21/02/18

TEMA 3
LA CRÍTICA DE ARTE EN EL
ROMANTICISMO: GOETHE, RUSKIN Y
STHENDAL

INTRODUCCIÓN
En el S. XVIII se produce un cambio en la historia del arte, y en todas las disciplinas
relacionadas. Cada una de estas disciplinas quiere adquirir autonomías del cuerpo al
que procede. Durante este siglo la historia del arte se independiza del campo de la
literatura, y es cada vez una disciplina autónoma. Los estudios de estética empiezan a
ser muy importantes, por lo que se define la estética como instrumento para saber
cómo se expresa el ser humano, su experiencia con el entorno, el conocimiento que se
genera tras esto. La estética también se va a ir independizado, pero habiendo un
periodo que casi cae de nuevo al campo de la psicología.
En el caso de la historia del arte ese intento de independizarse, en Alemania lo hace
desde un punto filosófico, en España está ligado al campo de la pedagogía, en
Inglaterra los estudios de historia del arte se hacen desde el campo de la técnica.
Cambio en la Historia del Arte, es importante como se expresa el individuo, sufre una
generalización. El ser humano necesita de una respuesta a su experiencia. No vamos
directamente al artista sino al proceso de realización de la obra.
La sociedad y el arte no cambian igual. Da lugar a que se manifiesten una serie de
intelectuales, primero moralmente (necesidad de arreglar la sociedad), segundo
intelectualmente (rechaza el programa del gusto anterior).
En este siglo el gusto se alarga, ese excesiva gusto como es el del rococó surgen dos
reacciones, una moral y otra intelectual. Nos damos cuenta que la historia del arte
estaba llena de falsedades por lo que se rechaza el rococó, se sienta que el pasado
clásico puede ofrecer más de lo que se ofrecía. Por lo que frente al rococó surge una
reacción moralizante desde el Neoclasicismo que pretende la regeneración social.
En ese momento surge el artista filosófico y uno de ellos es Mengs, donde sus ideas
son posiblemente mejor que sus obras. Una de las cosas que tiene la crítica del arte en
ese momento, es que comienza a construirse un documento frente a la actualidad.
Poco a poco vemos como se configura un modelo de crítica donde no tiene solo
cavidad el arte sino cualquier otro aspecto como la economía o política.

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 05/02/18
1. LA CRÍTICA DEL ARTE EN ALEMANIA:
1.1 El Neoclasicismo: historia del arte e historia de lo bello. Mengs y
Winckelmann. Lessing.
Ya sabemos que el neoclasicismo se funda en Roma, hacia mediados del siglo XVIII, y
son dos alemanes los que realmente los llevan a cabo, siendo Mengs y Winckelmann.
El clasicismo no se había perdido nunca, en este momento se retoma y se refine desde
el momento en el que ellos están viviendo, por lo que la variación es forzosa, dando
como resultado una nueva interpretación. Lo interesante la postura que ellos adoptan
es una postura moral, consideran que este trabajo es necesario porque es importante
la moralización, consideran que a través del arte se puede obtener lo moral, y por
tanto se produce una refinición porque la sociedad necesita una renovación de la
sociedad. La novedad está en que ellos intentan reconstruir una sociedad, siendo la de
Grecia, que no tiene que ver con la sociedad del momento, pero el problema viene
cuando yo intento que el arte sea algo moral, por lo que se tiene que hacer un
programa moral haciendo caso a numerosas disciplinas como la filosofía, la literatura,
historia, arqueología, etc.
Cuando se reconstruye ese programa moral, para transmitirlo a través del arte será
transmitirlo a través de las academias, prensa, pero sobre todo, lo primero que se
tiene que hacer es dentro del programa señalar cuales son los conceptos
fundamentales, y esos son los conceptos los que quiero que el artista transmita, y el
artista lo trasmite siendo fácil de transmitir y de leer.
El problema es que Winckelmann y Mengs, entiende que ese concepto de ideas que
tiene que transmitir configuraba la esencia del ideal de la belleza clásica. El problema
es que han refinido el ideal de la belleza clásica, y además lo santifican, porque
entienden que la perfección fue cosa de los griegos y en siglo XVIII se piensan que no
se podía alcanzar. Y además, se entiende que ese concepto de belleza fue la escultura,
ese ideal de belleza deseable en esa sociedad era la escultura, desentendiéndose de
otro tipo de arte. Si yo observo todo el arte desde este punto de vista todo lo demás
no lo voy a tener en cuenta, se hace por tanto, una selección de lo que le interesa,
como puede ser el arte del renacimiento, que le interesa pero no, si porque se parece
pero no porque no transmiten los ideales de ese momento.
Por tanto, la perfección es griega, no es de los modernos, solo las estatuas griegas
muestran la belleza absoluta, y la belleza absoluta se manifiesta en lo circular y lo
uniforme y remite siempre a un concepto ideal y trascendente. Por ello se descalifica el
gusto, ya que el gusto solo representa a la belleza relativa. El gusto es lo intermedio
entre lo muy rudo y lo demasiado delicado. El gusto depende de cada persona, por lo
que el problema que se tiene el gusto es que se puede transmitir ese ideal de belleza,
pero ese gusto tiene que ser del modo en el que ellos lo comprenden.
En el caso de Winckelmann era un excelente arqueólogo, y que sentido tenia esos
objetos materiales, y lo que hace es tratar la obra de arte del pasado como

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arqueólogo, como un objeto mudo. Y lo primero que se hace con un objeto
arqueológico es analizar sus partes y una vez que ya se ha analizado el objeto la
siguiente parte sería ver cuál fue su uso y su función, siendo la transmisión de ideas.
Cuando el artista hace la obra Winckelmann descubre que hay dos niveles, el artista
tiene que responder al que es y saber cómo unir las diferentes partes, y tiene que
saber responder a otra pregunta, para que es. Nos encontramos así que hay dos
sentimientos uno interno o imaginativo y otro externo, que aplica forma y color.
Dentro de ese sentimiento interno, él sabe perfectamente que el significado tiene que
ver mucho con el color, pero resulta, que por eso lo describe, no le gusta el color,
porque el color depende del individuo por lo que el color no le interesa tanto,
quedándonos con la forma porque es lo más importante.
Él nos va a decir que la obra de arte es forma y contenido, pero nos dice que lo
importante es la forma quedando el contenido supeditado a la forma. El tipo de forma
que busco es que el arte tiene que definirse tal y como decía y Platón, la forma era
algo que refleja un poco de lo que sé de la realidad y de la idea. A continuación, nos
dice que para comprender la obra, aparte de la forma, la obra necesita una serie de
requisitos, siendo el principal que sea fácil de comprender, que no sea complicado,
tiene que ser algo simple y lo más fácil de trasmitir es aquella que esté basada en
nosotros mismos, porque es lo más fácil, no está vestida ni disimulada. Él va
justificando todo esto y una de las cosas que nos dice es que la estructura es la que él
se refiere es la estructura del cuerpo masculino y no femenino, ya que en el masculino
reproduce determinados conceptos mejores que los de los femeninos. Todo eso refleja
mejor el ideal clásico.
Aparte de esto Winckelmann se centra en la individualidad del artista, descubre que
determinados artistas pasan estos conceptos a la obra y que lo hacen mejor que otros.
Dentro de este ambiente hay un tercer autor importante, siendo Lessing, donde para
él lo más importante es que no entiende porque la obra tiene que contarnos una
historia, yo no me puedo inventar una historia a partir de un fotograma. Hay un fallo,
porque le pedimos a la obra de arte algo que se podría ver en una novela, por lo que
esto habría que separarlo. Por ello comprende que la literatura tiene unas reglas y la
pintura tiene otras y por ello no se puede mezclar. La crítica por tanto tiene que ser
una crítica artística. Por otro lado, la imagen se explica por sí sola, no necesita mayor
descripción de lo que hay.
07/03/18
1.2 El debate contra el neoclasicismo en Alemania. El protorromanticismo.
Füssli y Goethe.
En Alemania se defina todo el movimiento de neoclásico, pero no todo el mundo
acepta la necesidad de moralizar la sociedad. Hay un cierto un grupo que combate
ante esa decisión de ordenar y reordenar el mundo, y que en realidad, solo se oponen
a ese deseo, pero no se oponen al arte clásico ya que lo admiran. El modo de oponerse
a esas ideas es lo que coincide con el recuperar el arte gótico. Este movimiento de

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recuperación del gótico es general en todo Europa, pero en cada sitio es diferente. En
el caso de Alemania es un caso social y político y en Inglaterra el gótico será un interés
literario ante las manifestaciones medievales.
Johann Jakob Wilhelm Heinse es una personalidad interesante por una sola obra. El
defiende sobre todo a Rubens, ya que representa la fantasía, el genio y la naturaleza
tal y como es. Además desliza una serie de idea donde el romanticismo alemán toma
como línea, Heinse cree que existe una conexión entre el arte y el pueblo que lo crea.
Precisamente porque el arte es la expresión de un sentimiento arte no puede entender
que el arte griego sea válido para el pueblo alemán que no tiene nada que ver, siendo
su primera critica al neoclásico. Por otro lado, dice que el arte siempre ha existido, no
vale traer un arte que no dice nada basándose en la perfección absoluta. Otra
característica y presenta en todos los románticos, es que el color tiene más
posibilidades de expresión que la forma. Lo que dice es que Megs y Winckelmann,
incluso Lessing, no sabían apreciar el color, no tiene sensibilidad hacia el color,
diciendo que el color es lo que le da sentido a la pintura.
Aparte de esto, la originalidad de escribir una novela basada sobre el arte. Esta novela
recibe el nombre de Artinghello y las Islas afortunadas de 1787. Este libro aprovecha la
novela para dar sus ideas artísticas, y sobre todo como debe ser la obra y que es un
artista. A través de la novela da las leyes, límites del artes, conceptos, etc. además crea
un dialogo, acabando conectando todo ese mundo de conceptos e ideas con un
establecimiento con una república establecidas en las Islas Naxos y Paros.
Otra figura importante fue Heinrich Füssli, fue un notable pintor de cultura anglo-
germana e ilustrador de los textos de Homero, Esquilo, Dante y Shakespeare. Es un
personaje que crea imágenes para acompañarlas de textos. Esa vinculación con los
textos va a hacer que él utilice el arte para comprender todas las figuras del pasado,
cuya poesía utiliza para comprender a Massaccio, Miguel Ángel, Rubens y Rembrandt.
Él siente debilidad por una época, el manierismo, y el que más contribuye al
manierismo, pero sobre todo por la composición de ese momento. Encuentra algo del
momento que a él le toca vivir. Él le presta atención al claroscuro, al juego de luz y
sombra por su expresividad.
Hay una voz, Johann Georg Hamann, se alzará contra el racionalismo neoclásico, para
él es más interesante que más que la razón se nos enseña un sentimiento, es decir, es
más importante la experiencia pero sobre todo el sentimiento. El sentimiento es capaz
de crear un conocimiento mejor que el que podría aportar la razón. Este hombre
apuesta por el sentimiento pero no solo se queda ahí, ya que afirma que lo más
importante en el arte es la fantasía y la espontaneidad. La imaginación es una
capacidad, es procesar información y conocimiento adquirido a través del sentimiento.
La fantasía es elaborar respuestas totalmente nuevas, dependiendo del individuo y
especialmente de la experiencia de cada uno.

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Por tanto, para Hamann lo más importante es sobre todo la fantasía y la
espontaneidad, pero él entiende que dentro de lo que llamamos artista, hay uno
llamado genio porque es capaz de conocer las ideas de arte y se las salta.
Lo que es para Hamann genio es individuo, para Johann Gottfried Herder lo aplica a
algo distinto, habla del genio como expresión nacional. Para él las épocas más
convulsas de barbarie son mucho más originales y fructíferas para el arte.
Todas estas ideas son captadas por Goethe. Goethe escribe un ensayo sobre la
arquitectura gótica dedicada a la catedral de Estrasburgo. Recoge todas las ideas vistas
y da propuestas nuevas.
Él se opone a las ideas de Sulzer, Sulzer entendía el arte de forma racional, en la mente
del artista hay pequeños detalles irracionales, y son de la naturaleza innata. Estos
componentes están en constante agitación y queriendo salir de lo que es el
inconsciente, y que llegarán a la obra de arte mediante la razón, es decir, todos
tenemos cosas que no sabemos que son pero que buscamos una explicación
fácilmente, por lo que si hay algo que proviene del inconsciente puedo buscarle una
explicación. La obra de arte es algo que procede del inconsciente y que el artista
reviste de razón para que yo lo pueda comprender. De tal forma que el
Razón
sentimiento queda fuera.
Experiencia – Ser humano + Eterno – sentidos  sensaciones – conocimiento Sentimiento
Por tanto, los románticos defienden que el artista va a ser capaz de mostrar su
inconsciente sin revestirlo de racionalidad. De esta manera se muestra la
individualidad del artista y por ello será un genio. Goethe se opone a Sulzer ya que
considera que el conocimiento puede ser expresado por los sentimientos. Lo más
importante para él es el sentimiento y la experiencia. No cree en la teoría del Arte.
Defiende el gótico por su vitalidad. El Genio no se somete a la regla por lo que no debe
estudias modelos, puede usar su propio material y conocimiento.
12/03/18
1.3 Wackenroder y la inspiración divina.
Nace la religión por el romanticismo. Muere muy joven aproximadamente con 25 años,
hizo la obra de Los desahogos del corazón de un fraile amante del arte en el 1797. Este
libro viene a ser una novela que se hace reflexiones del arte pero más poética. Quiere
poetizar sobre la obra del arte y los motivos del arte.
Él se opone a las reglas del neoclasicismo porque se da cuenta de que enjuicia una
forma de entender el arte, siendo el sentimiento.
Él toma partida por Sturm und Drang, una forma nueva. Piensa que el espectador ante
la obra tiene que asumir una postura humilde la misma que adopta el fiel ante la
divinidad. Prefiere una estética que este más libre de la imposición racionalista, un arte
que gire al sentimiento del artista, pero este sentimiento del artista procede de la
inspiración divina, es decir, el artista actúa porque Dios dice que el artista actué así.

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Otro detalle fundamental para entender a Wackenroder, es que no se puede criticar al
artista y el de comparar un artista con otra, ya que cada inspiración dice lo que haga.
Sin embargo, el artista no necesita acudir a ninguna academia para aprender ya que
nace con esa inspiración.
Otros muchos personajes en Alemania como Schleiermacher hacen algo muy parecido
en un ensayo Sobre la Religión, pero con una innovación, considerando que cada
artista viene siendo un representante de toda una vida.
Otro personaje, Johann Ludwing Tieck, es el que difunde todo el mensaje de
Wackenroder, y además toda esta idea religiosa del artista pase directamente al grupo
de los nazarenos, pero también a Scleger.

2. LA CRÍTICA DEL ARTE EN INGLATERRA: (examen)

Inglaterra es un poco espacial, toda la historia que se va a montar ahora en el
romanticismo cobra fuerza en Inglaterra, pero la relación del arte con el arte medieval
no fue tan fuerte. Va a ser más la consecuencia de internar definir el gusto barroco o
rococó que la consecuencia de ideas neoclásicas.
Hay que recuperar como van surgiendo estos conceptos, que definen el gusto de una
época, es decir, el gusto ingles de este momento.
El transcurso del siglo XVIII, se va a tener más interés por el arte, pero poco a poco se
convierte en ley de entender al arte. Uno de los autores que mejor definen estos
conceptos es Burker que define dos de ellos, lo bello y lo sublime. Lo bello se refiere a
algo delicado que capta nuestra atención de una manera sutil y genera algún tipo de
placer, es decir, está presente en el arte capta nuestra atención y genera un placer.
Define además, lo sublime, haciendo intervenir un elemento que es el elemento del
sentimiento como lo que se experimenta ante la pena, la dificultad, ante la incapacidad
de comprender lo infinito, generado un desconcierto.
En 1794 Price define una categoría más, siendo lo pintoresco. Lo pintoresco es todo lo
que se salta la regla, lo irregular y es por tanto una variación innumerable de colores,
líneas...
En este momento en Inglaterra en el arte tendría que participar estas tres categorías,
siendo el gusto definido por los que seguían el arte en este momento.
Otro autor Shaftesbury, presentó el arte como algo totalmente distinto, el arte no
tenía por qué apelar al sentimiento, sino que el arte iba más allá. Para él el arte tenía
que descubrir cuál es la esencia de la naturaleza, especialmente el espíritu de la
naturaleza humana. Además contempla algo que en gracia no tenía cabida, y
contempla que la naturaleza esta animada por el espíritu además dotado de un alma,
se trata de algo vivo como es el ser humano. Dios es la base de ese organismo
animado, es el genio supremo que establece la armonía del universo. Él hace que el
arte tenga un lugar en este sistema a través del artista. El artista también participa

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intentando desentrañar las leyes por las que se rige la naturaleza, y el momento que
descubre esas leyes su obligación es trasmitirlas para que todo el mundo la conozca, y
es que a través de la obra del artista nosotros podremos comprender dos cosas, por un
lado la naturaleza y por otro, el espíritu que la anima, Dios.
Esta idea de atreves de la naturaleza podemos conocer a Dios también lo podemos ver
en el cristianismo del platonismo.
Para él el gótico no le interesa nada, ya que él busca que todo esté totalmente
definido.
2.1 Hogarth, Reynolds
Hogarth
De Hogarth tenemos la obra de Análisis de la Belleza de 1753, donde nos remite a
conceptos clásicos. Pretende definir el concepto de belleza, siendo su intención que
nos haga pensar de algo cuantificable pero que a la vez la belleza sea cualificable. Él
nos va a definir la belleza según él la siente. Él entiende por belleza la relación con la
línea serpenteante, ese tipo de línea él dice que es la base de la belleza, a partir de lo
que es el ser humano, es decir, el cuerpo humano es una línea serpenteante, y si la
línea serpenteante abunda en el ser humano, la línea serpenteante es lo que más se
aproxima a la belleza. Pero lo que pasa, que el estilo que utiliza una línea serpenteante
es el rococó, por lo que hace es partir de una idea griega pero santificando el gusto
rococó.
Pero si leemos sus textos, primero habría una línea curva (lo barroco) que sería la base
de lo bello, pero sobre esa línea se superpone la línea serpenteante conocida como la
línea de la Gracia.
En su “autorretrato con perrito”, aparece en la paleta una línea, siendo esta línea la
base de la belleza, en el caso del perro, busca representar de mejor manera la
naturaleza. Sus obras es una crítica al gusto que están proporcionando los
neoclasicistas.
Evoluciona por un gusto por el gótico, sobre todo el gótico flamígero que está en
Venecia y no en la isla.
Sir Joshua Reynolds
Es de los pocos que defienden el neoclasicismo en la isla, es decir, en Inglaterra. Para él
lo más importante, es que defiende la estética neoclásica pero sin renunciar a los
logros del barroco, del barroco le molesta que no siguieran las reglas pero se interesa
por su vinculación con los sentimientos.
Para él la belleza no es una idea, no está en una definición abstracta sino que la belleza
es la naturaleza, es decir, la belleza no radica en una idea, sino que la belleza está en
la naturaleza, el arte extrae conocimientos de la naturaleza, pero ese conocimiento, el
ser humano después de racionalizarlo es capaz de transformarlo en sentimiento, de

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manera que la misma experiencia nos esta generado un doble tipo de conocimiento,
uno racional y otro nacido del sentimiento.
Para él, es importantísimo confiar en la imaginación y fantasía del artista, porque es
ahí donde están las reglas, los principios de la razón.
Su sistema tiene unos límites, pues no se puede falsear la realidad, es decir, la
naturaleza que no se puede representar como algo irreal. Y por otro lado la naturaleza
siendo como es, es perfecta.
2.2 Romanticismo y medievalidad: Pugin y Ruskin (le gusta mucho)
En Inglaterra, durante el siglo XIX, se va a escribir la mejor crítica sobre el arte
medieval, es un país donde la tradición medieval había perdurado, pero la sociedad
había avanzado tanto que lo medieval quedaba atrás. Dentro de ese interés, la mayor
parte de autores que sentían atracción por lo medieval descubren la idea de
Wackenroder. En Inglaterra todo es más tecnológico, se quiere recuperar la técnica
gótica, ya que se conjuga lo técnico y lo religioso.
Esta serie de autores, lo que más le llamaba la atención y por tanto, se centraría sería
el arte medieval, especialmente el gótico, por su técnica y su religión. Esa tecnología es
la mayor expresión de la inteligencia del ser humano.
Entre los autores que tratan este tema de lo gótico nos encontramos con dos, con
Pugin por un lado y por otro lado con Ruskin.
Pugin
En su obra de Contrastes de 1835, donde establece una comparación. La solución
propia del ser humano es la inteligencia, es decir, su capacidad de inteligencia.
El opta por el gótico ya que requiere menor cantidad de materiales, y con ello menos
gasto, siendo más económico. Pero además, entiende el gótico como si fuera una
religión, de hecho tiene una obra llamada Los auténticos principios de la arquitectura
cristiana apuntada. Él entiende que la arquitectura está conectada a la religión y que el
cristianismo es más complejo que la religión pagana.
El arte gótico además de ser utilizado por ser más económico, puede ser utilizado para
recuperar los valores de la edad medieval.
Tendrá influencia de Wackenroder. La relación del artista con el arte es religiosa, al
igual que el hombre con la naturaleza. Cualquier relación del hombre con lo que sea es
religiosa. Esto obliga a que el artista debe comportarse con la obra de arte como es,
cristiana. El artista debe seguir la verdad, debe comprometerse de forma cristiana, a
que el arte no mienta.
Esa misma idea de todo el arte está regida por la luz de la verdad también estaba en la
idea de Ruskin, pero, este hace hincapié no en lo técnico, sino en lo moral.
14/03/18

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Ruskin
No sistematiza sus ideas, no hay un corpus, esto significa que a partir de lo que escribió
lo entresacan los conceptos.
Se opone por completo a la regla del dibujo, ósea a la academia. Lo importante es el
principio del amor, lo que el artista es capaz de dar de sí mismo. El artista debe de
tratar su obra con profundo amor.
Se da cuenta de que los griegos humanizan la naturaleza, la enmascaran y la
racionalizan. Existen leyes en la naturaleza, pero no hay que racionalizarla, pero si que
hay que sentimentalizarla.
No está de acuerdo con la religión del momento, por lo que apela por una más
sentimental, rompiendo las leyes, cristianismo medieval. El concepto de verdad será lo
que lo defina todo.
Propone que la relación con el artista tiene que estar basado en la sinceridad, ya que
cuando se es sincero se está respetando la propia verdad, aunque halla cierta fantasía.
El artista debe de ser sincero consigo mismo, la fantasía tiene cabida dentro de un
límite.
La fantasía es parte del Romanticismo, y esto puede chocarnos por parte de Ruskin.
Ser sincero con uno mismo implica no mentir, pero somos humanos, y por tanto hay
fantasía.
El artista en su obra plasmará sus sentimientos. Debe comportarse como un fiel que
rinde culto, su labor no es pensar, conocer, argumentos y hacer ciencia, sino ver y
sentir.
Da una nueva función al arte, la expresión. Expresará sus emociones y sentimientos, si
son veraces a su verdad nos emocionará.
El arte que se valorará en cuanto expresión y sentimentalidad, valorando la
individualidad del artista.
Adora el gótico, ya que en este estilo se reúnen sus principios. El gótico es un arte
religioso, hay unidad entre pintura, escultura y arquitectura. El gótico manifiesta de
forma adecuada sus ideas en todas sus representaciones.
Con sus ideales, nos comportaremos igual ante la pintura, escultura y arquitectura. No
solo se valora la estructura en arquitectura, también su decoración, porque añade un
valor importante.
Los arquitectos góticos pueden ser rudos y salvajes ante su obra, pero ese carácter de
imperfección le dota más veracidad para representarnos la vida, y esta no es tan
perfecta.
Se opone al proceso de selección de la naturaleza, da a elegir lo mejor de lo mejor,
seleccionar sería falsear, no podemos perfeccionar la naturaleza.

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¿Cómo podemos perfeccionar entonces el arte? Perfeccionamos todo lo que sea
humano en el arte, no la naturaleza. Perfeccionamos la relación entre humano y arte,
mediante la verdad, dar lo mejor de sí misma, ver cual son sus capacidades y
mejorarlas, fomentarlas. El artista nace con capacidad, pero puede mejorarla.
Cuando se centra en el gótico, estudia cómo ha ido evolucionando el arte, que hay
esquemas figurativos que trasmiten contenido histórico. Relación entre artista y arte
basado en la verdad.

Morris
Seguidor de Ruskin.
Pionero del socialismo utópico, revuelta social.
La industrialización trajo la mayor estratificación, y al crear el Arts and Crafts se vuelve
a la artesanía. La artesanía refleja mejor el espíritu popular, es más sincero.

3. LA CRÍTICA DE ARTE EN ITALIA.

Hay partidarios de una postura y otra, igual que ocurría en el resto de Europa. Época
de Barroco Clasicista.

Luigi Lanci
Luigi Lanci con su libro “Historia pictórica de Italia”. Clasifica a los pintores por escuelas
regionales y géneros. Así analiza de manera más detallada la pintura.
Enjuicia el arte desde el punto de vista de la pintura.
La pintura clásica era una visión arquitectónica de la verdad y se debe de olvidar por
ello. Hay que valorar la personalidad del artista liberado de las normas.
Postura nacionalista de Lanci. Para él, los artistas italianos son los mejores, destaca la
genialidad del artista italiano. Romanticismo y nacionalismo puro.

Lodovy
Para él, el ornato no era nada, procedía de la función lo más importante.

Milizie
Quiere limpiar la arquitectura del vicio que ha tenido la decoración. Vuelta a los
órdenes clásicos.

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En Italia hay un gusto por lo medieval, aunque puede parecer extraño.
No se ensalza lo bárbaro y medieval, había sido un arte religioso que expresa la
sentimentalidad. Originalidad S.XIV con los maestros.
Hablará de género artístico, y entiende que lo que vino tras la medievalidad, se había
acotado la originalidad de los artistas.

4. HENRY BAYLE “STHENDAL”. EL REALISMO FRANCÉS DE LA PRIMERA MITAD

DEL S. XIX.
Ambiente ilustrado en el que se cría, aunque acaba siendo romántico. Frustración en
su obra, derivada por su no exitosa vida amorosa. Nacionalista, atraído por la obra de
su momento.
Durante veinte años hará la crítica de los salones, ambiente de fraternidad artística,
comunidad artística, intereses comunes.
Estará condicionado por su vida, estará en Italia por las tropas napoleónicas, y a su
vuelta escribirá “La pintura en Italia”, más tarde “Rocine et Shakespeare”, estudios del
romanticismo.
Críticas donde vienen mucho sus vivencias, las enriquece, pero tardan mucho que ver
con él. Será acusado de espía, fomento del independentismo, por lo que se refugia en
Londres. Frecuentaba asiduamente los salones, escribía para un público inglés en su
mayoría.
En 1822, escribía un ensayo sobre el amor, donde expresa su teoría sobre la
“Cristalización del amor”. El amor hace que el espíritu adopte sus deseos, hace que
veamos lo que queremos ver.
Nace por el amor, aunque tiene aplicación estética, interpretamos la obra como
queremos hacerlo. Idea del individualismo muy marcada, y esto viene de Alemania.
Se opone a la Academia, y todo lo que ella representa, como la Escuela de David, ya
que era un arte sometido y encorsetado a cada estilo, por lo tanto es contrario a la
libertad de creación.
La obra de Constable, sería la que a él le sostifica, quiere que sea la pintura que se
impugne.
La novela “Le rouge et le noir”. Hace un retrato casi psicológico de la sociedad del
momento. Sociedad aniquilada en una moral tradicional que vive en un conocimiento
de industrialización, ambiente con dos polos, y por ello tensión en el arte.
En 1839 aparece “La cartuja de Porma”, novela que escribe en dos meses, es muy
espontánea. Hace su manifiesto sobre el concepto de belleza.

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Aparece el héroe, moderno, se enfrenta a las convicciones y le hace sentir aislado.
Aislamiento como imposibilidad de actuar. Dibuja una especie de genio construido.
Su obra literaria nos sirve para entender la sociedad francesa de la primera mitad del
S.XIX. Esta sociedad espantada al idealismo alemán.
A partir de ahora comienza a comprenderse el arte, como una creación que como
copia, lo impone el idealismo alemán. Arte como instrumento de acción social, se
usará para cambiar la sociedad.
Baronesa de Staël es un personaje importante en este cambio.
Quatremère de Quincy, arte como manifestación aparente del objeto representado.
Apariencia, entonces el arte es ficticio e incompleto. Todo lo que sea ilusionismo
queda proscrito.
No es la esencia, él quiere un arte que vaya a la esencia. Se plantea una relación entre
la imagen, apariencia y esencia. Distingue entre arte semejante a la imagen, y un arte
que es mecánicamente idéntico al objeto representado. Avanza el problema con la
fotografía
Parte de que la belleza es demasiado física, prefiere un arte donde se manifiesta la
capacidad creativa del artista. Solo se hará con un cambio de estilo, y en él participa a
la par al artista y el espectador.
Piere - Henri de Valenncianes, introduce un tema muy importante: polémica entre
dibujo y color, el tema ya existía, pero ha ido aumentando el debate. Habla del
sentimiento del color frente al color del sentimiento. Se opone a que el sentimiento
depende del color, el color trasmite sentimiento.
El color transmite sensaciones, esta atmósfera debe sustituir el tipo de atmósfera
científica que predominaba desde el renacimiento.
Las sombras deben de ser transparentes, para que los objetos no se pierdan, ya que
siguen estando ahí. Todo depende de la luz.
Hay que hacer la pintura al natural, paisajes del S.XIX. El artista no debe de pasar más
de dos horas fuera, ya que la luz cambia y por eso cambia el sentimiento. Aprender de
la luz. A pesar de existir sombra, los objetos se aprecian, ya que no son sombras
negras.

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