Caracas, 21 de febrero de 2021

Ministerio del poder popular de cultura

Escuela de Musica Pedro Nolasco Colon
Catedra Historia de la musica
2do año
Celenia Rondinel

Barroco: Francia, España, Alemania e

Inglaterra

Profesora Zaira García

 Introducción
En el siguiente trabajo, vamos a destacar como se fue desarrollando el
barroco en los diferentes países, aparte de Italia, es decir, vamos a hablar de
Francia, Alemania, Inglaterra y España.
Como sabemos, después del desarrollo de la opera en Venecia y
Nápoles, varios compositores emigraron a otros países, a partir de allí, van a ir
variando la opera en sus diferentes países.
Debido a sus situaciones de cultura, se establecerán nuevas formas de
opera o se van a mezclas con otros géneros del país.
Tambien se vera distintos tipos de músicos de musica instrumental, que
darán marca a un nuevo capítulo la transición de barroco a clasismo.
 En Francia se puede ver la representación de la figura de Luis XIV (1638-
1715), también conocido como “El Rey sol”, un monarca que ejerció una
monarquía absoluta, desde los 5 años.
Se puede ver que Francia tenia similitudes con respecto a la opera con
Italia, debido a su derivación. Antes de que se pudiera comenzar la realización
de la opera en este país, hubo un practica de danza, llamada “ballets de la
Corte”, las cuales consistían en intermedios musicales con danzas, que se
ejecutaban de forma cómica y drama pastoril.
Hubo un personaje llamado Baldassare Baltazzarini, un violinista italiano,
que escribió y realizo una espectacular obra, que la nombro “el ballet cómico de
la reina”, la cual era una acción danzada en la cual existían arias, cantos
dialogados, coros, etc., sin ninguna unidad dramática. Fue la primera ópera
ballet, que llego a ser bastante famosa entre lo9s cortesanos, hasta que
decayó con la nueva importancia de la ópera.
Es importante resaltar la importancia del ballet, ya que era un espectáculo
danzado en la cual, hasta el rey Luis XVI era participe.
La ópera empezó a ser bastante popular gracias a las llegadas de las obras
de Rossi y Cavalli, es decir, obras italianas representadas en Francia. Sus
obras hicieron que los otros compositores del país despertaran el interés por
este particular genero musical, la cual decidieron crear su propio estilo de
ópera, basada en la declamación francesa.
Hubo un compositor llamado Robert Cambert, quien creo una “obra
comique” titulada Pastoral, en 1669 y luego una opera denominada Pomone, la
cual tuvo al menos 146 representaciones. Gracias a la ópera, se inauguró el
primer teatro de opera francés, en 1671, denominado “Palais-Royal”, ubicado
en la parte norte del Louvre. Esto no duro mucho gracias a las conjeturas entre
el musico y el poeta con el que trabajo. Esto cambio con la aparición de Jean
Baptiste Lully.
Juan Baptiste Lully (1632-1687) es un compositor francés de origen italiano.
Se inicio en la musica gracias a Giacomo Carissimi, y fue guitarrista en la Casa
nobiliaria de los Legrenzi. En 1643 entro al servicio de Mlle de Montpensier y
en 1952 ejercio como violinista, compositor y bailarín en la corte de Luis XVI.
Durante esa época se dedico a componer musical vocal y de ballets, e introdujo
ballets en las óperas italianas de Cavalli organizadas por el cardenal Mazarino,
con gran éxito. Desarrollo una excelente carrera en la corte francesa, como
compositor instrumental del rey y luego superintendente y compositor de
cámara. Entre 1664 y 1971, escribió los grandes ballets de cour, también
conocido como ballet cortesano, como “Les amours deguises” (1664), La
naissance de Venus (1665), “Les musses” (1666) o “Flore” (1669). A su vez,
colaboro con Moliere, Corneille y Racine en la creación del “Comedie ballet”
con obras como “Le mariege forcé (1664), La princesse d’Elide (1664), L’amour
medecin (1665), Le sicilien (1667) o Le bourgeois gentilhomme (1670). E
 En sus obras suele conservar su forma de origen italiano, con la inevitable
influencia del melodismo y las formas de opera italiana, pero poco a poco logra
una síntesis entre el italianismo y las características propias de la musica
francesa., un peculiar estilo que caracterizo su producción y su escritura
instrumental considerada modélica. En 1671 creo la tragedia lirica “Psyche” con
Moliere y Quinault, y al año siguiente tuvo el privilegio de crear una academia
de ópera, que le daba un absoluto control de toda la musica teatral de la corte.
Desde entonces, cada año ‘presento un título, de los que destacan
“Cadmus et Hermione” (1663) Alceste (1674), “Thesee” (1675), “Atys” (1676),
Isis (1677) Amadis (1684) y Armide (1686). Lully sintetiza los estilos francés e
italiano en la musica barroca. Considerado el iniciador de la musica operística
francesa en el s XVII, continuada a su muerte con otros Rameau. que se
extendió su forma por toda Europa.
Existen, además de Lully otros compositores importantes para la época:
 Marc-Antoine Charpentier (1643-1704) Este es un compositor francés. No
se han encontrado documentos que acrediten su nacimiento, ni tampoco su
formación musical. En 1680 fue nombrado maestro de musica de la iglesia
de San Luis, en Paris. Además de componer una abundante obre religiosa
para el cargo que desempeñaba, compuso también dramas sacros para los
colegios de los jesuitas, como Celse marty (1687). En 1698 fue nombrado
maestro de musica de la Saninte-Chapelle, cargo que desempeño hasta la
muerte y que fue también el que le proporciono un mayor reconocimiento.
En la ultima etapa de su vida compuso obras muy brillantes, como la Missa
Assumpta est Maria (1698-1702).
 Michel-Richard de Lalande (1657-1726) Compositor y organista francés.
Hacia 1666 ingreso en el coro de la iglesia real de Saint Germain-
l’Auxerrois, donde permaneció hasta los 15 años. Fue luego organista en
diversas iglesias, y en 1683 fue nombrado maestro de musica de la corte (lo
fue de las hijas del rey). En 1685 paso a ser compositor de cámara, y cuatro
años después superintendentes de musica de cámara. En 1711, a causa de
la muerte de una de sus hijas, renuncio a algunos de sus cargos, y en 1722
Luis XIV le nombro caballero de Saint-Michel. Su obra se centra en la
musica instrumental, con las conocidas “Sinfonías para las cenas del rey”,
que reúnen toda la pompa y el esplendor propio de Versalles. Tambien
compuso mas de 20 ballets y musica religiosa, como un Te Deum, un
Magnificat y sobre todo los 70 Grands motets, muy elaborados, con
intervenciones de solistas, corales y orquestales.
 Jean Phillippe Rameau (1683-1764) Compositor y teórico francés.
Siguiendo la tradición familiar, ocupo diversos puestos como organista y
maestro de capilla hasta a partir de 1713 vivió protegido por un mecenas
llamado La Poupliere, en cuyo palacio de Passy, cerca de Paris, Rameau
disponía de una orquesta y de excelentes condiciones que le permitieron
estrenar obras de la importancia de su opera “Hipólito y Acaricia” (1733). De
su producción destacan las obras para la escena, tragedias y comedias
liricas, operas-ballet, ballets y pastorales heroicas. De ellas cabe citar, entre
 otras: Las Indias Galantes (1735) Céfiro (1735-1740), Castor y Pólux
(1737), las fiestas de Hebe (1739), Dárdano (1739), El templo de la gloria
(1745), Las fiestas de Polimnia (1745), La princesa de Navarra (1745),
Platea (1745), Las fiestas de Himeneo y amor (1747), Pigmalión (1748),
Zoroastro (1749) , Acanto y Cefiso (1751), los sibaritas (1753), Anacreonte
(1754) y los paladines (1760). Compuso también motetes, cantatas y
diversas piezas para clave. Su fama culmino en 1745, cuando fue
nombrado compositor de cámara del rey de Francia. Pero antes de obtener
pleno reconocimiento como compositor (que de hecho le llego hacia el final
de su vida), fue mucho más apreciado como teórico musical. Escribió obras
tan importantes como el celebre Traite de l’armonie reduite a ses principes
naturels (1722) o Nouveau systeme de musique teorique (1726),
aportaciones fundamentales para el desarrollo del sistema tonal, ya
claramente definido en sus propias composiciones. Y es en el la actividad
creadora y la reflexión teórica son indisociables: en ambos aspectos, fue
una figura clave en el tránsito, del barroco al clasicismo. Rameau
representa en la musica el racionalismo de su tiempo, y no en vano tuvo en
Voltaire a uno de sus grandes amigos, con el que tenia muchos puntos en
común, como intelectual que fue. En sus óperas, operas-ballet y obras
escénicas en general, siguió la tradición francesa que arrancaba de Lully,
dando gran importancia a la melodía, incluso en los recitativos, y a la
orquestación, algo inusual en su tiempo. Así, fue uno de los primeros
orquestadores que deben ser considerados como tales. Y en este sentido
su escritura instrumental otorga un papel destacado al timbre, en busca de
una sonoridad genuinamente orquestal.
Tambien hubo otros compositores del genero de musica instrumental como:
 Jaques Aubert (1689-1753) compositor y violinista francés. Aubert nació en
París y se convirtió en alumno de Jean Baptiste Senaillé. Su primer puesto
fue como violinista al servicio del Príncipe de Condé. A partir de entonces
fue miembro de Vingt-quatre Violons du Roy. De 1728 a 1752 fue el primer
violinista de la Ópera de París. Actuó con regularidad y éxito durante una
docena de años a partir de 1729 en el Concierto Spirituel con, entre otras
obras, conciertos para violín y orquesta de su propia composición. Junto
con Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville y Jean-Marie Leclair, Aubert
aportó el entusiasmo del virtuosismo del violín italiano a la música francesa
de su época. El padre de Aubert, Jean, fue miembro de los 24 Violines du
Roi hasta su muerte en 1710, su hijo lo sucedió y se convirtió en un punto
de inflexión inmediato para la música en Belleville.
En 1727, Aubert reemplazó a Noel Converset, un violinista muy respetado en el
du Roi. Sirvió en los años hasta 1746. En un año, ocupó un puesto de miembro
con la Academie Royale y fue el primer violinista allí, permaneció allí hasta que
se ganó un puesto en el Concert Spirituel en 1729.
Aubert también destacó muchos elementos franceses en su música. Utilizando
elementos como gavotas, Minuetos y otras formas, logró los movimientos
lentos y confusos completamente escritos y los publicó como piezas solistas
para la gente.
- Jea Marie Leclair (1697-1764) Compositor y violinista francés. Tambien
conocido como el viejo. Debuto como bailarín de compañía de opera de
Lyon y en 1722 trabajo en Turín como maestro de ballet y
probablemente también con violinista italiano Somis. De vuelta en Paris,
en 1723, publico su primera colección de sonatas. Toco a dúo con
Locatelli en Londres y en 1733 fue nombrado como ordinario de la
musica del rey. De 1738 a 1743 viajo por los países bajos y en 1744
trabajo al servicio del príncipe Felipe de España. Fue asesinado por un
desconocido delante de su casa. Se le considera el fundador de la
escuela francesa de violín. Su obra comprende dos colecciones de 6
conciertos para violín, cuerda y bajo continuo (1737-1745) y una enorme
cantidad de musica de cámara, que incluye 48 sonatas para violín solo y
bajo continuo, distribuidas en cuatro libros (publicados entre 1723 y
1743), una sonata (1767), póstuma, para violín solo, 12 sonatas para
dos violines sin bajo (1730-1747), 6 sonatas en trio (1730) 3 oberturas y
tres sonatas en trio publicadas 3n 1753, un trio póstumo (1766) y dos
recreations de musique (1737). Completa su legado a la tragedia Scyla
et Glucus, estrenada en Paris en 1746.

Hubo un genero que se desarrollo mayormente en la opera

denominado opera-comique. Este tipo de opera francés define a la
musica teatral francesa en uno o mas actos, con canto y
acompañamiento orquestal y con inclusión de recitativos dialogados
entre un numero cantado y otro. Históricamente, dichas obras eran
representadas en teatros ambulantes o estables de gestión privada, y,
por lo tanto, sin el reconocimiento oficial reservado a la Academia Real
de musica. Destaco la ópera-comique, sala parisina, en la que se
estrenaron grandes obras del género. Sus argumentos tendían a ser
comprensibles para las clases populares, pues se basaban en la vida
cotidiana, a diferencia de las óperas serias y trágicas con musica, cuyas
tramas eran semejantes al teatro clásico. En este género, destacaron
compositores como Monsigny, Philidor, Getry, Bolieldieu, Adam, Auber,
Tomas, Lecocq, Masse, entre otros.
En el caso de Inglaterra, convulsionada por las luchas religiosas
para determinar la línea de sucesión, protestante o católica, el auge
musical era isabelina llego a un brusco fin. La decapitación de Carlos I
en 1649, dio paso al gobierno puritano de Cromwell, quien trato de
promover una opera pedagógica, dando lugar a obras como “La
crueldad de los españoles en Perú “, con fines exclusivamente suyos,
sin ningún tipo de valor artístico.
A partir de la restauración de la monarquía con la coronación de
Carlos II, en 1660, se reinició lentamente el movimiento musical, dentro
del cual surgió un musico de vital importancia, llamado Henry Purcell.
 Henry Purcell (1659-1695) Compositor inglés. Siguiendo la
tradición familiar, empezó a dedicarse a la musica muy pronto, y todavía
niño entro a la Capilla real de Carlos II de Inglaterra. Sus primeras
composiciones datan de hacia 1970, cuando recibía clases de
composición de John Blow. En 1676 vio publicada por primera vez una
obra suya, dentro de la colección Arias selectas, de Playford. Al año
siguiente fue nombrado compositor ordinario de la capilla real, y en
1979, sucedió a John Blow en el cargo de organista de la abadía de
Westminster, función que desempeño hasta su muerte. De esta época
datan sus fantasías para cuerda y sus primeras composiciones de
musica incidental para el teatro. Fue considerado musico oficial de la
monarquía inglesa y pronto alcanzo la fama en todo el país. En 1683, dio
a conocer la primera de sus Odas, composiciones sobre las que
reincidirá al menos una vez al año hasta su muerte. Recibió numerosos
encargos de corte, aristocracia y nobleza, en distintos teatros, por lo que
tenía una gran posición económica. Su masques y semi- operas,
géneros que mezclas fragmentos cantados, diálogos con o sin
acompañamiento de musica y números instrumentales y danzables,
consiguieron un gran éxito. Pero no descuido la creación de obras
litúrgicas y profanas y desarrollo una gran actividad, no solo como
compositor, sino también como cantante, instrumentista y profesor, lo
que sermo su salud y lo condujo a una muerte prematura.
En sus obras partió tanto la escuela italiana del momento como la
musica inglesa tradicional, y en su estilo converge un estilo renacentista
y popular y tonal de la época. En su estilo domina un equilibrio y un
invano sentido melódico, de gran expresividad y de indudable efecto
dramático, magistral de tratamiento de la disonancia, y de gran riqueza
armónica. El hizo distintas obras teatrales, como Dido y Eneas, sino
también obras basadas en escritos de Shakespeare, como Timón de
Atenas (1694) o Tempestad (1965). Adecuo las características de la
lengua inglesa al canto como nadie antes que él, creando paginas
vocales de gran virtuosismo que le convirtieron en un operista de
primera orden, pese a que solo compuso una ópera.
La figura que domina la escena musical en Inglaterra hacia fines
del barroco, sin embargo, es la de un alemán, Georg Friedrich Handel.
George Friedrich Handel (1685-1759) Compositor alemán-
británico. Mostro aptitudes musicales desde muy niño y a los 17 años,
entro a estudiar derecho. Sin embargo, ya tenía bastantes
conocimientos musicales, enseñados por F.W. Zachow, con el que
estudio durante 3 años, ya que su padre rechazo distintos cargos con
personajes de la alta sociedad. Este maestro fue importante, ya que le
enseño a tocar el clavecín, el órgano, el violín y el oboe, le instruyo en
composición, fuga y contrapunto y le enseño de distintos compositores
de la época. Mientras estudiaba derecho, se dedicó como organista
ayudante y titular de la catedral de Halle. En 1703, deja Halle y se fue a
Hamburgo, donde conoció a Mattcheson, quien seria su biógrafo y le
introdujo en los ambientes musicales y artísticos de la ciudad. Le
permitió destacar algunas de sus obras como La Pasión según San Juan
(1704) y las operas Almira y Nero, ambas en 1705, así como tocar el
violín y el clavecín como miembro de la ópera de Hamburgo, además de
ser interprete de órgano. En 1706, llego a Italia, probablemente invitado
por Juan Gastón de Médicis. Ese visito la corte del príncipe Fernando de
Médicis, hombre protegido de Scarlatti y lo favorece en su proyección.
La estancia italiana de Handel se visualizó en su ópera Agrippina, que
inauguro la temporada de 1709 en Venecia y que fue tan exitosa que se
reprodujo 27 veces. Gracias a un vicario apostólico, lo lleva a ser cargo
de maestro de capilla de Hannover. Ese puesto lo obtuvo en 1710. Ese
mismo año obtuvo el permiso de ir a Londres, donde obtuvo éxito con su
opera Rinaldo (1711). Fue viajando en distintos lugares, hasta que
finalmente se estableció en Inglaterra. Gracias a sus óperas, se convirtió
en un hombre rico e influyente. Se arriesgo como empresario teatral,
actividad con la cual fue fluctuando monetariamente. En 1726 adopta la
nacionalidad británica. Gracias a la monotonía que tenían sus repetitivas
obras, decidió lanzarse a la composición de oratorios. Al pueblo de
encanto su obra Saul (1738) y sus espectaculares números corales
marcaron el inicio de una nueva etapa de producción. Handel produciría
otros oratorios como el Mesías (1742) en Dublín. Handel representaba
en sus conciertos para órgano y orquesta, improvisando el mismo la
parte sólida, algo que terminaba de conferir la categoría de gran
espectáculo a las representaciones de sus ya de por si imponentes
creaciones vocales. En la musica, Handel usa distintos estilos barrocos
europeos: la solidez estructural alemana, el melodismo y color italiano, la
claridad y equilibrio francés, y el peculiar uso de modalidad y riqueza
rítmica británica.
Handel hizo bastante obras durante su estadía en Italia, con mas
de cien cantatas, y creaba obras rápidamente. Se dice que su
composición mas celebre es El Mesías, escrita en tan solo 24 días. Su
arduo trabajo como musico y empresario afectaron su salud. En 1737,
sufrió un infarto, que, a pesar de su depresión, y sufrió pérdida de visión
en 1753. Fue enterrado con honores de héroe nacional.
En el caso del Inglaterra, la opera fue reconocida por sus ballad
operas u operas de baladas. La ópera balada es un género de
entretenimiento escénico inglés que empezó a manifestarse a estar
comenzando el siglo XVII y a medida del siglo siguiente. Como la
anterior comedie en vodevil y la posterior Singspiel, su característica
distintiva es el uso de melodías en un estilo popular con diálogo hablado.
En el caso de Alemania, se vio como algo débil, incluyendo para
que Viena y todo el país aceptara su propia musica. El musico que
marco para el inicio de la musica alemana, fue el compositor Heindrich
Schutz.
Heindrich Schutz (1585-1672) Fue un compositor alemán. Desde
niño destaco por su voz, y el landgrave de Hesse-Kassel le envió a
estudiar con Giovanni Gabrieli, en Venecia. En 1612 volvió a Alemania y
el landgrave lo nombro segundo organista de Kassel. En 1614 entro en
 la capilla del príncipe elector de Sajonia, en Dresde, donde en 1619
asumió el puesto de Kapellmeister, que conservaría hasta su muerte. A
Schütz se le debe la primera opera alemana, Dafne (1627) y el conjunto
de su producción fue fundamental para el desarrollo de la musica
alemana posterior, que se encontraría en J.S Bach a su autentico
sucesor. De su abundante obra, además de algunas piezas escénicas,
sobresalen los madrigales, motetes y musica religiosa.
E n este periodo también se caracterizo por la participación de
músicos italianos, como:
- Antonia Caldara (1671-1736) Compositor italiano. Hijo de violinista, entro
como niño de coro de la basílica de San Marcos, y también dicen que
fue alumno de Legrenzi. Ejercio como instrumentista de viola,
violonchelo y clavecín. Logro presentar algunas de sus obras en la Corte
de Carlos III, en Barcelona en 1708. Entre 1709 y 1716 fue maestro de
Capilla del príncipe Ruspoli en Roma, y en 1716 hasta su muerte fue
vicemaestro de capilla del emperador Carlos IV en Viena. Su gigantesca
obra incluye mas de 40 oratorios, al menos 300 cantatas, varias misas,
mas de 200 motetes, salmos, himnos, mas de 500 arias, canones y
madrigales, así como 70 operas, compuestas mayormente en su
estancia en Viena.
- Nicola Porpora (1686-1768) Compositor italiano. Estudio en el
conservatorio dei Poveri di Gesu Cristo de Nápoles y en 1708 estreno su
primera opera Agrippina. Entre 1715 y 1722 se dedico a la enseñanza
en el conservatorio de Sant’ Onofrio, donde tuvo a cargo sus futuros
celebres castrados como Carlos Broschi (Farinelli), Uberti, llamado” el
porporino”, Caffarelli, o Senesino. Su múltiples operas serias se
representaron por toda Europa. En 1733 viajo a Londres para dirigir el
teatro de la Nobilty, donde conto con el apoyo de Farinelli; ello le valió la
animadversión de Handel, su rival en temporadas de opera italiana. En
Londres, estreno títulos como Arianna in Nasso (1733), o Mitridate
(1736). En 1738 regreso a Nápoles, donde estreno con gran éxito
Semiramide riconosciuta (1739). Posteriormente viajo a Alemania y
Austria, con menos suerte. Destaco como un excelente profesor de
canto, que privilegiaba la línea vocal en detrimento de la orquestación.
Constituye el exponente mas claro de la opera seria napolitana de la
primera mitad del s XVIII.

Sin embargo, se vio un movimiento musical local bastante intenso, y

habrá un organista importante que se destacará en este movimiento, el
cual será Johann Joseph Fux.
Johann Joseph Fux (1660-1741) Fue un compositor y teórico de la
musica Austriaco. Se formo en Graz, primero en el colegio de los
jesuitas, donde entro en 1680, y posteriormente, en 1682-1684, en el
Ferdinandeum. Aunque se sabe poco de sus años juveniles, es posible
que viajara por Italia y allí conociera obras de Corelli y el estilo polifónico
de Palestrina. Ambas influencias marcaron su propio estilo, del mismo
modo que la musica instrumental francesa y alemana y su contacto, mas
 o menos ocasional, con el folklore austriaco y eslavo. En 1698 fue
nombrado compositor de la corte austriaca, seis años después llega a la
Kapellmeister de la Catedral de San Esteban de Viena y en 1713-1715
fue maestro de capilla de la emperatriz Amalia. Compuso diversas
obras, entre ellas 21 operas, pero fue su tratado de composición y
contrapunto, titulado Gradus ad Parnassum, lo que le valió el respeto de
otras generaciones.
En el Norte, el movimiento era mas intenso aun, ya que, según la
ideología de Martin Lutero, de hacer musica en casa. Ya se ha
mencionado en relación a la musica de teclado algunos músicos de gran
importancia:
- Johan Jacob Froberger (1616-1667) Compositor y organista alemán.
Relevante compositor del barroco medio, fue discípulo de Frescobaldi.
De este aprendió su notable ciencia contrapuntística, como queda
patente en particular en sus canzonas y ricercare para órgano y clave.
Considerado el primer compositor que escribió obras en clave, fue
organista de la Corte de Viena en dos etapas distintas. Sus frecuentes
viajes de estudio a Italia, Inglaterra y Francia le proporcionaron la
posibilidad de acceder a una amalgama de estilos diferentes, que supo
fundir en una polifonía libre y fluida. Sus obras más conocidas y logradas
son las toccatas en el teclado, que resultaron ser de gran vigor
compositivo. Son conocidas también como fantasías, sus caprichos y
sus suites de danza para clave, amen de sus canzonas, y ricercare ya
citados.
- • Dietrich Buxtehude (1637-1707) Compositor y organista alemán.
Recibió conocimiento de su padre, el cual era organista y maestro de
capilla. En 1660 fue nombrado organista de Santa Maria de Elsinor, en
Sjaelland, y en 1668, lo fue en Santa Maria de Lubeck, donde desarrollo
una intensa actividad musical. Su obra comprende un extenso catalogo
formado en su mayoría por composiciones destinadas a las
celebraciones religiosas y otras actividades musicales en el marco
eclesial. Es el autor de 128 obras vocales, entre las cuales se incluyen
oratorios destinados a funciones musicales vespertinas de Lubeck, en
los que se alternan fragmentos corales con instrumentales concertantes
y para solista. En cuanto a la musica instrumental, es denominado por el
órgano, instrumento con el que escribió una extensa producción en
diferentes formas y géneros, que se difundió a través del culto
protestante. Tambien es autor de algunas piezas en conjunto
instrumental como sonatas y suites.
- Johann Pachebel (1653-1706) Compositor y organista aleman. En su
vida fue un celebre organista. Ejercio en Adorf (1669-1670), la catedral
de San Esteban de Viena (1673-1677) Eisenach (1677-1678), Erfurt
(1678-1690), Stuttgart (1690-1692) y Gotha (1692-1695), para regresar a
Nuremberg en 1695 como organista de la iglesia de San Sebaldo, cargo
que desempeño hasta su muerte. Sus composiciones anuncian a Bach,
especialmente preludios para órgano, profusamente adornados, pero en
los de la línea melódica siempre permanece clara y audible. Al pasar
 buena parte de su vida viajando por Alemania, supo sintetizar en sus
obras los distintos géneros germánicos. Compuso mucho, tanto musica
vocal como instrumental, y su obra mas celebre es el Canon a 3 con suo
basso und gigue, cuya primera obra es conocida como Canon de
Pachelbel, Este canon para tres violines y bajo continuo consiste en 28
variaciones sobre un ostinato de 10 compases, y va seguido de una giga
que no se interpreta.
- Johann Kuhnau (1660-1772) Compositor y teorico musical. Gran parte
de su música, incluidas óperas, misas y otras obras vocales a gran
escala, se pierde. Su reputación hoy se basa en sus Sonatas bíblicas,
un conjunto de Sonatas de teclado programáticas publicadas en 1700,
en las que cada sonata describía en detalle una historia particular de la
Biblia.
Aparte del teclado, también se destaco bastante la musica de
violín, donde su mayor interprete fue Henrich von Biber.
Hendrich von Biber (1644-1704) Violinista y compositor austriaco. Desde 1670
permaneció en la orquesta de la corte de Salzburgo. Además de compositor,
fue maestro de coro de la catedral. En 1684 alcanzo la máxima distinción en la
corte de Kapellmeister de la corte. Famoso en Italia, Francia y en Cortes
Alemanas, en 1690 fue ennoblecido por el emperador Leopoldo I. Violinista de
gran virtuosismo, su extenso legado instrumental incluye obras como Sonata
violino solo representativa (1669), Sonata Sancti Polycarpi (1673), Sonatae tam
aris quam aulis servientes (1676), Mensa sonora (1680), ocho sonatas para
violín solo (1681) Fidicinium sacro-profanum (1683) y Harmonia artificioso-
ariosa (1696). De su musica religiosa destacan varias misas, junto a Vesperae
(1674) y Requirem (1687). Su única opera conservada es Chi la dura la vince
(1687).
Con estos increíbles antecesores, el terreno estaba abonado para dar paso
a grandes compositores alemanes, que se colocarían a este país la vanguardia
de la musica durante dos siglos. Estos son Handel, que ya se hablo en
Inglaterra, Telemann y Bach.
 Georg Philipp Telemann (1681-1767) Compositor aleman. Trabajo en los
principales centros de Alemania, produciendo un impresionante repertorio
que incluyen 40 operas, 600 cantatas litúrgicas, 46 pasiones, numerosos
oratorios, motetes, cientos de oberturas, suites, conciertos y otras obras
orquestrales, musica de cámara, su obra es infinita. Las obras de
Telemann se distinguen por su claridad y fluidez y por su creciente uso de la
homofonía, apuntando así hacia el estilo que dominaría el periodo clásico.
Entre sus composiciones más famosas están sus suites de cámara Musique
de Table, sus sonatas, fantasías y suites para flauta, su concierto de
trompeta y sus tríos sonatas. Además, este compositor tuvo el honor de
haber organizado los primeros conciertos públicos de musica profana,
primero en Frankfurt en 1713, luego en Hamburgo en 1720. Tambien fue el
organizador de reuniones publicas de Leipzig, que culminaron con la
 creación del Gewandhaus en 1781, la orquesta permanente mas antigua del
mundo. Sin duda fue el compositor más popular de Alemania.
 Johann Sebastián Bach (1685-1750) Compositor aleman mundialmente
reconocido y uno de los mas grandes en toda la historia de la musica. Bach
no compuso opera, pero tanto en la musica sacra como en la instrumental,
sus obras llegaron aun perfección casi imposible de imitar. El consideraba a
si mismo esencialmente un musico religioso, dedicando repetidamente su
obra y su vida a la gloria de dios. En este sentido, en esto diferencia Bach
de otros compositores. El no buscaba la aprobación de ningún cargo
superior ni nada. El escribía para el mismo y para Dios.
La obra de Bach es bastante extensa. Dentro del campo religioso tiene
cerca de 200 cantatas, habiendo completado casi cuatro ciclos para los 52
domingos del año litúrgico luterano. La mayoría de las cantatas que escribió
son para solistas, coro y orquesta, mientras que hay material para grupos más
reducidos, como la No 56 y 82 para barítono y orquesta.
Bach era ejecutante de varios instrumentos, siendo su favorito el órgano,
para el cual escribió distintas toccatas, preludios y fugas, siendo el principal
instrumento para su repertorio. Escribió distintas obras para clavecín,
clavicordios y violín, el cual dominaba a la perfección. Lo asombroso no es la
cantidad, sino lo mucho que ha permanecido su repertorio de todos los solistas
y conjuntos musicales en el mundo durante dos siglos.
En el caso de Alemania, la opera se iba a caracterizar por un nuevo género
derivado de la ópera buffa, denominada Singspiel. En su estructura alternaba el
dialogo hablado en las canciones vocales o coros, de extensión muy variable.
La ambientación escénica era a menudo rural, y muchas de sus melodías
fueron incorporadas por cancioneros alemanes, de manera que con el tiempo
se volvió muy popular. El principal compositor de singspiel aleman fue Johan
Adam Hiller (1728-1804), de Leipzig, representante del singspiel de norte de
Alemania, que se derivaría de la ópera romántica del siglo XIX.
El auge que tuvo la musica en España en el siglo XVI, desapareció en el
siglo XVII, pudiendo mencionar a unos pocos compositores secundarios:
-Joan Cererols (1618-1676) Compositor español. Se formo en escolanía de
Montserrat, con March, y en 1946 ingreso allí como monje. Dos años después
estuvo en la casa de Monserrat de Madrid, donde entro en contacto con los
músicos de la corte y amplio su formación musical. En 1653 fue nombrado
maestro de capilla de musica de Monserrat. Esta considerado uno de los
mayores representantes del barroco musical hispano, y en sus obras manifestó
un gran uso del contrapunto. Siguiendo la costumbre de la época, compuso en
dos estilos distintos, según creara musica basándose en textos latinos o en
lengua vulgar. En el primer caso siguió la tradición, y en el segundo caso fue
sensible a la musica popular, pero ambas tenían dominio técnico y expresivo.
Fue autor de musica religiosa en Cataluña.
 -Juan Bautista Cabanilles (1644.1712) Compositor y organista español.
Inicio sus estudios musicales en su ciudad natal y los continuo en Valencia. En
1665 fue nombrado segundo organista de la catedral de Valencia, y un año
después paso a ser primer organista, cargo que desempeño hasta su muerte.
Su producción musical está destinada básicamente para el órgano, y en
concreto al género del tiento. Tambien se le deben algunas obras vocales de
musica sacra, de notable interés.
-Gaspar Sanz (1640-1710) Compositor y guitarrista español. Se formo en la
universidad de Salamanca, donde se graduó en filosofía y teología. Fue
profesor de guitarra de Juan de Austria y con fines pedagógicos escribió un
gran libro de valor, Instrucción de musica sobre la guitarra española y métodos
de sus primeros rudimentos hasta tañerla con destreza (1674).
La influencia de la opera en España no dejo de tener repercusión en
España. En 1629 se estreno la primera opera española, Selva sin Amor, con el
libreto de Lope de Vega, pero no se ha conservado la musica ni se conoce al
autor.
En esta época, se decidió dar inicio a un nuevo genero que marcaria a la
opera española, la cual seria denominada Zarzuela. La zarzuela es un genero
lirico español que trata de una obra dramática y musical en la que
alternativamente se canta y se declama. El principio básico de las zarzuelas es
la alternancia de las escenas cantadas con los diálogos hablados.
Los primeros antecedentes del genero se remontan a mediados del siglo
XVII y hacen referencia a un espectáculo musico-teatral que era representado
en un pacelete situado a las afueras de Madrid, donde el rey y su corte
acostumbraban pernoctar de regreso de sus partidas de caza. Dicho lugar era
conocido como La zarzuela, por estar situado en un lugar con zarzas, y los
espectáculos que en el se ofrecían, en su mayoría de temática mitológica,
recibieron también el nombre de fiestas de Zarzuela. Pedro Calderón de la
Barca dio al género sus primeros títulos: el jardín de Falerina (1648) el golfo de
las sirenas (1657) y la que generalmente se define como primera zarzuela, el
laurel de Apolo (1657) y al año siguiente fue estrenada por el compositor Juan
Hidalgo.
 Conclusión
La opera fue variando entre la zarzuela en España, la Singspiel en
Alemania, la opera comique en Francia y las operas ballad en Inglaterra. Dos
son combinaciones de géneros de danza y balada, sobretodo se preserva las
comedias, temas clásicos, y el acompañamiento instrumental.
Además, se vio el desarrollo de nuevos compositores, que empezaron a
marcar más allá de lo que imaginamos, como Handel, Vivaldi, Bach o
Telemann, que hoy en día, son de los músicos mas conocidos, debido a su
arduo trabajo.
Bibliografía
-Juan Bautista Plaza, instituto de las artes escénicas y musicales, historia
de la música, la ópera en Italia en el siglo XVII, 2da edición, Caracas, 2007.
-Luis Bertrand Soux, Historia de la música, El barroco, Caracas, 1992.
-Barsa Planeta, Auditorium: cinco siglos de música inmortal (A-Z), tercera
edición, España, 2004.
-Harold Rosenthal y John Warrack, The Concise Oxford Dictionary of Opera
(Oxford, 1979), "Ballad opera". Ópera balada -
https://es.qaz.wiki/wiki/Ballad_opera