Compendio Unidad 2 - Música 2022 - Artes Expresivas, Musicales y Plásticas.

FACULTAD DE FILOSOFÍA, LETRAS Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN
EDUCACIÓN INICIAL Y BÁSICA

Artes Expresivas, musicales y plásticas
2 créditos
Profesor Autor:
Lcdo. Carlos Alfredo Fernández Ferrín, M.A.
Titulaciones Semestre
• Educación Inicial
• Educación Básica
Quinto
Tutorías: El profesor asignado se publicará en el entorno virtual de aprendizaje

online.utm.edu.ec), y sus horarios de conferencias se indicarán en la sección
CAFETERÍA VIRTUAL.
PERÍODO: MAYO - SEPTIEMBRE - 2022
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Asignatura: Artes Expresivas,
Musicales y Plásticas
Educación Básica y
Educación Inicial
Guía Didáctica
Artes
Musicales
Profesor: Carlos Fernández Ferrín, M.A.
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Presentación
La Guía Didáctica de la Unidad Nº2 referente a las Artes musicales, es un material
que ha sido desarrollado para el apoyo y orientación del participante de la asignatura
ARTES EXPRESIVAS, MUSICALES Y PLÁSTICAS de las Carreras de Educación
Inicial y Básica.
Especialmente, está orientado a la capacitación en torno a elementos básicos de las
artes musicales con metodologías acordes, para que los futuros docentes puedan
utilizar en el ámbito educativo, con el fin de brindarles las herramientas que les
permitan gestionar de la mejor forma posible la mediación entre el estudiante y los
recursos disponibles para un aprendizaje significativo.
El objetivo central de este módulo es que el estudiante reconozca y aplique los
fundamentos y procesos propios de las artes musicales en un nivel básico, para
desarrollar la creatividad y las competencias artísticas por medio de actividades
congruentes y la valoración de los elementos constitutivos de la música en beneficio
de la educación en un contexto general.
Para ello, se ha organizado esta guía condicionada a (4) ejes temáticos, basados en
competencias, a saber:
1. Historia de la música.
2. Vinculación de la música con el proceso de aprendizaje.
3. Fundamentos de música e instrumentación.
4. Ejercicios de comprensión y ejecución musical.
Resultado de aprendizaje de la asignatura
Analizar y aplicar los procesos propios de las artes expresivas, musicales y
plásticas como componentes primordiales para la Educación Básica y la Educación
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Inicial, seleccionando y diseñando actividades congruentes con el enfoque
metodológico constructivista y con un sentido humanista, convergentes con los
propósitos y exigencias de la educación contemporánea.
Competencia específica
Se espera que con los temas abordados en la Guía Didáctica del MÓDULO 2
referente a las Artes musicales, el estudiante logre la siguiente competencia
específica:
Reconocer los componentes educativos formales e ideales de la expresión musical
como fuente de desarrollo creativo y sensorial, consecuente al contexto social como
potenciador del proceso de enseñanza-aprendizaje, a través del estudio Histórico,
la vinculación de esta área artística con la educación y la práctica musical pertinente
a sus bases.
Resultados de aprendizaje de la unidad
a. Conoce las etapas históricas de la música y la vinculación de esta a los procesos
educativos actuales con uso de metodologías pertinentes, para la educación en un
contexto general.
b. Reconoce los fundamentos básicos de la música para aplicar en clase y desarrollar
la inteligencia musical de los niños, asociadas a los componentes de expresión y
comunicación.
c. Establece parámetros conceptuales y prácticos respecto a la comprensión del
lenguaje musical como factor primordial para la aplicación de actividades
relacionadas con la audioperceptiva.
d. Aplica los conocimientos adquiridos para la ejecución de ejercicios musicales,
teniendo como referencia las metodologías propicias que permiten generar un
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correcto desempeño.
Índice de contenidos
1. Historia de la música 4
2. Vinculación de la música con el proceso de aprendizaje 18
3. Fundamentos de la música 31
4. Ejercicios de comprensión y ejecución musical 41
Metodología
El abordaje de los contenidos de este programa se realizará de acuerdo a una
metodología de enseñanza-aprendizaje virtual que se flexibilizará en relación a la
emergencia sanitaria por COVID-19 y en función delas características del grupo de
educandos.
El abordaje de los contenidos de este programa se realizará de acuerdo a una
metodología de enseñanza virtual, que tomará en consideración las características
del grupo de educandos, para establecer una estructura adecuada que integre de la
mejor manera los recursos académicos, para la promoción de un aprendizaje
significativo.
La estrategia metodológica considera las siguientes etapas:
Clases virtuales por medio de videoconferencias (Google Meet, Zoom, Webex u
otras) y videos explicativos alojados en YouTube por parte del autor de la asignatura,
como apoyo para las clases sincrónicas.
Ubicación de contenidos temáticos, formas de presentación de trabajo autónomo y
evaluación de las unidades a través de la plataforma Moodle UTM u otras, de
acuerdo a la disponibilidad de acceso a internet de los estudiantes.
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Tema 1
Historia de la música
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Perspectivas históricas de la música
En las más primitivas civilizaciones surge la música con un alto grado de complejidad,
las primeras referencias escritas acerca de ella provienen de Sumeria en la antigua
Mesopotamia, los sacerdotes de sus templos formularon la primera teoría musical.
Los cánticos religiosos de esta época contenían diálogos entre un solista y coros
acompañados de flautas y timbales.
En las excavaciones de la ciudad de Ur, se han encontrado liras y arpas del siglo
XXVIII antes de Cristo.
La cultura musical de esta región del mundo se mantuvo en un elevado nivel durante
la dominación babilónica y asiria y en del tiempo del imperio persa (año 538 a. C.) se
conservan restos evidentes de música sacra y popular.
La transmisión de la música en el tiempo, principalmente se ha dado por escucha y
repetición, es decir, por oralidad y poco a poco se fueron estableciendo métodos de
escritura musical. Principalmente, la transmisión escrita es una característica
fundamental de la música desarrollada en el continente europeo que constituye la
base del estudio musical de la actualidad.
Si bien es cierto, la música se da en todos los grupos sociales. Algunas
manifestaciones han adquirido, por decirlo de alguna forma, mayor prestigio. En esta
perspectiva la música académica está asociada a los estratos elevados de la
sociedad, pues por lo menos, en épocas pasadas, las personas pudientes eran
quiénes accedían a la formación y profesionalización.
En cuanto a la música popular se puede decir que ha existido a lo largo de la
historia, pero habitualmente se consideraba menos prestigiosa.
En la actualidad, la frontera entre ambos grupos ha disminuido y resulta evidente que
se han hecho esfuerzos para que exista un acople sistemático de las diferentes
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manifestaciones populares encaminándolas al contexto académico.
Cabe indicar que esta actividad artística abarca varias fases que se pueden reducir
en: producción, difusión y consumo, las cuales se encuentran directamente
relacionadas con la composición, la interpretación y la audición. Pero principalmente,
la música desde el contexto histórico, abarca la fase de producción, es decir que el
estudio corresponde en su gran mayoría a los agentes o compositores y a los
productos u obras compuestas.
Desde esta posición, la historia de la música se concibe a partir del desarrollo del
Canon y el repertorio.
El Canon se entiende como el modelo musical relacionado con la armonía, el ritmo y
la melodía, que permanece en el gusto de una época determinada y además tiene
que ver con los compositores qué consideramos dignos de estudio; el repertorio en
cambio hace referencia al conjunto de obras que en retrospectiva creemos, vale la
pena, interpretar y escuchar.
Por otra parte, la periodización en la historia de la música está condicionada
principalmente a la historia del arte visual. Podemos manifestar que esto se debe a
que la historia de la música tiene una aparición tardía y los primeros libros en
encargarse del tema corresponden a los siglos XVIII y principalmente al XIX.
Para comprender de mejor manera la incidencia de la música en la historia se
analizarán algunos parámetros que refieren a la generalidad de la historia universal.
La historia universal está dividida en 4 periodos: edad Antigua, edad media, edad
Moderna y contemporánea.
La edad Antigua corresponde hasta el siglo V después de Cristo, aunque la notación
musical, como mencionamos anteriormente, nace casi al mismo tiempo que la
escritura. Las culturas antiguas no escribieron su música a excepción de la griega
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helenística y constituye lo más interesante en relación a las teorías sobre música
realizada por sus filósofos y artistas, que influyeron en la música europea medieval
posteriormente.
La edad media, que se da desde el siglo VI al siglo XV, es un periodo en el que
aparece la notación musical en un modo primario, pero que es base de lo concebimos
hoy en día; por ejemplo, en el siglo XI esta notación se trabajó ya sobre líneas
paralelas.
La edad Moderna, desde el siglo XVI al siglo XVIII, marcada por la desaparición del
Imperio Bizantino y la llegada de Colón a América, se constituye en una época
importante para el desarrollo musical ya que se genera un sistema tonal que
evolucionará en la época barroca.
La edad contemporánea marca su inicio con la revolución francesa en el año de 1789
y es en este periodo que la música se desarrolla en toda su plenitud.
También se pude entender la historia musical desde el punto de vista cultural,
empezando con el periodo románico en el siglo X y el gótico en el siglo XII, los cuales
son etapas que corresponden a la edad media en donde la evolución de la música
fue diferente al de las artes plásticas y, por ejemplo, no podríamos hablar de una
música romántica o gótica.
En cambio, en el renacimiento y el barroco si se puede manifestar que existe un
estudio musical correspondiente al desarrollo de las otras artes. Pero donde se da
un apogeo de la música es en la época neoclasicista o simplemente clasicista y el
subsiguiente desarrollo en el romanticismo.
Podemos definir desde lo anteriormente dicho, que las etapas de la música serían
las siguientes:
Edad media, donde existen las primeras muestras de música escrita.
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Renacimiento que repercute en la investigación musical.
El barroco, donde se estrena la primera ópera conservada denominada Dafne,
estrenada en 1598 escrita por Jacobo Peri (1561-1633) quien fue un compositor y
cantante italiano del período de transición entre el Renacimiento y el Barroco,
considerado el inventor de la ópera. Este periodo termina con el fallecimiento de Joan
Sebastián Bach.
El clasicismo, con su inicio aproximado en 1720 y que finaliza en 1827 con el
fallecimiento de Beethoven y la continuidad en el romanticismo.
Por último, la música contemporánea que se inicia en 1890, aunque el término se
utiliza principalmente para la música creada posterior a la segunda Guerra mundial.
Para concluir esta parte, es factible distinguir diferentes géneros musicales
establecidos en el estudio histórico desde una perspectiva general como son:
música profana, música religiosa, música pública, música privada, música vocal,
música instrumental, música sinfónica y música de cámara.
Apogeo de la música en la historia
La música en el siglo XVII, en cuanto a la historia de la cultura, entraría en lo
correspondiente a la época barroca y neoclásica, sin embargo, esta figura temporal
está más condicionada, por decir de alguna forma, a lo inherente a las artes plásticas
o la arquitectura. En realidad, hablar del barroco musical nos llevaría a legitimar la
música del siglo XVII y parte del siglo XVIII.
Los años 1600 correspondientes al siglo XVII fueron muy importantes para la música,
pero para hablar de una transformación o metamorfosis de la música hacia lo que
denominamos clásico, tendríamos que trasladarnos prácticamente a finales del siglo
XVIII, donde se produce un importante cambio de estilo el cual trascendió
paulatinamente.
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Se suele utilizar la fecha de 1750 para situar el final del periodo barroco debido al
fallecimiento de Joan Sebastian Bach, a quién se le considera la cumbre de la música
en este tiempo.
Resulta un poco complicado definir hasta cuando la música es barroca y desde
cuándo es clásica, lo que sí podemos decir con certeza es que la música del siglo
XVIII marca la transición entre la música barroca del siglo XVII y la clásica-romántica
del siglo XIX.
Las características propias de la música barroca son: el bajo continuo, el estilo
concertado, el virtuosismo, entre otras. En cuanto a las formas musicales están: la
ópera, la cantata, el oratorio, el concierto, la sonata, la suite y otras, que a medida
que transcurre el tiempo se hacen más extensas y más concentradas en una
estructura fija a diferencia de las libertades musicales que acontecían anteriormente.
El apogeo de la música del barroco tuvo lugar en Alemania con las obras de Georg
Friedrich Haendel (1685 - 1750) y Johan Sebastián Bach (1685 – 1750).
La vida de ambos fue muy distinta, Haendel triunfó pronto en Italia con su ópera
Agripina y más tarde en Inglaterra, en donde se estableció escribiendo música para
actos oficiales, óperas y piezas orquestales, arreglos religiosos y composiciones para
clavicémbalo y órgano, que él mismo ejecutaba. Compuso unos 20 oratorios entre
ellos el extraordinario El Mesías, que trata sobre la vida de Cristo y cómo, a partir de
su muerte y resurrección, salva a la humanidad.
Otro grande de la música barroca fue Antonio Vivaldi (1678 – 1741) calificado como
uno de los compositores más prolíficos de su generación, abarcó todos los géneros
musicales destacando principalmente en la ópera. En cuanto la música instrumental
resalta sus cuatro conciertos conocidos como Las cuatro estaciones.
Al contrario de Haendel, que se hacía rico y famoso Bach luchaba por llevar una
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humilde vida de organista. más tarde fue director de música y entró como cantor de
la escuela de Santo Tomás en Leipzig Inglaterra, centro que había adquirido gran
importancia; en esta época Bach ya había compuesto muchas obras capaces por sí
solas de darle fama perdurable.
Bach compuso en todas las modalidades y realizó también composiciones
contrapuntísticas para órgano llamadas fugas que con su ingeniosa distribución y
estructura le permitieron mostrar su gran talento como intérprete. La obra de Bach,
considerada una de las cumbres del espíritu humano, tardó más de un siglo en ser
recuperada y durante largo tiempo se halló en el olvido. Podemos decir que Joan
Sebastián Bach es el mayor compositor del barroco y el auténtico fundador de la
armonía moderna, una obra importante es: Jesús, alegría de los hombres parte de la
cantata BWV 147.
El poder creciente de las clases acomodadas, los cambios políticos y el inquieto
espíritu del siglo de las luces, determinan el desarrollo de la música en esta época.
En el campo de la ópera sobresale la llamada ópera bufa, que alterna episodios
cómicos y sentimentales; más adelante, debido al desarrollo de la sinfonía y de la
sonata, que serán las de mayor importancia en la época clásica, entrarán a escena
los nombres de Hayden, Mozart y Beethoven.
La música clásica
Este periodo se caracteriza por la composición de obras musicales que tienen varios
movimientos y diversas formas con grandes exponentes que propiciaron un
desarrollo extraordinario de la música instrumental, que repercute en nuestro tiempo
como cúspide de la música universal.
Podemos destacar entre las principales formas musicales, a la forma binaria,
establecida desde el estilo barroco por una estructura qué consta de dos secciones:
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A y B, las cuales se repiten de manera ordenada al utilizar un mismo material
melódico tanto en la sección A como en la sección B.
Otra forma es la de sonata, la cual presenta la siguiente estructura. En primera
instancia la exposición; qué es la sección inicial donde se expone el material
melódico y rítmico con el que se trabajará a lo largo del movimiento, luego estaría el
desarrollo; que es una sección que utiliza el material anterior o un material nuevo
que terminara modulando la hacia la tonalidad con la que se comenzó la sección, el
siguiente punto corresponde a la reexposición; que es una repetición modificada de
la exposición o del inicio en la que se puede incluir otras tonalidades incluso que
puede determinarse como el tema B. Por último, está la coda; que es la sección
conclusiva la cual, por lo general, está en la tonalidad principal, aunque con el pasar
del tiempo, está puedo convertirse en un segundo desarrollo como lo demuestran
algunas obras de Beethoven.
Otra forma es el rondó, que al igual que la anterior se puede dividir en exposición,
desarrollo, re exposición y coda. La diferencia es que esta forma empieza con un
refrán o estribillo instrumental
Generalmente, una obra clásica puede poseer diversas estructuras una de éstas es,
por ejemplo, el alegro; hace referencia a un tiempo equivalente a rápido o deprisa.
Otra estructura corresponde a al lento, que se refiere a un tempo de funcionalidad
expresiva reflexiva y sosegado de la obra.
Otra es el minueto que corresponde a un estilo dancístico aristocrático, que en la
composición instrumental suele tener un carácter humorístico.
Por último, el finale, que corresponde al último movimiento de la sonata o concierto.
A mediados del siglo XVIII las composiciones instrumentales superaron en
importancia a las composiciones vocales, los músicos crearon nuevos ámbitos como
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el camerístico y el sinfónico, Aunque se mantenían los géneros anteriores como la
ópera, el oratorio, entre otros.
Entre los géneros musicales clásicos más importantes está la música de cámara
donde sus destinatarios eran generalmente familias burguesas. En la música de
cámara sobresale la sonata para un solo instrumento, principalmente el piano, pero
se podía incluir otro instrumento como el violín y también flauta o el clarinete.
La música de cámara podía constituirse a partir de dúos y tríos, pero el más
importante es el cuarteto de cuerdas que incluye dos violines una viola y un
violoncello.
Otro género musical nacido en el clasicismo y de mucha importancia es la música
sinfónica, la cual se dividió en dos grandes formas como son la sinfonía y el concierto
con solista.
En cuanto a la música vocal, la ópera sigue siendo el género más importante pero
también se desarrolla el oratorio, la música religiosa con la forma de misa y también
el género sinfónico coral es muy destacado.
Entre los principales autores clásicos de la música se destaca Joseph Haydn (1732
– 1809) quien dedicó toda su vida al estudio de la música y durante 30 años fue
contratado por el príncipe Prince Esterházy. Esta dependencia, cómo le ocurría a
tantos otros, constriñó su libertad pero le permitió dedicarse por completo a su arte.
Haydn redactó entonces un catálogo con las obras que había completado, sumaba
más de cientos 45 sinfonías, música para fiestas, piezas para instrumento que tocaba
el príncipe, conciertos, óperas bufas, cantatas, música sacra y piezas para cuartetos
de cuerdas. Durante la mayor parte de su vida se mantuvo en contacto con su país
natal y jamás olvidó su origen en la música popular que ollera en su infancia. Toda
su obra muestra el amor a la vida y su bondad e ingenio, además de un agudo sentido
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del cosmos y una gran fidelidad a la naturaleza, es reflejada en sus grandes oratorios
como La Creación y Las Estaciones. Fue considerado durante mucho tiempo como
el creador de la sinfonía, aunque hoy este mérito se le atribuye a sus predecesores,
pero desempeñó un papel fundamental en la consolidación del estilo clásico.
Otro gran exponente del clasismo musical fue Wolfgang Amadeus Mozart (1756 –
1791), hijo de un violinista respetado fue un niño prodigio que viajó por toda Europa
y llegó a dominar así los estilos italiano, francés y alemán, que luego combinaría en
sus obras de madurez.
Asombraba con sus improvisaciones al clavecín; los tempranos éxitos de Wolfgang
le concitaron tales antipatías que, en su posterior y trágicamente breve vida, tuvo
dificultades para obtener los puestos apropiados para su talento. A la edad de 25
años dejó un Modesto puesto de trabajo en Salzburgo y marchó a Viena, aunque el
compositor de gran producción ganaba lo estrictamente necesario para comer él y
su numerosa familia.
Lamentablemente Mozart murió en la pobreza; ofrecía recitales por suscripción
pública para los que compuso obras nuevas, entre estos sus famosos conciertos para
piano. elevó la ópera bufa a gran altura con las Bodas de Fígaro; Sus Sinfonías de
1788 en Mi bemol, en Sol menor y en Do mayor, llevaron a la música clásica a su
apogeo. Los famosos quintetos para clarinete y cuerda y el Concierto para clarinete
y orquesta construyen otros hitos musicales. Su ópera, La flauta mágica, basada en
un cuento de hadas marca además una nueva tendencia, todo un concepto distinto
de la música, pues combina varios géneros: aventura, sacralidad y farsa,
Mozart había tratado de apartarse a los cánones musicales tradicionales en su
época, por lo que musicalmente triunfó, aunque no consiguiera la plena aceptación
de sus contemporáneos y una subsistencia desahogada.
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Por otra parte, Ludwig Van Beethoven (1770 - 1827) tuvo más suerte; nacido en
Alemania en el seno de una familia de músicos, se instaló temporalmente en Viena
donde empezó a ganarse la vida como pianista y compositor. Lleno de pasión
revolucionaria fue la plasmación del ideal del compositor romántico y su obra se
supone a la vez, la perfección del clasicismo vienes y la ruptura con él al mismo
tiempo. Con su figura no sólo cambia la forma musical sino el propio concepto de
música, que pierde su carácter abstracto y aristocrático.
No fue un compositor fácil y su ritmo de trabajo se caracterizó por su lentitud y
desigualdad. Su producción comprende nueve grandes sinfonías, la Misa en Re,
cinco conciertos para piano, uno para violín, abundante música de cámara y una
ópera, llamada Fidelio que defiende profunda y apasionadamente la libertad y el
amor.
Entre muchas de sus obras destacadas están: La novena sinfonía, las sonatas
Moonlight y Para Eliza, La marcha turca y, no podíamos pasar por alto, La quinta
sinfonía.
Música del romanticismo
En los primeros años del siglo XIX se continúa trabajando en relación al estilo clásico
y con el paso del tiempo las sinfonías, los conciertos y las sonatas se hacían cada
vez más complejas.
Así se fue conformando lo que posteriormente se conocería como romanticismo
musical, término que surge a partir de la literatura de la época, la cual tuvo un
desarrollo relativamente corto al igual que la pintura, sin embargo, en la música, este
estilo se pudo extender hasta el siglo XX.
Cuando Beethoven iniciaba la época romántica con sus grandes composiciones
instrumentales, los poetas de su tiempo buscaban de nuevo su inspiración en la
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naturaleza, la canción popular y los tiempos pretéritos.
Las antiguas canciones para una sola voz, que se cantaban con acompañamiento
del laúd perdieron popularidad, porque el perfeccionamiento y popularización del
piano proporcionaron un nuevo e ideal instrumento de acompañamiento.
Todo esto sirvió de móvil al genio de Franz Schubert (1797 – 1828), el primero de
los llamados compositores de la escuela de Viena. Schubert escribió música para
piano, de cámara y nueve sinfonías, dos de las cuales, la octava inacabada y la
grande en Do mayor, son unas de las mejores de todos los tiempos, pero ninguna se
ejecutó en vida de su autor.
Otro importante representante del romanticismo fue Robert Schumann (1810 –
1856) que a su vez compuso más de 200 canciones a su esposa Clara, una de las
mejores pianistas de su tiempo. La tradición continúa con Johannes Brahms (1833
– 1897) compositor excepcional cuya obra es cada día más valorada y que además
de ser un maestro de las sinfonías, escribió conciertos, oberturas y canciones.
Por otra parte, en toda Europa, Franz Liszt (1811 - 1886) destacó como virtuoso del
piano; en su producción orquestal destaca la sinfonía Fausto por su fuerza dramática.
Otro maestro fue Félix Mendelssohn (1809 – 1847), quien conoció el éxito tanto en
Inglaterra como en Alemania; hoy día se aprecian sobre todo sus tríos con piano y
sus cuartetos para cuerdas.
EL desarrollo de la ópera romántica en un principio se debe al compositor alemán,
Carl von Weber (1786 – 1826) cuya séptima opera, El cazador furtivo, desarrolla un
tema lleno de elementos mágicos y sobrenaturales típicos del romanticismo.
La tendencia romántica alcanza el carácter dominante en Francia a través de la obra
de Héctor Berlioz (1803 - 1869) autor de La sinfonía fantástica.
Otro autor referente, cúspide del romanticismo fue Frédéric Chopin (1810 – 1849)
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quie escribió obras muy conocidas e importantes como Nocturno Nº 20 en Do
sostenido menor, Nocturno, Obra 9 Nº 2 en Mi bemol mayor o El vals del minuto.
Otro importante compositor de la época fue el italiano Antonio Rossini (1792 – 1868)
autor de la ópera Guillermo Tell donde Rossini participa como creador de la música.
Niccolo Paganini (1782 - 1840) es reconocido como el más importante violinista de
la época; el violinista del diablo, denominado así por su virtuosismo con el violín. Una
de sus interpretaciones más conocidas es El Capricho Nº 24 en La menor.
El carácter de genio musical cabe en la persona de Richard Warner (1813 – 1883)
quién lleva a su apogeo las concepciones de Beethoven sobre la música como
expresión ideológica. Empezó como director de orquesta en distintos teatros de
ópera y en 1842 estrenó la primera denominada El holandés errante. Siguieron a
ésta, otras que fueron basadas en leyendas medievales como El anillo de los
nibelungos.
Al margen de su importancia como esteta completo, Wagner fue un gran innovador
armónico, explotando al máximo la potencia expresiva del cromatismo y agotando
las posibilidades del sistema tonal.
El compositor Giuseppe Verdi (1813 – 1901) fue contemporáneo de Wagner. Su vida
transcurrió en el período en que Italia se debatía por la unidad y la independencia,
ambos compositores tenían pues que convertirse en símbolos, mientras que las
obras de Wagner son polifónicas, es decir que combinan en su composición varias
melodías y están cargadas de contenido ideológico o literario, Verdi sigue la tradición
italiana de las melodías fluidas y de los bellos fragmentos vocales. Obras famosas
de Verdi son: El trovador, La traviata, Aída, Otelo y Falstaff, entre otras.
En cuanto a las características musicales, el romanticismo es una prolongación del
estilo clásico, pero las lleva hasta los límites de sus posibilidades formales y
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armónicas. También existió un gran desarrollo instrumental y orquestal, la orquesta
se amplía con la inclusión de instrumentos nuevos como la tuba y el contrafagot, por
lo que el número de instrumentistas también se amplió y a finales del siglo XIX, una
orquesta podía superar los cien músicos.
Otra característica es el virtuosismo, dado en los conciertos públicos, en los cuales
se hacían exhibiciones de enorme dificultad, donde destacamos la destreza ante el
piano de chopin y Frans Liszt y Paganini con el violín.
Podríamos destacar además el individualismo, que se refiere a la gran importancia
que se le da a la expresión artística del compositor o del intérprete, es decir que, en
este sentido, la personalidad del autor queda plasmada en la propia música como
una especie de firma.
Importante es también el sentimentalismo, que referencia a las acciones musicales
que representan las emociones más que las concepciones idealistas en las que se
basa la música, por esto se exalta lo anómalo, es decir, cosas que trascienden lo
normal, por ejemplo: lo irracional frente a lo racional o la tormenta frente a la calma,
y esto se refleja en el uso de acordes ambiguos y la asimetría en las composiciones.
Por último, otra característica es el nacionalismo, que tiene que ver con los ideales
colectivos donde converge el concepto de identidad nacional; la música procura
hacer una distinción entre las diferentes naciones; reflejen las revoluciones sociales
y la esencia de cada población, como al incluir en las composiciones musicales,
historias propias de una colectividad, así como particulares melodías y ritmos.
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Tema 2
Vinculación de la música con el

proceso de aprendizaje
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La trascendencia de la educación musical de principios del siglo XX en la
enseñanza actual
El desarrollo musical y de las otras artes como parte de la educación regular, ha sido
un componente que adquirió importancia desde el siglo XVI en Europa, destacando la
labor en las artes pláticas con las escuelas del renacimiento que ya venían gestándose
desde la baja edad media, el teatro pedagógico que sirvió para exponer
didácticamente las doctrinas religiosas y el desarrollo temprano de la música que
alcanzaría su punto más alto en las subsiguientes etapas. Pero la concepción de la
enseñanza musical a partir de metodologías específicas, tuvo que esperar hasta los
últimos años del siglo XIX, con el advenimiento de la idea de la escuela nueva
impulsada por María Montessori, Ovide Decroly, John Dewey, Adolphe Ferrière, entre
otros, y ya entrado el siglo XX, la educación musical se posiciona como un importante
proceso dentro de la escuela en la que se incorporaron algunos elementos de
desarrollos en las orientaciones didácticas.
En educación musical, desde principios del siglo XX fueron surgiendo diferentes
metodologías, también llamadas «métodos musicales activos», que han potenciado la
investigación sobre la enseñanza de la música centrados en dotar a la enseñanza de
un carácter práctico, activo, creador y dinámico.
La evolución que han sufrido las distintas metodologías musicales de principios del
siglo XX hizo que se considerase una etapa revolucionaria, donde se descubrió la
sistematización racional de la educación musical en la que encontramos precursores
que introdujeron cambios sustantivos en la educación musical, como el «método Tonic
Sol-Fa» (de origen inglés) y el «método Chevais» (de origenfrancés); además de los
autores de los métodos activos.
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Principales metodologías de enseñanza en educación musical de la primera
mitad del siglo XX
Método Dalcroze
El pedagogo austríaco Émile-Jacques Dalcroze creó un método de enseñanza
musical que se fundamenta en el movimiento corporal y el movimiento musical
(sonoro), además de en la música improvisada, la relajación y la improvisación a
través de la rítmica y el solfeo.
Esta metodología de enseñanza parte de la necesidad que su autor percibió entre su
alumnado a la hora de entender el sentido rítmico de la música, el cual debe ser
sentido con todo el cuerpo para desarrollar capacidades expresivas naturales y
espontáneas.
Para Bachmann (1998), Dalcroze considera que a través del movimiento expresivo se
trabajan los matices y el carácter de la música, intercalando tiempos de relajación total
y de actividad.
Como materiales complementarios en las clases se utilizan pelotas, aros, lazos e
instrumentos de pequeña percusión, como panderos o claves, entre otros materiales.
La finalidad de este método es desarrollar el oído musical, el sentido melódico, tonal
y armónico a través del movimiento. Para Dalcroze, el sexto sentido de una persona
es el movimiento.
Actualmente, a través de este método se consigue que el alumnado perciba que su
participación es importante y que aumente su autoestima y su motivación hacia el
aprendizaje. Las clases son grupales, lo cual permite trabajar, además de la
socialización, la imitación, la integración y la reacción de los alumnos con los demás.
Método Willems
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El franco-suizo Edgar Willems, musicólogo y pedagogo de prestigio mundial, fue
discípulo de Dalcroze y el creador de uno de los métodos de enseñanza activa más
importante que se conoce. Su método usa la música para conseguir el desarrollo
armónico de la persona en su interior.
Este método persigue que el alumno descubra las aptitudes musicales que tiene para
desarrollar su potencial expresivo a través de imaginación creadora que posee. Por
este motivo, es fundamental la educación de la audición interior, que en su sentido
más amplio se considera una creación musical sonora.
La práctica musical debe ser sensorial a través del oído, la vista y el tacto. Por eso,
Willems se centra en la canción, el desarrollo auditivo, el sentido rítmico y la notación
musical, pero desarrolla la práctica de la audición musical a través de la educación
auditiva y la discriminación de los parámetros del sonido más que ningún otro autor.
Los instrumentos prioritarios para hacer música son el cuerpo y la voz, antes de la
práctica de cualquier otro instrumento. Willems considera que para tocar un
instrumento hace falta que todo el ser humano esté en armonía.
Método Kòdaly
Zoltán Kòdaly fue un compositor, pedagogo musical, musicólogo y folklorista húngaro
de renombre internacional que dedicó gran parte de su vida a la investigación,
organización y difusión de la educación musical de su país.
Siguiendo a Casanova López (2001), el método Kòdaly propone como fines en su
planteamiento de enseñanza lo siguiente:
• Cantar, jugar y bailar de memoria una cantidad de juegos tradicionales, rimas
y canciones infantiles extraídas de la cultura propia del niño y más adelante,
ampliadas para incluir también músicas de otras culturas.
• Interpretar, escuchar y analizar la música clásica de los grandes compositores.
21
• Desarrollar las habilidades musicales de leer y escribir con la lectura del
pentagrama, análisis de las estructuras formales, la discriminación auditiva y
del canto afinado sólo o a voces.
• Improvisar y componer utilizando el vocabulario musical conocido en cada
nivel.
Para Kòdaly, la canción popular es la lengua materna de la música que se aprende de
la misma manera que se aprende a hablar. El canto es la actividad de base en el aula
partiendo de canciones familiares para el niño, aprendiendo a expresar los sonidos
por medio de gestos y hacer ejercicios de entonación, dictados, pequeñas
composiciones y juegos de preguntas y respuestas.
Es un elemento motivador para el aprendizaje de la música a través del que pueden
comprender la estructura musical, la proporción de la forma y jugar con las partes de
una obra, además de trabajar el ritmo, la melodía y la armonía de estas.
Progresivamente se irán desarrollando actividades más complejas y elaboradas a
través de fonemas rítmicos, fononimia, juegos corales y del solfeo relativo.
Método Martenot
Maurice Martenot fue ingeniero, violonchelista, compositor y profesor de música de
nacionalidad francesa, además de inventor del instrumento electrónico llamado
«ondas Martenot» en 1928.
Su método de enseñanza se basa en materiales acústicos, en la psicopedagogía y en
la observación directa del niño utilizando técnicas como la imitación, los ecos y la
memorización de fórmulas rítmicas.
Este método persigue el desarrollo integral de capacidades musicales en la persona,
como son la rítmica, la memoria, la altura del sonido y la improvisación a través
22
de un ambiente de juego, además del cultivo de la representación mental, el esfuerzo-
relajación, el aprendizaje por imitación y el desarrollo de la creatividad.
En la enseñanza actual encontramos una gran influenciade las bases de este método
que nos vienen establecidas desde el currículo oficial actual, como son la importancia
de la percepción y la expresión de la música como pilares básicos en el aprendizaje
musical del alumno en Educación Primaria y Secundaria. Por otro lado, siguen
estando muy presentes, sobre todo en los primeros cursos de Educación Primaria,
técnicas como la imitación, los ecos y la memorización de fórmulas rítmicas, el folclore
y la canción.
Método Orff
Carl Orff, de renombre internacional y de nacionalidad alemana, atiende en su método
una secuencia lógica para trabajar la música de forma activa a través del empleo de
instrumentos, de la improvisación y de la creación a través de ellos, en donde el niño
participa, interpreta y crea.
Este pedagogo musical de gran prestigio considera la palabra como la célula
generadora del ritmo. A través de su método de enseñanza pretende combinar la
palabra, la música y el movimiento hacia el ritmo, relacionándolo con el lenguaje verbal
recitado o entonando nombres, rimas y refranes.
El elemento musical básico de este método es el ritmo, comenzando con la repetición
rítmica de palabras seriadas, pregones, nombres propios, ecos, y preguntas y
respuestas.
Un aspecto importante de su práctica es hacer música en conjunto usando el
instrumental Orff. Según Hall (1960), estos instrumentos los conforman 2 tipos
distintos: «la pequena ̃ percusión (no afinada) y los instrumentos de láminas
(afinados)».
23
Otra de las principales aportaciones de Orff al ámbito pedagógico musical es la
consideración del cuerpo como instrumento musical, el cual está dotado de
características tímbricas diversas que permiten la educación del ritmo a través de
percusiones corporales. Los diferentes sonidos que contempla a través de las partes
del cuerpo son los chasquidos de los dedos, las palmas, las palmas en la rodilla y las
pisadas.
Método Suzuki
El método Suzuki, creado por el pedagogo japonés Shinichi Suzuki, ha tenido una
amplia repercusión en todo el mundo. Este método se basa en la educación rítmica y
auditiva que utiliza el instrumento para acercarse a la música (centrado en el violín, a
partir de los 3 años).
Serrano (1999) afirma que la idea de la que parte este método musical es que «la
música es un idioma, un lenguaje, y se podría aprender y ensenar del mismo modo
que la lengua materna». Por este motivo, es una enseñanza musical destinada
fundamentalmente a niños pequeños de 3 o 4 años.
La participación continua de los padres en el proceso de aprendizaje musical del niño
es fundamental tanto en las clases como en casa.
Entre las técnicas de enseñanza que se utilizan se encuentran la repetición y la
variación de modelos rítmicos, melódicos y de obras musicales. La creación musical
del alumno no se contempla en este método.
En la actualidad esta metodología musical se sigue desarrollando en centros
especializados, pero no en las enseñanzas regladas.
Los métodos creados a principios del siglo XX siguen teniendo muy activamente
importancia en la enseñanza musical, aunque en pocas ocasiones se siguen utilizando
con sus principios originarios.
24
En la actualidad, las metodologías que se basan en los procesos constructivistas,
pueden acoger los diferentes métodos musicales en la constitución de una educación
plena. En este sentido, la música y las otras artes deben ser aprovechadas por los
docentes, para generar un mejor ambiente de trabajo en el aula, que redunde en
beneficio de la comunicación asertiva, donde el carácter lúdico del proceso de
aprendizaje se convierta en un agente aglutinante de diversos valores educativos,
como potenciador de la creatividad y la expresión.
A continuación, se exponen algunas metodologías de trabajo de clase que estiman la
inclusión de la música como una categoría fundamental para integrar los diversos
aprendizajes.
Aprendizaje basado en proyectos y aprendizajes híbridos
El perfil del profesional en educación se caracteriza por la orientación no prescriptiva,
esto significa que es determinante tener en cuenta que en la actualidad los perfiles
polivalentes, abiertos y dinámicos son los que se requieren para actuar en el terreno
de la enseñanza aprendizaje tanto en el nivel inicial y desde luego en los otros niveles.
Los diversos enfoques paradigmáticos para la educación en la actualidad se han
generado a través de diversas etapas históricas que han recaído en nuevas formas
de entender la educación y cómo esta, a través de directrices filosóficas, sociales,
culturales y científicas, puede promoverse de acuerdo a los diferentes contextos
educacionales.
Algunas metodologías han sobrepasado la barrera del tiempo estableciéndose como
caminos o guías pertinentes para llevar a cabo la labor educativa de la mejor manera,
entre estas consta el Aprendizaje Basado en Proyectos (ABP) y el aprendizaje basado
en problemas.
25
Son muchos los centros que cada día plantean nuevos retos metodológicos y
apuestan por una metodología que poco tiene de nueva, aunque su uso más o menos
generalizado sea reciente. No fue hasta finales de la década de 1960, por ejemplo,
cuando se introdujo el aprendizaje basado en problemas en las facultades de Medicina
de las universidades de Case Western Reserve, en Estados Unidos, y de Mc. Master,
de Canadá, con la intención de cambiar el modelo formativo, de modo que dejase de
estar enfocado en el profesor para centrarse en el alumno.
Este tipo de metodologías llevan asociadas estrategias didácticas que apuestan por
situar a los estudiantes en el centro del aprendizaje. Optan, por tanto, por el
aprendizaje entre iguales, el aprendizaje colaborativo o la generación y exploración
de nuevos materiales didácticos y posicionamientos docentes mucho más
horizontales que nos acercan irremediablemente hacia nuevas ecologías del
aprendizaje.
En este sentido, la música, y las artes en general, deben ir más allá de adornar
simplemente los proyectos y situarse como una clara apuesta de cambio para una
escuela del siglo XXI. Se hace necesario el salto del ABP al ABPA, es decir, el
Aprendizaje Basado en Proyectos Artísticos, aprovechando los numerosos e
interesantes proyectos que tienen su detonante principal en procesos artísticos para
generar sinergias así que sitúen al arte en el corazón mismo de la escuela.
En esta misma línea, los procesos de aprendizaje híbridos entendidos como fusión
entre contextos educativos enriquecen los proyectos con la aportación de elementos
presentes en la educación no formal e informal al sistema formal.
Educación musical y aprendizaje-servicio
La metodología aprendizaje-servicio (ApS) ofrece una perspectiva “que combina
procesos de aprendizaje y de servicio a la comunidad en un único proyecto bien
26
articulado en el que los participantes aprenden a la vez que trabajan en necesidades
reales del entorno con la finalidad de mejorarlo” (Martín y otros, 2010, p. 20).
La evaluación de programas ApS debe ser sistemática, y ello requiere una
planificación rigurosa. Óscar Chiva (pp. 30-36) propone un modelo basado en la
eficacia, la eficiencia y la funcionalidad, tres aspectos que ofrecen una visión global
sobre qué, quién, cómo y cuándo evaluar. Las propuestas centradas en evaluaciones
de proyectos de este tipo son, sin duda, necesarias en nuestro ejercicio docente.
El autor Gonzalo Silió (pp. 41- 44) plantea una defensa del uso de la metodología del
ApS centrando el análisis en los beneficios de propuestas llevadas a cabo en
diferentes centros educativos. Desde su perspectiva, en tiempos de crisis para la
educación musical, el ApS puede ser un recurso interesante para que los estudiantes
aprendan más y mejor.
Como ejemplo se destaca el trabajo denominado VIAJAR ES SOÑAR de Vaquer y
Alberto Cabedo (pp. 15 - 22) que describen la aplicación de un proyecto de ApS. Los
autores, en esta ocasión, trabajaron con personas discapacitadas del Centro Maset
de Frater, de Castellón de la Plana, conjuntamente con estudiantes del CEIP
Tombatossals, de la misma localidad. Partiendo de la idea de que sea la práctica
musical la que pueda adaptarse a las necesidades de personas con diversidad
funcional y no al revés, el estudio muestra los óptimos resultados obtenidos.
Los autores dicen de la metodología aplicada: La metodología seguida en el proyecto
VIAJAR ES SOÑAR es innovadora, constructivista, motivadora, cooperativa, divertida,
activa y dinámica, sin olvidarnos de que en todo momento también es lúdica, es decir,
aprendiendo conocimientos básicos de música como por ejemplo: la negra, blanca, la
corchea, material de los instrumentos, etc.
27
Esta metodología, ayudará a alcanzar los objetivos y propósitos de forma satisfactoria,
que en un principio se han planteado en el proyecto, y siempre teniendo en cuenta
sus dificultades. Uno de los pilares fundamentales para que un proyecto sea
satisfactorio es la motivación y el poder disfrutar con las actividades que realizas. “La
música es el arte más directo, entra por el oído y va al corazón” (Martínez).
La necesidad de adaptarnos y readaptarnos en nuestras prácticas y metodologías
educativas es una realidad en nuestra labor docente. Desde esta perspectiva,
pensamos que el ApS es una propuesta interesante para abrir las puertas del aula a
la comunidad, y trabajar directamente con las necesidades del contexto que nos
envuelve. Esta propuesta no únicamente nos permite adquirir contenidos académicos,
sino desarrollar una serie de competencias centradas en aprender a vivir y convivir de
forma positiva.
Pensamiento crítico y educación musical
El pensamiento crítico, definido por Mertes (1991) es un proceso consciente y
deliberado que se utiliza para interpretar y evaluar la información y las experiencias
utilizando un conjunto de actitudes y habilidades reflexivas que cuestionan las
creencias y las acciones; es el tipo de pensamiento que aplicamos en la resolución de
problemas, el cálculo de probabilidades o la formulación de inferencias y en la toma
de decisiones (Halpern, 1999).
La relación de la educación musical, y en general de la educación artística, con la
teoría crítica se percibe con claridad en los motivos que impulsan la acción artística.
Es decir, existe un mundo de motivos y significados morales, emocionales y
emancipatorios que rebasan la condición meramente instrumental de las artes y que
van fuertemente asociados a las razones que incitan o dan lugar al acto artístico.
28
A diferencia de otras áreas de conocimiento, en las que finalidad de sumar dos más
dos puede limitarse a representar concreta y simbólicamente la suma de dos más dos
(aunque no siempre), dentro de las artes, la canción, el baile, la pintura o la actuación
regularmente van cargados de otros significados que fueron generados a partir de una
serie de operaciones cognitivas y emocionales complejas, que a su vez tienen
objetivos que rebasan la dimensión concreta, práctica, utilitaria o instrumental de las
artes.
Son numerosas las relaciones que pueden establecerse entre la educación musical y
el pensamiento crítico. Estas relaciones bien pueden ayudar a comprender la
estructura de la música, el significado de los sonidos, el sentido y valor de las
composiciones, así como el significado y función histórico-social de la música (Small,
1987) otorgando nuevos significados al aprendizaje musical en contextos escolares.
Como ejemplo exponemos parte de las conclusiones del artículo del autor Luis del
Barrio Aranda, de 2017, denominado: El Pensamiento Crítico Como Estrategia
Didáctica Musical En La Educación Emancipatoria Del Alumno En Educación Primaria.
La construcción del conocimiento y la evaluación de su utilidad son operaciones
mentales del pensamiento crítico trabajadas en la elaboración del producto creativo
artístico y musical. El aprendizaje cooperativo motiva la implicación personal y la
puesta en común de las habilidades individuales en la elaboración de un proyecto
colectivo. El trabajo creativo en grupo potencia la habilidad de pensar, proponer,
escuchar, contrastar y tomar decisiones sobre la construcción del aprendizaje en un
entorno educativo crítico y colaborativo.
La promoción del pensamiento crítico en el proceso educativo musical en Educación
Primaria integra la habilidad de pensar como una actividad natural de autoaprendizaje
29
que estimula la comunicación y la reflexión como actitudes de acceso y análisis del
conocimiento desde las que se promueve la educación de la autonomía y la madurez
del estudiante.
30
Tema 3
Fundamentos de la música
31
Concepto de Música
Es el arte de combinar los sonidos sucesiva y simultáneamente, que puede tener como
motivación, transmitir o evocar sentimientos. La evolución de la escritura de la música
empezó unos dos mil años atrás, desde los primeros símbolos que se utilizaban en la
antigua Grecia, hasta llegar a la notación que conocemos hoy en día.
La música es un arte libre en el que se emplean leyes de armonía, melodía y ritmo,
siendo estos tres, los elementos fundamentales de la música.
Melodía
La melodía puede ser aquello que cantamos o tarareamos cuando un tema nos gusta.
Es la forma de combinar los sonidos, pero sucesivamente, en tal instancia, no
podemos cantar más de una nota a la vez.
De ahí, que a muchos instrumentos se los llama melódicos, porque ellos no pueden
hacer sonar más de una nota. Ejemplo, la flauta, El Saxo, el clarinete o cualquier
instrumento de viento.
Armonía
La armonía es el estudio de la técnica para relacionar los acordes, que genera un
equilibrio o proporción entre las distintas partes de los elementos musicales, y su
resultado se puede definir como algo bello.
Usando solamente melodías los temas sonarían “vacíos”, a la larga necesitamos algo
que nos sirva de base, que nos dé la sensación de estar con otros músicos
acompañándonos.
De ahí, a muchos instrumentos se los llama armónicos, porque hacen sonar más de
dos notas a la vez, por ejemplo, la guitarra o el piano.
32
Ritmo
Cuando estamos escuchando música, es muy común que marquemos golpes de
manera intuitiva con el pie o con la mano. El ritmo puede definirse como el movimiento
marcado, regular y sucesivo de percusiones débiles y fuertes.
Hay ritmos rápidos como el rock, lentos como las baladas, y podemos diferenciar los
básicamente entre los binarios y ternarios.
El pentagrama musical
Es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales. Consta
de 5 líneas y 4 espacios que se cuentan de abajo hacia arriba.
Líneas
Espacios
Como entre líneas y espacios del pentagrama sólo podemos escribir 9 notas, existen
las líneas y espacios adicionales que se ubican por encima o por debajo del
pentagrama.
Líneas adicionales
Las líneas adicionales ascendentes quieren decir que los sonidos van hacia lo agudo.
Las líneas adicionales descendentes quieren decir que los sonidos van hacia lo grave.
33
Líneas adicionales
Pentagrama
Este uso también es limitado por lo que se dificulta la lectura al momento de entonar.
Por lo general se dificulta la ejecución cuando existen más de 4 o cinco líneas
adicionales.
Las Notas
Tal como conocemos las notas musicales naturales son 7: Do- re- mi- fa- sol- la- si, y
con sus alteraciones son 12: (Con Sostenidos) Do, Do#, Re, Re#, Mi, Fa, Fa#, Sol,
Sol#, La, La#, Si. (Con bemoles) Si, Sib, La, Lab, Sol, Solb, Fa, Mi, Mib, Re, Reb, Do.
Estás se repiten según lo grave o agudo.
Las claves
En el pentagrama aparte de las notas se ubican las claves, estas se colocan al inicio
del pentagrama y dan nombre a las notas, existen algunos tipos de claves, pero en
este estudio sólo abarcaremos la clave de sol.
Ejemplo con la clave de sol.

Sol
Esta clave lleva el nombre de sol porque se empieza dibujando su forma desde esta
nota.
34
También en el pentagrama se dibujan líneas divisorias del tiempo.
Son líneas horizontales que sirven para ordenar la música de acuerdo a los compases,
es decir, al tiempo, pues existen compases de dos, tres, cuatro o más tiempos.
Otras claves son: la clave de FA y la clave de SI.
Si
Fa
Pentagrama con clave de Fa:
Figuras musicales
Las figuras musicales también son siete, que se dividen de acuerdo a su mayor a
menor valor. Pero en este caso sólo abarcaremos 4 con sus respectivos silencios.
35
Equivalencias de las figuras musicales:
Una redonda suena por 4

tiempos
2 blancas equivalen a 1
redonda
4 negras equivalen a 1
redonda y a 2 blancas
8 corcheas equivalen a 1
redonda, a 2 blancas y a 4
negras
16 semicorcheas equivalen
a 1 redonda, a 2 blancas, a
4 negras y a 8 corcheas
El puntillo
Es una figura, un punto que se coloca del lado derecho de la nota. Este hace que la
nota aumente la mitad de su valor. Ejemplo de figuras con puntillo.
Ejemplo:
36
El compás
El compás es la entidad métrica (ritmo musical) compuesta por unidades de tiempo,
donde se alternan partes acentuadas y átonas.
Para identificar el compás en una partitura se escriben dos números en forma de
fracción ubicados al comienzo del pentagrama. Se sitúan después de la clave y antes
de las notas.
Los compases pueden ser: binarios, 2/4; ternarios 3/4 y cuaternarios, 4/4.
Al escribir el compás, el numerador hace referencia a la cantidad de notas y el
denominador a la figura prevalente.
El 2 es el número de figuras que caben el

compás y el 4 corresponde a la figura Negra.


Ahora que conocemos las figuras, el puntillo y el compás, analizaremos el cuadro
rítmico en cuatro tiempos.
37
Cuadro rítmico en compás de cuatro tiempos
Cuadro rítmico en compás de dos tiempos
38
En el pentagrama, de acuerdo al compás, las figuras musicales se dispondrán de la
siguiente manera:
En compás de 2/4
En compás de 3/4
39
En compás de 4/4
40
Tema 4
Ejercicios de comprensión y ejecución musical
41
A partir del estudio de los elementos y estructura de la música, el tutor
programará prácticas pertinentes, para la comprensión del lenguaje musical
utilizando canciones populares establecidas en partituras y con el uso de
aplicaciones digitales como MuseScore, Maestro, entre otras.
Estudio de la canción Los pollitos:
Estudio de la canción Aserrín aserrán:
Estudio de la canción Fray Jacobo:
42
Estudio de la canción Cumpleaños feliz:
Estudio de la canción Himno a la alegría:
Estudio de la canción Los elefantes:
43
Compendio de los textos
Barrio, L. (2017). El Pensamiento Crítico Como Estrategia Didáctica Musical En La
Educación Emancipatoria Del Alumno En Educación Primaria. European Scientific
Journal, 13 (35), 37 – 52.
Cabedo y Riaño (2018). Educación musical y aprendizaje-servicio. Eufonía Didáctica
de la Música, (77), 4 – 6.
Cuevas Romero (2015). La trascendencia de la educación musical de principios del
siglo XX en la enseñanza actual. Elsevier España, (27) 1, 37 - 43.
Giráldez y Moreno. (2016). Pensamiento crítico y educación musical. Eufonía
Didáctica de la Música (69), 4 – 6.
Giráldez y Murillo. (2018). ABP y aprendizajes híbridos. Eufonía Didáctica de la
Música, (76), 4 – 6.
Guerrero, F. (2015). Historia de la música. Recuperado de
https://docplayer.es/59044730-Historia-de-la-musica-cpm-francisco-guerrero.html
Mendieta, S. (S/F). Audio perceptiva musical. Textos UTM. Portoviejo, Ecuador.
Rodríguez Pino (S/F). Libro de iniciación a la lectura musical. Recuperado de
www.virtuosso.com - www.pentagrama.org
44

Compendio Unidad 2 - Música 2022 - Artes Expresivas, Musicales y Plásticas.

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Compendio Unidad 2 - Música 2022 - Artes Expresivas, Musicales y Plásticas.

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FACULTAD DE FILOSOFÍA, LETRAS Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN

EDUCACIÓN INICIAL Y BÁSICA

Tutorías: El profesor asignado se publicará en el entorno virtual de aprendizaje

PERÍODO: MAYO - SEPTIEMBRE - 2022

Asignatura: Artes Expresivas,

Profesor: Carlos Fernández Ferrín, M.A.

La Guía Didáctica de la Unidad Nº2 referente a las Artes musicales, es un material

que ha sido desarrollado para el apoyo y orientación del participante de la asignatura

ARTES EXPRESIVAS, MUSICALES Y PLÁSTICAS de las Carreras de Educación

Especialmente, está orientado a la capacitación en torno a elementos básicos de las

permitan gestionar de la mejor forma posible la mediación entre el estudiante y los

recursos disponibles para un aprendizaje significativo.

El objetivo central de este módulo es que el estudiante reconozca y aplique los

fundamentos y procesos propios de las artes musicales en un nivel básico, para

desarrollar la creatividad y las competencias artísticas por medio de actividades

congruentes y la valoración de los elementos constitutivos de la música en beneficio

de la educación en un contexto general.

2. Vinculación de la música con el proceso de aprendizaje.

3. Fundamentos de música e instrumentación.

4. Ejercicios de comprensión y ejecución musical.

Resultado de aprendizaje de la asignatura

Analizar y aplicar los procesos propios de las artes expresivas, musicales y

plásticas como componentes primordiales para la Educación Básica y la Educación

Inicial, seleccionando y diseñando actividades congruentes con el enfoque

metodológico constructivista y con un sentido humanista, convergentes con los

propósitos y exigencias de la educación contemporánea.

referente a las Artes musicales, el estudiante logre la siguiente competencia

Reconocer los componentes educativos formales e ideales de la expresión musical

como fuente de desarrollo creativo y sensorial, consecuente al contexto social como

potenciador del proceso de enseñanza-aprendizaje, a través del estudio Histórico,

la vinculación de esta área artística con la educación y la práctica musical pertinente

Resultados de aprendizaje de la unidad

a. Conoce las etapas históricas de la música y la vinculación de esta a los procesos

educativos actuales con uso de metodologías pertinentes, para la educación en un

b. Reconoce los fundamentos básicos de la música para aplicar en clase y desarrollar

la inteligencia musical de los niños, asociadas a los componentes de expresión y

c. Establece parámetros conceptuales y prácticos respecto a la comprensión del

lenguaje musical como factor primordial para la aplicación de actividades

relacionadas con la audioperceptiva.

d. Aplica los conocimientos adquiridos para la ejecución de ejercicios musicales,

teniendo como referencia las metodologías propicias que permiten generar un

2. Vinculación de la música con el proceso de aprendizaje 18

4. Ejercicios de comprensión y ejecución musical 41

El abordaje de los contenidos de este programa se realizará de acuerdo a una

metodología de enseñanza-aprendizaje virtual que se flexibilizará en relación a la

emergencia sanitaria por COVID-19 y en función delas características del grupo de

El abordaje de los contenidos de este programa se realizará de acuerdo a una

metodología de enseñanza virtual, que tomará en consideración las características

mejor manera los recursos académicos, para la promoción de un aprendizaje

La estrategia metodológica considera las siguientes etapas:

Clases virtuales por medio de videoconferencias (Google Meet, Zoom, Webex u

como apoyo para las clases sincrónicas.

Ubicación de contenidos temáticos, formas de presentación de trabajo autónomo y

evaluación de las unidades a través de la plataforma Moodle UTM u otras, de

acuerdo a la disponibilidad de acceso a internet de los estudiantes.

Perspectivas históricas de la música

las primeras referencias escritas acerca de ella provienen de Sumeria en la antigua

Mesopotamia, los sacerdotes de sus templos formularon la primera teoría musical.

acompañados de flautas y timbales.

XXVIII antes de Cristo.

conservan restos evidentes de música sacra y popular.

La transmisión de la música en el tiempo, principalmente se ha dado por escucha y