REALISMO
El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fue la representación objetiva
de la realidad basada en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la
época. Esta contemporaneidad facilitó a los artistas un amplio campo de representación entre
1840 y 1880.
El origen del Realismo
El Realismo surge después de la Revolución Francesa en 1848, período en el cual el arte
abandona los temas políticos y se basa casi completamente en los temas sociales de la época.
Desde este momento las obras se basaron en ilustrar la realidad histórica. Por lo tanto, a
diferencia de otros estilos artísticos, este movimiento no copia objetos religiosos o mitológicos.
Los avances tecnológicos de la época posterior a la segunda revolución industrial también se
encontraron vinculados con este movimiento.
Revoluciones de 1848
Además, el realismo contaba con mucho compromiso social, ya que este plasmaba y abordaba
temas que habían sido ignorados hasta el momento.
Así, contaban con una gran variedad de temáticas, como laborales, familiares, paisajes urbanos
y rurales, obras intimistas, entre otras.
A través de estas obras el realismo se acercó a la fotografía, ya que transmitía sensaciones de
vitalidad, nuevos enfoques e instantaneidad.
Asimismo, el realismo se basa completamente en los detalles, principalmente en la
concentración de todos los rasgos esenciales y típicos de las labores que presentaban en sus
trabajos.
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
El realismo en América
A su vez, el realismo en las artes plásticas se extendió por América Latina, generando un gran
impacto social.
Para esa época, esta clase de manifestación artística no era muy conocida en la región. Con este
movimiento artístico, se dieron a conocer algunos de los más destacados artistas de la época
que posteriormente se convirtieron en un icono del realismo artístico.
Asimismo, este movimiento fue de gran importancia para la sociedad ya que mediante a las
obras se mostraron muchas de las injusticias y fuertes realidades de la época. Los artistas pedían
justicia para las personas que eran víctimas de dichas situaciones.
Realismo en el arte
Pintura realista
Surge como reacción a la pintura romántica. En un contexto de industrialización, el artista toma
conciencia de las consecuencias de la misma y asume y denuncia los problemas sociales
derivados a través de sus obras. El arte es un “medio” para denunciar la realidad.
La fotografía ya hacía sus primeras apariciones cuando el realismo se convirtió en la escuela
imperante, por lo que de un modo u otro se aspiraba a una exactitud, objetividad y nivel de
detalles en el arte que nunca antes habían sido posibles, gracias a las innovaciones científicas, y
que en el caso de la pintura y la escultura, derivaron luego en el hiperrealismo del siglo XX.
Alejándose de los motivos románticos, el arte realista apuntó a una perspectiva local,
costumbrista, que coincidió además con el surgimiento de numerosos movimientos
nacionalistas en la Europa del siglo XIX. Obviamente, sus pinturas son siempre figurativas,
lejanas a la abstracción, y sus motivos siempre explicables en términos laicos, casi científicos
Características
En la pintura realista destacan las siguientes particularidades:
• Denuncia de las secuelas de la industrialización.
• Pérdida del deseo de evasión del Romanticismo para centrar la atención en la realidad
objetiva y el presente.
• El hombre aturdido por su trabajo abrumador es un tema frecuente en las obras.
• Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser
objeto de atención por parte del escritor, desde los más heroicos hasta los más
humildes.
• Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes sociales
(preferentemente urbanos, y minuciosamente descritos).
• Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al
lector para comentar sus comportamientos
• El estilo sobrio, preciso y elaborado.
• Las acciones de las novelas responden a hechos verosímiles localizados en lugares
concretos y reales.
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
Realismo en la antigüedad
El Renacimiento impuso el realismo como
forma imperante en la escultura y pintura.
El realismo puede hallarse en diversas
etapas del arte humano, incluso en formas
tan antiguas como las pinturas
rupestres de la cuevas de Altamira, en
donde bisontes prehistóricos eran
pintados en su máxima complejidad de
detalle, aprovechando incluso la forma de
las rocas para brindar al espectador una
sensación tridimensional de realidad.
Esto está presente también en numerosas
formas de
escultura griega y romanas antiguas, así como en cierta pintura medieval que, heredera de esta
tradición, procuró representar el sufrimiento de sus santos y mártires de la manera más realista
posible.
Tipos de realismo
Realismo Pictórico: Fue una corriente artística que se desarrolló a mediados del Siglo XIX y
que alcanzó su máximo esplendor en Francia. Se caracteriza por que los artistas dejaron a un
lado los temas sobrenaturales y se centraron en temas más corrientes como la vida cotidiana.
Realismo Socialista: Fue una corriente estética cuyo propósito fue llevar los ideales del
comunismo al terreno del arte. Generado en la Unión Soviética en la década del 1930 hasta
1991. Su objetivo es exaltar al trabajador común como algo admirable.
Representantes
Los principales representantes del realismo francés en la pintura son Daumier, Courbet y Millet.
Honoré Daumier (1808-1879)
Fue pintor, escultor y caricaturista francés
que destacó por la creación de obras críticas
y satíricas sobre la sociedad francesa del
siglo XIX. En sus litografías Daumier se puso
del lado de los más desfavorecidos, de las
clases trabajadoras y entró en conflicto con
la clase política.
Honoré Daumier: El vagón de tercera clase.
1864. Metropolitan Museum of Art, Nueva
York.
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
Gustave Courbet (1819-1877)
Nació en Francia y fue el máximo representante del realismo. En su obra los temas más
recurrentes estuvieron vinculados con la vida cotidiana: el trabajador y el trabajo, la ciudad y
sus calles, la mujer y la muerte.
Él sentó las bases de este movimiento en la década de 1840, cuando comenzó a retratar a
campesinos y trabajadores a gran escala, algo típicamente reservado para temas religiosos,
históricos o alegóricos.
Antes de Courbet, los pintores no retrataban las escenas tal como las veían; en cambio, las
idealizaban, borrando virtualmente cualquier defecto o imperfección. Para Courbet, este
enfoque era perjudicial para la pintura, ya que eliminaba cualquier sentido de individualidad.
“Es la sociedad en su
mejor estado, en su
peor estado, en su
estado promedio”, dijo
de su práctica. “En
resumen, es mi forma
de ver a la sociedad con
todos sus intereses y
pasiones. Es el mundo
entero viniendo a mí
para ser pintado”.
Gustave Courbet: Entierro en Ornans. 1849. Museo de Orsay, París.
Jean- François Millet (1814-1875)
Procedía de una familia humilde de campesinos. La naturaleza y el paisaje son elementos que
estuvieron presentes en su obra. En ella mostró la vida de los campesinos y la gente humilde en
una jornada laboral dura.
Al igual que Courbet, Jean-François Millet también optó por incluir a la clase obrera en sus
pinturas. Como vivía en la Francia rural, recurrió una y otra vez a los agricultores como su sujeto
principal. “Los temas campesinos son
los que mejor se adaptan a mi
naturaleza”, dijo, “porque debo
confesar que el lado humano es lo que
más me conmueve en el arte”.
Además de ser un pintor realista de
primer orden, Millet también es
conocido por su papel en la fundación
de la escuela de Barbizon—un grupo
de artistas que se unió para desafiar el
dominio del Romanticismo.
Jean- François Millet: Las espigadoras. 1857. Museo de Orsay, París.
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
HONORÉ DAUMIER
Honoré Daumier fue un pintor, grabador, escultor y caricaturista que utilizó su talento para
hacer una crítica de la política de la Francia contemporánea.
A diferencia de la obra de Courbet y Millet, el arte de Daumier—sobre todo sus caricaturas
políticas—suele tener un trasfondo subjetivo y exagerado. Sin embargo, su obra ofrece una
visión reveladora de la vida en la Francia del siglo XIX.
Rosa Bonheur, “Arando en el Nivernais” (1849) (Foto: Google Arts & Culture vía Wikimedia
Commons Dominio
Influencia
Como resultado del éxito del realismo en Europa, los artistas estadounidenses adoptaron el
mismo enfoque poco después de su
aparición. Su influencia es
particularmente evidente en los
retratos no idealizados de Thomas
Eakins, los estudios reveladores de
Edward Hopper sobre la vida moderna
de la ciudad y en la insistencia de
James Abbott McNeill Whistler de
hacer “arte por el arte”.
Edward Hopper, “Nighthawks” (1942)(Foto: Art Institute Chicago vía Wikimedia
Commons Dominio público)
Además, el Realismo inspiró directamente a importantes movimientos del arte contemporáneo,
incluyendo el fotorrealismo y el hiperrealismo.
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
ESCULTURA DEL REALISMO
Tendrá mucho menor desarrollo que la pintura, permaneciendo generalmente dentro del
academicismo.
La burguesía conservadora, cliente de los artistas, mostrará interés en adornar las ciudades con
esculturas monumentales en edificios y jardines, realizadas en materiales nobles (bronce y
mármol). También adornará el interior de sus casas con esculturas de pequeño tamaño, no sólo
de bronce y mármol sino de terracota y cerámica.
Los temas preferidos serán el retrato, generalmente bustos inspirados en los romanos y
renacentistas, y los animales, así como los de carácter social.
En la escultura realista se impuso una mayor voluntad de perfeccionamiento en la captación del
detalle, tanto en los rostros como en los cuerpos. Los escultores realistas mostraron gran
preocupación por cuestiones sociales, como el trabajo, el esfuerzo o la vida cotidiana.
Se caracteriza por ser la más ajustada aproximación a lo natural, que en escultura se calibra por
la semejanza con el modelo, las manifestaciones escultóricas representan, las vicisitudes de los
estilos históricos, que tuvieron una inclinación a la ruda firmeza y tensión del primitivo
renacimiento italiano
François-Auguste-René Rodin
(París, Francia; 12 de noviembre de 1840 - Meudon, Francia; 17 de noviembre de 1917)
Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux
en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis
Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a
los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida.
Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la
vida como ayudante de decoración, compaginando el
trabajo profesional con su dedicación a la escultura.
Su primera obra, El hombre de la nariz rota, tuvo muy
malas críticas en el Salón de 1864, hasta el punto de ser
rechazada por considerarse inacabada e incompleta.
Rodin incorporaba en esta escultura el modelado
espontáneo y expresivo que habría de caracterizar toda su
obra posterior.
Algunas de sus caracteristicas eran:
-Se interesa por la naturaleza y el ser humano
- Mezcla acabados perfectos con zonas poco pulidas e incluso en bruto por las que resbala la luz
dando grandes contrastes y creando texturas
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
- Las figuras las representa llenas de movimiento y volumen con el objetivo de darles vida
- Modelaba con los dedos para dar mas rugosidad a las superficies. Técnica que junto con lo
inacabado de las formas sugiere más vitalidad y la posibilidad de incorporar juegos lumínicos en
la escultura.
- Los materiales más utilizados era bronce y mármol
Rodin supo persistir en el realismo otorgándole una nueva dimensión escultórica, en un intento
por descubrir nuevas posibilidades en la estructura de la figura. La obra madura del escultor está
vinculada a los principios fundamentales del impresionismo, pues tiende a representar el poder
de los elementos naturales. Tanto los impresionistas como el propio escultor emplearon la luz
en sus obras. Las alusiones literarias, así como el desacuerdo y la despreocupación en el arte de
Rodin están también relacionados con el impresionismo.
OBRAS
Es una de las esculturas más famosas de Auguste Rodin. El
escultor concibió esta pieza entre 1881 y 1882 para decorar el
tímpano del conjunto escultórico La Puerta del Infierno. Esto
serviría como entrada para el que sería el Museo de Artes
Decorativas de París, aunque el proyecto no se concluyó.
La figura está llena de vigor y fuerza expresiva. Para conseguir el
movimiento imprime gran tensión anatómica dinamizando las
formas con una gran fuerza interior.
El escultor ha roto con el academicismo imperante:
Sus formas anatómicas están exageradas en busca de una mayor
expresividad.
El gusto por lo no acabado y la importancia de la luz enlazan la obra con el impresionismo
escultórico.
El artista quiso simbolizar la expresión del pensamiento torturado, una reflexión sobre el destino
trágico de la Humanidad.
Realizada a partir de 1881. Inspirada en el Infierno del poeta italiano Dante Alighieri, fue una de las
obras que más contribuyó a la afirmación de Rodin como artista.
La composición revela características distintivas de Rodin:
La no utilización de un punto de vista único
La idea de que todo es cambiante, de que la obra no es igual según el lugar desde donde sea
apreciada
La estética de los inacabados
El contraste entre superficies lisas y rugosas
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
LA CATEDRAL EL BESO
Fue concebida en 1908, la obra tiene una altura de 62.3 cm, ancho de 28.8 y profundidad de
31 cm. Esta fue elaborada en piedra, y dejando aparentes las huellas de las herramientas, y
posteriormente se realizaron vaciados en bronce de la misma.
Reúne en una misma obra dos manos derechas, que pertenecen a dos figuras distintas. Unas
delicadas y estilizadas manos, que se abrazan suavemente y cuyos dedos apuntan hacia el
cielo, quizá de ahí deriva su nombre. En un primer momento se le nombró como El arco de la
alianza en alusión a la armonía de la
comunicación representada por las dos
manos derechas de dos seres humanos.
Posteriormente se le dio el título de La
catedral después de la publicación de Las
catedrales de Francia, escrito por Rodin.
Francois Rude (1784-1855)
Su escultura más conocida es La marcha de
los voluntarios (La Marsellesa); es una obra
clásica y realista, aunque fue criticada por la
excesiva naturalidad. Es una obra que critica
a la milicia y la nueva actitud hacia los
conflictos. Se aprecia que los supuestos
voluntarios parecen arrepentidos, llevados
por la fuerza.
La Marsellaise 1833-1836
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
Arquitectura realista
Arquitectura y realismo La arquitectura realista trataba de adaptarse al nuevo contexto social.
Con tendencia a volverse realista o científica, la arquitectura e ingeniería buscan responder a las
nuevas necesidades urbanas generadas por el proceso de industrialización. Las ciudades no
exigen de ricos palacios y templos. Ellas necesitan de nuevos edificios con funciones específicas,
como fábricas, almacenes, estaciones ferroviarias, tiendas, bibliotecas, escuelas, hospitales y
hoteles, ya fuera para los propios trabajadores como para la nueva burguesía.
Los historiadores han sugerido un choque entre lo “realista” y lo “no realista” en la arquitectura
del siglo XIX, considerando a lo realista como el origen de lo moderno de este siglo.
Podemos distinguir claramente algunas diferencias entre lo que es realista y lo que no es; por
ejemplo lo realista se basa en lo científico, trata de usar un vocabulario funcional, busca la
sencillez y se apega a la realidad. En lo que arte se refiere se utiliza el hierro, la forma pura,
representa la actualidad y tiene un estilo moderno.
La principal exigencia de la arquitectura realista es mostrar las cosas tal y como son, por ejemplo
hacer una escuela y darle las características, espacio, color, forma, etc., necesarias para que lo
aparente y no se confunda con otro tipo de edificio.
Pero a finales del siglo XIX las estructuras, estilo y cualidades realistas empezaron a modificarse
como una unidad integral. Varias de sus características empiezan a tomar un significado
totalmente diferente, por el otro lado empiezan a surgir distintas manifestaciones del realismo,
como el impresionismo.
En cuanto a la arquitectura realista, los principales elementos y características a usar fueron los
siguientes:
• La sencillez
• Vocabulario funcional
• Científico
• Hierro y cristal
• Forma pura
• Actual
• Estilo moderno
Las obras arquitectónicas debían revelar su función y no integrar elementos que pudieran
confundir con lo que en realidad era la obra. Esto por supuesto, causó diversos problemas pues
era difícil para los artistas representar algo que significara lo mismo para todos y por ésta razón,
es difícil encontrar piezas arquitectónicas de éste movimiento.
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
VÍCTOR BALTARD (1809 – 1874)
Carasterístico por edificios pétreos y del nuevo tipo de
construcciones de hierro, con una nueva concepción estéctica
apreciada en obras como:
Haltar centrales, el Gran mercado, la iglesia de San Agustín,
con sus bóvedas cupuliformes, sostenidas por estructuras de
hierro.
Gustave Eiffel.
Que eleva sus 300 otros férrea estructura,
sobre la gran ciudad. Representa un gran
triunfo por el empleo sistemático y
consecuente de las formas constructuctivas
metálicas, como creación monumental La
Torre Eiffel. (1889)
Jaques Ignace Hittorff (1792-1867)
Originario de Alemania, pero con
actividad en Francia la mayor parte de
su vida. A veces usó colores
desvanecidos, fue un teórico
racionalista y por ello empleó el hierro
en lámparas y estatuas de fuentes. Una
de sus obras más célebres es la
reconstrucción de la Estación del Norte.
La Station du Nord 1846
Henri Labrouste (1801-1875)
Estudió en la escuela de Bellas Artes de París. Sus obras más célebres son la Biblioteca Nacional
y la de Santa Genoveva; esta última se caracteriza por la estructura metálica, sostenida por
delgadas columnas. Bajo encargo de Napoleón III construye la Biblioteca Nacional y puede
considerársele como la primera obra de la arquitectura moderna.
Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
La Biblioteca de Santa Genoveva 1838-1850
Louis Sullivan
La tendencia a ahorrar espacios se convirtió en la
necesidad de edificios más altos, pero a la vez eran
costosos. Con los nuevos materiales como el acero
se obtenían múltiples ventajas como un mejor
soporte longitudinal y una mayor resistencia. Así
surgen los rascacielos que de la mano con los
elevadores ofrecen muchos pisos con espacios para
cualquier uso imaginable. Louis Sullivan construye
uno de los primeros rascacielos que, aunque no es
alto, se vale de distintos elementos arquitectónicos
para darle una apariencia más vertical.
Guaranty Building, 1894-1896
REFERENCIAS.
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Docente: Lic. Anabelit Rioja León.
