódicos en idiomas o escrituras que
no comprende: es posible que sin darse cuenta haya seleccionado una frase ofensiva. Si es
posible, haga que un hablante nativo eche un vistazo
el texto antes de su uso.

• Papeles estampados: con la popularidad de los álbumes de recortes, una maravillosa variedad de
papeles preimpresos libres de ácido están disponibles de forma fácil y económica. Tenga en cuenta
que, si usa papel de regalo, es poco probable que tenga calidad de archivo. Considere cuidadosamente
cualquier implicación de derechos de autor del uso de documentos preimpresos. Si bien usarlos en su
obra de arte no infringirá los derechos de autor del diseñador original, si luego decide crear
impresiones o tarjetas de felicitación a partir de su obra de arte, es posible que tenga problemas
legales. Investigue a fondo los problemas de derechos de autor antes de usar una imagen, un diseño o
un patrón en particular, en caso de que desee seguir este camino.

• Papeles de colores manufacturados: los papeles normales, con o sin texturas, se pueden usar
como complementos para sus pinturas. Una vez más, compruebe si los colores son resistentes al
agua y si los papeles no contienen ácidos. Descubrirá que los bordes rasgados son más fáciles de
integrar que los cortados, pero, por supuesto, si desea llamar la atención sobre un área, un borde
cortado funcionará.

• Papel de acuarela: las piezas de papel de acuarela simple que se aplican en

diferentes áreas de una pintura pueden ser todo lo que necesita.

• Pinturas de acuarela fallidas: una pintura puede estar más allá de la redención, pero algunas
áreas pequeñas pueden tener marcas o combinaciones de colores interesantes. Estas
pinturas fallidas, rotas o recortadas, tendrán una segunda vida en tus collages.

• Fondos de pantalla: estos pueden proporcionar texturas muy interesantes. Algunos papeles
de tipo Anaglypta se pueden pintar, pero deberá verificar su compatibilidad con las acuarelas y
cualquier otro medio que desee utilizar, y es posible que primero deba cubrir la superficie del
papel con base de acuarela.

Pegamento

Si bien el pegamento debe ser lo suficientemente fuerte como para adherir las superficies de los materiales que
se utilizan, no desea que agregue volumen y peso. El PVA diluido suele ser lo suficientemente fuerte como para
pegar la mayoría de los papeles. Aparecerá blanco cuando esté mojado, pero
seco claro e incoloro. Existen colas de PVA solubles en agua, así que comprueba las
cualidades de la cola que vas a utilizar antes de empezar a pintar, para que tu
creación no se desmorone si después aplicas varios lavados sobre tu collage.

Como regla general, aplique pegamento al papel más grueso que se utilice; esto ayudará a
proteger los papeles finos y delicados de los daños durante la aplicación.

Recuerda: no uses tus pinceles de acuarela con pegamento. Te arepentirás.

Fondo de acuarela

Ciertas superficies de papel pueden repeler sus acuarelas. Las tintas y los acrílicos se
adhieren mejor que la acuarela a papeles brillantes o resistentes.

En lugar de luchar con las superficies repelentes, una alternativa sería usar una base de
acuarela transparente para cubrir la superficie del papel y permitir una aplicación más fácil de
la acuarela. Esto permitirá que el color o el patrón permanezcan visibles pero que la acuarela
fluya sin problemas sobre la superficie. El suelo de acuarela también llenará los huecos y
unificará la superficie. Una capa de fondo de acuarela no es completamente opaca. Una capa
de base de acuarela blanca puede ser útil para eliminar un patrón demasiado dominante o se
puede aplicar en un área específica en lugar de en toda la superficie de la obra de arte.
Selecciona papeles que te ayuden a comunicar lo que quieres decir.
Encontré un papel de paisaje urbano, que rompí en forma para
formar el cuerpo. Rasgar da un borde menos intrusivo, así que
siempre considere si desea rasgar o cortar sus formas para lograr el
efecto deseado. Dependiendo de si rasga desde el frente o el reverso,
obtendrá un borde blanco en una hoja impresa o no. Pensé aquí que
el borde blanco agregaba definición. Los documentos de fondo me
recordaron el mar y los acantilados. Una vez que esté satisfecho con
su selección de papel y formas, péguelas a su papel de acuarela con
pegamento PVA diluido. Trate de asegurarse de que no entre
pegamento en la capa superior o cualquier resto de papel de
acuarela expuesto. Si necesita más apoyo, puede comenzar por
adherir el papel de acuarela a algo como un tablero de montaje, para
evitar que se doble.

Ejemplos: collages de frailecillos y tucanes

Usé collage en esta pequeña interpretación de un frailecillo o loro marino, cuya población está en fuerte
declive. Los frailecillos están catalogados con un estado de conservación de 'vulnerable'; la
contaminación, la pesca excesiva y el cambio climático se citan como razones de esta disminución.
Ahora, dibuje cualquier característica y proceda a pintar de la manera normal.
Descubrirá que la acuarela no fluye bien sobre la superficie resbaladiza del papel de
collage. Si esto es un problema, puede aplicar una capa de base de acuarela
transparente; para esta pieza, simplemente viví con ella. Si el agua de sus lavados
levanta los bordes del papel de collage, aplique un poco más de pegamento debajo de
ellos y deje que el papel se seque completamente. Si la pieza se va a enmarcar, no
necesita acabado.
Este tucán se completó de manera similar al frailecillo, utilizando artículos de
periódicos sobre el medio ambiente y papeles impresos. Debido a que los patrones
eran muy dominantes, usé una capa de base de acuarela blanca que no es
completamente opaca, para eliminar esos diseños y permitir que la acuarela fluya.

Explotando la textura a través del collage

La acuarela es un medio plano, pero, como se mencionó anteriormente, a veces es posible que
desee agregar un poco de textura.

Paso a paso: Romeo carnero

Un carnero Swaledale ofreció la oportunidad de explorar el uso de todo tipo de

texturas diferentes.
Elegí varios papeles pintados de Anaglypta para representar las diferentes texturas y los
rasgué o corté para darles forma. Los bordes cortados funcionaron bien para los cuernos,
con formas rasgadas más suaves para las partes más lanosas. Una vez satisfecho con el
arreglo, pegué todos los elementos en un tablero de respaldo con pegamento fuerte de
PVA, prestando especial atención a los bordes. Como sabía que iba a cubrir la capa de
collage con base de acuarela, no había ningún problema si el pegamento llegaba a la
superficie.
Una vez seco el pegamento, apliqué tres capas finas de base de acuarela. Lo
trabajé bien en todas las texturas y bordes rasgados. Cubrió los diferentes
colores del papel pintado original y unificó toda la superficie preparándola para
ser pintada.
Una vez que la base de la acuarela estuvo seca (entre veinticuatro y cuarenta y
ocho horas después), llegó el momento de comenzar a pintar. Empecé con el ojo y
trabajé hacia afuera de la manera normal. La tentación es cambiar tu técnica de
pintura ante una situación novedosa, pero todo lo que hemos practicado sigue
siendo válido.
Mientras estaba consciente de toda la hermosa textura presente, me cuidé de
dejar fluir el color e introducir mucha variedad en mi creación de marcas.
Me aseguré de que los cuernos tuvieran marcas muy diferentes a las de la cabeza y el
cuerpo lanudos.
Una vez terminado, se aplicaron unas manos de barniz mate para sellar el resultado final.
Mi plan es colocar esta pieza en un tablero acunado, de modo que pueda exhibirse sin
vidrio para garantizar que la superficie texturizada se pueda ver fácilmente.
RECURSOS ÚTILES
Ready, Steady, Go, 35 × 45 cm, acuarela sobre papel.

Bibliografía y lecturas adicionales

Chaderton, L., Pintura acuarela sobre lienzo (The Crowood Press, 2019)

Garner, J., El manual del artista de vida silvestre (The Crowood Press, 2013)

Johnson, C., Cuaderno de bocetos del artista: ejercicios y técnicas para dibujar en el
lugar (North Light Books, 2016)

Masters, C., Bestiario de animales en el arte desde la era del hielo hasta nuestra era (Thames &
Hudson, 2018)

Pond, T., La guía de campo para dibujar y esbozar animales (Search Press,
2019)

Rossi Armfield, G., No Excuses Art Journaling: Haciendo tiempo para la creatividad
(Libros de la luz del norte, 2013)

Páginas web útiles

por el autor

[Link]/

diario de la naturaleza

[Link]

Fotografías libres de derechos

[Link]
[Link]

[Link]

[Link]
 ÍNDICE

precisión 18–19, 34–35, 44, 63

anatomía 28, 39, 45

AQUAFix 84, 104

revista de arte (ver revista)

tejones 22

basset hound (ver perro)

flores (ver coliflores)

cepillos 23, 26, 57, 84

gato 8, 13, 20

lienzo 65, 84–85, 92, 105

coliflores 61, 64, 66, 85

centro de interés 46, 47, 49, 61

carboncillo 23–24, 97, 100, 102–104

film transparente 64

collage 66, 84, 104–107

composición 40, 43–47, 53, 77, 84, 105

cuaderno de dibujo de acordeón 23

dibujo de línea continua 13–14, 40

derechos de autor 39, 40, 106

vaca 2, 16

recorte 53, 84

detalle 12, 17, 39, 40, 46–47, 68, 71, 99

pluma de inmersión 25, 88, 93

dodo 6

perro 18, 27, 28, 72, 73, 93–95

técnicas de dibujo 11–19

cepillado en seco 61, 73, 99

mi

bordes 44, 46, 47, 53, 58, 60, 61, 65, 66, 68, 71, 74, 76, 77, 79, 90

al aire libre 26–27, 30, 66

borrador 26, 56, 84, 99

ojos 71–72, 82, 91, 101, 103

granja 7, 29, 105

plumas 36, 66–67, 74–75, 101

características 71–78

pies 28, 75–76

fijador 26, 37, 98, 100, 102

flamenco 10, 31, 36

lavado plano 58, 59–60

pluma estilográfica 24–25, 93

piel 71–78

GRAMO

dibujo gestual 14, 16

acristalamiento 60, 62, 68, 84

media áurea (ver regla de los tercios)

aguada 23, 53 56, 85, 95

lavado graduado 60, 99

grisalla 92

creciendo un lavado 60, 66

H

liebre 28, 58, 67, 80–81

garza 17

Tinta china 65, 84, 88, 90, 92

tinta 24–25, 36, 87–95

diario 15, 21, 23

levantando 67, 75

línea y lavado (ver pluma y lavado)

grosor de línea 12, 17, 93

METRO

Borrador mágico 56, 84, 92

líquido de enmascarar 52, 53, 56, 64

materiales 11, 21–22, 25–26, 55, 88, 97, 104–105

midiendo 16, 19

técnica mixta 84, 97–109

monocromo 25, 33, 79

movimiento 7, 11, 14, 18, 31, 44, 46, 47, 61, 76, 77, 100

museo 17, 27–28

reserva natural 29

espacio negativo 17, 19, 33, 46, 76, 90

lápiz no fotográfico 24, 85

orden de trabajo 16, 45, 49

PAGS

artículo 35, 55–56, 98, 104–106

parques 7, 29–30, 82

loro 29, 75

lápices pastel 26, 37, 99

pasteles 37, 97–102

pluma y lavado 87–95

bolígrafos 23–25, 37, 88–90, 92

mascotas 7, 27–29

fotografías 33, 38–40, 110

Lápiz policromos 24

frailecillo 107

rinoceronte 18

regla de los tercios 45, 89

sal 59, 64, 65, 75, 84, 90

envoltura de saran (ver film transparente)

escurriéndose 99–101

silueta 19, 58, 66–69

salpicadura 64–65, 76

esponja 64–65, 76

botella de spray / rociador 56

ciervo 19, 82–83, 91

estirar papel 55

suministros (ver materiales)

T

texturizado 63, 90

cepillo sediento 60, 61, 67, 72, 73

boceto en miniatura 43–44, 49, 89

dibujo cronometrado 17

tono 31, 34, 44, 47, 49, 50, 57–58, 62, 79, 87, 89

papel tonificado 34–36

tucán 14, 15

suelo transparente 98, 106, 107

cambio de color de valor 62–63

pincel de agua 25–26, 36

fondo de acuarela 92, 98, 105, 106

marcas de agua (ver coliflor)

lápices acuarelables 25, 26, 36, 66

húmedo sobre húmedo 58–62, 68, 73, 75, 87, 99

húmedo sobre seco 59–60, 64

húmedo sobre húmedo 58–60

bolígrafos blancos 23, 25, 35

zoológico 7, 11, 27, 30–31, 34