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El movimiento futurista fue toda una revolución en la sociedad de inicios del siglo XX.
Su idea de abandonar los valores y tradiciones del pasado para sustituirlos por un
mundo entregado a la tecnología también se plasmó en la arquitectura. En este
post, Futurismo: arquitectura pensada por visionarios, te contamos más sobre este
movimiento artístico.

El movimiento futurista
Filippo Tommaso Marinetti publicó, en 1909, el Manifiesto Futurista, que

desestimaba los valores, las formas y el arte del pasado, y buscaba

transformar el futuro desde la tecnología y el movimiento.

El movimiento futurista, en el que se ubican, además del propio Marinetti,

artistas como Giacomo Balla, Umberto Boccioni o Gino Severini, fue

un movimiento de renovación, cuyo objetivo era poner punto final a los

movimientos artísticos que las academias habían amparado en el siglo XIX.

Su intención era acabar con las tradiciones, y hacerlo desde la exaltación de

la velocidad y las máquinas, elementos considerados muy atractivos,

además de defender que la guerra era la “única higiene del mundo”.

Futurismo: la arquitectura
En los inicios del movimiento, los futuristas no tuvieron en cuenta la

arquitectura, hasta que descubrieron que, si deseaban cambiar el mundo,

también debían cambiar su aspecto.

Fue cuando el arquitecto Antonio Sant’Elia creyó en el movimiento futurista

y publicó, en 1914, el Manifiesto de la Arquitectura Futurista. Sant’Elia fue

un pionero de la arquitectura futurista, diseñando dibujos de modernas

ciudades y edificios futuristas en los que el poder de la tecnología se llevaba al

límite.

Eran dibujos de líneas amplias y nítidas, con altos edificios y elementos

industriales. Aunque Sant’Elia no publicó mucho, sus bocetos se consideran

la idea de la arquitectura futurista y son un importante legado en el ámbito

arquitectónico.
Dibujo del proyecto Città Nuova, la visión de Antonio Sant’Elia de la Milán del futuro.

Sant’Elia consideraba que no tenía sentido habitar ciudades y casas que se

habían construido según las necesidades que las personas tenían hacía tres o

cuatro siglos, que nada tenían que ver con las necesidades del momento.

En este sentido, otro de los representantes de la arquitectura

futurista, Umberto Boccioni, creía que estas nuevas necesidades de la vida

moderna debían atenderse con nuevas soluciones.

La arquitectura futurista consideraba que las edificaciones debían

adecuarse a su función para ser bellas, uniendo así la expresión y la utilidad

de los elementos.

Principios de la arquitectura futurista

 La arquitectura futurista se basa en la inclusión de la tecnología, en
la búsqueda de la practicidad y en el dinamismo. Se trata, sobre todo, de
crear estructuras funcionales en las que la tecnología juega un papel
fundamental.

 En la estética de la arquitectura futurista encontramos ángulos únicos,

bordes afilados, óvalos y cúpulas. Además, las líneas elípticas y oblicuas
aportan un movimiento ilimitado en diseño y forma a las estructuras
futuristas,

 Los cambios tecnológicos son clave. Los elementos del nuevo mundo

mecánico, como los ascensores y las escaleras mecánicas, son fuente de
inspiración en la arquitectura futurista.

 En cuanto a los materiales, destacan los componentes de metal. Los

elementos estructurales de la arquitectura futurista derivan del entorno
natural. Encontramos hormigón armado, hierro y cristal, donde antes
encontrábamos piedra, ladrillo y madera.

 La decoración está considerada una absurdidad en la arquitectura

futurista, en la que las fachadas tienen menos importancia y cuyas
estructuras tienden a la asimetría.
 ANTONIO SANT’ELIA,
EL FUTURISTA.
Antonio Sant’Elia nace en Como en 1888, y desde su infancia desarrolla una predisposición natural
hacia la arquitectura y el diseño, además del deporte. En 1903 completa sus estudios técnicos y se
inscribe en la Scuola di Arti e Mestieri ‘G. Castellini’ en el curso de construcciones civiles, hidráulicas y
viales, que finaliza en 1906, y es contratado para las obras del Canal Villoresi en Milán

Antonio Sant’Elia nace en Como en 1888, y desde su infancia desarrolla una predisposición natural
hacia la arquitectura y el diseño, además del deporte. En 1903 completa sus estudios técnicos y se
inscribe en la Scuola di Arti e Mestieri ‘G. Castellini’ en el curso de construcciones civiles, hidráulicas y
viales, que finaliza en 1906, y es contratado para las obras del Canal Villoresi en Milán

A los 23 años participa en un concurso de la Unione Cooperativa di Milanino para un villino según los

conceptos de higiene, confort y economía. Tras obtener un diploma de honor, reutiliza el mismo
proyecto, con pocos cambios, para construir la Villa Elisi, con la decoración de Fontana, para Romeo
Longatti
VILLA ELISI, COMO ITALIA 1911-1912)
Participa asimismo en el concurso para el nuevo Cementerio de Monza junto con su compañero de
estudios de Brera, Italo Paternóster. El jurado considera el proyecto muy original, pero falto de
correspondencia entre alzado, sección y planta. Según Kenneth Frampton, el dinamismo de este proyecto
debe mucho a las obras de Giuseppe Sommaruga en Milán, especialmente el Mausoleo Faccanoni,
construido en Sarnico en 1907
 

En 1912 Sant’Elia se examina en la Academia de Bellas Artes para obtener el diploma de Profesor de
diseño arquitectónico, consiguiendo una alta puntuación (67 sobre 70).

De vuelta en Milán, abre su propio estudio en 1913, donde realizó muy pocos encargos, que además
fueron posteriormente demolidos o transformados. Uno de ellos fue el de una tumba para la familia
Caprotti, en el Cementerio de Monza. En 1914, con motivo de la muerte de su padre, proyecta y realiza
otra tumba en el Cementerio Mayor de Como. 

(CEMENTERIO DE MONZA, MONZA ITALIA, 1912)

En marzo de 1914, Sant’Elia expone unos bocetos en Milán, como parte de una muestra de la
Asoziazione dei Architetti Lombardi, donde aparece la llamada Città Nuova. Posteriormente publica dos
ensayos: Mesaggio (“Mensaje”), y firma el  Manifesto dell’architettura futurista (“Manifiesto de la
arquitectura futurista”), junto con Marinetti y Carlo Carrà, publicado en la revista Lacerba en 1914. El
11 de julio aparece en unas octavillas de la dirección del Movimiento Futurista.
(CROQUIS DE EDIFICIO MONUMENTAL, 1912)
(CROQUIS DE EDIFICIO MONUMENTAL, 1912)
En estos años (entre 1912 y 1914) destaca la influencia de la Secesión Vienesa (sobre todo Wagner, pero
también Adolf Loos), y admira las grandes ciudades de Estados Unidos y sus rascacielos, así como el
tipo de ciudad industrial de Tony Garnier. A esto se une su rechazo a la tradición clásica, y su interés
por los edificios monumentales, a pesar de que en el manifiesto de la arquitectura futurista se situara en
contra de los edificios “solemnes, teatrales y decorativos”.

Aquí hay una contradicción, ya que, en el Messaggio, Sant’Elia se enfrentaba a la arquitectura

conmemorativa, y sin embargo vemos en sus dibujos numerosos edificios que responden a este carácter
(incluso grandes iglesias).
(CROQUIS DE EDIFICIO
MONUMENTAL, 1912)

(CROQUIS DE EDIFICIO MONUMENTAL, 1912)

Al estallar la Primera Guerra Mundial se alista en el ejército italiano (1915), compartiendo las ideas de
otros futuristas como Boccioni, Marinetti, Piatti o Russolo, con quienes había firmado el
manifiesto Orgullo italiano. Entra en el Batallón de Voluntarios Ciclistas y pierde el contacto con sus
compañeros de grupo. Muere en el frente en 1916, cerca de Montefalcone, donde había recibido el
encargo de diseñar el cementerio de la Brigada Arezzo, con las tumbas dispuestas en fila, y según la
jerarquía militar. En 1921 sus restos son trasladados al cementerio de Como.

LA CITTÀ NUOVA

El gran proyecto de Antonio Sant’Elia, la llamada Città Nuova (Ciudad Nueva), pretendía crear una
ciudad que asumiera las nuevas tipologías de la construcción. Era una ciudad pensada para grandes
aglomeraciones de gente, y realizada con materiales que permitiesen ser sustituidos sin problemas. El
dinamismo radica en la arquitectura efímera y el movimiento de la ciudad, con distintas vías de
circulación. Es en ese dinamismo donde los futuristas encuentran la belleza y el lirismo de la ciudad.

Entre 1913 y 1914, Antonio Sant’Elia proyecta una ciudad que debía adaptarse a los nuevos tiempos.
Por aquellos años, Italia se encontraba en el inicio de su revolución industrial, y uno de los temas de
mayor interés para los futuristas era el de la gran ciudad. Para ello, contaban con dos modelos: Milán,
cuya estructura decimonónica se  encontraba en un momento de expansión; y Nueva York, ejemplo de
metrópoli proyectada hacia el futuro.
 Domina el neo-futurismo

El fin de la Segunda Guerra Mundial abrió paso a nuevas corrientes tanto en

pensamientos, arte, como en arquitectura. Hoy te presentamos los principios básicos
del neo-futurismo.

 Es el movimiento de vanguardia en las artes, el diseño y la arquitectura que

plantea “la necesidad de periodizar la relación moderna con la tecnología”.
 Se replantea la estética y funcionalidad de las ciudades de rápido
crecimiento.
 En este movimiento, la máquina se convierte en un elemento integral del
proceso creativo en sí mismo, por lo que supera tecnológicamente los
antiguos estilos arquitectónicos.
 

Es una visión idealista del futuro (que cada vez se hace más realidad), en donde
convergen la estética y la funcionalidad de los edificios. Además, se caracteriza por
una gran preocupación por el medio ambiente, buscando adoptar métodos y
materiales que brinden soluciones ambientales en la construcción de sus obras.
Si te interesa conocer más sobre este movimiento vanguardista, puedes encontrar en
el Palacio de las Artes Reina Sofía de Valencia el neo-futurismo en su máxima
expresión.

Orígenes

Fue iniciado a fines de los años 60 y principios de los 70 por los arquitectos estadounidenses
Buckminster Fuller y John C. Portman, Jr .; Arquitecto finlandés-americano y diseñador industrial
Eero Saarinen, Archigram, un grupo arquitectónico británico de vanguardia (Peter Cook, Warren
Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene) con sede en la Architectural
Association, Londres; Grupo arquitectónico estadounidense de vanguardia ArchiGO, centrado en
el Instituto de Tecnología de Illinois; El arquitecto danés Henning Larsen; El arquitecto checo Jan
Kaplický; El escultor de luz italiano Marco Lodola; El artista conceptual estadounidense Syd Mead;
El guionista de teatro estadounidense Greg Allen y los poetas rusos Andrei Voznesensky, Serge
Segay y Rea Nikonova.

Aunque nunca fue construido, el Fun Palace (1961) interpretado por el arquitecto Cedric Price
como una «máquina neo-futurista gigante» influyó en otros arquitectos, especialmente Richard
Rogers y Renzo Piano, cuyo Centro Pompidou extendió muchas de las ideas de Price.

Definición
Neo-futurismo se relanzó en 2007 después de la difusión del «Manifiesto de la Ciudad Neo-
Futurista» incluido en la candidatura presentada a la Oficina de Exposiciones Internacionales (BIE)
y escrito por el diseñador de innovación Vito Di Bari, un ex director ejecutivo de las Naciones
Unidas Organización educativa, científica y cultural (UNESCO), para delinear su visión de la ciudad
de Milán en el momento de la Exposición Universal de 2015. Di Bari definió su visión neo-futurista
como la «polinización cruzada del arte, las tecnologías de vanguardia y la ética valores combinados
para crear una calidad de vida predominantemente superior «; hizo referencia a la Cuarta Pilar de
la Teoría del Desarrollo Sostenible e informó que el nombre había sido inspirado por el informe de
las Naciones Unidas Our Common Future.

Jean-Louis Cohen ha definido el neo-futurismo como «un corolario de la tecnología, siendo las
estructuras construidas hoy por subproductos de nuevos materiales para crear formas
previamente imposibles». Etan J. Ilfeld escribió que en la estética neofuturista contemporánea «la
máquina se convierte en un elemento integral del proceso creativo en sí mismo y genera el
surgimiento de modos artísticos que hubieran sido imposibles antes de la tecnología informática».
La definición de «une architecture autre» de Reyner Banham es una exigencia de una arquitectura
que supere tecnológicamente todas las arquitecturas anteriores, pero que posea una forma
expresiva, como dijo Banham sobre neo-futurista «Archigram’s Plug-in Computerized City», la
forma no tiene que seguir la función olvido.»

Gente

El relanzamiento del neo-futurismo en el siglo XXI ha sido inspirado creativamente por la

arquitecta iraquí-británica Pritzker Architecture Award-winning Zaha Hadid, el arquitecto español
Santiago Calatrava y por Vito DiBari.

Arquitectos, diseñadores y artistas neofuturistas son el arquitecto francés Denis Laming (fr); Los
artistas estadounidenses Josh Hadar, Erin Sparler, Marlow Rodale, Studio-X Lawrie Masson;
Panayiotis Terzis y Miguel Ovalle; el artista del ruido urbano Joseph Young; El diseñador francés
Patrick Jouin, la artista británica Olivia Peake; La diseñadora japonesa Yuima Nakazato, el artista
sueco Simon Stålenhag, el artista italiano Luca Bestetti y la artista griega Charis Tsevis. El neo-
futurismo ha absorbido algunos de los temas e ideas de la arquitectura de alta tecnología,
incorporando elementos de la industria y tecnología de alta tecnología en el diseño de edificios: la
tecnología y el contexto es el enfoque de algunos arquitectos de este movimiento como
Buckminster Fuller, Norman Foster, Kenzo Tange, Renzo Piano, Richard Rogers, Frei Otto y
Santiago Calatrava.

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BLOW-OUT VILLAGE - 1966 | PETER COOK
Como la mayoría de los proyectos de Archigram, el Cushicle es uno de los proyectos a partir
de los cuales Mike Webb investiga sobre el concepto de vivienda como cáscara o envolvente
fácilmente transportable y de fabricación en serie. Los dibujos realizados por Webb muestran
un artefacto capaz de variar su forma y tamaño en función de las necesidades del usuario,
permitiendo a la persona que lo tenga llevar consigo un hábitat completo. Esto permitiría,
por ejemplo, a un explorador, un vagabundo, o qualquier otro itinerante tener un alto confort
con un mínimo esfuerzo. 
 
Es una especie de estructura móvil formada por dos partes:
 
 - Una armadura o sistema espinal  formado por tubos, capaz de ser propulsado. Contiene
calefacción y diversos electrodomésticos y aparatos personalizados. Está estructurada como
una columna vertebral, en la cual la parte de la cabeza, donde se situaría el casco, contendría
la radio y una mini TV. También cabría la posibilidad de añadir alimentos y agua. Tiene
también un gran cojín o silla de aire ergonómico, que se puede colocar contra la
armadura para formar una chaise longue reclinable. 
 
- Una membrana con doble recubrimiento de tela, con posibilidad de proyectar en ella la TV. 
 
Estas dos partes pueden ser usadas por separado, pero al combinarse la membrana puede
ser hinchada neumáticamente (mecanismo similar al de los tejidos musculares que mantienen
la piel tensa, o al de las ranas toro cuando se hinchan con aire), dando lugar a un habitáculo
o estancia unipersonal, equipado con pequeños contenedores de alimento y abastecimiento
de agua y también con un brazo articulado con radio y una proyección de televisión en
miniatura. Además, cada unidad puede conectarse con otras unidades de cushicles de
amigos, creando incluso crear una única gran cubierta común a todos. 
 
CONCLUSIÓN
Desde entonces, la tecnología ha seguido avanzando a pasos agigantados pero a pesar de
ello sigue sin resolverse del todo la integración de la máquina a la vida humana, es decir, a la
arquitectura para que ésta proporcione una mayor calidad de vida a las personas. 
 
La mayor causa de que no se haya desarrollado ha sido el coste que supone. 
 
El grupo consiguió ver todos los nuevos caminos que se le abrían  a la arquitectura con los
nuevos materiales que aparecieron en aquella época y lo desarrollaron en forma de dibujo. 
 
Gracias a sus llamativos dibujos, lograron transmitir su idea al mundo. Se apoyaron en el
capitalismo y el consumismo para poder llegar a la gente y desarrollar proyectos
“industrializados” que se pudieran llevar a cabo en serie. 
 
Archigram no fue solo una reivindicación de la arquitectura que se desarrollaba en el
momento, sino una nueva visión de la arquitectura. Estos proyectos no salían de la nada, sino
de diferentes teorías que se desarrollaban hasta que llegaran a una solución común.
Utopia: Las más recientes noticias y obras de
arquitectura

La ciudad en el espacio: Una utopía de Ricardo Bofill

Corría el año 1968 cuando Ricardo Bofill Taller de Arquitectura publicaba una suerte de

manifiesto en reacción a las acuciantes demandas de una sociedad en constante
transformación. La idea de la Ciudad en el Espacio veía la luz por primera vez y se
proclamaba como una arquitectura absoluta capaz de resolver todas las complejidades de
su contemporaneidad a través de un modelo único abierto, flexible y tridimensional.
El regreso de Superstudio y la ideología anti-arquitectura

En la década de 1960, Cristiano Toraldo di Francia y Adolfo Natalini, dos estudiantes de

arquitectura afincados en Florencia de veintitantos años, decidieron emprender la
importante tarea de diseñar una nueva forma para que los ciudadanos del mundo habitaran
la tierra. Impulsados por las posibilidades de las novelas de ciencia ficción y el deseo de
prescribir el diseño para resolver los problemas de su época, el dúo, que se
autodenominó Superstudio, buscó reinventar continuamente su papel en lo que significa
ser arquitecto. Su solución fue la creación de una cultura "anti-diseño" como un medio para
proporcionar comentarios sobre la política, el capitalismo y el urbanismo, mediante la
creación de ideas en las que todos tienen un espacio funcional que se libera del tiempo, el
lugar y la necesidad de objetos excesivos.
Sietch Nevada / Matsys

Equipo: Andrew Kudless (Diseño), Nenad Katic (Visualización), Tan Nguyen, Pia-Jacqlyn

Malinis, Jafe Meltesen-Lee, Ben (Modelo) Ubicación: 37°46′20.10″N,
117°31′57.38″W (Nevada, Estados Unidos) Exhibición: Out of Water | tecnologías
innovadoras en climas áridos en la Universidad de Toronto Año: 2009
En la famosa novela de Frank Herbert en 1965, Dune, describe un planeta que ha
experimentado una desertificación casi completa. Dune ha sido llamada “la primera novela
sobre ecología planetaria” por sus previsiones de una distopía de un mundo sin agua, donde los
pocos habitantes sobrevivientes se han aislado a sí mismos de su duro entorno en lo que podría
llamarse oasis subterráneos. Lejos de ser idílicos, esos refugios, conocidos como sietch, son
esencialmente los bancos de almacenamiento de agua subterránea. El agua es la riqueza en esta
realidad paralela. Es cuidadosamente conservada, racionada con autoridad estricta,
secretamente oculta y protegida.
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 La arquitectura como definición habla sobre lo construido o edificado, mientras

que la utopía se refiere a lo no existente.

En arquitectura, han sido varios los que han dejado de lado el arte de construir,
para expresar, investigar y recrear espacios arquitectónicos completamente
imaginarios mediante papel y lápiz.

Podríamos destacar una multitud ejemplos de arquitectura utópica o imaginaria,

como “el Jardín del Edén, Las siete maravillas del mundo, la Torre de Babel o la
isla Utopía de Tomás Moro. Estas visiones imaginarias fueron elaboradas por
pintores, escritores, profetas… pero hay algo distinto si estas visones o
perspectivas idílicas se las imagina un arquitecto, cuyo afán es verlas
materializadas, y la obra adquiere un sentido más racional.

Isla Utopía de Tomas Moro – Torre de Babel de Pieter Brueghel

Durante el siglo XIX la utopía toma otro carácter debido a la nueva sociedad
industrial. La revolución industrial implica unos cambios técnicos y tecnológicos
muy bruscos, que causan una gran revolución y repercuten en la visión de un
nuevo porvenir basado en la máquina y el movimiento.  Aparece así el futurismo,
una interpretación diferente de las utopías, en contraposición de la ciudad real a la
ideal, como es el caso del manifiesto futurista de Sant Elia, en el que describe una
ciudad de rascacielos con calles a distintos niveles, un  sistema de zonas
industriales, barrios de vivienda, generadores de energía y un complejo sistema de
transporte interconectando mecánicamente a toda la ciudad, como una exaltación
del maquinismo.
Sant Elia – Arquitectura y Utopía

La utopía en la arquitectura ha seguido diferentes caminos, desde vanguardias a

“metabolistas y megaestructuras”.  Los metabolistas, pertenecían a un grupo de
arquitectos japoneses que aplicaban aglomeraciones celulares mediante el
ensamblaje de unidades modulares, como la torre cápsula o “unabara”.

Metabolístas Japoneses – Arquitectura y Utopía

Estos fueron influenciados por el grupo Archigram, cuyo concepto era el de

megaestructura. Sus proyectos más famosos fueron el “Walking Cities” de Ron
Herron, el “Plug-in-City” y el “Instant City”de Peter Cook., ninguno de ellos
construidos.  El único ejemplo de este tipo de arquitectura que llegó a construirse
es el centro Pompidou de Renzo Piano y Richard Rogers.
Walking City de Archrigram – Arquitectura y Utopía

Instant City de Archrigram – Arquitectura y Utopía

Centro Pompidou de Renzo Piano – Arquitectura y Utopía

Todas estas ideas utópicas distan mucho de la realidad, pero para nosotros la
utopía es completamente necesaria para seguir soñando con un mundo mejor,
buscando soluciones para nuestro futuro.

Os dejamos aquí la película Metrópolis de Fritz Lang del año 1927, para que la
veáis con calma.
EL METABOLISMO JAPONÉS

Kenzo Tange frente a su Plan para Tokio en

1960

ENGLISH

El Metabolismo fue el movimiento urbano, arquitectónico, artístico y filosófico más importante que
ha producido Japón en el siglo XX. Su influencia sobrepasó los conceptos utopistas de una
sociedad que experimentó un vertiginoso crecimiento económico en la década de los 60s y se
materializó en proyectos específicos no sólo en Japón sino más allá de sus fronteras.

La presente entrada se basa en dos fuentes importantes: la primera es la

exhibición “Metabolismo: la ciudad del futuro”, llevada a cabo en el Museo Mori, en lo alto
del Roppongi Hills, dentro de los eventos del Congreso Mundial de Arquitectura en Tokio. Esta es
la primera muestra sobre el metabolismo realizada en el mundo, por lo que este post está
organizado según la estructura de la exhibición.
La segunda es el completo y recomendable libro de Zhongjie Lin, "Kenzo Tange and the Metabolist
Movement. Urban Utopias of Modern Japan", 2010.
1) NACIMIENTO DEL METABOLISMO

Esta sección comenta los inicios del planeamiento urbano moderno japonés, cuando este país
dominaba gran parte de Asia. Entonces, los planificadores japoneses proponían proyectos en sus
colonias (Corea, Manchuko, etc) que no se atrevían a ejecutar en el propio Japón. En esa época
Kenzo Tange tiene su primera intervención a los 29 años, en un concurso para hacer un
monumento a la “Esfera de co-prosperidad del este asiático”. Su propuesta, manejaba escalas
monumentales y líneas modernas, pero proponía un monumento que recordaba al Gran Santuario
de Ise. Debido a la escalada de la guerra ninguno de esos planes se llevó a cabo.
 Monumento a la Esfera de
co-prosperidad del Este asiático, Kenzo Tange, 1942. Estaría localizado entre Kioto y Tokio, el
corazón tradicional y la urbe moderna del país. El eje lineal se repetiría en otros proyectos como
los de Hiroshima, Tokio, o la Expo en Osaka.

Sin embargo, el primer ejemplo concreto de planeamiento urbano moderno fue Plan Maestro para
la reconstrucción de Hiroshima, junto a los edificios diseñados para el Parque de la Paz de esa
ciudad por Kenzo Tange.

Plan para el Parque de la Paz, Hiroshima.

Kenzo Tange, 1955.
 Museo Memorial de la Bomba
Atómica, Hiroshima. Kenzo Tange, 1955.

Debido a la influencia que ejerció Tange a sus colegas y alumnos, un grupo de arquitectos
japoneses compuesto por Kisho Kurokawa, Kiyonori Kikutake, Fumihiko Maki, Masato Otaka otros
presentaron en 1960 un manifiesto denominado "Metabolismo: Propuestas para un nuevo
urbanismo", durante el Congreso Mundial de Diseño de ese año.

La corriente tomó ese nombre pues, distanciándose del Modernismo, planteaba que los edificios y
las ciudades debían ser concebidos como seres vivos, y por tanto deberían crecer orgánicamente,
de acuerdo a las necesidades de sus habitantes (Presionar aquí para ver más sobre los conceptos
del metabolismo).

2. ERA DEL METABOLISMO

En 1960 Kenzo Tange presenta su Plan para Tokio, presenta ideas innovadoras de cómo expandir
Tokio sobre la bahía.
 Plan para Tokio,
1960.  Fotomontaje y maqueta. Kenzo Tange. El enorme eje monumental construido sobre la bahía
de Tokio era pensado para el automóvil , separado de las áreas peatonales mediante una jerarquía
de vías expresas. La propuesta se alejaba de las ideas del CIAM, que planteaba "centros urbanos"
y planteaba en su lugar "ejes cívicos".
 Plan para Tokio, 1960.  Detalle de la
maqueta. Kenzo Tange. Esta flota de gigantescas unidades de hasta 300 m de ancho, con techos
parecidos a templos japoneses que parecían estar flotando en el agua  contenían las residencias.
 Plan para Tokio, 1960.  Sistema
de pilotes y núcleos. Kenzo Tange. Influido por las ideas de Le Corbusier, Tange plantea un
sistema de pilotes que constituyen vínculos espaciales entre áreas públicas y privadas. Estas son
las áreas donde el flujo del tráfico se encuentra con el espacio arquitectónico. Los núcleos, en
cambio, eran arterias que se vinculaban con los edificios. Ambos, pilotes y núcleos, fueron
integrados en un solo sistema.

Las ideas urbanas evolucionaron a utopías que elucubraban la creación de mega-ciudades,

mediante la generación de formas geométricas gigantescas. En la exhibición, reconstrucciones en
3D muestran imágenes de lo que habrían sido estas inmensas estructuras futuristas pero que, en
mi opinión personal, carecía de escala humana y en los que las personas eran poco más que
hormigas dentro de un enorme ensamblaje mecánico.
 Ecópolis. Kiyonori Kikutake,
1990

Sistema de Núcleo Común.

Arata Isozaki, 1960. El plan ensamblaba grandes brazos horizontales en torno a elementos
verticales, formando grupos de oficinas. Fue integrado al plan para Tokio de Tange, su maestro.
 Ciudad en el aire. Arata
Isozaki, 1961. El joven arquitecto, insatisfecho con el caos de Tokio, planteaba una ciudad
completamente separada de aquella en su base, ordenada, cuyas ramas nacían de una mega
columna central.

Ciudad Hélice. Kurokawa,

1961. Ubicada sobre el mar, la propuesta estaba inspirada en la estructura del ADN, la cual había
sido recientemente descubierta. Una doble helicoide permitía un crecimiento continuo de la ciudad.
 Ciudad Agrícola. Kurokawa,
1960. La propuesta buscaba resolver la contradicción de ciudad-campo mediante una grilla de
concreto de 500 x 500 m elevada 4 m sobre el área agrícola mediante pilotes. Me pregunto cómo
resolvería el arquitecto un recurso fundamental en los terrenos agricolas: la luz solar.
 Renovación del Distrito
Tsukiji. Kenzo Tange, 1963.

No obstante, estas ideas permitieron la creación de algunos edificios metabolistas, particularmente

algunas obras de Tange, Kikutake, Kurokawa, Maki, Otani entre otros. Pero sin duda uno el icono
más importante de esta corriente sería la Torre Nakagin, de Kisho Kurokawa, el primer edificio
de cápsulas intercambiables en el mundo, que hemos explicado en más detalle en este moleskine.
 Centro de Prensa de Shizuoka, Tokio. Kenzo
Tange, 1967. Este debería haber sido el punto de partida de un mega-conjunto que se
desarrollaría en trama, que sin embargo nunca llegó a realizarse. Este edificio se encuentra cerca
a la Nakagin Capsule Tower.

Sede de la corporación Fuji

TV, Tokio. Kenzo Tange, 1996.
 Estación de Shinjuku, Tokio.
Fumihiko Maki y Masato Osawa, 1960.

Hotel Tokoen, Tottori. Kiyonori Kikutake,

1964
 Nakagin Capsule Tower, Kisho
Kurokawa, 1972.

Centro Cívico de
Miyakonogo. Kiyonori Kikutake, 1966. La aparatosa forma de abanico de esta mega estructura
contrastaba con el modesto perfil urbano de este pequeño poblado.
 Centro Internacional de Conferencias, Kioto. Sachio Otani, 1966. Próximamente dedicaré un
post a este edificio futurista que parece crucero imperial de Star Wars.

Republic Polytechnic,
Singapur. Fumihiko Maki, 2007. Foto cortesía de Maki and Associates.

3. DEL ESPACIO AL AMBIENTE

Además de la arquitectura y el urbanismo, el arte se involucró profundamente en el Metabolismo,
principalmente a través de dos eventos: la exhibición "Del Espacio al Ambiente", 1966, y
principalmente la Exposición Universal de Osaka en 1970 (cuyo planeamiento urbano fue también
diseñado por Tange). Esta fue una ocasión para que artistas como Katsuhiro Yamaguchi y Kiyoshi
Awazu desarrollen creaciones basadas en los principios del Metabolismo
 Plan Maestro de la Expo
Osaka 70. Kenzo Tange.

Vista aérea de la Expo Osaka

70.
 Takara Beautilion, Osaka
Expo. Kisho Kurokawa, 1970. Obsesionado con la idea de las cápsulas, Kurokawa organizó una
trama estructural a la que se unían cápsulas cúbicas. La estética inacabada transmitía la idea de
que se trataba de un proyecto en continuo crecimiento.
 Expo Tower, Osaka. Kiyonori
Kikutake, 1970. Ubicada en el extremo sur de la  Expo, ofrecía vistas panorámicas del evento.
Estaba compuesta de un núcleo central de tubos de acero al que se engarzaban esferas
geodésicas metálicas. El diseño permitía la expansión de las mismas.

4. METABOLISMO GLOBAL
Esta sección está dedicada a la influencia del Metabolismo en proyectos fuera del Japón,
incluyendo Marine City en Hawaii, EE.UU., las viviendas PREVI en Perú y el plan de reconstrucción
de Skopje, en Macedonia.

Vivienda PREVI, Lima, Perú.

Kiyonori Kikutake, Kisho Kurokawa, Fumihiko Maki. En 1967, el presidente peruano Arq. Fernando
Belaúnde, promovió sistemas de vivienda social experimental llamados PREVI, a la que los
metabolistas fueron invitados, junto a otros famosos arquitectos internacionales. La propuesta de
los japoneses se caracterizó distribución alargada y estrecha de la vivienda con una rígida división
entre los servicios y las áreas de habitación.
 Marine City, Hawaii. Kiyonori
Kikutake, 1963. Estos "ruleros" eran núcleos cilíndricos desde los que nacían las unidades de
vivienda. Conforme las unidades iban envejeciendo eran reemplazadas por otras, similares a
células que se regeneran.
Foto cortesía de  mr. Prudence.
 Plan de reconstrucción de Skopje,
Macedonia. Kenzo Tange, 1965. Propuesta ganadora de un concurso internacional, se
estructuraba en dos conceptos: la "Ciudad Puerta", que era el eje de ingreso a la capital, cerca a la
estación de tren y desde la que se conducían los sistemas de transporte, y la "Ciudad Pared",
conformada por edificios de departamentos, que simulaban una muralla medieval, y que
incorporarían vivienda al centro de la ciudad.

VER TAMBIÉN
- OBRAS DE KENZO TANGE

 Catedral de Tokio , Japón. (1960-64)

 Expo 1970 Osaka, Japón. Kenzo Tange y otros (1970)
 Gimnasio Nacional de Tokio. Olimpiadas 1964
 Parque de la Paz, Hiroshima
- OBRAS DE KISHO KUROKAWA
 Centro Nacional de Arte, Tokio, Japón (2000-06)
 Japanese Nursing Assosiation, Tokio, Japón (1999-2001).
 Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima, Japón (1988-89)
 Museo Van Gogh, Ámsterdam, Holanda (1990-99)
 Nakagin Capsule Tower, Tokio, Japón (1970-72)
- EVENTOS DEL CONGRESO MUNDIAL DE ARQUITECTOS
 10,000 ARQUITECTOS (I)
 10,000 ARQUITECTOS (II)
 ARCHI-NEERING DESIGN: Arquitectura vista desde la ingeniería.

Por fin, el sueño de mi cápsula

propia...
Kenzo Tange frente a su Plan para Tokio en 1960. El Metabolismo fue el movimiento
urbano, arquitectónico, artístico y filosófico más importante que ha producido Japón en el
siglo XX. Su influencia sobrepasó los conceptos utopistas de una sociedad que experimentó
un vertiginoso crecimiento económico en la década de los 60s y se materializó en proyectos
específicos no sólo en Japón sino más allá de sus fronteras.

A diferencia de los edificios del pasado, los actuales tienen que ser
modificables, movibles y estar en condiciones de responder a las
cambiantes necesidades de esta época (Kiyonori Kikutake).
Monumento a la Esfera de co-prosperidad del Este asiático, Kenzo Tange, 1942. Estaría
localizado entre Kioto y Tokio, el corazón tradicional y la urbe moderna del país. El eje
lineal se repetiría en otros proyectos como los de Hiroshima, Tokio, o la Expo en
Osaka. Esta sección comenta los inicios del planeamiento urbano moderno japonés, cuando
este país domina gran parte de Asia. Entonces, los planificadores japoneses proponían
proyectos en sus colonias (Corea, Manchuko, etc) que no se atrevían a ejecutar en el propio
Japón. En esa época Kenzo Tange tiene su primera intervención a los 29 años, en un
concurso para hacer un monumento a la “Esfera de co-prosperidad del este asiático”. Su
propuesta, manejaba escalas monumentales y líneas modernas, pero proponía un
monumento que recordaba al Gran Santuario de Ise. Debido a la escalada de la guerra
ninguno de esos planes se llevó a cabo.
Plan para el Parque de la Paz, Hiroshima. Kenzo Tange, 1955. Pero, el primer ejemplo
concreto de planeamiento urbano moderno fue Plan Maestro para la reconstrucción de
Hiroshima, junto a los edificios diseñados para el Parque de la Paz de esa ciudad por Kenzo
Tange.
Museo Memorial de la Bomba Atómica, Hiroshima. Kenzo Tange, 1955.Debido a la
influencia que ejerció Tange a sus colegas y alumnos, un grupo de arquitectos japoneses
compuesto por Kisho Kurokawa, Kiyonori Kikutake, Fumihiko Maki, Masato Otaka otros
presentaron en 1960 un manifiesto denominado «Metabolismo: Propuestas para un nuevo
urbanismo», durante el Congreso Mundial de Diseño de ese año.
La corriente tomó ese nombre pues, distanciándose del Modernismo, planteaba que los
edificios y las ciudades debían ser concebidos como seres vivos, y por tanto deberían crecer
orgánicamente, de acuerdo a las necesidades de sus habitantes

1960 un grupo de arquitectos japoneses, inician un movimiento con el

objetivo de crear, utilizando elementos reutilizables, un entorno visible y
un desarrollo de las ciudades orientado al futuro.

Kenzo Tange es un destacado representante de este movimiento.

1960 elabora un proyecto urbanístico para la bahía de Tokio en forma de

plano reticulado, flexibles en sus funciones, en donde los rascacielos
residenciales de plantas variables constituyen un elemento central.
Participó en el concurso para diseñar un plan para el crecimiento de Tokio. Una de las
bases del concurso era que este plan debía ser en el mar, una arquitectura sobre el agua,
pero sin tierra artificial, directamente sobre el agua.
Tange propuso una megaestructura lineal basada en una red fija abierta de carreteras y
túneles subterráneos.
Este esquema, que presentaba una sucesión de bucles entrelazados que expandían Tokio
ocupando la Bahía, se consideró el iniciador del movimiento megaestructural de toda la
década.
En 1960 Kenzo Tange presenta su Plan para Tokio, presenta ideas innovadoras de cómo
expandir Tokio sobre la bahía.
Plan para Tokio, 1960. Fotomontaje y maqueta. Kenzo Tange. El enorme eje monumental
construido sobre la bahía de Tokio era pensado para el automóvil , separado de las áreas
peatonales mediante una jerarquía de vías expresas. La propuesta se alejaba de las ideas
del CIAM, que planteaba «centros urbanos» y planteaba en su lugar «ejes cívicos».
Plan para Tokio, 1960. Detalle de la maqueta. Kenzo Tange. Esta flota de gigantescas
unidades de hasta 300 m de ancho, con techos parecidos a templos japoneses que parecían
estar flotando en el agua contenían las residencias.
Plan para Tokio, 1960. Sistema de pilotes y núcleos. Kenzo Tange. Influido por las ideas
de Le Corbusier, Tange plantea un sistema de pilotes que constituyen vínculos espaciales
entre áreas públicas y privadas. Estas son las áreas donde el flujo del tráfico se encuentra
con el espacio arquitectónico. Los núcleos, en cambio, eran arterias que se vinculaban con
los edificios. Ambos, pilotes y núcleos, fueron integrados en un solo sistema.

En la misma época varios arquitectos jóvenes como Kiyonori Kikutake,

Kisho Kurokawa y mas tarde Fumihiko Maki, que se autocalifican de
metabolistas, se intercambian ideas relacionadas con la construcción de
viviendas y la concentración urbana.
Kikutaque, Ecópolis. Las ideas urbanas evolucionaron a utopías que proyectan la creación
de mega-ciudades, mediante la generación de formas geométricas gigantescas. En la
exhibición, reconstrucciones en 3D muestran imágenes de lo que habrían sido estas
inmensas estructuras futuristas.
Sistema de Núcleo Común. Arata Isozaki, 1960. El plan ensambla grandes brazos
horizontales en torno a elementos verticales, formando grupos de oficinas. Es integrado al
plan para Tokio de Tange, su maestro.

Ciudad en el aire. Arata Isozaki, 1961. El joven arquitecto, insatisfecho con el caos de
Tokio, planteaba una ciudad completamente separada de aquella en su base, ordenada,
cuyas ramas nacían de una mega columna central.
Plan City in the Air, de Arata Isozaki — 1962

Ciudad Hélice. Kurokawa, 1961. Ubicada sobre el mar, la propuesta estaba inspirada en
la estructura del ADN, la cual había sido recientemente descubierta. Una doble helicoide
permitía un crecimiento continuo de la ciudad.
Ciudad Agrícola. Kurokawa, 1960. La propuesta buscaba resolver la contradicción de
ciudad-campo mediante una grilla de concreto de 500 x 500 m elevada 4 m sobre el área
agrícola mediante pilotes. Me pregunto cómo resolvería el arquitecto un recurso
fundamental en los terrenos agrícolas: la luz solar.

Ocean City, Kiyonori Kikutake — 1962

1960 publican el Manifiesto Metabolista (Metabolism 1960) y hablan de
trasladar los procesos vitales de nacimiento, crecimiento al entorno
urbano.

World Design Conference — Tokio 1960

Páginas del manifiesto metabolista — 1960

Archigram es una gran influencia para ellos a través de sus ideas y
dibujos, ya que la tradición está obsoleta en cuanto a forma y función.

Sus propuestas incluyen ciudades flotantes en el mar, una ciudad

helicoidal y una ciudad torre.

Renovación del Distrito Tsukiji. Kenzo Tange, 1963.

Renovación del Distrito Tsukiji. Kenzo Tange, 1963.

Asimismo exploran distintas alternativas a las megaestructuras para la

bahía de Tokio desarrollada por Tange con quien comparten la
concepción de la capacidad de adaptación y de las funciones variables de
una metrópoli en desarrollo.
Centro de Prensa de Shizuoka, Tokio. Kenzo Tange, 1967. Este debería haber sido el
punto de partida de un mega-conjunto que se desarrollaría en trama, que sin embargo
nunca llegó a realizarse. Este edificio se encuentra cerca a la Nakagin Capsule Tower.
Las subsiguientes estructuras celulares dan lugar a edificios prototípicos
como la Torre capsular Nagakin de Tokio (1969-1972) con sus
minúsculas cápsulas habitables.

Torre capsular Nagakin de Tokio (1969-1972)

Torre capsular Nagakin de Tokio (1969-1972)
Sede de la corporación Fuji TV, Tokio. Kenzo Tange, 1996.

Estación de Shinjuku, Tokio. Fumihiko Maki y Masato Osawa, 1960.

Hotel Tokoen, Tottori. Kiyonori Kikutake, 1964
Centro Cívico de Miyakonogo. Kiyonori Kikutake, 1966. La aparatosa forma de abanico
de esta mega estructura contrastaba con el modesto perfil urbano de este pequeño
poblado.

Centro Internacional de Conferencias, Kioto. Sachio Otani,

1966. 

Republic Polytechnic, Singapur. Fumihiko Maki, 2007. Foto cortesía de Maki and
Associates.
Plan Maestro de la Expo Osaka 70. Kenzo Tange.Además de la arquitectura y el
urbanismo, el arte se involucró profundamente en el Metabolismo, principalmente a través
de dos eventos: la exhibición «Del Espacio al Ambiente», 1966, y principalmente
la Exposición Universal de Osaka en 1970 (cuyo planeamiento urbano fue también
diseñado por Tange). Esta fue una ocasión para que artistas como Katsuhiro Yamaguchi y
Kiyoshi Awazu desarrollen creaciones basadas en los principios del Metabolismo
Vista aérea de la Expo Osaka 70.
Takara Beautilion, Osaka Expo. Kisho Kurokawa, 1970. Obsesionado con la idea de las
cápsulas, Kurokawa organizó una trama estructural a la que se unían cápsulas cúbicas. La
estética inacabada transmitía la idea de que se trataba de un proyecto en continuo
crecimiento.
Expo Tower, Osaka. Kiyonori Kikutake, 1970. Ubicada en el extremo sur de la  Expo,
ofrecía vistas panorámicas del evento. Estaba compuesta de un núcleo central de tubos de
acero al que se engarzaban esferas geodésicas metálicas. El diseño permitía la expansión
de las mismas.
Marine City, Hawaii. Kiyonori Kikutake, 1963. Estos «ruleros» eran núcleos cilíndricos
desde los que nacían las unidades de vivienda. Conforme las unidades iban envejeciendo
eran reemplazadas por otras, similares a células que se regeneran.
Foto cortesía de mr. Prudence.
Plan de reconstrucción de Skopje, Macedonia. Kenzo Tange, 1965. Propuesta ganadora
de un concurso internacional, se estructuraba en dos conceptos: la «Ciudad Puerta», que
era el eje de ingreso a la capital, cerca a la estación de tren y desde la que se conducían
los sistemas de transporte, y la «Ciudad Pared», conformada por edificios de
departamentos, que simulaban una muralla medieval, y que incorporarían vivienda al
centro de la ciudad.
 Eric Owen Moss
Biografía
Eric Owen Moss (*1943) obtuvo dos masters en arquitectura: uno en 1968 en la
Universidad de California y otro en 1972 en Harvard. Desde 1974 es profesor de
diseño en el Instituto de Arquitectura del Sur de California. En 1976 abrió su propio
estudio en Culver City, California, donde llevó a cabo la mayor parte de sus
proyectos. Su arquitectura se caracteriza por las intersecciones y
entrecruzamientos de espacios que, sobre todo cuando se manejan sustancias
arquitectónicas antiguas previas, dan lugar a acentos escultóricos cargados de
tensión.

En 1989 se terminó de construir la Oficina Central de Alojamiento de la Universidad

de California en Irvine (1986-1989); vinieron después numerosos proyectos en
Culver City. Fue el empresario de la construcción Frederick Norton Smith quien le
proporcionó la mayor parte de los encargos de saneamiento de edificios ya
existentes y de proyectos de remodelación; entre otras obras, construyó la
Lindblade Tower (1987-1989), la Paramount Laundry (1987-1989), el Gary Group
(1988- 1990), el IRS Building (1993-1994) y The Box (1990-1994), pieza
sobrepuesta en la cubierta de un almacén general.

En el edificio Samitaur (1989-1995) Moss llevó a cabo un extraordinario programa

de saneamiento al remodelar un almacén anterior. Los nuevos espacios creados
se alzan como un largo travesaño sobre la zona de la calle y tanto la escalera del
ángulo como el minúsculo patio interior central escapan drásticamente del
desarrollo racional del cuerpo arquitectónico.

También en el caso del edificio Pittard Sullivan (1994- 1997.) se remodeló y

transformó en un edificio de oficinas un almacén anterior; las cerchas de madera
históricas atraviesan como elemento decorativo el nuevo complejo de oficinas.
The Beehive, construido en el mismo solar, es de 1994-2001.

La forma del edificio Stealth (1993-2001) tiene su origen en la transformación de

una sección triangular de un lado del alargado bloque en una sección cuadrangular
en el otro lado. En Culver City las medidas arquitectónicas se concibieron sobre la
base de un plano de desarrollo urbano de Eric Owen Moss titulado «Conjunctive
Points development» en un contexto más amplio, que componía en una imagen
más extensa las diversas intervenciones practicadas en la anterior estructura de
bloque.
Eric Owen Moss: The Latest Architecture and News

"The Truth is in The Tension of Possibilities”: In conversation with Eric

Owen Moss
October 13, 2020

IRS / Eric Owen Moss Architects. Image © EOMA

Even though Eric Owen Moss’ buildings are easy to spot it is hard to categorize them. They
constitute a clash of forms and surfaces that collide, break, contort, superimpose onto
themselves, bend, split, melt, and explode seemingly out of control –all to avoid being
subscribed to anything that may even remotely evoke a design methodology of any kind.

Flythrough Video of Eric Owen Moss Architects' (W)rapper Revealed as

Construction is Set to Begin
August 08, 2017

© Eric Owen Moss Architects. Via Urbanize LA

After starting and stopping for nearly 20 years, a 17-story Deconstructivist tower by Eric Owen
Moss Architects seems to finally be underway in Los Angeles’ Culver City neighborhood after
construction permits were approved earlier this year. Originally known as the Glass Tower, the
project has been revived as (W)rapper, a nod to the structure’s enveloping steel exoskeleton.
A new flythrough video of the project shows the inside and out of the 230-foot tower, including
its double-height and mezzanine office levels, as well as a spacious rooftop terrace. In total, the
building will offer 160,000 square feet of office space and two levels of underground parking.
Located adjacent to the Expo Line’s LA Cienega/Jefferson station, the project was originally
envisioned as a multi-tower development in the late 90s, before being reduced to its current
form.

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El suprematismo: el movimiento de arte abstracto ruso, que abrió nuevas posibilidades en la
pintura abstracta entre los años de 1915 y 1916. El cual fue fundado por el pintor nacido en Kiev,
Kazimir Malevich.

Suprematismo
El suprematismo se desarrolló paralelamente al constructivismo y como su nombre lo indica: es
la supremacía de la abstracción. Es abstracción insuperable. El artista representa su cosmovisión,
su visión del universo, a partir de formas geométricas puras.

Se caracteriza por evita cualquier referencia de imitación de la naturaleza recurriendo a

módulos geométricos y el uso a blanco y negro. E intenta dogmatizar en “principios
formales puros” la estética geométrico-constructiva que había nacido en el círculo artístico
del Vanguardismo ruso y que trabajaban artistas como Tatlin, Rodchenko y los
hermanos Pevsner.
VÍCTOR VASARELY, ES EL PADRE LEGÍTIMO DEL OP ART

Cabe mencionar también que el suprematismo, tuvo influencia directa respecto al diseño
occidental, y otros movimientos como la Bauhaus, el neoplatonismos y el constructivismo.
Kazimir Malévich y el manifiesto

Todo comienza con las ideas del pintor Kazimir Malévich,

quien promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto,
él buscaba la supremacía de la nada y la representación del
universo sin objetos. Como se menciona en un inicio, las
figuras como el cuadrado y el circulo fueron los elementos
principales en la obra de Kazimir.

Su primera obra bajo esta corriente artística fue la pintura de

los champiñones, “Cuadrado negro sobre fondo blanco” (1915).
Y es a partir de ese mismo año, cuando Malévich y el
poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto.

En 1916 se publicó una versión ampliada del manifiesto

titulada: «Del cubismo y el futurismo al suprematismo: el nuevo
realismo en la pintura». 
Las bases que sustentaban los suprematistas era el no seguir
con los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitir
mensajes de índole social. Las obras suprematistas fueron
aumentando su colorido y composición con el paso del
tiempo. De igual manera llegaron más obras bajo dichas ideas,
como el cuadrado rojo y más con el rectángulo, el trapecio y la
cruz.
En cuanto a los colores se mantuvieron simples y puros, por
ejemplo: con fondos neutros y figuras en amarillo, rojo, verde,
azul, y también usan el negro, el blanco y el gris.

HERBERT BAYER: UN GENIO DEL DISEÑO Y UN

GRANDE DE LA BAUHAUS

“PARA MÍ SE HIZO EVIDENTE QUE HABÍA QUE CREAR NUEVOS

MARCOS PARA LA PINTURA EN COLORES PUROS,
CONSTRUIDOS POR EXIGENCIA DE LOS COLORES; Y, EN
SEGUNDO LUGAR, QUE EL COLOR DEBERÍA ABANDONAR LA
MEZCLA PICTÓRICA Y CONVERTIRSE EN UN FACTOR
INDEPENDIENTE, QUE SE INCORPORA A LA CONSTRUCCIÓN
COMO UN INDIVIDUO DE UN SISTEMA COLECTIVO Y DE LA
INDEPENDENCIA INDIVIDUAL.”
KAZIMIR MALÉVICH
SUETIN, Nikolai_Suprematismo, 1920-1921_767 (1984.18)
Santiago Calatrava
(Santiago Calatrava Valls; Benimamet, Valencia, 1951) Arquitecto español.
Considerado como uno de los arquitectos más creativos del momento, los
diseños de Calatrava se caracterizan por un aire futurista y la innovación
técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han
permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que
destacan sus puentes, muchos de ellos célebres.

Santiago Calatrava

Tras asistir a clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes y Oficios de

Burjasot, Santiago Calatrava inició en 1969 la carrera de Arquitectura en la
Universidad Politécnica de Valencia, donde se graduó en 1973. Al poco
tiempo se trasladó a Suiza, para estudiar Ingeniería civil en la célebre
Escuela Politécnica Federal de Zúrich (ETHZ, por sus iniciales en alemán),
considerada una de las mejores universidades científico-tecnológicas del
mundo. Entre 1979 y 1981 se doctoró allí en Ciencias Técnicas con la
tesis Acerca de la plegabilidad de las estructuras y ejerció asimismo la actividad
docente.

En 1981 abrió su primer estudio de arquitectura e ingeniería civil en Zúrich.

Afiliado en 1987 a la Unión de Arquitectos Suizos (BSA), recibió el premio
Auguste Perret UIA (Unión Internacional de Arquitectos) de París; en esta
ciudad estableció un segundo estudio en 1989, mientras se realizaba la
primera exposición monográfica de su obra en la Universidad de Columbia,
en Nueva York, a la que seguiría una serie interminable de muestras
similares en instituciones de todo el mundo.
Auditorio de Tenerife

Situado en Santa Cruz de Tenerife, es la sede de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y uno

de los iconos de la isla: desde su construcción se ha popularizado el apodo “La Sídney del
Atlántico” para Tenerife, gracias a la similitud de esta obra con la ópera australiana.

El arco de la sobrecubierta, además de su potente imagen, tiene un gran mérito técnico, al

estar sostenido por tan sólo dos puntos de apoyo.

Torre de Comunicaciones de Montjuic

Construida con motivo de los Juegos Olímpicos de 1992 en Barcelona, esta torre de
telecomunicaciones de 136 metros tiene un diseño innovador, que recuerda a un
deportista portando la llama olímpica. Su diseño sirve también para el trofeo del Gran
Premio de España de Fórmula 1.

Puente del Alamillo

Este puente sevillano fue construido durante la Expo 92 de Sevilla para cruzar el
Guadalquivir y acceder a la isla de La Cartuja. En un principio el proyecto planteaba
construir dos puentes gemelos opuestos, cada uno en una dirección, pero al final —por el
límite del presupuesto— sólo se construyó el actual, que igualmente es espectacular.

La parte de arriba, conocida como “el ojo de la cabeza de caballo” sirve como mirador.

Turning Torso
Situada en Malmö, en Suecia, este rascacielos es una de las obras más famosas de
Calatrava, y un auténtico icono de la ciudad de Malmö —de hecho fue construido con este
objetivo, tras el desmantelamiento de la “Grúa Kockums”—.

Basado en una escultura del propio arquitecto, el torso en giro se retuerce 90 grados en
sus 190 metros de altura (es el más alto de Escandinavia). En 2005 recibió el premio
MIPIM al “Mejor edificio residencial del mundo”.

Puente de la Mujer
En Buenos Aires se encuentra la única obra del arquitecto en Sudamérica. Este puente
peatonal de 170 metros, evoca a “una pareja bailando tango”, y dispone de tres secciones:
dos fijas y una móvil, que permite el paso de embarcaciones.

Su diseño recuerda a otros puentes de Calatrava, como el del Alamillo de Sevilla o el de

Samuel Beckett de Dublín.

Estación de Oriente
La Estaçao do Oriente de Lisboa, uno de los nodos ferroviarios más importantes de la
capital y de todo Portugal es también obra de Calatrava.

Creada para la Expo 98, es fácilmente reconocible como obra del arquitecto, gracias a su
diseño llamativo y al entramado de su estructura.

Quadracci Pavilion
Esta expansión del Milwaukee Art Museum fue creada en 2001. Tanto el pabellón como el
puente Reinman, que lo une con la ciudad, son diseños del arquitecto.

La estructura tiene una visera móvil de 66 metros, que se ha convertido en el símbolo de

la ciudad de Milwaukee.

Puente de la Constitución
En Venecia se encuentra una de las obras más polémicas de Calatrava, epítome de la obra
del arquitecto: sobrecostes, aplazamientos, retrasos, problemas de accesibilidad, una
estética dudosa…

A pesar de todo, cualquier excusa es buena para viajar a Venecia, así que lo incluimos en
la lista.
Las locuras de Buckminster Fuller que hoy sabemos que fueron
visiones de genio

Una exposición que se inaugura hoy en el Espacio

Fundación Telefónica recupera la obra (y la vida) de este
diseñador y arquitecto que se convirtió en icono de la
contracultura

Buckminster Fuller, en
1948, fotografiado por una de sus alumnas en el Black Mountain College (BMC),
una universidad en la que el arte era el centro de la educación. |

Había tocado fondo. Su hija había muerto. No tenía dinero. El

futuro parecía un callejón sin salida. Richard Buckminster
Fuller (Milton, Massachusetts, 1895 - Los Ángeles, 1983) no le
veía sentido a continuar existiendo y trató de quitarse la vida, en
1927, a la orilla del lago Michigan. Fue entonces cuando llegó la
epifanía: una voz que brotaba de dentro de sí mismo y le paraba
los pies. Su vida no le pertenecía a él, sino al Universo. Y tenía
una misión encomendada: descubrir qué puede hacer un solo
individuo insignificante para cambiar el mundo. Para mejorar la
vida de la Humanidad. Y así lo hizo. Se consideraba a sí mismo
un comprehensive anticipatory design scientist (un científico del
diseño anticipatorio integral).

Esta historia suena a cuento inspiracional para predicadores de la

autoayuda, con sus elementos místicos y épicos. De hecho, uno de
los trabajos más concienzudos de Buckminster Fuller, sobre cuya
obra (y vida) se inaugura hoy la exposición Curiosidad radical.
En la órbita de Buckminster Fuller, en el Espacio Fundación
Telefónica de Madrid, fue el de crear su propia imagen, su propia
mitología. “Fuller no pertenecía a la academia, estaba en contra de
la especialización, de modo que necesitaba una forma de
legitimarse y era esta: contar qué le había llevado a hacer lo que
hacía”, explica Rosa Pera, comisaria de la muestra junto a José
Luis de Vicente.

Sus historias no acababan ahí: después de aquellos dramáticos

sucesos, Fuller entró en un periodo de introspección en el que pasó
dos años sin hablar y escribió, como raptado por la inspiración,
hasta 5.000 páginas con las que serían las ideas básicas de su
pensamiento. Contaba que solo dormía 15 minutos cada cuatro
horas, unas dos horas al día. O que era descendiente de los
maoríes de Nueva Zelanda. Etcétera. Sabía que tenía algo de
charlatán, pero que aquello era parte del show. En este sentido, fue
un practicante temprano del storytelling.
 La Biosfera de Montreal,
creada por Buckminster Fuller en 1967, fue el pabellón estadounidense para la Exposición
Mundial. |GETTY

Sin embargo, más que por estas curiosidades, la figura de

Buckminster Fuller es recordada por sus aportaciones a diferentes
disciplinas como el diseño, la innovación, la arquitectura, la
futurología, la sostenibilidad, la ecología (hablaba de la Nave
Espacial Tierra) o la economía circular. Aunque sus utopías fueran
fallidas, su influencia está presente subterráneamente en muchas
facetas del mundo actual. Curiosidad radical explora todas estas
aristas del genio excéntrico y se complementa con un podcast del
mismo título que puede escucharse en la plataforma Podium
Podcast.
Buckminster Fuller creía que el diseño podía cambiar el mundo,
cuando esta disciplina aún no estaba tan imbricada con la
innovación. Su idea más famosa es la de la cúpula geodésica,
símbolo futurista por antonomasia, una figura geométrica en la
que la mayor área puede cubrirse con la menor cantidad de
material y sin necesidad de cimientos. El modelo lo aplicó en la
Biosfera de Montreal, el pabellón de los Estados Unidos para la
Exposición Mundial de 1967. “No se puede hacer más con
menos”, escriben los comisarios. Hoy proliferan cúpulas de este
tipo por recintos feriales, instalaciones museísticas, sitios
ecológicos o festivales como el Burning Man. Siempre dan un aire
de innovación y sostenibilidad.

Buckmister Fuller, en 1930,

junto a la maqueta de una versión suspendida de la Dymaxion House. |GETTY

También los diseños de vivienda y coche llamados Dymaxion

House y Dymaxion Car, hoy de aspecto aerodinámico y
retrofuturista (la palabra dymaxion venía de “máxima tensión
dinámica”, y pretendía, también, hacer más con menos). Llegó a
imaginar una torre de apartamentos que se podría transportar de un
sitio a otro en zepelín (4d lightful tower), hasta colocarla en la
Antártida o en la Amazonia. En 1959 presentó en el MoMA de
Nueva York una cúpula para cubrir parte de Manhattan, regular
las condiciones climáticas y ahorrar gran cantidad de energía.

Imaginó, también, ciudades flotantes en el mar, como las que

intentan construir ahora en Tahití los marevangelistas
anarcocapitalistas de Silicon Valley. Pronosticó un sistema de
enseñanza a distancia por televisión, donde los estudiantes
pudieran acceder a la información mediante vídeos, lo que luego
sería YouTube, los Mooc’s o la enseñanza a distancia en tiempos
de pandemia.

Proyecto de Buckminster
Fuller, presentado en el MoMA en 1960, para cubrir medio Manhattan con una cúpula que
permitiría regular las condiciones climáticas y ahorrar gran cantidad de energía. |CORTESÍA DE
THE ESTATE OF R. BUCKMINSTER FULLER

“Suele presentarse a Fuller como un loco visionario, creador de

grandes utopías fallidas. Pero su legado está en grandes
arquitectos como Norman Foster o grandes artistas como Olafur
Eliasson, que se reconocen como herederos de Fuller”, explica De
Vicente: “¿Son realmente fallidas sus utopías?”.

Al ver sus notas y diagramas se tiene la misma sensación que al

ver los bosquejos de Leonardo Da Vinci: esas ideas quizás
demasiado avanzadas para su tiempo que algún día tal vez se
hicieran realidad. Por ejemplo, Fuller ya previó la necesidad de
hacer viviendas asequibles y sostenibles (cambiar la vivienda para
cambiar la sociedad), que generasen su propia energía, o el modo
de visualizar datos masivos, como hacen ahora las técnicas de Big
Data.

“Podría decirse que se estaba enfrentando a problemas del siglo

XXI con tecnología del siglo XX”, señala Pera, “cosas que
entonces podían parecer estrafalarias, ahora no lo son tanto”. Una
de sus nociones principales es la sinergia (“el universo es una
sinergia de sinergia”, todo está interconectado) un término que
hoy es de uso común en cualquier espacio de coworking.

El secretario de estado con

Roosevelt, Marvin McIntyre, el piloto Al Williams y un representante de la oficina de patentes,
junto al Dymaxion Car de Buckminster Fuller en la Casa Blanca, en 1933. |GETTY
Era un tiempo en el que (al menos visto desde ahora) el futuro era
motivo de optimismo y se podía imaginar diseñado en suaves
curvas orgánicas y superficies blancas, impoluto, como sacado de
la mente de Fuller. Ahora el futuro es difícil de imaginar y, cuando
lo imaginamos, lo imaginamos distópico. La misión
de Bucky (como lo apodaban), en sus propias palabras, era “hacer
funcionar el mundo para el 100% de la Humanidad en el menor
tiempo posible mediante la cooperación espontánea, sin perjuicio
ecológico o desventaja para nadie”.

Fue uno de los primeros conferenciantes estrella que recorrió el

mundo hablando de lo humano y lo divino ante un público
entregado. Sus contenidos podrían tener algo que ver con el de las
actuales charlas TED, aunque sin confinarse al restringido formato
de 18 minutos. De hecho, Fuller podía hablar durante horas y
horas, como en una performance de resistencia. En una ocasión (la
charla Everything I know –"todo lo que sé"–, en 1975),
compareció durante 42 horas respondiendo las preguntas de los
estudiantes, que eran sus principales seguidores.

“El entusiasmo mundial por las ideas de Fuller no se limita en

modo alguno a los estudiantes universitarios, aunque actualmente
son sus más fervientes seguidores”, escribe Calvin Tomkins en un
perfil que le dedica la revista The New Yorker en 1966. De hecho,
es fácil reconocer en Fuller (entre cuyos referentes estaban tanto
Einstein como Henry Ford) a un precursor de los emprendedores-
visionarios tan frecuentes hoy en Silicon Valley, como Elon
Musk, un hombre excéntrico, de ideas excéntricas que a veces
logra llevar a cabo. De hecho, Steve Jobs fue uno de los hippies
contraculturales que, en la época, tomaron a Bucky como
referencia.
 Fuller observa cómo un
helicóptero de la marina estadounidense eleva su cúpula geodésica en Orphan´s Hil. |FUNDACIÓN
TELEFÓNICA

“Fuller funcionó como un enlace entre dos tiempos: por un lado, el

mundo de la posguerra y, por otro, el de la contracultura que acaba
desembocando en el mito de Silicon Valley, en el movimiento
hippie y la cultura digital”, explica De Vicente. Es extraño ver a
un señor de aspecto tan sobrio y convencional convertido en un
icono contracultural, pero él aceptó su nuevo estatus de buen
grado. Si bien Fuller había trabajado para el gobierno y los
militares, en las comunas hippies también se empezaron a levantar
cúpulas geodésicas.
“La filosofía do it yourself entronca perfectamente con la idea
fulleriana de que cualquiera puede cambiar el mundo utilizando lo
que tiene a mano”, apunta Pera. Pero no todas sus aportaciones
fueron positivas, según opina De Vicente: “El mundo de hoy es
fulleriano para bien o para mal: creía en la tecnología por encima
de la política, que despreciaba, y, de alguna manera, propiciaba el
determinismo tecnológico”. Una semilla que ha germinado,
precisamente, en lugares como Silicon Valley. El open source, o
el código abierto, tampoco sería del gusto de Fuller, defensor
acérrimo de las patentes.

La vida de Fuller está muy bien documentada gracias a uno de sus

proyectos de proporciones épicas: el Dymaxion Chronofile. Desde
1917, con solo 22 años, hasta su muerte en 1983, Fuller
coleccionó todos y cada uno de los papeles que pasaban por sus
manos (cartas, dibujos, notas, planos, folletos, recortes de prensa y
hasta billetes de avión o tren), hasta recopilar unos 140.000
documentos que se guardan en la Universidad de Stanford. Lo que
resulta es una detallada radiografía de su peripecia vital y de su
pensamiento. Quizás sabía que esto era importante para mantener
el mito a través del tiempo.
 Las Pirámides de Amsterdam, 2006

La posmodernidad en arquitectura, después de haber sido un movimiento artístico

teorizado por Charles Jencks y Robert Venturi, se ha convertido en un movimiento
arquitectónico cuya influencia sigue estando muy presente en la arquitectura y arte en
general de hoy en día.

Los orígenes de la arquitectura posmoderna en los Estados Unidos surgieron a finales de

los años 70, para luego extenderse al resto del mundo, siendo este el estilo dominante en
las ciudades de juego y ocio como lo es en Las Vegas, Dubai, o el distrito de Val d'Europe
cerca de Disneylandia. 

Para escapar de la situación engorrosa y demasiado grave de los principios de la

arquitectura posmoderna oficiales de la ideología del Modernismo, los arquitectos
posmodernistas trataron de restablecer una convivencia con el público, tomando
voluntariamente caminos humorísticos o los resortes del juego de la mente. 

Este impulso posmoderno hacia el público también se expresó en una superabundancia

de referencias a clichés populares sobre los estilos arquitectónicos antiguos,
preferentemente los que fueron desterrados por la arquitectura moderna.
La arquitectura posmoderna también se define como "neo-ecléctica" en la que la
referencia y la ornamentación vuelven a la fachada, reemplazando los estilos modernos
agresivos sin ornamentación. El eclecticismo se combina con el uso de ángulos no
ortogonales y superficies inusuales. 

Los aspectos mas importantes en este ámbito son la Nueva Galería Estatal de James
Stirling en Stuttgart y la Piazza d'Italia de Charles Willard Moore. El Edificio del Parlamento
Escocés en Edimburgo ha sido citado igualmente como una tendencia de la arquitectura
postmoderna.

¿Qué es la arquitectura posmoderna?

El movimiento arquitectónico de la arquitectura posmoderna es un estilo ecléctico y
colorido de la arquitectura y las artes decorativas que apareció a finales de la década de
1970 y continúa de alguna manera hoy en día.

La arquitectura posmoderna y tardomoderna fue un movimiento internacional que se

centró en el diseño de libre pensamiento con consideración conceptual del entorno.

Estas consideraciones incluían la integración del diseño de los edificios adyacentes en

nuevas estructuras posmodernas, de manera que tuvieran un elemento de cohesión sin
dejar de tener impacto. Esta cuidadosa consideración puede verse en la Neue
Staatsgalerie de James Stirling y Michael Wilford, que fusionaron elementos
neoclásicos con un toque de llama posmoderna. 

Mientras que los edificios posmodernos estaban destinados a servir una función como

con el modernismo, el arte y arquitectura posmoderna fomentaba la creatividad y se
alejaba de las rígidas reglas de los ideales modernos que dictaban la simplicidad, la
abstracción y las propuestas posmodernas en los ámbitos sociales, políticos, artísticos y
arquitectónicos en formas simples. 

Mezclando una variedad de motivos y elementos arquitectónicos del movimiento de las

Artes y Oficios, el clasicismo, el neoclasicismo y muchos otros estilos arquitectónicos,
la arquitectura posmoderna buscaba crear edificios que no sólo honraran su historia local,
sino que también tuvieran un atractivo visual único. 

Una de las principales críticas a la arquitectura posmoderna es que la obra no se integra

plenamente con su entorno, ya que los arquitectos rara vez diseñaron edificios para
trabajar en cohesión con las estructuras cercanas. 

Esta siguió siendo una razón por la que muchos se abstuvieron de celebrar el trabajo
posmoderno; sin embargo, la idea de lo que constituía un diseño aceptable comenzó a
cambiar con el tiempo. Con el tiempo, la arquitectura posmoderna pdf comenzó a
arraigarse, y los ideales cosmopolitas del movimiento se promocionaron como los que
celebraban el futuro, en lugar de rendir homenaje al pasado. Este cambio en la opinión
pública ayudó a impulsar el posmodernismo en un fenómeno generalizado. 

¿Cómo surgió la arquitectura posmoderna?

La arquitectura de la era postmoderna comenzó a ser conocida por Charles Jencks, quien
le dio este nombre. En este sentido, se puede decir que el propio Jencks es un pionero en
cuanto a la denominación de la arquitectura posmoderna latinoamericana. 

A través de su libro el lenguaje de la arquitectura posmoderna (publicado en 1980),

comenta que hay un conjunto de características que influyen en la forma en que se
produce, las cuales son: la similitud con las envolventes y flexibilidades plásticas curvas
que son fácilmente concebibles en el Barroco, los tratamientos de orden brutalista, el uso
de hormigón aparente, entre otros.

Al igual que Charles Jencks, Robert Venturi estaba al frente de este movimiento
posmoderno. Y que en su libro Complejidad y Contradicción en la Arquitectura, jugó un
papel fundamental en la apertura de los lectores a nuevas formas de pensar en los
edificios, puesto que se basaba en toda la historia de la arquitectura, tanto estilística
como vernácula en la que atacaba al modernismo funcional excesivamente simplista.

También menciona, en cuanto a las características de la arquitectura postmoderna, el

renacimiento historicista, es decir, la intención de reinterpretar los estilos que ya se habían
producido en algún momento de la historia de la arquitectura para volver a utilizarlos en
una época más actual.

La arquitectura posmoderna individualista surgió como una reacción al Modernismo, al

Movimiento Moderno y a los dogmas asociados a él. En la década de 1970 el modernismo
había empezado a parecer elitista y exclusivo, a pesar de sus intenciones democráticas. El
fracaso de los métodos y materiales de construcción en la arquitectura
posmoderna (demostrado en el derrumbe de Ronan Point, un bloque de torres en el este
de Londres en 1968) y la alienación de las urbanizaciones fue el centro de atención de los
arquitectos y los críticos a principios de los años setenta. 

El lenguaje de la arquitectura posmoderna tiene su origen en la carencia constatada de

la arquitectura moderna. Su preocupación por el funcionalismo y la construcción
económica significaron que se eliminaran los adornos y los edificios estaban cubiertos de
una apariencia racional y austera. Muchos consideraron a las construcciones no para
satisfacer la necesidad humana para la comodidad tanto para el cuerpo como para la
vista, que el modernismo no tuvo en cuenta el deseo de belleza. 

El problema se agravó cuando algunos bloques de apartamentos ya monótonos

degeneraron en barrios marginales. En respuesta, los arquitectos buscaron reintroducir
ornamentación, color, decoración y escala humana en los edificios. La forma ya no se
define únicamente por sus requisitos funcionales o por la mas mínima apariencia.

El surgimiento y la proliferación del posmodernismo fue una respuesta directa al auge de

los movimientos artísticos como el modernismo, un estilo que desalentó el uso de
referencias históricas en la arquitectura. 

A medida que el modernismo crecía en popularidad, las estructuras notables de las

principales ciudades fueron sometidas a extensas renovaciones. Esto dio lugar a que los
edificios históricos fueran demolidos y sustituidos por versiones de estilo que no tenían en
cuenta las características artísticas de los edificios circundantes. 

En la década de 1960, los arquitectos posmodernos comenzaron a luchar contra la

desaparición de la historia y la cultura que veían tener lugar en zonas como Nueva York y
Chicago. Como explican Denise Scott Brown y Robert Venturi en su libro, Learning From
Las Vegas, "Los artistas posmodernos crearon un movimiento ecléctico que representaba
plenamente el paisaje en constante cambio del mundo moderno actual". 

Arquitectos posmodernos
Algunos de los arquitectos más conocidos e importantes del movimiento postmoderno
son:

 Philip Johnson
 Edward Jones
 Hans Kollhoff
 Ricardo Legorreta
 Ernst Lohse
 Charles Moore
 William Pedersen
 César Pelli
 Boris Podrecca
 John C. Portman Jr.
 Paolo Portoghesi
 Antoine Predock
 Kevin Roche

Arquitectura posmoderna en México

En México, la arquitectura del posmodernismo surgió en los años 50 como oposición al
movimiento moderno. Algunos de los aspectos que defendió fueron la ambigüedad, la
ironía, la complejidad, la diversidad de estilos, la recuperación histórica, etc. 

Sus características principales consisten en el intento de recuperar la referencia, el

ornamento, el ingenio, buscan eliminar las formas puras o limpias, también buscan la
monumentalidad en la riqueza visual de las formas.

Los estilos o corrientes que se introducen en el Postmodernismo son, entre otros:

Neohistoricismo, Neoclasicismo, Neocolonial, Tardomodernismo y el Brutalismo.
 Características de la arquitectura posmoderna
Con tantas variaciones de los edificios de arquitectura posmoderna, el criterio de lo que
define el trabajo posmoderno es ligeramente borroso. La historiadora Mary McLeod
definió el movimiento como "un deseo de hacer de la arquitectura un vehículo de
expresión cultural". Los aspectos estéticos de la arquitectura posmoderna abandonaron
la idea de adherirse a un conjunto específico de reglas y en su lugar animó a los artistas a
ser creativos y a adornar sus diseños. 

Contradicción 
En respuesta directa a las técnicas sofocantes del diseño moderno incluyendo el diseño
simplista y las formas geométricas, el posmodernismo en la arquitectura fue una
contradicción de todos los movimientos que le precedieron tomando inspiración de una
amplia gama de culturas y elementos de diseño para crear obras que nunca antes se
habían visto. En el caso del Humana Building de Louisville, Kentucky, el diseñador Michael
Graves integró técnicas de una variedad de movimientos para hacer una declaración
sobre la preservación de la historia, a la vez que fomentaba un enfoque progresivo del
diseño. 

Asimetría
La asimetría en la arquitectura posmoderna slideshare fue un pilar del movimiento
posmoderno debido a su capacidad de captar la atención y crear edificios únicos que se
destacaban. Pilares inclinados, muros y estructuras contrastantes eran comunes en las
obras posmodernas y ofrecían una nueva perspectiva de lo que significaba ser un edificio
funcional. La yuxtaposición de estos ángulos y líneas cautivó a las audiencias y ayudó a
establecer la conclusión del posmodernismo arquitectura como un movimiento para
observar. El Museo Groninger muestra esta asimetría a través de su uso de formas,
colores y medios variados en cada uno de sus tres pabellones principales. 

Humor
Tanto el humor como el campamento, un movimiento irónico de arte ostentoso que se
percibía como bello, se usaron indistintamente a lo largo de la era posmoderna,
particularmente en los Estados Unidos. Y mientras que el movimiento posmoderno
comenzó como una rebelión contra la rigidez del modernismo, el trabajo posmoderno de
campo llevó la rebelión a nuevos niveles. 
Los edificios teatrales, como el Hotel Dolphin (1987) en el Walt Disney World Resort en
Orlando, Florida, fueron famosos por su uso del humor y la indulgencia. Al llegar a los
extremos de cómo podría ser un edificio, los arquitectos del campamento desafiaron la
formalidad y fomentaron la creatividad en nuevas construcciones y diseños. 

Fragmentación
Los arquitectos posmodernos eran conocidos por crear edificios fragmentados que, si bien
estaban conectados como un solo edificio, adoptaban la apariencia de varios edificios
diferentes que cumplían diversas funciones. 

Esto se ejemplifica en el Museo Guggenheim Bilbao, ya que el titanio, el medio utilizado

para crear esta obra, cambia de color dependiendo de la luz circundante. Esto ayudó a dar
nueva vida al edificio dependiendo de la hora del día en que se ve la estructura, ofreciendo
una estética totalmente diferente a la luz del día que a la de la noche. 

Complejidad arquitectónica posmodernista

La complejidad puede ser usada para describir todas las obras de arquitectura
posmoderna, ya que la integración de una variedad de colores, texturas, formas y temas
construyen el marco de estos edificios únicos. La complejidad fue utilizada para alejarse
de la uniformidad del modernismo y establecer un nuevo estilo de diseño. La Casa de
Baile de Frank Gehry es el ejemplo perfecto de complejidad en la arquitectura
posmoderna historicista; el uso de diversos medios y líneas ayudó a crear una estructura
de otro mundo. 

Objetivos del posmodernismo

Los objetivos de la arquitectura posmoderna, incluyendo la resolución de los problemas
de la modernidad, la comunicación de significados con ambigüedad, y la sensibilidad al
contexto de la construcción, están curiosamente unidos por un período de edificios
diseñados por arquitectos que nunca colaboraron mucho entre sí. 

Los objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones que pueden
ser ilustradas por los diversos edificios creados durante este movimiento. Las
características del posmodernismo permiten que su propósito se exprese de varias
maneras. 
Entre estas características se encuentran el uso de formas escultóricas, la ornamentación,
el antropomorfismo y los materiales de trampantojo. Estas características de significado
son el pluralismo, la doble codificación, los contrafuertes volantes y los techos altos, la
ironía y la paradoja, y el contextualismo.

ARQUITECTOS REPRESENTATIVOS DEL PLURALISMO

MODERNO.

otto von spreckelsen

NACIMIENTO: 4 de mayo de 1929. NACIONALIDAD: DANES.
UNIVERSIDAD: REAL ACADEMIA DE bELLAS ARTES DE
DINAMARCA, VIbORg kATEDRALSkOLE. LIbROS: LA gRANDE
ARChE: OTTO VON SPREkELSEN, PAUL ANDREU.

EN 1982 gANÓ EL CONCURSO PROMOVIDO POR INICIATIVA

DEL PRESIDENTE FRANçOIS MITTERRAND PARA LA
CONSTRUCCIÓN DE LA FUTURA gRANDE ARChE EN PARíS.

DISTINCIONES:

PREMIO DE ARqUITECTURA NYkREDIT (1989)

APORTES Y PRINCIPIOS
DESTACADO PAISAJISTA.

LA ARQUITECTURA COMO UNA FORMA DIVERSA.

EN VARIAS DE SUS OBRAS SE EVIDENICA LA BUSQUEDA DE LA

PUREZA FORMAL.

RELACIÓN DEL ENTORNO CON LA OBRA ARQUITECTONICA.

LA SIMETRÍA SIRVE COMO PRINCIPIO DE ORDENAMIENTO A

ESTA VERSIÓN MODERNA Y MONUMENTAL.

SU ESPECIAL INTERÉS POR LA ARQUITECTURA MONUMENTAL

LE PERMITIÓ PROYECTAR ALGUNAS DE LAS IGLESIAS
DANESAS, COMO LA DE VANGEDE, AL NORTE DE
COPENHAGUE, EN 1974 Y LA DE STAVNSHOLT, EN FARUM, EN
1981.

LOCALIZACIÓN: PARÍS, FRANCIA.

ARCO DE LA DEFENSA
LÓPEZ, FUENTE, ARCHIDALY, ARCO DE LA DEFENSA, 2020

OBRAS SPRECKELSEN
Otto Von Spreckelsen ideó este arco monumental de acero y
vidrio respondiendo a la idea de prolongar el eje histórico de
8km que, tras nacer en el Museo del Louvre, continúa por el
famoso Jardín des Tuileries, el Obelisco, la Avenida de los
Campos Elíseos, y el Arco de Triunfo, para culminar en La
Défense. La explanada peatonal también conocida como “Le
Parvis” nos permite recorrer el entorno y poder admirar
numerosas plazas, fuentes, jardines y obras de arte entre las
que destacan “Stabile” de Alexander Calder o “Le Pouce” de
César Baldaccini, lo que lo convierte en un gran museo al aire
libre.

FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS

OBRAS
IGLESIA DE VANGEDE
IGLESIA SKT. NIKOLAJ IGLESIA DE STAVNSHOLT
CONCLUSIÓN
OTTO VON SPRECKELSEN CON SU ARQUITECTURA
TRANSENDETAL DEJA COMO ENSEÑANZA LA IDEA DE UNA
ARQUITECTURA MONUMENTAL PERO MODERNA, CAPAZ DE
DEJAR HUELLA Y MARCAR TENDENCIA TAL COMO LO HIZO EN
EL ARCO DE LA DEFENSA EN PARIS, CON UNFA FORMA Y UN
COLOR PURO, PERO CON MATERIALES MODENROS Y
CONCEPTOS QUE SIMBOLIZAN EL LA INGENIERIA DEL PODER
Y DE LA INDUSTRIA FRANCESA.

JEAN NOUVEL
NACIMIENTO: 12 de agosto de 1945. NACIONALIDAD: Francesa.
ESTUDIÓN EN : Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de
París. PAGINA WEB: http://www.jeannouvel. com/.

DISTINCIONES:

gRADO hONORARIO DE LA UNIVERSIDAD DE bUENOS AIRES

(1983) EL COLEgIO REAL DE ARTE, LONDRES (2002) Y LA
UNIVERSIDAD DE NáPOLES (2002). PREMIO AgA khAN DE
ARqUITECTURA POR EL INSTITUTO DEL MUNDO áRAbE (1989)
MENCIÓN hONORARIA DEL INSTITUTO AMERICANO DE
ARqUITECTOS (1993) Y DEL INSTITUTO REAL DE ARqUITECTOS
bRITáNICOS (1995). NOUVEL FUE NOMbRADO COMANDANTE
DE LA ORDEN DE ARTES Y LETRAS. Y TAMbIéN ES CAbALLERO
DE LA LEgIÓN DE hONOR. (1997) PREMIO wOLF (2005) PREMIO
PRITzkER (2008)
APORTES Y PRINCIPIOS
“EL TRABAJO DEL ARQUITECTO ES INTERPRETAR
LOS CAMBIOS TÉCNICOS, CULTURALES Y SOCIALES
DE LA ÉPOCA EN QUE VIVIMOS Y EXPRESAR
POÉTICAMENTE LA BÚSQUEDA DE LA LIBERTAD.”
MEDIANTE REFLEXIÓN O TRANSPARENCIA, NOUVEL
EXPERIMENTA Y GENERA NUEVAS EXPERIENCIAS CON 183 LA
LUZ A DIFERENTES ESCALAS.

TENDECIAS EN LAS CUALES ESTE LENGUAJE TECNOLOGÍCO

ABANDONA EL CONDICIONANTE DE LA ESTRCTA
RACIONALIDAD PARA EXPLORAR CAMPOS FORMALES
BASADOS EN LA EVOCACIÓN O EN LA PROXIMIDAD A OTRAS
ARTES.
LOCALIZACIÓN: ABU DHABI - EMIRATOS ÁRABES UNIDOS.
LOUVRE ABU DHABI

El arquitecto ganador del premio Pritzker, Jean Nouvel, se

inspiró en la tradición y en la cultura arquitectónica árabe para
diseñar el concepto del Louvre de Abu Dhabi. Tomando un
enfoque contextual del sitio, Nouvel diseña el proyecto como
una “ciudad-museo” en el mar. Su contrastante serie de
edificios blancos se inspira en la medina y en los asentamientos
árabes bajos. Un total de 55 edificios individuales, incluyendo
23 galerías, conforman este ciudad museo.
OBRAS JEAN NOUVEL
LÓPEZ, FUENTE, ARCHIDALY, LOUVRE ABU DHABI, 2020

FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS

OBRAS
NUEVA FILARMONICA DE PARIS
TOUR HEKLA
NATIONAL MUSEUM OF QATAR

CONCLUSIÓN
LA OBRA Y SU ARQUITECTURA TIENE BASES EN SUS
ORIGENES, EN SU MODO PARTICULAR DE CONSTRUCCIÓN.
JEAN NOUVEL MUESTRA LA IMPORTANCIA DE LA
TRANSMICIÓN DE SENSACIONES CON EL FIN DE GENERAR UN
IMPACTO COTIDIANO EN LA VIDA DEL SER HUMANO, EL
JUEGO DE LA LUZ Y LA SOMBRA SON UN ELEMENTO
DESTACABLE DE SU ARQUITECTURA QUE VALE LA PENA
MENCIONAR.

REM KOOLHAS
NACIMIENTO: 17 de noviembre de 1944. NACIONALIDAD:
Neerlandesa. ESTUDIÓN EN : Architectural Association de
Londres. PAGINA WEB: https://oma.eu/partners/ rem-koolhaas.
DISTINCIONES:

PREMIO PRITzkER (2000) PRAEMIUM IMPERIALE (2003)

MEDALLA DE ORO DEL RIbA (2004) PREMIO DE
ARqUITECTURA CONTEMPORáNEA MIES VAN DER ROhE (2005)
DOCTOR hONORIS CAUSA POR LA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE
LOVAINA, béLgICA (2007)
APORTES Y PRINCIPIOS
LIBERTAD EN SUS MODELOS.

ARQUITECTURA DE LO ESENCIAL CON IDEAS CREATIVAS.

GUSTO AL FUTURO Y CON ESTRECHA COMUNICACIÓN CON SU

RITMO ACELERADO, Y SUS CAMBIANTES CONFIGURACIONES.

PROYECTA EDIFICIOS DE CLARA CONSISTENCIA FÍSICA, EN

LOS QUE LA MASA ADQUIERE UN CARÁCTER PREDOMINANTE.

EN SUS PROYECTOS SE DEJA SENTIR LA INTENSIDAD DE UN

PENSAMIENTO QUE DA CUERPO AL ARMAZÓN.
La Casa da Musica es la nueva sede de la Orquesta Nacional de
Porto, se encuentra en una nueva plaza pública en la histórica
Rotunda da Boavista. Tiene una distintiva forma facetada
construída en hormigón blanco, ha logrado mantiener una
apariencia sólida y creíble en una época de demasiados íconos
arquitectónicos.
LOCALIZACIÓN: OPORTO, PORTUGAL.

CASA DA MUSICA
OBRAS REM KOOLHAAS

EN OPORTO En su interior, se eleva el Gran Auditorio de 1.300

asientos, con la tradicional forma de “caja de zapatos”. Tiene
fachadas de vidrio corrugado en ambos extremos, abriendo el
hall de conciertos a la ciudad, y convirtiendo a Porto en un
dramático telón para las actuaciones. La Casa da Musica revela
su programa sin la necesidad de ser didáctico; al mismo tiempo,
proyecta la ciudad bajo una nueva luz.
LÓPEZ, FUENTE, WIKIARQUITECTURA, CASA DE MUSICA EN
OPORTO, 2020.

FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS

OBRAS
VILLA DALL’AVA
MCCORMICK TRIBUNE CAMPUS CENTER DE ROTTERDAM

CONCLUSIÓN
REM KOOLHAAS BUSCA LA EXPRESIVIDAD, LA SINGULARIDAD
Y LA ALEATORIDAD. RECHAZA EL FUNCIONALISMO, SUS
GUSTOS SE DAN HACIA LAS FORMAS ABTRACTAS, ES UN
ARQUITECTO QUE CONSTANTEMENTE ESTA INNOVANDO Y
ESTA SORPRENDIENDO CON SUS DISEÑOS ARQUITECTONICOS
REPRESENTABLES DEL ESTILO DECONSTRUCTIVISTA.

fumihiko maki
NACIMIENTO: 6 de septiembre de 1928. NACIONALIDAD:
Japones. ESTUDIÓN EN : UNIVERSIDAD DE TOkIO, hARVARD
gRADUATE SChOOL OF DESIgN, UNIVERSIDAD DE hARVARD,
CRANbROOk ACADEMY OF ART, kEIO FUTSUbU SChOOL.
MIEMBRO DE: ACADEMIA ESTADOUNIDENSE DE LAS ARTES Y
LAS CIENCIAS, ACADEMIA ESTADOUNIDENSE DE LAS ARTES Y
LAS LETRAS.

“CUANDO UNA ExPERIENCIA ESPACIAL SIgNIFICATIVA ES

COMPARTIDA POR UN NúMERO DE PERSONAS, ESTA ES LA
géNESIS DE UN ESPACIO PúbLICO. ”

DISTINCIONES:

FELLOw OF ThE AMERICAN ACADEMY OF ARTS AND SCIENCES

AUgUSTE PERRET PRIzE (1963) wOLF PRIzE IN ARChITECTURE
(1988) PREMIO PRITzkER (1993) PRAEMIUM IMPERIALE (1999)
PERSONA DE MéRITO CULTURAL (2013)
APORTES Y PRINCIPIOS
SUSTENTADOR DEL METABOLISMO ARQUITECTONICO.

SUS DISEÑOS CONSTRUIDOS SE ACERCAN MÁS AL

ECLECTICISMO Y AL DECOSTRUCTIVISMO QUE A LAS FORMAS
TÍPICAS DEL MOVIMIENTO METABOLISTA.

ES CONOCIDO POR LA COMBINACIÓN 189 CASI PERFECTA

ENTRE LAS CULTURAS ORIENTAL Y OCCIDENTAL, CON UNA
LABOR QUE VALORA Y CONSERVA LOS PILARES SECULARES
ASIÁTICOS Y LE INCLUYE MÉTODOS DE CONSTRUCCIÓN
CONTEMPORÁNEOS Y MATERIALES DE ÚLTIMA GENERACIÓN.

LOCALIZACIÓN: SHENZHEN SHI, CHINA.

CENTRO DE ARTE Y CULTURA DEL MUNDO MARINO
DE SHENZHEN
La forma del edificio sigue una composición de dos partes: un
podio y un pabellón. El podio escultórico, revestido en granito
blanco y verde, alberga las funciones del museo y la venta al
por menor. El pabellón consta de tres volúmenes en voladizo
que sobresalen de la ciudad/montaña circundante, el parque y
el mar.
LÓPEZ, FUENTE, ARCHIDALY, CENTRO DE ARTE Y CULTURA
DEL MUNDO MARINO DE SHENZHEN, 2020

OBRAS FUMIHIKO MAKI

Los tres volúmenes albergan un teatro, un restaurante y un
salón de usos múltiples. El teatro está rodeado por una doble
piel con persianas exteriores, que permiten vistas de la ciudad
y la montaña desde el interior.
FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS
OBRAS
POLITÉCNICO DE LA REPÚBLICA EN SINGAPUR
FOUR WORLD TRADE CENTER
GIMNASIO MUNICIPAL DE FUJISAWA

CONCLUSIÓN
ARQUITECTO RECONOCIDO POR EL USO DE LA LUZ YA QUE EN
CADA EDIFICIO LA COMBINA DE MANERA QUE LA
TRANSPARECNDIA, TRANSLUCIDEZ Y OPACIDAD REDUCEN EN
LA ARMONIA TOTAL.

MAKI RESALTA LA IMPORTANCIA DEL USUARIO EN TODA LA

OBRA ARQUITECTONICA, EL USUARIO Y SU EXPERIENCIA
FORMAL CON EL EDIFICIO GENERA UNOS VALORES
AGRAGADOS A LA PROYECCIÓN DEL DISEÑO.

kazuo shinohara
NACIMIENTO: 2 de abril de 1925. NACIONALIDAD:
Japones. ESTUDIÓN EN : Instituto Tecnológico de
Tokio.
LIBROS:

kAzUO ShINOhARA: wORkS AND PROJECTS. STREET wITh

hUMAN ShADOwS : SELECTED wORkS.

DISTINCIONES:
MEDALLA DE hONOR DE CINTA PúRPURA PREMIO DEL
INSTITUTO DE ARqUITECTURA PÓN (AIJ) EN (2005)

DE JA-

APORTES Y PRINCIPIOS
METABOLISMO ARQUITECTONICO.

ABTRACCIÓN DE LA TRADICIÓNJAPONESA.

REFLEXIONES ARQUITECTONICAS GIRAN ALREDEDOR DE LA

IDEA DE LA DOMESTICIDAD.
INFLUENCIA DEL ARTE DEL SURREALISMO, DE LA
LITERATURA JAPONESA Y DEL MOVIMIENTO MODERNO.

SU TRABAJO GENERALMENTE SE CLASIFICA COMO DE

FUERTES CUALIDADES DE LUCIDEZ Y EFÍMERO Y, POR ESTAS
RAZONES, A MENUDO SE LO CONSIDERA IDEOLÓGICAMENTE
INFLUYENTE EN EL TRABAJO DE TOYO ITO.

OBRAS KAZUO SHINOHARA

LOCALIZACIÓN: TOKIO, JAPON. LÓPEZ, FUENTE,
EDIPROYECTOS, CASA EN UNA CURVA, 2020.
CASA EN UNA CURVA
La Casa en una curva se presenta como un interior horadado y
atravesado por grandes elementos estructurales, que tienen la
capacidad de borrar cualquier sentimiento interior tradicional
de casa. Es como si la vivienda (el capullo) se construyera en
torno a la “infraestructura” (los pilares y vigas que lo
atraviesan). La vivienda cuenta con un sótano y tres plantas
sobre la rasante.
FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS
OBRAS
KUGAYAMA HOUSE

CASA EN ASHITAKA
CONCLUSIÓN
KAZUO SHINOHARA ARQUITECTO CARACTERISTICO POR LA
GEOMETRIA PURA QUE USA EN SUS OBRAS.

SU FILOSOFIA ENTORNO AL SIGNIFICADO DE LA PALABRA

DOMESTICIDAD SE VE REFLEJADO EN LOS DISEÑOS DE
VARIAS CASAS A LO LARGO DE SU VIDA, CASAS CON
ELEMENTOS REPRESENTATIVOS COMO ES EL USO DE LA LUZ,
DE LOS ELEMENTOS ESTRUCTURALES, ENTRE OTROS.

kazuyo sejima
NACIMIENTO: 29 de octubre de 1956. NACIONALIDAD:
Japonesa. ESTUDIÓN EN : UNIVERSIDAD FEMENINA DE JAPÓN.

ALUMNA DE TOYO ITO. PREMIO LEÓN LA bIENAL DE

VENECIA. DE ORO EN

EN EL AñO 2010, kAzUYO SEJIMA FUE LA PRIMERA MUJER

DESIgNADA DIRECTORA DEL SECTOR DE ARqUITECTURA, CON
RESPONSAbILIDAD ESPECíFICA EN EL COMISARIADO DE LA
12ª ExPOSICIÓN INTERNACIONAL DE ARqUITECTURA EN LA
bIENAL DE VENECIA

DISTINCIONES:

PREMIO LEÓN DE ORO EN LA bIENAL DE VENECIA (2004)

PREMIO ARTE DE LA EDUCACIÓN DEL MINISTERIO DE
EDUCACIÓN DE TOkYO (2006) PREMIO DE ARqUITECTURA DE
JAPÓN EN (2010) PREMIO STELLARE EN TURíN, EL PREMIO
ERNA hAMbURgER EN SUIzA Y EL TíTULO OFICIAL DE LA
ORDEN DE LAS ARTES Y LAS LETRAS EN (2009)
APORTES Y PRINCIPIOS
ARQUITECTA DE LA SENCILLEZ.

SU ARQUITECTURA PROPONE HABITAR ENTRE LO MATERIAL

Y LO ABSTRACTO.

UN EDIFICIO TRATA SOBRE SUS DIMENSIONES, PERO

TAMBIÉN DE LOS DETALLES. 195 LO NECESARIO SE IMPONE
PARA LA ARQUITECTA EN DEMANDA DE LO PEQUEÑO Y LO
COTIDIANO.

LAS ATMÓSFERAS ORIENTALES EN SINTONÍA CON

HALLAZGOS Y RE-INTERPRETACIONES DEL DÚO EN RELACIÓN
A LA FORMA MODERNA (ESPECIALMENTE LA MIESIANA) SON
ELEMTOS DE SU ESTUDIO.

LOCALIZACIÓN: NEW YORK, ESTADOS UNIDOS.

NUEVO MUSEO DE ARTE
CONTEMPORANEO EN NEW YORK
SANAA diseñó el interior para ser llamativo pero discreto, para
que la arquitectura no abrumara sino que completara el arte.
Además, los arquitectos escogieron exponer las entrañas del
edificio para que encajaran con los negocios de trabajo diario
en Bowery.
La arquitecta Sejima relata que su estudio ha querido lograr
establecer una relación entre el edificio, el museo, la calle
Bowery y la ciudad de Nueva York.
La idea es que se convierta tanto en un espacio que albergue
arte de hoy, como que también sirva de incubadora para
nuevas ideas para los artistas que se proyectan hacia el futuro.

LÓPEZ, FUENTE, ARCHIDALY, NUEVO MUSEO DE ARTE

CONTEMPORANEO EN NEW TORK, 2020

OBRAS KAZUYO SEJIMA

FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS

OBRAS
21ST CENTURY MUSEUM OF CONTEMPORARY ART KANAZAWA
GLASS PAVILION

CENTRO DE APRENDIZAJE ROLEX

CONCLUSIÓN
ARQUITECTA CON UN LEGUAJE FORMAL, CARACTERISTICA
POR EL USO DEL COLOR BLANCO EN SUS OBRAS
ARQUITECTONICAS Y POR LOS ELEMENTOS NATURALES QUE
TRANSPASAN A ELLAS, COMO EL USO DE LA LUZ.

ES IMPORTANTE TENER ENCUENTA LAS ATMOSFERAS QUE LA

ARQUITECTURA CREA EN SU ENTORNO YA QUE DE ESTO
RADICAN CIERTOS IMPACTOS TANTO POSTIVOS Y MALOS.

WANG SHU
NACIMIENTO: 4 de noviembre de 1963.
NACIONALIDAD: Chino. ESTUDIÓN EN : ISoutheast
University.
DISTINCIONES:
PRIMER PREMIO DE ARTE DE LA ARqUITECTURA, ChINA (2004)
PREMIO DE RECONOCIMIENTO DE ASIA Y EL PACíFICO DE
hOLCIM , FUNDACIÓN hOLCIM PARA LA ARqUITECTURA
SOSTENIbLE (2006) PRIMER PREMIO “PARA UNA
ARqUITECTURA SOSTENIbLE DE 2007,” CIUDAD DE LA
ARqUITECTURA Y EL PATRIMONIO, PALACIO DE ChAILLOT, DE
PARíS (2007) NOMINADO AL MEJOR RASCACIELOS
INTERNACIONAL, FRANkFURT, ALEMANIA (2008) MENCIÓN
ESPECIAL DEL JURADO AL ESTUDIO “AMATEUR
ARChITECTURE STUDIO” POR “DECAY OF A DOME” EN LA
DECIMOSEgUNDA ExPOSICIÓN INTERNACIONAL DE
ARqUITECTURA DE VENECIA. (2010) PREMIO PRITzkER DE
ARqUITECTURA. (2011)
APORTES Y PRINCIPIOS
SU PROPUESTA SE CARACTERIZA POR LA BÚSQUEDA DE
ELEMENTOS ESTÉTICOS EN LA CULTURA TRADICIONAL CHINA
Y LA CONSTANTE IMPROVISACIÓN EN EL PROCESO CREATIVO.

LA RENOVACIÓN DE LA ARQUITECTURA MEDIANTE EL

EJERCICIO DE LA ESPONTANEIDAD, EL RESPETO A LA
TRADICIÓN CONSTRUCTIVA ARTESANAL Y LA HISTORIA.
“CREEMOS QUE UNA SOCIEDAD QUE ES BUENA PARA QUE LA
GENTE VIVA EN ELLA COMIENZA DESDE LA BASE. LA
CULTURA REAL COMIENZA DESDE LA BASE” .

PERTENECIENTE AL NUEVO MOVIMIENTO DE LOS

ORGANISMOS MODERNOS EN CHINA. ESTE MOVIMIENTO, EN
COMPARACIÓN CON EL TRADICIONALISMO ARQUITECTÓNICO
CHINO, SUPONE UNA NUEVA PRÁCTICA CREATIVA Y CRÍTICA
DE LA PROFESIÓN DE LA ARQUITECTURA.

El aspecto del edificio no sólo deriva de la colina y el valle, sino

que también incluye diversos cambios leves de inclinación que
lleva a los visitantes a asociar el edificio con el espacio y la
escala de los pueblos tradicionales de Ningbo.
LÓPEZ, FUENTE, ARCHIDALY, MUSEO HISTÓRICO DE NINGBO,
2020. LOCALIZACIÓN: NINGBO, ZHEJIANG, CHINA.

MUSEO HISTÓRICO

DE NINGBO En el concepto de diseño, el arquitecto Wang Shu

combinó el paisaje duro de montaña con la suavidad del agua y
el océano, contemplando el importante papel que el Mar
Oriental de China ha desempeñado en la historia de Ningbo e
integrando las características de las viviendas de Jiangnan con
las decoraciones de azulejos y bambú.
OBRAS WANG SHU
FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS
OBRAS
CALLE ZHONGSHAN, HANGZHOU CHINA
NUEVO CAMPUS DE LA UNIVERSIDAD DE ARTE DE CHINA
HANGZHOU CERAMIC HOUSE

CONCLUSIÓN
A LO LARGO DE LOS AÑOS, LA ACTUALIZACIÓN QUE SE HABIA
REALIZADO EN CHINA, HA MODERNIZADO Y MEJORADO
SIGNIFICATIVAMENTE EL ESTILO DE VIDA DE LAS PERSONAS
DEL PAIS, EL ARQUITECTO WHAN SHU DECIDIÓ APROVECHAR
LA OPORTUNIDAD DE INNOVAR ESTE PAIS CON FORMAS
PURAS Y ESPONTANEAS GENERANDO EQUIPAMENTOS QUE
INTEGRAN EL USURIO CON CONCEPTOS DE MEMORIA Y
ESPACIOS.

eduardo souto de moura

NACIMIENTO: 25 de julio de 1952. NACIONALIDAD: Portuges.
ESTUDIÓN EN : UNIVERSIDAD DE OPORTO. MIEMBRO DE:
ACADEMIA DE LAS ARTES DE bERLíN, ACADEMIA
ESTADOUNIDENSE DE LAS ARTES Y LAS CIENCIAS.

“CUANDO ERA MáS JOVEN ESTAbA PREOCUPADO POR EL

ESTILO POR LA ELEgANCIA. Y hOY VALORO MáS LA
NATURALIDAD. PARA PODER RESISTIR, PARA qUE LOS
EDIFICIOS PERMANEzCAN, ES IMPORTANTE qUE LAS COSAS SE
VIVAN COMO NATURALES. UN POCO COMO OCURRE CON LOS
ANIMALES, qUE CUANDO NADAN MUChO PIERDEN LAS
MANOS qUE SE TRANSFORMAN EN ALETAS. LA NATURALEzA
RESPONDE SIEMPRE NATURAL, MáS LÓgICA”. DE LA MANERA
MáS

DISTINCIONES:

PREMIO PRITzkER (2011) wOLF PRIzE IN ARTS -

ARChITECTURE (2013)
APORTES Y PRINCIPIOS
FASCINADO POR LA BELLEZA Y LA AUTENTICIDAD DE LOS
MATERIALES.

IMPORTANCIA DEL JUEGO DE LA LUZ Y EL JUEGO DE LOS

PLANOS EN MUCHAS DE SUS OBRAS.
OBRAS CON GRAN POTENCIAL EXPRESIVO Y CAPACIDAD DE
ADAPTACIÓN A LAS DIVERSAS SITUACIONES 201 DE CADA
LUGAR.

TRABAJO DE FORMAS PURAS, CON MATERIALES CRUDOS Y

MACIZOS QUE TRANSMITEN UNA SENSACIÓN DE PESO Y
DENSIDAD.

CONJUGA MUY BIEN AL HORMIGÓN, PIEDRA, MADERA Y

ALUMINIO.

LOCALIZACIÓN: CASCAIS, PORTUGAL.

CASA DAS HISTÓRIAS

PAULA REGO
el edificio hace uso de algunas tipologías propias del lugar pero
reinterpretadas de una manera totalmente contemporánea. La
obra, es rápidamente reconocida gracias a sus dos torres en
forma de pirámide color rojizo, el cual va cubriendo todo el
exterior de la obra.
LÓPEZ, FUENTE, ARCHDAILY, CASA DAS HISTÓRIAS PAULA
REGO, 2020

OBRAS SOITO DE MOURA

Los árboles preexistentes en el terreno fueron considerados
elementos importantes. El edificio varía en sus cuatro lados
tanto en alturas como en tamaños. Eestá subdividido en
espacios que entregan en otros, situándose alrededor de un
espacio central de mayor altura, el cual contiene las
exposiciones.

FOTOGRAFIA DE OTRAS DE SUS

OBRAS
CONVENTO DAS BERNARDAS
CANTAREIRA BUILDING MOURA
ESTADIO MUNICIPAL DE BRAGA, PORTUGAL
CONCLUSIÓN
EDUARDO SOUTO DE MOURA, ES UN ARQUITECTO DESTACADO
POR SU FILOSOFIA DE TRABAJO, UN ARQUITECTO REALISTA
PERO A LA VES SOÑADOR QUE APOYA LA REPARACIÓN, SU
ARQUITECTURA UNA ARQUITECTURA FORMAL Y LA MAYORIA
DE LAS VECES CON UNA GEOMETRIA PURA, QUE SORPRENDE
POR SU ARMONIA, BELLEZA Y SIMPLICIDAD .

“CUANDO ERA MÁS JOVEN ESTABA PREOCUPADO POR EL

ESTILO POR LA ELEGANCIA. Y HOY VALORO MÁS LA
NATURALIDAD. PARA PODER RESISTIR, PARA QUE LOS
EDIFICIOS PERMANEZCAN, ES IMPORTANTE QUE LAS COSAS
SE VIVAN COMO NATURALES. UN POCO COMO OCURRE CON
LOS ANIMALES, QUE CUANDO NADAN MUCHO PIERDEN LAS
MANOS QUE SE TRANSFORMAN EN ALETAS. LA NATURALEZA
RESPONDE SIEMPRE DE LA MANERA MÁS NATURAL, MÁS
LÓGICA.”- EDUARDO SOUTO DE MOURA

“LA ARQUITECTURA ES DONDE LA IMAGINACIÓN ENCUENTRA

VIDA.”- KAZUYO SEJIMA
BIBLIOGRAFIA
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CONTEMPORANEA. IN NASPA JOURNAL (VOL. 42, ISSUE 4).
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TORRES SIAMESAS / ALEJANDRO ARAVENA + RICARDO

TORREJÓN + CHARLES MURRAY + ALFONSO MONTERO” 31
MAY 2006. ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO EL 29 AGO 2020.
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CENTRO DE INNOVACIÓN UC - ANACLETO ANGELINI /

ALEJANDRO ARAVENA | ELEMENTAL” [INNOVATION CENTER
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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: SANGATH / BALKRISHNA

DOSHI” [AD CLASSICS: SANGATH / BALKRISHNA DOSHI] 07
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DANAE) ACCEDIDO EL 29 AGO 2020.
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8914 7 PROYECTOS QUE DEBES CONOCER DEL GANADOR DEL
PREMIO PRITZKER 2018, B.V. DOSHI” [7 PROJECTS YOU NEED
TO KNOW BY 2018 PRITZKER PRIZE WINNER B.V. DOSHI] 07
MAR 2018. ARCHDAILY COLOMBIA. (TRAD. FRANCO, JOSÉ
TOMÁS) ACCEDIDO EL 29 AGO 2020.
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DEBESCONOCER-DEL-GANADOR-DEL-PREMIO-PRITZKER2018-
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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: FACULTAD DE ARQUITECTURA

DE MENDOZA / ENRICO TEDESCHI” 16 ENE 2019. ARCHDAILY
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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: MEDIATECA DE SENDAI / TOYO

ITO” [AD CLASSICS: SENDAI MEDIATHEQUE / TOYO ITO &
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MUSEO MIMESIS / ALVARO SIZA + CASTANHEIRA & BASTAI +

JUN SUNG KIM” [MUSEU MIMESIS / ALVARO SIZA +
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SFMOMA-MUSEO DE ARTE MODERNO EN SAN FRANCISCO -

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MUSEO-DE-AR CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: MUSEO
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SOUTH SOUKS, EL PROYECTO DE RAFAEL MONEO EN BEIRUT

BAJO EL LENTE DE BAHAA GHOUSSAINY” [RAFAEL MONEO’S
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CLÁSICOS DE LA ARQUITECTURA: IGLESIA DE LA LUZ / TADAO

ANDO ARCHITECT & ASSOCIATES” 18 ENE 2011. ARCHDAILY
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DE-LA-ARQUITECTURA-IGLESIA-DE-LA-LUZ-TADAO-ANDO>
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TADAO ANDO Y EL CENTRO ROBERTO GARZA SADA DE ARTE,

ARQUITECTURA Y DISEÑO DE LA UNIVERSIDAD DE
MONTERREY” 12 JUL 2014. ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO
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AD CLASSICS: THE PORTLAND BUILDING / MICHAEL GRAVES”

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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: CASA VANNA VENTURI /
ROBERT VENTURI “ [CASA VANNA VENTURI / ROBERT
VENTURI / IA+B] 19 MAY 2014. ARCHDAILY COLOMBIA. (TRAD.
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AEROPUERTO INTERNACIONAL QUEEN ALIA / FOSTER +

PARTNERS” [QUEEN ALIA INTERNATIONAL AIRPORT / FOSTER
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AEROPUERTO-INTERNACIONAL-QUEEN-ALIA-FOSTER-PLUS-
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FLASHBACK: HEARST TOWER / FOSTER + PARTNERS”

[FLASHBACK: HEARST TOWER / FOSTER + PARTNERS] 25 AGO
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AD CLASSICS: CENTRE CULTUREL JEAN-MARIE TJIBAOU /

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CENTRE-CULTUREL-JEAN-MARIE-TJIBAOU-RENZO-PIANO> ISSN
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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: CENTRE GEORGES POMPIDOU /

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AD CLASSICS: LLOYD’S OF LONDON BUILDING / RICHARD
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CENTRO PANEUM / COOP HIMMELB(L)AU” [PANEUM CENTER /

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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: MUSEO JUDÍO, BERLÍN / DANIEL

LIBENSKIND” 04 SEP 2015. ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO
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CENTRO HEYDAR ALIYEV / ZAHA HADID ARCHITECTS”

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OFICINAS PORTUARIAS DE AMBERES / ZAHA HADID
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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: MUSEO GUGGENHEIM BILBAO /

FRANK GEHRY” [AD CLASSICS: THE GUGGENHEIM MUSEUM
BILBAO / GEHRY PARTNERS] 25 MAR 2015. ARCHDAILY
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CLÁSICOS DE ARQUITECTURA: PARC DE LA VILLETTE /

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COLOMBIA. ACCEDIDO EL 9 NOV 2020.
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DHABI-ATELIERS-JEANNOUVEL> ISSN 0719-8914

CENTRO DE ARTE Y CULTURA DEL MUNDO MARINO DE

SHENZHEN / MAKI AND ASSOCIATES” [SHENZHEN SEA
WORLD CULTURE AND ARTS CENTER / MAKI AND
ASSOCIATES] 23 OCT 2018. ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO
EL 9 NOV 2020. <HTTPS://WWW.ARCHDAILY.CO/CO/904384/
CENTRO-DE-ARTE-Y-CULTURA-DEL-MUNDO-MARINO-DE-
SHENZHEN-MAKI-AND-ASSOCIATES> ISSN 0719-8914

OFICINAS PORTUARIAS DE AMBERES / ZAHA HADID

ARCHITECTS” [ANTWERP PORT HOUSE / ZAHA HADID
ARCHITECTS] 04 OCT 2016. ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO
EL 5 NOV 2020. <HTTPS://
WWW.ARCHDAILY.CO/CO/796543/OFICINAS-PORTUARIAS-DE-
AMBERES-ZAHA-HADID-ARCHITECTS> ISSN 0719-8914

NEW ART MUSEUM / SANAA” [NEW ART MUSEUM / SANAA] 07

JUL 2014. ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO EL 10 NOV 2020.
<HTTPS://WWW.ARCHDAILY.CO/CO/623537/NEW-ART-
MUSEUM-SANAA> ISSN 0719-8914

MUSEO DE HISTORIA EN NINGBO / WANG SHU” 27 FEB 2012.

ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO EL 11 NOV 2020.
<HTTPS://WWW.ARCHDAILY. CO/CO/02-16156/MUSEO-
HISTORICO-DE-NINGBO-WANG-SHU-AMATEUR-
ARCHITECTURE-STUDIO> ISSN 0719-8914

CASA DAS HISTÓRIAS PAULA REGO / EDUARDO SOUTO DE

MOURA” 28 MAR 2011. ARCHDAILY COLOMBIA. ACCEDIDO EL
11 NOV 2020.
<HTTPS://WWW.ARCHDAILY.CO/CO/02-81476/CASADAS-
HISTORIAS-PAULA-REGO-EDUARDO-SOUTODE-MOURA-12-JAN-
2011> ISSN 0719-8914

EDUARDO SOUTO DE MOURA: “MÁS ALLÁ DE UNA SOLUCIÓN,

BUSCO UNA EXPRESIÓN”” [EDUARDO SOUTO DE MOURA: “I
LOOK BEYOND SOLUTION; I LOOK FOR AN EXPRESSION”] 29
MAY 2019. ARCHDAILY COLOMBIA. (TRAD. ROJAS, PIEDAD)
ACCEDIDO EL 11 NOV 2020. <HTTPS://
WWW.ARCHDAILY.CO/CO/918012/EDUARDO-SOUTO-DE-
MOURA-MAS-ALLA-DE-UNA-SOLUCION-BUSCO-UNA-
EXPRESION> ISSN 0719-8914

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CONTACTO: MARIA.LOPÉZA@USANTOTO.EDU.CO

FACULTA DE INGENIERIA Y ARQUITECTURA

Qué es el deconstructivismo ?

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El Deconstructivismo también llamado deconstrucción, es un movimiento que

surge en los años 60 en Francia, de la mano del filósofo francés Jacques Derrida,
y que alcanza su apogeo con la exposición que tuvo lugar en el MoMA de Nueva
York en 1988, llamada “Arquitectura Deconstructivista”.
En la que participaron siete arquitectos de renombre hoy en día, pero no tanto por
aquel entonces, como son: Coop Himmelblau, Peter Eisenman, Frank Gehry,
Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Daniel Libeskind y Bernard Tschumi. La
denominación “deconstructivismo” ha sido posterior y repetidamente denostada
por estos arquitectos, pero sigue siendo útil para calificar la eclosión de este
movimiento plurimorfológico que tanta importancia ha adquirido durante el siglo
XXI.
 Casa Danzante | Frank Gehry
Esta vertiente arquitectónica no se entendería sin citar sus precedentes, ya que
los arquitectos deconstructivistas estaban influenciados por otros movimientos
como son el constructivismo ruso de los años 1920 a 1930, u otros más
contemporáneos como la interacción modernismo/post modernismo, el
expresionismo, el cubismo o el arte contemporáneo, entre otros. En definitiva, se
trata de una vertiente de la arquitectura que tiene su origen en la búsqueda de la
ruptura de lo establecido, y que se aleja del movimiento continuista del
postmodernismo.
Esta corriente arquitectónica surge como respuesta al fin del Movimiento Moderno,
igual que muchas otras, pero no como una continuación del mismo, sino como una
ruptura total de lo establecido y un intento de liberarse de las reglas
arquitectónicas como la pureza de la forma, o la verdad de los materiales, pilares
del movimiento moderno entre otros. De esta forma, rompe con las funciones, las
formas, los materiales, y con los volúmenes creando una confusión geométrica a
gran escala.

 
Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, la
manipulación de las estructuras y una geometría no euclídea, que distorsiona y
disloca elementos arquitectónicos como la estructura y la envolvente del edificio.

La apariencia visual de los edificios deconstructivistas viene muy marcada por la

idea de mostrar la arquitectura como un arte humano, no lógico, natural o
inmutable, y lleno de contradicciones, siendo una arquitectura imprevisible que
permite diferentes interpretaciones de lo percibido, además de diferentes
percepciones según cada punto de vista debido a el “caos controlado”, que es una
de sus características fundamentales.
CARACTERÍSTICAS:
– Caos controlado
– Impredecibilidad
– Perspectiva multifocal
– Complejidad y contradicción
– Libera a la arquitectura de reglas y paradigmas
Ampliación del Museo de Arte | Daniel Libes