WONG KAR-WAI

Hecho por Constanza Caterina Loprette Villaverde

Mail: constanza.loprettevillaverde@ucine.edu.ar o coniloprette2004@gmail.com
Comisión: T5
Año de cursada: 2022
 1. HIPÓTESIS DE LECTURA

Podemos leer la obra del director Wong Kar-Wai como la exploración compleja de uno de los

aspectos principales de la nostalgia; la pérdida o la ausencia. Se nos presentan en sus films,

personajes que sufren la melancolía y la soledad, estas causadas por factores como el

desamor, la falta, o la inevitabilidad del tiempo mismo, el cual más que sanar, daña al sujeto en

cuestión.

Se genera en los cuerpos un distanciamiento reflexivo del presente, una obsesión con el

pasado, y una revelación de los recuerdos a través de la búsqueda de un tiempo perdido. Se

plantea la búsqueda del amor, y los diferentes impedimentos que hacen que éste no se

alcance, de modo que el sujeto amoroso sucumbe ante la pérdida o ausencia de un ser

amado. Sin embargo, sus personajes no solo sufren a causa de este, sino que también pueden

llegar a encontrarse a sí mismos.

Es un cine que trabaja la carencia, la escasez, y las sensaciones o sentimientos que estas

pueden provocar. Lleva al espectador hacia un territorio íntimo que está en su propia mente;

basado en el recuerdo, el deseo, el amor frustrado, la incomunicación, la distancia, el destino y

el desencuentro.

Siguiendo estas líneas encontraremos traducido audiovisualmente la problematización de la

identidad, la cual es representativa de la problematización de la mirada intersubjetiva de los

individuos. Esta intención, propone narraciones que se focalizan en el interior, enunciaciones

donde predomina el uso del punto de vista subjetivo del personaje. En el universo poético de

Wong Kar-Wai, cada detalle de la atmósfera está diseñado para contar el mundo interior de los

personajes, sus narraciones se adentran en la conciencia de estos, encontrando aquí su

leitmotiv.
El autor nos plantea así una mirada nostálgica entre “aquello que fue” y “aquello que es”. Lo

deseado es perdido al pasado, y solo se desea porque es irrecuperable. El dolor de la pérdida

va unido al pensamiento de un regreso imposible.

Bajo estas directrices el acto de desear es independiente de las posibilidades de su

consumación. Lo importante será el deseo puro, y éste será lo único que quedará. De este

modo el acto de mirar va de la mano con el acto de desear, y con el acto de construir

relaciones.
 2. PERIODIZACIÓN

Recorriendo la filmografía del director, podemos categorizar su obra en 3 períodos; Romances

a destiempo, imposibles o no correspondidos por parte de los sujetos, de modo que el acto de

desear es lo único posible. (Days Of Being Wild, In The Mood For Love, 2046, The Hand).

Duelo por un desamor manifestado a través de un viaje de recomposición para olvidar una

ruptura, o para comenzar de nuevo. (Blueberry Nights, Happy Together). La visibilidad del paso

del tiempo y la revelación de la soledad ante la falta, o un amor perdido. (Ashes Of Time, The

Grandmaster, Chungking Express, Fallen Angels, As Tears Go By).

En el primer periodo se alude al amor a destiempo y al enamoramiento no correspondido. El

encuentro o el desencuentro se produce en relación a dos personajes que están

desincronizados, de modo que su amor posteriormente se convertirá en un amor no hablado e

imposible. Lo único que queda es el deseo puro, ya que los sujetos deben callar sus

sentimientos, los cuales casi nunca se concretan y finalmente se deshacen poco a poco.

En el segundo periodo la filmografía se basa en volver a empezar, en olvidarse para dejar atrás

y encontrarse uno mismo. Se plantean viajes como objeto de distracción, para comenzar de

cero en otro lugar, alejado del pasado y los recuerdos que este trae. Cuando se supera la

pérdida, esos recuerdos siguen coexistiendo con el presente, y rondarán por siempre, aunque

se intenten dejar a un lado.

En el tercer periodo se trata el tema del tiempo como metáfora para recuperar la memoria. El

intentar olvidar el pasado que siempre está y estuvo allí, que se puede ver pero no tocar.

Los sujetos se presentan inestables, tristes e infelices, casi siempre les falta algo. La angustia

está constantemente presente y es lo que no deja a los personajes seguir adelante, además del

paso del tiempo que es imposible de frenar.

 3. CRITERIOS FORMALES

Wong Kar-wai consigue transferir el flujo de sensaciones que están en la base de sus films

mediante diferentes aspectos formales. He tomado 3 criterios para analizar. Dentro de Sonido,

la Música Extradiegética. Dentro del Arte, la Escenografía. Dentro de la Fotografía, la

Iluminación.

Como representación del primer periodo he escogido la escena icónica de In The Mood For

Love. Es la escena del famoso cruce entre los personajes Maggie Cheung y Tony Leung. La

cámara arranca con ella cruzando un estrecho y angosto pasillo, luego baja con él y termina

con un cruce entre los dos. Analizando las operaciones formales, podemos mencionar como

elemento por excelencia transmisor de ritmo y musicalidad, al Sonido. Notamos en esta escena

la aparición de una música extradiegética. La melodía se llama “Yumeji´s theme” y es el tema

musical leitmotiv de la película. No solo está ligada al ambiente, sino que también sirve para

construir la atmósfera. Asimismo, cumple un carácter comunicativo, refuerza la idea planteada

en la hipótesis de lectura, la de demostrar sonoramente el estado interno, el estado de ánimo

de los personajes. En términos de arte, se nos presenta un pasillo extremadamente estrecho.

El autor nos sitúa en un ambiente totalmente asfixiante, claustrofóbico, pequeño, angosto y

oscuro. Nos revela cómo se sienten los personajes, totalmente solos, nostálgicos, tristes, y en

una situación sin salida. En el caso de la fotografía, tomando a la Iluminación como punto de

referencia, notamos muy poco contraste de colores, hay poca intensidad de estos, una

desaturación. Podemos evidenciar un juego de luz y sombras, y cierta calidez en la imagen. Me

imagino que esta elección responde no solo a la ambientación de la película, sino también a las

emociones de los personajes.

Para el segundo periodo, he tomado la escena de las Cataratas del Iguazú de Happy Together.

Se nos plantean planos en donde se ve el pequeño cuerpo de Lai You-Fai en contraste con las

colosales Cataratas. En términos de la banda sonora, escuchamos música extradiegética

nuevamente, es un tango que suena de fondo. Podemos notar que es una operación que

Wong Kar-Wai utiliza permanentemente en todas sus películas. No solo la utiliza para situar la

película en tiempo y espacio (normalmente buscando el contraste entre culturas), sino también

para homologarlo con los sentimientos de nuestro protagonista. En términos de arte, toda la

escenografía de esta película está relacionada a la idea de lo inalcanzable o lo inobtenible. En

esta escena se evidencia la relación entre la inmensidad de un espacio inabordable ante la

pequeñez y debilidad de un cuerpo. En términos de Fotografía e Iluminación, podemos

observar un amplio abanico de tonalidades muy saturadas con colores vivos. La paleta de

colores varía en función del desarrollo de la trama, observamos tonalidades azules y frías

cuando nos muestran espacios exteriores de la ciudad de Buenos Aires, como en este plano

tan emblemático. Los colores son auténticos transmisores de emociones, y le sirven al autor

para expresar lo que no se puede decir en palabras.

Para el tercer y último periodo, opté por una escena de Fallen Angels. Leon Lai, recién herido

por una bala, se encuentra en su departamento intentando sanar su lesión. Escuchamos una

música extradiegética que se homologa al sentimiento interno del personaje, es una especie de

silbido siniestro que provoca tensión en la escena. La escenografía da vida a una desolada y

triste habitación. La casa del protagonista en escena es ilustrativa de la soledad que sufre. La

escenografía facilita esta atmósfera mediante el uso de ambientes sucios, olvidados y

abandonados. En todos sus films la escena y el concepto personal de cada personaje se

adhieren a la atmósfera, se hacen tangibles las carencias de cada uno. En términos de

iluminación, hay mucho contraste de colores pero sobre todo destaca el contraste entre tonos

amarillentos y tonalidades verdosas. Podemos observar como se adquiere una tonalidad

verdosa y fría, mientras que el rostro y la figura del personaje aparece iluminado con colores

amarillos y cálidos.
 4. CITAS

(*) Carlos Heredero hace una reflexión muy interesante: “Previa a Ashes of Time, encontramos

la cinta Days of Being Wild (1990), donde el vacío en el corazón del protagonista provocado

por la el abandono y completa ausencia de su madre biológica, se ven a simple vista: la

soledad en el cuarto de Yuddy, el silencio de la tienda de bebidas, el camino de vuelta a través

de la selva tras ser rechazado por su madre biológica... En estas escenas lo único que

podemos notar es el silencio y la tensión del ambiente cargado, ¿de qué?, de lo incompleto

que se siente el protagonista por la falta, es por eso que cuando hablamos de esta película,

Carlos Heredero dice que: “[Inspirado por Boquitas pintadas de Manuel Puig]... quedan

también en la película dos dimensiones de mayor alcance: una atmósfera elusiva y asfixiante,

empapada de melancolía por amores no correspondidos, que los personajes no pueden vivir

pero tampoco dejar de recordar [...]”.