El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX.

Nació
en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y
Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la
abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo.

El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una auténtica

ruptura con el arte occidental que, hasta entonces, se basaba en la imitación de la
naturaleza y en la idea de belleza, lo que supuso entonces un gran escándalo,
sobre todo entre los más conservadores. Pero ¿en qué consiste el cubismo? ¿Por
qué se dice que es un movimiento revolucionario? ¿Qué aportó a la historia del
arte y a la cultura occidental? ¿En qué reside su importancia?

Características del cubismo

Pablo Picasso: Mujer con mandolina. 1910. Óleo sobre lienzo. 100.3 x 73.6 cm. Museo de
Arte Moderno, Nueva York.

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos

geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan
como “son” o como se "ven", sino como han sido concebidos por la mente, que
los deconstruye en sus formas geométricas esenciales, orientando la atención al
lenguaje plástico, la observación y el análisis. Comprendamos cómo lo hace.

Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte

A diferencia de los movimientos predecesores, el cubismo se distancia

abiertamente de la representación naturalista, es decir, del principio de imitación
de la naturaleza como objetivo final del arte. Esto lo convierte en el primer
movimiento de vanguardia propiamente dicho. El cubismo da un paso más allá al
distanciarse, incluso, de la idea de representar la naturaleza según los modos de
“percepción” de la vista o la emoción, en decir, en los efectos o los afectos. Es así
como logra la deconstrucción plástica por la vía analítica, logrando crear en el
cuadro una realidad propia independiente de cualquier referente y de cualquier
intento por lograr la verosimilitud.

Síntesis y geometrización
Juan Gris: Arlequín con guitarra. 1919. Óleo sobre lienzo. Colección privada.

Supresión de la perspectiva y el claroscuro

Toda vez que no interesa la imitación de la naturaleza o de los modos de

percepción óptica, el cubismo no se interesa en el claroscuro y en la perspectiva,
elementos plásticos al servicio del principio de verosimilitud.

Superposición de planos

El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo. La síntesis se hace total: al

tiempo que sintetiza las figuras a su mínima expresión geométrica, sintetiza
también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto.

Incorporación de técnicas no pictóricas

Georges Braque: Violín y pipa, 'Le Quotidien'. 1913. Collage con tiza, carbón, papel.
Centro Georges Pompidou, París.

Además de usar la pintura al óleo y otras técnicas habituales, los cubistas fueron
los primeros en incorporar técnicas no pictóricas al introducir el collage, es decir,
el uso de materiales diversos adosados sobre la superficie del lienzo.

Predominio de la forma sobre el fondo

En el cubismo, el análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el

protagonismo. Por ello, no se sienten obligados a representar temas
trascendentes, sino que la cotidianidad se vuelve causa de inspiración para poder
desarrollar un concepto.

Preferencia por el bodegón y la figura humana

Georges Braque: Violín y jarra. 1910. Óleo sobre lienzo. 117 x 73 cm. Kunstmuseum
Basel, Basilea.

De lo anterior se desprende el interés en temas como el bodegón o naturaleza

muerta. Son frecuentes los instrumentos musicales, frutas y objetos cotidianos,
así como la figura humana despojada de cualquier valoración referencial (mítica,
religiosa, histórica o filosófica).

Contexto histórico del cubismo

Las características del cubismo parten, como toda transformación, de un proceso
histórico con implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas
cosas estaban cambiando a finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

El desarrollo tecnológico había llegado a un punto verdaderamente

transformador. La invención del automóvil en 1885 y del aeroplano en 1903
había cambiado la percepción de la distancia y del tiempo. Las primeras
transmisiones inalámbricas por radio en 1895 cambiaron radicalmente los
parámetros de comunicación. La creación de cinematógrafo en 1896 permitió
una nueva concepción de la imagen a la que se incorporaba el movimiento, con
no pocas consecuencias para las artes visuales.

Por si fuera poco, los sistemas monárquicos europeos comenzaron a ser

reemplazados por repúblicas democráticas, al tiempo que crecían el socialismo y
el comunismo ante las dinámicas socioeconómicas generadas por el capitalismo.
Era evidente que la nueva era que se abría paso, esta sociedad industrializada y
masiva, no se veía reflejada en las artes plásticas tradicionales, que seguían
atadas a la imitación de la naturaleza y/o al contenido.

Influencias del cubismo

La conceptualización del cubismo respondió también a las ideas que, tanto en lo

artístico como en lo cultural, pululaban a principios del siglo XX, y que llamaban
la atención de los jóvenes artistas. No solo había ideas nuevas, sino que había
disponibles nuevas formas de mirar el mundo disponible.

Influencia del postimpresionismo

Paul Cézanne: Casas en L'Estaque. 1880. Óleo sobre lienzo.

Los postimpresionistas habían despertado la atención a principios del XX. Los

jóvenes artistas residenciados en París se sintieron particularmente conmovidos
por una exposición retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne, llevada a cabo
en 1907. Cézanne se caracterizaba por reducir los volúmenes de los objetos a
elementos geométricos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera.
Georges Braque: Casas en L'Estaque. 1908. Óleo sobre lienzo. 73 cm × 59,5 cm.
Kunstmuseum Bern, Berna.

Los nuevos artistas quedaron prendados de la sentencia del postimpresionista

Paul Cézanne, para quien “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el
cono y el cilindro”. Por lo tanto, comenzaron a trabajar en la observación y
análisis de la imagen, a fin de hallar sus elementos geométricos esenciales.

Influencia de la escultura africana y del arte ibérico

Izquierda: Escultura íbera del siglo III o II a.C. Derecha: Máscara africana.

Hacia finales del siglo XIX y principios del XX crecía

el imperialismo occidental en África y Asia. Europa manifestaba un interés
renovado por las expresiones culturales de aquellos pueblos, así como una
fascinación ante nuevos hallazgos arqueológicos. En París se llevaron a cabo
diversas exposiciones de arte africano y arte ibérico que Picasso y otros artistas
tuvieron la oportunidad de apreciar.

Influencia del desarrollo tecnológico

La imagen bidimensional ya no se limitaba solo a la captación de un instante.
La cámara cinematográfica había logrado hacer de la imagen una posibilidad
temporal narrativa gracias a la invención de la técnica del montaje, introducida
por Edwin S. Porter y desarrollada por Griffith. Si la fotografía liberaba a la
pintura de la imitación de la naturaleza, el cine la liberaba de la obligación de
contar historias. ¿Qué hacer de allí en adelante?

Influencia del pensamiento científico

Los artistas que desarrollaron el cubismo se vieron influenciados por las teorías
de Albert Einstein. Para el conocido científico, era imposible determinar un
movimiento; un objeto podía parecer estar quieto o el movimiento según la
perspectiva. De allí resultaría, pues, el concepto de las perspectivas superpuestas.

El origen del cubismo

Pablo Picasso. Las señoritas de Avignon. 1907. Óleo sobre lienzo. 243.9 cm × 233.7 cm.
Museo de Arte Moderno. Nueva York.

El cubismo tuvo sus orígenes en un grupo de discusión artística instalado en el

boulevard de Montmartre, en un edificio al que llamaban “Bateau-Lavoir”. Este
edificio era la residencia de Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Max
Jacob, Kees Van Dongen, Constantin Brancusi, Amedeo Modigliani y otros
artistas más.
El grupo de discusión llegó a recibir la visita de los pintores Henri Matisse, que
ejerció gran influencia en Picasso y Braque, y Diego Rivera. También lo
frecuentaban los escritores Jean Cocteau y Guillaume Apollinaire, este último
creador del texto Los pintores cubistas (Les Peintres cubistes), publicado en
1913. El investigador Blas Matamoro, en un ensayo titulado Apollinaire, Picasso
y el cubismo poético (1988), sostiene que:

Se dice que Matisse fue, observando un cuadro de Braque, en 1908, el que comparó
la composición a un amasijo de pequeños cubos. El crítico Luis Vauxcelles,
retomando a Matisse, acuña la palabra cubismo al comentar una exposición de
Braque ese año, pero será Apollinaire quien intente las primeras aproximaciones
conceptuales a la pintura cubista, atribuyendo su paternidad a Picasso, del cual los
cubistas serían meros y chatos imitadores.

(Las negrillas son nuestras)

En efecto, el primer lienzo propiamente cubista fue Las señoritas de Avignon de

Pablo Picasso, culminado en 1907, y este lienzo fue exhibido en el edificio
Bateau-Lavoir por primera vez.

La figura estratégica que ayudó a la difusión extraordinaria del cubismo fue el

escritor, coleccionista de arte y marchante Daniel Kahnweiler, un férreo defensor
del cubismo y de sus más importantes artistas: Pablo Picasso, Georges Braque,
Juan Gris y André Derain, aunque este último fue más conocido por su obra
fauvista. Kahnweiler jugó un papel fundamental al convertir a su galería en un
centro de difusión del cubismo.

Vea también: Análisis de Las señoritas de Avignon  de Pablo Picasso.

Etapas del cubismo

En tanto movimiento, se conocen tres etapas esenciales del cubismo, si bien es
cierto que algunos de sus postulados siguieron presentes tanto en sus creadores
como en las generaciones venideras.

Cubismo primitivo o período cézannesco (1907-1909)

Georges Braque: Viaducto a L'Estaque. 1908. Óleo sobre tela. 72.5 x 59 cm. Museo
Nacional de Arte Moderno Centro Pompidou, París.

El período primitivo se caracteriza por la austeridad en el color (dominan los

tonos neutros como grises y marrones) y la renuncia a la perspectiva tradicional,
enfocada en un punto único, a fin de integrar múltiples perspectivas en un solo
plano. Como temas, prefiere las escenas interiores, aunque eventualmente acude
al paisaje.

Cubismo analítico o cubismo hermético (1910-1912)

Pablo Picasso: Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler. 1910. Óleo sobre lienzo. 100.4 cm ×
72.4 cm. Instituto de Artes de Chicago, Chicago.

El cubismo analítico se enfocó en el análisis de la realidad y su descomposición

en planos de los volúmenes de un objeto. Abandonó por completo el interés por
la verosimilitud e incursionó en una propuesta conceptual. El cubismo analítico
pretendió combinar la tridimensionalidad de la realidad con la bidimensionalidad
de la superficie pictórica.

Desde el punto de vista plástico abundan los ángulos y las líneas rectas. La
iluminación no es real y no tiene una fuente única, sino que el pintor la hace
surgir de diferentes puntos. La tendencia colorista se aproxima al
monocromatismo y los tonos preferidos son castaños, grises, cremas, verdes y
azules. Los temas de representación suelen ser los bodegones con instrumentos
musicales, botellas, pipas, vasos, periódicos y, en menor medida, la figura
humana.

Cubismo sintético (1913- 1914)

Juan Gris: Hombre en el café. 1914. Técnica mixta. Óleo sobre lienzo y collage con papel
periódico. 99.1 × 71.8 cm. Museo de Arte Metropolitano, Nueva York.

El período sintético se caracterizó por la ruptura total de todo procedimiento

imitativo. Empleó signos plásticos; devolvió al color su protagonismo; las
superficies se hicieron más amplias y decorativas, a pesar de su fragmentación, y
se incorporó el collage, lo que permitió la exploración de las texturas. Así, sobre
el lienzo se podía ver materiales no pictóricos como cajetillas de cigarrillos,
páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, arena. De
este modo, el cubismo sintético jugó con los límites entre la realidad y la ilusión
pictórica.

El fin del cubismo y su importancia

El cubismo tuvo una muy corta duración como movimiento, pues desapareció en
el año 1914 con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Aún así, la propuesta
estética del cubismo penetró el imaginario artístico y se convirtió en fuente de
inspiración para artistas y comunicadores visuales.

Influencia del cubismo en el arte contemporáneo

Cubofuturismo.
 Izquierda: Kazimir Malévich: El Molinillo de Cuchillo (Principio de Glittering). 1913.
Óleo sobre lienzo. 79.5 x 79.5 cm. Galería de Arte Universitario, Yale.
Derecha: Marcel Duchamp: Desnudo bajando una escalera Nº 2. 1912. Óleo sobre lienzo.
1,47 m x 90 cm. Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia.

Lo primero que hay que decir es que el cubismo logró un cambio fundamental en
el arte occidental: que se consolidara la valoración del arte como una realidad
autónoma de todo contenido o tema al que estuviera consagrada.

Si bien el impresionismo había abierto este camino cuando hizo girar la atención
del tema hacia los modos de representación, aún la imitación de la naturaleza
estaba presente. Los postimpresionistas se acercaban en la medida en que daban
curso a su mundo interior, a su particular modo de ver o de sentir.

Los cubistas, en cambio, fueron más lejos al romper totalmente con la

dependencia del referente y dieron otra perspectiva a la valoración del concepto.
Ese principio de máxima autonomía y máxima libertad, abrió la compuerta de la
creatividad y la originalidad en el arte occidental.

Izquierda: Robert Delaunay: La ville de Paris. 1911. Cubismo. Óleo sobre lienzo. 1722 x
1195 cm. Museo de Arte Toledo, Toledo, EE.UU.
Derecha: Robert Delaunay: Homenaje a Blériot. 1914. Orfismo. Temple sobre lienzo. 250
× 251 cm. Museo de Arte de Basilea, Basilea.

La difusión del cubismo inspiró la creación de nuevos grupos como:

 Cubismo órfico u orfismo, del francés Robert Delaunay, centrado en la

importancia al color y el uso de elementos compositivos creados por el artista.
 Grupo de Puteaux, relacionado también con el orfismo. Algunos artistas
fueron el propio Robert Delaunay, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon,
Francis Picabia y Alexander Calder.
 Cubofuturismo, que implicó una combinación del cubismo con el
futurismo italiano. Algunos nombres importantes de esta corriente fueron
Kazimir Malévich, Oleksandr Arjípenko, Vladímir Baranoff-Rossine y Sonia
Delaunay.
 Neoplasticismo del holandés Piet Mondrian.
 Suprematismo ruso de Kazimir Maliévich.
 Constructivismo escultórico de Vladimir Tatlin.
 Purismo, un movimiento estético racional y geométrico impulsado por los
franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret (Le Corbusier).

Influencia del cubismo en el diseño gráfico

Cassandre: Le Nouvelliste. 1923. Cartel, estilo art déco. Se percibe la influencia del
cubismo y el futurismo.

La más importante influencia del cubismo en el diseño gráfico se registra

particularmente en el diseño tipográfico. Esto fue posible mediante la invención
del collage y la integración de la tipografía al arte, lo que además de producir un
efecto formal, logró nuevas significaciones a través de la asociación de ideas.

De esta manera, el cubismo favoreció el desarrollo del diseño independiente de la

naturaleza. En su fase sintética, fomentó la utilización de signos en lugar de
figuras reconocibles. Aportó también el uso de secciones planas de color,
motivos urbanos y precisión en los ángulos. Finalmente, el cubismo creó el
desafío de la interpretación del tema por medio de la atracción hacia la nueva
estructura pictórica.

Artistas representantes del cubismo

El cubismo acobijó a muchos artistas como André Derain, Fernand Léger, Albert
Gleizes, Jean Metzinger, María Blanchard, Henri Le Fauconnier, y muchos otros.
Dentro del grupo, las personalidades más importantes, tanto en su creación como
en su desarrollo, fueron Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973)

Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid hasta
que en 1900 se trasladó a París, donde estudió y pasó la mayor parte de su vida.
Se le atribuye la creación del cubismo a partir del lienzo Las señoritas de
Avignon de 1907. En su edad madura fue aproximándose una vez más al
figurativismo. Una de sus obras más célebre es el cuadro Guernica, inspirado en
la guerra civil española.

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 1882 - París, 1963)

Georges Braque. Fotografía de David E. Scherman.

Fue pintor y escultor. Estudió en París en la Academia Humbert y en la Escuela

de Bellas Artes. Tras conocer a Picasso y su cuadro Las señoritas de Avignon, su
obra dio un giro y trabajó codo a codo con el pintor malagueño, desarrollando el
máximo potencial del movimiento cubista. Fue el creador del collage.

Juan Gris (Madrid, 1987 - Boulogne-sur-Seine, 1927)

Su nombre verdadero era José Victoriano González-Pérez. Fue pintor e
ilustrador. Se mudó a París huyendo de la milicia y encontró residencia en el
mismo edificio que Picasso y Braque. Se integró al cubismo a partir de 1910 y
dejó la ilustración. Trabajó con una técnica de collage específica conocida
como papier collé, que usa papel, cartón y periódico. Dio gran desarrollo al
colorismo dentro de su obra cubista, a la que se apegó toda su vida.

André Derain (Chatou, 1880 - Garches, 1954)

Pintor, ilustrador y escenógrafo francés, inicialmente conocido por su relación
con el fauvismo, movimiento en el que alcanzó un reconocimiento indiscutible.
Tuvo un período cubista que inició hacia 1908, año en el que destruyó muchas de
sus obras anteriores. Al terminar la Primera Guerra Mundial, Derain retornó al
arte tradicional. Su paso por el cubismo fue transitorio.