14.curso Dibujo Avanzado

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Avanzado
HABILIDADES EN DIBUJO
CURSO DE EXCELENCIA ARTÍSTICA
BARRINGTONBARBER
Este libro electrónico con licencia para michelle grieco. La reproducción o distribución no autorizada de este libro electrónico es ilegal.
Avanzado
HABILIDADES EN DIBUJO
un curso de excelencia artística
Barbero barrington
-
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Contenido
Introducción 7
Dibujando de los Maestros 15
La experiencia del dibujo 47
Forma y forma 79
Evaluar lo que funciona 111
Estudiando la vida desde la naturaleza 127
Extremos de expresión 165
Estilos y técnicas 177
Apreciación artística 205

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200 años de conocimiento
Cómo
icolas-Jacques Conté nació en Sées (Normandía)

norte
en 1755. Rápidamente se entusiasmó por la
pintura ya los 20 años se fue a estudiar a París,
donde pintaría retratos de la familia real francesa
entre otras obras. Estuvo muy cerca de los grandes
científicos de su época y conoció a los hermanos
Montgolfier, inventores del globo aerostático en
1783, cuando realizó experimentos con los globos
aerostáticos, ya que seguía dividido entre la pintura
y las ciencias.
La Revolución Francesa lo obligó a cambiar de profesión en
1789. Se convirtió así en un talentoso inventor en muchos campos.
Llevó a cabo diversas actividades de investigación, algunas de las
cuales se referían a crayones y plomo negro. De hecho, los
crayones genuinos empezaron a escasear. Al ser un pintor que
carecía de las herramientas profesionales vitales, Conté encontró
esta situación inaceptable.
En 1794 Conté inventó el lápiz de mina, también
conocido como lápiz de grafito. La empresa Conté se
benefició de este invento y pudo desarrollar un saber
hacer industrial excepcional en el campo del dibujo, la
escritura y el pastel.
En enero de 1795 presentó la patente no 32 y montó
una fábrica de lápices. Pintor autodidacta, químico,
médico, piloto de globos aerostáticos e inventor,
Nicolas-Jacques Conté falleció en París en 1805.
Hoy, el espíritu pionero de Nicolas-Jacques
permanece dentro de la empresa Conté À Paris. Sus
productos para dibujar y dibujar son reconocidos por la
calidad de artistas de todo el mundo.
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Introducción
Para aprovechar al máximo este libro, deberá estar familiarizado con las prácticas básicas de
dibujo que presenté en Los fundamentos del dibujo. Si ha usado ese libro, o siente que sabe lo
suficiente sin consultarlo, bienvenido a la siguiente etapa interesante del dibujo. Aunque
utilizamos el término "avanzado" en el título, el libro no está dirigido a profesionales, sino a
artistas que todavía aspiran a trabajar y que han trabajado mucho y quieren desarrollar aún
más sus habilidades.
Si todavía usa los ejercicios del último libro como herramientas de práctica, es muy
recomendable. En este libro, pretendo animarte a profundizar más en el arte del dibujo y
aportar un enfoque más investigador a lo que haces. Este enfoque nos enseña a no
dejarnos intimidar por las dificultades, porque se pueden superar con un poco de
perseverancia y mucha práctica. Si ahora dibuja bastante bien y ha demostrado su
habilidad por sí mismo, es bastante fácil de mejorar, incluso si los pasos adicionales que
debe seguir parecen ser difíciles al principio.
Entonces, la primera lección de este libro se hace eco de los temas recurrentes de la
última: practique regularmente y no le importe cometer errores en el proceso. Los errores no
son malos siempre que los corrija tan pronto como los vea. Descubrirá que evaluar su
capacidad le ayudará a ser más objetivo en su trabajo. Sin embargo, este nuevo conocimiento
no sucederá de la noche a la mañana, así que tenga paciencia. Y recuerda: el tiempo que
dedicas a modificar tus dibujos para mejorarlos nunca se pierde; así es como mejorarás tus
habilidades.
Hacer contacto con otras personas que también están tratando de convertirse en
mejores artistas también ayudará a tu progreso. Dibujar no es un ejercicio privado sino público,
así que muestre su trabajo a otras personas. Puede que no sea del agrado de todos y es posible
que deba tragarse las críticas que hacen mella en su orgullo. Si esto sucede, mire su propio
trabajo nuevamente con un ojo más objetivo y vea si esas críticas están justificadas. Por
supuesto, no todas las críticas son correctas. Pero normalmente sabemos cuándo es y cuándo
es, debemos actuar en consecuencia. Tus mejores críticos serán otros estudiantes de arte
porque hablan desde su propia experiencia. Si conoces a algún artista profesional, habla con él
sobre su trabajo. Encontrará útiles sus consejos. Vaya a exposiciones de arte y galerías tan a
menudo como pueda y vea lo que hace la competencia. La experiencia le ayudará a impulsar su
trabajo en la dirección correcta. Observe sus propias debilidades, trate de corregirlas, pero no
ignore sus fortalezas. Y mientras se basa en el éxito, intente eliminar las lagunas en su
conocimiento y experiencia. Sobre todo, no te rindas. El trabajo duro y constante a menudo
logra más que talento.
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INTRODUCCIÓN
LO QUE DESCUBRIRÁS
En las siguientes secciones veremos todo tipo de dibujos; algunos con los que estará familiarizado y
otros serán nuevos para usted. Muchos de mis ejemplos son copias cercanas del trabajo de artistas de
primer nivel, que brindan una gran cantidad de ideas y métodos de los que se puede aprender. Algunos
de los dibujos son míos y espero que también te enseñen algo. Al considerar los dibujos de artistas
maestros y cómo se hicieron, he tratado de relacionarlos con nuestra experiencia de dibujo y sugerir
formas de mejorar sus habilidades.
Se analizan con cierto detalle temas como la anatomía y la perspectiva, al igual que la dificultad de dibujar el
movimiento. En la página opuesta se detallan los temas principales que se encuentran en el libro y cómo pueden
ayudarlo a desarrollar sus habilidades de dibujo. También se incluyen en esta Introducción, solo como una muestra,
ejemplos de dibujos que ejemplifican los temas principales que exploraremos.
Línea y estilo: la línea suelta pero tensa evidente

en la copia de la odalisca de Matisse (abajo) puede
tardar años en perfeccionarse, pero no hay
ninguna razón por la que no debas intentar
producir algo similar ahora; mejorará
enormemente tus habilidades de dibujo.
Un vívido sentido del estilo puede hacer que
incluso un dibujo lineal se destaque. El diseño simple,
refinado pero original de esta figura de bronce
recortada del período helénico (derecha) es de
primera clase. Una vez que hayamos visto un dibujo
de este calibre podemos empezar a emularlo.
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Lo que vas a descubrir
Diferentes enfoques: dibujo a lápiz

cuidadoso y refinado (izquierda),
una copia de un Miguel Ángel; y un
dibujo inmediato y sin
premeditación a pluma, trazo y
aguada, original de Guercino.
Temas principales:
• Forma y cómo producir un efecto de dimensión, con formas condicionadas por luces y sombras y otros
dispositivos dimensionales - véanse las páginas 79–109.
• Dispositivos y enfoques que pueden ayudarnos a mejorar la precisión de nuestro dibujo (consulte las páginas 48–
77). También consideraremos cómo analizar la masa de información arrojada a nuestra retina.
• Formas de representar un estado emocional o de ánimo en una imagen: véanse las páginas 111–125. Esto se
hace mediante el diseño, la elección del tema o las técnicas y el medio de dibujo. Todo trabajo y todos son
válidos.
• Estudiar desde la naturaleza: véanse las páginas 127-163. En esta y otras secciones encontrarás
ejercicios de dibujo y análisis, para entender cómo ver un tema con mayor claridad y cómo
representar lo que ves.
• Caricatura: consulte las páginas 165–75. Aunque esta no es una parte importante del arte, encapsula la visión
nítida que un artista necesita para ver más allá de lo obvio. Hay mucho más allá de nuestra percepción
diaria.
• El trabajo de artistas que encontraron formas de ver el mundo de nuevo (véanse las páginas 15–45). En sus manos, lo
que podría parecer una situación ordinaria de repente se llena de promesas y vida.
• La importancia de dibujar lo que pueden ver. No dibujar lo que no se ve puede parecer una obviedad,
pero es una disciplina muy precisa para el artista con muchas ideas en la cabeza que a veces intenta
inventar sin sustancia. Es más fácil, y el resultado final más convincente, entrenarse para ver más,
percibir con mayor claridad y dibujar exactamente lo que se ve. De todos modos, pruébalo. Te
sorprenderías.
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INTRODUCCIÓN
CÓMO APRENDERÁS
Se espera que se divierta con las sugerencias de este libro. Después de haber enseñado arte durante
mucho tiempo, y haberlo practicado aún más, puedo decir con confianza que si quieres aprender a
dibujar bien, no hay nada que te detenga.
Algunos de los estilos y técnicas se adaptarán instantáneamente a usted, mientras que con otros
es posible que tenga que trabajar duro. No se preocupe si no se lleva bien con algunos de ellos al
instante. Véalos como un desafío a su inteligencia obvia; si quieres dibujar debes ser muy inteligente, sea
cual sea tu expediente académico. Descubrirá que simplemente probar una nueva técnica mejorará los
otros métodos que utiliza. Ejercicios aparentemente difíciles reafirman nuestro talento. Cuando los
consigas, date una palmadita en la espalda, porque significa que realmente te estás interesando. Eso, en
última instancia, es lo que cuenta y lo que mejora los niveles de habilidad.
Sobre todo, recuerde que su propia voluntad y deseo de dibujar y el uso normal de sus sentidos es todo
lo que se requiere para iniciar la investigación más profunda del mundo visual que este libro espera fomentar.
El arte es una parte maravillosa de la vida y el dibujo es la base real de la pintura y la escultura. Cuanto más
profundamente se involucre en las artes, más estará agregando al valor cultural de nuestra sociedad.
Diferentes efectos con tiza: Ambos dibujos son de

la manera clásica, pero observe lo diferentes que
se ven. En la copia del Vouet (izquierda) la
tonificación cuidadosamente modulada nos hace
muy conscientes del valor estético.
En la copia del Caracci (derecha) se puede ver

que se dibujó rápidamente. La mayoría de las
líneas tonales van en la misma dirección y la
figura parece sólida y convincentemente
musculosa.
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Como vas a aprender
Diferentes efectos con pincel y tinta: Estos dos paisajes dan efectos muy diferentes aunque para
ambos se utilizó una técnica muy similar.
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INTRODUCCIÓN
DIBUJANDO TU MUNDO
Antes de comenzar, me gustaría que tuvieras en cuenta algunos puntos que espero que te acompañen
más allá del período que te lleve asimilar el contenido de este libro. Se trata de métodos de práctica y
buenos hábitos.
Una práctica invaluable es la de aprovechar la vida con regularidad. Es decir, dibujar los objetos, las personas,
los paisajes y los detalles que te rodean. Estos tienen una energía y una atmósfera que solo el compromiso personal
con ellos puede capturar. Las fotografías u otras representaciones son sustitutos inadecuados y solo deben usarse
como último recurso como referencia (vea el título superior en la página opuesta).
Tenga siempre uno o dos cuadernos de bocetos y utilícelos con la mayor frecuencia posible. El boceto constante
agudizará sus habilidades de dibujo y las mantendrá perfeccionadas. Reúna una gran cantidad de materiales y herramientas
(lápices, bolígrafos, gomas, sacapuntas, tinta, papel de todo tipo) e invierta en una carpeta para guardar todos sus dibujos.
Lleve siempre consigo un bloc

de dibujo; nunca se sabe
cuándo se encontrará con una
escena que desee plasmar en
un papel.
Estos breves bocetos de

diferentes partes de
Los edificios son el resultado
de dibujar con frecuencia y en
cualquier momento. Siempre
existe la posibilidad
de hacer un boceto de
algo que se ve por una
ventana. También es una
muy buena práctica.
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Dibujando tu mundo
No tires tus dibujos durante al menos un año después de haberlos terminado. A esa
distancia puedes ser más objetivo sobre sus méritos o defectos, y tener una idea clara de
cuáles funcionan y cuáles no. En el momento creativo candente, no sabes realmente si lo que
has hecho es bueno o no. Estás demasiado apegado a tu resultado final. Más adelante, será
más distante y más claro en su juicio.
Cree una carpeta de trabajos y, a veces, monte sus dibujos. Entonces, si alguien quiere ver tu
trabajo, tendrás algo para mostrarle. No tema que la gente vea lo que ha hecho. En mi experiencia,
la gente siempre encuentra interesantes los dibujos. Diviértete con lo que estás haciendo y disfruta
de tus investigaciones del mundo visual.
Cuando no sea posible dibujar

de la vida, use el suyo
fotografías de objetos o escenas de
interés. Esto es mejor que depender
de las tomas de otras personas,
porque invariablemente su registro
visual le recordará de qué se trataba
esa imagen que
quería capturar.
Una de las lecciones más importantes

que espero que extraiga de este libro
es el valor de
sencillez. El dibujo exitoso no
requiere un enfoque sofisticado o
complejo. Mira este boceto. Su
calidad se deriva de un enfoque
simple de las formas y la asimilación
de sus efectos gráficos en una sola
imagen. Tuve que hacer un esfuerzo
para mantener esas formas básicas
y simples. Intenta siempre hacer lo
mismo en tus dibujos.
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Dibujando de los Maestros
El objetivo de esta sección no es animarte a copiar ciegamente los

métodos de Rafael o Leonardo o de cualquiera de los otros
grandes maestros cuyas obras veremos. El aspecto más
importante del dibujo de esta cualidad es la aguda observación
que requiere. Los grandes artistas observan el mundo que los
rodea con gran precisión. Deliberadamente no he proporcionado
subtítulos para las imágenes aquí reproducidas, porque quiero
que consideren esta sección como un ejercicio de observación.
A partir de estos ejemplos, quiero que empiece a comprender
cómo poner la técnica al servicio de sus observaciones variando la
longitud y la presión de sus golpes. Con el tiempo, después de mucha
práctica, descubrirá que puede juzgar exactamente qué tan pesados,
ligeros, largos o cortos deben ser sus golpes para lograr un efecto
específico. Con suerte, también encontrará que puede hacerlo
bastante rápido.
Una de las grandes ventajas de estudiar dibujo y pintura es que
nuestra visión se refina y comenzamos a abandonar los prejuicios y
las ideas preconcebidas que normalmente acompañan a nuestra
visión del mundo, atributos que se evidencian abundantemente en el
trabajo de los artistas cuyos métodos miramos. en esta sección.
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APRENDIENDO A LOS MAESTROS
ARTE GRIEGO ANTIGUO

Estos dibujos de vasijas griegas, algunos de los más antiguos que se conocen (que datan de c. 510 a. C.), son
tan sofisticados y elegantes que podrían haber sido dibujados por un Picasso o Matisse de hoy en día, excepto
que Matisse no habría sido tan exacto y Picasso no habría sido tan exacto. probablemente no haya sido tan
anatómicamente correcto. La línea incisa simple parece haberse hecho fácil y rápidamente y, sin embargo,
debe haber sido el resultado de años de práctica. Aún más notable es que estos dibujos no se hicieron en papel
plano, sino en la superficie curva de un jarrón o cráter. La economía de la línea es una lección para todos los
artistas aspirantes.
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dieciséis
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Arte griego antiguo
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LEONARDO DA VINCI (1459-1519)

Cuando miramos un dibujo de Leonardo, vemos el inmenso talento de un artista que no solo podía ver más
claramente que la mayoría de nosotros, sino que también tenía la capacidad técnica para expresarlo en papel.
Vemos la facilidad de los trazos de punta plateada o tiza delineando las diversas partes del diseño, algunas
nítidamente definidas y otras suaves y en múltiples marcas que dan la impresión de que la superficie se mueve
alrededor de la forma y desaparece de la vista.
Leonardo regula la luz y la sombra mediante su famoso sfumato método (italiano para 'evaporado'), una
técnica mediante la cual se logra un efecto de profundidad y volumen mediante el uso de tonos oscuros y
brumosos. La cuidadosa gradación de las marcas oscuras y borrosas nos ayuda a ver cómo las graduaciones de
tono dan la apariencia de tres dimensiones.
El efecto de la dimensión también se muestra con líneas dibujadas muy de cerca que aparecen como una
superficie, y están dibujadas de manera tan suave y uniforme que nuestros ojos están convencidos. Hay
elegancia en la forma en que pone suficiente tono, pero nunca demasiado. Llegar a este nivel de experiencia
requiere una práctica sin fin. Sin embargo, vale la pena perseverar en la práctica de las técnicas porque te
permiten producir lo que quieres con mayor facilidad. Las técnicas deben dominarse y luego olvidarse. Todo
esto llevará tiempo.
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Leonardo da vinci
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RAPHAEL (RAFFAELO SANZIO) (1483-1520)

La perfección de los dibujos de Rafael debió parecerles bastante extraordinaria a sus contemporáneos, a
pesar de que ya habían visto las obras de Filippo Lippi, Botticelli, Miguel Ángel y Leonardo. Sus líneas
exquisitamente fluidas muestran su maestría como dibujante; observe la aparente facilidad con la que
delinea las formas de su Virgen y el Niño, y cuán pocas líneas necesita para mostrar la forma, el
movimiento e incluso la calidad emocional de las figuras que dibuja. Sus líneas vagamente dibujadas
describen mucho más de lo que notamos a primera vista. Vale la pena intentar copiar su simplicidad,
aunque sus intentos pueden quedar muy por debajo del original. Los originales son irrepetibles, y sólo
estudiándolos de primera mano empezarás a comprender exactamente cómo se consigue su manejo de
la línea y el tono.
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Rafael
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MICHELANGELO BUONARROTI (1475-1564)

Miguel Ángel es posiblemente la figura más influyente en la historia del arte. Estudie sus dibujos y luego
observe el trabajo de sus contemporáneos y los artistas que lo siguieron y verá cuán grande fue su influencia.
Las copias que se muestran aquí incorporan las técnicas originales que presentó. En el dibujo a pluma y tinta el
estilo es muy libre y las formas muy básicas, sugiriendo figuras en movimiento; el dibujo a tinta con trazos de
tiza sigue siendo bastante esquemático pero más considerado, lo que permite al espectador discernir el
personaje y el tipo de vestuario. El ejemplo final es un dibujo muy exacto, el cuidadososfumato en tiza negra
que da una definición clara de la disposición de los músculos que se flexionan debajo de la piel. El profundo
conocimiento de la anatomía de Miguel Ángel le permitió producir un efecto casi táctil en el dibujo de su vida.
Muestra claramente que no hay verdaderos huecos en la forma humana, simplemente hundimientos entre los
montículos de músculos. Esto es digno de mención por parte de cualquier estudiante de dibujo de la vida y le
dará más convicción a su dibujo.
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Miguel Angel
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PETER PAUL RUBENS (1577-1640) Veamos

ahora los hermosos dibujos con tiza
delicadamente dibujados de Rubens,
quien, como Tiziano, fue referido como un
príncipe de los pintores. Antes de producir
sus pinturas ricas y fluidas, llenas de
bravura y asimetría barroca, hacía muchos
bocetos informativos para aclarar su
composición. Estos bocetos son suaves y
realistas, con la más leve de las marcas en
algunas áreas y un modelado preciso en
otras.
El toque bastante suave de la
tiza contradice la poderosa composición
de las figuras. Cuando se terminaron,
las pinturas estaban llenas y ricas en
forma. Su comprensión de cuándo
agregar énfasis y cuándo permitir la
más mínima marca para hacer el trabajo
es magistral.
Rubens fue uno de los primeros
paisajistas, aunque realizó este tipo de
trabajos solo para su propia satisfacción.
Sus dibujos de paisajes y plantas están tan
cuidadosamente elaborados y detallados
como los de cualquier artista topográfico
victoriano.
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Peter Paul Rubens / Holbein el Joven
HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497 / 8-1543)

Holbein dejó algunos dibujos de retratos extraordinariamente sutiles de varios cortesanos que pintó
durante su tiempo como pintor de la corte de Enrique VIII. Estas obras están ahora en la Colección de la
Reina (la mayoría de ellas en Windsor, pero algunas están en la Galería de la Reina en el Palacio de
Buckingham), y vale la pena estudiarlas por su brillante y sutil modelado. Estos sujetos no tienen arrugas
en las que colgar su carácter, y sus retratos son como los de los niños, con muy poco que mostrar más
que la forma de la cabeza, los ojos, las fosas nasales, la boca y el cabello. Holbein ha logrado esta
cualidad reduciendo drásticamente el modelado de la forma y poniendo la información suficiente para
que el ojo acepte sus áreas intactas como superficies de la cara. Tendemos a ver lo que esperamos ver.
Un buen artista usa esto a su favor. Entonces, menos es más.
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REMBRANDT (HARMENSZ VAN RIJN) (1606–69)

Los dibujos de Rembrandt probablemente encarnan todas las cualidades que cualquier artista
moderno desearía poseer. Sus bocetos rápidos son elegantes, evocadores y capturan una acción o
emoción fugaz con enorme habilidad. Sus dibujos más cuidados son como la arquitectura, con
cada parte de la estructura clara y funcionando al cien por cien. Observe cómo su línea varía con la
intención, a veces poniendo lo menos posible y otras veces sin dejar nada al azar. ¡Qué habilidad
tan tremenda!
Para emular a Rembrandt debemos considerar cuidadosamente cómo ha construido sus dibujos.
En algunos de sus dibujos, la línea final suelta, con marcas aparentemente vagas para construir la forma,
es de hecho el resultado de una observación muy clara y precisa. Las marcas de guiones en algunos de
sus otros bocetos más rápidos muestran exactamente lo que es más necesario para traspasar la forma y
el movimiento del sujeto. Se necesita mucha práctica para lograr este nivel de dibujo.
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Rembrandt / Tiepolo
GIOVANNI BATTISTA TIEPOLO

(1692-1770)
Tiepolo destaca por sus paredes pintadas y,
sobre todo, por sus techos. Aunque es difícil
de emular, vale la pena estudiar sus métodos
de dibujo. Las líneas sueltas y garabateadas se
acompañan de toques de lavado para darles
solidez. Lo que parecen ser poco más que
garabatos se suman a maravillosos ejemplos
de los primeros pensamientos de un maestro
dibujante sobre una pintura. Compare sus
dibujos de cerca con sus elegantes pinturas y
verá premoniciones de este último en el
primero.
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JEAN-ANTOINE WATTEAU (1684-1721)

Uno de los dibujantes más soberbios entre los artistas franceses del siglo XVIII, Watteau pintó
escenas notables de la vida burguesa y aristocrática. Su experiencia es evidente en las figuras
elegantes y aparentemente fáciles de dibujar que dibujó de la vida. Cuando los miramos, parece
que de alguna manera ya podemos dibujar así o quizás nunca lo haremos.
Como todos los grandes artistas, aprendió bien su oficio. Nosotros también podemos aprender a imitar sus
líneas fluidas y brillantemente simples y el manejo suelto pero preciso de las áreas tonales. Observe cómo da la
información suficiente para inferir mucho más de lo que realmente se dibuja. Su comprensión del movimiento natural
y relajado se ve maravillosamente. Tienes la sensación de que se trata de personas reales. Se las arregla para
atraparlos en el punto justo, donde el movimiento es equilibrado pero dinámico. Debe haber tenido modelos posando
para él, pero de alguna manera infiere el siguiente movimiento, como si las figuras fueran esbozadas rápidamente,
atrapadas en transición. Muchos de sus dibujos se utilizaron para producir pinturas a partir de.
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Watteau
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JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES (1780-1867)

Ingres fue, como Rafael, conocido por su arte del dibujo. Sus dibujos son perfectos incluso cuando están
inacabados, y tienen una precisión inusual. Se cree que hizo un uso extensivo de lacámara de la luz (
consulte la página 51), lo cual probablemente sea correcto, pero no obstante, el resultado final es
excepcional desde cualquier punto de vista.
La elegancia incisiva de su línea y el sombreado tonal bellamente modulado producen dibujos que son
tan convincentes como fotografías. A diferencia de Watteau, sus figuras nunca parecen moverse, sino que se
mantienen quietas y en equilibrio en un momento interminable.
El estudiante que quisiera emular este tipo de dibujo podría muy bien dibujar a partir de fotografías para
empezar, y cuando esta práctica haya comenzado a producir un efecto consistentemente convincente, intente utilizar
un modelo en vivo. Sin embargo, el modelo tendría que estar preparado para permanecer sentado durante un período
prolongado, porque este tipo de dibujo no se puede apresurar. La elegancia de Ingres se logró mediante un dibujo
lento y cuidadoso de contornos y formas y un sombreado sutil.
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Ingres
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EUGENE DELACROIX (1798-1863)

El gran pintor romántico francés Delacroix sabía dibujar de manera brillante. Creía que su trabajo debía
mostrar las características esenciales del tema que estaba retratando. Esto significaba que el poder
elemental y el vigor de la escena, las personas u objetos debían transmitirse al espectador de la forma
más inmediata posible. Sus dibujos vigorosos y animados están más preocupados por capturar la vida
que por incluir detalles minúsculos por el mero hecho de ella. Solo incluiría tantos detalles como fueran
necesarios para convencer al espectador de la verosimilitud de su tema. Como puede ver en estos
ejemplos, sus poderosas líneas sueltas vibran con vida.
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Delacroix
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Tornero
JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851)

Turner comenzó su carrera como pintor y dibujante topográfico y se ganó la vida
produciendo dibujos precisos y reconocibles de lugares de interés. Aprendió a dibujar todo en
el paisaje, incluida toda la información que devuelve al espectador el recuerdo del lugar que
ha visto. Esta habilidad se quedó con él, incluso después de que comenzó a pintar paisajes
más sueltos, imaginativos y elementales. Aunque el detalle no es tan evidente en estos
lienzos, que los impresionistas consideraron la fuente de sus investigaciones sobre la ruptura
de la superficie del cuadro, el conocimiento subyacente del lugar y la apariencia permanece y
contribuye a su gran poder.
El esquema de la abadía (que se muestra a la izquierda) es una pieza temprana e ilustra ampliamente la
exactitud topográfica por la que el artista fue famoso en sus primeros años. El segundo ejemplo es mucho más
un boceto de pintor, que ofrece grandes áreas de tono y líneas fluidas para sugerir el efecto de un paisaje
costero.
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EDGAR DEGAS (1834-1917)

Degas fue enseñado por un alumno de Ingres y estudió dibujo en Italia y Francia hasta convertirse en el
dibujante más experto de todos los impresionistas. Sus líneas sueltas y fluidas, que a menudo se repiten varias
veces para obtener la sensación exacta, parecen simples pero son extremadamente difíciles de dominar. La
habilidad evidente en sus pinturas y dibujos surgió de la práctica continua. Declaró que su epitafio debería ser:
"Le encantaba mucho dibujar". A menudo trazaba y volvía sobre sus propios dibujos para obtener el
movimiento y la gracia que buscaba. El trabajo duro y los esfuerzos constantes para mejorar sus métodos
afilaron su talento natural.
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Degas / Renoir
PIERRE AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

Renoir podría ser llamado el hombre que amaba a las mujeres. Sus imágenes de mujeres jóvenes, vestidas o
desnudas, son algunos de los dibujos más dulces de la forma femenina jamás realizados. Siempre tiene ojo de
pintor y sacrifica cualquier detalle al efecto principal del cuadro. Cuando produce un detalle, es
extremadamente revelador y establece el tono para el resto de la imagen. Sus dibujos y pinturas del París de
finales del siglo XIX están imbuidos de una atmósfera extremadamente feliz que ha capturado la imaginación
de los artistas desde entonces.
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GEORGES SEURAT (1859-1891)

El estilo de dibujo de Seurat es muy diferente al que hemos visto hasta ahora; principalmente porque estaba
tan interesado en producir una masa o área de forma que redujo muchos de sus dibujos al tono solo. En estas
imágenes no hay líneas reales sino grandes áreas de tono graduado representadas en carboncillo, conté o lápiz
grueso sobre papel de textura ligeramente granulada. Su belleza es que transmiten sustancia y atmósfera
dejando mucho a la imaginación del espectador. La clasificación cuidadosa del tono es instructiva, al igual que
cómo se puede hacer que una masa trabaje contra un área más clara.
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Seurat / Cézanne
PAUL CÉZANNE (1839-1906)

Cézanne intentó producir dibujos y pinturas que fueran fieles a la realidad de la forma tal como la
veía. Es el maestro dibujante estructural sin paralelo en esta sección. Todos los artistas desde su
época le deben una deuda de gratitud. Su gran contribución al arte fue producir una obra que
viera el mundo desde más de un punto de vista. Los cubistas se inspiraron en su ejemplo para
tratar de dibujar el mundo objetivo desde muchos ángulos; si lo lograron o no, es discutible.
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HENRI MATISSE (1869-1954)

Incluso sin la ayuda de colores vivos y brillantes, Matisse podría revestir su trabajo de una gran sensualidad.
Sus dibujos son maravillosamente discretos pero gráficos gracias a la fluidez de la línea. La torpeza es evidente
en algunos de ellos, pero incluso con estos nunca se duda de que expresan exactamente lo que él quería. No
hay marcas extrañas que difundan la imagen y confundan la vista. A medida que envejecía y sufría de artritis en
las manos, Matisse recurrió al dibujo con carboncillo en la punta de un palo largo. A pesar de esta desventaja,
las imágenes grandes y simples que produjo con este método poseen un gran poder.
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Matisse
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PABLO PICASSO (1881-1973)

Picasso dominó el mundo del arte durante la mayor parte del siglo XX. Tomó todo tipo de tradición artística y la
reinventó, demostrando que un artista maestro puede romper todas las reglas y aun así producir obras que
tocan la fibra sensible del observador casual. La imagen de abajo, por ejemplo, es un híbrido interesante entre
los otros ejemplos que se muestran aquí: dos piezas de papel tonificado recortadas para el cuello y la cara con
los rasgos y el cabello dibujados con lápiz.
Aunque distorsionó las formas convencionales casi sin reconocerlas, el resultado final fue
imbuido de la esencia del tema que estaba ilustrando. Experimentó en todos los medios, pero en sus dibujos
podemos ver la asombrosa destreza con la que confundió nuestras ideas preconcebidas y nos dio una nueva
forma de ver el arte. Sus cuadernos de bocetos revelan su amplia gama de habilidades y son una inspiración
para todos los artistas.
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Picasso
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HENRY CARR (1894-1970)

El ilustrador y pintor inglés Henry Carr fue un excelente dibujante, como muestran estos retratos. Realizó
algunos de los retratos más atractivos de su época debido a su capacidad para adaptar su medio y estilo
a las cualidades de la persona que estaba dibujando. La sutileza de las marcas que hace para llegar a su
dibujo final varía, pero el resultado es siempre sensible y expresivo. Un maestro destacado, su libro
sobre retratos bien merece ser estudiado.
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Traducido del inglés al español - www.onlinedoctranslator.com
Carr
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La experiencia del dibujo
Como ha aprendido de la sección anterior, no hay sustituto

para la observación en el dibujo. Cuando mire
detenidamente cualquier cosa que desee dibujar, hágase la
pregunta: "¿Qué estoy viendo?" No se limite a darse
respuestas como 'un paisaje', 'una tetera', 'un ser humano',
etc., porque tales respuestas cierran su observación. En
cambio, mire el color, la forma, la textura, el contorno y el
movimiento. Estos se aplican a todo lo visual y lo ayudan a
analizar sus impresiones, lo que puede ayudarlo a ver. Sin
embargo, siga mirando, incluso cuando crea que sabe lo
que está mirando. Nada permanece igual durante más de
unos segundos; la luz cambia, por ejemplo, dándote una
nueva versión de lo que estás mirando, incluso si es solo
una forma inmóvil. Lo emocionante de todo esto es que
nunca te aburres. Hay una variedad infinita,
Cuando empiezas a dibujar de la vida siempre es difícil
para ver cómo hacer que la imagen tridimensional que tiene
delante se ajuste al papel sin que se vea incómoda, rígida,
inexacta o plana. Sin embargo, no hay forma de evitar este
ejercicio si quieres saber si tienes una habilidad real para dibujar.
En esta sección veremos una variedad de temas
como realmente son: aglomeraciones de formas. Además
de las formas de las cosas en sí, notarás las formas entre
las cosas. No hay espacios en el dibujo o la pintura, solo
otras áreas de tono. Con los sujetos que elija, encontrará
que las formas se juntan estrechamente entre sí. Mira toda
la imagen con interés y sin prejuicios. Trate de darse
cuenta de todo y no considere una parte del todo como
superior al resto. No lo es.
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47
LA EXPERIENCIA DEL DIBUJO
ANALIZAR FORMAS
Por lo general, cuando miras una escena, un objeto o una persona, tus ojos primero registrarán las formas de
manera objetiva y luego tu mente te proporcionará información que te permitirá reconocer lo que estás
viendo. Sin embargo, los nombres, conceptos o etiquetas que proporciona la mente no son útiles para ti como
artista, y debes ignorarlos si quieres ver objetivamente las formas que realmente están allí.
Una forma de obtener una vista más objetiva es analizar las formas que está mirando en términos de su
geometría. Por ejemplo, un objeto circular visto en cualquier ángulo forma una elipse, y si sabe cómo dibujar
una elipse correctamente obtendrá una buena imagen del objeto. Cualquier cosa esférica es solo un círculo con
tonificación para engañar al ojo haciéndole creer en la esfericidad del objeto.
Los espacios entre los objetos suelen ser triángulos o rectángulos. Los objetos dentro de un grupo pueden
verse como en diferentes ángulos entre sí: una pierna puede estar apoyada en un ángulo de 45 grados desde el torso
erguido, y la parte inferior de la pierna puede estar en ángulo recto con el muslo.
Este tipo de análisis visual es muy útil para que usted, el observador, lo realice y ayudará a la
precisión de su dibujo. Una vez que reconozca los ángulos que está dibujando, le resultará difícil
dibujarlos mal.
Observar un sujeto en términos

casi geométricos ayuda a
simplificar nuestro enfoque del
dibujo. Mira esta imagen muy
simple. Ambas figuras pueden
estar contenidas en un
triángulo. A la derecha de la niña, el
espacio se puede cortar a lo largo de
su lado derecho para que ella y las
piernas de su padre encajen en un
paralelogramo. El espacio debajo de
su brazo izquierdo, que se extiende
hasta el pie de su padre, forma otro
triángulo.
Medidas de proporciones
Otra forma útil de análisis es emplear alguna unidad de medida común para obtener las proporciones
correctas de los diferentes objetos en su dibujo. Por ejemplo, la forma y el tamaño de una puerta o
ventana pueden darle una unidad de medida básica con la que medir las otras unidades de una
composición. En el dibujo de figuras, la cabeza es una unidad útil para medir el cuerpo humano. Si utiliza
una forma de análisis, recuerde que la unidad debe permanecer constante a lo largo de la composición,
de lo contrario, la proporción no será la correcta.
La regla de oro es una de las unidades de medida más comunes (vea la página opuesta). La lógica
de este método es que su brazo no crecerá más durante el tiempo que lleva completar su dibujo, por lo
que no importa cuántas medidas tome, su dispositivo de medición permanecerá a la misma distancia de
su ojo. Sin embargo, recuerde que si cambia de posición tendrá que empezar de nuevo porque todas las
proporciones pueden cambiar.
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Analizar formas
Usando la regla de oro

Aquí, la regla de medición se utiliza para medir las Manteniendo el lápiz a la distancia del brazo al
proporciones de una figura. El brazo está extendido y medir, el método le dará un rango de
el lápiz se mantiene en posición vertical en línea con proporciones bastante exacto.
el tablero de dibujo. La medida tomada (de la cabeza, Sin embargo, este método tiene un valor limitado
en este caso) se llama 'tamaño de vista'. para los principiantes: el dibujo no será grande y los
principiantes realmente necesitan dibujar en grande
Una vez que se toma la medida, se puede para corregir sus errores más fácilmente. Los artistas
transferir al papel. Siempre que midas todo en experimentados podrán traducir las proporciones en
tu escena de esta manera, manteniéndote a la medidas más grandes cuando dibujen más grande que
misma distancia del modelo y el tamaño de la vista.
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AYUDAS TÉCNICAS
Los artistas pueden utilizar fotografías y diapositivas para representar una escena con precisión. Lo que no pueden dar
es una visión personal y, por tanto, más rica de un tema. Esto solo se puede lograr si el artista se toma el tiempo para
ir a la escena real y buscar por sí mismo.
Los viejos maestros usaban herramientas como la cámara oscura y cámara de la luz - literalmente, "cuarto oscuro" y
"cuarto claro", para garantizar la precisión de su perspectiva y proporción. Otro dispositivo utilizado por los artistas de la
antigüedad para ayudar en este tipo de análisis técnico era la red o cuadrícula de un dibujante. Se trataba de una pantalla con
hilos o hilos cruzados que creaban una red o cuadrícula de cuadrados exactamente medidos a través de los cuales el artista
podía mirar una escena. Siempre que el artista se asegure de que su ojo esté siempre en la misma posición cada vez que mira a
través de la pantalla, y siempre que se dibuje una cuadrícula similar en su hoja de papel, la composición principal se podría
diseñar y cada parte se relacionaría correctamente. .
Sin embargo, estos métodos no son fines en sí mismos y, aunque proporcionan los contornos
principales de una composición, no pueden dar las sutiles distinciones que hacen atractiva una obra de
arte. Para capturarlos, el artista debe usar su propio ojo y juicio.
La red o cuadrícula del dibujante es una Se requiere paciencia para transferir la imagen
construcción para su uso al estilo renacentista. Por de un sujeto visto de esta manera al papel: es muy
lo general, los artistas los hacen ellos mismos o los fácil seguir moviendo la cabeza y así cambiar su
hace un fabricante de marcos. Los cuadrados vista en relación tanto con el encuadre como con el
pueden marcarse directamente en el vidrio o sujeto. El truco consiste en asegurarse de que la
indicarse estirando cordones o alambres delgados a marca del objeto y la marca de la cuadrícula donde
lo largo de un marco. Luego, el vidrio se coloca en se unen dos líneas estén alineadas correctamente
un soporte a través del cual se ve el objeto. cada vez que mires.
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Ayudas Técnicas
Canaletto y Vermeer son solo dos de los artistas que utilizaron el cámara oscura en su trabajo. Tiene el mismo efecto
que elcámara de la luz, aunque consiguiéndolo por distintos medios. Utilizado por pintores para paisajes, paisajes
urbanos y escenas de interiores, el dispositivo era una tienda de campaña o una habitación pequeña con un orificio o
lente en un lado que proyectaba una imagen del objeto en una pantalla de vidrio o una hoja de papel, que luego
podía trazarse . Era un dispositivo excelente para las formas arquitectónicas siempre que se ignoraran los límites
exteriores de la imagen, que tendían a distorsionarse.
En una cámara lúcida o lucidografía se utiliza un pequeñas áreas de dibujo y probablemente fue
prisma para transferir la imagen de una escena a un favorecido por ilustradores y pintores para
papel o cartón. Esto permite al artista dibujar retratos o naturalezas muertas. Ingres y
alrededor de la forma básica para obtener las posiblemente Chardin y Fantin Latour utilizaron
proporciones correctas antes de mirar normalmente ampliamente la lucidografía; David Hockney se
el objeto. animó a probarlo en su obra después de detectar
La técnica se adaptó bien para su uso en el método en los dibujos de Ingres.
Un proyector de diapositivas puede dar un efecto similar a utilizado ampliamente por artistas que desean
un lucidograph, aunque por supuesto te permite utilizar un reproducir pinturas maestras o ampliar su propia
formato mucho más grande y cualquier tipo de escena que obra. Su único inconveniente es la dificultad de
se pueda fotografiar. Ha sido mantener la sombra fuera del camino.
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PROPORCIONES EN DETALLE
Después de un poco de práctica, es bastante fácil recordar las proporciones básicas del rostro
humano visto de frente y el cuerpo humano visto de pie a la vista. Sin embargo, encontrarás
otros temas mucho más variables. Para ellos, necesitará usar un sistema que lo ayude a
asegurarse de que las diferentes partes de su composición sean proporcionales entre sí. Esto
es particularmente cierto cuando hay mucha profundidad de perspectiva en una escena, lo
que requiere que muestre la relación entre los objetos más cercanos a usted y los objetos
más alejados. Incluso en los paisajes, donde se permite una cierta cantidad de engaños
(cortésmente llamado 'licencia artística') debido a la tremenda variación en las proporciones
según su punto de vista, es necesario tener algún método para organizar las proporciones de
los árboles a las casas, a las personas y a objetos lejanos en el horizonte.
Cuando el nivel de los ojos es bajo, los objetos más pequeños y cercanos dominan la vista mucho más
que cuando el nivel de los ojos es alto. Los árboles en el horizonte pueden verse más grandes o más cercanos
cuando se recortan contra la luz, porque tienen más definición. Si hay un objeto grande en el centro de su
composición, tenderá a llamar la atención. Incluso hay un efecto proporcional en color y tono. Un objeto muy
brillante o muy oscuro que se encuentra en fuerte contraste con el fondo llama la atención, e incluso si este
objeto es bastante pequeño, parecerá más grande de lo que es. El efecto es que los objetos bastante pequeños
de tono o color fuerte darán la apariencia de ser más grandes de lo que son.
Una silueta oscura bien definida en el

horizonte contra un cielo claro dominará
una escena y parecerá más cercana de lo
que realmente es.
Un objeto claro y brillante

que se destaca sobre un
fondo de tonos oscuros
dominará una escena a pesar
de su pequeño tamaño.
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Proporciones en detalle / escorzo
PREDICCIÓN
Al dibujar objetos o personas vistas desde un extremo y mirar a lo largo del objeto o figura, las partes del
objeto más cercanas a su ojo parecerán mucho más grandes en comparación con las del extremo más alejado.
Muchos principiantes encuentran esta verdad bastante difícil de comprender. La creencia de que la cabeza no
puede ser tan grande como las piernas tiende a influir en ellos para que ignoren la evidencia de sus propios
ojos y modifiquen su dibujo para que se ajuste a su concepto erróneo. Sin embargo, es bastante fácil hacer una
medición simple para ayudar a convencer a la mente de lo que el ojo realmente ve. Pruébelo usted mismo
después de haber estudiado el siguiente dibujo.
15
10 /12
8
23
4/12
4/12
Las extrañas proporciones

del escorzo dos veces el tamaño de la cabeza. La longitud total del
1/unidades),
Tenga en cuenta la profundidad de la cabeza (4 loque es
2 1/
cuerpo desde el hombro hasta el tobillo (10 unidades)
2 es
mismo que la mano abierta, y el antebrazo acortado y un poco más del doble de la cabeza. La parte superior del
la pierna acortada. A 8 unidades el torso es solo un brazo tiene la misma longitud que el torso (8 unidades). La
poco menos de distancia de codo a codo (23) es mayor
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53
EL EFECTO DE DIFERENTES NIVELES DE OJOS

Estos tres dibujos muestran cómo el efecto de una imagen se ve alterado por la relación de las figuras con el
horizonte o la línea de los ojos. En las dos primeras imágenes, el espectador está de pie y en la última imagen,
el espectador está sentado. Este cambio en la relación de las figuras con la línea del horizonte ha tenido un
gran efecto en la composición y, de hecho, ha cambiado su dinámica.
Puede ver en las galerías de pinturas cómo los artistas han utilizado esta dinámica, en particular la
Impresionistas: mire ejemplos del trabajo de Degas y Monet.
En la primera imagen, el nivel de los ojos es

considerablemente más alto que el de las personas
reclinadas en la playa. El espectador tiene la sensación de
mirar hacia abajo a las figuras, que parecen ser parte de
la escena general y no son en absoluto dominantes.
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54
El efecto de diferentes niveles de ojos
El nivel de los ojos de estas dos figuras de pie es el Aquí el nivel de los ojos es mucho más bajo que el de las
mismo que el nuestro, lo que las hace parecer más dos figuras; incluso la niña que se inclina todavía está
activas. Estamos de pie, como ellos. (Tenga en cabeza y hombros por encima de nuestro nivel de ojos.
cuenta que la línea del horizonte está al mismo nivel Las cifras ahora parecen mucho más
que sus ojos). importante y poderoso en la composición.
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PROPORCIONES IMPARES
La importancia de relacionar correctamente las proporciones dentro de la figura humana se hace muy evidente
cuando tienes una figura en la que algunas partes están acortadas y otras no. En este ejemplo, notará que la pierna y
el brazo derechos apuntan hacia el espectador, mientras que la pierna y el brazo izquierdos no. Como resultado, el
área ocupada por las respectivas piernas y brazos es bastante diferente tanto en proporción como en forma. El brazo
derecho es prácticamente todo mano y hombro y no tiene la longitud evidente con el brazo izquierdo. La pierna
derecha tiene una forma casi cuadrada y sorprendentemente diferente de los largos rectángulos de la pierna
izquierda. Los rectángulos alrededor de la cabeza y el torso también se comparan de manera interesante con los
diferentes brazos y piernas.
Una vez que comience a ver tales diferencias proporcionales dentro de un tema, encontrará que su
dibujo del todo se vuelve más fácil.
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Proporciones impares / Vive la Difference
VIVE LA DIFERENCIA
Las personas no son iguales en forma y pocas se ajustan al ideal clásico. Los ejemplos que se muestran
aquí tienen la misma altura y proporción vertical pero muy diferentes en ancho. Si se les presenta al
artista inexperto en una clase de vida, ambos serían problemáticos, porque los principiantes tienden a
dibujar cómo creen que las personas deberían verse, e igualarán las rarezas para que se ajusten a sus
ideas preconcebidas. A menudo adelgazarán un modelo gordo o engordarán uno delgado. Si ellos
mismos son delgados, dibujarán el modelo más delgado de lo que son. Por el contrario, si están en el
lado sólido, agregarán carne al modelo. En efecto, dibujan lo que saben, no lo que ven. Esto no da como
resultado un dibujo preciso y debe eliminarse si se quiere avanzar. Recuerde: las proporciones
horizontales se miden exactamente de la misma manera que las proporciones verticales.
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AREAS DE OSCURIDAD Y LUZ

En los tres dibujos que se muestran aquí, observe cómo las áreas claras delinean las formas oscuras y las áreas oscuras
delinean las formas claras. Descubrirá que algunas formas se encuentran entre sí para crear una forma grande y, a menudo,
esto es más fácil de dibujar que una multitud de formas más pequeñas.
Geométrico muy grande

Las formas, como paredes,
puertas y ventanas (página
izquierda y opuesta) pueden
proporcionar una cuadrícula
natural para una imagen, lo que
facilita la colocación de otras
formas, como figuras o, en una
escena al aire libre, árboles.
En este dibujo,
basado en un Vermeer,
las formas simplificadas
de las figuras se muestran
claramente contra el
Gran extensión de pared
y piso. La imagen
enmarcada ayuda
para colocar las figuras,
al igual que la mesa y la
silla. La ventana,
la fuente de luz, es
muy dominante
contra la oscuridad
pared.
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Áreas de oscuridad y luz
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ANGLOS
Mire los ángulos en la figura que se muestra a continuación. Siempre que pueda visualizar un ángulo
recto (90 grados) y medio ángulo recto (45 grados), y posiblemente un tercio (30 grados) o dos tercios
(60 grados) de un ángulo recto, debe tener sin dificultad para darles sentido. Vamos a desglosarlos:
La pared en relación con la base horizontal sobre la que descansa la figura es un ángulo recto (90 grados) (A).
Pero, ¿qué pasa con el resto de los ángulos que se muestran?
(B) - el ángulo del torso a la base horizontal.

(C) - el ángulo entre el muslo y la base horizontal.
(D) - el ángulo entre el muslo y la parte inferior de la pierna.
(E): el ángulo entre la parte inferior de la pierna y la base horizontal.
(F) - el ángulo de la cabeza al torso.
(G) - el ángulo de la cabeza a la pared.
Todas estas preguntas necesitan respuesta. Pregúntese: ¿es un ángulo recto completo, o simplemente menos, o simplemente
más? ¿Está más cerca de un tercio o más cerca de la mitad de un ángulo recto? Las respuestas precisas a estas preguntas le
ayudarán a visualizar correctamente la estructura del dibujo en la página.
RESPUESTAS:
B. Un poco más de 45 grados, quizás 60.
C. Aproximadamente 45 grados.
D. Un poco menos de 90 grados (casi en ángulo recto).

E. Aproximadamente 45 grados.
GRAMO
F. Aproximadamente 120 grados (un ángulo recto más un tercio).
G. Un poco menos de 30 grados.
A mi
B C
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60
Ángulos / Triángulos y rectángulos relacionados
RELACIONANDO TRIÁNGULOS Y RECTÁNGULOS

Las líneas en el siguiente dibujo pueden parecer complejas, pero de hecho son una forma de simplificar una
agrupación al señalar los extremos de las figuras. La adopción de este método también le ayudará a mantener
la composición en su mente mientras dibuja.
Identifiquemos las relaciones triangulares en esta cabeza de niño con sus pies; las rodillas y los pies del
composición bastante natural: la cabeza del padre con padre; la forma de la falda de la madre y la relación
la parte inferior del pie y con la parte inferior del pie entre la cabeza y el codo y la rodilla. La mesa y la
de la madre; también su cabeza a sus manos; los lámpara forman un triángulo confeccionado.
Triángulos y ángulos simplificados

No es necesario ser un gran geómetra para comprender los sistemas basados en ángulos y
triángulos. Cuando se trata de triángulos, solo tenga en cuenta los tamaños relativos de sus lados: en
un triángulo equilátero los tres lados son iguales (y todos los ángulos son iguales); en un triángulo de
isoceles, un lado es más corto que los otros dos; y en un paralelogramo los lados opuestos son iguales
en longitud y paralelos.
Los ángulos son aún más simples. Un ángulo de 90 grados parece la esquina de un cuadrado. La mitad
de un ángulo recto equivale a 45 grados y un tercio a 30 grados. Estos son los únicos ángulos que necesitará
poder reconocer. Todos los demás pueden relacionarse con ellos y pensarse en términos de más o menos de
30, 45 o 90 grados.
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ARQUITECTURA HUMANA
Aprender a relacionar el esqueleto y la estructura muscular del cuerpo con la apariencia exterior se
vuelve más importante a medida que avanza en el dibujo de figuras. Deberá estudiar la estructura del
cuerpo en detalle si realmente desea que sus dibujos se vean convincentes. El siguiente dibujo le da una
idea de la complejidad de los detalles involucrados.
Los artistas del Renacimiento, por supuesto, aprendieron anatomía de cuerpos humanos y animales
disecados. Sin embargo, para la mayoría de nosotros, los libros de anatomía son bastante buenos para dar las
formas principales, aunque un esqueleto real (que tienen muchos artistas y médicos) proporcionará
información más detallada.
Copitis de Splenius
Rhomboidius mayor y menor
Trapecio
Deltoides
Tríceps
Latissimus dorsi
Obliquus externus abdominis
Glúteo medio
Glúteo mayor
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62
Arquitectura humana / La cabeza
LA CABEZA Huesos del cráneo Frontal

La cabeza se define principalmente
por la forma del cráneo debajo de
su delgada capa de músculo y, en
menor medida, por los globos
Parietal
oculares. Los grupos de músculos
bastante planos del cráneo
producen todas nuestras
expresiones faciales, por lo que es
muy útil tener una idea de su
disposición y función, Temporal
especialmente si desea dibujar
retratos.
Cigomático
Músculos de la cabeza
A. Corrugador (junta las cejas) Occipital
B. Frontalis (mueve la frente

y las cejas) Maxilar superior
C. Temporalis (ayuda a mover la mandíbula

hacia arriba)
D. Orbicularis oculis (cierra el Mandíbula
ojo) Nasal
E. Compressor nasi (estrecha las fosas
UNA. B. C.
nasales, empuja la nariz hacia abajo)
F. Quadratus labii superioris (levanta
el labio superior)
G. Zygomaticus major
(tracción hacia arriba de la boca)
H. Levator anguli oris (eleva el
ángulo de la boca) D.
Orbicularis oris (cierra la
boca, frunce los labios)
J. Masseter (tracción hacia arriba de la
mandíbula inferior)
MI.
K. Buccinador (acción lateral de la
boca, expulsa líquido o aire de
las mejillas)
F.
L. Risorius (tirón lateral del
ángulo de la boca)
GRAMO.
M. Depresor anguli oris
(tracción hacia abajo de
H.
ángulo de la boca)
N. Depressor labii inferioris (tirando I.
hacia abajo del labio inferior)
O. Mentalis (mueve la piel del J.

mentón) O. NORTE. METRO. L. K.
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ELÍPSIS
Una elipse es un círculo visto desde un ángulo oblicuo. Las elipses en el mismo nivel por encima o por debajo
del nivel de los ojos serán similares en proporción. Varios objetos circulares sobre una base circular tendrán las
mismas proporciones, como verás si miras el dibujo de abajo.
La pantalla de la lámpara, la base del

portalámparas, el tablero de la mesa y
la parte superior e inferior del vidrio
son elipses relacionados con el mismo
nivel de los ojos. Las elipses inferiores
están relacionadas con el mismo nivel
de los ojos y, como todas están
aproximadamente al mismo nivel,
serán muy similares en proporciones de
ancho a alto, aunque de diferentes
tamaños.
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64
Elipses / Uso de una unidad de medida común
USANDO UNA UNIDAD COMÚN DE MEDIDA

Un tema grande, como una escena callejera, en el que deben tenerse en cuenta las proporciones y la
perspectiva, puede resultar difícil de dibujar con precisión a menos que utilice algún sistema de medición.
Para la escena urbana que se muestra a continuación, elegí un elemento dentro de la escena como mi unidad
de medida (la ventana inferior con contraventanas que mira hacia afuera del dibujo) y lo usé para verificar las
proporciones de cada área en la composición. Como puede ver, la parte alta del edificio frente a nosotros es
aproximadamente seis veces la altura de la ventana con contraventanas. El ancho de todo el edificio es el doble de la
altura de la ventana con contraventanas en su parte más alta y, además, seis veces la altura de la ventana con
contraventanas en su parte inferior de un piso cerca del borde de la imagen.
6 unidades
un poco más
2 unidades
2 unidades
1 unidad
1 unidad
Un poco más 2 unidades 6 unidades

1 unidad
Mantener la medición en perspectiva

Una unidad de medida nos permite mantener la precisión de nuestro dibujo, pero solo está destinada a
proporcionar una guía aproximada. Una vez que se haya acostumbrado a dibujar, encontrará que el ojo es
un instrumento extraordinariamente preciso para juzgar la proporción y el tamaño. A veces, solo
necesitamos verificar para asegurarnos de que los tenemos bien, y en esos momentos, las unidades y cosas
por el estilo entran en juego.
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sesenta y cinco
PERSPECTIVA
Hay muchas cosas a tener en cuenta con perspectiva. El punto principal es que es imposible poner exactamente
lo que vemos en las dos dimensiones del dibujo y la pintura. Se debe permitir una cierta cantidad de ajustes y
licencias artísticas. Un mapa plano no puede replicar la superficie del mundo, que es curva, por lo que tendrá
que sacrificar la forma del área o la proporción del área. Cuando miramos algo normalmente, nuestros ojos
escanean la escena. Sin embargo, cuando miramos una imagen, nuestra visión se dibuja como si fuera de un
punto. Esto significa que los bordes exteriores del cono de visión (como se le llama) no se dibujarán fácilmente
con una relación precisa con el centro de visión. El artista, por lo tanto, tiene que limitar su área de visión a una
que pueda captarse de un vistazo. El artista también debe ser consciente de su propio nivel de ojos o de dónde
está realmente el horizonte, por mucho que esté oscurecido por colinas, árboles o edificios. El cono o campo de
visión real es de aproximadamente 60 grados, pero el artista limitará su imagen a mucho menos a menos que
muestre distorsión.
Plano de imagen
n te
horizo
en el
los ojos o
el de
Al niv
ision
o de v
Centr
Campo o cono
de visión
Líne
a de
visió
n ce
ntra
l
Líne
a de
tier
r a
e
estr
o terr
Plan
Punto de estación o
mirador
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66
Perspectiva / Relaciones en el plano de la imagen
RELACIONES EN EL PLANO DE IMAGEN

En el ejemplo que se muestra aquí, observamos las relaciones entre el árbol, el poste y las flores y la
línea del horizonte. Como puede ver, la altura del árbol en la imagen no parece tan alta como el poste,
aunque en realidad el poste es más pequeño que el árbol. Esto se debe al efecto de la perspectiva, ya
que el árbol está más lejos que el poste. También hay un área de tierra entre la parte inferior del árbol y
la flor. La línea del horizonte es la misma que el nivel de los ojos del espectador.
El poste y la parte superior del árbol aparecerán nivelados.
La altura del árbol en

relación con el poste. Distante
horizonte o
Área del suelo vista entre la
al nivel de los ojos de
base del árbol y la flor.
espectador.
Distancia entre la parte inferior del

árbol y la parte inferior del poste.
PERSPECTIVA AÉREA
Cuando dibuja escenas que
incluyen un paisaje distante
así como elementos cercanos,
debe darle al ojo una idea de
cuánto aire o espacio hay
entre los primer plano,
medio suelo y
antecedentes. En este dibujo
estas áreas están claramente
delineadas. Los edificios y las
farolas cercanas al espectador
están claramente definidos y
tienen textura y muchas
cualidades tonales. Los edificios
más alejados están menos
definidos, con menos variaciones
tonales. Los acantilados detrás de
esta zona urbanizada son muy
tenues, sin detalles ni texturas y
sin mucha variación de tono.
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67
PERSPECTIVA: EL SISTEMA DE ALBERTI

El arquitecto y erudito renacentista Leon Battista Alberti (1404-72) elaboró un sistema de producción
de métodos de perspectiva para artistas basado en los descubrimientos de Filippo Brunelleschi
(1377-1446) en la ciencia de la óptica. Su sistema permitió a una nueva generación de pintores,
escultores y arquitectos visualizar las tres dimensiones del espacio y utilizarlas en su trabajo.
Con el sistema de Alberti, el artista tiene que producir una planta de rectángulos en perspectiva y luego
construir estructuras sobre esta base. Para hacer esto, tiene que encontrar una forma de trazar el plan
relacionado con los rayos de visión y el nivel de los ojos o el horizonte, de modo que las divisiones medidas en
el plan se puedan transferir a una ventana aparentemente abierta a la escena que se está representando. . El
punto de vista del artista y del espectador es central y en la línea del nivel de los ojos, y esto le da a la imagen
convicción en profundidad y dimensión.
Plano de imagen (borde activado).
Línea del horizonte o al nivel de los ojos.
Rayos de visión. Unidades de medida en

piso o plano de tierra.
Usando el plano del suelo de Alberti

Una vez que haya producido la cuadrícula del plano del estructura; dibuje líneas horizontales para los
suelo, con el nivel de los ojos y el punto de fuga, puede bordes cercanos y lejanos, y líneas conectadas al
decidir la altura de su objeto o edificio; en el ejemplo que punto de fuga para los dos bordes laterales.
se muestra a la derecha, son 5 unidades de la cuadrícula Las proyecciones de los alzados frontal y lateral
del piso. Usando una brújula, describa dos arcos para que se muestran aquí dan una estructura muy
conectar verticales trazadas desde las cuatro esquinas simple. El sistema de Alberti se puede utilizar para
del edificio propuesto hasta los bordes de la parte determinar el aspecto de estructuras mucho más
superior del edificio. complejas que la ilustrada.
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68
Perspectiva: el sistema de Alberti
Realización de la planta de AlbertiLa línea de tierra

se mide en unidades relacionadas con un punto de que está mirando a un espacio tridimensional. Esto
fuga en el horizonte y puede verse como relacionada solo funciona debido a las suposiciones que
con el plano de la imagen. Se puede usar una simple hacemos sobre el tamaño y la distancia. Si las líneas
diagonal dibujada a través del pavimento a cuadros de perspectiva se disfrazan para que parezcan
resultante para verificar la precisión del dispositivo. cosas reales, como aceras y paredes, el ojo acepta
la convención y "ve" una imagen entendida como
Una vez que se ha producido el efecto de profundidad en la imagen. Por supuesto, todos los
pavimento, cualquier otra construcción se puede detalles tienen que ajustarse para convencer.
colocar en el espacio, convenciendo al espectador.
Línea de verificación (para verificar Transversales (líneas horizontales que

la integridad de la red). conectan los rayos de visión de
plano de la imagen a la perspectiva
construcción).
La
Bo Bo do Qt
rde
late
Extremo lejano rde
ua
ral
rt
mr
iC
Alto = 5 Unidades
Ir
cl
Alto = 5 Unidades
m
i
Qt
uar
tmr
iCIr
clm
i
1 2 3 4 5
al
er
at
el
rd
Bo
1 2 3 4 5
Unidad Unidad Unidad Unidad Unidad
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69
PERSPECTIVA: CAMPO DE VISIÓN

El sistema que veremos a continuación es bastante fácil de construir. No necesita entrenamiento en matemáticas para
hacerlo bien, solo la habilidad de usar una regla, establecer escuadra y brújula con precisión. Aunque la imagen no
tiene profundidad en realidad, el ojo está satisfecho de que la tenga, porque ve un área de cuadrados que se reduce
geométricamente a medida que retrocede hacia el fondo.
A
B
Construyendo un área de cuadradosCualquier parte

cuadrada, como losas de pavimento, baldosas o incluso un corta el borde más alejado del cuadrado. Continúe
tablero de ajedrez de campos, se puede utilizar para hasta que corte la siguiente línea hasta el punto de
demostrar la ilusión de profundidad en una imagen. fuga (C) y luego construya su siguiente borde
horizontal hasta la siguiente losa de pavimento. Repita
Tome una losa o tamaño cuadrado (A), en cada cuadrado hasta que llegue al punto donde las
dibuje en líneas diagonales y desde el punto de cruce de losas deben detenerse en la distancia. Habiendo
estas diagonales marque una línea de construcción hasta producido una fila de losas decrecientes, puede
el punto de fuga. Para obtener las siguientes filas de continuar los bordes horizontales de las losas en
losas de pavimento relacionadas con la primera cualquier dirección para producir el tablero de ajedrez
correctamente y en perspectiva, dibuje una línea desde del piso. Observe el efecto impresionante que obtiene
la esquina cercana (B) hasta el punto donde la línea de cuando completa los cuadrados alternativos.
construcción hasta el punto de fuga
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70
Perspectiva: campo de visión
A
B
Más sobre el tablero de ajedrez

El tipo de piso o pavimento de tablero de ajedrez que ha estado aprendiendo a menudo se ha
utilizado en pinturas para ayudar a la ilusión de profundidad. En las pinturas del Renacimiento
temprano se pensaba que era increíblemente realista. En estos días estamos un poco más
acostumbrados a ver tales dispositivos, por lo que se han puesto en juego otros efectos para
ayudarnos a aceptar la ilusión de dimensionalidad. Sin embargo, experimente con el tablero de
ajedrez, es muy simple y muy efectivo. Y no olvide incorporar las lecciones que ha aprendido sobre
la relación de la figura con el horizonte o la línea de los ojos: si coloca figuras u objetos en él,
asegúrese de que a medida que retroceden en la imagen, de pie sobre cuadrados que son más
atrás: disminuyen de tamaño de acuerdo con el nivel de sus ojos (consulte las páginas 54–55).
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71
MOVIMIENTO
Dibujar el movimiento no es tan difícil como podría parecer al principio, aunque requiere mucha
práctica. Le resultará útil si puede sentir el movimiento que está retratando en su propio cuerpo, porque
esto informará el movimiento que está tratando de dibujar. Cuanto más sepa sobre el movimiento,
mejor. Es una buena idea observar los movimientos de las personas para comprobar cómo se comporta
cada parte de la anatomía en una variedad de poses y actitudes.
Las fotografías de cuerpos en acción son muy útiles, pero limitadas en el rango que ofrecen. Se
nota que las tomas de acción tienden a capturar momentos de impacto o de mayor fuerza. Rara vez
encuentras una toma de acción de los movimientos intermedios. Con un poco de observación cuidadosa,
observando y analizando, debería poder ver cómo llenar las posiciones entre los extremos.
Aquí vemos a un hombre en las distintas etapas este proceso. Sin embargo, puede encontrar que
del lanzamiento de una jabalina. El punto en el que dibujar al hombre en una posición entre estos
está preparado para lanzar y el momento en que extremos le da una composición con más
se lanza la jabalina son los dos extremos de dramatismo y tensión.
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72
Movimiento
De manera similar aquí, el punto entre la cabeza que completa su giro de un lado a otro ofrece una
cualidad diferente y quizás una perspectiva más reveladora sobre el tema.
En estos ejemplos, el único movimiento realmente obvio es la mano que levanta la taza para beber. El
primer dibujo establece la escena; el segundo muestra la intención; y el tercero completa la acción. La
línea múltiple suelta utilizada en el segundo y tercer dibujo ayuda a dar el efecto de movimiento.
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73
MOVIMIENTO: CONTROLADO Y DESCONTROLADO
El mas efectivo
dibujos de personas
caer accidentalmente
capturar lo puro
imprevisibilidad de la
situación. En esto
ejemplo, los brazos y las
piernas están en todo tipo
de ángulos extraños y la
expresión es una
mezcla de tensión,
miedo y sorpresa. El
se pregunta donde
y cómo va a aterrizar.
Deliberadamente yo
hizo que la línea fuera bastante
incierta para mejorar
el efecto de la
incertidumbre en el
situación.
En este ejemplo, el ángulo extraño de la visión del espectador proporciona un contraste con las líneas del agua y el
costado de la piscina, creando tensión aunque es obvio lo que está sucediendo. No se trata de un drama en
ciernes, sino de un momento congelado en el tiempo. El ligero efecto estroboscópico del trampolín también ayuda
a dar la impresión de que estamos presenciando algo de primera mano.
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74
Movimiento: controlado y descontrolado
Usé un clip de un periódico como modelo para este contrasta con el resto de la figura, mucho
jugador de rugby pateando una pelota. Mi versión más definida. El equilibrio de la posición es
está ligeramente modificada del original para muy importante, para acentuar la fuerza de
acentuar la "pelusa" del pie que patea desenfocado. la patada y la concentración del pateador en
La velocidad de este movimiento esos postes lejanos.
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75
AÑADIR A SU VOCABULARIO
Un artista en ejercicio debe estar listo para dibujar en
cualquier momento. Si quieres sobresalir en el dibujo,
dibujar tiene que convertirse en una disciplina.
Adquiera el hábito de ver las cosas para dibujarlas.
Esto significa, por supuesto, que tendrás que llevar
contigo un bloc de dibujo o algo en lo que puedas
anotar tus impresiones. Te encontrarás haciendo
bocetos de hechos únicos irrepetibles que no se
pueden plantear, como dije. hizo con algunos de los
bocetos que se muestran aquí.
Una nota rápida, aunque no sea muy precisa, es

todo lo que necesita para hacer una adición
valiosa a su vocabulario de dibujo. A menudo es
imposible terminar el boceto, pero esto no
importa. Algunos de los dibujos más evocadores
que produce cualquier artista son bocetos rápidos
y espontáneos que capturan el movimiento fugaz,
la actitud, el ángulo de visión o la vista de un
movimiento. A menudo son los dibujos a los que
regresa una y otra vez para usar en composiciones
o para recordar una atmósfera o lugar.
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76
Añadiendo a su vocabulario
Al dibujar escenas con grandes áreas de edificio,

es útil simplificar las áreas de luz y sombra para
que sea más obvio cómo la luz define la solidez
de los edificios. En ambos ejemplos, una gran
área de sombra ancla toda la composición y le da
profundidad y fuerza.
En el primer dibujo somos conscientes de que el espacio
abierto con edificios a su alrededor es un cuadrado; en el
segundo no tenemos ninguna duda de que la zona muy oscura
es un arco a través de un edificio sólido. En ambos ejemplos la
luz y la sombra ayudan a convencer.
No olvides tu cuaderno de bocetos

Un libro de bolsillo con tapas duras y papel fino es generalmente lo
mejor para la mayoría de los bocetos rápidos, ya que es fácil de usar
y te obliga a ser económico con tus líneas, tonos o colores. Un lápiz
de mano o un lápiz propulsor de plástico liviano con una mina fina
es ideal; preferiblemente llevar más de uno. Un delineador de
pigmento de línea fina también es muy útil y le enseña a dibujar con
confianza sin importar cuán torpe sea el dibujo.
La práctica continua hace una gran diferencia en tu habilidad de
dibujo y te ayuda a experimentar de maneras de reducir los efectos de
manera rápida y efectiva. Si es realmente serio, debería tener media
docena de cuadernos de dibujo de diferentes tamaños y papeles, pero
los de tapa dura suelen ser más fáciles de usar porque incorporan su
propio tablero de dibujo incorporado. Un gran cuaderno de bocetos A2 o
A3 se puede apoyar fácilmente sobre las rodillas cuando está sentado y
ofrece mucho espacio para dibujar. Cubra las páginas con muchos
dibujos, en lugar de tener uno en cada página, a menos que su dibujo
sea tan grande que no deje espacio para otros.
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Forma y forma
Lo que ve el ojo es forma, color, luz y sombra, y no mucho más.

Sin embargo, la mente se pone a trabajar en la experiencia, la
relaciona con otras experiencias y traduce la forma y la forma en
algo que podemos reconocer, como un hombre, una mujer, un
caballo, un perro, un árbol, una casa o lo que sea.
La forma es la impresión visual del contorno que tenemos de
un objeto. Sin embargo, debido a que nos acostumbramos a ver
ciertos objetos en ciertas posiciones, nuestra mente desarrolla
plantillas visuales y tendemos a ver lo que esperamos ver en lugar de
lo que realmente está allí. La forma cambia constantemente,
dependiendo de nuestra posición en relación a ella, y esto puede
causarnos un sinfín de problemas como espectadores y artistas.
La forma es la apariencia tridimensional de un objeto o cuerpo;
en otras palabras, el área espacial que habita. La forma es más difícil
de dibujar que la forma debido a los problemas de representar tres
dimensiones en una superficie plana. Para que nuestras
representaciones sean realistas, tenemos que encontrar formas de
expresar formas que vienen hacia el espectador o que se alejan del
punto de vista.
El artista tiene que experimentar tanto al ver como al
dibujar para llegar a comprender el lenguaje de la forma y la
forma y cómo manipularlo. Esta sección está destinada a
ayudarlo a usar sus ojos de manera más experimental, para
mirar más allá de sus expectativas y su proceso normal de
reconocimiento.
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79
FORMA Y FORMA
FORMAS ARQUITECTÓNICAS
Para comprender la forma en el espacio, necesitamos ejercitar nuestra conciencia espacial, y no simplemente analizar
por lo que esperaríamos ver moldeado por lo que sabemos de la teoría. Cuando se trata de arquitectura, que nos
rodea a la mayoría de nosotros la mayor parte del tiempo, tenemos que empezar a mirarla con nuestros sentidos
espaciales y visuales afinados a un aspecto más
estado perceptivo.
Cuando miramos la forma de un
ejemplo de bóveda gótica, o un ejemplo de
bóveda islámica, vemos que existe una
necesidad y, por lo tanto, cierta similitud en
las técnicas utilizadas para sobrearquear un
espacio. Pero la forma en que estas formas
arquitectónicas han sido diseñadas
específicamente significa que nunca podrían
confundirse entre sí, a pesar de que ambas
tienen el mismo propósito funcional.
Este ejercicio del sentido visual es
muy importante para el artista, por lo que
al mirar diferentes formas de arquitectura,
trate de olvidarse de lo que sabe y confíe
mucho más en el estímulo visual para
comparar una forma con otra. Aparte de su
apreciación estética, hará que dibujar
arquitectura sea mucho más fácil.
Las bóvedas góticas (arriba) e

islámicas (izquierda) comparten
algunas similitudes en términos de
las formas utilizadas en sus
creación, pero no se puede
confundir un tipo con el
otro. Mire estos dos
ejemplos, notando su
similitudes y diferencias.
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80
Formas arquitectónicas
Aunque la forma tiende a seguir a la función, esto no significa que la relación la impida. Son posibles muchas
variaciones, y aquí es donde entra en juego la elección. Comparamos imágenes siendo conscientes de las
implicaciones de una forma. Nuestra decisión de utilizar un formulario en una imagen se basa en una
evaluación de idoneidad.
Los requisitos estéticos y sociales para vivir cambian

con el tiempo y pueden generar grandes diferencias en
el "aspecto". La casa medieval (arriba) era funcional
para su época, pero no comparte las líneas nítidas y
definidas de su contraparte moderna.
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81
FORMA Y FORMA
RECONOCIMIENTO DE FORMA
Veamos algunas formas en silueta. ¿Qué pistas de identidad se transmiten en estos sencillos bosquejos? El
Mustang estadounidense, el Spitfire británico y el Stuka alemán son aviones de combate monoplano de ala
baja de la Segunda Guerra Mundial. Son fáciles de diferenciar e identificar debido a los detalles particulares
evidentes en sus marcos principales. Del mismo modo, el helicóptero Harrier Jump-Jet y Sea King que se
muestran en la página opuesta no son difíciles de diferenciar de otros tipos de aeronaves.
Volcán
Los tres de estos aviones

de combate fueron
producido sobre el
Mismo tiempo. Cada
estaba destinado a
ser el mejor de su
tipo. El Mustang fue
El mas efectivo.
Mustango
Stuka
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82
Reconocimiento de formas
Aguilucho
Ambos tipos de cabina de aire

despegan verticalmente pero
poseen diferentes
medios para lograrlo.
Rey del mar

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83
FORMA Y FORMA
Nuestra capacidad para reconocer formas se aprende en la niñez a medida que nos damos cuenta del mundo en
general. Nuestro vocabulario visual crece según los medios a nuestro alcance. Todas las siluetas de esta hoja me
despiertan recuerdos de mi infancia y de las horas que pasé estudiándolas en mis libros de imágenes.
Si vamos a dibujar bien, debemos tener la capacidad de conectar formas y, sin embargo,
diferenciarlas. Si no podemos hacer esto, terminaremos produciendo dibujos que tienen tanto carácter
como las imágenes de los carteles de las calles.
El continente africano visto desde

una nave espacial. Esto es tan
familiar para nosotros por los
mapas que uno se sorprende por
la precisión de aquellos primeros
creadores de mapas, que no
tenían la
beneficiarse de cámaras o naves
espaciales y, sin embargo, nos dio
la forma correcta.
Una Segunda Guerra Mundial
Casco del ejército alemán.
La forma característica de un casco

Morion español del siglo XVI.
Ambos tipos de casco

proporcionaban protección para
la cabeza en la batalla, pero
tenían armas bastante diferentes
con las que lidiar.
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84
Reconocimiento de formas
Estos dos barcos tienen funciones similares

pero evolucionaron en diferentes lugares
con tecnologías ligeramente diferentes. La
forma de cada uno es característica y es
poco probable que confunda uno con el
otro.
La santa maria
El oficio de Colón.
Una basura china.

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85
FORMA Y FORMA
SÍMBOLOS Y ASOCIACIONES
Algunos edificios se convierten en firmas de lugares o
leyendas, por la asociación que se hace para ellos. Si vemos
una imagen de la Torre Eiffel, inmediatamente pensamos en
"París". Cuando vemos una imagen del Taj Mahal, incluso un
dibujo esquemático como el que se muestra, nos vienen a la
mente asociaciones de la India o del Este. Del mismo modo,
la creación de Cervantes Don Quijote estará asociada para
siempre a los molinos de viento españoles.
Hay muchos otros ejemplos de imágenes que se
asocian indeleblemente con lugares, cosas o ideas.
¿En cuántos puedes pensar?
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86
Símbolos y asociaciones
El reconocimiento instintivo es un efecto extraño de ver en parte y de esperar en parte. Cuando intentas
dibujar la forma de algo, queda claro que tiene características que ayudan a definir su función. Su forma
le permite hacer lo que hace.
La forma del depredador más agresivo del océano es muy conocida por nuestra experiencia con
películas y fotografías. No hay duda de su formidable forma, incluso en silueta. ¿Cómo es posible que el
contorno de un cisne blanco sobre un fondo oscuro sea tan pacífico, mientras que esa forma de tiburón
negro está tan llena de poder siniestro? Porque sabemos cómo estas formas afectan al espectador y las
asociaciones que les atribuyen.
Como artistas, podemos utilizar este conocimiento para transmitir mensajes en nuestras imágenes. Esto no es
tan fácil como parece si queremos que nuestra imagen funcione correctamente. Exige una conciencia de las formas y
sus asociaciones para los espectadores en áreas amplias y dispares de la vida.
Imágenes arquetípicas de
opuestos: peligro y
serenidad.
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87
FORMA Y FORMA
CREANDO FORMULARIO
Nuestro sistema de reconocimiento bastante sofisticado debe ser persuadido para que interprete las formas
como formas tridimensionales. Una forma de hacerlo es producir un efecto que se leerá como forma, aunque
en realidad esto solo puede comprender una disposición de líneas y marcas. Veamos algunos ejemplos.
A menudo se da una forma esquemática en los atlas

para representar el mundo. ¿Por qué esta disposición
particular de líneas dentro de un círculo crea una
versión bastante convincente de una esfera con sus
líneas de latitud y longitud? Realmente no creemos que
sea una esfera, pero, sin embargo, conlleva convicción
como un diagrama.
Vayamos un paso más allá. En este dibujo de una

fotografía blanqueada de una cebolla, las estrías o
líneas reducidas hacen el mismo punto.
Reconocemos este tipo de patrón y nos damos
cuenta de que lo que estamos mirando pretende
representar un objeto esférico que brota.
Podemos 'ver' una cebolla.
Entonces, ¿es esta una fruta redonda? No

claro que no. Pero el efecto dibujado de la
luz y la sombra es tan familiar por nuestro
estudio de fotografías y películas que
reconocemos la forma redondeada como
una pieza de fruta.
Acondicionamiento visual
Hemos sido educados para aceptar la representación de objetos tridimensionales sobre una superficie
plana. Este no es el caso en todas las partes del mundo. En algunas áreas remotas, por ejemplo, las
personas no pueden reconocer los objetos tridimensionales con los que están familiarizados a partir de
fotografías.
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88
Creando formulario
Cuando miramos este hexagonal

dividido en paralelogramos de
tonos claros, oscuros y medios,
queremos interpretarlo en forma de
cubo o bloque.
Estas líneas y marcas bastante garabateadas pueden

verse como una criatura parecida a un gato que salta
y una forma humana involucrada en una actividad
deportiva. Por supuesto que no son realmente esas
cosas, pero hay suficientes pistas para que nuestra
memoria siempre lista nos recuerde las formas que
hemos visto. La mente completa rápidamente los
detalles incluso cuando una forma es rudimentaria.
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89
FORMA Y FORMA
ENFOQUES PARA FORMAR

Entonces, ¿qué métodos podemos usar para retratar la forma de manera convincente de modo que el
espectador vea una solidez que de hecho es meramente inferida? Bueno, en estas páginas tenemos la figura
humana, probablemente el tema más sutil, difícil pero más satisfactorio para dibujar, y algunos detalles del ojo.
Estos muestran diferentes formas de analizar la forma. Cada artista tiene que emprender sus propias
investigaciones sobre la forma. Implican métodos de mirar, así como métodos de dibujo, y al practicarlos se
educa el ojo, la mano y la mente.
Podemos dibujar líneas alrededor de las

secciones de una forma para darnos una
especie de visión computarizada de las
dimensiones de la forma, como en esta
figura reclinada.
Otro enfoque consiste en delinear las

diferentes superficies dibujando
marcas similares a las facetas que se
obtienen en una escultura de madera.
Esto da una impresión muy real de un
cuerpo sólido que ocupa espacio.
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90
Enfoques de la forma
En un primer plano como este, se

muestra cada detalle de la forma del
ojo. Es un muy buen ejercicio tomar
algo tan obvio como uno de nuestros
propios rasgos y verlo de cerca en un
espejo. Pruebe esto usted mismo:
estudie la forma de su ojo y luego trate
de dibujar cada arruga, cabello o
reflejo. Observe cómo los párpados
parecen curvarse alrededor de la bola
lisa del ojo y cómo las pestañas
sobresalen a través de las líneas del
párpado y el ojo.
Este podría ser el dibujo subyacente

de la primera imagen: el
forma esquemática de la parte
principal del ojo con indicaciones de
sus curvas y bordes.
El pintor italiano
Giorgio Morandi tuvo una visión
particular de la forma que no se
parece a ninguna otra. Sus
grabados de naturaleza muerta
los sujetos tienen una
solidez oscura, como en
este ejemplo. Logró
este efecto acumulando
finas líneas de trama
cruzada que,
tomado en combinación,
crear sombras dramáticas
muy sustanciales y
luces.
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91
FORMA Y FORMA
Como ya hemos visto con el diagrama del globo terráqueo en la página 88, las líneas que están integradas en un
diagrama pueden darnos todas las pistas visuales que necesitamos sobre la forma de un objeto. En el mundo natural,
estas líneas se nos proporcionan a menudo. Donde no ocurren naturalmente, los artistas los han inventado para
ayudarlos a explorar la forma.
En el autorretrato y la
vista del pueblo de Estaque
que se muestra en esta
página, Cézanne ha
de alguna manera logró mostrar
forma en el espacio; es decir, dar
un efecto de solidez o
profundidad mediante su
sombreado y marcas de forma
bastante escasas. No ha mostrado
la relación clásica entre sombra y
luz, pero tampoco las ha dejado
completamente fuera.
La economía evidente en el dibujo a continuación es edificios en primer plano y los más alejados. Si decide
aún más pronunciada en este panorama. Grandes mostrar la forma de esta manera, tenga cuidado de
áreas de espacio en blanco están limitadas por no poner demasiadas líneas o marcas más gruesas.
marcas débiles que muestran los bloques principales Menos marcas parecen producir una mayor
de edificios. Algunas marcas más pesadas aquí y allá conciencia de la forma en el espectador.
enfatizan las sombras o la intensidad del color en la
escena. Esta forma bastante mínima de denotar
masas sólidas en el espacio da una sensación muy
fuerte del espacio entre los
En este autorretrato, la zona de tono más oscuro

ayuda a dar la impresión de las zonas importantes de
la forma, especialmente alrededor de los ojos y la
nariz. Las grandes áreas tonales en un lado de la
frente y la barba ayudan a conectar las principales
protuberancias de la cara con la forma generalmente
redondeada de la cabeza. Con gran economía de
dibujo, Cézanne consigue convencernos de que
estamos ante una cabeza tridimensional.
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92
Estas conchas son

estructurado de tal manera
que proporcione sus propias
líneas de contorno, las
estrías o el crecimiento
líneas indicaciones de
su evolución natural.
Incluso sin luz y sombra,
las líneas claramente
visibles que avanzan
alrededor de la forma del
caparazón nos da una buena
idea de cómo se forma el
caparazón. Ofrecen un
ejercicio útil en
comprensión de formas.
Cézanne intentó
descubrir la forma de
los objetos dibujando
múltiples líneas alrededor
sus bordes. Estaba
tratando de dar
múltiples vistas de
sus objetos, como
cuando ves algo.
de muchos un poco
diferentes ángulos. En este
ejemplo, sus líneas
Sugiera que realmente
puede ver alrededor de los
bordes de los objetos.
Cubismo
Los cubistas (artistas como Braque, Picasso, Léger y Ozenfant) llevaron el análisis de Cézanne un
paso más allá al intentar dibujar objetos desde puntos de vista contrastantes: de lado, de frente,
de arriba, de abajo, etc. En el proceso, tuvieron que fragmentar sus imágenes para poder
mostrar estos diversos enfoques en una sola imagen. Esto llevó a los típicos conjuntos de
imágenes cuboides por los que fueron nombrados. Estos artistas lograron cambiar la forma en
que vemos el mundo, aunque sus métodos rara vez se emplean ahora.
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93
FORMA Y FORMA
La tarea más formidable a la que se enfrenta cualquier artista es cómo

dibujar la forma humana tridimensional de manera convincente de una
forma u otra. Hay muchas maneras de hacer esto. En las próximas dos
páginas consideraremos tres bastante obvias.
La obra de Franz Stück es de estilo lineal; la mayor Este ejemplo, también una copia de un Stück, está
parte de la forma se realiza con muy pocas líneas, dibujado de manera más dramática. Aunque los bordes
permitiendo que nuestra mente llene los espacios son suaves, hay una poderosa plenitud de forma, con
vacíos con la plenitud de la carne. marcas tonales de aspecto calcáreo que indican la
redondez del cuerpo.
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94
El enfoque de Otto Greiner hacia la forma es

esencialmente el del artista clásico, como muestra
esta copia, con la luz y la sombra manejadas con
cuidado y sensibilidad. Es un método eficaz
aunque lento y laborioso, pero vale la pena
dominarlo.
Observe cómo algunas líneas en

el dibujo siguen los contornos
alrededor del formulario y
a veces lo cruzan.
Líneas alrededor
los contornos.
Líneas a través del

contornos.
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FORMA Y FORMA
Estas copias de dos cabezas de David Hockney muestran diferentes métodos de usar el tono para mostrar la
forma. Como consecuencia del diferente tratamiento, el efecto que ha conseguido en cada dibujo es muy
marcado.
El manejo aquí es
comparativamente sensible,
elegante y muy económico,
mostrando la forma suficiente
para permitirle al espectador
darle sentido a la forma.
Este autorretrato es un asunto mucho

más accidentado. La zona tonal
dominante nos da una sensación muy
generalizada de la forma de la cabeza,
sacrificando así características
individuales para lograr un efecto más
dimensional.
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Mientras que en una cara todas las superficies se mueven suavemente entre sí, incluso en las caras más escarpadas,
en un edificio cada superficie es distinta de la siguiente. La mayoría de los edificios son rectilíneos, cuboides o
cilíndricos y no tienen curvas ambiguas. El desafío de hacer una estructura que permanezca erguida y perdurable en el
tiempo significa que los bordes de sus superficies están más definidos y las formas mucho más simples que las que se
encuentran en la forma natural. Como consecuencia, es mucho más fácil mostrar masa.
Aquí tenemos dos ejemplos de dibujos de edificios en los que el objetivo es comunicar algo de la
materialidad y forma de estos edificios. El primero, de una torre de Christopher Wren, sigue las formas
casi como si el artista estuviera construyendo el edificio de nuevo como lo describe su lápiz.
El enfoque adoptado para un famoso monumento de Londres, Battersea Power Station, es muy diferente, como
corresponde a un gran monumento a la era industrial.
Este dibujo captura las elegantes

formas equilibradas de la
arquitectura clásica practicada
por Christopher Wren, con
espacios a través de la forma y
Aquí se ha logrado un efecto tridimensional muy poderoso mucha articulación de las
al retratar vívidamente la enorme simplicidad del diseño superficies para crear ligereza en
del edificio con sombras nítidas y grandes áreas de luz. la estructura de piedra, así como
interés visual.
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97
FORMA Y FORMA
UNIVERSALES EN FORMA
Tanto Ewan Uglow como Geoffrey Elliott producen figuras que representan universales en forma. Tampoco lo
es intentar producir retratos de la forma aceptada. No se puede decir que las figuras de Uglow representen
personas únicas e identificables, y Elliott obviamente está más interesado en las formas generales que habitan
el paisaje que en tratar de reproducir individuos en papel. Ambos enfoques nos enseñan que para dibujar bien
no es necesario realizar un retrato íntimo de la persona que está dibujando. Un buen dibujo puede ser
puramente una expresión de estética y una experiencia de forma.
Estas figuras reclinadas son del cuaderno de bocetos de son universales en su forma, pero las cualidades
Geoffrey Elliott con dibujos de personas en una playa de personales emergen a pesar de la ausencia de
Sussex. Como las figuras de Uglow, ellos expresión o movimiento emocional obvio.
La forma magistral de Euan Uglow de producir una monumentalidad. Este vigor geométrico también se
figura es extremadamente precisa pero requiere mucho refleja en las superficies de tono y color cuidadosamente
tiempo; se le conoce por pasar años en una sola pintura. colocadas, que construyen una vista estructurada y
Uglow construyó esta figura desnuda a partir de cientos poderosa de la forma humana. Inevitablemente, este
de marcas cuidadosamente medidas en lienzo o papel enfoque requiere el sacrificio de algunos elementos de
para producir un efecto de individualidad.
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Universales en forma / forma simplificadora
EJERCICIOS EN FORMA SIMPLIFICADORA

La forma real de un objeto se puede investigar dibujándolo desde muchos ángulos diferentes. Para este
ejercicio, miramos una bota, pero podría ser cualquier objeto que elijas. Se puede utilizar un modelo
para el mismo ejercicio. Trate de dibujarlo desde diferentes puntos de vista, a veces de pie, a veces
sentado, etc. Encontrará que esta investigación detallada sobre la forma es muy valiosa.
La simplificación es esencial si queremos producir dibujos precisos. Esto se aplica a todo lo que
decidamos representar en papel. Por último, en esta página, he elegido una figura para que practiques.
Para comenzar, seleccione un ángulo desde el cual el objeto sea claramente identificable. Cuando haya hecho
esto, cambie su posición y continúe cambiándolo hasta que haya visto y dibujado el objeto desde muchos
ángulos diferentes: desde arriba, desde abajo, de lado, desde el frente, desde atrás. Continúe hasta que sienta
que sabe cómo funciona la forma.
Con una figura fija es una buena idea reducirla a sus formas
geométricas más simples. Por ejemplo, si la figura está
sentada en una silla, la disposición podría verse como un
bloque rectangular con una parte alta en forma de torre
que sobresale por encima.
Alternativamente, una persona sentada con las rodillas
hasta la barbilla y los brazos alrededor de las piernas
produce una forma de cuña.
Esta simplificación puede ayudar enormemente a

la empresa a obtener las proporciones y la
posición correctas de la figura. Una vez que haya
dibujado la forma geométrica sólida simple,
puede dibujar en ella sabiendo que este es su
plano de planta.
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99
FORMA Y FORMA
FORMAS ELEMENTALES
Las formas elementales son tan expresivas como definitorias, y presentan muchas dificultades a la hora de
dibujarlas. Hagas lo que hagas, no te alejes de los problemas que surgen con tus intentos. Todos se pueden
resolver si pones un poco de esfuerzo.
Una buena forma de comenzar es seleccionando varios símbolos de los elementos y estudiándolos de
cerca. Vamos a ponerlos en orden de dificultad, empezando por la tierra y el agua.
La tierra se puede mostrar por granos de tierra o incluso

por césped. Más fácil aún es elegir un árbol como símbolo,
uno cuyas ramas se puedan ver fácilmente. El invierno es,
por supuesto, el mejor momento para tener una visión
clara de la arquitectura de las variedades de hoja caduca,
que ofrecen las formas más interesantes.
El agua es una forma aún más difícil de entender que

la tierra. Primero, intente dibujar un poco de agua sin
gas derramada sobre una superficie reflectante,
como un espejo. Será necesario un estudio cuidadoso
y detallado para revelar realmente sus propiedades.
Primero dibuje el borde del contorno de la forma,
observe las cualidades tonales y luego el reflejo en el
agua.
Esto no es difícil siempre que dibuje
todo lo que pueda ver.
El agua en movimiento representa un
desafío aún más difícil. Deberá dedicar un
tiempo a mirarlo y a simplificar lo que ve. Sin
embargo, eventualmente comenzarás a ver las
formas que hace. A veces, las fotografías
pueden ayudar a este respecto. No sea
demasiado sutil en sus intentos iniciales.
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100
Formas elementales
¿Cómo dibujas lo que no se ve? Con aire, la formas, pueden describir el aire de manera muy efectiva,
forma más obvia es a través de las nubes. especialmente cuando ves una procesión completa de
Hermosos grupos de vapor de agua que nubes que se extiende hacia el horizonte, como aquí.
cuelgan en el aire, formando Intenta dibujar un paisaje celeste similar.
El fuego es un tema realmente

complicado. Comience con la
llama de una vela antes
tu abordas el
parpadeantes llamas de un
gran resplandor. Puede
utilizar fotografías para
referencia, pero a menos que
si miras de cerca un
fuego real, no tendrás la
sensación de
movimiento o ser
consciente de la variedad
de formas.
Los primeros japoneses
y artistas chinos
Tenía muy buenas formas
de dibujar llamas.
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101
FORMA Y FORMA
EXPRESIÓN INDIVIDUAL: PICASSO

No son solo las formas físicas en un dibujo las que se pueden enfatizar mediante la manipulación cuidadosa de
la marcación. Pablo Picasso fue un maestro en comunicar las cualidades que no son tan obvias.
En estos dibujos copiados de sus cuadernos de bocetos, vemos tres formas diferentes en que las marcas
dibujadas pueden corresponder a la forma y transmitir mensajes más emocionales que solo la existencia de la forma
en el espacio. Muestran cómo un artista innovador puede doblar las reglas de la forma para recrear la forma de una
manera nueva.
Esta cabeza formal de expresión

enigmática tiene la apariencia de
una máscara africana de madera
tallada. El dibujo deriva su poder
de la forma en que Picasso ha
manejado las formas simples de
la superficie. No hay ningún
intento de producir lo más sutil
gradaciones de forma. Tanto las

superficies planas como las curvas
tienen modulaciones simples.
Aquí, la forma del contorno es un

ejemplo asombroso de una línea
que hace mucho trabajo para
mostrar movimiento, emoción y
dimensión espacial. los
las distorsiones particulares de las
formas transmiten una sensación de
sustancia de una manera vívida, casi
gomosa. El esquema no es formal
sino enérgico y enérgico y da una
fuerte impresión de drama y
emoción.
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102
Expresión individual: Picasso
En este dibujo, el poder emocional extremo se

manifiesta mediante la distorsión inteligente de las
formas físicas de la cabeza sin perder por completo el
efecto del dolor humano. El rostro parece casi
disolverse en lágrimas, mientras que las manos y los
dientes crean una inmensa tensión o angustia.
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103
FORMA Y FORMA
Varias líneas de diferente longitud parecen describir Cada marca ayuda a describir la curva de la
los contornos de este poderoso autorretrato en superficie de los rasgos faciales. El método es
tinta. La técnica utilizada es muy interesante. En eficaz porque no ha intentado ser económico con
lugar de construirse con capas sucesivas de tramado sus líneas. Las marcas de garabatos que se
suave y controlado, las características se dibujan con utilizan para construir cuidadosamente el rostro
líneas nerviosas en forma de gancho. Es casi como si dan una especie de textura áspera, cuyo efecto
el artista se hubiera dibujado directamente en su es aumentar la sensación de
propio rostro. sustancialidad.
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Expressio individual: Picasso
Aquí el estilo de Picasso es bastante

formal, pero la técnica de la tinta
áspera y borrosa parece el resultado
de un dibujo rápido de un sujeto
bastante equilibrado con poca
movimiento en la propia cabeza. La
forma se realiza de forma
extremadamente económica por la
salpicadura de marcas, que dan una
sensación generalizada de solidez
sin ningún detalle. El enfoque del
artista produce un efecto bastante
escultural.
Esta cabeza está distorsionada por

su intensidad emocional pero se lee
muy bien como un
rostro y cabeza convincentes y
sólidos. Picasso sacrificó la
precisión de la forma por la
intensidad del sentimiento y la
expresión. A pesar de esto, la
cabeza no parece irreal y es
convincente como retrato de
un poderoso
emociones en un rostro humano.
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105
FORMA Y FORMA
EJERCICIOS: FORMULARIO DE REALIZACIÓN
Veamos ahora el tipo de ejercicios que le ayudarán a empezar a ver cómo realizar la forma con algo de
poder. Todos son difíciles pero extremadamente útiles y muy satisfactorios cuando comienzas a hacerlos
funcionar. Requerirá práctica repetida, por supuesto, pero si quieres ser un artista eficaz, no puedes
evitar el trabajo duro.
Un patrón geométrico en una

forma tridimensional es un
maravilloso ejercicio para el dibujante,
y muestra cómo un dispositivo lineal
en una superficie puede describir la
forma de esa superficie.
Esta lata de galletas con estampado
de tartán presenta varios problemas.
Primero está dibujando el contorno con
su parte superior elíptica y lados
cilíndricos. En segundo lugar está el
patrón, que avanza alrededor del borde
curvo de la lata, pero se muestra plano
en la tapa con cierta perspectiva.
Dibuja tu contorno con el patrón

básico inscrito, como se muestra.
Incluso sin la adición de tono o
detalle, esto da una idea de la
redondez de los lados y la planitud
de la parte superior.
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Ejercicios: darse cuenta de la forma
Con esta taza y platillo, el paisaje impreso es complicado pero interesante. Tienes que marcar los detalles de la
impresión exactamente alrededor de la curva de la copa, de lo contrario la copa se verá plana. Una cosa que lo hace
un poco más fácil es el hecho de que algunos de los detalles del patrón no son claros, por lo que algunos errores no
necesariamente marcarán una gran diferencia. El punto principal a observar es la forma en que la imagen se reduce
en ancho a medida que se curva alrededor de la taza.
El contorno general da la forma básica y alguna indicación de la escena alrededor de las superficies curvas
tanto de la taza como del platillo. Pero no es hasta que se añaden más detalles con variaciones de tono que la
redondez de la copa se hace evidente.
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107
FORMA Y FORMA
Otro ejercicio de prueba es dibujar en detalle un rostro humano anciano, con todas las líneas, texturas y
marcas que produce la vejez. Si esto es demasiado difícil con un modelo humano (lleva bastante tiempo y su
modelo puede ponerse inquieto), intente dibujar a partir de una fotografía de primer plano detallada.
Mi dibujo del famoso pionero de la fotografía o tinta. Cuando lo pruebe, encontrará que tiene
Alfred Stieglitz se realizó a partir de una que disciplinarse para producir cada marca, cada
fotografía tomada por uno de sus alumnos. El pequeña ondulación de carne y mechón de cabello
detalle en ese original es brillante y es todo un con muchas pequeñas marcas cuidadosas.
tour-de-force producirlo a lápiz. Permítase mucho tiempo para este ejercicio.
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108
Ejercicios: darse cuenta de la forma
La anatomía humana es quizás la prueba definitiva para el dibujante. Si desea sobresalir en el dibujo de
retratos, vale la pena intentar adquirir un cráneo o el uso de uno de un médico u otro artista mayor que
probablemente tenga acceso a uno. Dibuje con cuidado desde diferentes ángulos con gran detalle. No se
apresure, sea preciso, borre cualquier error, vuelva a dibujar sin piedad y no se quede satisfecho hasta que el
dibujo sea casi fotográfico en detalle.
El ejemplo que se muestra es un cráneo que se desafío porque es desconocido para la mayoría de
puede desmontar, aunque en la vista completa se nosotros. Mantenga el dibujo preciso y limpio, de
han omitido las líneas de división y los ganchos que modo que no tenga dificultad para ver dónde se
mantienen unidas las partes. El interior del cráneo equivoca. Esto hará que sus errores sean más fáciles
es particularmente resistente. de corregir.
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109
Evaluar lo que funciona
Cuando nos embarcamos en diseñar y dibujar una composición,

instintivamente buscamos la mejor manera de expresar nuestra
experiencia. Si nos basamos directamente en la naturaleza, podemos
organizar nuestro tema o nuestro propio punto de vista para obtener
la mejor vista posible.
Es posible que tengamos que alterar la iluminación con medios
artificiales o movernos a una posición donde la luz sea más propicia para el
efecto que deseamos producir. El objeto que elegimos inicialmente para una
naturaleza muerta puede no ser del todo correcto y podemos tomarnos un
tiempo seleccionando exactamente el correcto, puliéndolo, colocándolo en
diferentes posiciones y, en general, organizando las formas para conseguir la
mejor disposición posible.
Obviamente, un paisaje no se puede mover, pero la mayoría de
los artistas ajustan partes de él para que se adapten a su composición.
Si un árbol está en el lugar "incorrecto", se puede dejar fuera de la
imagen o moverse en el lienzo sin demasiada dificultad.
Cuando se trata de retratos, además de obtener la mejor luz,
fondo y perfil, también puedes mirar ropa, peinado y accesorios para
marcar la diferencia en tu composición. La decisión de dibujar solo la
cabeza, o la cabeza y los hombros, la mitad de la longitud o la longitud
completa también puede afectar en gran medida el resultado final.
Cada imagen necesita una cuidadosa consideración para sacar

todo su potencial. A veces, se encontrará cambiando su enfoque al
menos una vez para obtener un dibujo correcto.
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111
EVALUAR LO QUE FUNCIONA
ÉNFASIS Y UBICACIÓN
En las próximas seis páginas, examinamos los
métodos de composición en una variedad de
géneros, desde el paisaje hasta la naturaleza
muerta. Los ejemplos incluidos son de
diferentes estilos y en el tiempo se extienden
desde el Renacimiento hasta el siglo XX. Todos
contienen dispositivos diseñados para atraerlo
y garantizar que comprenda el punto del
dibujo. Los diagramas se incluyen para indicar
el flujo narrativo y mostrarle cómo se atrae la
atención visual de una parte de una imagen a
otra.
En esta narración sencilla (una copia

del mural de la Anunciación a los
pastores de Taddeo Gaddi, en Santa
Croce, Florencia), vemos a los pastores
reaccionar a una luz brillante en el
medio de la imagen, en una colina
empinada con algunos árboles en la
parte superior. En la esquina superior
derecha hay un área de cielo oscuro y
un ángel flotando fuera de una nube
brillantemente iluminada, indicándole
a los pastores. En la parte inferior, hay
un pequeño rebaño de ovejas con un
perro mirando. La posición del ángel
descendiendo en picado y los pastores
en ángulo en el centro de la imagen
dan una versión inequívoca, casi de
dibujos animados de la historia. El
resplandor del ángel nos habla de su
importancia, y la posición y las
acciones de los pastores los marcan
como personajes centrales.
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112
Énfasis y ubicación
Esta es una copia de un paisaje del pintor rocas de primer plano. La curva hacia adentro del
estadounidense del siglo XIX John Kensett. Los bancos agua atrae sus ojos hacia el lejano pico de la
rocosos y boscosos se curvan en la imagen montaña, que se eleva sobre las colinas
aproximadamente en el centro del escenario. Para circundantes. Incluso el paisaje de nubes ayuda a
ayudar al espectador, Kensett ha incluido un grupo de enmarcar la montaña bastante distintiva, que está en
aves silvestres que están a punto de despegar del agua. la línea central. Kensett utiliza estos dispositivos muy
La atención del espectador es captada inmediatamente precisos para que miremos todo el paisaje y
por este movimiento y por el detalle de la apreciemos la singularidad de sus características.
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113
El punto de vista de Degas aquí

es bastante extraordinario.
Vemos la parte superior de la
niña, al revés mientras se inclina
para recoger una esponja. La
bañera actúa como una forma
de base grande y estable y la
toalla y la silla en el suelo nos
conducen a la ventana indicada
en la
antecedentes. Poco más de la
mitad de la imagen está
ocupada con esta vista inusual
de una acción bastante simple y
le da una dinámica interesante a
la composición. Parece
casi como si hubiéramos visto este
acto íntimo a través de una puerta
abierta. Estamos cerca, pero de
alguna manera separados de la
actividad, lo que ayuda a darle a la
imagen un aspecto escultural.
calidad.
Degas ha encontrado una
forma muy eficaz de generar
interés con solo
arreglo en el
lienzo. Ordinario, pero
extraordinario.
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114
Al igual que Degas, el pintor estadounidense Edward Parece que estamos ante una representación de un
Hopper deseaba retratar la vida cotidiana tal como la día de verano atemporal, como se vive en una casa
veía. En esta imagen, no hay una situación junto al mar, brillante, quieta y equilibrada por la
dramática, ni una figura, aunque la puerta abierta sombra y la luz. A pesar de la
sugiere que alguien puede estar cerca. La simplicidad, hay un toque de expectativa,
composición es muy quieta, a pesar de las olas en la como si alguien pronto entrara en el espacio.
superficie cercana del mar que se vislumbra a través La composición llama la atención y es
de la puerta. extrañamente pacífica al mismo tiempo.
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115
El español Juan Sánchez Cotán encontró en este ¿Cotán habría visto frutas y verduras dispuestas
bodegón una forma eficaz y dramática de ordenar así en la España de finales del siglo XVI /
e iluminar objetos bastante corrientes. El fondo principios del XVII, o creó él mismo este diseño
oscuro, la fruta y el repollo colgando, el melón específicamente para su pintura? De cualquier
cortado y la berenjena en el borde de la repisa manera, el arreglo es muy efectivo y una forma
producen un barrido de formas casi musical, todo brillante de inyectar drama en un tema bastante
resaltado dramáticamente. común.
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116
Volvemos a Degas para finalizar este

tramo. Estamos en un estudio de
danza del siglo XIX, con un maestro
que continúa instruyendo a sus
alumnos mientras descansan. Toda
la atención está en el maestro con
su bastón, que usa para batir el
ritmo. La perspectiva te lleva hacia
él. La forma en que las chicas están
dispuestas subraya aún más su
importancia. La hermosa agrupación

casual de los bailarines espumosos,
comenzando con el más cercano y
balanceándose alrededor del borde de
la habitación hacia el otro lado, enmarca
cuidadosamente la figura del maestro.
Sostiene el escenario.
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117
SÍMBOLOS Y ASOCIACIONES
El rostro es el barómetro más evidente del sentimiento humano. Sin embargo, es posible mostrar estados de ánimo o
emociones de otras formas (la posición o el movimiento de un cuerpo pueden ser indicadores poderosos, por ejemplo)
y no solo depender de lo obvio. Un enfoque aún más interesante es dejar que la naturaleza sea un espejo y transferir
las emociones humanas a las características naturales. Considere los ejemplos que verá en las páginas siguientes.
La cabeza del 'David' de Miguel

Ángel en Florencia simboliza el
desafío de esa ciudad hacia las
autocracias hostiles que la
rodeaban. Un estado pequeño
pero rico e inventivo,
Florencia era una república libre
cuyos ciudadanos y gremios tenían
voz en el gobierno.
La estatua de Miguel Ángel del niño
pastor que mata al guerrero
gigante Goliat es un poderoso
símbolo de la independencia de esa
ciudad y su determinación de
proteger su estatus.
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118
Símbolos y asociaciones
Una ola rompiente utilizada como metáfora de la euforia no es nueva. En este ejemplo, el impacto
podría haber sido mayor y la sensación de euforia se enfatizó si hubiera una figura de un surfista
debajo de la ola.
Un hermoso lago tranquilo con reflejos y cielos tranquilos visto con la luz de la mañana o del atardecer da la
sensación de serenidad, especialmente con el pequeño bote nativo propulsado suavemente, sin prisas, a
través de la superficie del agua.
Esta imagen simboliza la serenidad en parte por situación y en parte por técnica. El artista
ha hecho esfuerzos para eliminar cualquier alteración de la imagen.
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119
EXTREMOS DE EXPRESIVIDAD
Aquí analizamos tres formas muy diferentes de expresarse. El rostro como medida de expresión
emocional es una forma obvia de mostrar el estado de ánimo de una imagen por asociación, pero como
verá en estos dibujos, hay rostros y rostros. El caballo al galope y el jinete es un ejemplo más abstracto
de cómo producir una respuesta visceral.
Las cifras de Francis Bacon en la base de sus 'Tres como representaciones de las Furias que, en el mito
estudios para una crucifixión' parecen representar clásico, atormentan a los malhechores antes y después
una furia cruda y ciega o quizás incluso una de la muerte. Aunque no son estudios clásicos, parecen
venganza. El propio Bacon identificó las figuras aplicarse al mito clásico.
Felicidad Intensidad
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Extremos de expresividad
Esta imagen es un intento de transmitir la idea de detrás levantado de la silla, el cuello del caballo se
velocidad. El caballo de carreras y el jinete se vislumbran estiró, la cola se movió, las poderosas piernas se
corriendo por un campo, con la tierra volando por juntaron para dar el siguiente paso. El uso económico
detrás. La idea se ve reforzada por cómo se dibuja la de líneas también sugiere que la imagen pasa a
imagen: el jinete con estribos cortos, nuestra velocidad a gran velocidad.
Satisfacción Desesperación
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El suave lirismo de los dibujos de Marc Chagall no puede estar más lejos del sentimiento de malestar, casi
repugnancia, que encontramos en la obra de Francis Bacon. Chagall utilizó una forma divertida y encantadora
de dibujar en gran parte de su trabajo. La mayoría de sus pinturas tienen asociaciones líricas o alegres en su
diseño, color o la técnica que empleó. Eligió retratar la mágica calidad de vida y tocar nuestras emociones de
manera sutil.
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La imagen del circo de Chagall (al lado) tiene La imagen de un poeta reclinado (arriba),
un sentido de diversión y disfrute casi produce un aire de suave melancolía. Esto se
infantil, enfatizado por el manejo bastante debe en parte a la posición bastante extraña
ingenuo del dibujo. Todo el mundo parece de la figura, que se encuentra a lo largo de la
pasárselo bien, hasta los payasos y los base de la imagen, y en parte debido a los
acróbatas, pero sin desordenar ni exagerar. árboles oscuros y las formas de animales de
juguete casi fantasmales que pastan en el
fondo.
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123
'El grito' de Edvard Munch es una imagen expresiva El artista escribió sobre el escenario: 'las nubes se
y subjetiva que ahora se lee como una declaración estaban poniendo rojo sangre. Sentí un grito
general sobre nosotros mismos, en particular la atravesando la naturaleza '.
angustia y la desesperación. La pintura original tiene una puesta de sol rojo
experimentado por el hombre moderno. sangre en filetes de rojo y amarillo, con azules oscuros y
El área representada en la pintura fue verdes y negros en las grandes áreas oscuras a la
favorecida por los suicidios, y estaba cerca de derecha. Las líneas arremolinadas y la cabeza con forma
mataderos y un manicomio donde estaba de calavera con ojos ciegos y boca abierta producen un
encarcelada la hermana de Munch. efecto muy fuerte.
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124
'El beso', del artista vienés Gustav Klimt, trabaja. El firme agarre de las manos del hombre
muestra el poder del deseo de una manera sobre el rostro y la cabeza de la niña, sus manos
muy gráfica. La ropa muy ornamentada, aferradas a su cuello y muñeca, y su expresión
aunque revela muy poco de la carne de los extática nos hablan de la fuerza y la intensidad de
amantes, aumenta la calidad táctil en el su deseo sexual.
Expresándote
Todas las imágenes que hemos visto en esta sección intentan transmitir al espectador un
sentimiento o idea que no se expresa con palabras. De hecho, en muchos de los ejemplos sería
muy difícil expresar de forma precisa o concisa el efecto que tienen. Una imagen puede valer
más que mil palabras. No es fácil transmitir un concepto por medios visuales, pero con un poco
de práctica es posible. Intente producir esa imagen usted mismo. Puede utilizar o adaptar los
enfoques o métodos que hemos estado analizando. Cuando hayas producido algo, enséñaselo a
tus amigos y escucha sus reacciones. Si su intento sugiere la idea que quería transmitir,
rápidamente podrán confirmarla.
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125
Estudiando la vida desde la naturaleza
A lo largo de la historia, los artistas han adquirido su vocabulario

básico mediante la observación detallada del mundo natural. Incluso
si el resultado final de una obra se abstrae o manipula extensamente,
está informado por un estudio de la naturaleza.
Si desea que su trabajo sea convincente, observe el mundo
creado a su alrededor. No lo vea exclusivamente a través de la
fotografía, la televisión o el video. La experiencia personal le dará a su
trabajo un poder y un conocimiento que no solo lo informa a usted
como artista, sino también a los revisores de su trabajo. Esto es muy
evidente cuando miras el trabajo de un artista que realmente ha
experimentado de primera mano las cosas que dibuja. También es
bastante claro para el espectador observador cuando un artista solo
está trabajando con fuentes de segunda mano, porque sus dibujos
tienden a carecer de poder.
Para lograr realismo en sus dibujos, comience por observar
las plantas en detalle; incluso si vives en un entorno urbano,
deberías poder encontrar una amplia variedad para estudiar.
Luego puede pasar a animales y seres humanos. Para empezar,
no te preocupes por posarlos; El simple hecho de observarlos
valdrá la pena si es razonablemente sistemático al registrar lo que
ve para que permanezca en su memoria.
Observe también los efectos de la luz que incide sobre personas
y objetos y cómo los efectos de la distancia y el clima crean cambios
interesantes en el tema. Todo lo que ve y anota se puede utilizar con
ventaja en su trabajo. Todo lo que necesita es el tiempo y la
oportunidad para asimilarlo todo.
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127
ESTUDIANDO LA VIDA DESDE LA NATURALEZA
PLANTAS Y FLORES
La estructura esencial de una planta no es difícil de ver si la estudias por un tiempo. Tome un grupo de
plantas con hojas: pronto notará cómo un tipo tendrá hojas en racimos que brotan en los puntos de las
hojas, mientras que en otro las hojas colgarán alrededor de un punto central. Algunas plantas tienen
tallos que salen de las ramas de manera uniforme en el mismo punto, otras tienen los tallos escalonados
alternativamente a lo largo del tallo. Una vez que esté familiarizado con la forma y apariencia
características de una planta, comenzará a notarla o propiedades similares en otras plantas. La
observación le dará verosimilitud incluso a sus bocetos más casuales. Mire los ejemplos de plantas en
esta página y observe sus similitudes y diferencias.
La apariencia del tulipán es muy

formal y erguida, con su flor
cerrada en forma de copa y su
tallo y hojas largos y rígidos.
El Sedum tiene una hermosa disposición en espiral de
hojas que se curva hacia arriba en forma de plato. La
lluvia debe llenar el hueco de la hoja y correr por el
tallo para regar las raíces de la planta.
Las hojas de la hortensia se

desprenden del tallo en lados
opuestos entre sí en un arreglo
simétrico. Observe cómo se
curvan hacia arriba y luego cómo
se invierte la curva, con la
superficie superior abultada hacia
la punta.
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128
Plantas y Flores
La forma más fácil de estudiar las plantas es

dibujarlas con tanta frecuencia como sea posible.
Antes de comenzar a dibujar, observe la planta de
cerca: la flor (si la hay) y observe cómo crecen las
hojas del tallo. Míralo desde arriba, para ver las hojas
irradiando desde el centro; y desde el costado para
ver la apariencia diferente de las formas de las hojas
a medida que se proyectan hacia usted, lejos de
usted y hacia cada lado mientras giran en espiral
alrededor del tallo. Tenga en cuenta la textura de las
hojas y cómo se compara con la de otras plantas.
Cuando su tema sea una cabeza de flor,
dibuje desde un ángulo, donde pueda ver el
patrón de los pétalos alrededor del centro de La flor de la
la flor o una vista de perfil de ellos. Observe la camelia se ve tan
textura de los pétalos y cómo el centro de la frágil y contrastes
maravillosamente con el
flor contrasta con la parte principal de la flor.
forma sólida y perfecta
Cuando dibuje la flor, incluya una hoja o dos
de las hojas.
para mostrar el contraste de tono o textura
entre la hoja y los pétalos.
Cuanto más dibujes plantas, más detalles notarás y más amplio será tu vocabulario. Después de
haber estado dibujando plantas por un tiempo, intente dibujar una de memoria. Este tipo de ejercicio
ayuda a mantener la imagen que han grabado tus sentidos y te ayudará a memorizar formas y texturas.
Encontrará que dibujar de memoria ofrece un resultado más simple que dibujar de la vida, porque
tiende a omitir detalles innecesarios. La capacidad de producir una forma convencional fácilmente sin
referencia es una gran ventaja. Una vez que tenga esta habilidad, podrá aportar una mayor sensación de
realismo a sus dibujos.
Aquí tenemos dos flores de la

misma planta (una Clematis) en
diferentes etapas de su crecimiento. La
diferencia es bastante dramática.
La clemátide capturada cuando

recién se está abriendo, con sus
pétalos de aspecto suave colgando. La flor completamente abierta, el centro se muestra al sol. En esta
etapa, los bordes de los pétalos están bastante arrugados.
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129
PLANTAS: PATRONES DE CRECIMIENTO

La naturaleza ofrece mucha variedad, como descubrirás una vez que comiences a estudiarla en serio. En los
ejemplos que se muestran en esta hoja, encontrará tres efectos muy diferentes en tantos ejemplos.
Compárelos y observe las diferencias que observe. Encontrará fascinantes estos patrones de
crecimiento a medida que los investiga más a fondo y amplía su experiencia.
La flor de la cereza se adhiere

estrechamente a las ramas
oscuras, rígidas, casi puntiagudas.
El hábito de Stewartia es sostener con

gracia sus hojas y pequeñas flores
lejos de la rama principal.
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130
Plantas: Patrones de crecimiento
Las bellotas y las hojas del

roble sobresalen de su tallo.
Ejercicio de ojos y manos

No se puede dejar de enfatizar que, para convertirse en un artista competente, es necesario adquirir
el hábito de dibujar todos los días. Si lo hace, muy pronto se volverá experto en manejar casi cualquier
forma. Siga probando diferentes objetos y sea aventurero, probando temas más difíciles una vez que
haya llegado a un lugar con los más fáciles.
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131
ÁRBOLES: PATRONES DE CRECIMIENTO

Dibujar árboles siempre ha sido un pasatiempo favorito de los artistas, incluso cuando no se trata de un
encargo. Los árboles son plantas tan espléndidas y, a menudo, muy hermosas, pero no son tan fáciles de
dibujar bien.
Antes de comenzar, considere los bocetos de esta página.
Eche un vistazo a los árboles más

grandes en su parque local o, si tiene
la suerte de vivir fuera de la ciudad, en
sus bosques locales y
setos. Note la fuerza de la estructura
de la raíz cuando es evidente sobre el
suelo, como grandes manos nudosas
que se agarran a la tierra. A
continuación, observe de cerca la
corteza del tronco principal y las
ramas, luego su textura. Haz bocetos
de lo que ves.
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132
Árboles: patrones / formas de crecimiento
FORMAS
Es importante tener una idea de la forma
completa del árbol que desea dibujar. A menudo,
la mejor manera de abordar esto es dibujar
primero un contorno vago de la forma principal.
Luego, debe dividir esto en varios grupos de
hojas y dar alguna indicación de cómo las ramas
principales se desprenden del tronco y se
extienden hasta el límite final de la forma.
Por supuesto, si su tema es un árbol de hoja
caduca en invierno, la red de ramas proporcionará el
verdadero desafío. Las ramas son un laberinto de
formas y el éxito solo se puede lograr si logras
analizar el impulso principal de su crecimiento y
roble observar cómo las ramas más pequeñas y las
ramitas se desprenden de la estructura principal.
Afortunadamente, los árboles no se mueven
demasiado, por lo que son excelentes "cuidadores".
Estos tres tipos de árboles de hoja caduca presentan

formas y texturas muy diferentes. Descubre por ti
mismo lo diferentes que son encontrando un
ejemplo de cada uno, observándolos de cerca y
luego dedicando tiempo a dibujar las distintas
formas. Observe las formas generales y los patrones
de las ramas; consulte los dibujos adjuntos.
Contorno de roble
mostrando rama
Haya patrón.
Contorno de haya
mostrando rama
patrón.
Esquema de caballo
Mostrando castañas
patrón de rama.
Castaño de Indias
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133
ÁRBOLES: PATRONES
Dibujar ramas puede resultar problemático incluso para artistas experimentados. El siguiente ejercicio está
diseñado para que se acostumbre a dibujarlos. No te preocupes por renderizar el follaje con precisión, solo
sugiérelo.
Dibujé este gran árbol en primavera
cuando sus hojas no estaban
completamente afuera. Era un tema
ideal para
demostrando la intrincada tracería
de las ramas debido a su posición
en una ladera boscosa, lo que
significaba que su follaje estaba
restringido en gran medida a la
parte superior de las ramas.
Cuando miras por
primera vez un árbol como
este, no es nada fácil ver cómo
elegir cada rama. Un método
útil es dibujar los tallos
principales sin preocuparse
inicialmente si se cruzan
delante o detrás de otra rama.
Solo cuando dibuja una rama
que cruza la primera es
necesario que tome nota de si
cruza por detrás o por delante.
A medida que agrega más
ramas, la profundidad y el
espacio dentro del árbol se
harán evidentes. Ignore las
hojas excepto las vagas
formas redondeadas; puede
agregarlos después, si lo
desea.
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134
Árboles: Patrones
Cuando se ve en silueta, cada árbol produce un patrón de red distintivo. El objetivo de este próximo ejercicio es
tratar de poner tantos detalles como sea posible, incluidas las hojas (si las hay) y las ramitas. Para conseguirlo
hay que dibujar la silueta a un tamaño razonable; es decir, lo más grande posible en una hoja de papel A4.
Una de las mejores variedades para elegir para este ejercicio es un árbol de espino o de mayo. Sus
ramas retorcidas y espinosas forman una malla realmente densa, que puede ser muy dramática. Intente
dibujarlo con tinta, lo que le obligará a correr el riesgo de ver las formas con precisión de inmediato; te
estás comprometiendo al no poder borrarte. No importará demasiado si es un poco inexacto en los
detalles siempre que el patrón principal sea claro para usted.
El invierno es el mejor momento para hacer este ejercicio, aunque el peor momento para dibujar al aire libre.
Podría, en caso de necesidad, copiar cuidadosamente una buena fotografía de tal árbol en silueta, pero esta no sería
una buena prueba ni le enseñaría tanto.
Esta silueta es más bien como la verías Problema con las ramas que están detrás o
contra la luz del sol y hace un patrón delante de otras ramas, como en el ejemplo
extraordinario e intrincado. No hay de la página anterior.
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135
MIRANDO A LA CABEZA
Cuando se presenta a una persona como sujeto, el enfoque obvio es sentarlo con buena luz,
mirarlo de frente y comenzar a dibujar. Sin embargo, lo obvio no siempre produce el mejor o el
más preciso resultado. Si se concentra únicamente en obtener una imagen de un sujeto, se
perderá los aspectos más importantes e interesantes del dibujo de retratos.
El objetivo de este próximo ejercicio es animarle a mirar la cabeza como un todo. Hay mucho más
en la cabeza que simples características, como descubrirás si la miras desde muchos ángulos diferentes,
excluyendo el obvio. Eche un vistazo a los dos dibujos que se muestran a continuación.
La cabeza inclinada hacia atrás. Este ángulo ofrece

una visión clara de la parte inferior del mentón y la
nariz, ambas áreas que normalmente rara vez
notamos. Visto desde este ángulo, la persona ya
no es instantáneamente
reconocible, porque la frente ha
desaparecido y el cabello está mayormente
detrás de la cabeza.
Observe la gran área del cuello y la
barbilla, y las fosas nasales, que se dirigen
hacia el espectador. Vea cómo la nariz
sobresale de la forma principal de la cabeza.
Cuando se ven desde este ángulo, las orejas
parecen estar en una posición muy extraña y su
ubicación puede ser bastante complicada. Note
que los ojos ya no dominan la cabeza.
La cabeza mirando hacia abajo. Esto

permite una buena vista de la parte
superior de la cabeza, que tiende a
dominar el área a la vista. Observe
cómo los ojos desaparecen en parte
debajo de la ceja; como las pestañas
sobresalen mas
notablemente; cómo la nariz
tiende a ocultar la boca y el
mentón casi desaparece.
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136
Mirando la cabeza
Una vez que haya mirado varias cabezas de diferentes personas, comenzará a clasificarlas como formas o estructuras
completas y no solo como caras. Este enfoque enseña que, aunque hay muchas caras diferentes, muchas cabezas
comparten una estructura similar. Las diferencias individuales no parecerán la mitad de importantes una vez que se dé
cuenta de que solo hay unos pocos tipos de cabezas y que cada uno de nosotros tiene un tipo que se ajusta a uno de
ellos.
Si desea investigar a fondo este fenómeno, haga que sus modelos posen con la cabeza en tantos
ángulos diferentes como sea posible y explore la estructura de lo que ve. Puedes usar las poses que te he
proporcionado o crear las tuyas propias.
Sobre todo, cuando miramos a las personas, comenzará a notar con más detalle las formas de las
nuestra atención se capta con demasiada facilidad características. Al dibujar la cabeza, concentre su
por la apariencia de sus ojos y boca, porque estos atención en la frente, la mandíbula,
son los principales determinantes de la expresión pómulos y nariz. Dan al rostro su
facial. Una vez que ignora la expresión facial, estructura y, por tanto, su carácter.
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137
DIBUJO DE FIGURAS: CARACTERÍSTICAS FACIALES

Vale la pena dibujar las características muchas veces desde más de un ángulo hasta que comience a
comprender exactamente lo que sucede con cada parte. Puede hacer esto con bastante facilidad simplemente
moviendo su punto de vista mientras el modelo permanece quieto. Sin embargo, a veces es necesario inclinar
la cabeza, mover los ojos y flexionar los labios para tener una mejor idea de cómo cambian estas
características. El tiempo dedicado a trabajar en esto ahora significa que su dibujo adquirirá una nueva
convicción en el futuro y comenzará a notar sutilezas que quizás antes le eran menos obvias.
Ojos
Notará rápidamente que el ojo
que mira hacia arriba y el ojo
que mira hacia abajo tienen una
expresión muy diferente.
El ojo visto desde abajo mirando hacia arriba y visto

desde arriba mirando hacia arriba, agrega
permutaciones adicionales a la variedad de formas.
Vea cómo el ojo visto de lado ofrece una vista

mucho más clara de la forma de la bola y
cómo la lente parece asentarse en la
superficie del globo ocular, la pupila
pareciendo retroceder en la forma de la
lente.
Cuando los ojos miran hacia abajo, el párpado

superior toma la forma del globo ocular que está
cubriendo y la parte abierta del ojo forma una
especie de media luna. El párpado superior aumenta
y el inferior se arruga bastante.
Orejas
No muchas personas pueden mover las
orejas, por lo que son menos
problema que cualquier otra
característica. Sus convoluciones son
desconocidos porque rara vez los
miramos. Visto desde el frente o desde
atrás, la mayoría de las orejas son
discreto. Las formas de las orejas
varían, pero tienen varias formas
principales en común. Mira estos
ejemplos.
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138
Dibujo de figura: rasgos faciales
Nariz
La nariz no tiene mucha expresión aunque puede estar arrugada y las fosas nasales ensanchadas. Sin
embargo, su forma a menudo presenta grandes dificultades para los estudiantes principiantes. Dibujar
la nariz desde el frente le da al artista mucho trabajo para describir los contornos sin que parezca
monstruoso.
Una sombra oscura clara Si desea reducir la Sin embargo, desde el lateral queda claro
en un lado ayuda mucho proyección de la nariz, cómo está formado. Las fosas nasales son una
al dibujar el una luz de frente parte bien definida de la nariz y desde el frente
nariz desde el frente. completa tenderá a son la mejor parte en la que concentrarse para
aplanarlo en términos de inferir la forma del resto de las características.
contornos visibles.
Boca
La movilidad de la boca asegura que junto a los ojos sea la parte más expresiva del rostro. Aunque
hay muchos tipos diferentes de boca, estos se pueden reducir a unos pocos tipos una vez que
comience a investigarlos.
En primer lugar, dibuje desde el frente,

seguido de vistas de tres cuartos desde
la izquierda y la derecha, y luego desde
el lateral.
A continuación, dibuje un poco desde arriba y un poco

desde abajo; esto le da la forma básica de la boca. Note el
borde de los labios; algunas partes se proyectan y dan un
borde definido al labio. En otras partes, el color del labio
está en el mismo plano que la superficie de la cara.
Cuando tenga una idea bastante clara de la forma básica de la boca,

observe qué sucede cuando se abre. Primero, intente dibujarlo
ligeramente abierto desde al menos dos vistas (frontal y lateral) y
luego más ancho, y luego completamente abierto. Observe lo que
les sucede a los labios cuando la boca está abierta, cómo se estiran
y cómo aparecen los pliegues en las mejillas a ambos lados y
debajo.
A continuación, mire la boca sonriendo; primero con
la boca cerrada y luego más abierta.
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139
VISTAS EN PERSPECTIVA: PIERNAS

Uno de los problemas más difíciles al dibujar la figura
humana (o cualquier otra figura para el caso) surge
cuando el cuerpo o las extremidades de la figura que
se dibuja se acortan por la perspectiva; un ejemplo
podría ser cuando una pierna o un brazo se proyecta
hacia su punto de vista. En lugar de la forma
esperada de la extremidad, se obtiene una
proporción extrañamente distorsionada que la mente
a menudo quiere corregir. Sin embargo, si va a
dibujar con precisión, debe descartar lo que la mente
le está diciendo y observar directamente, midiendo si
es necesario para asegurarse de que se cumplan
estas proporciones bastante extrañas. De esta
manera, una extremidad vista desde el final (ver
ilustraciones) tendrá una verdadera convicción.
Al ver la pierna desde el extremo del pie, observe

qué tan grande se ve la planta del pie en
comparación con la longitud aparente de la pierna.
Los músculos y la rodilla se proyectan hacia afuera,
su redondez y angulosidad muy pronunciada,
mientras que su longitud se reduce a casi nula. Si
observa las formas producidas por esta vista, no
debería tener ningún problema. No se diga a sí
mismo que se ve mal, porque no lo es; es solo un
punto de vista inusual.
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140
Vistas en perspectiva
VISTAS EN PERSPECTIVA: BRAZOS

La misma situación es evidente con el brazo que con la pierna. En este caso, el tamaño de la mano a menudo parecerá
escandalosamente grande, prácticamente oscureciendo el resto del brazo. Visto desde esta perspectiva, el
abultamiento de cualquier músculo o estructura ósea se convierte en una característica mucho más importante que
describe la forma del brazo. En lugar de una forma larga y esbelta que reconocemos como 'brazo', vemos una serie de
protuberancias, formas redondeadas, apiladas muy cerca una de la otra, de modo que la longitud del brazo es mínima
y la sección redonda de la forma del brazo se vuelve lo que ves y dibujas.
Le ayudará a darle
sentido visual a un
mano escorzada si
ves la extremidad como
si fuera una de un grupo,
con los dedos saliendo
de un cuerpo (la palma).
Fíjese en la forma de las
puntas de los dedos y de
los nudillos en particular,
porque estos también

serán los dominantes
características de los dedos
vistos de un extremo a otro.
La forma de la uña proporciona

otra buena pista para ver el dedo
como realmente es. La parte
principal de la mano pierde su
dominio en esta posición, pero aún
debe observarse con precisión.
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141
MANOS
Las manos son relativamente fáciles de estudiar, especialmente si usa las suyas propias como modelos.
Si se equipa con un espejo, debería poder mirarlos desde casi cualquier ángulo. Por supuesto, también
será necesario mirar las manos de una persona mayor o más joven y también una del sexo opuesto.
Encontrará que existen diferencias significativas en la forma según la edad y el sexo.
Comience siempre observando la estructura principal de la mano, basada

en los huesos que se encuentran debajo, y luego observe cuidadosamente
la dureza o suavidad de la carne y la piel.
El dorso de la mano da la indicación más clara de la edad de su
modelo. Las manos mayores tienen venas más protuberantes y piel
más flácida y arrugada alrededor de los nudillos. Las manos de los
niños pequeños parecen suaves por todas partes.
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142
Manos / Diferencias en la musculatura
DIFERENCIAS EN MUSCULATURA
Todos los cuerpos humanos tienen una tendencia hacia una musculatura más dura o más suave, y ambas
características pueden marcar una gran diferencia en el efecto de su imagen final. Mira los ejemplos que se
muestran aquí.
En un cuerpo duro y
musculoso la distinción entre
los músculos es clara y la
angulosidad de la forma tiene
una cualidad mucho más activa
o incluso agresiva. Esta
cualidad se acentúa si la
estructura ósea también se
prominente. Incluso en la figura
femenina, que tiende a tener una
forma más tranquila que la
masculina, cuando es delgada y
huesuda tiene este aspecto bastante
activo o incómodo.
Una figura suave y ondulada, donde las diferencias entre las articulaciones de los músculos no son muy
evidentes, le da un aspecto muy suave y redondeado a la forma, y esto tiene un efecto de tranquilidad o peso.
Cuando la carne es demasiado pesada, el peso tiende a parecer más incómodo y, por lo tanto, es menos
indicativo de calma. Sin embargo, en general, los cuerpos más blandos parecen más tranquilos que los más
duros.
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143
FIGURAS: COMPOSICIÓN
Cuando se trata de producir dibujos de varias figuras en
una composición, el mayor problema, suponiendo que
haya tenido suficiente experiencia dibujando figuras en
vivo, es la forma en que partes de una figura desaparecen
detrás de partes de otra. A veces es fácil equivocarse en la
composición y terminar con un arreglo de aspecto extraño.
En este sencillo grupo de dos amantes abrazados, el

éxito compositivo se ha logrado al asegurar que las
figuras se combinen de tal manera que parezcan
fundirse, con las extremidades entrelazadas de forma
natural.
Cuando posa una foto, es importante estar alerta a la
posición de una mano o pierna que se ve incómoda. Si esto sucede,
intente encontrar la posición que tenga más probabilidades de
mostrar la calidez del sentimiento o la belleza de la pose. En el
ejemplo que se muestra, observe cómo las cabezas se relacionan
de tal manera que casi nos borran a nosotros, los espectadores, de
la vista.
Este dibujo de dos luchadores victorianos

se basa en una pintura de William Etty. Una
figura está siendo empujada hacia abajo,
pero la figura de pie parece como si
pudiera ser apalancada frente a la rodilla
de la figura inferior. El punto principal de
esta imagen es la contundencia de la acción
y si las dos figuras parecen estar luchando
entre sí. Quizás Leonardo o Miguel Ángel
nos darían más expresión de la lucha, pero
sin embargo esta composición sí evoca el
esfuerzo que están haciendo estos dos
hombres fuertes. El vínculo entre las dos
figuras es fundamental para el éxito del
trabajo.
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144
Figuras: Composición
En esta copia de un Caravaggio, el cuerpo de Cristo

Las dos manos juntas dan un problema está siendo llevado a su tumba. Este evento se vuelve
similar a las figuras entrelazadas en una interesante y dramático por la disposición de las
composición más grande. Los encontrará figuras y su relación. El movimiento de la figura que
más fáciles de abordar si intenta verlos como lleva el cadáver contrasta marcadamente con el
si estuviera mirando una figura completa. cadáver inerte. La flacidez de las piernas del muerto
contrasta con las nudosas patas del transportador. La
forma que hacen los brazos que rodean al hombre y
la figura encorvada con el brazo debajo de los
hombros y la espalda de Cristo son bastante
complejas. Incluso los hilos de tela de la tumba y la
capa del transportista más joven ayudan a definir la
actividad.
He omitido de mi copia el grupo de
tres mujeres de luto que está en el original, porque no
están activamente comprometidas en llevar el cuerpo.
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145
CIERRE DE JUNTAS
Al estudiar el esqueleto humano o sus huesos y musculatura, es una buena idea en algún momento
enfocarse en una articulación y dibujarla con detalle exacto. Concéntrese en hacerlo lo más
anatómicamente correcto que pueda, como si fuera un dibujante que prepara una muestra para la
profesión médica.
Este tipo de estudio detallado es muy eficaz para hacernos ver más cuando llegamos a dibujar la
figura humana de la vida, y puede informar enormemente nuestro dibujo. No hay sustituto para este
enfoque si desea que sus dibujos tengan convicción. El conocimiento adquirido parece pasar de la mano
a la mente, y cuando dibujamos parece salir de nuevo para informar al espectador, incluso si él mismo
nunca lo ha visto en la vida real. Es por eso que las obras de los viejos maestros dibujantes todavía
tienen tanto poder.
La complejidad de la articulación de la
rodilla se hace evidente cuando la vemos
desde dentro y comenzamos a
entender cómo funciona. Intente
dibujarlo desde diferentes ángulos para
que pueda apreciar completamente lo
que está sucediendo.
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146
Primeros planos de articulaciones
La articulación de la cadera, donde

giran la pelvis y el fémur, bola en
copa, por así decirlo, tiene una
flexibilidad extraordinaria, como
revelará un estudio detallado.
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147
ROPA Y MOVIMIENTO
A continuación, analizamos la ropa y cómo la afectan el movimiento y las acciones del usuario. Por supuesto, el
comportamiento de una prenda de vestir dependerá del tipo de material del que esté hecha, por lo que debe
conocer las diferentes propiedades y características y cómo representarlas de manera realista en diversas
situaciones.
Un movimiento muy simple de una niña tirando de su chaqueta

produce todo tipo de arrugas y pliegues en un material bastante
rígido. Sin embargo, los pliegues en la curva del brazo son
relativamente suaves, lo que generalmente indica un material caro.
Como comentó el pintor realista estadounidense Ben Shahn, "Hay
una gran diferencia entre las arrugas en un traje de $ 200 y un traje
de $ 1000". (Esto se dijo en la década de 1950, por lo que los precios
son relativos). Lo que él estaba comentando era el hecho de que los
materiales más caros se pliegan y se arrugan de manera menos
marcada y las arrugas a menudo se caen después, mientras que un
traje hecho de materiales más baratos tiene un aspecto similar al
papel. pliegues que quedan después de enderezar la tela.
La ropa que lleva esta figura (derecha) cuelga suavemente en pliegues y

sugiere un material ligero como el algodón. La forma de la parte superior del
cuerpo se ve fácilmente, pero los pantalones son lo suficientemente gruesos
como para disimular la forma de la pierna.
Este dibujo (izquierda) se hizo a partir de una imagen de una

bailarina interpretando un papel. El material holgado
parecido al algodón tiene una textura ligeramente ondulada y
su holgura en las mangas y piernas sirve para exagerar sus
movimientos. Tanto la acción como el disfraz refuerzan el
efecto de indefensión flexible.
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148
Ropa y movimiento
Una pose inteligente por parte de un

fotógrafo de moda fue la responsable
del original a partir del cual se hizo el
dibujo a continuación. En realidad, la
modelo fue fotografiada tirada en el
suelo con el vestido extendido para que
pareciera que se movía en un baile
fluido. La fotografía fue tomada en la
década de 1930, antes de los beneficios
de las cámaras y películas de alta
velocidad, y
representa una forma imaginativa de
solucionar un problema técnico.
Demuestra que puedes engañar al ojo.
La robusta bailarina de arriba

está haciendo girar un trozo
de material sedoso delgado y
ligero. los
El movimiento del
cabello y la prenda te
dice bastante sobre
sus movimientos y la
materialidad del
cabello y la tela.
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149
Aquí hay tres dibujos de diferentes tipos de ropa que muestran efectos muy diferentes de pliegues y arrugas,
principalmente debido a la naturaleza del material utilizado en cada caso.
Estos jeans, hechos de algodón

resistente y resistente, se arrugan
fácil y característicamente, y las
arrugas permanecen incluso
cuando se mueve la tela.
Una prenda de alta costura hecha de raso

pesado y confeccionada para mantener los
pliegues sueltos y principalmente verticales.
El movimiento no es extremo, por lo que el
peso y la suavidad del material garantizan un
efecto elegante.
Cuando vengas a dibujar este tipo
de material, asegúrate de obtener un
fuerte contraste entre la oscuridad y la
luz para capturar la calidad reflectante
brillante de la prenda.
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150
Ropa y movimiento
La funda de la gabardina que se muestra a continuación tiene un

carácter similar a nuestro primer ejemplo: un material rígido pero hecho
para repeler el agua y, por lo tanto, tiene un brillo muy suave. Los
pliegues son grandes, la manga está lo suficientemente suelta para
permitir la facilidad de movimiento. Incluso en este dibujo, parecen
desaparecer por completo cuando se estire el brazo.
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151
CABELLO
Aquí hay otro material asociado con el cuerpo: el vello. Observamos dos ejemplos y los problemas
técnicos involucrados al intentar dibujarlos. Este material en particular viene en hebras delgadas que
pueden rizarse, enredarse o colocarse suavemente unas contra otras, y estas características permiten
que se muestren cualidades muy diferentes en un dibujo. Encontrarás todos estos desafiantes pero
fascinantes de intentar.
El brillo en la parte superior de la cabeza se

manifiesta con fuerza, a pesar de la oscuridad del
cabello. También hay otro brillo ligeramente más
tenue en la parte inferior, en la parte posterior de
la cabeza. El pliegue y la trenza en sí recogen el
brillo y acentúan los mechones de cabello lisos y
uniformes que se mantienen unidos, ninguno
fuera de lugar, produciendo efectivamente una
superficie casi lisa en cada pliegue de la trenza.
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152
Cabello
Se ha invertido mucho esfuerzo en este peinado, con resalta en las curvas de los rizos y los tonos
cada mechón aparentemente descarriado bellamente más oscuros y ricos debajo. No es fácil hacer
arreglado. Puede ser ingenioso, pero muestra con que este estilo se vea natural en un dibujo,
buenos resultados cómo el cabello puede ondular y pero es un buen intento.
enroscarse en rizos. Note los muchos
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153
TIERRA
Al dibujar las rocas sólidas que forman la superficie del mundo, puede ser instructivo pensar en pequeño y
construir. Recoge un puñado de tierra o grava y llévatelo a casa para que lo examines de cerca, luego trata de
dibujarlo con cierto detalle. Descubrirás que esas pequeñas piezas de material irregular son esencialmente
rocas en miniatura. Puede tener una idea muy clara de cómo dibujar la tierra en todas sus formas
reconociendo las similitudes esenciales entre los materiales terrestres y estando preparado para dar un salto
desde casi cero hasta el infinito.
Si intentamos dibujar un afloramiento rocoso o las la grava ha sido súper agrandada.

rocas junto al mar oa lo largo de la orilla de un río, Encontrará una mezcla aleatoria similar de
en realidad no es diferente de dibujar pequeños formas, aunque más atractiva a nuestros
trozos de grava, solo que con un enorme cambio de ojos debido al aumento de tamaño.
escala. Es como si esas piezas de
Un paso más es visitar una zona montañosa y contemplar la tierra

en su forma más grandiosa y monumental. Este ejemplo tiene la
cualidad adicional de estar por encima de la línea de nieve y
mostrar estructuras heladas maravillosamente simplificadas
contra rocas oscuras contrastantes.
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154
tierra
Ahora mire un gran acantilado, con sus hendiduras y estrías de

estratificación geológica, algunas de ellas, sin duda, parcialmente
ocultas por las plantas, pero sin embargo mostrando la estructura
con mucha claridad.
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155
AGUA
El carácter y el estado de ánimo del agua cambia dependiendo de cómo se ve afectada por el movimiento y la luz. En
las próximas páginas veremos el agua en diversas formas, que presentan problemas muy diferentes para los artistas y
efectos muy diferentes para los espectadores. Para comprender cómo se puede capturar el efecto de cada una de las
formas que se muestran aquí, se requiere un estudio minucioso de primera mano, respaldado por
evidencia de lo que está sucediendo,
seguida de esfuerzos persistentes para
extraer lo que cree saber.
Una cascada es una forma de agua

inmensamente poderosa. La mayoría de
nosotros no vemos obras de la naturaleza tan
grandiosas como esta magnífica
ejemplo. Por supuesto, necesitaría
estudiar uno tan grande como este
desde la distancia para darle algún
sentido. Este dibujo es
exitoso en gran parte porque el área acuosa
no está sobrecargada de trabajo, sino que
se ha dejado casi en blanco dentro de las
rocas, árboles y otra vegetación
circundante. Los tonos oscuros de la
vegetación proyectan las formas negativas
del agua, haciéndolas parecer espumosas y
de rápido movimiento.
A menos que estuvieras mirando una orilla. Leonardo hizo muy buenos
fotografía, sería casi imposible dibujar con intentos de describir el movimiento de
detalle el efecto de una enorme ola rompiendo las ondas en dibujos, pero tenían una
hacia ti mientras estás parado en un forma más esquemática.
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156
Agua
Esta es el agua como la vemos la mayoría de los que dar un efecto ligeramente roto a lo largo de los bordes
vivimos en un entorno urbano, quieta y reflexiva. de cualquier objeto reflejado en el agua. Cuando dibuja
Aunque la superficie de un tramo de agua puede parecer una escena de este tipo, debe difuminar o romper
lisa, por lo general hay una brisa o corrientes que causan suavemente los bordes de cada tono reflejado grande
pequeñas ondas superficiales. Visto desde un ángulo para simular el efecto ondulante del agua.
oblicuo, estas diminutas ondas
En este dibujo muy

detallado de un tramo
de agua ondulando
suavemente, parece
haber tres diferentes
tonos para las suaves
formas elípticas
rompiendo la superficie.
Este no es un
ejercicio fácil pero te
enseñará algo.
sobre lo que tu
realmente ver cuando
mirando la superficie
del agua.
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157
AGUA: MODOS DE CONTRASTE

El contraste de estados de ánimo entre el mar agitado representado en el primer dibujo y el agua de
aspecto cristalino en el segundo no podría ser más extremo. Preste especial atención a la ausencia de
cualquier luz reflectante en el primer ejemplo y al hecho de que el segundo dibujo aparece como un
reflejo total.
En esta vista de un mar de tinta agitado, con crestas Observe cómo se rompe la espuma; tome
de espuma que se rompen, el horizonte está oscuro y fotografías y luego invente sus propias formas, una
no hay reflejos brillantes del cielo. Las formas de las vez que haya visto las formas típicas que hacen. No
espumosas crestas de las olas arrastradas por el hay dos crestas de espuma iguales, así que no
viento son muy importantes. También deben puedes equivocarte. Pero, si está representando un
colocarse con cuidado para que obtenga un efecto de mar tormentoso, es importante oscurecer el agua
distancia, con formas grandes en primer plano entre las crestas, de lo contrario, el efecto podría ser
graduadas en capas cada vez más pequeñas a medida un día brillante, aunque con brisa.
que avanza en la página hacia el horizonte.
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158
Agua: estados de ánimo contrastantes
Todo este dibujo está formado por el cielo y su por las nubes, y el espacio reflejado en el agua. El
reflejo en el río de abajo. El barco solitario en el bote y algunas ondas están ahí para decirle al
primer plano inferior ayuda a dar una sensación espectador que es agua y no solo aire. El efecto
de escala. Aunque los árboles son obviamente de este vasto espacio y espejo es generar
bastante altos en esta vista, todo está asombro en el espectador.
subordinado al espacio del cielo, definido
Practica con agua

El agua es uno de los temas más interesantes de estudio para un artista y ciertamente agrega mucho
a cualquier composición. Como habrás notado, las diferentes formas que puede hacer y los
innumerables efectos de sus cualidades reflectantes y translúcidas son bastante sorprendentes. En
las últimas páginas hemos analizado varias formas de representar el agua, pero de ninguna manera
todas. El tema es ilimitado, y siempre logrará encontrar algún aspecto que sea un poco diferente. Sal
y encuentra tantos ejemplos como puedas para dibujar.
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159
EL CIELO: CONTRASTES
El aire es invisible, por supuesto, por lo que realmente no se puede dibujar, pero se puede inferir mirando y dibujando
nubes y paisajes del cielo. Ya sean esponjosas, irregulares, con rayas o en capas, las nubes dan forma a los
movimientos de los elementos en el cielo y son la única evidencia visible del aire como sujeto a dibujar.
Aquí vemos nubes oscuras y tormentosas con de forma desgarrada y andrajosa. Si obtiene la
pequeños fragmentos de luz que se abren paso en perspectiva correcta, deberían mostrarse como
áreas alrededor del gris oscuro. La dificultad radica en capas en el cielo, más planas y delgadas más lejos y
las sutiles graduaciones de tono entre las nubes como masas más llenas más onduladas más cerca.
oscuras muy pesadas y las partes donde la capa de Puede crear un efecto muy interesante de
nubes es más fina o parcialmente rota y permite que profundidad y espacio en las superficies inferiores
entre un destello de luz en la escena. Mire con del celaje con protuberancias y capas de nubes que
atención los bordes de las nubes, cómo a veces son se reducen en profundidad a medida que se
muy redondeadas y esponjosas y a veces acercan al horizonte.
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160
El cielo: contrastes
Cuando las nubes permiten que entre más sol, se ven permitiéndonos ver su naturaleza efímera.
mucho menos pesadas y amenazadoras y, a menudo, El efecto de los rayos de sol que golpean
adoptan formas bastante amigables. Esencialmente, sin a través de las nubes tiene un efecto notable en una
embargo, es el mismo vapor que en el cielo tormentoso imagen y puede dar una sensación de vida y belleza
pero con más luz, incluso a un paisaje bastante banal.
Se ha logrado mucho aquí con medios muy espacio ilimitado por encima de nuestra vista.
simples. Las nubes no son complicadas y son los La luz rota, las nubes claras y oscuras y la luz
rayos del sol (marcados con un borrador) y los del sol brillando contra las alas y el fuselaje del
aviones los que hacen gran parte del trabajo, avión dan la atmósfera de dibujo.
dando la ilusión de altura y también
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161
EL CIELO: UTILIZAR EL ESPACIO

Los espacios entre las nubes, así como las formas de las mismas, pueden alterar el sentido general que
obtenemos del tema en un dibujo. El elemento aire nos da tantas posibilidades, podemos encontrar
muchas formas diferentes de sugerir espacios y vistas abiertas. Compare estos ejemplos.
Este paisaje plano abierto con nubes agradables de el vasto horizonte de la pradera abierta. La
aspecto suave da alguna indicación de cómo se perspectiva nítida de la carretera larga y recta y
puede inferir el espacio en un paisaje. Los cúmulos el coche a media distancia nos dicen cómo leer
esponjosos que flotan suavemente a través del cielo el espacio. Este es el gran aire libre.
se juntan antes de retroceder hacia
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162
El cielo: usando el espacio
Aquí se ilustra otra visión del aire y el espacio: un debajo. Nótese particularmente el horizonte bajo,
cielo de desiguales nubes grises y blancas, y el sol nubes con fondos oscuros y pesados y áreas más
captando edificios distantes en el horizonte de los claras en el cielo.
brezales suburbanos y planos.
A pesar de la presencia de nubes oscuras y nubes, que nos dicen que están entre nosotros y
dramáticas en esta escena al atardecer, la atmósfera el sol. El espacio profundo entre las capas oscuras
no es abiertamente sombría o inquietante. El sol de las nubes le da un toque ligeramente
brillante, medio oculto por la larga nube plana, melancólico a la tranquilidad.
irradia su luz a través de los bordes del
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163
Extremos de expresión
Artistas de todas las edades se han interesado por los extremos de

expresión y han experimentado con el manejo de representaciones
grotescas o humorísticas de rostros y cuerpos. En la época medieval,
se encontraban casi exclusivamente en la escultura dentro y fuera de
capillas y catedrales. Mire las misericordias, o corchetes, en la parte
inferior de cualquier asiento en la sillería del coro de este período y a
menudo encontrará tallas grotescas y fantásticas. De manera similar,
las gárgolas de piedra o los picos que llevan el agua limpia de los
lados de los edificios a menudo se esculpían para parecerse a las
cabezas de bestias o monstruos.
Cuando llegamos al período del Renacimiento, artistas
célebres como Leonardo dibujaban rostros y cabezas grotescas y, en
algunos casos, los llevaban a extremos fantásticos. El desarrollo de las
técnicas de impresión permitió a los artistas con un mensaje social o
político llevar la caricatura más allá del ámbito de la pura diversión.
William Hogarth, que se formó como grabador antes de estudiar
pintura, hizo una campaña vigorosa contra una serie de males
sociales a través de su trabajo. Los caricaturistas sociales posteriores,
como Thomas Rowlandson y James Gillray, fueron aún más lejos en
sus esfuerzos por cambiar de opinión. Sus pasquines se reprodujeron
ampliamente y se vendieron en las calles. Ambos hombres eran
artistas muy consumados.
En el siglo XIX, con la rápida distribución de periódicos en
todo el país, la caricatura despegó a lo grande. El semanario
satíricoPuñetazo, que apareció por primera vez en 1841, estaba
repleta de descripciones poco halagadoras de políticos
destacados y otros comentarios visuales sobre escándalos,
maniobras políticas e injusticia social. En nuestro tiempo, la
producción de dibujos animados en película ha llevado a la
extensión del arte a la televisión.
Los artistas inexpertos se esfuerzan tanto por ser técnicamente
correctos que a menudo producen dibujos que parecen de madera y
carecen de expresión. La caricatura es un gran antídoto que nos ayuda a
liberarnos de una dependencia excesiva de la precisión y a encontrar un
medio de expresión genuino en nuestro trabajo.
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165
EXTREMOS DE EXPRESIÓN
GRUPOS A LA FANTASÍA
Leonardo da Vinci nos ha dejado muchos ejemplos extraordinarios de caricaturas que, sin duda, no son fieles a
la vida, pero aún reconocibles. Nadie sabe por qué el gran hombre estaba tan fascinado con este tipo de dibujo
pero quizás no sea de extrañar que quisiera ver hasta dónde podía llegar con él.
En la segunda mitad del siglo XVI, el pintor milanés Giuseppe Arcimbaldo tomó la caricatura en una
dirección diferente, produciendo cabezas de retratos de fantasía en las que los rasgos estaban
compuestos por racimos de frutas y verduras. Algunos comentaristas posteriores lo consideraron un
antepasado de los surrealistas.
Aquí se ven ejemplos de ambos artistas.
Los rasgos de este hombre

(original de Leonardo) son muy
exagerados y de ninguna
manera pueden tomarse como
realistas: nariz protuberante,
boca hacia arriba en el centro y
hacia abajo a los lados. El gran
bulto de una barbilla completa
el
efecto ridículo, que los ojos
vidriosos y las orejas bastante
abultadas no difunden.
Esta segunda copia de un Leonardo es

más realista, aparte de la mandíbula que
sobresale que se lleva a longitudes
antinaturales. La primera cara parecía
bastante estúpida; éste parece más
inteligente e incluso amable.
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166
Grotescos a la fantasía
Este extraordinario rostro de Arcimbaldo tiene cara humana. El dibujo es una presunción
fama de ser el emperador Habsburgo Rodolfo II. divertida, pero uno no sabe si fue para
Aunque se compone de frutas y verduras, es burlarse de su tema o fue solo un curioso
fácilmente legible como un ejercicio de ingenio.
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167
CARICATURA COMO SATIRE

El trabajo de los grandes caricaturistas nació de la agitación social y política. Hogarth, Rowlandson y Gillray,
tres de los mayores exponentes de la caricatura en Gran Bretaña, pasaron a primer plano en un momento de
cambios sin precedentes. Los tres fueron valorados más por sus habilidades para caricaturizar que por sus
dotes serios, un descuido que fue particularmente duro para Hogarth, quien sin duda era un artista
importante.
En España, Francisco Goya también criticaba las injusticias y locuras que veía a su alrededor. Hizo una crónica de
los horrores de la ocupación por parte de los ejércitos de Napoleón con pintura y tinta. En sus estudios más pequeños
obtenemos instantáneas de la condición humana en extremos de expresión que suenan verdaderos.
La visión de Hogarth Un prestamista de dinero
del periodista y como se ve a través de
agitador político el ojo agudo de

John Wilkes. Rowlandson.
En su serie de dibujos conocida como 'Los Caprichos', Goya castigó

multitud de iniquidades. Aquí está la Iglesia Católica, representada
por dos monjes de aspecto bastante dudoso.
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168
Caricatura como sátira
A finales del siglo XVIII, Napoleón se convirtió en el

objetivo de los caricaturistas ingleses, quienes, como
sus compatriotas, temían lo que pudiera suceder una
vez que hubiera invadido la Europa continental.
Inicialmente retratado por ellos como un pequeño
personaje parecido a un mono con un gran sombrero,
se convirtió en un villano corpulento con el ceño
fruncido y una gran barbilla.
Nadie estuvo a salvo de la pluma de los caricaturistas, ni siquiera el duque

de Wellington, gran héroe de la prensa popular gracias a sus victorias en
las Guerras Napoleónicas. El trato que se le da en estos dos ejemplos
contemporáneos, después de que cambió su uniforme por una levita y
entró en el Parlamento, es bastante bondadoso.
Los líderes políticos en casa sufrieron tanto ataque de El gran rival político de Pitt,
los caricaturistas como de sus homólogos Charles James Fox, de
extranjeros. Rowlandson.
En estos dos ejemplos (arriba) es un William Pitt el Joven de
Gillray que parece comadreja. Con el rostro fresco en la
primera ilustración (después de todo, solo tenía 24 años
cuando se convirtió en primer ministro británico por primera
vez), parece haber madurado un poco en la segunda, con
racimos de pecas en la nariz y las mejillas y las características
de un bigote y barba.
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169
CARICATURA COMO ARTE

En la Francia del siglo XIX, el comentario político a menudo se mezclaba con un tipo de arte ilustrativo que se
combinaba para hacer una infusión bastante extraña. El resultado fue ciertamente una caricatura, pero de un
tipo más acabado y obviamente pulido. La cultura del Salón del mundo del arte francés se habría horrorizado
con menos. Sin embargo, pronto se sentiría la influencia de los impresionistas, incluso en la caricatura.
Honoré Daumier hizo muchos dibujos que flotaban en

los bordes de la caricatura. El primero de los dos
ejemplos de su trabajo que se muestran aquí es de un
tratado francés sobre el sufragio. El segundo, tomado
de un diario, es de la figura literaria más importante
de Francia del siglo XIX, Víctor Hugo, de ahí la
inmensa frente.
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170
Caricatura como arte
Jean-Louis Forain fue colaborador habitual de revistas

como caricaturista y artista gráfico. Este ejemplo de su
trabajo muestra una desviación de estilo del dibujo
satírico que se ve habitualmente en Francia hasta este
momento. Se han utilizado muy pocas líneas para
representar al elegante caballero burgués bigotudo en
traje de noche.
Uno de los primeros
caricatura por
Impresionista
Claude Monet
de su arte
profesor.
Un contemporáneo de Forain, Arthur Rackman se hizo popular por sus

ilustraciones de libros, especialmente de cuentos para niños. El enfoque
imaginativo de Rackham fue bien recibido no solo por los niños, que a
veces casi les asustaban, sino también por sus padres, que admiraban
particularmente su grotesquerie finamente dibujada.
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171
ESTEREOTIPOS
Todos los personajes públicos más conocidos de los últimos cincuenta años
son recordados principalmente por nosotros porque estamos familiarizados
con las imágenes caricaturizadas de ellos que hemos visto en periódicos,
revistas, películas y televisión.
Además de enfatizar las debilidades personales percibidas o los
aspectos humorísticos de las figuras públicas, la caricatura también se
puede usar de manera creativa para sugerir virtudes sólidas, como las de
quizás los dos estereotipos nacionales más famosos de todos los tiempos, el
Tío Sam y John Bull.
Un siglo separa la
creación del Tío Sam (c.
1812) y John Bull (c.
1712), el único
personificando a los EE. UU.
gobierno y el
otro el ciudadano británico
medio.
Los grandes dictadores del siglo XX son más conocidos

por sus dibujos animados que por sus rostros reales.
Hitler Mussolini Stalin

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172
Estereotipos / Tendencias modernas
TENDENCIAS MODERNAS
La tendencia moderna en la caricatura es fijar una o dos características físicas obvias y subordinar todo
lo demás al efecto que crean. Presentar una semejanza mínima absoluta solo puede funcionar, por
supuesto, si la audiencia está muy familiarizada con las figuras representadas. En los siguientes
ejemplos, dirigidos a un mercado británico, observe que las caricaturas de las dos figuras menos
conocidas, Murdoch y Le Pen, están dibujadas con más cuidado que las demás.
El primer ministro británico El ex presidente de los Estados Unidos, Bill Clinton.

Tony Blair y su esposa Cherie.
El magnate australiano de los Político de derecha francés Jean-Marie

medios Rupert Murdoch. Le Pen (después de Gerald Scarfe).
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173
CONSTRUYENDO UNA CARICATURA

El proceso de convertir a una persona de apariencia perfectamente normal en una figura de dibujos animados
para acentuar sus rasgos es el mismo si el tema es familiar para millones de hogares o solo para uno. Puede
ser un ejercicio divertido. El tema que he elegido aquí es mi hijo mayor. Sus rasgos son perfectamente
normales, pero como sé bastante sobre él, puedo acentuar ciertas áreas para resaltar su personalidad al
observador casual. Comencemos el proceso.
1. Es una buena idea dibujar primero a la persona

que desea caricaturizar varias veces, para conocer
las formas de sus rasgos y cómo se relacionan
entre sí.
2. He exagerado un poco su forma de mirar intensamente,

su fisonomía huesuda, mandíbula fuerte. También he
intentado sugerir su altura (6 pies 4 pulgadas).
3. Aquí empiezo a producir algo parecido a una

caricatura. Fíjate cómo lo hice sonreír, aunque no estaba
haciendo esto cuando lo dibujé. Las personas que lo
conocen están familiarizadas con su amplia sonrisa
hacia arriba, su mirada intensa, su frente, nariz, pómulos
y mandíbula grandes y huesudos, y estas son las
características que he tratado de resaltar.
1.
2. 3.
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174
Construyendo una caricatura / Experimentando
EXPERIMENTANDO
Podría haber ido más allá con esa ilustración final y haber continuado hasta que se hubieran eliminado todas
las líneas superfluas. Puede hacer esto de manera más eficaz si conoce bien el tema. Necesitas conocimientos
para poder incorporar en tu caricatura actitudes, movimientos y expresiones favoritas para inyectar un poco de
humor y transmitir una semejanza con un mínimo de detalle.
Aquí hay dos ejemplos para que experimente y vea hasta dónde puede llevar la exageración
antes de que el tema se vuelva irreconocible. Trate de capturar las características obvias primero y luego
el efecto general de la cabeza o la cara.
No trates de caricaturizar a tus amigos, a menos que no te importe perderlos o ellos estén de acuerdo. Si
no puede conseguir el sujeto que desea posar para usted, trate de obtener buenas fotografías de él.
Estos no proporcionarán una referencia tan buena, pero siempre que aproveche su conocimiento de la
persona también, deberían ser adecuados.
CARACTERÍSTICAS IDENTIFICADORAS:
1. Cabeza redonda
2. Mentón gordo
3. Boca sombría
4. Pesado, ansioso
Cejas
5. Ojitos con
pantalón
6. Blobby o roto
nariz
7. Arrugas y
barbilla sin afeitar
Normal Exagerado
CARACTERÍSTICAS IDENTIFICADORAS:
1. Redondeado,
nariz respingona
2. Ojo brillante
3. Cejas gruesas
4. Cabello grande en la parte superior
5. Barbilla
6. Sonrisa descarada
Normal Exagerado
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175
Estilos y técnicas
Para desarrollar un estilo y un método de trabajo individuales, es

necesario experimentar. Esto es bastante fácil, dada la amplia gama
de materiales e implementos disponibles. A continuación,
consideramos diferentes implementos y papeles y los efectos que se
pueden lograr con ellos, por ejemplo, varios tipos de lápiz, así como
pluma y tinta, línea y aguada, tiza, pastel y carboncillo. También nos
fijamos en la tabla raspadora, una técnica que no se utiliza mucho en
estos días, y algunas formas bastante interesantes, aunque
laboriosas, de hacer marcas en papel.
Además, analizamos algunos de los enfoques del arte del
dibujo adoptados por diferentes artistas en diferentes momentos.
Algunos de estos pueden parecer extraños o muy diferentes a la
forma de trabajar a la que está acostumbrado. No se preocupe si
este es el caso. La experimentación nos da la oportunidad de
descubrir nuevas técnicas y enfoques, e incorporarlos en nuestro
trabajo. Pruebe con todos ellos y vea si puede inventar un nuevo
estilo. El punto principal es divertirse.
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177
ESTILOS Y TÉCNICAS
IMPLEMENTOS Y MATERIALES
Los implementos con los que dibujamos son importantes, al igual que el material en el que dibujamos. Un artista
entusiasta dibujará con cualquier cosa y hará que funcione a su favor. Los artistas tienen que dibujar, sin importar la
situación en la que se encuentren. Si no hay nada más disponible, usarán palos en la arena, carbón en las paredes
encaladas, barro de colores en las rocas planas, cualquier cosa para poder dibujar. Si no tiene una amplia gama de
equipos a su disposición, no deje que eso lo detenga. Utilice lo que tenga a mano. Sin embargo, si es posible,
suminístrense los mejores materiales que pueda pagar. Si prueba tantas herramientas y materiales nuevos como
pueda, descubrirá lo que más le conviene. Aquí hay algunos implementos básicos obvios.
Lápiz Lápiz
La herramienta más simple y universal del artista es el Los bolígrafos o bolígrafos vienen con una punta fina, rígida
humilde lápiz, que es muy versátil. Va desde muy duro o flexible, según lo que desee lograr. Los bolígrafos gráficos
hasta muy blando y negro (H, HB, B, 2B, etc.) y existen modernos de punta fina son más fáciles de usar y menos
diferentes espesores. Dependiendo del tipo que elija, el desordenados, pero no tan versátiles, lo que produce una
línea de grosor invariable. Pruebe ambos tipos.
lápiz se puede utilizar con mucha precisión y también
La tinta de los bolígrafos es negra 'tinta china' o
con mucha holgura.
tinta de dibujo; esto puede ser permanente o soluble en agua.
Debe tener al menos tres grados de negrura,
como HB (dureza y negrura promedio), 2B (suave
Cepillar
y negro) y 4B (muy suave y negro). Un cepillo de nailon del número 0 o del número 2 es
adecuado para dibujar. Para aplicar lavados de tono, se
Para trabajar en una superficie tonificada, le recomendamos que recomienda una brocha número 6 o número 10 ya sea en
pruebe el lápiz de carbón blanco. sablette o marta o cualquier otro material capaz de producir
una buena punta.
Grafito
Los lápices de grafito son más gruesos que los lápices ordinarios Papel y cartón
y vienen en una carcasa de madera ordinaria o como varillas de Cualquier papel de cartucho liso decente es adecuado para
grafito sólidas con una fina cubierta de plástico. El grafito en el dibujar. Una superficie más rugosa da una línea más discontinua
y una mayor textura. Pruebe tantos papeles diferentes como
revestimiento de plástico es más grueso, más sólido y dura más,
pueda. Para el trabajo de pincel, use un papel de acuarela de
pero la carcasa de madera probablemente se sienta mejor. El palo
precio modesto para empezar. La mayoría de los ilustradores de
sólido es muy versátil debido a la amplitud real del borde de
líneas utilizan una pizarra lisa, pero es posible que le parezca
dibujo, lo que le permite dibujar una línea de un cuarto de
demasiado suave y que el lápiz se deslice con tanta facilidad que
pulgada de grosor, o incluso más gruesa, y también líneas muy
su línea sea difícil de controlar.
finas. El grafito también viene en varios grados, desde duro hasta
La tabla raspadora tiene una capa de arcilla de
muy suave y negro. porcelana que es lo suficientemente gruesa para permitir
raspar la pintura seca, pero lo suficientemente delgada como
Carbón para que no se agriete. Viene en blanco y negro. La tabla
Los lápices de carbón en negro, gris y blanco son excelentes raspadora blanca es la más versátil de las dos y permite
cuando necesita producir imágenes dimensionales en papel raspar la tinta con una punta o un borde afilado cuando está
tonificado y son menos complicados de usar que las barras seca para producir texturas o líneas interesantes. La versión
de carbón y tiza. Sin embargo, los palos son más versátiles negra tiene una fina capa de tinta negra impresa
porque puedes usar tanto el borde largo como la punta. Los uniformemente sobre toda la superficie que se puede raspar
dibujos en este tipo de soportes necesitan "arreglos" para para producir un dibujo inverso que se asemeja a un
grabado en madera o grabado. Pruébalos. Corta tu primera
evitar que se borren, pero si se intercalan con trozos de
tabla en pedazos más pequeños para que puedas
papel, se pueden conservar sin mancharse. El trabajo que
experimentar con una variedad de enfoques diferentes. (Las
desee mostrar durante un período de tiempo debe fijarse
técnicas más inusuales relacionadas con la tabla raspadora
con fijador en aerosol.
se tratan más adelante en esta sección).
Las herramientas con las que necesita trabajar de forma eficaz
Tiza La tabla raspadora se puede obtener en cualquier buena tienda de arte o
Se trata de una alternativa más económica y duradera al artesanía.
conté blanco o al pastel blanco.
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178
Implementos y materiales
Lapices
HB B 2B 4B
Carbón Conté
lápiz
Lápiz de carbón blanco
Lápices de grafito
Bolígrafo de línea fina
Bolígrafo de punta fina
tiza blanca
Palo de conté
Carbón de sauce
No 5 cepillo de marta
Cepillo de nailon No 2
Herramienta de tablero raspador
Lápiz de mano con

punta de alambre de plata
Los sacapuntas de mano comunes no siempre toman

el grosor de la mina de un lápiz de grafito. Un cuchillo Tinta de dibujo
artesanal, sin embargo, da muy buen punto.

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ESTILOS Y TÉCNICAS
DIBUJO A LÁPIZ
El lápiz se puede utilizar de muchas formas. Cuando se inventó, en algún momento del siglo XVII,
revolucionó las técnicas de los artistas debido a la enorme variedad de efectos hábiles que se podían
producir con él, y pronto reemplazó a los implementos de dibujo bien establecidos, como la punta de
plata.
La producción de lápices en diferentes grados de dureza y negrura mejoró enormemente la
versatilidad del medio. Ahora era fácil dibujar de varias formas: delicada o vigorosamente, precisa
o vagamente, con efecto lineal o con efectos tonales fuertes o suaves.
Aquí tenemos varios tipos de dibujos a lápiz, desde los cuidadosamente precisos hasta los impulsivamente
desordenados, desde los que hacen marcas poderosas y vigorosas hasta los tonos de tono suaves y sensibles.
Miguel Ángel es un buen punto de partida para

conocer las formas de utilizar el lápiz. Su trabajo fue
extremadamente hábil y, como puede ver en este
dibujo, su conocimiento anatómico fue insuperable. El
cuidado sombreado de cada uno de los grupos de
músculos del cuerpo le confiere un efecto casi
escultórico, lo que no es tan sorprendente si se tiene
en cuenta que la escultura fue su primer amor. Dibujar
así requiere tiempo, paciencia y un análisis cuidadoso
de la figura que está dibujando.
El dibujo de Tiziano, sin embargo, es bastante diferente. El conocimiento del color de este artista era tan
bueno que incluso sus dibujos parecen pintados. Obviamente siente la textura, la profundidad y el
movimiento en el espacio y no le preocupa definir nada con demasiada precisión. Las líneas se fusionan
y se agrupan para formar un grupo táctil muy poderoso.
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180
Dibujo a lápiz
Ahora mire este vigoroso dibujo de

Delacroix, el gran artista romántico
francés. Las poderosas líneas fluidas
muestran la actividad y contundencia
de la figura. Donde se ha aplicado
sombreado, se bloquea muy
fuertemente en áreas de sombras
oscuras.
Manejar el lápiz de esta manera requiere

confianza. Cuando estás aprendiendo, a
veces es útil simplemente soltarse y tener
una oportunidad de
produciendo una imagen fuerte.
No tiene nada que perder;
siempre puede intentarlo de
nuevo si su dibujo sale mal.
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181
ESTILOS Y TÉCNICAS
PRECISIÓN
En estos ejemplos, el lápiz se usa casi científicamente con la línea tomando preeminencia. A veces se
utiliza para producir un efecto de forma exacto, a veces para mostrar la fluidez y la simplicidad de un
movimiento.
Este meticuloso dibujo a lápiz, del alemán Julius

Schnorr von Carolsfeld, es uno de los dibujos de
este estilo más perfectos que he visto en mi
vida. El resultado es estupendo, aunque esto es
solo una copia y probablemente no tiene la
precisión del original. Cada línea es visible. El
sombreado tonal que sigue los contornos de las
extremidades se observa de forma exquisita.
Esto no es nada fácil de hacer y conseguir que
las notas repetidas se alineen correctamente
requiere una gran disciplina. Vale la pena
practicar este tipo de dibujo porque aumentará
su habilidad para manipular el lápiz y pondrá a
prueba su capacidad de concentración.
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182
Precisión / El esquema simple
EL BOSQUEJO SIMPLE
De diferentes formas, todos los dibujos de esta página
utilizan un esquema simple. Tal simplicidad sirve para
'arreglar' la forma principal del dibujo, asegurando el
efecto del sombreado detallado adicional.
Se ha utilizado un método de dibujo mucho
más económico para dos de los dibujos aquí, pero
tenga en cuenta que esto no ha sido a expensas
de la información ofrecida sobre los temas
representados.
Tanto Matisse (copia de un

autorretrato, arriba) como Victor
Ambrus (izquierda) parecen haber
usado varios grados de lápiz para
estos dibujos; algunas líneas son muy
suaves y negras, otras mucho menos.
Saber hasta dónde llegar es un arte
en sí mismo. Ambrus ha logrado el
equilibrio al delinear la forma
principal del perro con una línea gris
suave y luego agregar detalles del
cabello rizado y las orejas oscuras, la
cabeza y la nariz con líneas más
oscuras y nítidas.
Solo uno de los objetos de este grupo de

naturalezas muertas ha sido dibujado
con gran detalle. El resto de ellos están
en un esquema simple. Este es un dibujo
sin terminar, pero muestra cómo lograr
una solidez convincente dibujando
primero formas de contorno claramente
definidas antes de saltar al fondo con un
dibujo detallado.
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183
ESTILOS Y TÉCNICAS
PLUMA Y TINTA
El bolígrafo y la tinta son especiales porque una vez que has escrito la línea, es indeleble y no se puede borrar. Esto realmente pone al
artista en su temple porque, a menos que pueda usar una masa de líneas finas para construir una forma, tiene que hacer las líneas
"correctas" la primera vez. De cualquier manera puede funcionar.
Una vez que aprendas a usar tinta, puede ser muy adictivo. La tensión de saber que no se puede
cambiar lo que ha hecho en un dibujo es un desafío. Cuando va bien, puede ser estimulante.
Leonardo probablemente hizo el original como

estudio para una pintura. Dibujado de manera
bastante esquemática en una línea simple,
muestra a una mujer joven con un unicornio,
un dispositivo cortesano popular de la época.
Las líneas son sensibles y sueltas, pero todo
encaja muy bien con un mínimo de dibujo. Las
líneas curvas sugieren la forma y la
materialidad de las partes del cuadro, el
vestido suavemente arrugado y doblado, el
rostro y la mano redondeados pero firmes, el
árbol de aspecto ligeramente plumoso. El uso
de un sombreado mínimo en unas pocas líneas
oblicuas para sugerir áreas de tono es
suficiente para transmitir las intenciones del
artista.
Esta copia de un Rafael está más

sombreada en una variedad de
tramas cruzadas, lo que le da mucha
más solidez a las figuras a pesar de las
imágenes ligeramente de cuento de
hadas. El movimiento se transmite
muy bien y el cuerpo del ciclista se ve
muy
sustancial mientras corta al
dragón. Los extraños trozos de
fondo colocados a la ligera dan
aún más fuerza a las figuras de
caballero, caballo y dragón.
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184
Pluma y tinta
Esta siguiente copia, de un dibujo de Miguel Ángel, está mucho más trabajada, con
fuertes trazados cruzados que capturan la musculatura de la figura. La textura es
rica y da una muy buena impresión de una figura poderosa y juvenil. El brazo
izquierdo y las piernas están inacabados pero aun así el dibujo tiene gran impacto.
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185
ESTILOS Y TÉCNICAS
Rara vez he visto un dibujo a tinta

de la figura humana tan brillante
como el del pintor Guercino. En
este ejemplo, la línea es
extremadamente económica y
parece que se ha extraído de la
vida muy rápidamente. Las líneas
fluidas parecen producir el efecto
de un cuerpo sólido en el espacio,
pero también tienen una
maravillosa calidad lírica propia.
Intenta dibujar así, rápidamente

sin preocuparte por
cualquier cosa excepto los
detalles más significativos, pero
captando la sensación del tema
en el menor número de líneas
posible. Tendrá que extraer algo
directamente de la vida para
comprender cómo funciona esta
técnica.
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186
Pluma y tinta
En su magistral original de este dibujo en

línea (y tinta), Tintoretto tuvo cuidado de
obtener el contorno completo de la figura.
Las líneas curvas del interior sugieren la
musculatura de la forma. No hay
demasiados detalles, pero sí lo suficiente
para convencer al ojo del poderoso cuerpo;
cada músculo aquí parece ondular debajo de
la piel. El sombreado más simple sugiere la
forma.
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187
ESTILOS Y TÉCNICAS
PRACTICAR CON LÁPIZ Y TINTA

Los dibujos de esta página muestran lo que se puede lograr con bolígrafos de diferentes grosores de plumilla.
La serie de cabezas muestra el efecto que se puede lograr con un plumín fino. La masa de líneas que van en
muchas direcciones dan una impresión definida de solidez, así como profundidad de sombras y luz.
La figura del niño está dibujada con un rotulador. Esta no es la herramienta más sensible pero,
siempre que no espere demasiado de ella como medio, le permite dibujar de manera rápida y
razonablemente efectiva.
Las cabezas del niño y la niña muestran la áreas inicialmente. El objetivo es aprender a
importancia del trasfondo al intentar describir la controlar los trazos de su lápiz para que pueda
forma en que la forma se construye alrededor de un colocarlos juntos sin que se confundan.
objeto redondeado. Algunas áreas se han dejado Necesitará varios intentos para hacer que las
despejadas para sugerir que la luz atrape el cabello, líneas solo pasen por las áreas que desea.
las orejas, la nariz, etc., y estas se destacan contra el Intente dibujar en la forma principal con lápiz
tono de fondo rayado. primero y luego tinta sobre ella para que tenga
Para practicar esta técnica, pruébela en pequeños líneas de lápiz para dibujar.
El espesor de
rotulador
limita tu
opciones hasta ahora
como el tamaño es
preocupado. Como
puedes ver
aquí tienes
para dibujar más grande
o reducir áreas
de tono a su
más simple.
Esta copia de una cabeza de Matisse se dibuja

con notable libertad y, sin embargo, las
múltiples líneas se acumulan en una textura
densa de materialidad que parece muy
convincente.
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188
Practicando con pluma y tinta
PRÁCTICA
Este juego de cabezas de mujer te da la oportunidad de probar diferentes métodos de usar la línea en lápiz y
tinta. Todos los métodos son posibles y pueden utilizarse con buenos resultados. Primero piensa en tus líneas,
antes de escribirlas a lápiz. Mira mis notas primero antes de empezar a intentar dibujarlas.
1. Con sus líneas negras bastante sólidas y la simplificación

de la forma, este dibujo se asemeja a un grabado en
madera. Solo una línea fina sugiere redondez de forma.
2. Aquí se utilizan líneas curvas, dibujadas libremente sin

ningún tono, para dar el máximo efecto para un dibujo
mínimo. Se necesita una punta de lápiz flexible para obtener
líneas un poco más anchas y también más finas alternadas.
1. 2.
Tenga en cuenta la sencillez de los rasgos faciales.
3. Incluso el marco delineado se suma al efecto

decorativo de este dibujo. Los rizos en capas
intensas en la cabeza crean un patrón en lugar de un
efecto realista, al igual que el cuello plisado
alrededor de los hombros. La cara está
marcadamente dibujada pero sin mucho intento de
forma. Las grandes áreas de hombros y cuello 3. 4.
blancos y el fondo en blanco ayudan a enfatizar la
calidad decorativa de las partes dibujadas.
4. La cara aquí está nuevamente dibujada

económicamente: solo dos ojos negros, y meros toques
para la nariz y la boca. Sin embargo, el cabello que
delinea la cara y el cuello se ha representado como una
masa selvática de líneas negras superpuestas entre sí.
Las líneas ligeramente más formales en el fondo
permiten que el cabello se desvanezca en el papel y 5. 6.
enfatice la palidez del rostro. La alegría de dibujar así viene al hacer
patrones de líneas y puntos, y como esto
5. Este dibujo también se ocupa principalmente del no se puede apresurar, es muy
efecto decorativo de las líneas de cabello onduladas terapéutico.
con precisión, cruzadas por las
tocado de perlas delineado, todo plano con las 6. Esta cabeza es similar a la tercera en que el cabello y
líneas claras y nítidas que recuerdan a un el cuello del vestido son patrones cuidadosamente
grabado. Los puntos que forman el fondo están elaborados para sugerir un peinado adornado y una
cuidadosamente espaciados para asegurar que elegante negligée. La diferencia entre los dos dibujos
un área no sea más oscura que otra. Sobre este está principalmente en el fondo. En este dibujo no hay
fondo más oscuro, el perfil y los ojos marcados una perspectiva obvia. Los cuadrados dentro de los
aparecen casi en silueta. No se ha intentado cuadrados sugieren que debe haber profundidad detrás
producir profundidad de forma. de la cabeza.
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189
ESTILOS Y TÉCNICAS
LINEA Y LAVADO
Ahora pasamos a ver los efectos que se
pueden obtener usando una mezcla de
lápiz y pincel con tinta. Las líneas
generalmente se dibujan primero para
obtener la forma principal del sujeto,
luego se usa un pincel cargado de tinta
y agua para flotar a través de ciertas
áreas para sugerir sombras y rellenar la
mayor parte del fondo para dar
profundidad.
Para este tipo de dibujo es
necesario un papel sólido de buena
calidad; pruebe con un papel de
acuarela o con un cartucho de papel
muy pesado. La acuosidad de los
tonos debe calcularse para el área a
cubrir. En otras palabras, no lo mojes
tanto que el papel tarde años en
secarse.
Esta copia de un Rembrandt es

muy dramática en su uso de
luces y sombras.
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190
Línea y lavado
Cuando se utiliza la línea y el lavado en el dibujo de paisajes, el manejo del lavado es particularmente importante,
porque sus diferentes valores tonales sugieren que el espacio retrocede hacia el plano de la imagen. Aquí miramos
tres dibujos de Claude Lorrain.
Este delicado dibujo a lápiz de parte de una

antigua ruina romana tiene un ligero lavado de
tinta aguada para sugerir que el sol brilla detrás
de las piedras. El lavado se ha mantenido
uniforme. Los contornos de los bloques de piedra
te dan líneas para dibujar.
Estos dos ciervos están dibujados
de manera bastante suelta.
en tiza negra. Se ha
salpicado libremente una
variedad de tonos de
lavado a lo largo del
animales para sugerir
forma y sustancia.
Este dibujo puramente lavado del

Tíber en Roma tiene algunas
pequeñas motas de bolígrafo cerca
del horizonte. Los tonos varían
desde muy pálidos en la distancia
hasta gradualmente
oscureciendo a medida que nos
acercamos al primer plano, que es el
más oscuro de todos. El tono oscuro se
alivia con la mancha blanca del río,
reflejando el cielo claro con una
sugerencia de reflejo en un tono más
suave. Un boceto brillante.
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191
ESTILOS Y TÉCNICAS
Paisaje maestro
pintor Claude Lorrain
da una lección real sobre
cómo dibujar la naturaleza en
este estudio de un árbol.
Ejecutado con mucho
sintiendo pero genial
economía, el conjunto
el dibujo se realiza en
pinceladas.
Para probar esto, necesita
tres tamaños diferentes de
pincel (pruebe los números 0
o 1, y 6 y 10), todos ellos con
buenos puntos. Ponga
primero en las áreas más
claras (tinta muy diluida),
luego en los tonos medios
(más tinta menos agua), y
luego en las muy
más oscuro (no del todo
tinta sólida).
Observe cómo Lorrain no intenta dibujar cada hoja, sino Bloquea en algunas zonas muy oscuras con el
que hace manchas y garabatos interesantes con la punta tono más oscuro y vuelve a la punta del pincel
del pincel para sugerir un dosel frondoso. Con los tonos para describir ramas y algunos racimos de hojas.
más pesados permite que el pincel cubra áreas más
grandes y con menos detalles.
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192
Línea y lavado / tiza sobre papel entonado
TIZA SOBRE PAPEL TONIFICADO

El uso de papel tonificado puede aportar una dimensión adicional a un dibujo y es muy eficaz para
producir un efecto tridimensional de luces y sombras. Ya sea que esté dibujando con tiza, pastel o
carboncillo, es muy importante recordar que el papel en sí es, en efecto, un implemento que
proporciona todos los tonos entre los extremos de la luz y la oscuridad. Debes resistir la tentación de
borrar por completo el papel entonado en tu entusiasmo por cubrir toda el área con marcas de tiza.
Estudie los siguientes ejemplos.
Esta cabeza se dibuja simplemente con una

tiza de tono medio sobre un papel ligero.
Aquí el desafío es no exagerar los detalles.
Los tonos de las marcas de tiza se utilizan
para sugerir áreas de la cabeza, y las marcas
definidas se han mantenido al mínimo.
El tono medio del papel se ha

utilizado con gran efecto en esta
copia del dibujo de Carpaccio de un
comerciante veneciano. Pequeñas
marcas de tiza blanca resaltan las
partes de la ropa, el rostro y el
cabello que captan la luz. No se ha
intentado unir estas marcas. La tiza
oscura se ha utilizado de manera
similar: tan poco como el artista
sintió que podía salirse con la suya. El
tono medio del papel se convierte en
el cuerpo sólido que registra las luces
brillantes que caen sobre la figura.
Los tonos más oscuros dan el peso y
el contorno de la cabeza, asegurando
que no desaparezca en una serie de
pequeñas marcas.
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193
ESTILOS Y TÉCNICAS
Como hemos visto en los ejemplos de la hoja anterior, el uso de papel entonado reduce la zona que hay
que tapar con tiza y realza el efecto de las marcas de tiza, sobre todo si estas han sido realizadas en
blanco. Las tres ilustraciones que se muestran aquí ejemplifican la gama de efectos que se pueden
lograr con papel tonificado.
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194
Tiza sobre papel entonado
En la imagen de Watteau de una diosa

(izquierda), el contorno oscuro enfatiza la
figura y las extremidades, al igual que los
parches de luz brillante en las superficies
superiores.
Los dos dibujos que se muestran en

esta página fueron ejecutados con tiza
blanca y oscura sobre papel de tono
medio. El enfoque adoptado con el
primero es lo más económico posible.
La forma de la superficie del rostro y la
figura de la niña apenas se insinúa en
un lado, con la más mínima cantidad
de tiza. Se consigue un efecto similar
en el otro lado, esta vez en tiza oscura.
El papel descubierto hace gran parte
del resto del trabajo.
El segundo dibujo lleva el uso de la

oscuridad y la luz mucho más allá,
creando una imagen sustancial. En
algunos lugares, la tiza blanca se
amontona y en otros es apenas
visible. La tiza oscura se maneja de la
misma manera. Se cubre más papel
tonificado, pero su
La contribución al efecto
general del dibujo no disminuye
por eso.
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195
ESTILOS Y TÉCNICAS
El maestro neoclásico francés Pierre Paul Prud'hon fue un brillante trabajador en el medio de la tiza sobre
papel tonificado. En estas copias de ejemplos de su obra, nos muestra dos formas muy efectivas de utilizar
tonos claros y oscuros para sugerir formas.
En este dibujo de Psyche, se han hecho La impresión creada es la de una figura en

marcas con tiza oscura y clara, creando una la oscuridad. A esto ayuda el tono medio
textura de luz que es más bien del papel, que casi desaparece bajo el
Impresionista en sabor. Las líneas, que en su mayoría patrón de la marca.
son bastante cortas, van en todas direcciones.
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196
Tiza sobre papel entonado
Las marcas de tiza en este primer plano son muy muestre el formulario como si estuviera iluminado desde
disciplinadas. Toda una gama de tonos se construye a arriba. Aquí, también, el tono medio está cubierto
partir de las marcas cuidadosamente controladas, que principalmente con gradaciones de blanco y negro.
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197
ESTILOS Y TÉCNICAS
TÉCNICA RASPADORA
El dibujo con cartulina se desarrolló durante los primeros días de la reproducción fotográfica en los periódicos
como una respuesta a las necesidades de los anunciantes, que querían mostrar sus mercancías y productos de
la mejor manera, pero estaban limitados por la mala calidad de los procesos de impresión disponibles en ese
momento. La técnica dio una definición muy clara y precisa a las fotografías y, por lo tanto, se convirtió en el
medio de reproducir anuncios para papel de periódico. Con el tiempo, por supuesto, la serigrafía de fotografías
mejoró tanto que se ha convertido en una técnica de arte más. Sin embargo, la tabla raspadora tiene algunas
cualidades propias. Es similar en algunos aspectos al grabado en madera, cortes en madera o grabado en
metal, aunque debido a la facilidad de dibujo es más flexible y requiere menos tiempo.
En este dibujo, el barquero que aparece al otro lado de tinta negro. Con una herramienta de tablero raspador,
de un lago o río brumoso fue primero esbozado a las líneas se rasparon cuidadosamente en las áreas tonales,
lápiz, luego tachado en grandes áreas de tinta. La reduciendo aún más sus cualidades tonales. Algunas áreas
figura del hombre, los remos y los atmosféricos se tienen pocas o ninguna línea rayada, lo que da un tono más
realizaron en tinta diluida para hacer un tono más oscuro y un efecto de dimensionalidad.
pálido. El bote fue arrastrado
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198
Técnica de la tabla raspadora
Puede ver en los dos ejemplos a continuación cómo la técnica de la tabla raspadora se presta a una cierta
forma formalizada de dibujar. Las marcas de arañazos se pueden hacer para que se vean muy decorativas. El
dibujo y las letras de la tarjeta de Navidad se realizan en una técnica muy similar y se han realizado utilizando
tanto raspador como pluma y tinta. El principal esfuerzo se centra en hacer las formas decorativas y dotar a las
líneas principales de una calidad de textura; esto se logra usando un cepillo o el costado de una punta flexible.
La ilustración superior se
dibujó primero con tinta
negra. Luego, se revisaron las
áreas de tinta con la
herramienta raspadora para
reducir el peso de las áreas
sombreadas y limpiar los
bordes para lograr la forma
requerida.
La tarjeta de navidad
el dibujo es principalmente una línea
gruesa en el pincel con unas pocas
líneas en el bolígrafo que se agregan
después para proporcionar detalles.
Luego, se utilizó la herramienta
raspadora para afinar el contorno y
los espacios entre las áreas de negro.
Usando la técnica
La técnica de la tabla
raspadora es similar al
rayado cruzado con un lápiz,
aunque con el primero se
dibuja blanco sobre negro,
por supuesto. La superficie
de la tabla se puede rayar
varias veces, siempre que las
marcas no hayan cortado
demasiado profundamente la
arcilla china. Cualquier área
que necesite ser fortalecida o
corregido se puede rellenar
con tinta. Corregir líneas
usando esta técnica es muy
fácil: simplemente tacha los
bits incorrectos y vuelve a
dibujarlos.
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199
ESTILOS Y TÉCNICAS
TÉCNICA DE BLOTTING
Utilizada por primera vez por ilustradores en la década de 1950, Andy Warhol hizo famosa esta técnica en sus
ilustraciones de moda. La idea es tomar un trozo de papel de cartucho ordinario o papel secante (cualquiera de los dos
logrará el mismo efecto) y doblarlo por la mitad. Después de dibujar cada línea con tinta, secarla en el lado opuesto de
la página (vea las ilustraciones a continuación). Debe adoptar un enfoque minucioso, secando a medida que construye
el dibujo, porque de lo contrario, la tinta se seca demasiado rápido. Un bolígrafo es la mejor herramienta, porque los
bolígrafos gráficos modernos no producen tinta lo suficientemente húmeda.
1. Dibuja una línea. 2. Doble el papel para secar la

tinta del lado opuesto.
Produciendo un efecto
Por lo general, es mejor dibujar solo unas
pocas líneas a la vez y luego borrarlas
inmediatamente. Si dibuja demasiadas
líneas antes de secarlas, la tinta se secará
y perderá el sentido de utilizar esta
técnica. Sin embargo, debe experimentar
con los tiempos y el grosor de la línea,
porque a veces un efecto agradable
puede resultar de un comienzo poco
prometedor. En el último dibujo de la
página opuesta, por ejemplo, las múltiples
líneas de la cara se secaron tan
3. Dibuje la siguiente línea y repita el rápidamente que la versión borrada
procedimiento, doblando el papel para parecía mucho menos tonal que la
secar la tinta del lado opuesto. original. Sin embargo, me gustó el efecto
y no intenté cambiarlo. La forma en que
desea que se vea su dibujo terminado
depende de usted.
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200
Técnica de secado
Dibujo original Versión borrada

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201
ESTILOS Y TÉCNICAS
TÉCNICA DE BORDE DE TARJETA

Esta técnica se inventó aproximadamente al mismo tiempo que la técnica de borrado que acabamos de ver. El primer
paso es cortar pequeños trozos de cartulina. Luego, los bordes de estos se sumergen en pintura suave y húmeda (los
colores de diseñador gouache son los mejores) y se usan para dibujar líneas en una hoja en blanco. El efecto es
inicialmente muy fuerte, volviéndose más y más tenue a medida que la pintura se gasta o se seca.
Al igual que la técnica de secado, es un proceso lento y no se pueden producir muchas
formas curvas, pero el resultado final puede ser muy poderoso. En cuanto a cómo se usa y los
efectos que se pueden lograr con él, es bastante similar a pintar con espátula.
En este ejemplo, el gouache en el borde de la casa. Para el techo y los árboles oscuros en el
tarjeta estaba casi seco cuando se usó para fondo, la tarjeta estaba muy húmeda y llena de
pintar las nubes y la superficie frontal del pintura.
Nuevos horizontes
El uso de pintura gouache para hacer un dibujo no es un intento de iniciarte en la pintura,
aunque me sorprendería que no estuvieras interesado en hacer eso además de dibujar.
Simplemente ilustra un punto que ya he señalado, que debes sentirte libre de dibujar con lo
que te apetezca. Un artista no puede estar limitado por las nociones de lo que es apropiado
para él o ella usar como medio. En última instancia, la elección es suya. Al ejercitar esta opción,
intente ser inquisitivo y aventurero. Cualquier uso de un nuevo medio ayudará a su dibujo,
porque le hará reevaluar cómo produce realmente el artículo terminado. Nunca use un solo
medio, incluso si lo prefiere sobre todos los demás. Tu vida como artista es una visión del
universo en constante expansión, y si te quedas con solo uno o unos pocos, encontrarás que
tus horizontes artísticos se estrechan y tu trabajo se vuelve predecible y repetitivo. No tengas
miedo de lo que no sabes. Una vez que comience a trabajar con un nuevo medio, se
sorprenderá de lo rápido que aprecia sus cualidades y encuentra formas de adaptarlas a su
propósito.
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202
Técnica del borde de la carta / Técnica del punto de plata
TÉCNICA DE PUNTA DE PLATA

La última y probablemente para la mayoría de la gente la técnica menos probable que se intenta es el dibujo
con punta de plata, el método clásico utilizado en la época anterior a la invención de los lápices. Muchos
dibujos de artistas del Renacimiento se realizaron de esta manera. Cualquiera interesado en producir dibujos
muy precisos debería probar esta técnica más refinada y eficaz.
Primero tienes que comprar un trozo de alambre de plata (prueba con un joyero o alguien que se ocupe de
metales preciosos) de un milímetro de grosor y unas tres pulgadas de largo. Esto se sostiene en un mango de
madera pegado a él o, la mejor opción, dentro de un lápiz propulsor de acción de embrague que toma alambre de
este grosor. Luego, cubra un trozo de papel de cartucho (use papel bastante grueso porque es menos probable que
se doble) con un lavado de pintura de diseño de gouache blanca permanente; la capa debe cubrir toda la superficie y
no debe ser ni demasiado espesa ni demasiado acuosa. Cuando la pintura blanca se haya secado, se dibuja sobre ella
con el alambre plateado; asegúrese de que el extremo del cable sea liso y redondeado para evitar que se rompa el
papel. No presione demasiado. La plata deposita una línea sedosa muy fina, como un lápiz, pero dura mucho más. La
punta de plata es un material muy agradable para dibujar. Te recomiendo encarecidamente que hagas el esfuerzo de
probarlo. Es muy gratificante e instructivo.
Para usar punta

plateada necesitas
Prepara un
fondo para
dibujar sobre. Dibujé
este ejemplo en
pintura blanca con un
poco de rojizo
marrón mezclado.
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203
Apreciación artística
Hay otras formas de mejorar sus habilidades de dibujo

además de practicar. Un enfoque que es bastante
placentero a la par que instructivo es asistir a tantas
exposiciones de dibujos y pinturas como sea posible.
Incluso si significa viajar una distancia considerable, vale la
pena. No solo amplía su educación en el arte al
familiarizarlo con artistas de primer nivel, sino que también
comenzará a refinar sus propias percepciones,
encontrando niveles más altos a los que apuntar en su
propio trabajo. Yo mismo visito Italia todos los años para
mostrar a la gente las grandes obras de arte en lugares
como Florencia, Venecia, Roma y Nápoles y siempre
encuentro la estimulación muy útil para mi propio trabajo.
Pero no solo mire el trabajo de maestros históricos.
También haga el intento de visitar galerías que muestren el
trabajo de artistas actuales,
Mediante su práctica de dibujo y esta apreciación del arte que lo
rodea, experimentará una mejora medible de sus propias
percepciones y comprensión de las posibilidades a su disposición. Esto
puede ser muy divertido y estimulante. En cualquier país hay grandes
centros urbanos donde se reúne el arte de la nación para que el
público lo vea, pero también se encuentran pequeñas colonias de
artistas escondidas en todo tipo de pequeños pueblos y aldeas, y vale
la pena mirar su trabajo. Por último, por supuesto, los grabados y los
libros son muy buenas fuentes de apreciación del arte. Si no puede
permitirse comprarlos, hay vastas bibliotecas llenas de ellos donde se
pueden estudiar de forma gratuita.
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205
APRECIACIÓN ARTÍSTICA
¿QUE VES?
Al ver el trabajo de otros artistas, intente analizar qué lo hace tan atractivo para usted. Hágase preguntas. No
se avergüence ni sea tímido si algunas de sus respuestas sugieren que su respuesta es de naturaleza religiosa
o espiritual. A menudo, estas son las razones más verdaderas por las que nos gusta un trabajo y debemos ser
reconocidos. Cualquiera que sea la cuerda que se toque cuando perciba una obra, reconocerla le llevará a
comprender su propia obra y la dirección que podría tomar.
Hay espacio para todo tipo de artistas en este mundo y una de las grandes libertades de los practicantes del
arte moderno es que han redefinido por completo las razones detrás del arte. Puede que no tengan razón, o puede
que usted no esté de acuerdo con ellos, pero la libertad de encontrar su propio camino hacia la apreciación del arte es
de un valor tremendo.
Al mirar el arte, cuestione sus propias percepciones. ¿Es el tema? ¿Es la brillantez
técnica del artista? ¿Es el color? ¿Es la forma? ¿Es el medio utilizado para producir la
obra? ¿Son las ideas más sutiles detrás de la forma? ¿Es porque te recuerda a
alguien? Todas estas preguntas son válidas. Sin duda, se le ocurrirán muchas más. El
punto principal es descubrir su verdadera respuesta a una imagen que le atrae. A
veces, la respuesta es muy simple, pero a veces la apreciación se encuentra mucho
más profunda dentro de ti y será necesario desenterrar un poco. Persevera y tu
recompensa será considerable.
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206
¿Que ves?
No intentes mirar todo. Espere hasta que algo realmente llame su

atención y luego préstele toda su atención. Dedique al menos tres
minutos a mirar en detalle todo en la imagen, sin comentar. Entonces,
su cuestionamiento de lo que está frente a usted será muy útil para
aclarar su comprensión.
Al mirar reproducciones de obras famosas, fíjese más bien como descubrir a un viejo amigo y verlo
dónde se encuentran estas obras. Si está lo totalmente nuevo. El conocimiento de primera
suficientemente cerca como para visitarlo, hágalo. No mano de un original también ayuda a informarle
importa qué tan buena sea la calidad de una de lo que falta cuando intenta dibujar a partir de
reproducción, el original posee una dimensión extra, una impresión. Sin ese conocimiento, no podría
y esto le llamará la atención tan pronto como ponga comenzar a compensar la falta.
los ojos en el trabajo real. Está
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207
APRECIACIÓN ARTÍSTICA
COMPROMETER CON LA VIDA

Ahora hemos completado el círculo. El buen arte contiene un ingrediente esencial que debe experimentarse
directamente desde el trabajo. Para que este ingrediente esté presente, es casi seguro que el propio artista
debe tener una experiencia directa de lo que está comunicando. Por lo tanto, dibujar de la vida es de suma
importancia. Cuando se enfrenta a personas reales, animales, objetos, paisajes, paisajes urbanos, lo que sea, el
artista tiene que evaluar y luego representar la forma, la proporción, la variación tonal, la perspectiva y la
anatomía sin perder la verosimilitud de la experiencia. Obviamente, hay cierta simplificación y selección de lo
que se ve exactamente. Aun así, esta es una tarea bastante difícil, y es porque los artistas talentosos intentan
hacer esto todo el tiempo que su trabajo es tan bueno. Nunca lo olvides: dibujar de la vida aumentará tu
habilidad para dibujar bien. Dibujar a partir de dibujos o fotografías, o maquillarse con la cabeza son válidos,
pero si no regresa con frecuencia al mundo natural visible, sus dibujos nunca serán convincentes. Aparte de los
beneficios que confiere, es la forma más interesante de dibujar, y el interés es lo que mantiene el arte fresco y
vivo, tanto para el artista como para el espectador.
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14.curso Dibujo Avanzado

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Dibujando de los Maestros 15

La experiencia del dibujo 47

Evaluar lo que funciona 111

Estudiando la vida desde la naturaleza 127

Extremos de expresión 165

Estilos y técnicas 177

Apreciación artística 205

icolas-Jacques Conté nació en Sées (Normandía)

Línea y estilo: la línea suelta pero tensa evidente

Diferentes enfoques: dibujo a lápiz

Diferentes efectos con tiza: Ambos dibujos son de

En la copia del Caracci (derecha) se puede ver

Lleve siempre consigo un bloc

Estos breves bocetos de

Cuando no sea posible dibujar

Una de las lecciones más importantes

El objetivo de esta sección no es animarte a copiar ciegamente los

ARTE GRIEGO ANTIGUO

Arte griego antiguo

LEONARDO DA VINCI (1459-1519)

RAPHAEL (RAFFAELO SANZIO) (1483-1520)

MICHELANGELO BUONARROTI (1475-1564)

PETER PAUL RUBENS (1577-1640) Veamos

HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497 / 8-1543)

REMBRANDT (HARMENSZ VAN RIJN) (1606–69)

GIOVANNI BATTISTA TIEPOLO

JEAN-ANTOINE WATTEAU (1684-1721)

JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES (1780-1867)

EUGENE DELACROIX (1798-1863)

JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851)

EDGAR DEGAS (1834-1917)

PIERRE AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

GEORGES SEURAT (1859-1891)

PAUL CÉZANNE (1839-1906)

HENRI MATISSE (1869-1954)

PABLO PICASSO (1881-1973)

HENRY CARR (1894-1970)

Como ha aprendido de la sección anterior, no hay sustituto

Observar un sujeto en términos

Usando la regla de oro

Una silueta oscura bien definida en el

Un objeto claro y brillante

Las extrañas proporciones

EL EFECTO DE DIFERENTES NIVELES DE OJOS

En la primera imagen, el nivel de los ojos es

AREAS DE OSCURIDAD Y LUZ

Geométrico muy grande

Áreas de oscuridad y luz

(B) - el ángulo del torso a la base horizontal.

D. Un poco menos de 90 grados (casi en ángulo recto).

RELACIONANDO TRIÁNGULOS Y RECTÁNGULOS

Triángulos y ángulos simplificados

Rhomboidius mayor y menor

Obliquus externus abdominis

LA CABEZA Huesos del cráneo Frontal

A. Corrugador (junta las cejas) Occipital

B. Frontalis (mueve la frente

C. Temporalis (ayuda a mover la mandíbula

O. Mentalis (mueve la piel del J.

La pantalla de la lámpara, la base del

USANDO UNA UNIDAD COMÚN DE MEDIDA

Un poco más 2 unidades 6 unidades