La Mejor Manera de

Dibujar Ojos
Los ojos son de los Vpero a veces, pare- pueden utilizar los
rasgos más impor- ce menor porque no mismos puntos de
tantes de cualquier se ve con el flequillo referencia y luego ir
personaje, pero,
también por ello,
son difíciles de di-
bujar. Para ayudar-
te, presentamos ¡la
técnica del antifaz! o las patillas. deformándolos se-
Te ayudará a con- gún el estilo.
seguir expresiones No hay que obsesio-
más creíbles. narse con la simetría
La posición de los en el rostro. En lugar Aunque exageremos
ojos de eso, ve volteando el tamaño de los
En un rostro adulto el dibujo hasta que ojos, debemos res-
realista, los ojos es- dé una buena sen- petar la estructura
tán en el centro y las sación desde los dos tridimensional.
pupilas, a su vez, en puntos de vista. Y es Esta es la regla bá-
el centro contando que el rostro huma- sica para conseguir
desde la mitad. no no es perfecta- tridimensionalidad
mente simétrico. en los ojos y poder
Los ojos nos sirven imaginarlos desde
para medir las pro- Visto de perfil, el ojo varios ángulos.
porciones del rostro. está inclinado por la
En una vista frontal, forma de los huesos
la distancia entre ojo de la cuenca.
y ojo es otro ojo, y la Las proporcio-
distancia del ojo al nes estilizadas se
borde de la cara es basan en las rea-
también de un ojo, listas, así que se
2
El ojo desde
diferentes
ángulos
Si dibujamos
los ojos si-
guiendo una
línea recta,
lado algunos deta- Cuando la figura
tendremos como
lles de la anatomía, está más girada
resultado unos ojos
pero para conseguir que de 3/4, casi de
planos. Al no des-
un resultado tridi- perfil, pueden so-
cansar sobre un
mensional no pode- bresalir la punta de
plano recto los ojos
mos alejarnos de la la ceja y de la pes-
siempre se inclinan
estructura real. taña. Al ir girando
en el rostro.
el rostro, desapare-
La forma de los ojos
ce el espacio entre
cambia al mover la
el ojo y el puente,
pupila. No tengas
indicándonos un
miedo de cambiar
cambio notable en
la forma del ojo
la dirección a la
para conseguir más
que mira el rostro
dinamismo. Recuer-
antes de quedar
da que la pupila se
completamente de
mueve siguiendo
perfil.
una esfera, no en
un plano recto.

Cuando dibujes ojos

en una vista de 3/4,
es importante que
imagines la figura
esférica que mue-
ven. Tampoco olvi-
des el grosor de los
párpados. Las ver-
siones más estiliza-
das pueden dejar de
3
Expresión and stretch (com- bien, parecerá que
Una técnica que presión y exten- el personaje está
nos puede ayudar a sión). loco y no agradará
unificar los rasgos al espectador.
de los ojos es ima- ¡Confía en los mús-
ginarnos un antifaz, culos faciales! Con
así no los pondre- tan solo sugerirlos,
mos flotando por ya le dan más fuer-
la cara. También es za a la expresión.
más fácil imaginar- La
se la vista del anti- Si forma de los ojos
faz desde distintos Hay ojos de todo
ángulos. Los rasgos exa- tipo, pero evita la
tienen que guardar geras un poco más simetría para que
relación unos con la expresión, por no te salgan inex-
otros para poder ejemplo apretando presivos y monó-
transmitir mejor las los rasgos o mar- tonos. Experimenta
emociones. cándolos más, se cambiando el punto
Una de las cosas notará la diferencia más alto del pár-
que mejor expresan entre un dibujo sin pado, la forma del
las emociones son vida copiado de una ojo, las cejas, las
las cejas. A veces foto y un dibujo pestañas y las pu-
nos conviene exa- expresivo. Ten cui- pilas. No concibas
gerar mucho las dado con el blanco los ojos y las cejas
cejas, aunque nos de los ojos. Es mejor como dos elemen-
alejemos de la rea- no pasarse y mos- tos separados, sino
lidad. Al acercar las trarlo más cuando como un conjun-
cejas a los ojos la queremos expresar to. Unas cejas más
expresión se hace sorpresa, miedo o masculinas estarán
más dura y, si viene peligro. Si no se usa más cerca de los
precedida o segui-
da del movimiento
opuesto, el efecto es
más potente por el
principio de squash

4
Piensa bien lo que des pueden indicar, tono más oscuro, los
necesitas. Los ojos p o r brillos resaltan más.
m á s
senci- Ve haciendo prue-
llos vie- ejem- bas con distintos to-
nen me- plo, que la nos y con iris con los
jor para animación mirada está enfo- bordes más o menos
o estilos que buscan cada hacia un pun- marcados.
el movimiento. Para to lejano o que los
una ilustración o ojos están en un
un primer plano, se entorno oscuro.
pueden hacer más Las pupilas son
detallados. más pequeñas
cuando hay
Yo trato de no de- mucha luz
tenerme demasiado o cuando se
en los ojos porque mira algo
luego me olvido del de cerca.
resto del cuerpo. Sin El color de
embargo, en un di- los ojos nor-
bujo con más carga malmente
emocional, los ojos depende
requieren más aten- de la luz del
ción. entorno y de
Detalles lo que quie-
La córnea es una ras expresar.
lente transparente Estos cuatro
que cubre el iris y la pasos pue-
pupila y afecta a la den ayu-
forma del ojo. Fíja- darte. Si
te en la posición de el blan-
la pupila vista desde co de
ángulos distintos. los ojos
t i e -
Unas pupilas gran- ne un

5
la mejor manera de capturar
una sonrisa
¿Has visto muchos cuadros dernos, dejo aquí una recopila-
La risa de Leah Tinari, es un
cuadro moderno con una esce-
na de amigos divirtiéndose en
donde se represente la risa? Es- ción de pinturas con variedad un bar, algo borrachillos, y con
pecialmente la risa a carcajadas, de risas y sonrisas. unas caras expresivas y desen-
y el gran estallido de la risa. No cajadas por las risas.
es un tema muy común, real- Dibujo “Laughing girl” o “Chi-
mente, pero sin embargo puede ca riéndose”, por Sherann Jo-
convertirse en uno de los temas hnson. Uno de los dibujos más
más bellos y además necesa- exactos con el tema que trato.
rios. Pintar a una persona que Una verdadera carcajada lim-
se está riendo bien a gusto o pia y bien captada.
pintar un grupo entero de per-
sonas riéndose, o simplemente
una sonrisa, puede transmitir-
nos mucha paz, relajación, op-
Una risa del barroco, pintada
timismo, alegría y felicidad.
por Bartolomé Esteban Muri-
llo. El cuadro se llama Dos Mu-
jeres en la Ventana, de 1670. La
LA REPRESENTACIÓN DE dulce sonrisa de la doncella y
LA RISA Y LAS SONRISAS la risa tapada de la mujer son
EN LA HISTORIA DEL ARTE la magia de este sencillo cua-
Si buscamos en la historia del dro. Barroco y sonrisas son un
arte, lo que más encontramos tema muy difícil de encontrar,
son suaves sonrisas, coquetas o por lo que le doy más mérito a
dulces, sobre todo este artista por crear este cua-
en retratos. dro libremente.
Aunque la Aqui tenemos otro
risa es una ejemplo de un Di-
expresión bujo de Isaac Me-
h u m a - dina , captando
na muy la sonrisa de Gal
impor- Gadot.
tante y
benefi-
ciosa,
creo que faltan
en la historia de
la pintura más
obras con esta
temática, que
reivindico.
Y para que
podamos
aprender
de los ar-
tistas, tanto
antiguos
como mo-
6
Ilustración de Jason Brooks, un
ilustrador muy alegre que ha
creado esta espléndida sonrisa
en un rostro de mujer y gran-
des gafas de sol.
La risa de Umberto Boccioni.
Un cuadro futurista donde
el autor tomó la risa como
tema central. En una compleja
estructura llena de formas en
movimiento, la cara de una
mujer sonriente es lo poco que
se saca en claro. Aunque con
tanto movimiento, parece que
esa sonrisa pronto va a desapa-
recer.
Un artista muy especial, como
es Klee, puso de nombre a uno
de sus cuadro “El principio de
una sonrisa”, con un dibujo
que representa a una persona
trazada solo por unas líneas
limpias, y unas formas en el
rostro, como si formándose
toda su cara estuviese a la vez
también formándose en ese
momento una suave sonrisa.
Un cuadro más moderno, Good
times (Buenos tiempos) de
Connie Freid.
Para mi, un cuadro excelente,
donde tres chicas que miran al-
gún tipo de espectáculo cómi-
co, se ríen a carcajadas sentadas
juntas en un espa-
cio con profundi-
dad, creado con los
tonos y la luz
7
Una carcajada sonora, en esta
pintura llamada “To laugh”,
que significa “Reír”. Del pintor
Bob Salo, donde una mujer de
raza negra se ríe de un modo
muy natural. No es fácil captar
esta naturalidad, que logra este
artista con sus trazos difumi-
nados y la sensación del movi-
miento. Porque reírse también
es moverse.
En todos los cuadros podemos
notar la sonrisa, las risas, de
diferentes formas, tal vez ex-
presando diferentes tipos de
felicidad, alguna vivencia que
se captura en un momento en
la eternidad para recordar ese
sentimiento de felicidad que se
estaba viviendo en dicho mo-
mento.
Y por último, sobre la risa en
la pintura, la sonrisa más fa-
mosa en la historia del arte,
la sonrisa de Mona Lisa, de
Leonardo Da Vinci. Con una
magia increíble, un rostro se-
reno y sonriente a la vez. Im-
posible de repetir. Cosas así
no hay muchas.
Aunque continuaré buscan-
do más cuadros con risas ale-
gres, me ha sorprendido mu-
cho no poder encontrar más
cantidad de pinturas al óleo,
pues parece que hay poco
de calidad.. Igual en conclu-
sion la sonrisa, es un pilar
de las expresiones y estados
de animo, mostramos varios
ejemplos en los que se puede
apreciar diferentes maneras
de expresar una sonrisa u al-
gun estado de animo feliz..
y no solamente de manera
realista si no que de diferen-
tes corrientes artisticas, pues
igual no solo es dibujar la pende de que es lo que vayas
sonrisa y ya, la posicion del a querer dar a entender.
cuerpo, que tan cerrados es-
tan los ojos cuando uno se
rie o si es una sonrisa mas
formal, todo depende de que
es lo que quieras expresar
en el lienzo, ya con la idea
planteada, uno puede expe-
rimentar, con algun modelo
o con uno mismo diferentes
sonrisas, angulos perspecti-
vas que ayudaran para con-
seguir esa genuinua sonrisa
de felicidad que se busca, o
alguna sonrisa incomoda, o
sonrisa para posar en alguna
foto, todo de-
8
9
el Manga y
sus rasgos

幸
愛

10
Lo escuchaste nombrar mil veces, pero ¿aún no sa-
bés qué es el manga? Las características del man-
ga se pueden detectar fácilmente leyendo alguno
de los cómics más emblemáticos de este estilo,
como Dragon Ball.

Si fuiste de los que crecieron mirando este programa

en la televisión, tal vez no sepas que esa caricatura que alegra-
ba tus tardes es, originalmente, un manga.

El manga está indiscutiblemente ligado al anime. Piensa en to-

das las series de anime de tu infancia: Sailor Moon, Ranma ½,
Los caballeros del Zodiaco, Sakura Card Captor, Candy Candy,
InuYasha o Naruto. Todas ellas, con algunas excepciones como
Pokémon o Digimon, vienen de un manga japonés.

Para algunas personas puede ser difícil distinguir entre anime y

manga e incluso llegan a pensar que se trata de la misma cosa.
Una posible razón es que la noción de manga va más allá de ser
un simple cómic japonés.

Está bien si tienes dudas, acompáñanos en este viaje mientras

nos adentramos en el fascinante mundo del manga. Conocerás
qué es el manga, sus características, tipos de manga y el arte
que hay detrás de él.

Busca un lugar cómodo, prepárate un cafecito, o mejor un té al

estilo japonés, y ¡comencemos!

¿Cuál es la historia del manga?

Antes de despejar todas tus dudas sobre qué es el manga y sus
características, hablaremos un poco de su historia y desarrollo.

Origen del manga

El origen del manga se desarrolla entre 1790 y 1912, cuando co-
menzaron a llegar personas de Occidente a Japón y el estilo de
dibujo japonés característico de lo que es el manga ganó popu-
laridad entre la población japonesa.
11
La historia del manga da inicio por la combinación
de dos tradiciones: el arte gráfico tradicional ja-
ponés y la historieta occidental, partes fundamen-
tales, hoy en día, de las características del manga.
El primero nace en el siglo XI, mientras la historieta
occidental experimentó un gran auge en Estados Uni-
dos y Europa a principios del siglo XIX, gracias, en gran parte, a
la prensa de la época.

Desarrollo del manga moderno

Rakute Kitazawa
Kitazawa, primer mangaka o creador de cómics manga profe-
sional, es considerado por muchos como el creador de lo que
es el manga japonés moderno. Sus caricaturas, viñetas y tiras
cómicas publicadas en varios periódicos de la época fueron un
gran éxito a finales del siglo XIX y reflejaban a la perfección las
principales características del manga.

Se puede considerar como uno de los primeros mangas primiti-

vos su obra publicada en 1912, “Tagosaku y Mokube visitan To-
kio”. Esta historia narraba de modo divertido el viaje turístico de
dos campesinos a la ciudad de Tokio.

Osamu Tezuka
La evolución del manga tomaría vuelo durante la Segunda Gue-
rra Mundial y los años siguientes, alcanzando su estilo caracte-
rístico debido, en gran parte, al trabajo del dibujante japonés,
conocido popularmente como el dios del manga, Osamu Tezuka.

Osamu Tezuka replanteó las características del manga y cómo

se contaban las historias en los mangas, pasando a tener tramas
mucho más elaboradas y complejas. Este cambio contribuyó a
que el consumo del manga fuese un medio de entretenimiento
común entre los japoneses.

Su mayor obra, considerada el primer manga como tal, fue As-

troBoy, una historia de ciencia ficción situada en un mundo futu-
12
rista donde los robots coexisten con los humanos.
Narra las aventuras de Astro Boy, un poderoso an-
droide creado por un científico para reemplazar a
su hijo fallecido.

Influencias del manga

El libro manga actual guarda mucha similitud con el creado por Osamu Tezuka, es decir,
un manga con marcadas influencias de Walt Disney en Occidente, con personajes familia-
res llenos de matices y problemas que se desarrollaban en varios tomos.

Como podrás ver el origen del manga viene pautado por un estilo de dibujo japonés único,
la influencia del cómic occidental y el trabajo de dos grandes artistas. Ahora sí, estás listo
para saber qué es el manga y cuáles son las características del manga que más llamarán
tu atención.

13
¿Qué es el manga?
Responder qué es el manga, no es nada difícil. En
sí, los manga son los libros de cómics japoneses,
es decir, los cómics de Japón.

Pero, ¿etimológicamente qué significa? El término

manga, cuñado por el artista japonés Hokusai Katsus-
hika en 1814, proviene de la unión de las palabras japonesas
man (informal) y ga (dibujo). Entonces, la traducción completa
de qué es el manga equivale a dibujos caprichosos o garabatos.
Algo que resume muy bien las características del manga.

Hokusai Katsushika utilizó el término manga por primera vez

cuando publicó su recopilación de ilustraciones titulada Hoku-
sai Manga. Estas ilustraciones representaban escenas de la vida
diaria junto a comentarios humorísticos.

A raíz de esta obra algunos académicos occidentales asociaron

lo que es el manga con géneros como las caricaturas o tiras có-

¿Cuáles son las características del manga?

Para que puedas tener una idea concreta de qué es el manga,
no basta con repasar su origen y definición. Es necesario cono-
cer las características del manga y comprender qué es lo que lo
compone.

14
Los libros mangas tienen ciertas caracte-
rísticas propias que los diferencian de las
historietas occidentales. Por ello, si eres
un lector de manga habitual, seguramen-
te estás familiarizado. Pero si es tu prime-
ra vez leyendo manga, podrías sentirte un
tanto confundido y sentir la necesidad de
preguntar a la primera persona que se te
cruce cómo leer un manga.

¡No te preocupes! Aquí te contamos las

principales características del manga:

En el manga, las viñetas y páginas se leen

de derecha a izquierda.
Es frecuente en el manga japonés que los
personajes u objetos se dibujen de forma
más realista, combinando personajes ca-
ricaturescos con un entorno realista.
​Los libros manga tienen mayor variedad
de transiciones entre viñetas.
Los personajes manga tienen ojos muy
grandes y expresivos, propios de indivi-
duos occidentales.
Los mangas tienen diversas temáticas y
las más comunes son romance, acción,
ciencia ficción o fantasía.

15
¿Cuáles son los tipos de manga?
Como sucede con todos los libros, la narrativa
manga también se divide en distintos géneros. Si
bien, ya casi comprendes del todo qué es y cuáles
son las características del manga, aún te falta co-
nocer los tipos de manga:

1. Kodomo Manga
Mangas para niños (también seguidos por adultos). Abordan de
forma simple temas fantásticos con finales felices cargados de
humor. Por lo general, transcurren en ambientes como el hogar
o la escuela con personajes familiares. Ejemplo: Hamtaro.

2. Shojo Manga
Libros mangas con narrativa amoro-
sa cargada de sensibilidad y humor
dirigidas a mujeres adolescentes y
jóvenes adultas. Las protagonistas
de este tipo de manga suelen tener
una edad parecida a la de sus lecto-
ras. Ejemplo: Candy Candy.

16
3. Shonen Manga
Dirigido a un público varón adolescente y jóvenes
adultos. Posiblemente se trate del tipo de manga
más popular, contando con un público consumi-
dor más elevado. Sus personajes suelen ser jóve-
nes con carisma, y las características del manga
de este estilo se relacionan con tramas llenas de ac-
ción y un poco de humor. Ejemplo: Jujutsu Kaisen y Naruto.

4. Josei Manga
Este es un género de manga dirigido a
mujeres adultas. Sus historias, a com-
paración del shojo manga, tienen un en-
foque más maduro. Entre las principales
características del manga de este tipo se
encuentra su abordaje a problemáticas
complejas de las relaciones humanas en
un entorno adulto.
Ejemplo: Paradise Kiss o Honey and Clover.

17
5. Seinen Manga
Tipo de manga para hombres adultos. Posee un
amplio catálogo de tramas, incluyendo la violen-
cia, política, crítica social e incluso erotismo. Aquí
el argumento es más importante que la acción.
Ejemplos: Ghost in the Shell o Death Note.

¿Cuáles son los mangas más

populares para leer?
Ahora que ya sabes qué es el
manga, las características del
manga y su clasificación, se-
guramente te ha entrado la cu-
riosidad por leer tu primer libro
manga. Si no sabes por cuál em-
pezar, te dejamos los mangas
japoneses de mayor éxito.

1. Dragon Ball
“El sol resplandece a mi alrede-
dor”. Casi cualquier niño de los
años 90 reconoce esa frase que
anunciaba el opening de la serie
de anime más exitosa de todos
los tiempos. Fue en gran parte
a la gran respuesta de su adap-
tación al anime, que al manga creado por Akira Toriyama en los
ochenta, se le atribuyen más de 300 millones de ventas, según
Statista.

Este manga famoso cuenta con 42 tomos donde se narran las

aventuras de Goku y sus amigos, mientras emprenden la bús-
queda de las Esferas del Dragón y protegen al mundo de las
amenazas.

18
2. Naruto
Otro libro manga muy popular, y que re-
presenta todas las características del
manga, es Naruto. Comenzó a publi-
carse en 1999 y finalizó en 2014.
Cuenta con 72 tomos y en total se
han vendido 250 millones de ejem-
plares.

Naruto narra las aventuras y desventuras del leal

ninja, junto a sus amigos y compañeros, conforme
aprende lo bueno y lo malo del mundo que lo
rodea y hace todo lo posible por prote- ger a su
aldea y al mundo.
3. One Piece
Es, sin duda, el manga japonés más vendido del mundo con más
de 480 millones de ejemplares vendidos. Según TierraGamer, “si
llegara a superar los 500 millones que acumula Harry Potter, se-
ría el título más vendido de la historia”.

Además, se le considera uno de los mejores mangas shonen. Si-

gue la deslumbrante aventura de un grupo de piratas en su bús-
queda del One Piece, el mayor tesoro jamás conocido.
¡Todas las características del manga las encontra-
rás en este libro!
3. One Piece
Es, sin duda, el manga japonés más vendido del
mundo con más de 480 millones de ejemplares
vendidos. Según TierraGamer, “si llegara a supe-
rar los 500 millones que acumula Harry Potter,
sería el título más vendido de la historia”.

Además, se le considera uno de los mejores

mangas shonen. Sigue la deslumbrante aven-
tura de un grupo de piratas en su búsqueda
del One Piece, el mayor tesoro jamás cono-
cido. ¡Todas las características del manga
las encontrarás en este libro!
19
4. Detective Conan
Este cómic de Japón, como lo llamarían algunos,
tiene más de 25 años de vida y ha acumulado ven-
tas de más de 200 millones de ejemplares. Sin du-
das, la historia de este joven detective envuelto
en misterios difíciles de resolver ha cautivado a los
lectores de manga.
5. Death Note
Otro título que representa muy bien las principales caracterís-
ticas del manga es Death Note. Quizás lo escuchaste nombrar
o leíste el título en Netflix, ya que se hizo una serie y película al
respecto.

Este manga japonés ha sido muy bien valorado gracias a su tra-

ma y sus personajes, por lo que tienes que agregarlo a tu chec-
klist de libros por leer. ¡No te tardes en leer todos los secretos
del “Cuaderno de la Muerte”!
6. Fullmetal Alchemist
Hiromu Arakawa fue uno de los
mangakas japoneses más reco-
nocidos gracias a su gran obra
maestra, Fullmetal Alchemist.
Este título es muy sencillo y entre-
tenido de leer, y mezcla humor, acción y drama por
igual.

Si quieres terminar de comprender las características del man-

ga, entonces no puedes dejar pasar esta obra maestra. ¡Tam-
b i é n encontrarás su versión animada en Netflix!
7. Ber- serk
Este título puede que no te resulte tan fa-
miliar, ya que no es uno de los libros man-
ga más conocidos. Sin embargo, tam-
bién merece su reconocimiento
debido a la calidad de sus dibu-
jos que exponen muy
bien las característi-
cas del manga.
20
Se trata de una historia épica, que, quizás, lleva un
ritmo más lento comparado a otras historias man-
ga. Sin embargo, a medida que va avanzando la
trama, la misma se va haciendo cada vez más en-
tretenida. ¿Cuáles son las diferencias entre man-
ga y cómic?
Los lectores manga podrán identificar claramente las
diferencias entre manga y cómic. Es verdad, a simple vista, que
podemos pensar que la principal diferencia radica en el estilo
de dibujo, pero hay algunas características del manga que no se
comparten con el cómic.

Similitudes
Los mangas y los cómics narran hechos fantásticos e irreales,
con personajes y tramas que se desenvuelven en un mundo fic-
ticio con reglas propias.
Suelen presentar un combate entre el bien y el mal, ya sea con
un héroe y un villano, o una fuerza que lo represente.
Tanto los cómics de Japón como los occidentales presentan di-
bujos caricaturizados con emociones humanas y rasgos facia-
les exagerados.
Diferencias
Los libros manga presentan historias independientes con princi-
pio y fin, en cambio los cómics pueden poseer una continuidad
larga formando sagas y universos que pueden alargarse infinita-
mente.
A diferencia de los cómics, los mangas se leen de derecha a iz-
quierda, comen- zando por lo que sería el final
del libro.
El có- mic se ha publicado
l a mayoría del tiempo
a color y con gran cali-
dad de di- bujo, mientras
los m a n - gas se impri-
men en blanco y
negro y con un me-
nor nivel de detalle,

21
dos de las principales características del manga.
¿Cuáles son las diferencias entre manga y anime?
En este punto ya no has de tener ni una sola duda
de las características del manga, ya sea que lo
entiendas como solo el cómic de Japón o a través
de la diferencia entre manga y cómic.

Sin embargo, tal vez aún no entiendas bien la diferencia entre

anime y manga. Pues bien, te lo pondremos en términos muy
simples. Una de las principales características del manga es
que es un producto impreso, mientras que el anime es la serie,
el producto animado y digitalizado de ese manga.

Anteriormente, dijimos que casi todos las caricaturas anime de

tu infancia tuvieron su origen en un manga. Pero no todos los
mangas se vuelven animes, ni todos los animes vienen de un
manga.

Incluso, hay ocasiones en que pri- me-

ro salen las series de anime y lue- g o
el libro manga, como es el caso d e
Pokémon. Aunque Pokémon fue ini- cial-
mente un videojuego, se creó pri- me-
ro la serie animada y posteriormente s u
manga, el cual no siguió los mismos even-
tos del anime, pues solo se basó en la n a rrat i -
va de los videojuegos, por lo que con-
taba otro tipo de historias.

La primera adaptación al anime de un

manga fue Astro Boy en los años sesenta
y a partir de ahí se adaptaron muchos otros
mangas. Esto llegó a tener un gran auge a
finales del siglo XX y en el siglo XXI con pro-
ductos como Dragon Ball, Sailor Moon, One
Piece, Ranma ½, entre otros.

22
¿Cómo son los dibujos estilo manga?
Antonella Morelli nos dice que “al dibujo que
se utiliza dentro de lo que es el manga se le
denomina comúnmente como estilo man-
ga”.

Entonces, cuando hablamos de lo que es

el manga y el estilo manga, nos referimos al arte
de su dibujo. En este tipo de dibujo japonés,
los personajes se caracterizan por

Tener ojos muy grandes y expresivos

Tener cuerpos esbeltos con una propor-
ción de siete cabezas o más
Por lo general, son de piel clara
Utilizan uniformes estilo nipón
Sin embargo, el arte manga tiene mu-
chos estilos y las características del
manga pueden variar entre un título y
otro. No se puede etiquetar el estilo manga como algo reduccio-
nista, cuando muchos autores han desarrollado su estilo propio.

¿Cómo dibujar manga?

Si te gustaría aprender cómo crear un dibujo manga, lo prime-
ro que debes tener claro es qué buscas transmitir con tus per-
sonajes y cuál será la historia a contar. Por supuesto, también
es clave que sepas muy bien las características del
manga, de manera tal que po- drás replicarlas
en tus caricaturas estilo japo- nés.

Una vez que definas qué

estilo de manga tendrá tu dibu-
jo, necesitarás las 4 herramientas
básicas para dibujar caricaturas:

Un bloc dibujo u hojas en blanco.

Lápiz 2B o cualquier lápiz para di- bujar.
Un borrador.
23
Una regla.
Recuerda que los dibujos tipo manga son en blan-
co y negro, pero si quieres darle tu toque personal,
puede aprender a colorear anime con colores.

ありがとうございます

24
Historia del Dibujo en Mexico

25
EN EL LIBRO VII DE SU TRATADO de arquitectura, Antonio Averlino,
mejor conocido como Filarete, escribió a mediados del siglo XV: “todo lo
que se hace con las manos tiene su origen en el dibujo”, acerca del cual
afirmó: “hoy es una ciencia no conocida y poco apreciada, pero no [lo] era
antiguamente, porque señores altísimos quisieron saberla, entre ellos el
emperador Nerón y Adriano, que fueron los primeros pintores.”[1]

El dibujo, ciertamente, es la base de todas las manifestaciones artísticas,

de ahí la relevancia del libro titulado La enseñanza del dibujo en México,
coordinado por Aurelio de los Reyes; una obra colectiva que reúne die-
ciocho estudios de diversos autores. El volumen es extenso y de amplio
espectro, pues en él se abordan temas variados relativos a periodos que
van desde finales del siglo XVIII hasta nuestros días, aunque lo más im-
portante es la profundidad con la que los autores desarrollan sus textos,
producto de las muy valiosas
investigaciones documentales
y bibliográficas que llevaron a
cabo. Al ser un libro colectivo,
los investigadores tratan sus res-
pectivos temas de forma diversa;
mientras unos pusieron énfasis
en los métodos de enseñanza del
dibujo y en algunas polémicas
que se suscitaron al respecto,
otros abordaron la historia del
dibujo en determinadas institu-
ciones educativas o las aporta-
ciones de algunos artistas a los
métodos de enseñanza. También
son analizados los manuales y
la crítica tanto a ciertos artistas
como a los sistemas de enseñan-
za.

26
En lo que constituye una de sus contribuciones centrales, el libro pone
especial atención al problema de la enseñanza del dibujo en varios es-
tados del país. Los capítulos correspondientes dan cuenta del desigual
desarrollo de la enseñanza del arte –incluido el dibujo– en esas entida-
des. Así por ejemplo, durante el siglo XIX no existió en San Luis Potosí
una institución dedicada exclusivamente a la enseñanza de las Bellas
Artes, de manera que los interesados en aprender dibujo debían acudir
a centros como la Escuela Normal, la Escuela Industrial Militar o la Es-
cuela de Artes y Oficios para señoritas. Una
situación similar se vivió en Campeche, don-
de, dada su ubicación geográfica, los
primeros cursos de dibujo se impartieron a
marinos en la Escuela de Matemáticas
y Navegación, misma que abrió sus
puertas en 1841. Aunque es de
reconocerse que para 1860
las clases de dibujo se incor-
poraron a los estudios de ba-
chillerato por medio del Instituto
Campechano, convertido después
en Instituto de Letras y Ciencias. Tal
situación contrasta con la de otros
sitios como Guadalajara, donde hubo
una clase de dibujo desde 1790 y la
Academia existió desde 1805. En Pue-
bla, la Academia se estableció en 1813,
mientras que en Aguascalientes, la Acade-
mia de Dibujo comenzó a funcionar en 1832.
Los autores de los artículos relativos a este
tema, Berenice Sánchez Martínez, Juan Artu-
ro Camacho Becerra, Luciano Ramírez Hurta-
do, José Manuel Alcocer Bernés y Arturo Agui-
lar Ochoa, también nos ilustran acerca de los
métodos de enseñanza-aprendizaje del dibujo
(en la mayoría de los casos muy apegados a
los sistemas academicistas de San Carlos), así
como del indispensable uso de manuales que
en mucho ayudaron a la formación de los artis-

27
tas.

Igualmente, a través de esos textos nos enteramos de que en algunas de

esas escuelas y academias estudiaron artistas de relevancia nacional,
como Gerardo Murillo, el famoso Dr. Atl, quien estudió en la Academia de
Pintura y Dibujo fundada en Guadalajara en 1897 y estuvo matriculado
también en la Academia de Dibujo de Aguascalientes, donde estudiaron
otros personajes como José Guadalupe Posada, Saturnino Herrán y Je-
sús F. Contreras. No podemos olvidar a artistas locales como Emiliano
Sánchez Ávila, quien estudió simultáneamente en la Escuela Normal y en
la Escuela Industrial Militar de San Luis Potosí.

Cabe resaltar el importante papel que jugaron esas escuelas militares en

la enseñanza del dibujo y en la formación de profesionales de la cons-
trucción, asunto que recibe especial atención en el libro que reseño.
Aurelio de los Reyes refiere que en esas instituciones la enseñanza del
dibujo tenía gran importancia debido a los fines científicos y es-
tratégicos de esta práctica. Por ejemplo, para el Colegio Militar
el dibujo de paisaje era necesario pues permi- tía “captar la
topografía del terreno para el levantamien- to de planos y
para que el ataque y la defensa fuesen más eficaces”.

En particular resultan muy interesan- tes los

párrafos que Aurelio de los Reyes dedi- có a la
creación del Cuerpo de Ingenieros, mis- mo que
se formó en 1823, apenas terminada la In-
dependencia. Sabemos que en la época virreinal
llegaron a la Nueva España ingenieros milita- res
que mucho contribuyeron a la actualización de
los sistemas constructivos e incluso a la de
los diseños de los edificios civiles y
religiosos, lo que provo- có no
pocos conflictos con los
arquitectos agremiados.
Como destaca
el autor, la
formación
de ese

28
Cuerpo profesionalizó el trabajo de los ingenieros al contar con estudios
uniformes y rigurosos. Evidentemente, tanto el dibujo lineal como el de
paisaje fueron importantes sobre todo en la planeación y fortificación en
campañas militares, aunque también en la construcción de maquinaria
de artillería, indispensable para la defensa del país, como explica De los
Reyes.
Otra de las muchas virtudes
que encuentro en el libro La
enseñanza del dibujo en Mé-
xico es que a lo largo de sus
páginas y gracias a las in-
vestigaciones presentadas
podemos conocer parte de la
historia de México desde el
siglo XVIII hasta nuestros días,
pues como toda manifestación
artística, el dibujo es reflejo de
la sociedad en sus diferentes
momentos históricos. De ma-
nera que por medio de esta
publicación no solamente nos
informamos de las transfor-
maciones de los métodos de
enseñanza-aprendizaje, de los
manuales importados y tradu-
cidos y escritos en México que
se han utilizado desde el siglo
XVIII, y de la presencia de di-
versos estilos artísticos, sino que, muy especialmente, nos damos cuenta
de las ideas políticas y filosóficas en que se ha sustentado la construc-
ción de nuestro país. Así por ejemplo, María Esther Pérez Salas aborda el
tema de la representación del paisaje como elemento de identidad nacio-
nal después de la Independencia, en tanto que Julieta Ortiz Gaitán ana-
liza la enseñanza del dibujo a partir de la educación primaria establecida
por la Secretaría de Educación Pública (fundada en 1921) como parte
de un proyecto nacionalista revolucionario. Finalmente, Silvia Fernández
Hernández nos habla de los cambios que provocó el Movimiento Estu-

29
Algo similar ocurrió
con los métodos de
enseñanza de Adolfo
Best Maugard adopta-
dos por la Secretaría
de Educación Pública
en 1923 y que fueron
aplicados tanto en las
escuelas de enseñan-
za primaria como en
las de pintura al aire
libre. Julieta Ortiz Gai-
tán refiere que tales
sistemas se basaban
en el principio de que “el ser humano posee, de manera latente e intuiti-
va, capacidades para expresarse a través del arte, así como para expre-
sar emociones estéticas en su apreciación y receptibilidad”, lo cual fue
cuestionado por Diego Rivera, ya que consideraba esto una nueva ca-
misa de fuerza para la creatividad de los niños, “pues no hacía sino apri-
sionar su personalidad dentro de nuevos moldes”. Como comenté ante-
riormente, también los planes de estudio de la Escuela Nacional de Artes
Plásticas fueron seriamente criticados después del Movimiento Estudian-
til de 1968. En este sentido, Silvia Fernández explica que las categorías
universales se llegaron a considerar “convenciones sociales opuestas a
las ideas libres y propias”, con lo que se abrió una nueva etapa para de-
volver al dibujo su dignidad cognoscitiva, lo que derivó en “la posmoderni-
dad que agregó nuevos paradigmas a la enseñanza del dibujo: la actitud,
la práctica y la deconstrucción”. En esas transformaciones de métodos y
mentalidad tuvo un papel destacado la incorporación como docente del
maestro Gilberto Aceves Navarro.

Al parecer, una de las manifestaciones más libres en cuanto a los mé-

todos de enseñanza-aprendizaje es la de las historietas. En su estudio,
Thelma Camacho Morfín rescata una advertencia de Alfonso Tirado: “si
alguno de nuestros lectores quiere llegar a ser dibujante de muñequitos,
lo primero que debe evitar es su ingreso a las academias de bellas artes”.
De este modo, la autora explica que los dibujantes de historietas realizan

30
un tipo de dibujo distinto al académico y más cercano a los estereotipos;
no obstante, y de manera tal vez paradójica, éstos se basan en principios
tan antiguos como las proporciones vitruvianas retomadas por Durero y
Leonardo, por lo que la autora concluye que “durante el siglo XX, el arte
cuestionó los planteamientos académicos y tuvo diversas propuestas
para la enseñanza del dibujo; sin embargo, el dibujo de historietas repite
los esquemas de representación que existían desde el Renacimiento”.
Precisamente, otro de los temas relevantes a lo largo del libro es el de las
exposiciones; entre ellas, las cinco que organizó la Sociedad Jalisciense
de Bellas Artes en el siglo XIX; la Exposición de Industria, Artes, Agricul-
tura y Minería de Aguascalientes, misma que se llevó a cabo como parte
de la Feria de San Marcos de 1851 a 1891 y en la que se exhibían las
mejores obras de los alumnos de la Academia de Dibujo; las exposicio-
nes de las escuelas de Pintura al Aire Libre, y las exposiciones interna-
cionales de pintura infantil, una de las cuales –la de 1929- se presentó en
los patios de la Secretaría de Educación Pública.

En fin, la riqueza temática del libro La enseñanza del dibujo en México

es enorme y podría extenderme aún
más en asuntos como el de la incor-
poración de la mujer en el aprendizaje
y la enseñanza del dibujo, no sólo por
medio de las escuelas para Señoritas
que tan famosas fueron especialmente
en la primera mitad del siglo XX, sino
también de instituciones como la Es-
cuela Nacional Preparatoria. O el del
importante exilio español, mismo que
aborda César Mauricio Sánchez, quien
relata que algunos de aquellos espa-
ñoles acogidos por Lázaro Cárdenas
formaron escuelas propias donde se
impartieron cursos de dibujo, mientras
que otros prefirieron dar clases en sus
talleres. Tal fue el caso de Enrique
Climent y Arturo Souto. Además, des-
taca la presencia e influencia de don
Ricardo Gutiérrez Abascal, mejor co-

31
nocido como Juan de la Encina, crítico de arte y de literatura que llegó
al país para integrarse como maestro en la Casa de España en México
y posteriormente impartir clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes,
las facultades de Arquitectura y Filosofía y Letras de la UNAM, el Colegio
de México y la Universidad Michoacana. Igualmente fue autor de varios
libros con temas diversos, como El arte barroco, Teoría de la visualidad
pura, Historia de la pintura de Occidente y Estudios sobre arte mexicano,
entre otros. En síntesis, La enseñanza del dibujo en México es un libro
muy académico, muy rico en temas, enfoques y metodologías, aunque
debo decir que igualmente resulta muy ameno. Los autores emplearon un
estilo ágil e incluso, a veces, divertido en el desarrollo de
cada uno de los temas. Por esta razón, al leer el libro
no solamente se aprende sino que también se
pasan buenos ratos entre historia, arte, dibu-
jos, polémicas y anécdotas intere- santes.
Por todo lo anterior, considero un ver-
dadero acierto de Aurelio de los Reyes
la coordinación de esta obra que aborda
una de las facetas más importan- tes de
la historia del arte en México.

Gilberto Aceves Navarro, Auto- rretra-

to a los 22 años de mis primeros 63 años,
1994.

32
La historia del Dibujo
El dibujo fue la primera representación real de objetos, ideas y su-
cesos por lo que su origen se remonta a la prehistoria. Los primeros
dibujos conocidos datan de 30,000 a 10,000 a.C y fueron hallados en
las cuevas y superficies de herramientas primitivas en Francia y
España.
1. El origen
del Dibujo:
El origen ar-
tístico del
hombre es
casi tan anti-
guo como la
humanidad,
pues siempre
el hombre
buscó expre-
sarse. En un
papel instru-
mental y su-
bordinado, se desarrolló junto con las otras artes en la antigüedad
y la Edad Media. Ya fueran bocetos preliminares para mosaicos y
murales, o dibujos y diseños arquitectónicos para estatuas y relie-
ves, dentro de la variada producción artística de los edificios gó-
ticos medievales y los talleres artístico de la época, el dibujo como
habilidad auxiliar no autónoma estaba subordinado a las otras ar-
tes. Limitadamente se puede hablar de centros de dibujo en la Alta
Edad Media; es decir, los scriptorium de los monasterios de Corbie
y Reims en Francia, así como los de Canterbury y Winchester en
Inglaterra, y también algunos lugares en el sur de Alemania, don-
de se cultivaron varios estilos de iluminación de libros fuertemente
delineatorios (ilustrados gráficamente).

En Occidente, la historia del dibujo como documento artístico in-

dependiente se inició a finales del siglo XIV. Sin embargo, si su de-
sarrollo fue independiente, no fue insular, es decir los dibujantes
no solo se dedicaban a ello. Los más grandes dibujantes han sido en
su mayor parte también pintores, ilustradores, escultores o arqui-
tectos distinguidos, así los centros y los momentos culminantes del
dibujo han coincidido generalmente con las localidades principales

33
2. Los primeros dibujos
Por muchos años se atribuyó el origen de los primeros dibujos al Paleo-
lítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años, cuando el Homo
Sapiens plasmaba sus registros sobre las piedras o paredes rocosas de
las cuevas o sobre la piel de los animales que cazaban. Pero reciente-
mente, un grupo de arqueólogos hizo un hallazgo importante. En una
cueva de Blombos en Sudáfrica, se encontró lo que se considera el pri-
mer dibujo de la humanidad. Esta pieza de roca silícea tiene una ex-
traña inscripción de líneas cruzadas hechas con ocre. Su antigüedad
data de hace 73.000 años, lo que significa que es 38.000 años más anti-
gua que los otros ejemplares de dibujo que se habían encontrado hasta
la fecha.

Entre los otros primeros registros de dibujos en la antigüedad, uno de

los más conocidos y estudiados es el que se encontró en la Cueva de
Altamira en España, descubierta en el año 1875 y cuya existencia data
de hace unos 35.600 años aproximadamente. Este lugar es un enorme
vestigio de pinturas rupestres, en colores rojo y negro, plasmadas en
el techo y paredes. La mayoría de los dibujos representan escenas coti-
dianas de hombres junto a animales como ciervos, bisontes y caballos.
También se aprecian dibujos de manos y algunos símbolos abstractos.

3. El Arte y el Dibujo: El dibujo es el padre de todas las bellas artes

Hasta entonces, el dibujo era considerado una herramienta narrativa
muy funcional, pero durante el renacimiento, el dibujo empieza a ser
tratado como un arte en sí mismo. Como dijo Giorgio Vasari, famoso
pintor italiano e historiador de arte, desde el renacimiento se sostiene
que “el dibujo es el padre de todas las bellas artes”, afirmación que tie-
ne fuerza considerando que toda expresión artística, ya sea la pintura,
escultura, música, danza, literatura y cine, empiezan con un dibujo,
boceto, esquema o como desee describirlo para luego transformase en el
arte en sí.

3.1. Pintura
La pintura es una expresión de ideas y emociones, creadas a partir de
un dibujo, con determinadas cualidades estéticas, con un lenguaje vi-
sual bidimensional. Los elementos de este lenguaje —sus formas, líneas,
colores, tonos y texturas— se utilizan de diversas formas para produ-
cir sensaciones de volumen, espacio, movimiento y luz en una super-
ficie plana. Estos elementos se combinan en patrones expresivos para
representar fenómenos reales o sobrenaturales, interpretar un tema
narrativo o crear relaciones visuales totalmente abstractas.

El artista puede utilizar un medio en particular, como témpera, fresco,

34
óleo, acrílico, acuarela u otras pinturas a base de agua, tinta, goua-
che, encáustica o caseína, así como la elección de una forma particu-
lar, como mural, caballete, panel, miniatura, iluminación manuscrita,
pergamino, pantalla o abanico, panorama o cualquiera de una varie-
dad de formas o plataforma modernas, tales como un sitio web, redes
sociales, aplicaciones, entre otros.

3.2. Escultura
La escultura es una forma artística en la que materiales duros o plás-
ticos se transforman en objetos de arte tridimensionales. Los diseños
pueden plasmarse, partiendo desde un boceto o dibujo en objetos inde-
pendientes, en relieves en superficies o en entornos que van desde cua-
dros hasta contextos que envuelven al espectador. Se puede utilizar
una enorme variedad de medios, que incluyen arcilla, cera, piedra,
metal, tela, vidrio, madera, yeso, caucho y objetos «encontrados» al
azar. Los materiales pueden ser tallados, modelados, moldeados, fun-
didos, forjados, soldados, cosidos, ensamblados o moldeados y combina-
dos de otra manera. 3.3. Música
La Música es el arte relacionado con la combinación de sonidos voca-
les o instrumentales para la belleza de la forma o expresión emocio-
nal, el dibujo ayudó mucho en el crecimiento de este arte, tanto en la
creación de sus instrumentos como la composición de las obras, pues
generalmente componer requiere de un trabajo mental que se debe re-
gistrar, el cual se imaginaban mediante bocetos o dibujos, obviamen-
te, esto sucedió mucho antes de lo que hoy conocemos como partituras.
Dichas composiciones iban de acuerdo con los estándares culturales
de ritmo, melodía y, en la mayoría de la música occidental, armonía.
Tanto la canción popular simple como la composición electrónica com-
pleja pertenecen a la misma actividad artística, la música. Ambas
acciones, el dibujo y la música fueron diseñados por humanos; ambos
son conceptuales, pero la música es auditiva, y este factor siempre ha
estado presentes en la música de todos los estilos y en todos los perío-
dos de la historia, en todo el mundo.

3.4. Danza
La Danza como arte, es el mo-
vimiento del cuerpo de forma
rítmica, generalmente con
música y dentro de un espa-
cio determinado, con el pro-
pósito de expresar una idea
o emoción, liberar energía o
simplemente deleitarse con el
movimiento en sí. El dibujo en
35
la danza forma parte estructural y explicativo, pues más allá de po-
der hacer los movimientos con el cuerpo, se necesita idealizar el mo-
vimiento para poder llevar la danza a un nivel de perfección único,
el cual solo con un dibujo o boceto se podría explicar o imaginar.

3.5. Literatura
La literatura como expresión de arte, se ha aplicado tradicionalmen-
te a aquellas obras imaginativas de poesía y prosa que se distinguen
por las intenciones de sus autores y la excelencia estética percibida
de su ejecución. La literatura puede clasificarse según una variedad
de sistemas, incluido el idioma, el origen nacional, el período históri-
co, el género y el tema. El dibujo ayudó a que estas obras tuviesen un
entendimiento específico, pues el autor puede ser más explicativo si
acompaña su prosa con una ilustración que represente el sentimiento
o significado que desea comunicar.

3.6. Cine
En los años previos a la Primera Guerra Mundial, pocas personas
pensaban que el cine era o podría convertirse en una forma de arte,
esto empezó aproximadamente 1910, sin embargo, surgieron indicios
de que el cine estaba en camino de adquirir algún tipo de legitimidad
como expresión artística, pero la fusión de muchas artes, entre ellas
el dibujo, permitieron que se convertirían en el cine tal como lo co-
nocemos hoy. «El cine como forma de arte» considerando cómo se ha
desarrollado este arte a través de la evolución, tanto las técnicas de
edición y narrativa y la sincronización del sonido, y luego analiza
los diferentes tipos de géneros cinematográficos, el movimiento neo-
rrealista y las diversas variedades del cine moderno que hoy existen.
¿Qué hubiera sido de la Guerra de las Galaxias sin los bocetos que
hizo George Lucas para poder explicar cómo serían las escenas? Lo
ve, imposible de imaginar el cine sin el dibujo, ya sea a mano alzada
o digitalizado.

4. La era Egipcia y los dibujos en los jeroglíficos

La cultura egipcia también supo reconocer el dibujo como una expre-
sión de arte. Habían pasado miles de años para que el dibujo revolu-
cione en esta parte del mundo. Pasaron una composición de un ele-
mento, a dibujos más complejos, que tenían muchos detalles y donde
el color resaltaba cada representación teológica de templos y santua-
rios. Además, detallaban la figura de los dioses como una manera de
agradecer el esplendor del imperio egipcio.

La técnica de dibujo en Egipto consistía en el uso de pigmentos natu-

36
rales que extraían de tierras de diferentes colores. Con ellas elabora-
ban una pasta de color que les servía para aplicar en las superficies
deseadas. Eran principalmente usados para la decoración de sus edifi-
caciones y también para realizar ilustraciones en papiro y utensilios.

Debido a la majestuosidad y elegancia de sus obras, se podría consi-

derar que el trabajo de dibujo ejecutado por los egipcios, es el punto
de partida para el desarrollo de otras técnicas artísticas como la pin-
tura, la escultura, las artes decorativas y la arquitectura. Uno de los
registros gráficos más antiguos de esta cultura, tiene una antigüedad
de cinco mil años y fue hallado en una zona cercana al Cairo. Es una
roca tallada en la que se distingue una serie de jeroglíficos sobre una
celebración de barcas dirigida por un faraón. En estos dibujos, el per-
sonaje central lleva una corona y es escoltado por un grupo de perso-
nas e incluso es seguido por un perro.

5. La cultura griega y el dibujo

Los griegos fueron los máximos representantes del dibujo, pues se pre-
ocupaban por tener la máxima expresión perfecta del ser humano,
que la despoje de toda connotación sobrenatural, para centrarse y
obtener armonía en sus obras. La mayoría de sus dibujos quedaron
plasmados en murales, en cerámica, lienzos y tablas.

De estos se destaca el dibujo realizado en cerámicas. El dibujante grie-

go se encargaba de elaborar los mas finos gráficos. Sus diseños partie-
ron de formas geométricas elementales hasta desarrollar una mayor
precisión en el dibujo de figuras humanas y animales. Tal fue la belle-
za de estos trabajos, que fueron destinados a la comercialización, con-
virtiéndo-
se en un
negocio
muy pro-
ductivo
en aquella
época.

Su estilo
se centra-
ba en los
detalles y
en la ex-
presión
de los ras-

37
Uno de los registros gráficos más antiguos de esta cultura, tiene una
antigüedad de cinco mil años y fue hallado en una zona cercana al
Cairo. Es una roca tallada en la que se distingue una serie de jero-
glíficos sobre una celebración de barcas dirigida por un faraón. En
estos dibujos, el personaje central lleva una corona y es escoltado por
un grupo de personas e incluso es seguido por un perro.

5. La cultura griega y el dibujo

Los griegos fueron los máximos representantes del dibujo, pues se
preocupaban por tener la máxima expresión perfecta del ser huma-
no, que la despoje de toda connotación sobrenatural, para centrarse
y obtener armonía en sus obras. La mayoría de sus dibujos quedaron
plasmados en murales, en cerámica, lienzos y tablas.

De estos se destaca el dibujo realizado en cerámicas. El dibujante

griego se encargaba de elaborar los mas finos gráficos. Sus diseños
partieron de formas geométricas elementales hasta desarrollar una
mayor precisión en el dibujo de figuras humanas y animales. Tal fue
la belleza de estos trabajos, que fueron destinados a la comercializa-
ción, convirtiéndose en un negocio muy productivo en aquella época.

Su estilo se centraba en los detalles y en la expresión de los rasgos

humanos. En los primeros períodos dibujaban a dioses y héroes, y
también se ilustraban grandes escenas de guerra y representaciones
de la vida cotidiana. Los colores predominantes eran el rojo, amari-
llo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón. La técnica griega
enfatiza
las líneas y
curvas, has-
ta que más
adelante
van perfec-
cionando
sus trazos
para lograr
dibujos con
mayor rea-
lismo y én-
fasis en las
formas.

38
6. Edad Media y los dibujos religiosos (S.VIII- S.XV)
Durante esta etapa, entre el s.VIII y s.XV, predominan las represen-
taciones vivaces, donde los dibujos son trazos que resaltan el detalle.
En los primeros años, su función principal fue difundir la religión y
exaltar a Dios, por ello el dibujo fue muy usado para la ilustración
de libros religiosos producidos por monjes, quienes tenían exclusivi-
dad en el uso de los insumos para dibujar.

Los primeros materiales usados para los dibujos eran los pergaminos
de piel de animal o las tablas. Posteriormente, con la invasión árabe
se introdujo una revolución en el dibujo y la pintura, pues se crea el
papel. Con esta invención china, se facilita que la ilustración deje de
ser una actividad exclusiva para los monjes, y se vuelve más accesi-
ble para todos. Desde ese momento, ya se manifiesta el dibujo a color.

Es posible diferenciar dos estilos de dibujo en la edad media: un gru-

po de dibujos que consistían en la elaboración de pinturas en minia-
tura adornadas con oro, destinados a la realeza. Por otro lado, un
grupo de obras más sencillas, que estaban decoradas con dibujos rea-
lizados con pluma y tinta, destinadas a las personas menos
ricas.

6.2. ¿Cuándo el dibujo se Transfor- ma en Arte Inde-

pendiente?
El dibujo se transforma en arte independiente
en el norte de Italia, claro que al principio dentro
del marco de la actividad ordina- ria de un estudio,
siendo una prioridad el estudio de la naturaleza
como tal, como quedó registra- do en copias de
antigüedades y borradores en los distin-
tos cuadernos de dibujo (los de Gio-
vannino de’Grassi, An- tonio
Pisanello y Jacopo Be- llini,
por ejemplo). Quizás lo
más representativo
de este momento se
encuentra en el ta-
ller de Bauhütten,
donde se cambió
al trabajo indivi-
dual: conocido
como el lugar
de «exempla»,

39
pues los modelos, reproducidos de manera formalizada, ahora esta-
ban siendo tomados por dibujos subjetivos y parcialmente creativos.
A principios del siglo XV, el estilo de la época todavía predominaba
en gran medida sobre la «caligrafía» individual del dibujante. A me-
diados de siglo, sin embargo, se establece la diferenciación del estilo de
dibujo según la región y la personalidad del artista. Los criterios esen-
ciales, destinados a seguir siendo característicos durante generacio-
nes, comienzan a llamar la atención.

En los dibujos realizados al norte de los Alpes, los rasgos característi-

cos residen en la tendencia a la compacidad pictórica y la ejecución
precisa de los detalles. Muchos pintores produjeron dibujos indivi-
duales, pero los dibujantes más notables son el maestro alemán del
Housebook del siglo XV, no identificado, y su contemporáneo Martin
Schongauer. Ambos artistas fueron también importantes grabadores
de placas de cobre, por lo que no siempre es fácil determinar si la obra
es un boceto preliminar o un dibujo independiente.
7. El Renacimiento y el dibujo
En los dibujos del Renacimiento italiano, de los que abundan, las ca-
racterísticas estilísticas divergentes de las diversas regiones
artísticas fueron particularmente evidentes. Lo que
tenían en común era la importancia abrumado- ra
del boceto y el estudio, en contraste con los dibu- jos
terminados mucho más raros. La conexión formal y
temática con la pintura es muy estrecha incluso
cuando no se trata de dibujos preliminares. Los dibu-
jantes de Venecia y del norte de Italia prefirie- ron
una forma abierta con delineación suelta e inte-
rrumpida para lograr incluso en el dibujo el efecto
pictórico que correspondía a la imaginación de sus
pintores.

En el centro de Italia, en cambio, y sobre todo en Flo-

rencia, predominaba el contorno claro, la forma cerrada
y firmemente circunscrita, el carácter estático y plástico.
En correspondencia con el pro- pósito
funcional del dibujo, los es- tudios
de los artistas individua- les
(que, como fue el caso de
la Academia de San
Marcos de los Médicis,
también tuvieron que
dedicarse a investigacio-
nes educativas y humanísticas
40
generales) formaron los centros más importantes del dibujo artístico.
En estos grandes estudios, el dibujo no solo sirvió para la realización
inquisitiva de ideas creativas. Tampoco, estuvo ligado solo al estudio
y mediador entre la concepción y el trabajo terminado del maestro;
sino funcionó como material didáctico para los asistentes que trabaja-
ban con el maestro y como vehículo para la formación y conservación
de una tradición de taller individual. Aunque los intereses científicos
de Leonardo Da Vince se expresaron en un gran número de dibujos,
su concepto ideal de la figura humana se conserva con mucha más
frecuencia en los dibujos de sus colaboradores y sucesores que en los
suyos propios. Rafael y Miguel Ángel también fueron dibujantes des-
tacados. Cada uno de ellos utilizó el dibujo para dejar madurar sus
pensamientos sobre las obras individuales; cada uno tenía un estilo de
dibujo muy personal, uno de trazo suave y redondeado, el otro de tra-
zo intermitente y poderoso de escultor.

Ilustraciones sobre el cuerpo humano de Leonardo Da Vinci. Foto:

BBC

Probablemente se hizo mucho dibujo en el estudio de Raphael, espe-

cialmente aunque solo sea para la preparación de los grabados según
las composiciones de Raphael. De la mano de Miguel Ángel surgieron
los primeros dibujos de los llamados conocedores que se estiman como
un documento personal. Son los precursores de los dibujos de coleccio-
nista que se iniciaron a finales del siglo XVI (obras autónomas, desti-
nadas a colecciones).

Al norte de los Alpes, la autonomía del dibujo fue de-

fendida en primera instancia por Alberto Durero,
un dibujante infatigable que do- minó todas las
técnicas y ejerció una influen- cia duradera y
generalizada. El constituyen- te delineatorio
predomina claramente inclu- so en sus pin-
turas. Esto corresponde al ca- rácter estilís-
tico general del arte alemán del siglo XVI,
dentro del cual Matthias Grünewald,
con su estilo de dibujo más libre, más
amplio y por lo tanto más pictórico, y
los pintores de la escuela del Danubio,
con su trazo ornamental y agitado,
representan una significativa excepción.
En su metamorfosis de la realidad
percibida en dibujos, los pai- sajes de

41
Albrecht Altdorfer y Wolf Huber son documentos asombrosos de un
sentimiento por la naturaleza que casi podría llamarse romántico.

Soberer, increíblemente compacto en su concepto pictórico y, sin em-

bargo, similar al Renacimiento en su visión objetiva, fueron los di-
bujos de retratos de Hans Holbein, el Joven, cuyas estancias en la
Inglaterra del siglo XVI resultaron estimulantes también para otros
artistas. Similares, aunque menos personales que Holbein debido a la
linealidad más estricta de su trabajo, fueron los dibujos de los retra-
tistas franceses Jean y François Clouet. En los Países Bajos, donde se
combinaron con la imagen idealizada de Italia (como en los dibujos de
Lucas van Leyden), los métodos de Durero ganaron popularidad dura-
dera en los dibujos y estudios de paisajes «después de la vida» de Pie-
ter Bruegel el Viejo.

A partir del siglo XIX, se difunden nuevos estilos como el romanticis-

mo, el realismo, el impresionismo, el cubismo, el surrealismo, entre
otros. Estos estilos del arte, en especial, del dibujo, han aportado algu-
nas técnicas para expresar nuevos enfoques de la sociedad en la que
vivían e incluso nos ayudan a expresar cómo se está viviendo ahora.

8. La era moderna y el dibujo

Desde los inicios de la humanidad hasta la edad media, el dibujo ha
ido evolucionando, pero ya en inicios del Renacimiento, y con las nue-
vas técnicas de Leonardo Da Vinci, el dibujo otra pers-
pectiva, y ya es más especializada. Ahora, existen dos
tipos de dibujo, el artístico y el técnico. El primero clasificaba
los dibujos para expresar ideas estéticas, filósofas y abs-
tractas. El segundo es para representar la tipografía, la
arquitectura, edificios, entre otros. Ade- más, las técnicas
hacían uso de me- dios tradicionales como la tinta, el
grafito, el carbón, el lápiz de color, acuarela, etc.
Ahora, el dibu- jo ya no sólo se dibuja
en hojas de papel, o
lienzos, sino que
se convierte
en dibujos digitales, es de-
cir, puede ser plasmados en
los dispositivos digitales
como computadoras.
El primer pintor
neoimpresionista fue
Seurat, quien creó una nue-

42
va técnica, que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo que
el color sea más definido en la era digital.

En la década de los 90’s, estos dibujos podían editarse en dispositi-

vos o aparatos digitales, e incluso se podía imprimir miles de co-
pias. Desde la fecha, ya se puede conocer la ilustración y el dibujo
digital. Además, conocemos las animaciones 3D, que pueden ser
editados en diferentes programas de diseño. Las técnicas de las que
hacen uso en esta etapa moderna, dependen mucho de la particu-
laridad del artista y la corriente a la que pertenece. A inicios del
siglo XX surgen los movimientos de las vanguardias y cada una de
ellas impone una ruptura con el movimiento anterior, renovando
el estilo del arte mediante nuevas formas de expresión y puntos de
vista:

Los movimientos más importantes son:

8.1. El Futurismo:
Es el movimiento italiano que surge el 20 de febrero de 1909, en la
publicación del Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo
Tommaso Marinetti. Nace como un movimiento literario, pero
luego se expande a las diversas artes, entre ellas el dibujo. Como su
nombre lo dice, el futurismo es el ‘movimiento orientado hacia el

43
futuro’.

Hay un intento por expresar

los valores y experiencias
de la era de la máquina
como son la velocidad,
energía y fuerza. Por
ello sus dibujos rompen
con la tradición estéti-
ca al enfocarse en la
mecánica y el funcio-
namiento técnico de
los objetos. El elemen-
to protagónico fue el
tiempo y la exaltación
de la velocidad como
Belleza.

Algunos artistas de este movi-

miento son: Giacomo Balla, pintor
y escultor italiano; Umberto Boccioni,
pintor y escultor italiano; Carlo Carrà,
pintor, Gino Severini, pintor fran- cés, Luigi Russolo pintor y
compositor italiano y Antonio Sant’Elia, arquitecto italiano, Escri-
tor del Manifiesto de la arquitectura futurista.

8.2. El Cubismo:
Fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Se
le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artís-
tica en su sentido contemporáneo. Este movimiento establece, por
primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occi-
dental que se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de
belleza. Mientras que el cubismo consiste en la representación de la
realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos,
resultados del análisis y la síntesis. Los objetos se representan como
han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas
geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico,
la observación y el análisis.

44
Al- gunos artistas de este movimiento son: Pablo Pi-
casso, famoso pintor italiano; Juan Gris, pintor
e ilustrador español; André Derain, Pintor, ilus-
trador y escenógrafo francés; Albert Gleizes;
Fernand Léger y Georges Braque, todos ellos
importantes pintores franceses del siglo XX.

8.3. El Expresionismo:
Fue un movimiento artístico, cinema-
tográfico, musical y literario. Inició
como estilo pictórico en Alemania a
ini- cios del siglo XX, luego se expandió a
otras disciplinas hasta alcanzar su auge
entre 1905 y 1933. A diferencia de las “van-
guar- dias históricas”, el expresionismo no
tuvo un estilo unificado, sino un espíritu
crítico frente al nuevo orden occi-
dental. El desengaño y la crítica de
la época provocaron que el expre-
sionismo pusiera énfasis en la per-
cepción pesimista de la vida y el indi-
viduo contemporáneo, el rechazo a la composición premeditada y el
cuestionamiento de la belleza escultural. Por ello producen piezas que
ensalzan los rasgos y emociones humanas para
impresionar al público.

Algunos artistas de este movimiento son: Ed-

vard Munch, pintor noruego; James Ensor
pintor nacido en Bélgica; Emil Nolde, pin-
tor alemán; Ernst Barlach, escultor alemán;
Fritz Lang, cineasta nacido en Austria;
Ernst Krenek músico austriaco; Ígor Stra-
vinski músico ruso y Georg Heym, escritor
alemán.

45
8.4. El Surrealismo:
Surge en París, en el año
1924, cuando André Breton
escritor y poeta francés, escri-
bió un manifiesto después de enemis-
tarse con Tristan Tzara, líder del
movimiento dadaísta. El Surrealis-
mo es considerado la última de las
grandes vanguardias. Este movi-
miento pretendía superar la li-
mitación del inconsciente, per-
mitiendo que el subconsciente
se exprese a través del arte, por lo
cual, algunos artistas llegaron a ela-
borar obras en estados de trance e hip-
nosis, su objetivo era representar nuevos
mundos posibles de manera original y disrup- tiva.
Usaron la técnica del frottage, que consistía en pasar un lápiz sobre
una superficie rugosa, dando formas y texturas en el soporte para
crear una obra nueva.

Algunos artistas de este movimiento son: Max Ernst pintor y poeta

nacido en Alemania; René Magritte pintor nacido en Bélgica; Salva-
dor Dalí, famoso pintor, escultor, grabador, esce- nógrafo
y escritor español y Joan Miró, uno de los
influyentes artistas españoles, fue pintor, es-
cultor, diseñador, ceramista.

9. El arte digital
En la era contemporánea, el dibujo ya no
sólo se plasma en hojas de papel, o lien-
zos, ni se realiza sólo con lápices y gra-
fitos sino que se convierte en dibujos di-
gitales, es decir, puede ser plasmados en
los dispositivos digitales como computadoras. El primer pintor neoim-
presionista fue Seurat, quien en el siglo XIX creó una nueva técnica,
que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo que el color sea más
definido en la era digital.

Desde la década de los 90 ‘s, estos dibujos pueden ser editados en dis-
positivos o aparatos digitales, e incluso se pueden imprimir miles de
copias. Las técnicas que sobresalen son la ilustración y el dibujo digi-
tal, además de las animaciones 3D. Todos estos proyectos pueden ser
46
editados en diferentes progra-
mas de diseño como Adobe
Photoshop, Adobe Illustrator,
Indesing, Corel Draw, entre
otros. Solo basta ver un tuto-
rial o haber tomado un curso
de diseño digital.

Gracias a estos métodos y

programas es posible reali-
zar correcciones y mejoras
constantes de los dibujos, algo
que resultaba imposible en
las obras tradicionales. Tam-
bién permiten la exploración
de miles de técnicas y efectos
que hacen que el proceso crea-
tivo de trabajo sea siempre
único. Otro gran beneficio es
que puede agilizarse el tiempo de trabajo, generando veloces resulta-
dos que pueden ser apreciados masivamente. Este factor de tiempo ha
hecho que profesionales consideren llevar como parte de la formación
en marketing digital, curso de diseño para la gestión de contenido en
redes sociales, y así poder ser un experto community manager o espe-
cialista en marketing digital en general.

10. Elementos básicos del dibujo

Realizar un dibujo es todo un trabajo completo que requiere de cier-
tas nociones básicas y elementos que deben tenerse en cuenta para
poder representar las figuras y formas deseadas. Los elementos del
dibujo son:

10.1. Línea y punto:

Son los elementos principales para dar vida a los dibujos. El punto es
el elemento más sencillo y la línea está conformada por una sucesión
de puntos, puede ser recta o curva. De ambos, parte toda imagen.
Pueden elaborarse con cualquier herramienta como lápiz, pincel, cra-
yon, plumón, lápiz digital y otros.

10.2. Forma:
En su creación influyen las líneas y puntos ya que con ellos se pueden
configurar toda clase de formas, entendidos también como contornos,
superficies, planos. Existen cuatro grandes tipos de forma que se clasi-

47
fican en grupos: regulares e irregulares y artificiales y naturales.

10.3. Luz y sombra:

Son elementos utilizados para crear profundidad y agregar dimen-
sión al dibujo. Para que un dibujo parezca “realista” se necesita som-
bra porque en el mundo real todo tiene una sombra, al agregarlo
suma un poco de perspectiva al dibujo porque la sombra indica que
algo está delante y/o detrás del objeto que causaría una sombra.

10.4. Volumen:
Haciendo uso de las diversas formas de línea se crean volúmenes y se
construyen espacios. El volumen permite nombrar el espacio que ocu-
pa un objeto en el espacio. Comprende las dimensiones y magnitudes
físicas de largo, ancho y alto en los objetos del dibujo.

10.5. Proporción:
Este elemento se refiere al tamaño de un objeto de la imagen en rela-
ción con el tamaño de otro objeto de la imagen. Si una proporción es
incorrecta en un dibujo “no se ve bien”, pierde realismo ya que los juz-
gamos según lo que se conoce de ellos en particular. También ayuda a
darle equilibrio a los dibujos.

10.6. Perspectiva:
Sirve para generar la ilusión o efectos de que las cosas más lejanas
parecen más pequeñas y los objetos cercanos más grandes. Para hacer
que algo parezca estar más alejado del espectador que el plano de la
imagen debe ser dibujado más pequeño que el objeto que está más cer-
ca del plano de la imagen.

10.7. Textura:
Es parte de las características de cada superficie real, cuando la pode-
mos tocar o sugerida, cuando la podemos imaginar. Las texturas son:
lisas, blandas, rugosas, duras, ásperas, entre otras. Le agregan una
sensación de realismo a los dibujos a partir de diversos tipos de trazos.

10.8. Color:
Es un componente importante que puede o no estar presente, según las
formas y objetivos del dibujo. Este es uno de los elementos más impor-
tantes de las artes plásticas y visuales. Su aplicación puede cambiar
radicalmente la perspectiva de un dibujo, influyendo en la psicología
del observador.

11. Clasificación de los dibujos

48
Como te mencionamos antes, desde la edad moderna se dio un proceso
de profesionalización del dibujo en el que empezaron a distinguirse
distintos tipos. Según cuales son los objetivos de lo que se intenta re-
presentar o enfocar, el dibujo puede ser clasificado en los siguientes:

11.1. Dibujo artístico.

Los dibujos artísticos son usados para expresar ideas estéticas, filosó-
ficas y abstractas. Mediante este tipo de dibujo, es posible representar
las formas y el volumen de los objetos y personas según la mirada del
artista que los realiza. Los dibujos pueden ser completamente realistas
como los retratos, o también pueden representar ciertas figuras ima-
ginarias como las caricaturas.

11.2. Dibujo técnico:

Los dibujos técnicos se destinan a representar diversos objetos que
ayuden a facilitar información muy descriptiva sobre su diseño y que
resulten útil para su materialización. Parte de ellos son los dibujos
utilizados en la topografía, la arquitectura, edificios, entre otros. Es-
tos dibujos suelen realizarse en planos u otros soportes que permitan
tener un cálculo preciso de sus dimensiones. Para ello se recurre a
conocimientos sobre cálculos, proyecciones y perspectiva.

11.3. Dibujo geométrico:

Con este tipo de dibujo es posible realizar trabajos que requieren total
precisión y conocimiento en el uso de reglas para graficar objetos. El
dibujo exige gran exactitud y por ello recurre a conceptos de la geo-
metría y el uso de la regla y el compás, que son importantes herra-
mientas usadas para elaborar proyectos requeridos en arquitectura,
ingeniería, diseño, entre otros.

11.4. Dibujo mecánico:

El objetivo de este dibujo es representar a los elementos que son parte
de una máquina o de algunos aparatos. El dibujo mecánico se emplea
generalmente en planos de trabajo con la finalidad de detallar los
componentes de máquinas industriales o artefactos. Tiene un fin des-
criptivo y por ello recurre a la réplica para poder alcanzar una ilus-
tración precisa y lo más realista posible de los componentes.

11.5. Dibujo arquitectónico:

Se enfoca en representar las obras de arquitectura. Es un tipo de dibu-
jo importante ya que debe tener en cuenta la medición y medios que
puedan ayudar a la posterior elaboración de las obras que represen-
ta. Quien realiza un dibujo arquitectónico debe disponer de una clara
visión de los espacios, la infraestructura, la ubicación y los detalles.
49
Para ello se recurre a la técnica de la escala, con la cual representa
los objetos en reducción para que luego sean producidos en su esca-
la real.

12.6. Dibujo animado:

Principalmente, son dibujos realizados como secuencias visuales en
dos dimensiones. Su realización requiere un delicado proceso en el
que se dibuja escenas en fotogramas con los que se va componiendo
una animación final en movimiento. En los inicios de este tipo de
dibujo, se desarrolló la técnica de 2D (dos dimensiones), pero ac-
tualmente podemos encontrar obras en 3D, 4D y 5D, posibles gra-
cias a los avances en digitalización.

12.7. Dibujo a mano alzada:

Ese tipo de dibujo hace referencia a su técnica de elaboración.
Como herramientas solo suele requerir lápiz y papel, con los que
se pueden realizar diversos efectos de luminosidad, claridad, pro-
fundidad. Sin embargo, aunque parece sencillo, al no hacer uso de
otros elementos como reglas o compás, requiere de un gran dominio
de algunas técnicas: saber dibujar correctamente las líneas sin per-
der el pulso, hacer figuras en formas de círculos y arcos, aplicar la
técnica de curvas ovaladas, entre otras.

13. La importancia del dibujo para el ser humano

Vemos como toda la larga historia del dibujo es también una par-
te crucial de la historia de la modernidad. En su desarrollo se ha
ido recurriendo a diversas técnicas y formatos que van desde los
medios tradicionales como el lienzo o el papel, hasta los actuales
dispositivos digitales. Hablar del dibujo y sus transformaciones, es
hablar de la historia del ser humano.

El dibujo es un arte adaptativo, que ha ido cambiando según las

épocas, culturas y el estilo que cada artista impregna en sus obras.
Es también una forma especial de expresar los sentimientos e ideas
del artista. Eso implica que pasó de tener un uso netamente funcio-
nal, de comunicación, a tener un significado más estético y profun-
do, por ello ahora el dibujo sigue siendo una manera de expresar lo
que sentimos, lo que deseamos y es una muestra de la gran capaci-
dad de creación humana.

Por eso podemos resaltar que el gran impacto que el dibujo ha teni-
do en nuestras vidas se sigue manifestando y se puede reflejar en
algunos aspectos principales:

50
13.1. La libertad de pensamiento y expresión.
El ser humano tiene libertad de pensamiento y de expresión, es un
derecho indiscutible. Sin embargo, todo esto se mantiene en abstracto
sin un soporte que refleje cuan necesario es para nosotros el sentir y
darle una existencia a lo que sentimos y pensamos. En ese sentido el
dibujo nos ha abierto la puerta a una serie de artes que, en cada dis-
tinta época, nos permitieron y permiten trascender el tiempo y seguir
dándole existencia a nuestras creencias y emociones. Sin ese sustento,
gran parte de nuestra forma de vida, nuestras ideas y nuestra razón
de ser quedarían en el olvido. Sin el dibujo no hubiese sido posible co-
nocer parte del pasado, resguardar el presente y proyectar un futuro
posible

13.2. Tener claridad en la comunicación.

Como dijimos, sabemos que el ser humano tiene la capacidad de pen-
sar y sentir. Pero es necesario construir un modo común y entendible
de expresión que nos permita darnos a entender y entender a otros.
En ese intento de crear un lenguaje común, el dibujo se convierte en
una de las primeras formas de expresión palpable del pensamiento y
la imaginación. La representación gráfica y codificación del arte en
trazos, se convierte en una realidad, en un objeto transmisible que
permite la permanencia, dejar un legado histórico casi inmortal que
perdura en el tiempo y es entendible y resignificable por cada genera-
ción.

13.3. Impulsa la sensibilidad artística.

El dibujo puede ser considerado el punto de partida de toda expresión
artística y sobre todo del lado artístico del ser humano. Con el paso
del tiempo, ha sido posible desarrollar una gran sensibilidad artística
para poder interpretar o reinterpretar antiguas obras de la historia
humana. Desde los primeros registros pictóricos, hasta los más mo-
dernos proyectos digitales, el dibujo ha capturado y es el fiel reflejo de
una parte esencial de nuestras emociones y anhelos. Es por ello por lo
que es posible conmoverse profundamente al ver alguna obra o distin-
guir entre aquellas que tienen un impacto y significado más profundo
en nuestras vidas.

13.4. Promueve la invención y la imaginación.

El dibujo es una de esas bellas artes que inspira profundamente a las
personas. Gracias a este arte, el ser humano ha podido imaginar algo
increíble y dejar un registro de aquello que podía parecer imposible.
Muchas de estas obras que comenzaron en la mente de algún artista,

51
luego han inspirado a su materialización en las obras más increíbles e
importantes de la historia. El ser humano es capaz de imaginar cosas
inimaginables, por eso el dibujo es una fuente de inspiración inagota-
ble, que se renueva constantemente y nos sorprende. Se podría decir
que el mundo que tenemos ahora fue producto del dibujo de artista
que imagino que esto era posible.

Por ejemplo, algunos artistas han plasmado en sus lienzos lo que ellos
viven. Una de ellas es Frida Kahlo, quien plasmaba sus dolores físicos
y emociones en sus pinturas. Así como ella, hay varios ilustradores
que plas- man su
vida, sus emo-
ciones, y su
manera
de ver el
mundo.

52
53
La historia del comic

54
Historia del cómic: origen y evolución

Hay quien lo llama historieta, otros lo denominan

tebeo, pero en todo el mundo se conoce como có-
mic.
te explicamos la historia del cómic, quien es su in-
ventor y cómo ha ido evolucionando con el paso
del tiempo. Origen del cómic
Si somos estrictos, el origen de los cómics se re-
monta a miles de años. Desde que el ser humano
tuvo la necesidad de dibujar para poder explicar
una historia, aventura, acontecimiento o leyenda.

Alumbrado por la luz cimbreante de una hoguera,

un viejo cazador pintaba en el fondo de una cue-
va una secuencia de caza. Lo hacía con un tizón
acabado de
extraer del
fuego, hace
tal vez 14.000
años.
Fue el primero
de una larga
historia, pero
las pinturas
egipcias, las
vasijas grie-
gas, los fres-
cos romanos,
las pinturas eclesiásticas y los manuscritos medie-
vales que relataban las vidas de Jesús y de los san-
tos no se consideran historietas, y hay que esperar
a la sátira social y política para encontrar los ante-
cedentes reconocibles del cómic.

55
Al principio no son más que meras caricaturas o
dibujos para ilustrar una historia o pequeñas na-
rraciones sin solución de continuidad.
Quién inventó el cómic
Se considera a Thomas Rowlandson el inventor del
cómic en el año 1809. Rowlandson publica “Los
viajes del doctor Syntax”, tal vez el primer cómic o
aventura seriada de la historia en tener resonan-
cia, y en esa época hacen su aparición los bocadi-
llos parlantes.
La primera novela
gráfica se publica en
Suiza. Inspirado en
Rowlandson y ani-
mado por Goethe, el
suizo Rudolph Töpfer
publica en 1837 “Las
aventuras de Oba-
diah Oldbuck”, un
libro de cuarenta pá-
ginas con varios dibujos en cada página y los tex-
tos al pie de los mismos.

Le sigue el poeta y artista alemán Wilhelm Bush,

que en 1859 publica las primeras caricaturas en un
periódico, el Fliegende Blátter, y una famosa his-
torieta titulada Max y Moritz. En 1867 aparece Ally
Sloper, el primer personaje de historieta inglés,
creado por Charles Ross.

Sin embargo, según los cánones, el primer cómic

moderno publicado en el mundo, fue The Yellow
Kid (El chico amarillo), el 16 de febrero de 1896 en

56
el diario The World de Nueva York.
La razón es que
fue entonces
cuando se empe-
zó a usar la expre-
sión “cómic” para
definir la historie-
ta en sí, aunque de
manera popular.

No era la prime-
ra vez que se in-
cluían caricatu-
ras en los diarios
americanos, pues en 1754, Benjamin Franklín ya
había publicado en uno de ellos una serpiente con
la cabeza cortada acompañada de las palabras:
ÚNETE o MUERE, con la sana intención de amena-
zar a las colonias. Desde luego, no era una tira có-
mica.

El 12 de diciembre de 1897, el alemán afincado en

Estados Unidos, Rudolph Dirks, publica en The New
York Youmal la que se considera primera historieta
publicada en forma de tira cómica, The Katzenjam-
mer kids (Pim, Pam, Pum, en castellano), sobre dos
pillastres y su madre, mamá Kazenjammer.

Poco después, en 1889 se publicaba la primera his-

torieta de Francia, La familia Fenouülard, de Geor-
ges Colomb. Un año más tarde, el 14 de mayo de
1890 los ingleses sacan a la luz la primera revista
de cómic de su país con el nombre Comíc cuts.

57
Evolución del cómic
En la última década del siglo XIX, muchos periódi-
cos norteamericanos estaban publicando historie-
tas de media o una página incluso, pero pocas tie-
nen solución de continuidad o duran unos pocos
días a los sumo.

Se considera que Mutt and Jeff, de Bud Fisher, cuya

publicación se inicia el 15 de noviembre de 1907, es
la primera tira cómica de la historia del cómic pu-
blicada a diario con un éxito relevante, que le per-
mitió continuidad hasta 1982.

La tira empezó llamándose sólo A. Mutt, y se publica-

ba en las páginas deportivas, pero el alto y espiga-
do Mutt encuentra al rechoncho Jeff el 27 de marzo
de 1908 y se produce el flechazo. Inmediatamente,

58
ambos pasan a formar parte de la plantilla del San
Francisco Examiner, uno de los periódicos de Ran-
dolph Hearsth.

En 1910, aparece la revista The funnies, de publica-

ción mensual, que está formada únicamente por ti-
ras cómicas y que dará lugar en 1933 al primer libro
de cómic de la historia: Funnies on Parade.

Enseguida a
Funnies on Pa-
rade: a Cami-
val of Cómics, y
desde 1934, la
revista se pro-
ducirá quin-
cenalmente
con historie-
tas como Dick
Tracy y Pope-
ye, que había
aparecido por
primera vez en
1929.

Famous fun-
nies: a carnival
of cómics es el
primer cómic
en formato de
libro publica-
do en Estados
Unidos. Tenía
68 páginas y se vendía a diez centavos de dólar.

59
En cambio, en Europa la evolución del cómic seguía
un camino propio: en 1908 se editan en Italia las pri-
meras tiras cómicas en el Corriere dei piccoli, y en
Francia aparecen las aventuras de Pieds Nickeles,
los estafadores Croquignol, Filochard y Ribouldin-
gue, en el diario Le Journal.

En España, como se explica más abajo, la historieta

o cómic se inicia en Cataluña en 1904, con el Patufet,
pero no se publica la primera y verdadera revista de
cómic hasta 1917, con el TBO.

Lo demás es historia, aunque siempre hay un pri-

mero:

En 1926, aparece el primer Winnie the Pooh.

En 1929, aparece el primer Tintín (en el país de los
soviets).
En 1929, aparece Tarzán de los monos.
En 1930, nace Mickey Mouse.
En 1933, se publica el primer cómic en formato mo-
derno, Funnies on Parade, y enseguida Century of
Cómics, el primero en contener 100 páginas de his-
torietas.
En 1938, aparece Superman, pero los super-
héroes pertenecen a otra historia. Animales
en la historia del cómic
En 1910, el dibujante George Herriman, na-
cido en 1880 en Nueva Orleans, es contra-
tado por el New York Evening Journal,
donde se inicia con una tira cómica,
The Dingbat Family, la historia de
un oficinista, su mujer, sus hijos y

60
su gata.

Esta gata será el primer animal incorporado a un

cómic en tener éxito. El 26 de julio de ese año, el gato
aparece en solitario en una viñeta junto con un ra-
tón al pie de la tira de los Zingbats: Ignatz le tira una
pelota a Kat, primero de los instrumentos con los
que agredirá al gato a lo largo de su historia.

En 1912, la familia se va de vacaciones y dejan so-

los al gato y al ratón, y en 1913 se
publica por separado Krazy
Kat and Ignatz en forma
de tira vertical por
primera vez. Su éxi-
to sigue aumen-
tando y el gato
sigue ocupando
primeros pues-
tos: el 23 de abril
de 1916 se con-
vierte en el pri-
mer funny animal
en tener su propia
tira dominical en co-
lor, en la sección semanal
de Art & Scene.

E s e mismo año, el magnate

Randolph Hearst produce
el primer corto animado de Krazy
Kat y no tardará mucho en contra-
tar al dibujante de un modo vitali-
cio y darle libertad creativa.

61
Posteriormente, con el paso de los años aparecie-
ron cómics o tebeos de animales muy populares en
todo el mundo como el caso de Snoopy (1950) o Gar-
field (1978).
Historia del cómic en España
La aparición del cómic en España no tiene fecha cla-
ra, no obstante, se considera precursora a la revista
madrileña En caricatura, de 1865, que introduce en
este país la sátira política.
Aunque hay publicaciones, como La gaceta de los
niños, de los hermanos Arguelles, dedicada a los
menores, que exis-
te desde 1798, y que
incorporará dibu-
jos a sus historias
para niños. El dibu-
jante catalán Ape-
l·les Mestres (1854-
1936), formado en
Europa, será pre-
cursor en España
de un género que
proliferará en nu-
merosas publica-
ciones a lo largo del
siglo XIX, como las
revistas Granizada
y Madrid cómico,
ambas de 1880.

Aunque ninguna de
ellas es considera-
da un cómic, como

62
tampoco lo es Patufet, que aparece en 1904, pues las
historietas o cómics en catalán, no cubren la mitad
de su contenido.

La primera colección de tiras cómicas que se publi-

ca en España en forma de revista aparece en 1915,
con el nombre de Dominguín.

Ese mismo año aparece Charlot, pero son publica-

ciones de pocos números, y el verdadero impulsor
de cómic en España, que aún no se llamaba así, es
el TBO, publicado por primera vez el 17 de marzo de
1917 en Barcelona, por el asturiano Arturo Suárez.
Aunque su verdadero impulsor fue el catalán Joa-
quín Buigas Garriga. Que pasó a dirigirlo nueve nú-
meros después.

TBO, que dio nombre a todos los

tebeos, no tuvo un competidor
serio hasta la aparición de Pul-
garcito en 1921.

A continuación no dejaron de
aparecer tebeos en España,
como por ejemplo:

Pocholo, en el año 1931.

La revista de Mickey, en el año
1935.
Chicos, en el año 1938.
Roberto Alcázar y Pedrín, año
1940, el primero de los grandes
héroes del franquismo.
Mis chicas, en el año 1941, la pri-

63
mera revista de calidad para adolescentes.
El guerrero del antifaz, en el año 1944.
Hazañas Bélicas, año 1944.
Jaimito, en el año 1945.
Azucena, en el año 1946.
El Coyote, en el año 1947.
Florita, en el año 1949.
Diego Valor, en el año 1954.
El Capitán Trueno, en el año 1956.
El Jabato, en el año 1958 y muchas otras más…
Como curiosidad, Mortadelo y Filemón aparecen
por primera vez en el cómic Pulgarcito de la mano
de su creador Francisco Ibáñez en 1958, las histo-
rias largas vendrán en 1969, cuando ambos detec-
tives ingresan en la TIA. En 2003 se filmó la película,
dirigida por Javier Fesser.

64
Historia del cómic resumen
Si lo que necesitas es conocer una breve historia del
cómic resumida, seguidamente te la exponemos en
forma de cronología. Así, no te perderás ningún hito
histórico o acontecimiento importante de este in-
vento:

Año 1837: el suizo Rudolph Tópffer publica la pri-

mera la tira cómica de la historia:“Las aventuras de
Obadiah Oldbuck«.
Año 1842: «Las aventuras de Obadiah Oldbuck» se
convierten en el primer cómic book,“libro de histo-
rietas», publicado en Estados Unidos.
Año 1865: el 4 de abril, el poeta y artista alemán Wil-
helm Bush publica la historieta «Max und Moritz«.
Año 1867: Charles Roos y Marie Duval crean el pri-
mer personaje de cómic inglés: Ally Sloper.
Año 1889: el francés Georges Colombre publica la
primera historieta francesa: “La famille Fenoui-
llard”. Armand Colín lo publicará como álbum en
1893.
Año 1896: el 16 de febrero se publica en el Hearst New
York American (The World), de Estados Unidos,“The
Yellow Kid«, considerado la primera tira cómica
(comic strip), de la historia porque utilizaba los bo-
cadillos parlantes en boca de los personajes, crea-
da por Richard Felton Outcault. Nace oficialmente
el cómic americano.
Año 1897: el 12 de diciembre El New York Journal pu-
blica “The Katzenjammers kids«, del autor de ori-
gen alemán Rudolph Dirks, considerada por mu-
chos autores la primera tira de cómic verdadero,
aunque en general se valora como la segunda.
Año 1900: la palabra “comic” empieza a usarse en

65
Estados Unidos para definir a todas las tiras cómi-
cas, que antes se conocían como funniest.
Año 1907: el 15 de noviembre se publica la primera
tira cómica diaria,“Mutt and Jeff”, de Bud Fisher, la
primera tira cómica de éxito y con una cierta conti-
nuidad.
Año 1908: el Corriere dei Piccoli publica en diciem-
bre las primera tiras cómicas de Italia, destinadas a
los niños.
Año 1910: George Herriman crea el primer animal
que va a protagonizar un cómic, Krazy Kat.
Año 1915: aparece en España Dominguín, la prime-
ra revista de historietas.
Año 1917: empieza a publicarse TBO, la revista de
historietas que hace popular el cómic en España y
da nombre a los tebeos.
Año 1921: aparece en España la revista de cómics
Pulgarcito, la única capaz de competir con el TBO.
Año 1926: el británico Alan Alexander Milne publica
por primera vez las historias de «Winnie the Pooh«,
las aventuras de un oso y un niño.
Año 1929: este año aparecen “Tarzán de los monos»,
en una tira diaria, y “Buck Rogers«.
Año 1929: George Rémi, alias Hergé, publica la pri-
mera aventura de Tintín, Tintín en el país de los so-
viets, en el suplemento del diario belga Le vingtlié-
me siècle.
Año 1930: Mickey Mouse hace su aparición en un
corto sonoro en el cine.
Año 1931: se publica por primera vez el semanario
Pocholo, que intenta reproducir la estética realista
de los cómics americanos.
Año 1933: Funnies on parade, el primer cómic con
formato moderno.

66
Año 1934: primera tira cómica diaria en un diario
francés: «las aventuras del profesor Nimbus«.
Año 1934: nace el cómic de “Flash Gordon«.
Año 1935: aparece en España La revista de Mickey,
que contrata a los mejores dibujantes del país.
Año 1937: el 21 de abril el editor belga Jean Dupuis
publica por primera vez Le journal de Spirou.
Año 1938: la revista Action Comics publica por pri-
mera vez el 1 de junio las aventuras de Supermán.
Año 1940: se publica en Chicago “Brenda Starr«, el
primer cómic escrito por una mujer. Aparece en Es-
paña Roberto Alcázar y Pedrín, la primera revista de
historietas franquista.
Año 1941: se publica en España Mis chicas, la prime-
ra revista de calidad para adolescentes.
Año 1944: se inicia la saga de los “continuará” en Es-
paña con El Guerrero del Antifaz.
Año 1945: aparece por primera vez en blanco y ne-
gro Pif. Uno de los personajes más entrañables de la
historieta francesa. Creado por el refugiado espa-
ñol José Cabrero Amal. Pif estaba acompañado de
Tata, Tonton y Doudou. En enero de 1952 se revela-
rá por primera vez en color. En 1959 tendrá su pro-
pia revista Pif Gadget. Y en 1971, ésta alcanzará por
primera vez el millón de ejemplares vendidos de un
cómic europeo.
Año 1947: se publica por primera vez uno de los me-
jores cómics españoles: El Coyote.
Año 1948: aparece por primera vez la revista de his-
torietas Hazañas Bélicas, donde, curiosamente, los
alemanes se presentan como los buenos durante la
Segunda Guerra Mundial.
Año 1947: Lucky Luke ve la luz por primera vez en la
revista francesa Spirou.

67
Año 1949: el hombre que dispara más rápido que su
sombra, Lucky Luke, publica su primer álbum, La
mina de oro de Dick Digger.
Año 1950: Charlie Brown, Peppermint Patty, Shermy,
y un mes después, en octubre, Snoopy, The Peanuts,
la pandilla de “los cacahuetes” ven la luz en EE.UU.
Año 1956: se publica en España El Capitán Trueno,
escrito por Víctor Mora y dibujado por Ambrós.
Año 1958: curiosamente, este mismo año cobran
vida héroes muy opuestos: El Jabato, de la mano de
Víctor Mora, y Mortadelo y Filemón, de Francisco
Ibáñez.
Año 1959: aparece en Francia la revista Pilote. La
mejor de ese país, creada por Goscinny, Charlier y
Uderzo, y da sus primeros pasos Astérix el Galo.
Año 1960: se publica en Francia la primera revista
para adultos, Hara-Kiri.
Año 1962: Spiderman se cuela en el número 15 de la
revista Amazing Fantasy, de Marvel.
Año 1967: el italiano Hugo Pratt nos regala por pri-
mera vez las historietas de “Corto Maltese«.
Año 1986: Alan Moore y David Gibsons publican Waf-
chmen. El primer cómic en figurar como obra litera-
ria en un libro titulado 1001 libros que hay que leer
antes de morir (Grijalbo, 2006).
Año 1988: Alejandro Jodorowsky como guionista y
Moebius como dibujante empieza la publicación
de la serie El incal. Representa una nueva etapa en
el cómic de ciencia ficción.
Etimología de la palabra cómic
La palabra cómic deriva de la expresión inglesa
comic strip. Traducida al español significa literal-
mente “tira cómica”, también llamada técnicamen-
te funnies, derivada de la palabra funny, divertido o

68
cómico.

69
Art Nouveau

70
 Art Nouveau
1890–1905
Art Nouveau es un estilo internacional de arte, arquitectura y arte aplicado,
especialmente las artes decorativas, que fue muy popular entre 1890 y 1910.
Una reacción al arte académico del siglo 19, se inspiró en las formas y estruc-
turas naturales, en particular el líneas curvas de plantas y flores.

Inglés usa el nombre francés Art Nouveau (arte nuevo). El estilo está rela-
cionado con estilos que surgieron en muchos países de Europa al mismo tiem-
po, pero no idénticos: en Austria se lo conoce como Secessionsstil después
de Wiener Secession; en español Modernismo; en el modernismo catalán; en
la República Checa; en danés Skønvirke o Jugendstil; en alemán Jugendstil,
Art Nouveau o Reformstil; en húngaro Szecesszió; en el Art Nouveau italia-
no, Stile Liberty o Stile floreale; en noruego Jugendstil; en polaco Secesja;
en eslovaco Secesia; en ucraniano y ruso Модерн (Moderno); en sueco y finlandés
Jugend. En 1910, el Art Nouveau ya estaba fuera de moda. Fue reempla-
zado como el estilo arquitectónico y deco- rativo europeo dominante
primero por Art Deco y luego por Moder-
nismo.

Nombrando
Art Nouveau tomó su nombre
de la Maison de l’Art Nou-
veau (Casa del Arte Nuevo),
una galería de arte abierta en
1895 por el mar- chante de arte
franco-alemán Siegfried Bing
que presentó el nuevo estilo. En
Francia, el Art Nouveau tam-
bién fue llamado a veces por el
término británi- co «Estilo mo-
derno» debido a sus raíces en el

71
movimiento Arts and Crafts, Style moderne, o Style 1900. También a
veces se lo llamó Style Jules Verne, Le Style Métro (después de Hector
Entradas de metro de hierro y vidrio de Guimard), Art Belle Époque y
Art fin de siècle.

En Bélgica, donde comenzó el movimiento arquitectónico, a veces se lo de-

nomina Estilo nouille (estilo fideo) o Estilo coup de fouet (estilo latigazo).

En Gran Bretaña, era conocido como el Estilo Moderno, o, debido al

movimiento de Artes y Oficios dirigido por Charles Rennie Mackintosh
en Glasgow, como el estilo «Glasgow».

En Italia, debido a la popularidad de los diseños de los grandes almacenes

Liberty & Co de Londres (en su mayoría diseñados por Archibald Knox),
a veces se lo llamaba Stile Liberty («Liberty style»), Stile floral o Arte
nova (New Art).

En los Estados Unidos, debido a su asociación con Louis Comfort Ti-

ffany, a menudo se lo llamó «estilo Tiffany».

En Alemania y Escandinavia, un estilo relacionado surgió aproximada-

72
mente al mismo tiempo; se llamaba Jugendstil, después de la popular re-
vista de arte alemana de ese nombre. En Austria y los países vecinos,
entonces parte del Imperio austro-húngaro, surgió un estilo similar, lla-
mado Secessionsstil en alemán (húngaro: szecesszió, checo: secesion) o
Wiener Jugendstil, en honor a los artistas de la Secesión de Viena.

En España, el estilo relacionado se conocía como Modernismo, Mo-

dernisme (en catalán), Arte joven («arte joven»); y en Portugal Arte nova
(arte nuevo). Historia

Orígenes
El nuevo movimiento artístico tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en los
diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts,
fundado por los alumnos de Morris. Los primeros prototipos del estilo
incluyen la Casa Roja de Morris (1859) y la espléndida Habitación Pea-
cock de James Abbott McNeill Whistler. El nuevo movimiento también
fue fuertemente influenciado por los pintores prerrafaelistas, incluidos
Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones, y especialmente por
artistas gráficos británicos de la década de 1880, incluyendo Selwyn
Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert, y especial-
mente Aubrey Beards- ley.

En Francia, el estilo combinó varias tendencias

diferentes. En arqui-
el teórico e historiador
Viollet-le-Duc, un
arquitectónico histó-
libro de 1872, Entre-
cribió: «use los medios
dado nuestro tiempo,
que ya no son viables
mos inaugurar una nue-
tectura, fue influenciado por
de la arquitectura Eugène
enemigo declarado del estilo
rico de Bellas Artes. En su
tiens sur l’architecture, es-
y el conocimiento que nos ha
sin las tradiciones intermedias
hoy, y de esa manera pode-
va arquitectura». funciona su

73
material, para cada material su forma y su ornamento «. Este libro in-
fluyó en una generación de arquitectos, incluidos Louis Sullivan, Vic-
tor Horta, Héctor Guimard y Antoni Gaudí.

Los pintores franceses Maurice Denis, Pierre Bonnard y Édouard

Vuillard jugaron un papel importante en la integración de la pintura
de bellas artes con la decoración. «Creo que antes todo lo que una
pintura debe decorar», escribió Denis en 1891. «La elección de te-
mas o escenas no es nada. Es por el valor de los tonos, la superficie
coloreada y la armonía de las líneas que puedo alcanzar el espíritu y
despierta las emociones «. Todos estos pintores hicieron tanto pin-
tura tradicional como pintura decorativa en pantallas, en vidrio y en
otros medios.

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo: la ola de

entusiasmo por la impresión japonesa de bloques de madera, particu-
larmente las obras de Hiroshige, Hokusai y Utagawa Kunisada, que
se importaron a Europa a partir de la década de 1870. El emprende-
dor Siegfried Bing fundó un periódico mensual, Le Japon artistique
en 1888, y publicó treinta y seis números antes de que terminara en
1891. Influyó en coleccionistas y artistas, incluido Gustav Klimt. Las
característi- cas estiliza-
das de los estampados
japoneses aparecieron
en gráficos Art Nou-
veau, porce- lana, joyería
y muebles.

Las nuevas tecnologías

en impresión y publicación
le permitie- ron a Art
Nouveau llegar rápida-
mente a una audiencia

74
global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en
color, desempeñaron un papel esencial en la popularización del nuevo
estilo. El estudio en Inglaterra, Arts et idèes y Art et décoration en
Francia, y Jugend en Alemania permitieron que el estilo se extendie-
ra rápidamente a todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley
en Inglaterra, y Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec y Fé-
lix Vallotton lograron reconocimiento internacional como ilustradores.

Con los carteles de Jules Cheret para la bailarina Loie Fuller en

1893, y de Alphonse Mucha para la actriz Sarah Bernhardt en
1895, el póster se convirtió no solo en publicidad, sino en una forma
de arte. Toulouse-Lautrec y otros artistas lograron el estatus de ce-
lebridad internacional.

Maison de l’Art Nouveau (1895)

El comerciante y editor de arte franco-alemán Siegfried Bing jugó
un papel clave en la publicidad del estilo. En 1891, fundó una revis-
ta dedicada al arte de Japón, que ayudó a
publicitar el japonismo en Europa. En 1892,
organizó una exposi- ción de siete artistas,
entre ellos Pierre Bon- nard, Félix Vallotton,
Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec y
Eugène Grasset, que incluía pintura moder-
na y trabajos decorati- vos. Esta exposición
se presentó en la So- ciété nationale des
beaux-arts en 1895. En el mismo año, Bing
abrió una nueva gale- ría en el 22 de la rue
de Provence en París, la Maison de l’Art Nou-
veau, dedicada a nuevas obras tanto en la multa
y Artes Decorativas. El interior y los mue-
bles de la galería fueron diseñados por el arqui-
tecto belga Henry Van de Velde, uno de los
pioneros de la arquitec- tura Art Nouveau. La

75
Maison de l’Art Nouveau mostró pinturas de Georges Seurat, Paul
Signac y Toulouse-Lautrec, vidrio de Louis Comfort Tiffany y Emi-
le Gallé, joyas de René Lalique y carteles de Aubrey Beardsley. Las
obras que se muestran allí no eran para nada uniformes en estilo. Bing
escribió en 1902, «Art Nouveau, en el momento de su creación, no as-
piró de ninguna manera a tener el honor de convertirse en un término ge-
nérico. Era simplemente el nombre de una casa abierta como un punto
de reunión para todos los jóvenes y ardientes artistas impacientes por
mostrar la modernidad de sus tendencias «.

Principio de la arquitectura Art Nouveau (1893-1898)

Las primeras casas de estilo Art Nouveau, el Hôtel Tassel de Victor
Horta y la casa Bloemenwerf de Henry Van de Velde, fueron construi-
das en Bruselas en 1893-1895. Tanto Horta como Van de Velde di-
señaron no solo las casas, sino también toda la decoración de interiores,
muebles, alfombras y detalles arquitectónicos.

Horta, un arquitecto con entrenamiento clásico, diseñó la residencia de

un prominente químico belga, Émile Tassel, en un sitio muy estrecho y
profundo. El elemento central se convirtió en la escalera, debajo de un
tragaluz alto. Los pisos estaban sostenidos por esbeltas columnas de
hierro, como los troncos de los árboles. Los suelos y paredes de mo-
saico estaban decorados con delicados arabescos en formas florales y
vegetales, que se convirtieron en la firma más popular del Art Nouveau.

Van de Velde formó un diseñador, no un arquitecto, y colaboró ​​con un

arquitecto en el plan de la Bloemenwerf, la casa que él mismo construyó.
Se inspiró en el movimiento británico Arts and Crafts, en particular en
la Casa Roja de William Morris, y como ellos diseñó todos los aspectos
del edificio, incluidos los muebles, el papel tapiz y las alfombras.

Después de visitar el Hotel Tassel de Horta, Héctor Guimard cons-

truyó el Castel Béranger, el primer edificio de París con un nuevo estilo,

76
entre 1895 y 1898. Los parisinos se quejaban de la monotonía de la arquitec-
tura de los bulevares construidos bajo Napoleón III por Georges-Eugène
Haussmann. Recibieron el estilo colorido y pintoresco de Guimard; el Castel
Béranger fue elegido como una de las mejores fachadas nuevas en París, lan-
zando la carrera de Guimard. Guimard recibió el encargo de diseñar las entra-
das para el nuevo sistema de metro de París, que llevó el estilo a la atención de
los millones de visitantes de la Exposición Universal de 1900 en París.

Paris Exposition universelle (1900)

La Exposición Universal de París 1900 marcó el punto más alto del
Art Nouveau. Entre abril y noviembre de 1900, atrajo a casi cincuen-
ta millones de visitantes de todo el mundo y exhibió la arquitectura, el di-
seño, la cristalería, el mobiliario y los objetos decorativos del estilo. La
arquitectura de la Exposición era a menudo una mezcla de arquitectu-
ra Art Nouveau y de Bellas Artes: la sala de exposiciones principal, el

77
Grand Palais tenía una fachada de Bellas Artes sin relación con la
espectacular escalera Art Nouveau y la sala de exposiciones en el in-
terior.

La Exposición destacó particularmente a los diseñadores franceses,

quienes hicieron todos los trabajos especiales para la Exposición: cris-
tal y joyas de Lalique; joyas de Henri Vever y Georges Fouquet; Vidrio
Daum; la Manufacture nationale de Sèvres en porcelana; cerámica de
Alexandre Bigot; lámparas de cristal esculpidas y jarrones de Emile
Gallé y Louis Comfort Tiffany y Company de los Estados Unidos;
muebles de Édouard Colonna y Louis Majorelle; y muchas otras fir-
mas destacadas de artes y artesanías de toda Europa y el mundo. En
la Exposición de París de 1900, Siegfried Bing presentó un pabellón
llamado Art Nouveau Bing, que presentaba seis interiores diferentes
totalmente decorados en el estilo.

Si bien la Exposición de París fue de lejos la más grande, otras expo-

siciones hicieron mucho para popularizar el estilo. La Exposición Uni-
versal de Barcelona de 1888 marcó el comienzo del estilo modernista
en España, con algunos edificios de Lluís Domènech i Montaner. La
Esposizione internazionale d’arte decorativa moderna de 1902 en Tu-
rín, Italia, exhibió a diseñadores de toda Europa.

78
Todas hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre
y moderno. Una vez más, y como todos los movimientos, una ruptura con lo
anterior, teniendo presente una idea clara: «el futuro ya ha comenzado»

Se valora lo artesanal aunque sin renunciar a los avances industriales, y se

repira una aspiración de democratizar la belleza o socializar el arte. Para ello
se potenció la idea de que hasta los objetos más cotidianos deben tener
un valor estético, además de ser accesibles a toda la población. Por eso
empiezan a hacerse visibles todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana,
incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos,
estaciones de metro, farolas, papeleras, urinarios​…).

Desaparece así la jerarquía de artes mayores y menores. Tiene el mismo

valor un edificio que una joya, un cartel que un cuadro. De hecho, los pro-
pios artistas realizan los marcos para sus cuadros, los arquitectos diseñan
también los muebles.

Estéticamente hay una evidente inspiración en la naturaleza: vegetales y las

formas orgánicas se entrelazan con el motivo central; la línea recta no intere-
sa, se prefieren las curvas y la asimetría; todo es más sensual, buscando com-
placer a los senti- dos.

Es así que flores, hojas, tallos retorci-

dos, insectos, cabe- llos femeninos, relle-
nan todo el espacio (horror vacui).

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