ANTONIO AGUILAR

Pascual Antonio Aguilar Barraza (17 de Mayo, 1919 – 19 de Junio, 2007) fue un actor, cantante,
productor, guionista y jinete experto mexicano.

Su discografía sobrepasa los 160 álbumes con ventas de más de 25 millones de copias. Al
despuntar la década de los cincuenta debutó como actor en el cine, al tiempo que se inició como
cantante, faceta de su carrera que se extiende hasta los primeros años del 2000. De sencillo trato,
Antonio Aguilar es considerado ya una leyenda de la música popular mexicana, y el último entre los
grandes Iconos y figuras como Pedro Infante, Jorge Negrete,Luis Aguilar, Javier Solís, José Alfredo
Jiménez o Miguel Aceves Mejia entre otros. Actuó en 167 películas y ha recorrido el mundo junto a
su esposa Flor Silvestre y sus hijos Antonio Aguilar Jr y Pepe Aguilar. Es reconocido como la
persona que introdujo el deporte mexicano de la Charrería a audiencias internacionales y es por
esto que lo apodan El Charro de México.

Historia
Pascual Antonio Aguilar Barraza nació el 17 de mayo de 1919 en la ciudad de Villanueva, Zacatecas.
En su infancia vivió en una hacienda (de Tayahua), adquirida por sus ancestros a principios del siglo
XIX. La hacienda, conocida com La Casa Grande de Tayahua, fue construida en 1596. Su madre,
Ángela Barraza, cantaba en una iglesia en Villanueva (Zacatecas) y es ella a quien atribuye Antonio
su vocación por el canto. Su padre fue Jesús Aguilar. Mariano, un tio de Antonio, intentó pagarle la
carrera de aviación en Nueva York pero éste le retiró su apoyo al enterarse que cambió su carrera
por una beca para cantantes en La Gran Manzana (Nueva York). Fue a Hollywood para estudiar
canto de 1940 a 1941 y cuando empezó a trabajar en Tijuana, ganaba a la semana 12 dólares.
Regresó a la Ciudad de México en 1945 y, desde entonces, siguió estudiando canto, de tal manera
que podía interpretar lo mismo canciones del género popular que operístico. Al principio empezó
cantando boleros pero después se cambió al traje de charro cuando en Puerto Rico le sugirieron
que cantara la música del campo.

Incursionó en el cine, en pequeños papeles. En 1952, obtuvo su primera parte importante, en El

casto Susano; en 1953 fue contratado como actor exclusivo de Filmex: ‚Diez películas lleva hechas
Antonio Aguilar, entre ellas dos coestelares Un rincón cerca del cielo (1952) y Ahora soy rico
(1952); las demás estelares‛ (Del seminario al set. Por Clara Montes. México Cinema, No. 95, 15 de
enero de 1953, PP. 14–16)

Desde mediados de los años sesenta fue argumentista y guionista, y produjo un número
importante de cintas, entre ellas varias de las que fue protagonista.
De enorme fama como cantante, tanto en México como en muchos sitios del continente
americano, también realizó múltiples presentaciones de su espectáculo ecuestre, acompañado de
su esposa, Flor Silvestre, y de sus vástagos, quienes ya incursionaron en el cine al lado de su padre.

Hospitalizacion
El 5 de junio del 2007, Antonio Aguilar fue internado en Medica Sur, un hospital al sur de la Ciudad
de México, debido a una infección pulmonar y su situación se hacia cada vez más grave. Jaime
Arriaga, el medico del artista, aseguro ‚Él sigue vivo y sigue sostenido por las medidas que
estamos haciendo del punto de vista médico mecánico y la atención de la unidad coronaria de
Medica Sur, él está vivo todavía‛.[1] El médico también informó que Don Antonio permanecía en
estado inconsciente pero que no tenía muerte cerebral.
Fallecimiento
Después de 15 días de hospitalización, la madrugada del 19 de junio de 2007, a las 11:45 p.m., hora
de México, el ‚charro de México‛ dejó de existir como consecuencia de complicaciones de una
neumonía, la cual fue controlada, pero que le llevó a un cuadro de agotamiento agudo y que
afectó su funcionamiento renal y pulmonar. También será homenajeado como los ‚grandes‛ en el
palacio de Bellas Artes, sitio en el que han sido homenajeados sólo los más grandes artistas de
México.
Misa y velorio
Tras expresar su profundo agradecimiento por la solidaridad y apoyo Pepe Aguilar, a través de un
comunicado por su casa disquera EMI Music, informó que ‚se oficiará una misa de cuerpo presente
en la Basílica de Guadalupe, donde estará toda su familia‛.[2] La ceremonia religiosa será oficiada
por el Cardenal Norberto Rivera a las 15:00 horas y ‚a ella podrán asistir los seguidores de ‘El
Charro de México'‛.[2] Más de 8,000 personas se dieron cita para le misa en la Basílica de
Guadalupe a pesar de que había una lluvia muy fuerte. El presidente de México Felipe Calderón
junto a su esposa estuvo entre los asistentes.
Curiosidades
Debutó en el cine mexicano al lado de Pedro Infante.
Trabajó con el actor estadounidense John Wayne en el film ‚Los indestructibles‛ (The Undefeated)
de 1969.
Vicente Fernández fue gran amigo de Aguilar y reconoce que Aguilar fue quien le abrió las puertas
de Estados Unidos y Latinoamérica para muchos artistas mexicanos.
Mantuvo una gran amistad con el cantautor de música ranchera José Alfredo Jiménez quien al
fallecer le había pedido que continuara cantando sus temas.
A pesar de que Vicente Fernández afirma que fue gran amigo de Aguilar nunca se les vio juntos en
ningún proyecto cinematográfico o musical.
En muchas de sus películas invitó a Eleazar García conocido como Chelelo.
En boca de su hijo Pepe Aguilar se afirma que los discos que grabó Antonio Aguilar con banda
sirvieron de plataforma e influencia importante para el moviemiento grupero iniciado a mediados
de los años noventa en México incluyendose la música de banda sinaloense.
En 1961, actuó junto con José Jiménez Fernández (Joselito) y con Sara García ,en la película ‚El
Caballo Blanco‛
 CELIA CRUZ
(La Habana, 1924 - Fort Lee, Estados Unidos, 2003) Cantante cubana, una de las más grandes
intérpretes de música latina del siglo XX. Ya en la década de 1950 cobró popularidad como
vocalista de La Sonora Matancera, una de las orquestas punteras de la Cuba de Batista; el
advenimiento de la revolución cubana (1959) forzó su exilio a los Estados Unidos, donde se vinculó
a los artistas latinos de Fania All-Stars e inició su carrera en solitario.

A lo largo de más de medio siglo de trayectoria artística, la indiscutible Reina de la Salsa grabó
alrededor de setenta álbumes y ochocientas canciones, cosechó veintitrés discos de oro y recibió
cinco premios Grammy. Mucho más relevantes, sin embargo, fueron las innumerables giras y
conciertos que prodigó por incontables países y que hicieron de ella la embajadora mundial de la
música cubana. Ciertamente, Celia Cruz será siempre recordada por aquellas sensacionales
actuaciones en directo en las que desplegaba todo el magnetismo de su voz y de su arrolladora
personalidad; conciertos en los que era imposible no bailar y no sentirse contagiado de su
inagotable vitalidad y alegría.

La Sonora Matancera
A lo largo de los años cincuenta, Celia Cruz y La Sonora Matancera brillaron en la Cuba de Pío
Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con
Compay Primo (Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo; la Cuba de Chico O’Farril y su Sun sun
babae, la Cuba de La conga de los Havana Cuban Boys, la de Miguel Matamoros con su Mamá, yo
quiero saber de dónde son los cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú... Celia Cruz aportó
su Cao Cao Maní Picao, que se convirtió en un éxito, y otro tema posterior, Burundanga, la llevó a
Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer disco de oro.
La Reina de la Salsa
Posteriormente participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con
Fania All-Stars, un conjunto formado por líderes de grupos latinos (así llamados porque grababan
para el sello Fania) que darían el impulso definitivo a un género musical que había venido
gestándose en los últimos años: la salsa. La cantante cubana era ya una celebridad internacional
cuando en 1974 grabó con el flautista dominicano Johnny Pacheco el disco Celia & Johnny,
considerado el primer clásico del género.
En noviembre, durante un concierto en el Hipódromo de las Américas de la capital mexicana,
empezó a perder el control del habla. Al regresar a Estados Unidos se sometió a la extirpación de
un tumor cerebral; desgraciadamente, la enfermedad no tenía remedio.

Se sentía optimista y con fuerzas, pero su dolencia pudo más que su portentosa energía: el 16 de
julio de 2003 falleció en su casa en Fort Lee (Nueva Jersey), a los setenta y ocho años de edad.
 JOHN LENNON
(Liverpool, 1940 - Nueva York, 1980) Cantante y músico británico, fundador del mítico grupo The
Beatles, un cuarteto que formó en la ciudad de Liverpool junto a Paul McCartney, George Harrison
y Ringo Starr y que se ha convertido en una referencia indiscutible de la historia de la música
moderna.

John Winston Lennon nació en Liverpool el 9 de octubre de 1940, mientras los aviones nazis
bombardeaban la ciudad. Su padre, llamado Alfred, era un marino que visitaba poco el hogar, hasta
que desapareció por completo. Luego fue su madre, Julia Stanley, la que desapareció, dejando el
niño al cuidado de una hermana suya llamada Mary. Fue ella quien enseñó a John los primeros
acordes en un viejo banjo del abuelo de éste.

John creció escuchando discos de Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles y Buddy Holly, ilustres
representantes de las corrientes musicales de aquella época. Durante unos años estudió en la
escuela de Bellas Artes y al cumplir los quince resolvió sus dudas entre la pintura y la música a
favor de ésta última. En 1956 conoció a un muchacho que, como él, sólo se sentía plenamente
realizado con una guitarra en las manos: Paul McCartney. Con Paul formó su primer grupo
amateur, The Quarrymen, dando comienzo a un período de aprendizaje acelerado de los ritmos
del rock and roll.

John y Paul se dedicaron a componer sus propias canciones como si se tratara de un

entretenimiento. Dos años después se les unió George Harrison y se atrevieron a actuar en
algunos pequeños locales. Se denominaron sucesivamente Johnny and the Moondogs y The Nurk
Twins. Fueron tiempos difíciles: la madre de John murió en 1958 atropellada por un policía
borracho franco de servicio y el escaso peculio del muchacho desapareció por completo. A lo largo
de 1959, John buscó trabajo infructuosamente y vivió como un parado más. Pero su vitalidad, su
juventud y su amor por la música hicieron que no perdiese la esperanza.

A principios de 1960 el grupo renació con el nombre de Long John and the Silver Beatles, prolijo
nombre que se redujo a The Silver Beatles antes de quedarse en The Beatles. El término provenía
de un juego de palabras inventado por el propio Lennon: el grupo de acompañamiento de Buddy
Holly se llamaba The Crickets (saltamontes) y John se inspiró en ellos para mezclar el término
musical beat, característico de toda una generación, y la palabra beetles (escarabajos).

John, Paul y George, junto con algunos músicos profesionales, iniciaron una gira por Escocia como
acompañantes de Johnny Gentle, un cantante de segunda fila. También pusieron fondo musical a
los movimientos de una bailarina de strip-teasey aceptaron viajar a Alemania para tocar en varios
locales del barrio chino de Hamburgo. Cualquier cosa era mejor que buscar algún trabajo, aburrido
y mal remunerado, en Liverpool. Más tarde, de vuelta a su ciudad natal, se convirtieron en el grupo
habitual de The Cavern, club subterráneo donde pudieron exhibir las tablas adquiridas durante sus
peculiares giras.
En 1961, el propietario de una tienda de discos llamado Brian Epstein los descubrió en ese antro.
Fue una revelación; aunque no tenía ninguna experiencia en ese terreno, Epstein se ofreció como
mánager a cambio de un 25 por 100 de los ingresos. A partir de ese momento, la carrera de The
Beatles se disparó hacia el éxito. Con la incorporación como batería de Ringo Starr en 1962

Sus canciones, editadas por el sello EMI, empezaron a copar las listas de superventas. Los
conciertos de los Beatles provocaban escenas de histeria entre las groupies y la policía se veía
incapaz de contener a la juvenil masa vociferante. La "beatlemanía" se difundió por Europa, luego
por Estados Unidos y más tarde llegaría al resto del mundo, incluidos los países socialistas.

Las piezas de los Beatles, compuestas en su mayor parte por John y Paul, se caracterizaban por los
hallazgos melódicos y armónicos, dentro de lo que después se ha llamado el "sonido Liverpool".

En 1975, cuando termine felizmente su batalla contra la administración del presidente Nixon
empeñada en expulsarlo de los Estados Unidos por "extranjero indeseable" y nazca Sean Ono
Lennon, único hijo del matrimonio, John desaparecerá totalmente de la circulación y se dedicará a
la vida familiar. Durante cinco años, sus comparecencias en público fueron escasas y
extraordinarias. Parecía que ni una sola nota ni una palabra más iban a salir de su hasta entonces
inquieto espíritu. Pero en 1980 el famoso beatle enclaustrado salió de su mutismo para grabar con
Yoko el álbum titulado Double Fantasy. En él pregonaba su eterno amor por su esposa y su hijo
con los simples y pegadizos estribillos de siempre.

Días después, el 8 de diciembre de 1980, las balas asesinas de un adorador perturbado terminaron
con su vida y lo convirtieron, si es que aún no lo era, en un dios de la modernidad. El
escritor Norman Mailer afirmó: "Hemos perdido a un genio del espíritu". Como reacción inmediata
a su muerte, los seguidores de Lennon llevaron póstumamente "Imagine" al número uno de las
listas. Nunca tal número de seres humanos habían llorado tanto al escuchar una canción.
 ARMANDO MANZANERO

Nació el 7 de diciembre de 1935 en la ciudad de Mérida, Yucatán, México.

Hijo de uno de los músicos fundadores de la orquesta Típica Yucalpetén.

A los 8 años inicia sus estudios de música en la escuela de Bellas Artes de su ciudad natal,
completando su formación musical en Ciudad de México con maestros como Mario Ruiz Armengol,
Chucho Zarzosa y Vicente Garrido.

En 1951 (a 16 años) inicia su actividad profesional como pianista y a los 22, trabaja como director
musical de CBS Internacional. Acompañó al piano a cantantes como Lucho Gatica durante varios
años, también a Pedro Vargas, y José José, entre otros, y también se desempeñó como promotor
de casas disqueras. Se convirtió en productor musical de cine y de personajes como Sonia López y
Angélica María.

En 1959 graba un primer disco con sus propias canciones. Su primera sencillo fue Nunca en el
Mundo, lo escribió en 1950 y se han realizado 21 versiones en diferentes idiomas. En 1957, Boby
Capó cantó su composición Llorando estoy, Gatica, Voy a apagar la luz, y No, cantada por Carlos
Lico fue un éxito en Latinoamérica; otros de sus temas han sido interpretados por Eddie Gorme,
Tony Bennet, Frank Sinatra, Elvis Presley, Andrea Bocelli, Luis Miguel o Plácido Domingo. También
lo harían: Los Panchos, Pedro Vargas, Raphael, Olga Guillot, Angélica María o Alfredo Jiménez.

En 1962 obtuvo el quinto lugar en el primer Festival de la Canción, en el Palacio de Bellas Artes.
Tres años después ganó el primer Festival de la Canción de Miami con el tema Cuandoestoy
contigo.

En el año 1967 canta sus propias canciones como "Adoro", "Esta tarde vi llover", "Somos novios",
"Contigo aprendí" y otros boleros.

Su trabajo también apareció en telenovelas mexicanas como Nada personal e impulsó la obra
musical Ciudad Blanca, bajo la producción de Xavier López Chabelo y su hijo Xavier López Miranda.

Grabó más de 30 discos y musicalizó numerosas películas. Actuó en sitios como el Lincoln Center y
el Madison Square Garden, en Nueva York; el Memorial, en Sao Paulo, Brasil; el Canecao, en Río de
Janeiro, y el Teatro Colón, en Argentina, entre otros muchos sitios por todo el mundo.

En septiembre de 2010 asumió la presidencia del comité directivo de la Sociedad de Autores y

Compositores de México (SACM).
 TRIO LOS PANCHOS

Los Panchos (conocidos además como Trío Los Panchos) es el nombre de un conocido trío musical
internacional.

El Trío Los Panchos se formó en la ciudad de Nueva York en 1944, donde los mexicanos Alfredo "El
Güero" Gil y José de Jesús "Chucho" Navarro, junto al puertorriqueño Hernando Avilés, decidieron
unir sus talentos e innovar el género de los tríos. Aviles y Navarro tocaban la guitarra y Gil el
requinto. Los tres eran vocalistas.Los Panchos ganaron fama internacional con sus boleros
románticos, especialmente en América Latina, donde aun son honrados como uno de los tríos más
famosos de todos los tiempos. Vendieron millones de copias de sus discos de 78 RPM y álbumes LP
a unos pocos años de su fundación.

Tras este triunfo se trasladaron, en 1948 a México, fue un paso muy importante en su carrera ya
que por ese entonces México era la capital absoluta de la música latina, pero los recibieron con los
brazos abiertos, la emisora XEW (por ese entonces la más importante) les dio un espacio
patrocinado por Nestle, al tiempo que realizaron presentaciones en diferentes centros nocturnos
de categoría, como ‚El Patio‛ entre otros, con esta formula llegaron a captar el corazón de los
Mexicanos.Hacia 1951 comenzaron una gira internacional por el Caribe, Centro y Sudamérica,
Panamá, Guatemala, Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú,
Argentina y Chile. Durante esta gira, en pleno éxito, la agrupación enfrentó su primera crisis, en
Bolivia, motivada por el difícil carácter del Alfredo Gil, lo que marcó, tras una acalorada discusión
el alejamiento de la primera voz Hernando Avilés.

Tras esa crisis Los Panchos continuaron con su carrera marcada por sus siete primeras voces, así
mismo intervinieron aproximadamente en 50 películas, a lo largo de su trayectoria. Durante este
tiempo, el lugar de Primera Voz fue ocupado por artistas como Julio Rodríguez, Johnny Albino y
Enrique Cáceres, entre otros.

En la actualidad hay unos pocos trios que llevan el nombre de "Los Panchos" bien porque Alfredo
Gil los denominara así o por otras razones, sin que medie un dictamen legal al respecto, pues este
nombre estaba registrado a nombre de José de Jesús "Chucho" Navarro, integrante fundador de la
agrupación original.

Integrantes:

Alfredo Gil: Su nombre fue Alfredo Bojalil Gil, también conocido artísticamente como El Güero Gil
(el Rubio). Creador y fundador principal del trío. Ejecutante del requinto y la tercera voz desde
1944 hasta 1981. Nació en Teziutlán, Puebla, el 5 de agosto de 1915 y falleció en México D.F. el 10
de octubre de 1999.

Chucho Navarro: Su nombre fue José de Jesús Navarro Moreno, fue miembro fundador del trío.
Fue responsable de la segunda voz, guitarra y conducción desde 1944 hasta 1993. Nació en
Irapuato, Guanajuato, el 20 de enero de 1913 y falleció en México D.F. el 23 de diciembre de 1993.
Considerado como uno de los compositores más prolíficos contemporáneos, autor de éxitos como
"Lo Dudo", "Rayito de Luna", "La Corriente", "Una Copa Más", "Sin Un Amor", "Perdida", "Maldito
corazón", "Sin remedio", entre otros.

Hernando Avilés: Su verdadero nombre era Herminio Avilés Negrón, fue la primera voz del trio
desde 1944 a 1951 y luego de 1956 a 1958, nació el 1 de febrero de 1914 en San Juan, Puerto Rico
y falleció en México D.F. el 26 de julio de 1986. Fue también integrante del trío "Los Tres Reyes"
junto a los hermanos, Raúl y Gilberto Puente.

Estos tres son los componentes "fundadores" del trío. Tras el alejamiento de Hernando Avilés seis
voces más se unieron al trío marcando distintas épocas. Estas son las demás primeras voces del
trío:

Raúl Shaw Moreno: Su verdadero nombre era Raúl Alberto Shaw Boutie, fue la primera voz del trío
entre 1951 y 1952. Nació el 30 de noviembre de 1923 en Oruro, Bolivia. Luego de su alejamiento,
integró el trio Los Peregrinos y luego Los Tres Caballeros junto a Roberto Cantoral y Benjamín
"Chamín" Correa. Falleció el 14 de abril de 2003.

Julio Rodríguez Reyes: Fue la primera voz del trío desde 1952 hasta 1956. Nació en 1927 en
Santurce, Puerto Rico. Durante su estancia con Los Panchos, Rodríguez descubrió el talento de
Javier Solís, recomendándolo a la filial mexicana del sello Columbia Records. Compositor de éxitos
como "Mar y cielo", hoy en día, vive en Puerto Rico junto a su esposa dedicado a la música.

Johnny Albino: Su verdadero nombre es Juan Antonio Albino, nació el 19 de diciembre de 1919 en
Guayama, Puerto Rico. Con su trío "San Juan" fue rival de Los Panchos pero en 1958 formó parte
del trío como primera voz, hasta 1966. Compuso temas como "Carilú" que le escribiera a la hija de
Chucho Navarro, "Flor Sin Color" y "La distancia nos separa". Hoy, Albino vive en Nueva York,
dedicado a su familia y a su música.

Enrique Cáceres: Fue primera voz del trío de 1966 a 1971, nació un 2 de mayo de 19??. Cáceres
también se destaco como compositor con temas como "Niñería", "Adulterio" y "Amigo cantinero".
A pesar de su bonita voz y de haber grabado infinidad de temas, no convenció a los seguidores del
trio, sentían que no expresaba el estilo "Panchista". Luego de su retiro definitivo continuó con su
brillante carrera como solista.

Ovidio Hernández: Nació en la ciudad de Poza Rica, Veracruz, México. Fue primera voz del trío de
1971 a 1976. Fue autor de las canciones "Ah, que gente", "Escoria", "Camina", "Perderás, perderás"
y "Por fuera y por dentro". Lamentablemente una infección llamada Encefalitis le cegó la vida
falleciendo en México D.F. el 27 de septiembre de 1976.

Rafael Basurto Lara: Nació en Tlapa, Estado de Guerrero, México el 15 de abril de 1941. Ingreso al
trio en noviembre de 1976 tras el fallecimiento de Ovidio Hernández, manteniéndose como la
primera voz hasta hoy.
 SELENA QUINTANILLA
(Nombre artístico de Selena Quintanilla Pérez; Lake Jackson, 1971 - Corpus Christi, 1995) Cantante
estadounidense. El 16 de abril de 1971 nació en la localidad tejana de Lake Jackson Selena, una de
las hijas de una familia feliz y estable de origen hispano establecida en la zona. No era más que una
niña cuando su padre, que había sido músico, se dio cuenta de la gran voz que poseía. A partir de
entonces centró todos sus esfuerzos en encaminar su vida hacia la música.

Los primeros pasos de Selena como intérprete se remontan a su infancia, cuando su padre la hacia
actuar con sus hermanos en el restaurante que dirigía. Así nacieron Selena y los Dinos, grupo con
el que la cantante hizo su estreno comercial a los 12 años. El éxito acompañó a los niños desde sus
inicios y posibilitó que en 1984 apareciera su disco de debut, Mis primeras grabaciones. Era el
precoz inicio de una brillante carrera musical que sólo pudo parar la muerte.

Selena entra en la adolescencia cantando con sus hermanos y participando en diversos shows
hasta que su vida cambia en 1989. Es en ese año cuando surge el sello latino EMI y su presidente,
Behar, la ve en una de sus actuaciones mientras busca cantantes para incorporar a su discográfica.
Descubre su potencial y decide contratarla. Ese mismo año ve la luz su primer trabajo
profesional, Selena. Prácticamente a partir de este disco aparece cada año en el mercado un nuevo
disco: Ven conmigo, Entre a mi mundo, Live... Es una mujer estadounidense y habla habitualmente
en inglés, pero curiosamente canta en español, tal y como le enseñó su padre.

Vestida con tops que recordaban el estilo atrevido de Madonna en aquella época y con canciones
típicamente tejanas pero adaptadas al público de cada zona, el éxito de Selena creció sin parar. En
1993 consiguió un Grammy al mejor álbum de música mexicano-americana por Live y al año
siguiente publicó su disco Amor prohibido, donde se escuchaban canciones que se hicieron famosas
al instante de aparecer: Bidi Bidi Bom Bom y No me queda más, entre otras.

El sueño de Selena se hace realidad: triunfa en el mundo típicamente machista de la canción tejana
y consigue entrar en México como una verdadera número 1, algo prácticamente imposible para
cualquier cantante de Tejas. En el año 1995 disfruta de su éxito al grabar Dreaming of you, un disco
del que vende más de dos millones de copias, y protagoniza un multitudinario concierto en la
ciudad de Houston. Son los últimos trabajos de una carrera donde se incluyen hits internacionales
como I Could Fall in Love o el mismo Amor Prohibido, cuyo sencillo del mismo nombre llegó al
número 1 de las listas.

El éxito de Selena se vio roto el día 31 de marzo de 1995, cuando tenía tan sólo 23 años. La
presidenta de su club de fans, Yolanda Saldívar, la asesinó por motivos económicos. Ambas vivían
en Corpus Christi y se conocían desde hacía tiempo. Selena confió en ella para dirigir algunas de
sus tiendas, pero su padre se dio cuenta de que la estafaba. Después de una serie de problemas y
desacuerdos, la cantante fue a visitarla ese día para hablar cara a cara y recibió un disparo por la
espalda. El 3 de abril se celebraban unos multitudinarios funerales en su memoria que atrajeron a
público de diversas ciudades. Había nacido un mito cuya vida fue llevada a la pantalla por la
actriz Jennifer López.

Después de la muerte de Selena se publicaron diversas recopilaciones de sus trabajos que incluían
temas en inglés (Siempre Selena y All my hits) y la venta de sus discos creció espectacularmente. Su
repercusión fue tal que la revista People Texas le dedicó su portada una semana después de morir
e incluso un número conmemorativo. Numerosas figuras musicales de carácter internacional, como
por ejemplo Talía, Gloria Estefan y Carlos Vives han participado en homenajes póstumos a su
memoria.
 CORNELIO REYNA CISNEROS

Vio la luz primera el 16 de Septiembre de 1940 en una ranchería llamada Notillas, en el estado de
Coahuila. Sus padres fueron Maria Cisneros Almaguer y Román Reyna Segovia. Heredó el talento
musical de su padre quien tocaba varios instrumentos dominando entre todos, el violín. Sus padres
se separaron cuando él contaba con sólo meses de nacido. Al tiempo se reencuentran y es cuando
nace su único hermano: Pedro Reyna, quien también es compositor.

Curso hasta el 3er año de primaria ya que Notillas, Coahuila carecía de sistema escolar. Ya
adolescente se trasladó a Monterrey dejando padre y abuela Paternos a quienes tanto quería y
dedicarse a perseguir sus sueños.

Tiempo después emigra junto con su Madre y sus hermanos a Reynosa, Tamaulipas y ahí trabaja en
una ladrillera. A finales de los años 50´s, Cornelio forma el dueto Carta Blanca. El dueto
frecuentaba el Bar Cadillac, donde se daban cita todos los músicos locales. De ahí salían a tocar a
diferentes centros nocturnos de Reynosa, pero la inquietud de Cornelio era hacerlo
profesionalmente, ya que ejecutaba el bajo sesto con singular maestría.

En 1961 en el bar Cadillac se reencuentra con quien sería su compañero de tantos éxitos, Ramón
Ayala. Formaron el dueto ‚Los relámpagos del norte‛ alcanzado grandes éxitos con temas como
Desvelos míos, Vida truncada, Callejón sin salida, Ya no llores y muchos mas, siendo la mayoría de
inspiración de Cornelio. Ha llenando a toda capacidad numerosos escenarios en México y en la
Unión Americana.

Cuando iniciaron los grandes bailes, el famoso dueto revolucionó la música norteña con un estilo
peculiar de TEXMEX, Influencia musical que predomina hasta la fecha. Una de sus mayores
satisfacciones es haber llevado la música Norteña a mercados hasta entonces impenetrables.

En el año de 1971, Cornelio y Ramón Ayala deciden perseguir sus inquietudes por separado.
Cornelio traslada a la Ciudad de México, grabando un acetato con mariachi, un sueño hecho
realidad. Una de las canciones de ese disco alcanza un éxito inesperado. Con Me caí de la nube,
Cornelio conquisto México, y un importante mercado en la Unión Americana, Centro y Sud-
America. A estos éxitos le siguieron otros tantos, entre ellos Lágrimas de mi barrio, Me sacaron del
Tenanpa, Me caíste del cielo y muchos más.

La personalidad bohemia de Cornelio Reyna, forjó un estilo único. Al momento de cantar, su voz de
tesitura grave, y la mirada firme, le dieron algo especial. Tiene en su haber 60 discos grabados.

Cornelio hizo alrededor de 20 películas, todas con temas de sus canciones, bajo la producción y
dirección de Rubén Galindo. Alcanzó la plenitud del éxito con mariachi, pero su cariño por la
música Norteña hizo que alternara sus grabaciones entre estos dos géneros.

Mantenía contacto con su compañero Ramón Ayala, el de Los Relámpagos del norte, de quien se
separara en 1971, y con el cual llegaron a realizar giras en forma esporádica. La ultima gira con la
cual se encontraba satisfecho fue la realizada en el año de 1996, gira por la Unión Americana que
se prolonga 6 meses, iniciando en el mes de Junio y finaliza el 24 de Diciembre del mismo año, a
menos de un mes de su muerte ocurrida el 22 de enero de 1997.

A través de 30 años de carrera, recibió múltiples trofeos y reconocimientos, el último que recibió
en vida fue el ‚U got it award‛ concedido por el programa de Johny Canales.

Cornelio Reyna ha sido objeto de una serie de homenajes. En su pueblo adoptivo, Reynosa
Tamaulipas. Se develó una efigie en la Plaza Garibaldi gracias al esfuerzo de sus amigos y
compañeros de la música, y como reconocimiento por parte del Gobierno de Estado de Tamaulipas
una calle lleva su nombre (1997). También se le han hecho reconocimientos en el Estado de
Coahuila.

El 7 de Mayo de 1997, en el Senado del Estado de Texas de Estados Unidos de América, se

instituye un día de duelo por su fallecimiento. (Resolución 657 del Senado en memoria de Cornelio
Reyna). Ingresa al ‚Salón de la fama‛ en el año 1998, en la Ciudad de San Antonio Texas. Sin
embargo el galardón mas valioso, será el cariño de la gente que a través de sus canciones lo
mantiene vivo en sus corazones.

Al momento de su deceso, estaba por iniciar una grabación para una importante disquera, por lo
cual se había trasladado hasta Cd. De México. Antes que sus restos fueran trasladados hasta Cd.
De Reynosa, Tamaulipas, sus compañeros, al son de Te vas ángel mío, le dieron el último adiós en
la Plaza de Garibaldi.
 ALEJANDRO SANZ
(Nombre artístico de Alejandro Sánchez Pizarro; Madrid, 1968) Cantante español, uno de los
artistas pop de mayor repercusión internacional. Músico y compositor de la mayoría de sus
canciones, ha obtenido los premios más importantes del género (Ondas, Amigo, Grammy) y varios
discos de Oro y de Platino nacionales y extranjeros.

De sus padres, gaditanos ambos, y de los veranos en Alcalá de los Gazules y en Carmona, le viene
ese acento andaluz que comparte también su hermano mayor, Jesús, pero que en él se traduce
además en sus canciones. Su gusto por la música fue también herencia familiar: su padre formó
parte de dos grupos musicales y grabó un disco como cantante de estudio, y su padrino es el
compositor Manuel Alejandro.

A los siete años sabía tocar la guitarra y pronto empezó a componer. Con catorce años, cuando los
suyos se mudaron al barrio de Moratalaz, comenzó a moverse por ambientes flamencos, y ese
contacto con lo que él consideraba sus orígenes y un perseverante aprendizaje musical
caracterizaron su adolescencia y guiaron sus primeros pasos artísticos. Aún en plena adolescencia,
decidió que quería dedicarse de lleno a la música y, en repetidas ocasiones, se escapó de su casa
con su guitarra como único bagaje, para recorrer los diferentes lugares turísticos de la costa
andaluza, cantando en tabernas y restaurantes a cambio de un plato de comida.

Su primer sueldo como "profesional" de la música lo cobró a los dieciséis años, poco antes de
tomar el nombre artístico de Alejandro Magno y lanzar su primer disco, una extraña mezcla de
flamenco y pop (muy en boga en los años ochenta) titulada Los chulos son pa cuidarlos, que pasó
prácticamente inadvertida. Comenzó a componer letras y melodías para otros grupos y solistas,
como Los Chicos De Tass y Juan Carlos Valenciaga, al tiempo que se introducía en la producción
intentando lanzar el grupo Laventura.
Irrumpió en el mercado discográfico con Viviendo deprisa (1991) y, siendo casi un niño pese a sus
23 años, se convirtió de inmediato en ídolo de adolescentes, aunque el millón largo de copias
vendidas y los primeros siete discos de Platino que recibió presagiaban ya un público más amplio.
Lo confirmaron sus siguientes entregas: Si tú me miras (1993), Básico (1994) y Alejandro Sanz
III (1995). Este último trabajo contenía el single La fuerza del corazón, con el que Alejandro Sanz,
lejos de las probaturas experimentales realizadas en discos anteriores, buscaba y consiguió
relanzar esa imagen de nuevo ídolo juvenil de los años noventa que se había labrado con los temas
de su primer álbum.
Cuando su música comenzó a traspasar fronteras y su consolidación artística era un hecho
indiscutible, le compró un Mercedes a su padre y a su madre le montó una peluquería, y más tarde
los instaló en una lujosa casa de 600 metros cuadrados en la zona norte madrileña. Siguiendo la
misma línea estética y comercial, lanzó al cabo de dos años un nueva colección de
canciones, Más (1997), en la que figuraba el tema Corazón partío, que estaba llamado a convertirse
en número uno en todos los países de habla hispana.
Corazón partío convirtió a Alejandro Sanz en uno de los cantantes y compositores más
galardonados de la historia reciente de la música en lengua española. En la II edición de los
Premios de la Música de 1998, el artista madrileño fue el triunfador absoluto de la velada, al
resultar recompensado con los premios al mejor autor, al mejor artista pop, al mejor tema del año
(Corazón partío), al mejor vídeo musical y mejor álbum del año (Más). En cuestión de días, el tema
se había convertido en un clásico de la música popular, emitido a todas horas por la radio y la
televisión, y escuchado y tarareado en cualquier parte.
A partir de entonces, los premios comenzaron a lloverle en todos los rincones del planeta. Al año
siguiente, tras haber lanzado al mercado un nuevo álbum, titulado El alma del aire (2000), Sanz
volvió a erigirse en rotundo triunfador en la gala de los Premios de la Música, al ser agraciado con
tres galardones (mejor artista pop, mejor autor pop y mejor elepé). Poco después, el
reconocimiento le llegó del ámbito internacional, pues consiguió nada menos que cuatro premios
(mejor grabación, mejor álbum del año, mejor canción y mejor álbum pop masculino) en la segunda
edición de los Grammy Latinos.
Sus siguientes álbumes fueron también éxitos clamorosos. El primero, titulado MTV
Unpluged (2001), le convirtió de nuevo en triunfador en la gala de los Premios de la Música 2002,
donde se le otorgaron tres galardones: mejor canción (Y sólo se me ocurre amarte), mejor álbum y
mejor vídeo; y le consolidó, asimismo, como gran figura internacional de los Grammy Latinos, en
cuya tercera edición (2002) se alzó también con tres premios: mejor grabación, mejor álbum y
mejor canción.
No es lo mismo (2003) tenía el propósito confeso, ya indicado en el título, de marcar una clara línea
de separación entre sus anteriores trabajos. El éxito de este álbum, una fusión de letras urbanas y
ritmos aflamencados, excedió las expectativas más optimistas. Aunque el cambio de registro causó
cierto desconcierto, las copias volvieron a despacharse por millares, y granjearon a Sanz otros
reconocimientos como los tres galardones que obtuvo en los Premios Amigo 2003 (al mejor
artista, al mejor álbum español y al mejor vídeo musical). Continuando con sus ya tradicionales
triunfos en el continente americano, en febrero de 2004 obtuvo otro Grammy al mejor álbum de
pop latino.
Tras una gira triunfal por todo el mundo, Alejandro Sanz lanzó un ambicioso disco recopilatorio
que, bajo el título de Grandes éxitos: 91-04 (2004), englobaba lo más granado de su trayectoria
artística hasta la fecha. Al lado de la cantante colombiana Shakira, con la que interpretaba a dúo un
tema de encendida pasión amorosa, Tortura, acompañado de un tórrido vídeo de presentación.

Se especuló con la unión sentimental entre ambos cantantes, especialmente cuando se vio
confirmada, en julio de dicho año, la ruptura entre Sanz y su esposa, la modelo mexicana Jaydy
Mitchel, con la que tuvo una hija (Manuela). Sanz se había unido a ella en un extraño matrimonio
celebrado por sorpresa en la isla indonesia de Bali. La prensa especializada puso énfasis en el
hecho de que el conocido cantante hubiese sido capaz de mantener en secreto su noviazgo, y no
faltaron quienes señalaban que se trataba de un enlace de conveniencia, pactado por ambos
contrayentes con intereses muy distintos: ella, para ganar fama y prestigio al lado del célebre
cantante, y proyectar así su carrera de modelo fuera de su país.
 CARLOS VIVES
(Santa Marta, 1961) Cantante colombiano, uno de los mayores difusores del estilo musical
conocido como vallenato de los últimos tiempos. Se dedicó a la música desde temprana edad; a los
nueve años su padre le hacía cantar en reuniones familiares, ayudaba al párroco a recolectar
dinero para la iglesia cantando en público y recorría las calles de su ciudad natal con una guitarra.

En 1979 entró en la Escuela de Arte Dramático de su país, estudios que simultaneó con los de
publicidad. Carlos Vives se inició en el vallenato junto a otros once músicos, junto a los que formó
una banda a la que llamaron La Provincia. 1993 puede ser considerado como su año revelación:
irrumpió de lleno en el mundo de la canción con su disco Clásicos de la Provincia, que incluye temas
como La casa en aire, La gota fría, Alicia adorada, La celosa y otras muchas canciones que rescató
del olvido para darles un aire moderno y original, aunque sin perder el sabor y el ritmo del
auténtico vallenato.
Sus actuaciones en Estados Unidos, Hispanoamérica y España han sido siempre sinónimo de éxito.
En 1992 intervino en la Expo de Sevilla; en agosto de 1994 cosechó un gran éxito en Nueva York,
cuando cantó en el Radio City ante 5.000 espectadores. El entusiasmo mostrado por el público fue
tal que los empresarios se vieron obligados a repetir el espectáculo. Este mismo año hizo dos giras
por España y fue incluido por el sello discográfico Polygram en el disco Mundial USA 94al lado de
Queen, Daryl Hall, Carlos Santana y Mercedes Sosa, entre otros.

Carlos Vives ha participado también con éxito en televisión, en programas comoTiempo sin
huellas (1982), realizado en Puerto Rico, que constituyó su presentación en este medio; además ha
grabado varias telenovelas en Miami y Colombia, una de las cuales, Escalona, que fue presentada
en este último país, significó un verdadero relanzamiento de la música vallenata. Su
trabajo Déjame entrar fue doblemente galardonado en la 3ª edición de los Grammy latinos, con los
premios al mejor álbum y a la mejor canción tropical.

En 2015 colabora con Soledad Pastorutti en la canción "Dame una sonrisa" y también
con Wisin con Daddy Yankee en el tema "Nota de Amor" el cual ha llegado a colocarse en algunas
listas de popularidad como Monitor Latino en Colombia.2 El 31 de julio estrena el vídeo de
la Tierra del Olvido (2015) con la colaboraciones de Fanny Lu, Fonseca, Maluma, Andrea
Echeverri, Cholo Valderrama así agrupaciones como Coral Group y Herencia de Timbiquí en su
página de VEVO. El 13 de agosto realiza su concierto "Vives y sus Amigos" de su gira "Mas Corazón
Profundo Tour" en el Estadio El Campín de Bogotá ante 42.000 personas con invitados como los
puertoriqueños Wisin, Marc Anthony y Daddy Yankee, el brasileño Michel Telo y los
colombianos Chocquibtown, Gusi, Fanny Lu y Maluma.
Recibe el Premio Lo Nuestro a la excelencia el 18 de febrero de 2016
 ROCÍO DÚRCAL
(María de los Ángeles de las Heras Ortiz; Madrid, 1944 - 2006) Cantante y actriz española.
Desplegó una intensa actividad cinematográfica en su juventud, pero es sobre todo recordada
como una de las más destacadas intérpretes de rancheras, mariachis, boleros y otros géneros
tradicionales latinoamericanos.

Descendiente de una familia humilde, trabajó desde muy joven como peluquera. Durante su
infancia, e impulsada por su abuelo, participó en numerosos concursos radiofónicos en busca de
una oportunidad como niña prodigio, hasta que quedó finalista del concurso Primer Aplauso de
Televisión Española. En sus comienzos se dedicó al flamenco y a la canción española, primero con
el nombre de Rocío Benamejí y, posteriormente, de Rocío Fiestas. Al productor cinematográfico
Luis Sanz, que la contrató en exclusiva para la productora Época Films, se debe el nombre de Rocío
Dúrcal, su definitivo alias artístico.

Rocío Dúrcal debutó en el cine con la película Canción de juventud (1961), del Luis Lucia, bajo cuya
dirección trabajó también en su segundo filme, Rocío de la Mancha (1962). Un año después rodó La
chica del trébol, de Sergio Grisco, y se afianzó como artista profesional con su intervención en la
comedia musical de Norman Krasma Un día en Nueva York (1963), dirigida por Adolfo Marsillach.
A partir de entonces su dedicación al cine fue intensiva; fruto de tanta actividad fueron los
numerosos filmes en que participó durante los 60 y los 70: Tengo 17 años (1964), Más bonita que
ninguna (1965), Acompáñame (1965), Buenos días, condesita (1966), Amor en el aire (1967), Cristina
Guzmán (1968), Las Leandras(1968), La novicia rebelde (1971), Mariela (1972), Me acuesto a las
nueve y cinco(1973), Díselo con flores (1974), Me siento extraña (1977), Sin retorno (1977) y Contacto
peculiar (1978). Entretanto, en 1969 conoció Juan y Junior, un dúo musical formado por los
cantantes Juan Pardo y Antonio Morales, con quienes trabó más que una gran amistad: Rocío
Dúrcal se enamoró de Antonio Morales, y nueve meses después se casó con él. Del matrimonio
nacieron tres hijos: Carmen María Guadalupe, Antonio y Shaila.
En 1977 conoció al cantante y compositor mexicano Juan Gabriel, con el que iniciaría una fructífera
colaboración. La española llegaría a grabar ocho discos de rancheras compuestas por el mexicano,
entre los que destaca Cuando decidas volver (1981). Después del disco La gata, alejado de la
ranchera, volvió de nuevo a la canción mexicana en junio de 1983 con su elepé Entre tú y yo. Otro
de sus álbumes destacados fue Rancheras y Mejicanas, que le valió el Premio Heraldo de México de
1983. Además, obtuvo ese año el Premio de la Crítica de Nueva York por el disco Diferentes y el
Premio Naranja, otorgado por los periodistas.
Las cifras de ventas de sus discos rondaban los treinta y cinco millones de copias, lo que significó
en su momento ser la artista española más vendida de la historia. Su disco de 1988 Amor eterno,
nuevamente sobre repertorio de Juan Gabriel, volvió a batir récords y supuso otro éxito
espectacular. En la década de los noventa, Rocío Dúrcal siguió actuando periódicamente por
Hispanoamérica, donde siempre fue muy apreciada por su simpatía.
Después de una década de ausencia en los escenarios españoles, en 2001 reapareció con un nuevo
trabajo, Entre tangos y mariachis, un disco grabado en diez días que incluye temas clásicos como
"Caminito" y "A media luz".
En 2001, después de la grabación de su álbum Entre tangos y mariachi se le diagnosticó cáncer de
útero. Dúrcal canceló sus giras mientras se sometió a tratamientos médicos. En 2003, desde
España colaboró con el cantante mexicano Julio Preciado al hacer dúo para el tema «Si nos dejan»,
incluido en su álbum Que me siga la tambora. Antes de grabar su último álbum en 2004, en otro
examen se descubrió que el cáncer había pasado a sus pulmones. La artista volvió a someterse al
tratamiento de quimioterapia. Sin embargo, cumplió con el compromiso de grabar el álbum Alma
Ranchera, como un homenaje a la música de este género, pero debido a su tratamiento, no hubo
gira para promocionarlo.
Finalmente, la artista falleció el 25 de marzo de 2006 a los 61 años de edad, en su casa
de Torrelodones, a 25 km de la ciudad de Madrid, pasando sus últimos días en compañía de su
familia. Su cuerpo fue trasladado al cementerio La Paz, en Alcobendas, Madrid, adonde acudieron
admiradores y amigos de la cantante. Una de la más emotivas manifestaciones fue cuando el
Mariachi Real de Jalisco, residente en España, despidió a Dúrcal con el tema Las
Golondrinas interpretada en el Parque Cementerio de La Paz. Al día siguiente de su fallecimiento,
su cuerpo fue incinerado, por deseo de su familia. Posteriormente parte de sus cenizas fueron
distribuidas entre España, en su casa de Torrelodones y México, donde descansan en la Basílica de
Guadalupe.

Homenaje discográfico

En 2009, Sony Music realizó el álbum Duetos como homenaje a la artista tomando las pistas de su
voz provenientes de sus temas más exitosos, para unirlos a dúo con artistas de la actualidad. Uno
de los temas grabados fue un acople técnico que se hizo con su voz y la de Javier Solís en el tema
Sombras, aprovechando el trabajo para el álbum Javier Solís: éxitos con trío, grabado en el año
2003 por el productor discográfico argentino Julián Navarro, al aislar la voz de Solís y añadirle un
acompañamiento con un conjunto de boleros y trío de voces.9

Miniserie sobre su vida

El 27 y 28 de diciembre de 2011, el canal de televisión español Telecinco emitió dos capítulos

sobre la vida de Rocío Dúrcal, bajo el título de Rocío Dúrcal, volver a verte.10 En un primer
momento, la actriz que encarnaría a la cantante sería su propia hija Carmen Morales, sin embargo
por discrepancias en el guion, rechazó la oferta. Más tarde la actriz que daría vida en la ficción a
Rocío Dúrcal sería Norma Ruiz. El reparto lo completarían Josep Linuesa interpretando a Antonio
Morales, Ana Rujas en el papel de Shaila Dúrcal, Sandra Blázquez en el papel de Carmen Morales,
Adrián Viador encarnando a Antonio Morales de las Heras y Luisa Martín y Helio Pedregal
encarnando a los padres de Rocío Dúrcal. La miniserie es ambientada al principio, en 1965 con el
rodaje de Más bonita que ninguna donde conoció a quien sería su esposo, hasta su muerte en el
año 2006.

Película sobre su vida

En 2015 y 2016 se lleva a cabo la preproducción del film Rocío, la película —anteriormente Rocío
Dúrcal, la sonrisa del firmamento—, escrita y dirigida por Óscar Parra de Carrizosa.
 JUAN GABRIEL

(1950/01/07 - 2016/08/28)

Nació el 7 de enero de 1950 en Parácuaro, Michoacan.

Hijo de Gabriel Aguilera Rodríguez y de Victoria Valadés Rojas, ambos campesinos.

Bautizado como "Alberto", en honor al personaje de una historia cubana, "El derecho de nacer",
llamado Albertico Limonta, de moda gracias a una radionovela de la XEW.
Fue el menor de un total de diez hermanos; Rosa, quien murió casi recién nacida; Virginia, su única
y consentida hermana; José Gudalupe, Gabriel, Pablo, Miguel (ya fallecido) y tres rafaeles que
también murieron.
Casi recién nacido, su padre quemó un pastizal con la intención de volver a sembrar
posteriormente; el fuego invade otras propiedades, y angustiado por el problema, sufre un
"shock" y enferma. Tuvo que ser internado en el entonces tristemente célebre nosocomio de "La
Castañeda", en la Ciudad de México. Se cuenta que ahí murió aunque hay testigos que dicen que se
escapó. Este hecho inspiraría a Juan Gabriel para escribir la canción: "De sol a sol. A los siete meses
de edad fue llevado a Ciudad Juárez, donde transcurrió su niñez.

Cuando cuenta cuatro años, ingresa como interno en la escuela de mejoramiento social para
menores, más conocida como "El tribunal", donde permaneció por espacio de ocho años. A los
siete años de edad conoce a Juan Contreras de Zacatecas, maestro de hojalatería, quien le enseño
a trabajar. Consideró a su maestro como un padre. En recuerdo a este hombre, posteriormente
adoptaría el nombre de Juan; y Gabriel, en memoria de su padre.

Su primer nombre artístico fue Adán Luna. Entonces debuta con la canción "María la bandida", de
José Alfredo Jiménez, acompañado por el mariachi de Gil Soledad y su banda. Antes de Grabar
como solista trabajó haciendo coros de grandes figuras de la canción como Roberto Jordán,
Angélica María, Estela Núñez y César Costa.

Fue acusado de robo e internado casi año y medio en el penal de Lecumberri. De tal experiencia
surgió más tarde la película "Es mi vida", protagonizada por él mismo. Ahí tuvo la oportunidad de
conocer, por medio del director de la cárcel, a Queta Jiménez "La Prieta Linda", quien no sólo
abogó por él para que fuera puesto en libertad por falta de pruebas, sino que también lo puso en
contacto con la RCA para después llevar a cabo sus primeras grabaciones. Fue la primera
intérprete que le grabó una canción bajo el título de "Noche a noche". El 11 de junio de 1971 firmó
contrato con RCA Víctor e inició la grabación de su primer disco, "Un alma joven", en el que incluyó
su primer gran éxito, "No tengo dinero". Antes de ser aceptado en RCA Víctor, lo rechazaron en
CBS, Musart y Peerless.
Las canciones "Lágrimas y lluvia", "Mis ojos tristes" y "Amor eterno" las dedicó a la memoria de su
madre, quien falleció el 27 de diciembre de 1974. Entre otras propiedades que se le conocen a
Juan Gabriel está la vieja y magnífica casona de ciudad Juárez, donde había trabajado su madre en
el servicio doméstico.

Por primera vez en la historia de la revista norteamericana Billboard, Juan Gabriel debuta en el
Primer lugar del Hot Latin Trak, con el tema "El Palo" del álbum "El México que se nos fue".

En el año 2009, la Academia Latina de la Grabación le nombró "Persona del Año" del Latin Grammy,
y según LARAS, ha vendido más de 100 millones de álbumes, además de componer unas 1,500
canciones. Han interpretado sus composiciones los cantantes: Rocío Dúrcal, Isabel Pantoja, Julio
Iglesias, Rocío Jurado, Pimpinela, Chayanne, Marc Anthony, Placido Domingo, Selena, Chavela
Vargas y muchos otros más.

Su último concierto fue la noche del viernes 26 de agosto de 2016 en Los Ángeles, California, como
parte de la gira 'MeXXIco es todo'. Juan Gabriel, falleció a causa de un infarto a las 11:43 am, hora
local, del domingo 28 de agosto de 2016, en su casa de Santa Mónica, California, tenía 66 años.

Juan Gabriel se encontraba en medio de la gira México es todo en los Estados Unidos, la cual inició
en Las Vegas el 19 de agosto de 2016.31 El 27 de agosto por la noche dio su último concierto en
The Forum de Los Ángeles, recital en el que usó un escenario con vista 360 grados. En el mismo
recordó a la cantante Rocío Dúrcal, y cerró con un mensaje en las pantallas, «Felicidades a todas las
personas que están orgullosas de ser lo que son».

El domingo 28 de agosto falleció a las 11:17, hora del Pacífico, en un departamento de su

propiedad en la playa de Santa Mónica, California. Fue realizada una autopsia a su cuerpo, que
determinó preliminarmente que el artista falleció tras un infarto agudo de miocardio. Ese
domingo tenía programado un concierto en El Paso. También tenía programado un concierto
público gratuito en la plaza de la Constitución de la capital mexicana el 12 de noviembre. La noche
del 29 de agosto sus restos fueron cremados en Anaheim, California por decisión de los hijos del
artista.