DE MÚSICO PARA MÚSICOS

7 pasos
Para grabar una canción
desde CERO

Guia introductoria a la producción

musical enfocada a Home Studio.

JUAN MANUEL ALCANTARA

- Productor Musical-
 Autor

Juan Manuel Alcantara

Productor Musical – Creador de Contenidos

Porque todo los músicos, si nos lo proponemos,

podemos ser exitosos, con la gran variedad de servicios
que se pueden ofrecer en la música.

@JuanManuelAlcantara

@JuanManuAlcantara @JuanManuAlcantara
Tabla de
Contenidos
Introducción

1 Letra y Melodía

2 Pre producción

3 Maqueta

4 Grabación

5 Edición

6 Mezcla

7 Masterización

Conclusión
 Introducción
En otros tiempos, para grabar un
disco, se consideraba imprescindible
una gran inversión económica, puesto
que era necesario un estudio de
grabación, arreglista, productor,
ingeniero de mezcla, y entre otro
número de cosas. Gracias a la
evolución natural del mundo, la
industria musical cambió, y esta vez,
para siempre.
Cantantes, bandas y hasta orquestas,
tienen la posibilidad de grabar sus
propios álbumes en casa, desde su
“Home Studio”, y lo mejor, con un
presupuesto muy bajo y con calidad
profesional.
Como cantante/productor musical, sé
que uno de los retos más grandes para
los músicos independientes que no
están firmados por una disquera, es
hacer buena música desde casa, y
sonar como las grandes disqueras.
Seguramente tienes canciones listas,
o ideas que quieres consolidar, pero no
sabes por dónde empezar, ni tienes
idea de cómo es el proceso de
grabación.
En esta guía rápida te voy a dar 7
pasos indispensables, para lograr
producir una canción buena y con
sonido profesional.
Hay que tomar en cuenta, que esta
guía va dirigida a cualquier necesidad,
desde un músico con aspiraciones de
incursionar en el mundo artístico, o al
que tiene como pasa tiempo o
entretenimiento, hacer música.
Lo que te prometo es que después de
leer esta guía, sabrás exactamente
qué tienes que hacer para producir tu
canción de forma casera, con una
metodología descubierta con más de
7 años de investigación y que es la
que todos, o la gran mayoría, de los
artistas y productores famosos utiliza.
Tener una lista de pasos claros te dará
la motivación para continuar haciendo
más música, ya que, sabrás qué hacer.
Juan Manuel Alcantara.
 1
PASO 1

LETRA Y MELODÍA
 Letra y Melodía
Donde todo empieza

Los hits, y las mejores canciones, empiezan mucho antes de entrar al estudio de
grabación, una melodía contagiosa y una buena historia, son el verdadero punto de
partida.

Puedes tener el micrófono más caro del mundo, o la mejor guitarra para grabar, pero
si tu canción tiene una melodía aburrida, y la melodía no es pegajosa como para
quedarse en la mente de quien la escucha, entonces ni siquiera tiene sentido hablar
de equipo de grabación, primero lo primero.

Antes de hablar de grabar, tienes que escribir una canción que valga la pena escuchar.

Lógicamente con todos los géneros musicales que existen, gustos y preferencias,
definir qué es bueno, es difícil, pero estos son los secretos que, con los años de
analizar éxitos musicales, todos comparten:

1. Una melodía pegajosa:

Tu canción tiene que ser recordable, empática, que las personas memoricen su
melodía fácilmente, para esto, haz que cada sección de la canción tenga una melodía
característica o algo que la diferencie de otras secciones, la estrofa no puede ser igual
al coro, especialmente el coro tiene que tener una buena rima y dinamismo para que
la canción no sea lineal y aburrida. De esta manera la gente no se aburrirá a los 30
segundos y querrán escucharla completa.
 Letra y Melodía
2. Cuenta una Buena historia

Actualmente los cantautores más exitosos son lo que tienen la habilidad de narrar una
historia con palabras que conecten con las personas. Ya la poesía y palabras
rebuscadas han pasado un poco de moda, ojo, no quiere decir que hay que caer en lo
burdo, todo lo contrario, la forma de conectar con la audiencia es contando la historia
de una manera fresca, con la intención de generar identificación. No necesariamente
deben ser historias reales, o propias, pero por supuesto, deben ser creativas.

3. Parte climax

Escribe alguna parte que tenga un giro inesperado en la letra, o también puedes crear
un drop en el beat (cuando acumulas cierta cantidad de sonidos que se van sumando
hasta producir el punto máximo de energía y luego haces un silencio repentinamente
y caes de nuevo en el instrumental) o haz que la melodía en una sección de la canción
suba el tono y el cantante explote todo su potencial. La mayoría de las canciones
exitosas tienen ese cambio inesperado. La idea es crear una tensión que sea liberada,
y con esto logras mantener la atención del oyente.
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PASO 2

PRE PRODUCCIÓN
 Pre Producción
Un barco sin destino fijo, se hunde en la deriva.

Este es el paso que, en la mayoría de los casos, se salta. Y cabe resaltar que, en este,
es donde se desarrolla toda la estructura y musicalidad, en pocas palabras, la vida de
la canción. En este proceso es donde se pasa, de tener una simple melodía con una
guitarra, piano o cualquier instrumento con el que hayas compuesto tu canción, a
tener una canción de verdad.

En la preproducción hay que definir lo siguiente:

• Estilo de la canción: género musical.

• Tonalidad: a veces el tono que se escogió al momento de hacer la melodía no es
el mejor para quien va a cantarla, aquí confirmas si es necesario hacer algún
cambio.
• Tempo: Velocidad de la canción.
• Instrumentos: Los que quieres que estén presentes (Ejemplo: bajo, guitarra,
piano, batería, etc).
• Estructura: Las partes de la canción (intro, estrofas, coro, puente, final).
• Arreglo musical: un riff de guitarra con punch, un intro de piano que caracterice
la canción al comenzar, etc. Aquí cada instrumento debe definir exactamente lo
que va a ejecutar al momento de grabar.
• Arreglo vocal: Generalmente al escuchar la canción con instrumentos la ves
desde otra perspectiva, es por eso que, en este punto, partiendo de la melodía
empezamos a agregar detalles que hagan que la voz tenga forma y dinámica, y
así, que ensamble perfectamente con el instrumental.
• Voces de apoyo: segundas voces o armonías que acompañan estratégicamente a
la voz principal en ciertas secciones de la canción.
 ¿Cuantas veces has empezado a grabar una canción y luego empiezas a
cambiar miles de cosas hasta que terminas haciendo nada?

Recuerda que un barco sin destino fijo se hunde en la deriva, es por eso que, al tener
claro desde el comienzo todos los detalles tendremos algo a que apegarnos y no
divagar hasta probablemente, abandonar el proyecto.

Hacer la pre producción de una canción te va a ayudar a ahorrar mucho tiempo y

esfuerzo, especialmente si estás trabajando en una canción que no es solo para ti, es
decir, para algún cliente o donde hay otras personas, como miembros de banda,
aportando opiniones, a veces tantas ideas a la vez pueden desviar el rumbo de la
producción totalmente.
 3
PASO 3

HACER UNA GUÍA

 Hacer una guía
Toda película antes de ser grabada tiene un guion.

Es indispensable que antes de iniciar la grabación del tema ya compuesto, tengas una
especie de borrador, con todos los instrumentos, arreglos, voces, y toda la estructura
de la canción. Así cuando presiones “Grabar” ya todos sabrán que les toca ejecutar.

Con esto, no quiere decir que no puedas cambiar nada, simplemente es tener listo el
guion que todos deben seguir para llevar un orden, sin embargo, siempre surgen ideas
cuando estás grabando, o alguna espontaneidad, que queda en la versión final.
Siéntete con la libertad de poder improvisar un poco en la grabación, pero siempre
con intención. Tener la guía les facilitará el trabajo de grabación a todos, incluyendo a
músicos y productor.

Esta guía puedes grabarla hasta con tu celular, sólo asegurate de que se escuche
claramente que hace cada instrumento.
 4
PASO 4

GRABACIÓN
 Grabación
Una de las partes más divertidas.

Una vez que tenemos escrita una canción que promete, los arreglos musicales, y ya
sabemos que instrumentos vamos a grabar, viene la parte más divertidas, la
grabación.

1. ¿Qué se graba primero?

Debemos revisar la guía para saber qué instrumentos necesitamos grabar. En este
ejemplo grabaremos una canción Rock. Generalmente, debes grabar en este orden:

1. Percusión (Batería o percusión menor)

2. Bajo
3. Guitarras
4. Pianos – sintetizadores – strings
5. Voz

2. ¿Con qué volumen debo grabar?

En tiempos pasados el volumen al momento de grabar debía estar al tope, los pre
amplificadores de las consolas análogas sacaban su mejor sonido cuando estaban a
punto de saturar. Esto ya no es así, actualmente con las interfaces digitales no es
necesario esto, de hecho, lo recomendable es que al grabar el pico más alto no sea
más alto que -6db. Esto a la hora de mezclar te da más headroom (espacio entre el
pico más alto y los 0db) lo cual te va a permitir tener una mejor Masterización. Si
grabas con poca ganancia siempre tendrás más libertad para editar el audio, por el
contrario, si grabas saturado, no habrá nada que puedas hacer para salvar ese track.
 Grabación
3. ¿Debo grabar todo en una sola pasada perfectamente?

NO, se tiene la idea errónea de que debes grabar todo el track sin equivocarte de una
sola vez, y la verdad es que con esto solo conseguirás desgastarte y hacer la sesión
de grabación eterna.

Si tu temor es que al grabar por partes no suene fluido, lo que debes hacer es tocar
toda la canción completa por lo menos 3 veces, luego con esos 3 tracks escoger los
fragmentos de cada uno que quedaron mejor. Si hay alguna sección que no ejecutaste
bien en ninguna de las 3 tomas, puedes volver y grabarla puntualmente. En esta
manera de grabar sonará más natural y sin tantas uniones.

Si por alguna razón se te hace muy difícil de esa manera, puedes grabar por
secciones, es decir, Intro, Estrofa, Coro, etc. De esta manera podrás concentrarte en
dar lo mejor de ti en cada sección, por ende, tendrás resultados más precisos.

Nota importante: ¡Practica! Antes de grabar ensaya muchas veces para que des lo
mejor de ti.

4. Si empiezas a escuchar todo mal, date un break

Las sesiones de grabación pueden ser muy largas, incluso haciéndolo bien.
Simplemente toma tiempo lograr la ejecución deseada. Si empiezas a frustrarte
porque no te sale bien alguna parte de la canción, levántate, estira un poco el cuerpo,
ve por una taza de té, y despeja la mente por unos minutos. Cuando regreses, te
sorprenderá lo fresco que continuarás grabando.
 5
PASO 5

EDICIÓN
 Edición
Porque errar es de humanos

Aunque el cantante y musicos sean los mejores de su categoría, siempre hay detalles
humanos que se escapan en la grabación. En este paso es donde nos dedicamos a
arreglar/corregir cualquier imperfección. Con la edición llevamos cada instrumento a
su lugar y logramos que todos los instrumentos suenen en armonía sin siquiera tocar
ecualizador.

1. Cuantización.

Este es otro paso que muchos productores se saltan, y en consecuencia podría

arruinar totalmente la canción. La rítmica es la columna vertebral de una canción, si
esta tiene inconsistencias… todo se vendrá abajo, tal como pasaría con un edificio si
sus columnas fallaran.

Pero… ¿Qué significa cuantizar?

Este término se refiere a ajustar cada golpe rítmico para que esté perfectamente a
tiempo con la velocidad de bpm (beats per minute) de la canción. Más claramente, es
hacer que un instrumento grabado no suene adelantado ni atrasado.

Es importante mencionar que, cuantizar en exceso puede llegar a matar la dinámica y

humanidad de tu canción, por lo que hay que ser cuidadosos de que no se nos pase la
mano. Sobre todo, al trabajar con instrumentos como piano, guitarras e instrumentos
sinfónicos, hay que cuantizar sólo lo estrictamente necesario. La batería o percusión
al igual que el bajo, por otro lado, si deberían tener una cuantización más fuerte, ya
que estos son el ancla ritmica para los otros instrumentos. Con esto nos aseguramos
de que todo suene organizado.
 Edición
2. Editar voces.

Aquí hay que ser MUY cuidadosos, y escuchar muchas veces el track vocal para
corregir todos los errores que tenga, tanto de rítmica como en cuanto a afinación. La
voz muchas veces es el 70% de una canción, es por eso que tenemos que dedicarle
una atención especial.

¿Cómo hago que la voz suene afinada?

Es totalmente normal que los cantantes tengan ciertos detalles en la grabación, por
más bueno que sean. Hay una gran variedad de software que se usan para corregir la
afinación, tempo y amplitud de un track vocal. Entre estos:

• Melodyne
• Autotune
• Waves tune

Estas herramientas te permiten corregir la afinación de tu voz. En particular, con la

herramienta Melodyne puedes editar una nota en particular que hayas fallado en la
ejecución, obteniendo resultados casi indetectables (si lo haces cuidadosamente). Así
como también podrás editar el tempo, si te adelantes o atrasaste y la amplitud (si
cantaste algún fragmento con muy bajo volumen).

¿El autotune es sólo para cantantes malos?

NO! El autotune es una herramienta totalmente válida y que en la industria actual se

usa en casi el 100% de las producciones. Sólo debes saber usar la cantidad adecuada
para que la voz no suene como la de Cher (quién por cierto lo hace a propósito).
3. Define y limpia tus tracks

Tranquilo que no debes usar un pañuelo, la referencia es a definir las tomas de cada
instrumento con las que te quedarás y remover cualquier sonido indeseado.
Normalmente, para grabar se hacen varias tomas para luego escoger fragmentos de
cada una y lograr el track final de cada instrumento. En este paso te aseguras de
escoger las tomas adecuadas y eliminar sonidos indeseados de transiciones entre
tomas o espacios vacíos que pueden tener ruidos.

En las guitarras, sobretodo distorsionadas, suele haber ruido. Algún cable puede estar
generando sonidos cuando no estas tocando, asegúrate de eliminarlos. En cuanto a
las voces es importante que limpies las respiraciones. Ojo, no debes eliminar todas
las respiraciones porque harás que suene falso. Corta en fragmentos las respiraciones
y haz una copia del canal de voz principal, luego pon las respiraciones en ese canal
nuevo con mucho menos volumen.
 6
PASO 6

MEZCLA
 Mezcla
Donde ocurre la magia

En la mezcla es donde la magia sucede, donde tu canción pasa de sonar como un

ensayo en el garaje a ser una canción profesional lista para sonar en Spotify, junto a
grandes producciones hechas en estudios costosos. Para mezclar sin fallar en el
intento debemos ser prácticos y usar los recursos como realmente hacen falta. No se
trata de una competencia en la que mientras más efectos tengas mejor va a sonar,
todo lo contrario, es donde aplicas lo estrictamente indispensable para hacer que todo
en conjunto suene en su lugar. Basándonos en este principio, comenzamos tratando
de hacer que nuestra mezcla suene bien sin siquiera poner un efecto, con el primer
paso:

1. Volumen y paneo.

Comienza con tu base rítmica. Pon la batería o percusión a volumen donde el pico
más alto no sea más alto a los -6db. Luego ve añadiendo el resto de instrumentos
ajustando volúmenes y paneo (ubicar los instrumentos a la izquierda o derecha del
estéreo), siempre deteniéndote a escuchar cada vez que añades uno y asegurándote
que haya un balance con el resto de instrumentos.

2. Ecualización.

Una vez que tengas cada instrumento en su lugar en cuanto volumen y espacio en el
estéreo, es hora de quitar esas frecuencias que hacen que los instrumentos interfieran
entre sí. La finalidad de la mezcla es hacer que cada instrumento tenga su espacio
dentro del espectro estéreo.
 Mezcla
Por ejemplo: Las guitarras, pianos y voces, deberían tener un recorte de bajos hasta
los 100hz ya que por tesitura / tono de estos instrumentos, no tienen ninguna
información valiosa por debajo de esas frecuencias, por lo que, al dejar estas
frecuencias, sólo estarían estorbando a los encargados del low end de nuestra
mezcla: Bombo, bajo y en ocasiones… sintetizadores.

3. Compresión

Cuando grabas tu voz, por ejemplo, si le echas un vistazo a la onda de audio te darás
cuenta de que es totalmente irregular, es decir, hay sonidos más fuertes otros más
débiles, pero tranquilo, es normal y se puede solucionar. Esta inconsistencia de
volúmenes en nuestros tracks las podemos corregir con un compresor.

¿Alguna vez has escuchado una grabación en la que la voz desaparece en la mezcla
en ciertos momentos?

Esto se debe a que no está comprimida correctamente o en lo absoluto. Pero… ¿Qué

hace un compresor? Para hacértelo más claro: realza los sonidos más bajos del track
y los nivela con el resto que son más fuertes sin que se note demasiado.

Los compresores se usan en prácticamente todos los instrumentos en una mezcla

(voz, percusión, bajo, guitarra, piano, entre otros); ya que te permite controlar la
dinámica de cada track y, por ende, de tu canción.

4. Reverb, delay.

Pues sí, lo último por lo que tenemos que preocuparnos son los efectos. Cuando ya
tengamos cada track en su lugar en el espectro, limpios de frecuencias indeseadas y
con la dinámica controlada, es hora agregar profundidad a nuestra mezcla.
¿Para qué se usa el reverb y el delay?

Estos efectos aportan espacio, profundida y más importante aún, pueden ayudarte a
comunicar lo que realmente quieres. Ejemplo: Imagina que quieras dar un aura
melancólica, con una guitarra en clean sin ningún efecto, probablemente no lo vas a
lograr. En cambio, agregando reverb, puedes llevar al oyente a sentirse en un estadio.
Es totalmente un game changer. John Mayer una vez en un concierto, tocó el riff de
una de sus canciones llamada “Love on the weekend” sin reverb para mostrarle al
público la importancia del pedal de reverb, en el que había gastado cientos de dólares,
y que le había hecho ganar miles de dólares. Con esto no te quiero decir que necesitas
gastar cientos de dólares para que tu canción suene bien, a lo que me refiero, es a que
un efecto puede marcar una gran diferencia, para bien, en tu canción.

Un consejo: NUNCA grabes con reverb ni ningún efecto. Cuando grabes, la señal debe
estar en “clean” es decir, sin ningún efecto. En la mezcla puedes agregarle todos los
que quieras y tendrás más libertad.

Por otro lado, el delay cumple la misma función, sólo que es mucho más perceptible
ya que con este se escucha la repetición más fuerte, parecido a lo que lamamos “eco”.

El reverb, por otro lado, solo te da una sensación de espacio, puedes llevar la voz que
grabaste en tu cuarto a sonar como que estabas cantando en una iglesia, o un
estadio.

Nota importante: El reverb y el delay son herramientas muy poderosas para potenciar
tu mezcla y ayudarte a expresar lo que quieres, sin embargo recuerda: “Un gran poder,
conlleva a una gran responsabilidad”. Estos efectos también pueden empañar y dañar
totalmente tu mezcla, así que… úsalos con responsabilidad.
5. Automatización

Este paso, es donde tu mezcla puede resaltar entre las demás. Con la automatización
aportamos dinámica a nuestra mezcla. Las posibilidades son infinitas, desde acentuar
el delay en la voz SÓLO en un momento en particular, hasta hacer un recorte en las
frecuencias altas e ir liberándolas progresivamente para dar la sensación de que algo
se avecina y… ¡finalmente explota!

¿Has notado alguna vez que hay canciones en las que, por ejemplo: la voz tiene un
delay suave durante toda la canción, pero de repente en un fragmento en particular el
delay se dispara mucho más fuerte?

Esto lo puedes conseguir con la automatización. La gran mayoría de los DAW (Digital
Audio Workstation) te brindan esta herramienta, Pro Tools, Logic, Cubase, etc.

Un consejo: Ten en cuenta que una canción debe ser una experiencia sonora para
quien la escucha. Juega con la dinámica, siempre agregando elementos nuevos a
medida que la canción va evolucionando, así, tu audiencia no se aburrirá al
escucharla.
 7
PASO 7

MASTERIZACIÓN
 Masterización
El toque final

Lo primero que quiero hacer es aclararte dudas que muy posiblemente tengas.

¿Cuál es la diferencia entre la Mezcla y la Masterización?

La mezcla, como ya vimos en el paso anterior, es el proceso donde unes cada track
que grabaste y los haces sonar en armonía entre ellos. Mientas que, la Masterización,
es donde preparamos la canción para que suene bien en la radio y las plataformas
digitales.

¿Te ha pasado que grabas tu canción y cuando la reproduces antes o después de

alguna de un artista famoso, hay una diferencia de volumen que hace que tu canción
no suene igual de bien?

Si, lo sé, me pasó también, pero no te preocupes, lo solucionaremos con la

masterización.

1. Utiliza un analizador de frecuencias.

Esta herramienta te permite ver gráficamente cuales son las frecuencias que están
muy altas y así podemos corregirlas y lograr un balance.

2. Elimina frecuencias indeseadas.

Es muy posible que, aunque hayas hecho un muy buen trabajo de mezcla, la suma de
todos los tracks haga que algunas frecuencias resalten demasiado.
 Masterización
Consejo 1: Busca una canción de un artista famoso con buena calidad y úsala como
referencia, que el género musical sea parecido al de tu canción y que te guste el
sonido. Así puedes ir haciendo cambios y comparando.

Consejo 2: Usa el ecualizador de forma sustractiva, es decir, tratando de quitar

frecuencias en vez de añadir.

Consejo 3: Usa la legendaria técnica de “Barrido de frecuencias” esta técnica es lo

mejor que puedes hacer para detectar esas frecuencias que quieres quitar.

Consejo 4: Generalmente las frecuencias bajas pueden abarcar mucho espacio dentro
del espectro y hacer que tu canción se sature cuando quieras que suene más fuerte.
Pero ten mucho cuidado de no quitar bajos que no debes, le podrías quitar el cuerpo y
el punch a tu canción.

3. Haz que tu canción suene a un volumen comercial.

El oído asocia volumen con calidad, algo que puede ser muy perjudicial si te estas
saltando este paso. Es muy importante llevar nuestra canción a que suene al mismo
volumen que las producciones grandes, imagina que alguien está en Spotify y de
repente suena tu canción, pero suena tan suave que no puede escucharla bien. Dos
cosas pasaran: 1. Le dará la impresión de que es una canción amateur. 2.
Simplemente no le prestará atención o lo más seguro, se saltará tu canción porque no
atrapó al oyente, por una simple razón, el volumen.

Aplícala el consejo 1 del paso anterior, siempre ten una buena referencia, de una
canción que suene muy bien y que se ajuste a tu estilo, e intenta que la tuya suene al
mismo volumen.
Para lograr realzar el volumen el secreto es usar un Limitador, esta es la herramienta
que te va permitir subir el volumen de tu pista sin pasar de 0db.

Consejo 1: No limites hasta 0db, hazlo hasta -0.3db porque en 0 ya estas saturando.

Consejo 2: Ten cuidado cuando uses compresores o limitadores, ya que podrías

aplastar demasiado la canción y dejarla sin dinámica.

Consejo 3: Si intentas obtener más volumen con el limitador y escuchas que tu track
empieza a saturar, échale un vistazo a las frecuencias bajas y considera reducirlas,
generalmente estas son las que saturan al limitador y nos restan posibilidades de
ganar más volumen.
 GRACIAS POR DESCARGAR ESTA GUÍA

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aprendiendo?
Espero que te haya útil, si consideras que te he
aportado valor, sería de gran ayuda que te
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LEARN ORE

JUAN MANUEL ALCANTARA

- Productor Musical-