TEORIA DEL COLOR, COMPOSICION, VOLUMEN

El artista es alguien que ve la realidad con unos ojos diferentes, la percibe de manera particular, la siente de un
modo determinado y la transcribe sobre la tela con su sello personal. Por eso, todo artista en sus obras siempre
se manifiesta como es, descubre sus sentimientos… se desnuda. Ello hace que pintar se convierta en una especie
de rito sagrado mediante el cual el verdadero artista abre la puerta de su santuario y desvela su intimidad.

Teoría del color

La teoría del color se basa en la descomposición de la luz blanca en el espectro solar, en el que se distinguen los
colores que forman la luz. Este fenómeno se observa cuando aparece el arco iris con sus radiantes colores. El
primer científico que se fijó en este fenómeno y experimentó con él fue Isaac Newton, quien filtro un pequeño
haz de luz solar por una ranura y lo intercepto con un prisma, logrando descomponerlo en los colores del
espectro.

¿Qué es el color?

Según la Real Academia de la Lengua Española, en su primera definición, el color es una ” Sensación

producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de
onda”.

Se considera que el color se genera de la descomposición de la luz blanca proveniente del sol, o de un foco o
fuente luminosa artificial. La apariencia de esos colores siempre es visual, y variará dependiendo del tipo de
rayos luminosos, su intensidad o el modo en que son reflejados.

La luz blanca está formada por tres colores básicos: rojo, verde y azul.

¿Qué son los colores primarios?

El ojo cuenta con tres tipos de células visuales, que rigen tres tipos diferentes de sensaciones, correspondientes
a los colores primarios (azul, verde y rojo). A partir de ellos se forma para cada sensación de color un código
de tres partes. Los colores primarios son los que no se pueden obtener por la mezcla de ningún otro y, en este
sentido, son conocidos como colores únicos. El amarillo, el azul y el rojo son los que tienen esta característica.

Dentro de la teoría del color podemos hablar sobre la psicología del color, de la que existen diferentes teorías.
Algunas de ellas se contradicen entre sí, ya que dependiendo de nuestra cultura, el color nos puede
transmitir sensaciones completamente diferentes.

Dependiendo de nuestra experiencia personal y del lugar en que vivimos, los colores y los elementos que nos
rodean, nos pueden transmitir sensaciones, gustos o estados de ánimo.

Por esta razón cuando elegimos colores para nuestros diseños, material comercial o negocios es bueno tener
claro qué puede transmitir ese color, en ese lugar y a la gente que esté en él.
1
✓ El significado de los colores

¿Por qué tienen significado los colores?

Antes de hablar del significado de los colores debemos conocer algunas de las características de éstos, tales
como el tono, la saturación y la brillantez.

 ¿Qué es el tono de un color?

El tono es el color en sí mismo, es la cualidad que define la mezcla de un color con el blanco o con el negro. Así
podemos decir que existen tonos cálidos o tonos fríos. Los cálidos son aquellos tales como el rojo, el amarillo y
los naranjas, mientras que los fríos son el azul y el verde. El verde si tiene más cyan que amarillo, tendría una
tendencia a ser frío, y si tiene más amarillo parecería ser más cálido. Por eso es importante saber manejar los
tonos.

 ¿Qué es la saturación de un color?

La saturación constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco que presente.
Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee.

2
  ¿Qué es la brillantez de un color?

La brillantez o brillo de un color es la relación existente entre la intensidad del estímulo luminoso – también
conocida como luminancia – y la sensación percibida, conocida como brillantez. Para un color de un matiz y
saturación determinados, en la misma medida que la luminosidad alcanza el ojo aumentará la brillantez.

Desde tiempos antiguos grandes artistas incluyeron dentro de sus técnicas, la armonización del color, la cual
consiste en pintar con una tendencia de color determinada. Esta técnicas que utilizaron grandes artistas (Rubens,
Velázquez y muchos más) se utilizan en la actualidad tanto en pintura como en diseño para la captación de
público determinado.

¿Qué significado tienen los colores?

Color blanco: Implica inocencia y pureza, nos ayuda en momentos de estrés, a seguir adelante. Significa
igualdad y unidad. Contiene todos los colores del espectro y representa lo positivo y lo negativo de cada uno de
ellos.

Color negro: El color negro es útil para transmitir elegancia, nobleza, sofisticación, o tal vez un toque de
misterio. Es autoritario y puede evocar emociones fuertes. Al contrario que el blanco es la ausencia total de luz.

Color gris: El gris es un color que está en el medio entre el blanco y el negro, es muy idóneo para la
neutralidad. No carga visualmente y utilizado en la justa medida puede transmitir elegancia y lujo. Al ser un
color tan neutral no tenemos que abusar de él, o corremos el riesgo de generar tristeza y melancolía, como un
día de lluvia.

Color amarillo: Está relacionado con la inteligencia, fomenta la creatividad, es un color de los más luminosos
y cálidos. En diseño se utiliza para atraer la atención.

Color rojo: Es un color muy intenso, apasionante. Usado frecuentemente por los diseñadores para llamar la
atención sobre un elemento en particular. Debe usarse de manera lógica, pues su intensidad y excitación puede
cansar.

Color naranja: Color cálido, activo y dinámico, que actúa como estimulante de los tímidos y tristes. Posee
fuerza activa, radiante y expansiva. Es muy útil en pequeñas dosis ya que en grandes extensiones es atrevido y
agresivo.

Color azul: El color frío por excelencia. Simboliza la frescura, la calma y el reposo, se le asocia con la
inteligencia y las emociones profundas, con la amistad, la fidelidad, la serenidad… Si es muy claro denota
optimismo y pureza.

Color violeta: Es el color del misterio, de la lucidez y reflexión. Tiene que ver con lo espiritual y emocional. Es
un color que bien utilizado es elegante.

Color verde: Evoca lo relacionado con la naturaleza y la vegetación, lo fresco y lo sedante. Es el color

calmado, incita al equilibrio por lo cual es el más tranquilo y sedante.

Color marrón: Es el color del otoño, da la impresión de equilibrio. Es confortable y masculino. Representa el
color de la tierra.

3
Colores primarios
La realidad siempre puede ser representada de acuerdo con el libre criterio del artista, que suele transformarla
de la manera que más le interesa. En este ejemplo, el paisaje ha sido interpretado utilizando colores primarios.
Lo importante es que las primeras manchas de color definan bien la estructura cromática básica de la
composición. Las formas y los elementos más complejos y de mayor detalle se trabajaran después.

Colores Secundarios
Los colores secundarios son aquellos que surgen de la mezcla de dos primarios en proporciones iguales. Los
secundarios son el rojo anaranjado, el azul violáceo y el verde. El rojo anaranjado surge de la mezcla de
amarillo y magenta, el violeta sale del cian mezclando magenta, y el verde, de la mezcla de azul y amarillo. Si
las proporciones entre primarios son desiguales, se obtienen naranjas. Verdes azulados, violetas, etc., pero estos
no serán secundarios puros.

Todos los colores

El círculo cromático es la forma más sencilla de representar visualmente todas las variaciones de color entre los
tres primarios. En el centro de cada separación entre primarios se encuentran los secundarios; cuantas más
divisiones se realicen en este círculo, mas colores distintos se obtendrán .Si además se añade blanco a las
mezclas para iluminar cada tono , o negro para oscurecerlo, la paleta se hace prácticamente infinita. Se debe
tener siempre muy presente que de los colores primarios surgen todos los demás y la riqueza de una paleta
muchas veces radica en la habilidad del pintor de crear mezclas.

4
GAMAS CROMATICAS
COLORES FRIOS
El azul es el color más frio, aunque dentro de esta familia también figuran algunos verdes y violetas. El azul
determina la frialdad de un tono; cuanta mayor carga de este color tenga, mas frio será. En el círculo cromático,
los colores más cercanos al azul forman gama fría propiamente dicha. No todos los verdes y violetas pueden
clasificarse como fríos. Cuanta más cantidad de color cálido interviene en la formación del verde o el violeta,
menos fríos se vuelve. Los tonos verdes muy amarillentos y los cálidos y violetas muy cercanos al carmín serán
cálidos.

5
Colores Cálidos
Transmiten una sensación de calidez y la proximidad en la paleta son los amarillos, ocres, los rojos y naranjas,
también los carmines y terrosos. Si bien los ocres y marrones forman parte de la gama quebrada, el predominio
de rojo y amarillo que poseen los vuelve fuertemente cálidos. El color de un cuerpo se determina por la luz que
incide; por eso, según la hora del día o la luz que recibe, un elemento puede aparecer dominado por los tonos
fríos o cálidos. Por efecto de la atmosfera, los cuerpos más cercanos al espectador presentan unos matices más
cálidos.

Colores quebrados
Los colores marrones y los grises se denominan “quebrados”. Estos se obtienen con la mezcla de los 3
primarios, aunque en distintas proporciones. Así pues, en los grises se encuentra una carga de azul bastante
grande, mientras que en los marrones los que dominan son los rojos y los amarillos. Según sea la cantidad de
uno u otro color, se obtienen los siena, bastante rojos, o los ocres, bastante amarillos. Otra manera de conseguir
tonos quebrados es añadiendo negro al resto de colores puros.

Armonizar el color
Una vez que se comprenden los conceptos frio-cálido, primario-secundarios, se puede hacer tantas
combinaciones como se desee a la hora de realizar una composición cromática. Los tonos similares siempre
armonizan, mientras que los contrarios contrastan y se complementan. Cuando se busque una armonía y una
atmosfera unificada, deberá tenerse en cuenta como se colocan los colores y qué papel juegan unos junto a
otros. Si no se quiere contraste, se matizaran los tonos contrarios para que su visión uno junto a otro no resulte
estridente.
6
COMPOSICION
El peso de un objeto guarda estrecha relación con su posición en el cuadro, lo cual depende de varios factores,
como la cantidad de objetos (cuantos menos hay, más importancia tienen) y la distancia del punto de vista
(cuanto más cercanos, más pesados son). A la hora de componer un cuadro, los elementos tienen mayor peso si
se sitúan en el lado derecho, y menor si lo hacen en el izquierdo, más en la parte inferior y menos en la superior.

Composición y equilibrio
Se dice que un cuadro está equilibrado cuando los elementos quedan bien distribuidos en él, lo cual implica al
número de elementos representados, a la distancia existente entre ellos y al punto de vista del espectador. Una
obra se divide en 4 cuadrantes; el inferior derecho es el de mayor peso y el superior izquierdo, el de menor. Los
objetos así distribuidos dan una sensación de reposo y solidez, sea cual sea el tema representado.

7
De lo general a lo concreto
Plantear una obra supone esbozar una visión global de esta para realizar después una valoración particular de
cada elemento. El proceso del cuadro empieza por la generalización (encaje) hasta llegar a lo más concreto
(detalles, contornos y , sobre todo, la valoración del volumen mediante una mancha). En el manchado se siguen
los mismos pasos que en el dibujo: primero se abordan los tonos y luego se va concretando hasta llegar a los
matices más sutiles.

El trabajo de un pintor comporta una lucha continua por plasmar la verdad, la representación de los que se ve .
Ello exige que durante el proceso se destruyan unas formas para crear otras sin pensar que los trazos van a ser
definitivos. Se trata de una constante evolución del trabajo hasta conseguir el objetivo propuesto.

8
LUZ Y SOMBRA
Hay dos tipos de fuentes de luz, la natural y la artificial; la luz del sol se propaga de forma paralela, por lo que
las sombras de los objetos bajo su influencia siguen direcciones iguales; la luz artificial se propaga de manera
radial. En dibujo y pintura las luces se expresan mediante tonos claros; según sea la técnica que se emplee, estos
se obtendrán o bien añadiendo blanco a los tonos o por transparencia.

Hablar de luz y sombra es referirse a un segundo nivel de entender el dibujo. La primera aproximación al
estudio de las formas se basa en un dibujo lineal y de silueta, lo cual implica tener claros los conceptos de
medidas, de cálculos de espacio y de composición. En un segundo nivel se puede tratar de la manifestación del
volumen mediante la representación de la luz y la sombra que se proyectan sobre un cuerpo y que, por lo tanto,
dan a entender su relieve y su volumen.

LAS SOMBRAS:

Dan la sensación de volumen en Dibujo y pintura, pueden clasificarse en Propias, Reflejadas y proyectadas:

Sombra Proyectada  de un objeto: La que refleja un objeto sobre la superficie en que se encuentra ubicado.

9
Sombra Reflejada: Las que proyecta un objeto sobre otro, son vecinas entre objetos y se producen sobre la luz
reflejada.

Sombras Propias de un objeto: la encontramos en parte donde no alcanza a incidir la luz directamente, en la cual
se crea un area de penumbra y generalmente es menos intenso el color.

La luz: permite la visión del contorno, la textura y el color de los objetos y su ubicación en el espacio.

Luz Directa: Luz directa es la que procede de una fuente que tiene energía luminosa propia. Por ejemplo, la luz
del Sol, la de un bombillo, una antorcha, una linterna.

Luz Reflejada: también llamada luz indirecta, es la que procede de un cuerpo que no la tiene propia sino que la
recibe de otro, al rebotar la luz en él

Brillo: Luz que emite o refleja un cuerpo.

Luz lateral Luz frontal

Luz Cenital Contraluz

10