N° 2 .

Publicación digital de
distribución gratuita
Marzo 2018. Córdoba. Argentina
ISSN 2591-5177
PH: Jorge Ramacciotti
Intalación “Bocaditos de palabras” de Campo de Cruces
EDITORIAL
Ancestrasles y contemporáneos sumario
Nos complace presentar el segundo nume-
ro de “Arte en revista”, la publicación digi- 2.....Editorial | Gabriela Barrionuevo
tal de nuestro espacio de arte Nodo940. El 3.....Leonardo Kistein y la precariedad del tiempo
tema que nos convoca es el arte desde sus 6.....nodo 0.8 | 2018
diferentes miradas y sobre todo desde su 6.....nodoLUCERA 0.8 | por Claudio Cassia
modo de construirse. Ecléctica es la palabra
que ha definido a nuestro espacio, ampliado 7.....Ramiro González Etchagüe
en palabras con esta publicación, desde sus 9.....La expansión infinita | por Verónica Molas
inicios en el año 2016. 10....Subjetividades del espacio vacío | Etchagüe y
Sin embargo no es una definición de lo que ........Culzoni
transita por la galería, simplemente es un
calificativo que da cuenta de uno de sus as- 11.....Sofía Culzoni
pectos. Tanto en nuestras actividades como 13.....La perturbación de la representación
en nuestras publicaciones digitales tratamos .........Por Gabriel F. Gutnisky
de dar cuenta de un constructo, de visua- 14.....Acestrales | por Vanina Seguí
lizar como un rizoma las relaciones que se
dan entre los aspectos y los protagonistas 15.....Amelia Tarditti
de la escena del arte local. 18.....Miguel Ángel Molina
En esta edición ponemos de manifiesto esa 21.....María Teresa Casazza
idea, nos encontraremos con un texto de 24.....Gonzalo Cascón
Gerardo García como columnista invitado
sobre la obra de Leonardo Kilstein y desde 27.....Ángel Hiyakawa
ese nodo significativo de lo que es el arte 30.....Candelaria B. Delport
en Córdoba nos moveremos por proyectos 33.....Tatiana Prunesti
contemporáneos y propuestas que rescatan 35.....Las capas dentro | por Tatiana Prunesti
lo más ancestral de nuestra caldera cultural.
Una visión planteada en este número es la 37.....El rizoma | por Gabriela Barrionuevo
visión de la investigación y de los pensa- 39.....TXt # 1 | de Ramiro Décima
mientos de nuestros artistas, sus produccio-
nes de diversa índole se vuelcan en palabras
e imágenes. Ramiro Décima se incorpora a
nuestras publicaciones con sus “TXt” que
staff
iremos entregando número a número y Ta- ISSN 2591-5177
tiana Prunesti nos acerca la investigación Editora:
previa sobre su obra. Nodo 940 - Galerìa de arte-
Es verdad, no somos una galería convencio- contacto@nodo940.com
+54 9 351 5081128
nal, ni esta publicación lo es ni lo pretende. Calle 9 de julio 40
El arte es el nodo que nos convoca y a partir 1er y 2do piso
CP: 5012
de allí construimos.
Dirección: Gabriela Barrionuevo
Curaduría: Vanina Seguí / Claudio Cassia
Gabriela Barrionuevo Asistencia de producción:
Directora de nodo940 Galería de Julia Cecato / Déborah Gómez Archetti / Silvana
arte y de Arte en revista. Mancho / Antonella Roccetti / Lautaro Salva / Cecilia
Padula / Silvina Lafalce

Colaboración: Claudia Pino

Leonardo Kilstein, la
precariedad del tiempo por Gerardo Máximo García

De antecedencias y vacíos

Suele decirse que salvo en las orquídeas,
que son hijas del aire, la raíz es siempre sub-
terránea. Leonardo es una suerte de excep-
ción a este aserto. Si bien se reconocía en la
tradición de Libero Badii: “toma el material
que te venga a las manos y hace, hace…”, el
libro del maestro constituía para él un otro
objeto que portando en sus manos regala-
ba a sus amigos por un tiempo determina-
do. Luego lo pedía en préstamo y reitera-
ba la operación siendo otro el destinatario:
mostraba su raíz, pero sostenida en el aire,
como si fuera una sustancia ahuecada, una
materia de desplazamiento que redoblara
los circuitos que elegía para alguna de sus
obras.
Acompañamos el texto con relación a Leo-
nardo con las imágenes de algunas de sus
obras, muchas de ellas albergadas en el
Museo Caraffa en el año 2011 en la muestra
realizada en su homenaje. Sin embargo no
presentamos una imagen de El Vuelo, pre-
ferimos el ejercicio melancólico de recurrir
a las palabras para intentar captar el furtivo
registro de la ausencia.
Ahora, cuando se intenta realizar una mues-
tra que acompañe ese homenaje, las cosas
se tornan complicadas. Seguir la huella de
su producción, más allá de aquellas compo-
siciones que residen en los museos, implica
rastrear los circuitos que Leonardo estable-
cía respecto al destino de sus obras, sus pre-
ferencias, sus intuiciones, sus caprichos.
Una vez que damos con ellas, si no estamos
prevenidos, nos afecta inicialmente cierta
sorpresa, cierta desazón. Muchas de sus
obras se encuentran deterioradas, el duro
metal oxidado, el papel evidenciando su
fatiga, la delicada madera envejecida. Pero
tenemos que dejar de lado los juicios apre-
surados, no se trata de desidia, sino de una
desatención estructural implícita en la obra
misma.

Leonardo Kilstein, la precariedad

del tiempo

Cuando se propone un homenaje a Leonar-

do Kilstein, las adhesiones son inmediatas.
Quienes lo frecuentaron recuerdan la no-
bleza de su condición, la extrañeza de su
temperamento, como si se tratara de un co-
mediante extraído de algún texto literario.
Los que no lo conocieron se interesan por
la caracterización del personaje mezcla de
lord inglés y ropavejero, se preguntan por
su linaje ligado a una cierta atopia socrática Leonardo Kilstein “El nudo”
hierro 97 x 52 x 31 cm
en nuestros tiempos.

3
Lo podemos constatar cuando transporta-
mos sus objetos al museo. Los acarreamos
como a esos niños a quienes les lavamos la
cara y los peinamos para que estén presen-
tables y nos acompañan de mala gana al
colegio. Una vez en el recinto sienten cierta
incomodidad con la solemnidad del empla-
zamiento y estamos seguros que por las no-
ches se cambian de lugar conspirando con-
tra nosotros y también contra ellos mismos.
Ese movimiento de conjuración nos parece
esencial. Leonardo sabía o al menos lo in-
tuía, que la muerte es la larga sombra de la
vida proyectada sobre el suelo. Sus manos
habitualmente se alargaban hacia el piso, la
vereda, el adoquinado y recogían el material
que estaba buscando, un alambre, un trozo
de madera, un candado ya inútil, un cartón
desechado. Los materiales lo imantaban, no
se resignaba a que lo noble estuviera dise-
minado por el suelo.
En los últimos años de su vida, quizás por
tropiezo, pateó el biombo que separa lo
vivo de lo muerto. De ese período recuer-
do una obra a la que tengo particular apre-
cio y de la que supongo que a causa de su
derrotero puede estar expuesta al dominio
de la ausencia. Es pequeña, de una síntesis
perfecta, realizada con metal opaco del cual
Leonardo supo encontrar sus destellos. La
llamó El Vuelo. Es el nombre con el que trató
de captar la efímera, difusa, sustancia de los
sueños. Quizás ese fuera su mayor anhelo.
Gerardo Máximo García
Psicoanálisis, arte, malestar en la cultura

Martillar, aplanar, palpar las resistencias dife-

rentes, atar, unir. La intransigencia, la ilimita-
da perseverancia de transformar la escoria
en esa fecundidad que meditaba, no antes,
sino en el contacto mismo con los elemen-
tos. El arte tenía para Leonardo esa condi-
ción primera, inicial, del teatro de marione-
tas que con solo mover y tensar los hilos la
vida se anima en un instante. La habilidad Leonardo Kilstein “El surtidor”
manual de Leonardo era infinita, más allá técnica mixta 36 x 20 x 17
de que sus elementos a veces se negaban
a prestarle servicio, se rebelaban ante el in-
tento de dar vida a lo ya inerte.

Considero que cuando nos acercamos a

una obra de Leonardo no hay que reparar
demasiado en la técnica, en su consuma-
do oficio. El arte auténtico va más allá de la
destreza: expresar una verdad estética con-
lleva captar realidades fugitivas, internarse a
un tema necesario a nuestra existencia. Lo
transitorio, lo efímero, lo que caduca hace
que cada obra de Leonardo se nos presente Leonardo Kilstein “Piazzola” hierro
como una víscera sucia palpitando en la ba- y madera 178 x 84 x 40 cm
rranca de los tiempos.

4
Noticias de ayer
En el año 2005, la Escuela Freudiana Córdo-
ba, organizó el tercer concurso de esculturas
proponiendo como eje temático El Vuelo en
homenaje a Leonardo Kilstein. Leonardo no
sólo había participado en las dos ediciones
anteriores sino que había colaborado con
entusiasmo para que los eventos pudieran
llevarse a cabo riéndose un poco con nues-
tra inexperiencia. No fue el único, la deuda
de la Escuela con los artistas de Córdoba es
grande porque nos aportaron sugerencias,
promovieron la participación, intervinieron
como jurados. No me es posible nombrar
a todos los que colaboraron pero no puedo
dejar de agradecer a Miguel Sahade, María
Teresa Belloni y Juan Canavesi. Sin su acom-
pañamiento no se hubieran podido realizar
los concursos y cuando miramos hacia atrás
nos sorprendemos gratamente de la solida-
ridad y la alegría en los que estuvieron en-
marcados.
Leonardo había presentado en el primero de
ellos cuya temática estaba referida al sue-
ño, una pequeña obra que tituló justamente
El vuelo y como su muerte aconteció en el
2004 motivó que al año siguiente el concur-
so fuera convocado con ese nombre. Ma-
ría Pietri, obtuvo una mención especial del
jurado con dos delicados y conmovedores
objetos que tituló Las Vestiduras de Ícaro.
“Las Vestiduras de Ícaro” de María Pietri
Se puede acceder al video de la acción en:
https://youtu.be/yXTPsw0Olv8
Más allá de la belleza de las obras, lo inquie-
tante es que una de ellas estaba destinada
a que fuera quemada para redoblar la con-
dición efímera y homenajear así a Leonardo,
su singular trazado en la vida, su aspiración
a lo imposible. El destino de Ícaro en su as-
censo hacia aquello que al imantarlo lo con-
fundiría con el fuego estaba ya presente en
el título de las obras pero nos costaba llevar
a cabo ese acto. Los objetos permanecie-
ron en la sede de la Escuela durante años y
cuando este emplazamiento cerró, los obje-
tos recalaron en mi casa, más precisamente
en mi escritorio. Dos vestimentas cargadas
de sensibilidad, cada una en la intimidad
de su percha me observaban mientras leía
o trabajaba en mi notebook y no dejaban
de recordarme que había un acto pendien-
te. María no especificó cuál de las dos obras
estaría destinada al fuego y cuál permane-
cería. Si lo hubiera dicho, la determinación
habría sido quizá más fácil o quizá lo hizo
y yo lo he olvidado; como lo señala Rober-
to Bolaño la memoria es incierta y aunque
la pisada deje huella, nada que ver con el
hombre o con la sombra que una vez pasó.
La decisión la tomó la caducidad, la ocasión
fue el primero de enero de este 2018.
Gerardo García
 Exposición en nodo 940 | 15 de marzo
nodo 0.8 | 2018

nodoLUCERA 0.8 | por Claudio Cassia

Figuras barrocas y miméticas se van entrela-

Ramiro González Etchagüe interviene con
una obra volumétrica de sitio especifico el
espacio “lucera”. El artista nos propone un
recorrido sensorial a través de la línea y del
volumen como herramienta narrativa, de
este modo manifiesta un universo poético
que se expande amenazando los propios
límites estructurales y arquitectónicos del
espacio.
zando y aglomerando de un modo rítmico,
al mismo tiempo en que la translucidez, el
color y la luminosidad de los cuerpos, van
tejiendo un orbe plasmado de una estética
pulcra en la que los espacios vacíos funcio-
nan como subuniversos complejos, y donde
la poética estética funciona como dispara-
dor para descodificar por medio del lengua-
je visual un sin fin de interpretaciones sen-
soriales.

Claudio Cassia
Curador Lucera. Febrero 2018

6
 Ramiro González Etchagüe

Ramiro x Ramiro

Abordo propuestas que circundan la espi-

ritualidad humana, interesándome en el es-
pacio entre la idea y la acción. Experimento
cómo se sienten las cosas e intento repre-
sentar lo impalpable, indagando en mi ne-
cesidad de construir objetos para interpretar
el espacio y entenderlo distinto.

Utilizo la línea como elemento temporal y

estilístico para componer estructuras si-
nusoidales, afiligranadas, barrocas, miméti-
cas, que alojo en espacios inertes o com-
plejos.

Creo morfologías capaces de ser decodifi-

cadas sensorialmente, proponiendo recrea-
ciones espectrales de seres en su más pura
esencia, o quizás, representaciones emocio-
nales, construcciones espaciales con inveri-
similitud sonora y energética, interpretando
la potencial elasticidad del medio en abso-
luto estado de pausa. Para impeler desde la
belleza, la sutileza y precisión aparentes de
los trazos en mis dibujos, pinturas, instala-
ciones y objetos.
Bimimesis de un cardumen
100 objetos de manguera de pvc.
Ramiro González Etchagüe Detalle
5
Sobre Ramiro González
Etchagüe
Trayectoria

Soy artista visual, nací en Tostado, vivo y tra-

bajo en Sunchales, Santa Fe, soy docente en
el Liceo Municipal de la ciudad. Me forme
con artistas, curadores y especialistas de arte
de reconocida trayectoria en clínicas y talle-
res; fui becario de FNA, la Fundación NBSF y
el Programa Art Boomerang. Mis obras fue-
ron reconocidas en salones y concursos de a
nivel provincial y nacional, algunas son parte
de colecciones públicas y privadas. Cuento
con varias muestras individuales y grupales.
Me especialice en la gestión de proyectos
culturales por la Universidad Provincial de
Córdoba y en Curaduría por Node Center,
Berlín- Alemania.

Lugares recónditos.
La nube azul
6
La expansión infinita
por Verónica Molas
La manifestación de algo que se produce en
nuestro interior, que nos perturba, nos cohí-
be o nos excede: Ramiro González Etchagüe
define de manera implacable esta sensación
a partir de la cual trabaja su obra, y por lo
cual es “sensacionalista”.
La sensación que se expande al espacio infi-
nito, inabarcable es la inmensidad.
En su obra, lo imperceptible que determi-
na el movimiento es originado por una línea
impulsada hacia la vibración y la expansión;
una línea unívoca, que en su trayectoria va
ampliando y modificando su estructura ante
la relación con el espacio que toma.
Para el artista el espacio es un medio elásti-
co. El dibujo modela una tercera dimensión.
El conjunto que hoy presenta comenzó con
pinturas de fondos plenos sobre los cuales
proyectó formas sinusoidales y afiligranadas,
excelsa visualidad de fuerte contraste cro-
mático.
9
Para el artista, esos fondos representan un
espacio vacío que no es tal, si entendemos
que en él encontramos millones de partícu-
las imperceptibles.
Sonido, energía, y emociones afectan a las
personas: su obra busca dar imagen a todo
aquello que un individuo, un átomo, una
molécula, una acción pueden generar.
Quizás pretendo acercarme a la eternidad
nos dice. ¡Hermosa ambición!
Siente que todo parece estar moviéndose
todo el tiempo. Las perspectivas cambian,
mi ánimo es fluctuante, vacilante, mis ideas
se transforman o yuxtaponen. Por eso me
agrada entender mis obras como en estado
de pausa, como instantáneas de una expe-
riencia, de un recorrido, una acción o de un
instante cualquiera.
Del plano a las instalaciones, Ramiro Gon-
zález Etchagüe nos eleva a su propia ver-
sión del infinito, nos envuelve en un univer-
so etéreo, donde todos somos parte de una
eterna línea que circula y nos atraviesa.
Verónica Molas. Mayo 2017.
Texto curatorial de la muestra en Museo Munici-
pal de artes "Dr. Urbano Poggi" de la ciudad de
Rafaela.
Render proyectual para “Subjetividades
del espacio vacío”
Proyecto Lucera. 800 x 450x 250 cm
aprox.
Subjetividades del
espacio vacío
por Ramiro González Etchagüe,
artista visual y Sofía Culzoni, artista
plástica
En tiempos de una cultura que promete un
lleno, promesa que toca fibras clave de la
subjetividad, de una época que parece ge-
nerar, a la vez, zonas de vacío, nos encon-
tramos convocados a la indagación. Algo de
esto nos vincula en nuestras prácticas con
Sofía.
El vacío se distingue como común denomi-
nador y se propone en nuestras obras como
la posibilidad de interpretar potencialidades
que se vinculan al paradigma de la incerti-
dumbre como portal. El presente y la reali-
dad parecen impulsarnos a nuevas búsque-
das, desde propuestas que se establecen
como excusas del paisaje para la represen-
tación de ideas o sensaciones.
La práctica se inunda de contrapuntos entre
espacio y tiempo, lugar y “no lugar”, suje-
to y objeto, ante el deseo como anhelo por
materializar lo imposible sobre un fondo de
10
ausencia, que en su movimiento incesante,
es capaz de motorizar la vida y la práctica
productiva.
Condensación y desplazamiento, metáfora
y metonimia son conceptos que rondan y
constituyen los efectos de esta incompletud
que intentamos saldar o explorar. Aspectos
profundamente creadores de nuestros sue-
ños, que son también sorprendente motor
de producción, tan singular como irrepeti-
ble. Para proponer un arte poético que pue-
de, tal vez, representarnos sin que lo sepa-
mos y que amenaza con barrer el espacio
de lo incognito, del velo que lo oculta, del
enigma que invita al desciframiento.
En este contexto, sentimientos como la
amistad, el cariño, la estima y el respeto nos
hacen pensar en el otro como complemen-
to, como un guiño de empatía. Nos alientan
y permiten establecer asociaciones colabo-
rativas en la otredad, nos impulsan en nues-
tros recorridos construyéndonos como suje-
tos subjetivos, aún en tiempos de un llenado
que a menudo se confunde con el vacío.
Ramiro y Sofía

Sofía x Sofía
Mi obra se enmarca dentro de lineamientos
de la pintura contemporánea, vinculando a
lo fragmentario del montaje y los elemen-
tos básicos de la pintura (color, plano y su-
perficie). Retomo las nociones básicas como
figuración-abstracción, figura-fondo, pre-
sentación-representación. Estas subyacen
en todo mi trabajo, polemizan entre ellas,
generan y ofrecen distintas resoluciones.
El paisaje en mi obra resulta un pretexto
para la composición. Es a partir del contras-
te entre opuestos que he podido desplegar
una estrategia afín al arte actual. Desde la
aproximación más o menos referencial a
lo que se podría entender como “paisaje”,
decidí establecer una operación de choque
incorporando información que genera ex-
trañeza en el planteo original; vinculado a lo
fragmentario y a lo aleatorio.
Sofía Culzoni
Se produce, o pretendo producir, un despla-
zamiento de sentido: ya no se trata de una
geografía, sino de otros tipos de espacios
más subjetivos y difícilmente reductibles.
Hago confluir aspectos de la abstracciónn
en general y de la abstracciónn geométrica
con la sugerencia surrealista y los “espacios
metafísicos” como consecuencia de las fal-
sas perspectivas y los juegos visuales que
propongo a través de la confluencia de las
formas
En ese sentido, estas pinturas se inscriben
en un juego de desplazamientos, que si bien
pueden “sugerir” o “recordar” situaciones o
espacios, no terminan de cerrar esa suge-
rencia. La dejan abierta o flotante a la sub-
jetividad.
Sofía Culzoni
Serie Construcciones III - Detalle
Sofía Culzoni
Trayectoria

Nací en 1988 en Rafaela, Santa Fe. Soy Licencia-

da en Pintura, egresada de la Facultad de Artes
de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC).
Actualmente dirijo Luogo, un espacio dedicado
a las artes visuales; con el fin de promover el
desarrollo, la investigación, la difusión de obras
y proyectos artísticos en la ciudad de Rafaela.
En el 2017 fui becada para realizar el curso de Co-
municación y Gestión cultural en el 220 Cultura
Contemporánea, coordinado por Pancho Mar-
chiaro y Florencia Gauna. Entre 2013/2015 me
formé en el taller de Producción y Pensamien-
to de Marcos Acosta. Durante el año 2012/2013
me desempeñé como ayudante de alumna en la
Cátedra Pintura IV a cargo de Gabriel Gutnisky y
Lucas Di Pascuale, de la Facultad de Artes de la
UNC. He realizado distintas muestras colectivas
e individuales.

Serie Extrañeza de lo familiar

 Serie Construcciones III
La perturbación de la re-
presentación
Por Gabriel F. Gutnisky
Sofía Culzoni repasa la larga tradición de la pin-
tura cordobesa y lo hace interceptando dos va-
riables históricas que han tenido un origen an-
tagónico. Por un lado revisa los planteamientos
de la pintura objetiva y sus estrategias reduc-
cionistas de orden más o menos geométrico y
por otro lado apela a cierta cuota de ilusionismo
que conlleva la idea de un enunciado.
Así, la abstracción se choca con una represen-
tación ambigua de espacios y de planos que
sugieren construcciones arquitectónicas, la re-
solución plana y anónima del color se enfrenta
al tratamiento de superficies que parecen repre-
sentar cielos o suelos.
Nuestra memoria no deja de asimilar estas pin-
turas a la tradición local señalada al principio,
pues en la resolución está implícita la memoria
de artistas de mediados del siglo XX como Fa-
rina, De Monte y sobre todo Palamara con sus
misteriosas calles y edificios configurados alre-
dedor de falsas fugas y de un color limitado,
opaco y sofocado.
13
En la encrucijada entre dos paradigmas, estos
pintores mezclaron una imagen que podemos
mencionar como urbana con una situación ex-
trañamente silenciosa. El sentido parecía surgir
justamente de ese “silencio” surreal, como una
herencia diferida en el tiempo de la pintura me-
tafísica de DeChirico.
Pero Sofía Culzoni hace una apropiación revisa-
da de estas variables. Se aleja de la referencia
literal para resolver esencialmente la situación
cromática de los diferentes planos. Hasta las su-
puestas sombras proyectadas son sólo pretextos
para quebrar el color dentro de los límites de
una figura geométrica. No se trata entonces del
retorno de la representación versus la abstrac-
ción, sino –como dice H. Foster- de una per-
turbación de la representación, una suerte de
reconciliación entre ambos órdenes, en donde
la imagen es deconstruida y rearticulada con
ambigua referencialidad.
Gabriel F. Gutnisky
Para muestra la muestra “Construcciones Inasi-
bles” Casona Municipal, Córdoba. Abril 2017
 Ancestrales | por Vanina Seguí
El concepto del Arte surgió en Europa en el
renacimiento reclamando la autonomía de
lo humano frente a lo sagrado, es decir, des-
acralizando la expresión artística. Allí la es-
tética se fundó en la belleza idealizada y no
en una reflexión profunda sobre la naturale-
za misma del arte, que no siempre gira en
torno a lo bello y lo sublime. Esta concep-
ción dejó al margen las prácticas artísticas
de otras culturas en donde la concepción de
lo artístico era otra.
Dentro de los procesos de colonialismo ocu-
rridos en América Latina encontramos que
las primeras creaciones artísticas realizadas
tienen su basamento en la historia del arte
europeo, que luego siguieron las tendencias
Detalle de la obra “Hombre de maiz de María Teresa Casazza
de moda de Occidente y Norteamérica. Por
tal motivo se produjo un vaciamiento en el
pensamiento visual autónomo latinoame-
ricano que no permitió que las creaciones
artísticas se nutran o renueven en sus raíces
originarias, o que puedan expresar y sinteti-
zar su cultura.
Se puede decir que dado a los cambios so-
cio históricos y culturales en estas últimas
décadas la problemática poco a poco se di-
luye abriendo el camino para que más artis-
tas se vinculen con lo originario.
En este tercer año de Nodo940, en los pisos
1 y 2, les acercamos creaciones de artistas
que de una u otra manera nutren al pensa-
miento visual latinoamericano y dan cuenta
de una apropiación cultural en defensa de
una cosmovisión nativa, revalorizando así
técnicas artesanales y ancestrales, estéticas,
simbólicas y materiales efímeros.
Licenciada Vanina Seguí. Gestora cultural
Febrero 2018
Amelia Tarditti

Gasas por Amelia Tarditti

“Música y matemática se materializan

en estos encajes y se organizan en ri-
gurosas secuencias escalonadas, en
delicadas arquitecturas de hilos cru-
zados, anillados, entrelazados, tejidos,
como telas de arañas humanas, resis-
tentes a los siglos y a la inteligencia”..

Jorge Eduardo Eielson

En el léxico técnico el término gasa define a

una estructura tejida que posee cualidades
inherentes a la liviandad y trasparencia de-
terminadas por una constante de espacios
sostenidos entre los hilos de urdimbre y de
trama. Pequeños módulos finamente de-
lineados que conforman guardas o figuras
geométricas.

Abordar el tejido de una gasa conlleva el si-

tuarse frente a la mínima cantidad de mate-
ria, la precariedad extrema de instrumentos,
poner en evidencia la intensidad del con-
tenido espiritual, dejar manifiesta la noción
de lo sagrado y lo eterno que subyace en
lo íntimo, ya que estamos accionando una
técnica de tradición milenaria que evoca un
solemne ritual en honor a las divinidades, la
celebración de la vida y de la muerte y uno
de los más altos momentos del arte preco-
lombino.

La colección que presento está conformada
por una serie de piezas de gasas, reticula-
dos, y telas planas tejidas con hilos de algo-
dón y seda natural en telar de cintura.
He utilizado las técnicas de hilado en huso
y rueca para la torsión de los hilos; y de tin-
tes naturales, tintes con reservas, bordados,
pintura, bordados con chaquira en la deco-
ración de las telas.
16
En las piezas de cerámica se establecen diá-
logos en los que los interlocutores son los
opuestos relieve-profundidad, debilidad-so-
lidez, vacío-dureza, rigidez-flexibilidad. El
dibujo resultante de la impresión de la trama
en la arcilla se convierte en matriz con sur-
cos profundos que mixturan los óxidos con
sombras. Las formas vacías toman cuerpo.
Se refuerza el diseño. La frontera material se
lee como nexo que vincula a las fuerzas de
expansión – contracción que operan para
mantener el equilibrio a todos los fenóme-
nos del universo.
Estas obras forman parte del trabajo de
investigación que he iniciado en el Museo
Amano de Lima, proyecto que me posibilitó
tener a disposición la extensa serie confor-
mada por trescientas telas, patrimonio de
los Estados Regionales de Chavin, Paracas,
Nazca, Wari, Chancay y del Imperio Incaico.
Amelia Tarditti, febrero 2018.
Amelia Tarditti
Trayectoria

Desde mi mismidad, polo de atracción en que

gravitan las vivencias del mundo textil compar-
to largas jornadas de aprendizaje con maes-
tras tejenderas de comunidades originarias ,con
quienes he seguido el rastro del ganado lanar
por los andenes, el curso del agua en los cana-
les de riego, el pulso de los sikus en las seña-
ladas, carnavales , florecimientos; de quienes
he aprendido sobre técnicas de hilados, tintes,
tramas, símbolos y valores recibidos de sus an-
cestros; quienes me han develado los misterios
que infundían belleza a las manos de mi madre
tramando los ponchitos de mi infancia.
Realizo trabajos de investigación sobre las téc-
nicas textiles de Latinoamérica en mantos ar- Organizo talleres comunitarios y familiares para
queológicos y tejidos étnicos, que profundizo y implantar técnicas textiles tradicionales extintas
comparto con colegas en mi taller de diseño y en comunidades rurales.
transmito a los alumnos .Diseño series de obras He estado a cargo del asesoramiento en el área
de arte textil, colecciones de indumentaria urba- textil del Museo de Las Américas de Miami.
na, étnica y wear art.

15
Miguel Ángel Molina

Geometría tejida

Las pinturas de Miguel Ángel Molina están

realizadas con acrílicos sobre papel made-
ra, un arco wichi sostiene la “obra-flecha” y
despliega un mundo de símbolos vivos re-
creados por el autor. Invitado por Amelia
Tarditti desde el vínculo de hermandad que
los une, Miguel introduce desde su obra los
conceptos de su cultura que también es la
nuestra.
En sus palabras se vislumbra fuerza y de-
claración de principios culturales y plásticos,
que desde mi formación occidentalizada no
me atrevo a contaminar.

Gabriela Barrionuevo, febrero 2018

 Detalle de la obra “Siete cabritos y luna”
Molina x Molina

Es manifiesto de calendario lunar.

Colores en geometría.
Pléyades como homenaje a la mujer:

A las mujeres de las comu-

nidades nativas wichi, crea-
doras de tejidos con símbo-
los que aluden a la fauna, la
naturaleza, los mitos de su
cultura.
Hebras hechas con hilos de chaguar o ca-
raguatá (similar al yute). El tejido es el ele-
mento fundamental de la creación de las
bolsas, utensilio ergonómico con múltiples
usos donde la Nación Wichi, plasma la va-
riedad de geometría realizada con nudos y
costuras.
Las formas:

Color de yaguareté
Ojos de búho
Orejas de mulita
Ojo de kolkol
Piel de corzuela
Patas de Zorro
Pata de Carancho
Huellas del Tigre
Pecho de Carpintero
Panza de Iguana
Caparazón de Tortuga
etc.

“Geometría tejida” es el arte de la cultura

wichi. Un legado de la auténtica civilización
que desde hace siete milenios habita el Gran
Chaco.

Miguel Ángel Molina, febrero 2018

“Arco”

19
Miguel Ángel Molina
Trayectoria
Soy artista plástico de origen wichi. Nací en la
1960 en Embarcación, Salta y actualmente resido
en la ciudad de Córdoba.
A partir de la creación en 1984 de la Biblioteca
Mawo-Pelaj empiezo a ser conocido como ilus-
trador de las historias y cuentos que relatan los
antiguos wichis. Vine a Córdoba para estudiar la
Licenciatura en Pintura en la Escuela de Artes de
la Universidad.
En 1991 y durante unos años desarrollé en los
montes chaqueños del Pilcomayo y del Bermejo
un relevamiento del arte en los tejidos wichi.
Desde el año 1988 hasta la actualidad he ex-
puesto mis obras en diversos salones, museos.
centros culturales, muestras individuales y colec-
tivas, encuentros y plazas de todo el país. Fui
seleccionado para dos de los Salones Nacio-
nales de Pintura organizados por la Fundación
Pro-Arte de Córdoba, recibiendo en una de las
oportunidades la segunda mención Russo-Ra-
mírez por mi Obra: “La Tejedora del Monte”.
También doy talleres sobre mi pintura y la cul-
tura wichi.
“ Lomo de suri y
oreja de mulita”
18
La cultura del pueblo wichi sólo es reconocida
por sí misma y por el ambiente antropológico
y sociológico de las universidades nacionales e
internacionales. Su arte podrá ser considerado
artesanía o folklorismo por el arte académico o
comercial, pero es un arte milenario que se con-
serva desde hace mucho tiempo por las mujeres
tejedoras y mi obra pone de manifiesto que tie-
ne el mismo nivel que el de cualquier artista de
este tiempo. Hoy, como artista, pongo de mani-
fiesto gran interés por rescatar y reconocer a la
nación wichi a través de mis pinturas. Mi objetivo
es el permanente reconocimiento a las mujeres
wichi y lograr que lo que está catalogado como
“artesanía” sea considerado arte. Tengo la fuerte
convicción de que mis obras dignifican el arte de
mi nación wichi.
 María Teresa Casazza

Casazza x Cascón

Su discurso y su lenguaje vienen de lejos. Es

tan ancestral como antiguo y actual porque
aun corre por nuestras venas y nos atra-
viesa de pies a cabeza, esa misma sangre
que ha sido derramada y regado nuestras
tierras y nos ha alimentado desde la raíz.

Esos saberes y esos pueblos vienen de les

y son parte nuestra y están más cerca-
nos que lo que podemos darnos cuenta.

Lo ancestral. Lo primitivo, los pueblos origi-

narios que son los verdaderos dueños de la
tierra, la madera y el barro, ese mismo pueblo
que corre por nosotros y nos alimenta con
saberes milenarios, su cosmovisión y cosmo-
gonía nos nutre y enriquece ese discurso que
viene de lejos es tan actual y nos interpela.

Marité es una de las intérpretes que, utilizando

materiales que vienen de lejos y tienen histo-
rias, los reúne y los ensambla para recordar-
nos y hacernos vividos sus saberes, para re-
cordar y no olvidar a nuestra sabia de origen.

Gonzalo Cascón, febrero 2018

“Hombre de barro”
Detalle

19
 María Teresa Casazza
Trayectoria

Nací en 1949 en Monteros, provincia de Tucu-

mán, en el piedemonte de la selva tucumana.
El vivir y recorrer el norte me permitió tomar
contacto con su cultura que marcó a fuego mi
identidad.
La vida me llevó a estudiar en Córdoba la Li-
cenciatura en Cs Políticas. Viajé por unos años
con una beca a España y al regreso comencé a
dar mis primeros pasos en el arte en talleres de
pintura de Bs As y en Córdoba con Alejandro
Bonome, Martiniano Scieppaquercia y Dalma- Desde 1987 participo de muestras individuales y
sio Rojas. En 1988 egresé de la Escuela Pcial. de colectivas en Córdoba y, fuera de la provincia, y
Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta como Profesora poseo obras en espacios públicos. Fui seleccio-
de Dibujo y Escultura y ya mis obras tenían un nada en el 2005 para el Salón Anual de Santa
fuerte sello latinoamericano. Fe- Museo Provincial “Rosa Galisteo de Ro-
En el 2006 para profundizar mis conocimientos driguez” y en el “Premio Rioplatense de Artes
en temas que remitan a mi identidad, ingresé al Visuales” organizado por la Fundación O:S:D:E-
Instituto de Culturas Aborígenes y me recibí en Palais de Glace- Capital Federal
el 2013 como Profesora de Antropología y como
Técnica en Lenguas y Culturas Aborígenes. Ac-
tualmente asisto al taller de Amelia Tarditti para
aprender distintas técnicas de tejidos en telar y
bordados aborígenes.

“El señor! “Hombre de maiz”


Casazza x Casazza
Los temas que trabajo remiten a mi identi-
dad, la de querer conocer los ecos de esa
porción de la América profunda donde el
ser humano requiere asumir toda “la para-
doja del vivir mismo, pero también toda su
sacralidad” como decía Rodolfo Kusch.
Los materiales los encuentro, tienen su pro-
pia historia y es así que el adobe, el cuero,
huesos, piedras, maderas, tejido en telar, es-
tán presentes en mi obra para poder reco-
dificar remotas cosmogonías manifestadas
en símbolos que tienen un condimento, an-
cestral y sagrado. Lo sagrado se manifiesta
en una búsqueda de unión cielo- tierra, una
necesidad de elevación manifestado en los
tótems y cajas objeto donde siempre está
presente el hombre en correspondencia con
el supremo representado en una apache-
ta, un ángel o cualquier otro símbolo como
protección y energía superior.
23
“Dualidad”
Detalle
Esta comunión me llevó a que me interesara por
el sentir de la cultura popular indígena: sus fies-
tas, creencias, supersticiones, leyendas y rituales
de ofrenda de las imágenes de culto del univer-
so andino y latinoamericano.
Posiblemente la necesidad de querer mantener
viva esas tradiciones que viví siendo niña en Tu-
cumán, me llevó a trabajar las urnas, quizás, re-
cordando los misachico donde las imágenes son
trasladadas en cajas a la iglesia del pueblo des-
de los oratorios rurales para ciertas festividades.
Mis trabajos guardan en su interior un poco de
lo mucho que me dio esta cultura, pero que
descubro en su profundidad haciendo escultura
siempre invocando a la Pachamama.
María Teresa Casazza, febrero 2018
 Gonzalo Cascón

Cascón x Casazza

Gonzalo Cascón trabaja el barro en el que

el fuego es el protagonista. Posee un gran
dominio técnico, con innovadoras propues-
tas estéticas donde confluyen, además de
su imaginación y técnica, una sensibilidad
particular. Las formas son muy sintéticas y
puras con superficie lisa. Trabajar con barro
le permite explorar la libertad de convertir-
se en vehículo de creación para sorprender

En esta muestra su obra se refiere a la fra-

gilidad de los vínculos: la de estar conecta-
dos por la tecnología y estar sin contacto.
Esa fragilidad es la que tiene en vilo nues-
tra interacción y nuestra entrega amorosa
con el otro. La mayoría de las veces no lo
conocemos personalmente pero creemos
que sabemos más de lo que en realidad
nos deja ver y dejamos que nos mues-
tre. De igual manera, mostramos una par-
te nuestra que a veces es una capa frá-
gil que tratamos de vender como fuerte
y rígida y, paradójicamente puede ocurrir
que los desencuentros de algunos sean
los encuentros que hacen fuertes a otros-
La fragilidad de las relaciones es como
el barro que toma fuerza con el fuego
pero si presiono un poco se puede rom-
per aunque parezca que está más duro
que antes de pasar por el mismo fuego.

María Teresa Casazza, febrero 2018

Gonzalo Cascón
Trayectoria

Nací en el mes de agosto en la provincia de

San Juan, realice mis estudios en Cerámica en la
Escuela Superior de Cerámica Fernando Arranz,
ciudad de Córdoba.
Mis estudios e intereses personales se enmarcan
en el universo de las artes del fuego desde el
año 2011 a tiempo completo.
Actualmente llevo adelante mi trabajo en mi Ta-
ller de Cerámica en Barrio Alberdi de la ciudad
de Córdoba. Desarrollo mi trabajo en el ámbito
de la docencia en el taller, el desarrollo y reali- Dentro de mis principales intereses se encuentra
zación de obras, y una línea de vajilla gourmet la experimentación de pastas experimentales y
para el mundo del té. el juego de esmaltes de alta y baja temperatura,
Participo de manera activa en seminarios, jorna- pasando por pastas de loza, gres, porcelana y
das, muestras y exposiciones en distintos puntos paper clay.
del país.

23
 Fragilidad
El ser humano es vulnerable. Somos como
una botella de cristal que si cae, se rompe.
Una ráfaga de viento puede hacer caer un
árbol y terminar con una vida. Un conductor
puede arrollar a alguien en la carretera y lle-
varse su vida por delante. El corazón de una
persona se puede parar

Hemos perdido la conciencia de lo frágil de

nuestra existencia.

Nos cruzamos
Nos entrelazamos
Nos rechazamos
Nos agrupamos
Nos encontramos
Nos repelemos
Nos lastimamos
Nos sanamos
Nos fusionamos
Nos gregamos
Nos excluimos
Nos incluimos
Nos confrontamos
Nos complementamos
Nos traicionamos
Nos amamos
Nos mezclamos
Nos separamos
Nos casamos
Nos cazamos
….

Gonzalo Cascón

24
 Ángel Hiyakawa

Hiyakawa x Casazza

Dotado de un gran ingenio y un dominio

técnico notable, Ángel Hiyakawa convierte a
cada escultura en un constante desafío y des-
pliega su talento con su obra de gran contem-
poraneidad y marcado lenguaje personal.
Las búsquedas artísticas de este escul-
tor evidencian los momentos de un per-
manente tránsito entre dos culturas.

Trabaja con el concepto de lo distinto, el

de sentirse extraño en una tierra que no es
la de sus padres y manifiesta que su obra
es una “búsqueda de saber quién es…vivir
es una cuestión de ser hijo de japoneses
y sentirse sapo de otro pozo”, y en ese in-
dagar constante, toma como eje central la
figura humana que va mutando del aca-
demicismo a dinámicas imágenes con mo-
vimientos que surgen de la gestualidad
cuando comienza a dibujar y que traslada
con gran maestría a la madera. Símbolos
primigenios que expresan su visión interior,
que son trozos de la vida misma, imágenes
que cargan una energía potencial que este
gran maestro de la escultura les da vida y
algunas de ellas estarán presentes en esta
muestra: “Martillo/aorta”, “Rulo menos”,
“El árbitro”, “El ciclista” y “La garrapata”.

María Teresa Casazza, febrero 2018

25
Ángel Hiyakawa
Trayectoria

Ángel Hiyakawa nace en Unquillo en 1977 . En

2005 se recibe de Lic.en Escultura en la Escuela
de Arte en la U.N.C

Desde 1996 participa en exposiciones colectivas

y realiza muestras individuales en Còrdoba y Bs.
As.
Principales exposiciones:

2008 Galerìa Piso Uno, La Plata, Bs.As. , 2007

Museo Caraffa, Paseo del Buen Pastor, Club
House country 4 Hojas, Mendiolaza

2005 Centro Cultural Gral Paz, Encuentro regio-

nal de escultores en madera Villa Allende, “ Pre-
mio estìmulo a los jòvenes creadores” Centro de
Arte Contemporáneo, “Tercer concurso de es-
cultura Escuela Freudiana de Còrdoba” Cabildo
Històrico, “Primer Simposio Nacional de Escultu-
ra en Madera” Unquillo

Obtuvo entre otros reconocimientos el Primer

premio en el “Quinto Encuentro Nacional de Es-
cultores” en Dean Funes y el segundo premio
en el en el Primer Salòn del Patio Olmos de Es-
cultura(2009)
Fue asistente del escultor cordobès Tulio Roma-
no.
Actualmente vive y trabaja en Mendiolaza.

28
 “Contemplación”

27
 Candelaria B. Delport
Delport x Casazza
A Candelaria B. Delport la cámara y el
proceso fotográfico la hechizaron des-
de de niña cuando aprendió el oficio
al lado de su padre y con su lente, sin
usar photoshop y con tomas directas,
arma las “Viandas” de su proyecto Babel.
Crea poesía con un tema tan sensible
como es el choque de culturas, con una
cuidadosa composición, atención a la
luz y exposición precisa en un proceso ri-
tual que no deja lugar a la improvisación.
En Babel su interés principal es mostrar lo
complejo que es pertenecer a distintas esfe-
ras culturales y en ese contexto conectarse,
cruzar saberes y poder entenderse donde
los tránsitos, las migraciones, los exilios y
los conflictos sociales subyacen como leit-
motiv en todo tipo de hecho comunicativo.
En las fotos/collages podemos observar
un mestizaje porque mezcla los elemen-
tos dentro de la obra, partes del cuerpo
situados en objetos de cocina, los visualiza
desmembrados como acto catártico en tan-
to que ofrece su cuerpo/su subjetividad a
través de las piezas exhibidas, lo desarticula
para ofrendarlo en empatía. Así el sujeto so-
cial rastrea y descubre el cuerpo – su cuer-
po - donde se aloja la memoria individual y
colectiva a modo de impulsar construccio-
nes de memoria e identidad apelando a la
subjetividad, lugar donde el cuerpo se en-
cuentra en diálogo a su vez que conflicto.
María Teresa Casazza, febrero 2018
“Serie Viandas Babel”
Detalle
Candelaria B. Delport
Trayectoria

Nace en Córdoba 1977. En 2008 se recibe de

Profesora Superior en Artes Plásticas y años más
tarde (2014) de Lic. de Grabado en la Facultad
de Artes en la U.N.C.

Desde 1999 participa en exposiciones colectivas

y realiza muestras individuales en Córdoba.
Principales exposiciones:
2014. Galería de Arte: Espacio 130 .Muestra Indi-
vidual de Grabado: “Yo – Barroco”.
2008. Galería de Arte del Paseo del Buen Pastor.
Muestra Colectiva de Grabado: “Gráfica Emer-
gente 08’.
Fue investigadora en técnicas de impresión jun-
2002. Asociación Psicoanalítica de las Configu- to a la profesora Celia marco del Pont, Cecilia
raciones Vinculares de Córdoba. Muestra colec- Luque entre otros. En la actualidad es profesora
tiva: “Desocupación, migración, corrupción”. en la Escuela Superior de Bellas Artes “Dr. José
2000. Consejo Profesional de Ciencias Económi- Figueroa Alcorta”/UPC y en la Escuela Superior
cas. Salón de Grabado: Pequeño Formato. de Artes Aplicadas “Lino E. Spilimbergo”/UPC.

31
Viandas Babel
La serie de fotografías presentadas aquí son
parte de un corpus procesual al que decidí
llamar Babel que pretende mostrar, a par-
tir de la autorrefencialidad, los procesos de
transculturación mediante diferentes tipos
de documentación (en este caso la foto) y
en tanto que, recolección de datos, constru-
ye identidad y memoria; aquellas que par-
ten de lo autobiográfico inusitado para fi-
nalmente ofrecer lo vivido y con ello ampliar
un análisis del concepto de otredad, sincre-
tismo y pluriculturalidad. Procura averiguar
y dar cuenta de cómo coexisten, se chocan
e ignoran las culturas mixtas donde se es-
tablecen complejas y conflictivas relaciones.
Mas hoy como nunca antes, en un mundo
globalizado las fronteras generan una otre-
dad que indaga, irrumpe e interpela patro-
nes fijos e indiscutibles, lo infranqueable se
vulnera, lo que parecía ser impenetrable,
se permea y expone un paisaje poroso a
su vez que orgánico donde continuamente
transitan nómadas infinitud de significados
y significantes que hacen remecer la misma
arquitectura de la multiculturalidad gene-
rando nuevas diferencias y desigualdades.
Detalle
32
Exponer lo que se negocia o resiste es una
estrategia fundamental para dar cuenta de
aquello que se “juega” en estos procesos de
transculturación a su vez que motor para la
reflexión en el otro refractario, generando
una dialéctica en gesto reparativo y por lo
tanto, un devenir individual se torna en de-
venir social; lógica fundamental inherente al
ser como lo es el sentido de pertenencia.
Mi interés principal es mostrar lo complejo
que es pertenecer a distintas esferas cultu-
rales y en ese contexto conectarse, cruzar
saberes y poder entenderse.
“Las fronteras son impredecibles y
contingentes, son porosas y entrea-
biertas, provisionales siempre, pero
acotan una reserva de diferencia,
demarcan una base mínima donde
negociar o resistir”. (Richard, 2014)
Candelaria B. Delport
 Tatiana Prunesti

¿Alguien no ha sentido nunca

miedo a ser descubierto?

Tatiana descubre. Interpela el papel, lo

destroza y construye. Nos seduce a in-
gresar en un túnel que parece infinito.

Un túnel de papel. Capas y más capas

que debemos ser capaces de abordar.

Casi de manera hipnótica, las rasga-

duras que revelan, se nos presentan
de modo caprichoso a primera vista.

En esta instalación nacida de un pro-

ceso de investigación, Tatiana jue-
ga con nuestras propias capas, y
como bien dice “solemos estar pri-
sioneros de nuestras propias ca-
pas”, porque...” ¿Alguien no ha sen-
tido nunca miedo a ser descubierto?

Gabriela Barrionuevo, febrero 2018

“Las Capas Dentro”

PH: Jorge Ramacciotti
Tatiana Prunesti
Trayectoria

Argentina desde 1990, nacida en Córdoba Ca-

pital. Diseñadora de interiores y estudiante de
profesorado de artes, en la facultad provincial
de bellas artes Dr. Figueroa Alcorta. Actualmen-
te tallerista en colegio John Dewey de nivel ini-
cial y primario. De todos los materiales, el papel
en todas sus formas, fue el que robó mi atención
desde el inicio.

Mis primeros pasos en el arte fueron el grabado

y el collage. En la actualidad me encuentro ex-
plorando principalmente el mundo de las insta-
laciones, sobre todo en papel claro, siempre se
vuelve al primer amor.

“Las Capas Dentro”

PH: Jorge Ramacciotti

31
 Investigación y proyecto de Tatiana Prunesti
Las capas dentro

Introducción Identifiquemos aquello que

Los problemas no se pueden resolver con
palabras
Sino sólo a través de la experiencia,
No simplemente una experiencia correctiva
Sino volviendo a vivir el primer miedo
(Tristeza, rabia).
(Miller, 1994)
“Niños esenciales es quienes somos cuando
nacemos; nuestro ser en todo su potencial
y sabiduría divina.” (Ullastres, 2013). Cuando
no somos aceptados, reconocidos ni vis-
tos en nuestra originalidad, no recibimos lo
que necesitábamos, amor. Este YO recibe el
mensaje de que no es aceptable, y con su
ser herido busca una manera en el mundo
que sea aprobado, esto crea una capa de
protección hecha de mecanismos de defen-
sa para salir de una zona vulnerable y prote-
gerse de una imagen idealizadora.
“Tantas veces encontramos en nuestro in-
terior a un pequeño solo, enfermo, necesi-
tado, acobardado, agotado, indefenso, con
miedos, frágil, inseguro, amenazado, viola-
do, cansado, desesperanzado y necesitado
de ser amado…” (Ullastres, 2013)
nos bloquea
Solemos escondernos con una capa gruesa
que tenemos dentro cuando algún hecho o
circunstancia nos atraviesa, con la creencia
de que ésta nos protegerá. A medida que
las cosas nos pasan, colocamos una capa
sobre otra capa, pensando que nos volve-
mos más impenetrables. Es así que las capas
nos permiten mantener la ilusión de ampa-
rar lo nuestro.
¿Alguien no ha sentido nunca miedo a ser
descubierto?
No queremos exponer nuestras asperezas,
fragilidades, debilidades, sin destaparnos...
Solemos terminar prisioneros de nuestras
CAPAS.
Es enorme el agotamiento por mantener
aisladas nuestros adentros.
Las capas que nos protegen también nos li-
mitan.
Para eliminar nuestras capas dentro que nos
bloquean, necesitamos reconocerlas.

Las capas que vamos creando dentro de

nuestro cuerpo son las que nos impiden
mostrar nuestro ser original, encerrándolo
cada vez más por timidez, complejos, mie-
dos e incomprensiones. Así nace el falso yo,
el ego, la máscara, la capa dentro.

Este trabajo busca reflejar la intensidad en la

que producimos capas que bloquean y van
cambiando nuestra primera forma.

35
Esquema de Instalación

Esta instalación consta de láminas super-

puestas de papel (180 gr. De 0.65 x1.00 cm)
se van a encontrar pendientes desde una
estructura en metal que va enhebrando lá-
mina por lámina mediante ojales de metal
colocados en el extremo superior de dichas
hojas y en el extremo inferior una varilla en
acrílico para hacer peso hacia abajo logran-
do que cada lámina quede tensa. Cada pa-
pel tiene un tratamiento en el centro llama-
do desgarro y a medida que se superponen
dichos papeles van formando un gran túnel
creando diferentes capas.

Antecedentes

Como antecedente al tratamiento de lá-

minas y a la tridimensionalidad con ellas
y aproximándose a lo que quiero alcanzar
en este proyecto encontramos a la escul-
tora Ángela Glajcar, creando cuevas de pa-
pel rasgado, en los que pliego tras pliego,
el juego de capas consigue un efecto visual
degradé que, gracias a la profundidad y la
manufactura, se hunden hacia el infinito sin
exhibir el final que se oscurece.
“Cada capa dialoga con la anterior com-
plementándola y volviendo su importancia,
respecto de la anterior, el vínculo que da
continuidad a cada recoveco, rincón y es-
condite que se forma entre sus espacios.”
(Glajcar, 2017)

Bibliografía
Glajcar. ( junio de 2017). Obtenido de http://
www.glajcar.de
Miller, A. (1994). Desconexiòn interna entre el
niño interior y el adulto. En P. M. Ullastres, El dra-
ma del niño dotado (págs. 37-38). Barcelona:
TusQuets Editores.
Ullastres, P. M. (2013). Desconexiòn interna en-
tre el niño interior y el adulto. En P. M. Ullastres,
Un viaje hacia el hondón del SER (págs. 37-38).
BUENOS Aires: Publicaciones Psicoespirituali-
dad.
 Segunda entrega

Proyecto Nodo940 | El rizoma

momento al receptor, que lejos está de ser un

El proyecto transversal de RIZOMAS invita a los
artistas a trabajar en relación a su visión futura
y su acervo pasado. Este proyecto se inscribe
de manera libre en cuanto a las conexiones que
establecen los artistas invitando a exponer o ge-
nerar un proyecto conjunto a un artista novel o
a un referente que haya sido de importancia en
su trayectoria.
Los discursos de esta manera se tornan múltiples,
tanto visuales como textuales, incluso pueden
interactuar otros lenguajes como los sonoros,
corporales, etc. La idea de construcción activa
de la escena del arte con una mirada hacia el
futuro y el pasado y con una acción concreta se
materializa mediante la obra y los escritos que
la acompañan. De esta manera la curaduría es
una construcción conjunta: la curaduría general
/ la curaduría de cada nodo / la curaduría del
rizoma a cargo del artista.
La construcción no lineal de
la escena del arte
espectador estanco, ya que el lector-especta-
dor-receptor es activo, personaliza y desmate-
rializa y vuelve a resemantizar toda la escena
artística en un hipertexto propio.
Desde nodo940 estas opciones que incluyen a
productores de arte como a consumidores se
intenta poner de relieve mediante una acción
nodal de interacción la/las estructura/s que des-
cansan en articulaciones muchas veces invisi-
bles. Y como en todo hipertexto los enlaces o
conexiones son importantes para visibilizar esta
estructura que de manera silenciosa va constru-
yendo la escena del arte.
Es aquí donde surge la idea de construcción
de presente, de instante tejido como red y de
conciencia de las redes pasadas que permiten
la estructura actual y las redes futuras que se-
rán posibles a partir del hoy. En este espectro
de acciones y posibilidades se inscriben proyec-
tos transversales como los de padrinazgo, in-
ter-lenguajes, inter-tempo. Dándole a la acción
curatorial general un carácter multidimensional
que abraza todas las realidades posibles y como
estas se interrelacionan.

Gabriela Barrionuevo
Nodo940 conlleva en su impronta la interrela- Directora de Nodo940
ción a modo hipertextual,
“El hipertexto describe una especie de entorno
de información en el que el material textual y las
ideas se entrelazan de maneras múltiples.” (Ni-
cholas C. Burbules Thomas A. Callister, 2001)

En este proceso de construcción y deconstruc-

ción nos preocupa asociar datos aparentemente
inconexos, identificar y crear vínculos entre ellos
y como en todo hipertexto hay una relación in-
teractiva entre la estructura de los posibles re-
corridos y las estrategias que se proponen para
realizar los mismos.

Los autores y sus obras (los textos posibles o dis-

cursos) se organizan de manera particular y dan
un flujo de dirección a la lectura del espectador,
término poco feliz al denominar en este

37
En diciembre de 2016, en el nodo 0.3, Campo En la fotografía tomada por
de cruces que trabaja de manera rizomática Jorge Ramacciotti, vemos una
invita a participar a Bastón del Moro, espa- de las instalaciones de Gus-
cio de arte que gestiona Gustavo Mauro. De tavo Mauro en relación a las
esta manera con la propuesta de Campo de acciones de Bastón del Moro
Cruces y su “carro choripanero” convertido
en una galería, se visualizó la interacción y
el hipertexto en la escena: una galería (el ca-
rro choripanero) invita a otra galería (Bastón
del Moro) y ambas ofrecen lazos en nuestra
galería de arte Nodo940.)

35
 TXt # 1 | de Ramiro Décima
A partir de este número podrás descargarte en alta resolución para imprimir en tamaño
A4, los TXt coleccionables de Ramiro Décima. Si te interesa tener tu reproducción firmada
por el artista, solo debes comunicarte a contacto@nodo940.com. Puedes descargar la
obra en el siguiente enlace:

http://www.nodo940.com/#!/-nodo-08-2018/?ancla=txt+1

39
 www.nodo940.com
contacto@nodo940.com | +54 9 351 5081128 | Calle 9 de julio 40 1er y 2do piso