“LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DE MEDIADOS DEL SXIX Y EL USO DEL COLOR”

EL IMPRESIONISMO

El impresionismo intentaba pintar la luz en el momento exacto en que observaban el mundo.

1. ¿QUÉ ES EL IMPRESIONISMO?
Se conoce como impresionismo a uno de los principales movimientos artísticos del
siglo XIX, especialmente en el género de la pintura, que aspiraba a reproducir en
sus obras la “impresión” vital del mundo a su alrededor, es decir, intentaba
pintar la luz en el momento exacto en que observaban el mundo. En esto rompió
con sus predecesores, que favorecían las figuras plenas e identificables y fue un
movimiento clave en el desarrollo de las artes en Europa –y sobre todo en Francia-
y sentó las bases para movimientos posteriores como el postimpresionismo y las
vanguardias.
El nombre de impresionista se empleó también para otras artes, como la música o
la literatura, o también la escultura y arquitectura, a pesar de que sus rasgos
definitorios son bastante particulares de la pintura. Esto es posible debido a que la
filosofía del impresionismo podía interpretarse como un afán por imitar la
realidad y, en todo caso, por concebir el arte como fruto de un proceso racional,
algo que iba de la mano del positivismo, doctrina de pensamiento que imperaba
en la sociedad burguesa del siglo XIX.
Los preceptos del impresionismo fueron objeto de oposición por parte
del expresionismo, nacido a finales del siglo XIX como una reacción a favor de la
subjetividad artística y las necesidades expresivas interiores del ser humano.

2. CONTEXTO HISTÓRICO DEL IMPRESIONISMO

Édouard Manet sentó las bases para el surgimiento del impresionismo.

 El término “impresionista” se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy,
quien lo habría empleado de manera despectiva, frente a un cuadro de Monet
llamado Impresión, sol naciente (1873), expuesto junto a los cuadros de otros
artistas jóvenes en el Salón de Artistas Independientes de París entre abril y mayo
de 1874. Jugando con el título del cuadro, Leroy arremetió en la prensa contra los
treinta y nueve “pintores impresionistas” expuestos, dándole nombre sin saberlo
al movimiento.
Sin embargo, el impresionismo gozó de aceptación en los circuitos artísticos
europeos de la época. La París de la época era lugar de peregrinación artística para
Europa toda, y allí tuvieron lugar numerosas exposiciones universales, por lo que
el movimiento nació en el mero centro del arte del momento.
Tuvo como precursores a los paisajistas ingleses románticos de inicios del siglo
XIX, para los que eran frecuentes las escenas que trascendieran la forma, tales
como J. M. William Turner y John Constable. Sin embargo, será Édouard Manet
quien siente propiamente las bases para el surgimiento del impresionismo.

3. CARACTERÍSTICAS DEL IMPRESIONISMO

Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para los métodos pictóricos.
El impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la
combinación de colores y pinceladas, en vez de formas y siluetas. La pincelada
impresionista, bautizada posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y
usaba colores puros, sin importar que en solitario no fueran pertinentes al modelo
real, ya que una vez completa la imagen, se podría percibir globalmente la obra y
reproducir así una totalidad bien definida, con mucha luminosidad y vibra. Esta
técnica inspiraría posteriormente a los neo-impresionistas o puntillistas.
Otro de los avances del impresionismo fue la creación de nuevos pigmentos para
obtener colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear
muchas leyes cromáticas de la época, entendiendo el color en relación a sus
acompañantes y al contraste que con ellos generan. Por eso los impresionistas
hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del claroscuro, en favor
de sombras hechas con colores complementarios que dotaban de mayor
profundidad a la obra.
De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un segundo plano,
prefiriendo explorar en cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la
justa de luz y colores para sus métodos pictóricos.

4. REPRESENTANTES DEL IMPRESIONISMO

Los principales representantes del Impresionismo fueron:
 Édouard Manet (1832-1883). Aunque nunca perteneció formalmente al grupo.
 Edgar Degas (1834-1917). Miembro fundador del grupo.
 Claude Monet (1840-1926). Miembro fundador del grupo.
 Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Miembro fundador del grupo.
 Berthe Morisot (1841-1895). También fundadora del grupo.
 Francesco Filippini (1841-1870). Fundador del impresionismo italiano.

5. PINTURAS DEL IMPRESIONISMO

Impresión: Sol Naciente fue pintado por Claude Monet en 1873.

Algunas pinturas impresionistas reconocidas son las siguientes:

 Impresión: Sol Naciente (1873) de Claude Monet
 El almuerzo de los remeros (1881) de Pierre-Auguste Renoir
 Boulevard Montmartre de noche (1897) de Camille Pissarro
 El almuerzo sobre la hierba (1866) de Claude Monet
 La clase de Ballet (1874) de Edgar Degas
 La lectora (1876) de Pierre-Auguste Renoir

POSTIMPRESIONISTAS
Conocidos por sus diversos y distintivos estilos y por sus percepciones subjetivas del
mundo que los rodeaba, los postimpresionistas fueron pioneros en cuanto a la forma
de hacer arte a finales del siglo XIX. A diferencia de los impresionistas que los
precedieron y los fovistas que vinieron después, los artistas postimpresionistas no
compartían un solo enfoque estético. En cambio, lo que los unió fue un interés común
en explorar abiertamente la mente del artista.
Dada la variedad de estilos, técnicas e incluso temáticas presentes en las pinturas
postimpresionistas, definir el movimiento puede ser difícil. Sin embargo, al hacer un
recuento de su historia, identificar a sus artistas y determinar sus características
distintivas, se puede empezar a comprender el significado histórico y simbólico de esta
corriente artística.
1- ¿QUÉ ES EL POSTIMPRESIONISMO?
El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante la década
de 1890. Se caracteriza por un enfoque subjetivo de la pintura, ya que los artistas
buscaban evocar emociones a través de su obra, dejando a un lado el realismo. Si bien
sus estilos varían mucho, las pinturas postimpresionistas sí comparten algunas
características. Éstas incluyen motivos simbólicos, colores poco naturales, y pinceladas
pictóricas.
 Vincent van Gogh, ‘La noche estrellada’ (1889)
2- HISTORIA
Entre 1870 y 1880, el impresionismo era la corriente vanguardista dominante en
Francia. Sin embargo, muchos nuevos artistas no estaban de acuerdo con el enfoque
impresionista en la forma en vez de la temática. Con la intención de revolucionar el
mundo del arte contemporáneo, varios artistas con estilos disímiles—incluyendo a
Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Georges Seurat, Henri Toulouse-
Lautrec y Henri Rousseau—formaron el grupo de los postimpresionistas.
Al igual que los impresionistas, los postimpresionistas compartieron su trabajo con el
público a través de exhibiciones independientes por todo París. En 1910, el conocido
crítico de arte, historiador y curador Roger Fry acuñó el término “postimpresionismo”
en su exposición Manet y los postimpresionistas. Al igual que los artistas de esta
corriente, Fry creía firmemente que la belleza del arte está intrínsecamente anclada a
la percepción. “El arte es una expresión y un estímulo a la vida imaginaria más que una
copia de la vida real”, explica Fry en An Essay in Aesthetics. “El arte aprecia la emoción
por sí sola. El artista es un constante observador de su entorno y el menos afectado
por su valor estético intrínseco. Al contemplar un campo de visión específico, la
conjunción estética caótica y accidental de formas y colores comienza a cristalizarle en
una armonía”. Hoy en día, estas ideas nos ayudan a entender el hilo conductor entre
estos artistas.
3- CARACTERÍSTICAS CLAVE
 Simbolismo emocional
Los postimpresionistas creían que una obra de arte no debería de girar alrededor de un
estilo, proceso o enfoque estético en particular. En cambio, la obra debería de hacer
énfasis en el simbolismo al comunicar los pensamientos más profundos del
subconsciente del artista. En lugar de emplear el sujeto como una herramienta visual o
como un medio para un fin, los postimpresionistas lo percibieron como una forma de
transmitir sentimientos. Según Paul Cézanne, “una obra de arte que no comenzó en las
emociones no es una obra de arte”.
 Paul Cézanne, ‘Pirámide de cráneos’ (1901)

Henri Rousseau, ‘El sueño,’ 1910

 Colores llamativos
A diferencia de los impresionistas, quienes buscaban capturar los efectos de la luz
natural sobre los tonos, los postimpresionistas deliberadamente adoptaron una paleta
de color artificial para representar su percepción emocional del mundo que los
rodeaba. Tonalidades saturadas, sombras multicolores y una gran variedad de colores
son evidentes en la mayoría de las pinturas postimpresionistas, mostrando el enfoque
innovador e imaginativo de los artistas hacia la representación.

Paul Gauguin, ‘El Cristo amarillo’ (1889)

  Pinceladas distintivas
Al igual que las pinturas que pertenecen al impresionismo, la mayoría de las pinturas
postimpresionistas presentan pinceladas gruesas y perceptibles. Además de añadir
textura y un sentido de profundidad a la obra de arte, estas marcas también apuntan a
las cualidades pictóricas de la obra, dejando claro que no pretende ser una
representación realista.

Vincent van Gogh, ‘Dos figuras en el bosque’ (1890)

Vincent van Gogh, detalle de ‘Dos figuras en el bosque’ (1890)

 Diferentes técnicas
A diferencia de otros movimientos artísticos importantes, el postimpresionismo
incluye una enorme variedad de estilos y subgéneros. Entre ellos se encuentran EL
PUNTILLISMO, impulsado por Georges Seurat y Paul Signac, el puntillismo es una
técnica que emplea pequeños puntos de color que se unen para formar una
composición cohesiva. Si bien se inspira en las pinceladas del impresionismo, el
puntillismo muestra el enfoque en la planitud y la formalidad evidente en muchas
piezas postimpresionistas. Seurat y Signac introdujeron el método en 1886, y
continuaron trabajando en este estilo a lo largo de toda su carrera.

Georges Seurat, detalle de ‘Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte’ (1884-1886)

 Georges Seurat, detalle de ‘Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte’ (1884-1886)}

El Postimpresionismo poseía una relación confusa con el Impresionismo porque:

• Por una parte, frecuentemente sus recursos técnicos son los heredados
directamente del Impresionismo: pincelada suelta, mezcla óptica, colores de
complementarios, etc. Los temas de los postimpresionistas también eran similares a
los característicos del Impresionismo.
• Por otra parte, la relación del Postimpresionismo con respecto a la realidad es
diferente a la del Impresionismo, aunque en ocasiones pinten los mismos motivos. Los
Postimpresionistas buscaban ampliar los horizontes expresivos de la pintura, sin
resignarse a plasmar pasivamente lo observado en la realidad (en contraste con los
impresionistas, que estaban interesados en captar efectos fugaces reflejándolos en el
lienzo tal y como eran observados en la Naturaleza).

FAUVISMO
El fauvismo también conocido como fovismo, fue un movimiento pictórico que tuvo
origen en Francia entre los años 1.904 y 1.908, se caracterizó por el uso del color de
manera provocativa.

Lujo, calma y voluptuosidad, 1904-1905, Henri Matisse, (París, Museo de Orsay).

El nombre se originó del término “fauves”, cuando Louis Vauxcelles, el crítico de arte,
contempló lo que se conoce como la primera exposición en 1.905 en el Salón de
Oroño.
Al ver en esos trabajos gamas agresivas, denominó el movimiento “fauves” que en
español significa “fieras”.

El fauvismo era un arte no muy bien definido, pero expresaban experiencias personas
de los pintores quienes cargaban con frescura y espontaneidad sus obras.
También se caracterizaba por tener un tinte violento, con el que rechazaban los
convencionalismos y tradiciones de los movimientos anteriores, especialmente contra
el impresionismo, por eso las pinturas cargadas de color.

1- CARACTERÍSTICAS DEL FAUVISMO

 El color fue lo que condicionó la forma de pintar, los artistas expresaban que
mediante los colores podían expresar sus sentimientos.
 Pero no usaban los tonos naturalistas, sino que empleaban el color para tener
más expresión.
 Las líneas gruesas, pinceladas vigorosas, sin mezclas ni matices de colores
también caracterizan a este tipo de arte.
 Este estilo nuevamente lo que busca es una gran intensidad emocional con una
simplificación de elementos.
 Los temas más cotidianos en este tipo de arte son personajes en interiores,
retratos, naturaleza muerta y paisajes muy hermosos, las máscaras africanas y
las estatuas.

2- PRINCIPALES EXPONENTES DEL FAUVISMO

Henri Matisse
Líder y máximo expositor de este movimiento artístico, sus obras fueron planas donde
el color prima incluso con un uso exagerado. El artista francés recibió reconocimiento
internacional logrando la aprobación de coleccionistas y críticos de arte.
 La danza, 1909-1910, Henri Matisse, (San Petersburgo, Museo del Hermitage)
André Derain
Su estilo fue más enfocado a personajes urbanos y campestres, no se preocupaba por
la perspectiva ni la representación realista.
Los colores que se usaban eran puros y con frecuencia se aplicaban directamente del
tubo al lienzo; luego tuvo influencias en su arte por el cubismo.

Tres personajes sentados en la hierba, 1906, André Derain, (Paris, Museo de Arte Moderno).
Maurice de Vlaminck
Se caracteriza por sus obras con paisajes dramáticos inspirados por Van Gogh, sus
representaciones artísticas se centran en la naturaleza, el campo y eventualmente
producía retratos.

El puente de Chatou, 1906-1907, Maurice de Vlaminck, (Berlín, Nationalgalerie)