El Concepto del Campo Expandido

http://www.generacionabierta.com.ar/notas/63/campoexpandido.html

Por RENÉE LAGOS

“Nada es una obra de arte sin una interpretación que la constituya como tal” sostiene
Arthur Danto en “La Transfiguración de un lugar común”.
Este concepto es aplicable a las teorías sobre el campo expandido desarrolladas por
Rosalind Krauss y Lucy Lippard.
Particularmente hablamos de la libertad del artista-creador para buscar los medios más
óptimos y expresivos para elaborar nuevos canales para su discurso y de esta manera
alejarse del formalismo.
Para Lippard la aparición de su obra “Seis días- La desmaterialización del objeto artístico”,
trataba de ser una experiencia fragmentaria, una crítica que apuntara a mostrar no decir,
para así dejar en manos del espectador la organización de las interrelaciones existentes
entre nuevos contenidos.
La misma trata acerca de algunos límites estéticos abordados por el arte conceptual o arte
de la idea, con su premisa de que la idea es mas importante que las referencias visuales. De
la misma manera que el minimalismo, antiforma, arte de sistemas, arte de la tierra o el arte
procesual.
Krauss relata la manera en que los géneros como la escultura y la pintura han sido
alterados, dilatados, retorcidos en una exhibición extraordinaria de elasticidad, en una
forma en que la materia puede expandirse e incluir cualquier elemento para su concepción.
Todo es factible puede extenderse sin romperse, en otras palabras sin dejar de ser escultura.
Esto posibilita la “rotura” o desestimación del límite. Así lo demuestran las obras de finales
de los sesenta y principios de los setenta de escultores como, Walter De Mariah, Sol Le
Witt, Michael Heiger, Robert Irwin y Bruce Nauman.
De la misma manera los trabajos realizados por Fluxus, con artistas como Nam June Paik,
Yoko Ono, John Cage, George Maciunas . O los realizados por los accionistas como Marina
Abramovich, Ana Mendieta, Tania Bruguera entre otros.
La aparición de la escultura monumental basada en nuevas concepciones tuvieron en
Richard Serra uno de sus mejores exponentes, el mismo concibió una obra paradigmática
para su época 1968-69, denominada “Castillo de Naipes” compuesta por cuatro planchas
de plomo antimonio de 122 x 122 x 2,5 cm, de cuatro toneladas cada precario y delicado
equilibrio utilizando las leyes de gravedad para que las pesadas planchas de metal
permanezcan en su sitio. Pero a su vez otorga una sensación de fragilidad, como si este
Castillo de Naipes fuese a derrumbarse en cualquier momento.
Señalaremos que este tipo de noción no es nueva, fue realizada por Duchamps, un
antecedente al concepto de lo expandido y la hibridación de géneros.
La verdadera importancia de estos lenguajes es la absoluta libertad creativa y la búsqueda
constante de todo tipo de medio expresivo para llevarla a cabo, artistas informalistas como
Gary Kuehn, Keith Sonnier, Alice Adams, Louise Bourgeois y el recientemente
desaparecido Antonie Tapies, utilizaban todo tipo de nuevos materiales para sus obras
como cuerdas, bolsas, caucho, así también sintéticos, plásticos transparentes o látex.
La obra de Joseph Beuys esta direccionada hacia el arte de acción, seguramente el hecho de
ser derribado y herido en la guerra de Crimea, tenga que ver con el hecho de intentar
transformar mediante su obra, como una voluntad terapéutica de sanación, mediar
simbólicamente entre los distintos aspectos como lo espiritual, lo intuitivo y lo racional.
Experimentar con la interacción del hombre y la naturaleza, lo orgánico y lo inorgánico, el
principio femenino y el masculino, los elementos, la materia y la antimateria.
Las creaciones de Beuys persiguen fines moralizadores orientados hacia una sociedad
espiritualmente enferma y decadente.
Temas como la enfermedad y la muerte ocupan un espacio central en sus creaciones,
símbolos como el renacimiento, la resurrección y la sanación se hallan presentes en sus
representaciones, para los cuales utiliza elementos como jeringas, prótesis, animales
muertos, marcas de cruces, vendas manchadas con sangre, que señalan su relación
traumática con el entorno.
Artistas como Beuys trabajan el concepto de desmaterialización del arte, para que el mismo
se convierta en un medio activador de la realidad y el pensamiento. Principio al que
llamaba “Noción ampliada del arte” que sostiene que una verdadera obra de arte reside en
la transformación de la conciencia del espectador.
Si hablamos del arte del paisaje o de la tierra señalaremos que los artistas del Land Art o
Earth Art, son críticos al sistema formal de las artes plásticas. Sus producciones se
encuentran alejadas de galerías y museos.
Trabajan transformando el paisaje propio, no sólo se trata de un arte al aire libre sino que
hay también una profunda reflexión sobre el espacio y el tiempo en el que habitamos.
Los representantes de este movimiento son Michael Heizer, Walter De María, Robert
Smithson, Christo Javacheff y el argentino Nicolás García Uriburu.
Todo es factible en el universo del campo expandido, donde distintos géneros confluyen
para dar marco a nuevas concepciones artísticas.
El límite se ha corrido para permitir las prácticas de nuevas narrativas, una realidad
compleja y heterogénea del mundo en que nos toca vivir.

Bibliografía:

Anaya, Jorge López. El extravío de los límites, Editorial Emecé, Buenos Aires, 2007.
Guasch, Ana María. El arte último del siglo XX, Editorial Alianza, 2000.
Krauss, Rosalind. La escultura en el campo expandido, editorial Paidós, Barcelona 1979.
Lippard, Lucy. Seis días- La desmaterialización del objeto artístico, Editorial Akal, 2004.

Explique el concepto de “escultura como campo expandido”

Según la lectura, a lo largo de los años la escultura ha sido manipulada de modo que casi
cualquier cosa puede ser llamada escultura, no importa que una obra no se relacione en
nada con la otra pero teniendo su propia lógica; sin embargo al paso del tiempo la
globalización de esta palabra se hizo más difícil de probar, provocando esto un colapso en
el concepto cuando la lógica empieza a fallar, dándose el fracaso de ciertas obras como
esculturas o monumentos por las mismas superficies de estas y por encontrarse versiones en
diferentes museos; de este modo rompiendo la lógica y entrando a su condición negativa,
explicada como una falta de lugar a esta etapa se le llama modernismo, era la inversa de su
lógica la combinación de exclusiones siendo ahora la escultura la abstracción, a lo largo del
tiempo solo siendo posible definirlo como era lo que no era,
“lo que está en la sala que no es realmente la sala”
es decir la adición del no-paisaje con la no-arquitectura, así mismo se concluye que si
existe la escultura como la suma del no-paisaje como la no-arquitectura, entonces también
existen sus inversos de estos siendo su expresión positiva, así formando el campo
expandido, dando paso al posmodernismo, con otras tres categorías más, que son: la
construcción-emplazamiento, que es la suma del paisaje y la arquitectura; los
emplazamientos-señalizados, suma de paisaje y no-paisaje, eran manipulaciones de los
emplazamientos; y las estructuras axiomáticas, suma de arquitectura y no-arquitectura, eran
una intervención en el espacio real de la arquitectura; siendo la fotografía utilizada en los
dos últimos conceptos. El campo expandido se caracteriza por la práctica de los artistas
individuales, es decir que los artistas pasaban por diferentes lugares del campo no
dedicándose a un solo rubro y la cuestión del medio, es decir que no se debe utilizar un
medio en específico que se relacione con la practica sino que la práctica se relaciona con
operaciones lógicas en las que se puede utilizar cualquier tipo de medio como fotografías,
espejos y libros.
Concluyendo, las diferencias del “concepto de escultura en el campo expandido” con la
escultura
se pueden ver en que la escultura en el campo expandido es completamente lo contrario de
la escultura como se conocía antes, es su inversa y negativo; otra diferencia es que en la
escultura el autor solo podía dedicarse a ese rubro y utilizando el medio dado este
relacionándose con la práctica, en cambio en el campo expandido los artistas podían
pasarse de un rubro del campo al otro , la practica relacionándose a las operaciones
utilizando diferentes tipos de medio. Sobre las cuatro obras de la lámina 1. 2) A partir del
análisis y definición de escultura en el Campo expandido:

¿Cómo ejemplifican el concepto de “escultura en el campo expandido?

¿Qué características presentan en común y cuáles son las diferencias

entre ellas? En la figura 1, spiral jetty de

Robert Smithson
, esta figura pertenece al rubro de emplazamientos-señalizados que es la suma del paisaje y
el no-paisaje, ya que el hombre interviene en el paisaje para cambiarlo. En la figura 2,
Double negative
de
Michael Heizer
, esta figura pertenece al rubro de emplazamientos-señalizados que es la suma del paisaje y
el no-paisaje, porque el artista extrae una parte del paisaje para llevar a cabo su obra, siendo
paisaje la tierra y el no paisaje el hueco que el artista hace con una excavación, el trabajo
consiste en lo que no está, en lo extraido,

En la figura 3,
annual rings de Dennis Oppenheim
, esta figura pertenece al rubro de emplazamientos-señalizados que es la suma del paisaje y
el no-paisaje, porque se puede analizar el paisaje como la nieve que ya está ahí sin
intervención del hombre y al no paisaje como los anillos y líneas que hace el artista.

En la figura 4,
Shift de Richard Serra
, esta figura pertenece al rubro emplazamientos-señalizados que es la suma del paisaje y el
no-paisaje
, porque el paisaje es representado por lo que ya estaba ahí y el no-paisaje por las formas de
concreto que sirve en forma de señalización de cómo se camina para encontrarse con
alguien que viene del otro extremo. De los 4 se puede ver que todas pertenecen al mismo
rubro
de emplazamientos-señalizados, es decir sumade paisaje y el no-paisaje

https://bellasartesestetica.files.wordpress.com/2012/08/silvina-valesini-la-
instalacion-como-dispositivo.pdf (ESTÁ BAJADO)

Resumen de la Lectura: Instalaciones de Josu Larrañaga

http://te1evelyn.blogspot.com.ar/2010/01/instalaciones.html
Instalaciones por Josu Larrañaga

TÉRMINO RECURRENTE

Instalación es un término que batalló mucho en ser aceptado. Se origina en los

años 60's y es fundamental para entender el arte en la última mitad del siglo. Se
puede definir como una categoría artística, como un género, con escenografía
teatral o montaje de exposiciones, también con un intento de aunar diversas
artes, y hasta por escultura que invade un espacio mayor. Llamanos instalación al
resultado de una seria de confluencias, propósitos y realizaciones concretas.

ANTECEDENTES

Los precedentes artísticos más significativos fueron

alteraciones políticas, sociales, científicas, técnicas y culturales sucedidad en la
primera mitad del siglo XX. En 1912, Pablo Picasso sustituye la representación
pictórica por el propio material pegado sobre la superficie en Nature morte à la
chaise canée.
Esto promovió muchas obras 3D y se desarrolló la técnica del collage.

El plano pictórico rompía sus límites laterales tradicionales y se desprendía del

marco como en La última exposición futurista (1915) por Malevitch en
Petrogrado.

Con el desarrollo tecnológico y científico hubo esperanzas sociales, culturales y

artísticas. Cuando el arte pretende coincidir con la vida, los
 espacios de la representación se convierten el lugares
para ser recorridos, que pueden tocarse y relacionarnos con los objetos. Tal es el
caso de Salvador Dalí en la reconstrucción del Rostro de Mae West en un
apartamento en 1938.

Cuando el arte pretende coincidir con la vida, los espacios de la representación

comienzan a ser lugares que se recorren, formas que pueden tocarse, objetos
con los que nos podemos relacionar o usar de diferentes maneras.

La vanguardia moderna llamara a la destrucción de los museos, señalándoles

como obstáculos insalvables para el desarrollo del nuevo

arte. La ampliación de los márgenes del arte y la

reconsideración de las condiciones de producción y presentación de la obra era
necesario para la comprensión de la obra. Yves Klein, en 1958, aparece como
director de orquesta en el teatro Gelsenkirchen en Alemania de espaldas a un
patio de butacas vacio dando el compas inicial a los nuevos espectadores que
observamos la representación fotográfica.

LOS TÉRMINOS DE LA INSTALACIÓN

La palabra inglesa installation se puede traducir al castellano en dos formas:

como instalación y como investidura. La primera se refiere al trabajo de montar
y ensamblar una construcción de carácter productivo, establecer criterios de
orden y de distribuición en un espacio; es preparar un lugar para que pueda ser
usado por el usario de una manera determinada. La segunda es como una forma
de conferir dignidad o importancia al espacio e inviste al espectador como eje
del proceso de construccipon.
L a instalación trabaja con tres experiencias: la
espacial, perceptiva y la lingüística, tal como Jenny Holzer lo ejemplifica en
Textos de amor y pérdida (1950) en Guggenheim de Bilbao, NY. Consta de
pantallas lineales que dividen el espacio en dos partes donde circulan frases en
euskera, español y francés. Es un ejemplo de articulación espacial, capacidad
expresiva y presición lingüística. La incorporación del cuerpo, del recorrido y de
la experiencia física, sensorial y psicológica plantea diversos problemas de
valoración e interpretración de las obras.

El término instalación surge como necesidad para indicar el tipo de trabajo

artístico presentado en un determinado espacio, que no descansaba en un
objeto, no podía limitarse, ni definirse o acogerse en una forma determinada. El
espacio no sólo sirve de soporte a la obra, sino que es su contenido. El lugar no
se encuentra preestablecido, sino que sólo ha sido preparado. No es
unidireccional, sino un conjunto de posibilidades con las que el artista trabaja
para ponerlas a disposición de su obra. Gordon Matta-Clark participó en 1971 en
la exposición Changing Terms con su instalación Tuberías que consistía en la
prolongación de una tubería de abastecimiento de gas al edificio hasta el lugar
de la exposición. Colocó fotografías de la tubería siguiendo el recorrido hasta la
calle marcando las dos vidad de la tubería: física y fotográfica.
Al nuevo espectador de una instalación se llama usuario porque nos muestra una
alteración en su relación con la obra y en la inclusión con el proceso artístico.

En Laberinto (1969) de Michelangelo Pistoletto la participación de este "usuario"

es muy importante. Consta de un rollo de cartón ondulado. El espectador se
mueve entre él y la experiencia y recorrido conforma el propio contenido de la
obra.

CONTRA CORRIENTE

La imposibilidad física de introducir una obra de land art en el paisaje doméstico

como objeto decorativo evita la manipulación privada

de la obra. Los subproductos como proyectos, apuntes, fotos, reproducciones son
los que pasan al espacio social. La obra de arte dispone de dos espacios: en la la
propia instalación y el de sus referencias, memoria. Al basarse tanto en su
localización espacial, el cambio de sitio es un gran problema porque puede
afectar su comprensión, su lectura y su experimentación. En el caso de la obra
de Mona Hatoum, Light Sentence (1992) la arquitectura es indiferente, ya que las
condiciones no afectan ni interfieren en su comprensión. Se trata de una U
realizada con 216 cajas en columnas donde en el centro hay una bombilla
colgada a un cable que sube y baja creando sombras.

Los diversos materiales, objetos, decorados de una instalación se conservan o se

destruyen según las características de la obra. No es necesario que exista una
pieza determinada, el original, para que la instalación exista. La propia
instalación se reproduce en cada nueva muestra. En algunas casos es su contexto
físico en que le da el significado, en otros, nada propio de la obra impediría que
se reprodujese muchas veces en diferentes lugares. Por ejemplo, Rebecca Horn
expuso su obra El río de la luna (1992) en dos lugares diferentes en la Fundación
Espai Poble Nou y en el hotel Peninsular de Barcelona.

Bibliografía
Larrañaga, Josu . (2001). Instalaciones. España: NEREA.