Romanticismo (1800-1860)[editar]

Frederic Chopin fue el pianista más característico del período y uno de los más importantes
compositores de este instrumento.

Richard Wagner fue el compositor que llevó a su apogeo el género de la ópera.

Artículo principal: Romanticismo

Artículo principal: Música del Romanticismo

El piano romántico[editar]
 Franz Schubert (1797-1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo,
cuyos lieder (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están
entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un
puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. Escribió obras para piano,
música sinfónica, religiosa y numerosas óperas.
 Félix Mendelssohn (1809-1847), compositor alemán, una de las principales figuras de
comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. A los 9 años debutó como pianista
y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura El sueño de
una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha
nupcial 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz
Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn se le atribuye
el haber redescubierto la obra de Johann Sebastián Bach, al estrenar en 1829
su Pasión según San Mateo.
 Frédéric Chopin (1810-1849), comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Aprendió la
técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde estudió
 armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También fue precoz
como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven mantuvo
estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus reuniones
musicales. A los 20 años de edad dejó su Polonia natal en un viaje de estudios, pero
nunca regresó. Su obra se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad
melódica, y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue su instrumento por
excelencia, y tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época.
 Robert Schumann (1810-1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde niño, ya
demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación
procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada
por la muerte de su padre, aunque posteriormente reemprendería sus estudios. Fue un
brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms
cuando era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y
tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus últimos años se acentuaron las
depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Murió de tifus en un
sanatorio.
 Franz Liszt (1811-1886), compositor austro-húngaro, pianista y profesor. Liszt se hizo
famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus
contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su
época y quizás el más grande de todos los tiempos.2 También fue un importante e
influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que
contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros
compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes, en particular de Richard
Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín.
 Richard Wagner (1813-1883), fue un compositor, director de
orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo.
Destacan principalmente sus óperas (calificadas como «dramas musicales» por el
propio compositor) en las que, a diferencia de otros compositores, asumió también
el libreto y la escenografía.
En sus inicios, fundamentó su reputación como compositor en obras como El holandés
errante y Tannhäuser, que seguían la tradición romántica de Weber y Meyerbeer.
Transformó el pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total»
(Gesamtkunstwerk), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y
escénicas, que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la
primera mitad de su monumental tetralogía El anillo del nibelungo. Sin embargo, sus ideas
sobre la relación entre la música y el teatro cambiaron nuevamente y reintrodujo
algunas formas operísticas tradicionales en las obras de su última etapa, como en Los
maestros cantores de Núremberg. Las obras de Wagner, particularmente las de su último
periodo, destacan por su textura contrapuntística,
riqueza cromática, armonía, orquestación y un elaborado uso de los leitmotivs (temas
musicales asociados a caracteres específicos o elementos dentro de la trama). Wagner fue
pionero en varios avances del lenguaje musical, como un extremo cromatismo (asociado
con el color orquestal) o la ampliación del cosmos armónico a través de un continuo
desplazamiento de los centros tonales, lo que influyó en el desarrollo de la música clásica.
Su ópera Tristán e Isolda se describe a veces como punto de inicio de la música docta
contemporánea. La influencia de Wagner se extendió también a la filosofía, la literatura,
las artes visuales y el teatro. Hizo construir su propio teatro de ópera, el Festspielhaus de
Bayreuth, para escenificar sus obras del modo en que él las imaginaba y que contienen
diseños novedosos. Allí tuvo lugar el estreno de la tetralogía del Anillo y Parsifal, donde
actualmente se siguen representando sus obras operísticas más importantes en
un Festival anual a cargo de sus descendientes.

 Johannes Brahms (1833-1897). Después de estudiar violín y violonchelo con su padre,

contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a
componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto
musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como
 pianista acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira
conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quien lo presentó al
compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las
composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo
en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto
a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta
amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin
descanso.
 Anton Bruckner (1824-1896). Nació en la pequeña ciudad de Ansfelden, en el norte
de Austria. Su padre, que era maestro de escuela y tocaba el órgano de la iglesia
local, imbuyó a su hijo las dos vocaciones a las que dedicaría su actividad profesional:
la enseñanza y la interpretación como organista. Bruckner se destacó
como compositor, profesor y organista. Compuso sinfonías románticas con una
condición barroca empleando el contrapunto aprendido en el órgano. Su posición
estilística se encuentra dividida entre los progresistas, seguidores de Wagner y los
conservadores, seguidores de Brahms. Su afán de perfeccionismo y las críticas que
recibe le hacen modificar sus obras una y otra vez, con lo cual aparecen múltiples
versiones de una misma obra.
Música programática[editar]
El lied[editar]
El lied es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. Consiste en la
interpretación de un poema realizada por un cantante y piano. La estructura general es A B
A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía. El principal compositor del
lied es Schubert, cuyos temas esenciales eran la muerte, el amor y la naturaleza. También
en la composición de esta forma se destacaron Robert Schumann y Hugo Wolf.

Sinfonía romántica[editar]
Los nacionalismos (1850-1950)[editar]
Rusia[editar]
El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su
ópera Una vida por el Zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a
un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura rusa.
Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski El
convidado de piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una
vez depurado su estilo de composición en relación con sus estudios posteriores, despertó
una gran atención tanto en su país como en el extranjero. Sus operas rusas ofrecían una
síntesis de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música
orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y
lo exótico.
El Grupo de los Cinco[editar]
Artículo principal: Los Cinco (compositores)

De este grupo de cinco, solo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev,
ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su
composición En las estepas de Asia Central y por Danzas polovtsianas de su ópera El
príncipe Ígor.
Otro componente de este grupo fue Modest Músorgski quien introduce ritmos del folclore
ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la Iglesia ortodoxa, tan
características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos la suite para piano Cuadros
de una exposición, que posteriormente llamó la atención a Maurice Ravel quien hizo un
arreglo orquestale.
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su
trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más importantes
fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utiliza
elementos de la iglesia rusa en su Obertura de la gran Pascua rusa e influencias de la
música tradicional asturiana o andaluza en su Capricho español.
Piotr Ilich Chaikovski fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color
brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música de
tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Obras
como la obertura de Marcha eslava, y Capricho italiano ubican definitivamente a
Chaikovski dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo que
se consideran entre las obras más famosas jamás construidas.

El compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue el principal exponente del nacionalismo
en Latinoamérica y uno de los compositores no europeos más importantes.

El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que son reconocibles como

nacionales o regionales. Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica, y el uso
de melodías, ritmos y armonías inspirados por la misma. El nacionalismo también incluye
el uso del folclore como base conceptual, estética e ideológica de
obras programáticas u óperas.
El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo
del romanticismo y postromanticismo de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo
XX, al cual se le incorporan elementos locales o folclóricos, aunque existen evidencias del
nacionalismo desde inicios del siglo XVIII. El término también es usado frecuentemente
para describir la música del siglo XX de regiones no dominantes en la música, sobre todo
de Latinoamérica, Norteamérica y Europa Oriental. Históricamente el nacionalismo musical
del siglo XIX ha sido considerado como una reacción contra el dominio de la música
romántica alemana.
Los países relacionados con mucha frecuencia al nacionalismo son: Rusia, República
Checa, Polonia, Hungría, Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucrania, España y Reino
Unido en Europa, y Estados Unidos, México, Brasil, Argentina, Chile y Cuba en América.
Algunos de los compositores más importantes comúnmente asociados al nacionalismo en
el siglo XX fueron: el brasileño Heitor Villa-Lobos (el primer y más importante compositor
latinoamericano en destacar en los círculos musicales de Europa), el checo Leos Janacek,
el finés Jean Sibelius, el húngaro Bela Bartok, el español Manuel de Falla, el
británico Ralph Vaughan Williams, el mexicano Silvestre Revueltas, el argentino Alberto
Ginastera, o el estadounidense Aaron Copland, entre muchos otros.
República Checa[editar]

 Bedřich Smetana (La novia vendida, Mi patria);

 Antonín Dvořák (Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo Mundo).
Noruega[editar]

 Edvard Grieg (Peer Gynt).

Finlandia[editar]

 Jan Sibelius (Finlandia).

España[editar]

 Isaac Albéniz (Suite Iberia);

 Enrique Granados (Goyescas).
Reino Unido[editar]

 Edward Elgar (Variaciones Enigma, Pompa y circunstancia);

 Frederick Delius (A Mass of Life, A Village Romeo and Juliet).
Estados Unidos[editar]

 Horatio Parker (Hora Novissima);

 Edward Mac Dowell (Indian Suite).
Post-Romanticismo[editar]

El compositor austriaco Gustav Mahler (1860-1911) fue el principal exponente del postromanticismo
junto con Richard Strauss y Anton Bruckner

Artículo principal: Postromanticismo

Particularmente en la primera parte del siglo XX, muchos compositores escribieron música
que fue una extensión de la música romántica del siglo XIX. La armonía —salvo mayor
complejidad— fue tonal, y los agrupamientos instrumentales tradicionales, como
la orquesta o el cuarteto de cuerdas, se mantuvieron como los más usuales. Los músicos
más representativos de este movimiento fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey
Rachmaninov, sin embargo muchos de los grandes compositores modernistas
comenzaron sus carreras en este estilo tales como Bela Bartok, Igor Stravinsky y Arnold
Schoenberg.
Como compositor, Gustav Mahler, centró sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied.
La Segunda, Tercera, Cuarta y Octava sinfonías y Das Lied von der Erde (La canción de la
Tierra) conjugaron en sus partituras ambos géneros. Él mismo advertía que componer una
sinfonía era «construir un mundo con todos los medios posibles», por lo que sus trabajos
en este campo se caracterizan por una amplísima heterogeneidad. Introdujo elementos de
distinta procedencia como melodías populares, marchas, fanfarrias militares, mediante un
uso personal del acorde, entrecortando o alargando inusitadamente las líneas melódicas,
acoplados o yuxtapuestos en el interior del marco formal que absorbió de la tradición
clásica vienesa. Sus obras sinfónicas adquirieron desmesuradas proporciones e
incluían armonías disonantes que sobrepasan el cromatismo utilizado por Wagner en
su Tristán e Isolda.
Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri Kabalevski, Dmitri
Shostakóvich y Benjamin Britten— hicieron significativos avances en el estilo y la técnica
romántica mientras continuaban empleando un lenguaje melódico, armónico, estructural y
textural relacionado con el del siglo XIX, accesible al auditorio promedio.

Impresionismo (1860-1910)[editar]

Claude Debussy fue el principal compositor de este movimiento

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y

principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores
de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza
tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que
se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son
lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera
con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas
pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude
Debussy y Maurice Ravel.
A Debussy le llevó muchos años desarrollar su estilo musical y tenía casi 40 años cuando
alcanzó fama internacional en 1902 con la única ópera que concluyó, Peleas y
Melisande (Pelléas et Mélisande). Entre sus composiciones orquestales se
encuentran Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l'après-midi d'un faune,
1894), Nocturnos (Nocturnes, 1897-1899) e Images (1905-1912). Su música fue en gran
medida una forma de reacción frente a Wagner y a la tradición musical alemana.
Consideró obsoleta la sinfonía clásica y buscó una alternativa en sus «bocetos
sinfónicos» La mer (1903-1905). Entre sus obras para piano se encuentran dos libros
de preludios (Préludes) y dos de estudios (Études). A lo largo de su carrera
escribió mélodies basadas en una gran variedad de poesía, incluida la suya propia. Estaba
muy influenciado por el movimiento poético simbolista de finales del siglo XIX. Un pequeño
número de sus obras, como la temprana La Damoiselle élue (1887-1889) y la tardía El
martirio de San Sebastián (Le Martyre de saint Sébastien, 1911), incluyen una parte
importante para los coros. En sus últimos años se centró en la música de cámara y
completó tres de las seis sonatas que tenía previsto componer para diferentes
combinaciones de instrumentos.

 Gabriel Fauré
 Maurice Ravel
o El Bolero de Ravel
 Erik Satie
 Isaac Albéniz
o Suite española y Suite ibérica
 Enrique Granados
 Manuel de Falla
 Joaquín Rodrigo
o El Concierto de Aranjuez
 Jesús Guridi
o El caserío
 Joaquín Turina

Música moderna y contemporánea (1910-

presente)[editar]
Artículos principales: Música del siglo XX, Música modernista y Música académica
contemporánea.
El siglo XX estuvo marcado por dos grandes acontecimientos que fueron muy decisivos en
la historia de la música occidental, y marcaron el avance posterior que seguirá la música
hasta llegar a nuestros días. El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de
las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a
partir de 1910, en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes.
A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se
empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas, los instrumentos, los colores, la
tonalidad, el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la
práctica común de los últimos trescientos años.
El segundo gran fenómeno es el auge y masificación de un tipo de música que se
desarrolló en las ciudades durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas
en que se dividía hasta ese momento la música (la étnica y la académica): la música
popular. Este tipo de música, consumida por la creciente clase media urbana,
experimentará un gran desarrollo gracias a la posibilidad de grabar sonido mediante las
nuevas tecnologías de principios del siglo XX (lo que dará lugar a la industria del disco) y
la aparición de medios de comunicación de masas como la radio y el cine sonoro. El efecto
de la música popular y la industria musical que se desarrolla en torno a ella cambiarán
drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.

Música modernista y contemporánea[editar]

Artículo principal: Música modernista

Artículo principal: Música académica contemporánea

Futurismo[editar]
Artículo principal: Futurismo
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del siglo XX.
Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso
Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el
diario Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por
medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. Los principales compositores
futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.

Crisis de la tonalidad y atonalismo[editar]

Artículos principales: Atonalidad y Cromatismo (música).

Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran

en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se hablaba de una
"crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de
acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y
rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal.
A principios del siglo XX compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla
Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinsky y Edgard Varèse,
escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal. La primera fase
del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como "atonalidad libre" o
"cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional.
Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban
Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg.

Segunda escuela de Viena. Dodecafonismo y serialismo[editar]

Arnold Schoenberg (1874-1951), músico austriaco fundador de la segunda Escuela de Viena y

creador del dodecafonismo

Artículos principales: Segunda Escuela de

Viena, Dodecafonismo, Serialismo y Expresionismo.
Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg. Sus
primeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío, influenciado por Richard
Wagner y Gustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para
escribir música atonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo,
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el uso
del sistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas propias. Los
tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o la Segunda Escuela
Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva Música tuvo el mismo efecto
innovador que la Primera Escuela de Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.
El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la
cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas
a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no
establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica,
Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica
debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio
de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se
establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El compositor decide
el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.
El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada
por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no sólo para
la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones
(las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles
de intensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series se repiten
durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para
distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente, después de años de
impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en el que los sonidos individuales son
cuidadosasmente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia— se
convirtió en norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente
entre compositores de la postguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano
Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.

Primitivismo[editar]
Artículo principal: Primitivismo

Ígor Stravinsky (1882-1971), su obra La consagración de la primavera es considerada la obra más

importante del siglo XX

El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor más arcaico
de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su afán por
rescatar lo local, el primitivismo incorporó además métricas y acentuaciones irregulares, un
mayor uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal.
Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Ígor Stravinsky y el
húngaro Bela Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación
"primitivista".
En cuanto a Ígor Stravinsky, su larga vida —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le
permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus
protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No
vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran
cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo,
el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras
de uno de sus períodos iniciales —el llamado «período ruso»—: El pájaro de
fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le
sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores,
prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de
conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas
piezas para piano y obras para grupos de jazz.
Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París al estreno de su
ballet El pájaro de fuego por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad,
compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la
primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El
pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov,
a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la
salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski
mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró:
el estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso
escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del
público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto).

Microtonalismo[editar]
Artículo principal: Microtonalismo

El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores

que un semitono). El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de
manera humorística como «las notas entre las teclas del piano». El mexicano Julián
Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre los
lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda de violín, lo que fue su punto de
partida para componer una gran cantidad de música microtonal. El microtonalismo está
presente en las obras de George Enescu, Bela Bartok y Miguel Oblitas Bustamante.
Algunos otros autores emplearon también esta técnica. La música microtonal nunca tuvo
demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi exclusivamente por los músicos
de Vanguardia.

Neoclasicismo[editar]
Artículo principal: Neoclasicismo musical del siglo XX

Dmitri Shostakóvich en 1925

El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica
común de tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos,
pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de
partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Dmitri
Shostakóvich, Bohuslav Martinu y Béla Bartók son los compositores más importantes
usualmente mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus
contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.
Tras un período inicial en el que parecen primar las influencias de Serguéi Prokófiev, Ígor
Stravinski y Paul Hindemith, Dmitri Shostakóvich desarrolló un estilo híbrido del que es
representativa su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934). Posteriormente derivó hacia un
estilo posromántico, donde destaca la Sinfonía No. 5 (1937), y en el que la influencia
de Gustav Mahler se combina con la tradición musical rusa, con Modest Músorgski y
Stravinsky como referentes importantes. Shostakóvich integró todas esas influencias
creando un estilo muy personal. La música de Shostakóvich suele incluir contrastes
agudos y elementos grotescos,3 con un componente rítmico muy destacado. En su obra
orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe
mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso
varias óperas, así como música de cine y ballet.

Música electrónica y concreta[editar]

Artículos principales: Música académica electrónica, Música electroacústica y Música
concreta.
Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela
que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre
Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los
abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso de
esos medios fue Edgar Varese, quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips
de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el
Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran interés, y entre
los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier
Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis
Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger.
En el caso de Messiaen, tanto su fascinación por el hinduismo, su admiración por la
naturaleza y los pájaros, su profunda fe cristiana y su amor por el color instrumental,
fueron primordiales para su formación como persona y artista. Ingresó en el Conservatorio
de París a la edad de 11 años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel
Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia
de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte. En 1940, en
la batalla de Francia, Messiaen fue hecho prisionero de guerra, y mientras estaba
encarcelado compuso su Quatuor pour la fin du temps (Cuarteto para el fin del tiempo)
para los cuatro instrumentos disponibles allí: piano, violín, violonchelo y clarinete. La obra
fue estrenada por Messiaen y sus amigos prisioneros ante una audiencia de prisioneros y
vigilantes.4 Al salir de prisión en 1941, pronto Messiaen fue nombrado profesor
de armonía, y luego profesor de composición en 1966 en el Conservatorio de París, puesto
que mantuvo hasta su retiro en 1978. Entre sus distinguidos alumnos están Pierre
Boulez, Yvonne Loriod (quien después sería la segunda esposa de Messiaen, y la
intérprete por excelencia de sus obras escritas para piano o con piano solista), Karlheinz
Stockhausen, Iannis Xenakis, William Bolcom y George Benjamin. La música de Messiaen
es rítmicamente compleja (él estaba interesado en los ritmos de la antigua Grecia y de
orígenes hindúes), y se basa armónica y melódicamente en los modos de transposición
limitada, que fueron una innovación propia de Messiaen. Estaba fascinado por el «canto de
los pájaros»; decía que los pájaros eran los mejores músicos y se consideraba a sí mismo
tanto ornitólogo como compositor. Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por
todo el mundo, e incorporó las transcripciones de estos cantos en gran parte de su música.
Su uso innovador del color, su concepción personal de la relación entre el tiempo y la
música y su intento de expresar profundas ideas religiosas, todo se combina de tal modo
que hace casi imposible confundir una composición de Messiaen con una obra de
cualquier otro compositor contemporáneo occidental.
La clase de Dukas. Último, a la derecha, el joven Olivier Messiaen.

En Alemania en cambio la forma de usar la tecnología se llamó música electrónica, que es

aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer concierto
tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera obra de importancia sería El
canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956.
Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos
electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones.

Música aleatoria y vanguardismo radical[editar]

El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas
musicales vanguardistas del siglo XX

Artículos principales: Vanguardismo, Música aleatoria y Música experimental.

Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se

refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de música
llega hasta sus límites —si no ya los sobrepasa— utilizando elementos
como ruidos, grabaciones, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro,
el absurdo, el ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro
de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica en vivo, el
teatro musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la
música intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que
incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz
Stockhausen en Europa.
Stockhausen fue educado primeramente en la Hochschule für Musik Köln para después
acudir a la Universidad de Colonia. Posteriormente estudiaría con Olivier
Messiaen en París y Werner Meyer-Eppler en la Universidad de Bonn. Como una de las
principales figuras de la Escuela de Darmstadt que fue, sus teorías y composiciones
siguen siendo, aún hoy en día, de gran influencia para compositores de todos los tipos y
estilos. Sus obras, compuestas a lo largo de casi sesenta años, se abstienen de ser
partícipes de las formas musicales más tradicionales. Aparte de las obras de música
electrónica, sus trabajos van desde realizar miniaturas para cajas de música hasta trabajos
para instrumentos solistas, canciones, música de cámara, músicas coral y orquestal e
incluso un ciclo de siete óperas de larga duración. Entre sus composiciones más notables
encontramos la serie de diecinueve Klavierstücke (piezas para piano), Kontra-Punkte para
diez instrumentos, su electrónica/música concreta Gesang der Jünglinge, Gruppen para
tres orquestas, la obra para percusión solista Zyklus, Kontakte, la cantata Momente, su
obra de electrónica en vivo Mikrophonie I, Hymnen, Stimmung para seis vocalistas, Aus
den sieben Tagen, Mantra para dos pianos y electrónica, Tierkreis, Inori para solistas y
orquesta, y su gigantesco círculo de operas Licht.
Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de
instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de
posguerra. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de
su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham, quien fue su compañero sentimental
la mayor parte de su vida. Entre sus maestros estuvieron Henry Cowell (1933) y Arnold
Schoenberg (1933–35), ambos conocidos por sus innovaciones radicales en la música,
pero la principal influencia sobre el trabajo de Cage se encuentra en diferentes culturas
orientales. A través de sus estudios de filosofía india y budismo zen a finales de los años
1940, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o música controlada por azar, que
comenzó a componer en 1951. El I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos
cambiantes, se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage durante el resto
de su vida. Cage es conocido principalmente por su composición de 4′33″, tres
movimientos que se interpretan sin tocar una sola nota. Otra famosa creación de Cage es
el piano preparado, para el que escribió numerosas obras relacionadas con la danza y
varias piezas para concierto

Micropolifonía y masas sonoras[editar]

Artículos principales: Micropolifonía y Masa sonora.

György Ligeti (a la izquierda) en 1982

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes

líneas, ritmos y timbres».5 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó
así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-
musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en
otras; una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de
esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando
forma».
Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora
que es una textura musical cuya composición, en contraste con otras texturas más
tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la
textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».6
Minimalismo[editar]
Esta sección es un extracto de Música minimalista.[editar]

Algunos compositores de la corriente minimalista (de izqda. a dcha.): Steve Reich, Philip
Glass, John Adams, Terry Riley, Michael Nyman, y Arvo Pärt.

La música minimalista es una corriente de música contemporánea actual surgida en la

década de 1960 en Estados Unidos, que representa una parte importante de la música
clásica en ese país. Surgida como un movimiento underground en los
espacios alternativos de San Francisco, pronto se empezó a oír en los lofts de Nueva
York hasta llegar a ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En
sus inicios involucró a decenas de compositores,7St.1991 1 a pesar de que solo cuatro de
ellos lograron relevancia, La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass,8 a los
que se unirá más tarde John Adams. Una de las primeras obras minimalistas es Trio for
Strings (1958), de La Monte Young, aunque la pieza considerada fundadora es In C de
Riley, compuesta en 1964.
La música minimalista a veces se engloba bajo la etiqueta más amplia de música
posmoderna y en Francia, la corriente se denomina frecuentemente música repetitiva, y
designa más específicamente todas las obras que utilizan la repetición como técnica de
composición. En Europa sus mayores exponentes son Michael Nyman, Gavin
Bryars, Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Renaud Gagneux, Bruno Letort, Stefano
Ianne y Steve Martland..St.2000 1 A veces se incluyen a los llamados minimalistas sacros —
Henryk Górecki, Arvo Pärt, John Tavener, Alan Hovhaness—, en los que se acentúan los
rasgos espirituales, religiosos o místicos de la música, e incluso a otros compositores,
generalmente incluidos en la New Age, que solamente comparten un cierto enfoque
como Wim Mertens, Yann Tiersen y Ludovico Einaudi.91011 El año 1976,
retrospectivamente, será un momento cumbre del minimalismo como conjunto12 con la
coincidencia de estrenos de Music for 18 Musicians de Reich, de las óperas Einstein on
the Beach de Glass y de De Staat de Andriessen, de Für Alina de Pärt y de la Tercera
Sinfonía de Górecki, piezas todas que aportaran un «soplo de aire fresco» en el mundo de
la música clásica del siglo XX. 12
Más que un retorno a la tonalidad, la corriente se caracteriza principalmente por el uso de
una pulsación regular y por la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades
como figuras, motivos y células, que evolucionan lentamente confiriéndole una apariencia
estática. Más allá de un movimiento de reacción al serialismo, entonces dominante en
Europa, la música minimalista marca el surgimiento de una música estadounidense
innovadora, desligada de sus lazos europeos. Los compositores minimalistas también han
operado un regreso hacia más emoción musical, en lugar del enfoque esencialmente
intelectual de la música serial, o de la aproximación conceptual de la música
experimental como la practicada por John Cage. Tras unos inicios difíciles fuera de los
circuitos tradicionales de la música clásica, la música minimalista ha conseguido el apoyo
de un cierto público, en ocasiones procedente de universos diferentes como el jazz,
el rock, las músicas improvisadas o la música electrónica. La televisión y el cine han
utilizado ampliamente esta música, especialmente las obras de Philip Glass, contribuyendo
a su difusión entre el gran público. También se han expresado violentas críticas desde el
mundo musical hacia la corriente minimalista, acusándola de producir una música de
consumo, superficial y sin alma.
No está claro cuándo se originó el término «música mínima(l)[ista]» (minimal music). Steve
Reich ha sugerido que es atribuible a Michael Nyman, una afirmación que dos estudiosos,
Jonathan Bernard y Dan Warburton, también han hecho por escrito. Philip Glass cree que
fue Tom Johnson quién acuñó la frase.131415

Música cinematográfica[editar]
Artículos principales: Música cinematográfica y Banda sonora.

Desde la llegada del cine sonoro a finales de la década de los 1920, la música ha cumplido
un rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores que
vivieron en esa primera época, tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic,
incursionaron también en esta área. Posteriormente, hubo numerosos compositores que
dedicaron su carrera total o mayormente a trabajar a través del cine. Dentro de los
compositores de música de cine se encuentran: Max Steiner, Erich Wolfgang
Korngold, Bernard Herrmann, John Williams, Howard Shore y Henry Mancini.

Poliestilismo[editar]
Artículo principal: Poliestilismo

Sofia Gubaidulina in Sortavala, 1981

Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicas

musicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del
siglo XX y se acentúa en el siglo XXI.
Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William
Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly
Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke (su Sinfonía n.º 1, que recurre notablemente a la
cita, es una de las cumbres indiscutibles del estilo), Dmitri Silnitsky, Valentín
Silvestrov, Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.

Espectralismo[editar]
Artículo principal: Espectralismo
El espectralismo es un género musical originado en Francia en la década de
los sesenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble
l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt). La música espectral, en un
sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre
musical y en la descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción
del timbre.
El movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias
contemporáneas de composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe
Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry
Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George
Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido; Marco Stroppa en Italia; Georg Friedrich
Haas en Austria; y Joshua Fineberg, en EE. UU., por citar algunos. Y como en el caso del
impresionismo y muchos otros estilos musicales, aquellos compositores cuya música se
considera espectral no aceptan generalmente tal denominación.

Nueva simplicidad[editar]

Wolfgang Rihm en Colonia, junio de 2007

Artículo principal: Nueva Simplicidad

La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los
componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de los
ochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente contra
la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también
contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y su
resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva
característica del vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más fácil con
las audiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX y
en otros significó trabajar con texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en
contextos no tonales. De entre los compositores identificados de una forma más cercana
con este movimiento, solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación
significativa fuera de Alemania. Algunas de sus obras más famosas son: Jakob Lenz
(1978), Edipo (primera representación en 1987) y Gesungene Zeit, para violín y orquesta
(1992).

Libre improvisación[editar]
Artículo principal: Libre improvisación
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias
de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo
activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. La improvisación libre,
como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década
de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música
clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los
saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo
improvisacional británico AMM.

Nueva Complejidad[editar]
Artículo principal: Nueva complejidad

La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la

década de 1980 en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de múltiples
capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las
dimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada por
el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Entre
los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough (figura principal de la
corriente), Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.

Música popular[editar]
Artículo principal: Música popular

La música popular, en su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros

musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes
audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música
culta, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden
académicamente o por vía oral, a audiencias locales, o más pequeñas.

Historia[editar]
Hasta finales del siglo XVIII, en Europa, las dos grandes corrientes musicales que había
eran la que actualmente conocemos como música clásica, de tradición escrita y vinculada
a la aristocracia, y la música folclórica (por entonces música popular), de tradición oral y
vinculada a una población fundamentalmente rural.
Esta dualidad, que no hacía sino reflejar la división social y cultural del público, empezará
a cambiar con el desarrollo de la Revolución Industrial. En países como Reino
Unido y Francia, el crecimiento de las ciudades, la burguesía y el florecimiento de una
clase media urbana interesada en la cultura, promueven la aparición de espectáculos
músico-teatrales.16 Estos se representarán de forma regular en lugares como las tabernas,
jardines y salones de baile de Londres, o los teatros y los café-concert de París, y serán el
caldo de cultivo para la creación de canciones y otras composiciones que irán
conformando una nueva corriente, la música popular urbana. Los primeros espectáculos
de este tipo son el ballad opera y el music hall en el Reino Unido, el teatro de variedades y
el vaudeville en Francia, y un tiempo después el minstrel show en EE. UU. A éstos se
sumarían en las siguientes décadas nuevos formatos como el cabaret, la revista,
el burlesque, etc.
Junto a este desarrollo del mundo del espectáculo se produce también un acercamiento de
la música a los hogares de la gente, basado por un lado en el abaratamiento de
los instrumentos musicales, y por otro en una disponibilidad cada vez mayor
de partituras creadas para el consumo doméstico. Este nuevo mercado permitió que
muchos compositores, que en épocas anteriores sólo podían trabajar bajo el encargo de
una institución religiosa o como empleados de una corte o un importante mecenas,
pudieran ahora convertirse en profesionales liberales. Sus creaciones serán
comercializadas por editoras musicales que se encargarán también de tutelar los derechos
de la composición. Ejemplos de estas creaciones se pueden encontrar en
los lieder alemanes de Schumann o las canzonette italianas de Donizetti, para voz y piano,
en las cuales hay a menudo una estructura similar a la de muchas canciones pop
modernas. Un fenómeno similar ocurre en EE. UU. con la industria musical del Tin Pan
Alley —con fuertes raíces en folclore angloamericano—.
Por último, en la segunda mitad del siglo XIX también cobra fuerza la ópera ligera
u opereta, primero en París (con figuras como Jacques Offenbach y su popular cancán),
después en Viena (de donde surgieron los famosos valses de los Strauss) y Londres. En
España también se practicó el género de la opereta, bajo el nombre de zarzuela.
Siglo XX[editar]
Los estilos de la música popular occidental del siglo XIX, que se nutrieron tanto de fuentes
cultas como folclóricas, siguieron su desarrollo en el siglo XX paralelamente a la aparición
de las nuevas corrientes como el jazz o el rock.
Hasta la década de 1960, en el terreno vocal prevaleció la canción ligera popularizada por
los espectáculos de variedades y por los comienzos de la radio y del cine sonoro,
conservando ciertos caracteres propios en cada país. Así ocurrió con el pop
tradicional estadounidense, la canción francesa o "chanson", la canción italiana donde
destaca la canción napolitana, o la canción alemana (representada por el Kabarett y
el Schlager). Igualmente sucede en España con la canción española, cuyo género más
representativo es primero el cuplé y después la copla. Latinoamérica por su parte exportó
géneros como el bolero o los ritmos de baile tan populares como el tango, la rumba o
el mambo.
En la segunda mitad del siglo los espectáculos de variedades entran en decadencia, y
aunque la canción ligera seguirá gozando de notable popularidad hasta nuestros días, irá
cediendo terreno −sobre todo entre la gente joven− ante el avance de la moderna música
pop/rock, de la cual recibirá influencia llegando incluso a confundirse con ella. El resultado
es el género conocido como canción melódica. Señalar por último la pervivencia en todo el
siglo XX de un género mixto entre teatro, música popular y baile que, con orígenes en el
XIX, conservará su fortaleza hasta nuestros días: el musical. Con epicentro creativo
en Broadway (Nueva York) y West End (Londres), el musical fructificó también en otras
capitales europeas, latinoamericanas y asiáticas.

Jazz, Rock y otros géneros desde el S. XX[editar]

Artículos principales: Orígenes del jazz, Jazz y Jazz contemporáneo.

Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del siglo
XIX, ya existían bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario, suele
considerarse a Buddy Bolden como la primera figura del estilo definido. Se denomina
«estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz. Aún no se ha desprendido de las
influencias del minstrel y contiene las características del hot.
El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917, supuso un
importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de jazz de la zona, pues en
este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo.17 Este
hecho inició la migración de los músicos hacia las ciudades del norte, y especialmente
a Chicago a comienzos de la década de 1920.
En el último tercio de la década de 1920 en Nueva York se estaba desarrollando una
nueva forma, que se consolidó sobre todo como resultado de la migración masiva de
músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos".18 Las big bands fueron las que
marcaron el rumbo de un nuevo estilo.
Los músicos bebop ponían el acento en el papel del solista, que ya no era el
de entertainer de épocas pasadas, sino un creador al servicio sólo de su propia música.
El nacimiento del cool tuvo lugar hacia fines de los años cuarenta. El nuevo estilo se
derivaba del bebop, pero resultaba una música más cerebral, que tenía como principal
objetivo el establecimiento de una atmósfera "meditativa".
El bop evolucionó y algunos músicos desarrollaron formulaciones similares a las que ya se
habían dado en la música clásica en los años veinte, con la irrupción, por ejemplo, de
la atonalidad en el jazz de los años sesenta. Está aceptado por la crítica que el free
jazz toma carta de naturaleza en 1960, con la publicación del disco homónimo de Ornette
Coleman.
El rock and roll nació en los años 50 como una música de ritmo rápido que surgía
fundamentalmente de un maridaje entre el rhythm and blues negro y el country blanco. En
la década de los 60, las figuras dominantes del rock primigenio americano tuvo que ceder
protagonismo ante el avance de una nueva oleada de grupos británicos que habían
recibido su influencia. Surge lo que se denominaría Invasión británica, bandas que
contribuirían a la evolución del rock y al surgimiento de la nueva cara de la música popular
blanca: la música pop. Al mismo tiempo, se consolidaron nuevas tendencias entre los
norteamericanos de color, como el soul y el funk. Se produjo también en Estados Unidos
un revival de la música folk, con la canción protesta.
Los años 70 vieron nacer nuevos estilos, como el hard rock y el heavy metal (variantes
del rock más duras y de guitarras eléctricas más distorsionadas), el reggae de origen
jamaicano, el rock progresivo, el punk, el rap, la música disco (que dominó las pistas de
baile), o los primeros pasos de la música electrónica en el ámbito de lo popular.
La incorporación de los sonidos sintetizados y la popularidad del videoclip marcaron la
estética de la música pop de los 80. En los años 90, el grunge y el rock
alternativo comparten protagonismo con el britpop en las listas de éxitos, mientras la
escena dance, vinculada a las pistas de baile, desarrolla una cada vez más variada prole
de subgéneros electrónicos (trance, drum and bass, chill-out, etc.).
La música popular entra así finalmente en el siglo XXI con un ya amplio bagaje a sus
espaldas, caracterizado por la multitud de géneros y estilos que han ido tomando forma
década tras década, y conformando un extenso y variado cuerpo de música apreciado por
gente de distintos gustos, edades, ideologías y extracciones sociales a lo largo y ancho de
todo el mundo.

Véase también[editar]
 Mujeres en la música
 Historia de la ópera
 Historia del arte