PRODUCCIÓN 3D

PASO A PASO
Las fases clave de una
película de animación

www.animum3d.com
#Índice
03 Introducción

04 Pre-producción
Idea
Guión
Storyboard
Animática
Diseño del mundo y los personajes

07 Producción
Layout
Modelado
Texturizado
Rigging
Animación
Iluminación
Render

12 Post-producción
Composición
VFX
Corrección de color
Output final

15 La formación 3D en Animum
Nuestra cartera formativa
Introducción
Introducción
El desarrollo de una película de animación es un proceso realmente complejo, con más
fases de las que cabría imaginar, una intrincada colaboración entre departamentos,
apretados plazos de entrega y una constante iteración y perfeccionamiento del
trabajo realizado.

A pesar de llamarse películas de animación, la fase de animación es una sola de las

más de quince etapas que conforman el pipeline de la producción de 3D.

Algunos estudios pueden añadir u omitir alguna de las fases, pero el proceso es
bastante homogéneo en toda la industria. Hay que recalcar que cada fase no es
rígida y libre de las demás, sino que puede —y suele— ir reajustándose sobre la
marcha por requerimientos que surgen en fases posteriores.

El pipeline es fundamental para que cada persona sepa de qué tareas es

responsable, cuándo entregarlas y cómo hacerlo para facilitar el trabajo al siguiente
miembro de la cadena.

La división en tres etapas —preproducción, producción y postproducción—

permite a los estudios tener varios filmes en desarrollo al mismo tiempo, pues la
plantilla rota entre proyectos, y se evita que una parte se quede parada a la espera de
nuevo trabajo.

En este breve eBook vamos a desglosar cada una de estas fases de forma
sintetizada pero lo bastante completa como para que se entienda el valor que aporta
cada una.

Luces, cámara y… ¡acción!

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Fase 1. Pre-Producción
La preproducción engloba la génesis del proyecto. Por un lado,
la creación de la historia, el guión y la definición del estilo visual;
por otro, la planificación y gestión de equipos, presupuestos y
tiempos. Una buena preproducción es crucial para que el proyecto
vaya rodado.

Idea
Todo peliculón parte de una premisa brillante. - Se creará un arco narrativo con comienzo, nudo
Una inicial sesión de brainstorming dejará caer y desenlace claros, así como el arco personal de
un buen montón de ideas que posteriormente se el/la protagonista, que madurará a través de lo que
cribarán para conservar aquellas que conformen un le vaya a ocurrir.
todo coherente:
En la toma de decisiones deberán tenerse en
- Los personajes se definirán con su propio cuenta aspectos no creativos como el público
pasado, rasgos de personalidad, aspiraciones, objetivo, la fecha de estreno, el equipo implicado
aliados y enemigos. o el presupuesto y la duración de la producción.
- El escenario y el contexto histórico se
desarrollarán en detalle. Se describirán los
diferentes entornos y los acontecimientos que han
llevado a la situación actual.

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Guión
El guión es la versión explayada y literal de la historia. Un buen guión debe aclarar lo que ocurre en pantalla
en todo momento. Además de la transcripción de todos los diálogos, incluye las localizaciones, los
personajes presentes, su estado de ánimo, las acciones que realizan e incluso sus reacciones.

Tras completar el guión y en paralelo a otras tareas se suele proceder a su doblaje por actores de voz.

Storyboard
El storyboard es la primera representación visual
del guión. Su aspecto es como un cómic, plano
por plano, de lo que será la película.
Un pie de foto describe al detalle cada viñeta. En
esta fase ya entran en juego aspectos como la
dirección, la fotografía, el vestuario y los efectos
especiales.

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 Animática
La animática es una versión rudimentaria de la película. Las viñetas del storyboard se complementan con
efectos de sonido y voces (a veces preliminares) en formato vídeo.

El valor de la animática es definir el timing de cada acción. Al ser tan básica, se puede aplicar cualquier
cambio de guión con un mínimo esfuerzo antes de invertir ingentes horas en animaciones.

Diseño del mundo y los personajes

El último paso previo a la producción es definir en
detalle el estilo visual de la obra.
Los concept artists se servirán de programas
como los de Toon Boom o el archiconocido
Photoshop para dibujar versiones 2D de los
objetos, escenarios y personajes.
Cabe mencionar que el concept artist es tanto
ilustrador como diseñador.
La finalidad de un concept no es crear ilustraciones
apabullantes, sino facilitar al modelador la
información necesaria para trasladar sus
diseños a 3D.
Para ello no escatimarán en detalles: los dibujos
serán a todo color y revelarán el material de
cada objeto, mientras que los personajes se
complementarán con vistas desde diferentes
ángulos, cambios de vestuario y estudios de
expresiones faciales.

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Fase 2. Producción

En producción es cuando todo lo planificado en la etapa anterior

cobra forma. Los artistas crearán todo el material que se verá en
la versión final de la película. Los líderes de cada departamento
serán los encargados de que el aspecto visual, el estándar de
calidad y los tiempos sigan el plan preconcebido.

Layout
El layout es la versión 3D de la animática realizada con
modelos provisionales. Estas aproximaciones carecen de cualquier
tipo de detalle, pero dan la idea de las formas y la actitud de los
personajes.

A menudo se animan de forma muy básica, conformando la

primera versión de la película en movimiento.

La finalidad del layout es principalmente compositiva: da

lugar la colocación y movimientos de cámara, se añaden algunos
planos para clarificar la acción y se quitan otros innecesarios.

Estas decisiones tienen en cuenta las emociones y sentimientos

que quieren expresarse en cada escena. En caso de no haberse
hecho aún, se añaden las voces y la banda sonora.

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 Modelado
El modelador transforma los concepts en figuras
tridimensionales. Empezando por una primitiva (una
figura básica, como un cubo o un cilindro), utiliza las
funciones específicas del software de modelado (ya sea
Autodesk 3ds Max o Maya) para estirarlo, doblarlo,
duplicarlo, perforarlo… hasta lograr un objeto 3D con todo
lujo de detalles a base de vértices y caras.

Normalmente hay un cisma entre modeladores: unos se

encargan de los personajes y otros objetos orgánicos,
como árboles; otros, llamados modeladores hard-surface,
realizan objetos más industriales, como edificios,
mobiliario o armas.

En la última década ha ganado terreno un método

alternativo de generación de objetos 3D: el esculpido
digital en Zbrush.

Se trata de una técnica mucho más similar al esculpido de

estatuas tradicional.

Suele ser más laborioso que el modelado, pues requiere

de más pasos para preparar la malla 3D, pero permite un
nivel de detalle sin igual para modelos orgánicos.
Proyecto del alumno Carlos Gómez

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Texturizado
Texturizar es el arte de cubrir los modelos
tridimensionales con imágenes 2D llamadas
mapas de textura.
Diversos mapas aportan información adicional
sobre las propiedades de los materiales, como su
color, microrelieves, o la forma en que la luz incide y
rebota en su superficie.
Proyecto de la alumna Carolans Batista
Tradicionalmente se creaba la textura en un
software 2D como Photoshop, pero actualmente
herramientas como Substance Painter o Mari
permiten pintar directamente sobre el modelo 3D
y ver los resultados al instante, lo que simplifica
mucho el proceso.
Según el estudio, la misma persona puede ejercer
de modelador y texturizador a la vez, pues ambas
tareas están estrechamente relacionadas.
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Rigging
Tras el texturizado, los objetos inanimados estarían listos para
renderizarse, pero para animar los personajes hace falta un paso
más. El rigging es la creación de una especie de esqueleto
que simula las articulaciones del personaje.

Junto con el rigging se realiza el skinning, que es la asociación

de cada hueso del esqueleto a un grupo de vértices del modelo,
haciéndolo así manipulable a través de controladores.
Ambas tareas son las más técnicas del proceso creativo.

El rigger debe conocer de antemano muy bien las animaciones que

se esperan de su bípedo (o cuadrúpedo, o centípedo...), pues su
trabajo es allanar el camino para que el animador pueda controlarlo
eficientemente.

Además de doblar articulaciones, puede que el rig deba modificar

las formas del personaje o permitir gesticulaciones u otros
requerimientos del departamento de animación.

Animación
La animación es con diferencia la fase más larga y laboriosa de la producción 3D. Animar significa
literalmente “infundir alma” o vida a alguien. Los animadores trabajan de forma individual por secuencias:
cada semana realizan unos pocos segundos de animación, supervisados por un director que busca la
cohesión entre todo el equipo.

Normalmente cuentan con el apoyo del doblaje,

sincronizando los movimientos labiales a la voz
pregrabada. Al igual que para el rigging, el software
más extendido para animar es Autodesk Maya.

A pesar de que la animación 3D es algo

relativamente nuevo, los 12 principios de
la animación tradicional siguen siendo las
herramientas teóricas de referencia para los
animadores.

Un método alternativo es el motion capture. Con

este método, el animador importa los datos en
bruto, los aplica al rig del personaje y trabaja en
pulirlos para hacerlos parecer naturales, así como en
complementarlos con detalles como el pestañeo.
Proyecto de la alumna Beatriz Cano

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 Iluminación
De la misma manera que la luz es crucial en un plató físico, también juega un papel fundamental en un
entorno virtual. La iluminación en proyectos 3D se hace desde programas como Maya que usan motores de
Render como Arnold. Este tándem otorga unas posibilidades de iluminación increíbles con los que se logra
conseguir iluminaciones y representaciones de los materiales muy realistas.

El objetivo de la iluminación no es sólo ser capaz de centrar la atención del espectador ahí donde se
necesite, sino también aportar un mood, una sensación a la escena que ayude al efecto dramático que se
desea.

Proyecto del alumno Jesús Parras

Render
El render es la fase final de la producción 3D ¡Las películas de hoy en día requieren renders del
en la que una granja de ordenadores saca toda su orden de cientos de millones de horas!
fuerza bruta y el trabajo de modelado, texturizado,
animación, efectos e iluminación da sus frutos. Gracias a los clusters, miles de ordenadores
reducen la espera de siglos a meses.
Para calcular el aspecto de cada fotograma, cada
imagen se divide en pases: el de los modelos,
el de colores, el de sombras, el de reflejos, el del
fondo…

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Fase 3. Post-Producción
La etapa final de una producción 3D tiene muchos paralelismos
con la de una película de acción real.

Excepto en casos puntuales, ya no se trabaja con mundos

virtuales, modelos y texturas, sino con archivos de vídeo listos
para ser editados y finalmente exportados.

Las subfases en postproducción están muy ligadas entre sí,

siendo a veces un mismo artista el encargado de aplicarlas todas
en sus escenas.

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Composición
El compositor utiliza los pases del render
previamente calculado para combinar varios
elementos visuales en una sola imagen.

A sus manos llegan clips de todo el equipo de

animación. Su cometido es armonizarlos para que
parezcan grabados con la misma cámara y luzcan lo
mejor posible.

Renderizar de golpe la imagen final, prescindiendo

de los pases, sería técnicamente posible, pero
para hacer cualquier cambio habría que recalcular
íntegramente el render, perdiendo días de trabajo.

Nuke, el software de composición por excelencia,

permite incluso importar modelos 3D e integrarlos
a las capas de vídeo.

VFX
La adición de efectos especiales o VFX permite animar elementos demasiado complejos como para hacerse
mediante modelado y animación. A la hora de simular ciertos fenómenos, como elementos atmosféricos,
humo, fuego, destellos de lente o desenfoques, se obtienen mucho mejores resultados aplicándolos
en un entorno 2D en un software como Houdini.

Asimismo, pequeños defectos en alguna

de las fases de producción o en el render
pueden ser remendadas elegantemente y
con la mayor brevedad.

Otros efectos requieren una mayor

interacción con el entorno tridimensional.
Algunos ejemplos son los tejidos, masas
de agua, viento, efectos de partículas o
de gravedad, colisiones o el pelo de los
personajes.

Cada una de estas categorías es tan

compleja que a menudo los artistas de VFX
se especializan en solamente un par de ellas
durante su carrera.

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Corrección de color
El pipeline termina con un último
pulido que eleva las cotas de
calidad mediante diversas capas de
ajuste.

Escena a escena, un colorista se

sirve de herramientas como DaVinci
Resolve para repasar aspectos como
la saturación, el contraste y la paleta
de colores.

Finalmente revisa el filme en

su totalidad con tal de crear un
lenguaje visual coherente a lo
largo de toda la cinta.

Output final
Con todas las capas de render integradas y hechas todas las ediciones pertinentes, el largometraje está listo
para lanzarse, normalmente exportado en formato vídeo.

Proyecto del alumno Gonzalo Denis

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La formación 3D
en animum
Debido a la complejidad de la producción de 3D, la industria requiere
roles muy específicos con un alto grado de especialización.

En Animum tenemos más de 15 años de experiencia como Centro de

Posgrado en Tecnología y Arte Digital.

Nuestros profesores son personal activo en la industria del

entretenimiento, por lo que nuestros alumnos aprenden el método
de trabajo de primera mano. Sus tareas simulan lo que se encontrarán
en un estudio de animación o videojuegos y aprovechan el trabajo
de otros alumnos, emulando el pipeline que hemos repasado en este
eBook. En Animum ofrecemos una formación que abarca todas las
etapas de la producción 3D.

Si te apasiona el cine, los videojuegos, la ilustración o los efectos

especiales, tenemos la formación que necesitas para adentrarte
en la industria del entretenimiento.

Método online con horario flexible

Aprendizaje Formación Comunicación

colaborativo con especializada directa con tutores
sesiones semanales para roles internacionales en
en directo especializados activo

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Nuestra cartera
formativa
PRE-PRODUCCIÓN
Máster en Dibujo Digital y Animación 2D para Editorial y TV
Curso de Fundamentos del Dibujo
Curso de Fundamentos de la Animación 2D

PRODUCCIÓN
Carrera Superior en Arte 3D con Autodesk Suite para Videojuegos
Carrera en Arte 3D con Autodesk Suite para Videojuegos
Máster Superior en Modelado y Rigging de Personajes 3D
Máster en Modelado de Personajes 3D e Iluminación
Máster en Animación de Personajes 3D
Máster en Producción 3D Avanzada
Máster en Modelado de Personajes 3D
Máster en Infoarquitectura para Arquitectura e Interiorismo
Curso en Fundamentos de la Producción 3D
Curso en Rigging de Personajes 3D
Curso en Animación Cartoon
Curso en Animación de Personajes 3D para Videojuegos
Workshop avanzado ‘Explode your Reel’ para Animación de Personajes
Curso en Infografía 3D para Arquitectura e Interiorismo

POST-PRODUCCIÓN
Máster en Vfx y Composición para Cine y Publicidad
Máster en Composición y Lighting para Cine y Publicidad
Máster en Composición y Colorista para Cine y Publicidad
Curso de Colorista para Cine y Publicidad
Curso de Composición para Cine y Publicidad

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+34 952 33016270
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