28 DE MALO .

POLLAIUOLO

Pollaiuolo, la batalla de los 10 dioses

desnudos , esa esta

Aquí vemos una estatuilla en bronce , un pequeño grupo

escultórico la pieza solo es de 50 cm no es monumental
honorífico solo como decoración , los rasgos anatómicas
expresivos y agresivos, las figuras mas expresivas ,
Antonio junto con su hermano tuvieron un taller muy
destacado a finales del s 15 de ese taller salían obras
pintadas , orfebrería , diseño de bordados , tambien una
de las características del quattrocento es su versatilidad
técnica su amplia formación, para enfrentar diversas
técnicas , piero era el más especializado en pintura , se
dice que fue mas mediocre no son distinguidos, se piensa
que en martirio de San Sebastián lo mejor del tratamiento
del paisaje es tratamiento de pollaivolo en comparación,
tambien en una tablita ,el de apolo y Dafne el tratamiento
es similar all de pollaivolo y como la obras no están
firmadas la única manera de guía es compararla con otros
autores en la comparación de rasgos, es en base de ese
grabado que creemos que pollaivolo esculpió esto se
trata del 1 er artista que aborda la temática mitológica
abiertamente

Xq en la obra de los artistas previamente si bien incluían elementos clásicos lo cierto es q las
imágenes tenían un servicio religioso funerario o conmemorativo o politico o retratistico como
en el gatamelata , en aquí es mítico sacado del mundo clásico griego es la lucha de Hércules y
con el hijo de la madre tierra , esta obra evoca una obra del friso con gigantomaquia del gran
altar de Zeus en pergamo , una de las obras de la escultura helenistica en el siglo segundo
antes de cristo y de la escuela de pergamo , el relieve de la atenea levantando por los cabellos
al gigante , el gran friso de 2 metros , los gigantes son hijos de la madre tierra como dice la
leyenda , se muestra en la gigantomaquia la lucha contra los gigantes el tema se toco en el
partenon de atena, es el tema con mas carga simbólico, este anteo es uno de los hijos de antea
Y según el mito , heracles se puso a luchar con el , a pesar por toda su fuerza anteo se
levantaba y se reiniciaba la pelea y Hércules se dio cuenta que la fuerza venia de la tierra y se
dio cuenta que tenia que separarlo de la tierra y eso es lo que pollaivolo ,el capta ese momento
en el que alza a tu rival al aire para separarlo de su fuerza energía , Hércules tiene los pies
firmes en la tierra y con los dientes , notamos la desesperación de anteo al verse desconectado
de la tierra parece gritar , la composición la imagen no puede ser mas intensa mas desesperada
esta pieza es únicamente de carácter derivada de la mitología griega , esta representada integra
con el desnudo masculino lo vemos en el caso de anteo y de Hércules casi completo salvo por
esa piel de León que le cuelga y aplica pollaivolo, la aplica por 2 sentidos una por carácter
simbólico para diferenciarlo de anteo para darnos a conocer que es Hércules y es el quien gana
el combate finalmente la piel de León cuyo rasgos de cara es uno de los atributos y la otra es
de tipo escultórico es brindar un apoyo un tercer punto de apoyo y así da firmeza y evita que
las piezas se caigan , esta en una mesita , por esas dos razones
El desnudo masculino exaltando el vigor de los jóvenes y la hermosura del cuerpo y por tratar un
tema mítico pollaivolo se manifiesta para recuperar la tradicion del renacimiento y de la Florencia de
el que forma parte
El cuerpo as culminó lucen con una musculatura apretada , tiene relación con lo que se piensa de
pollaivolo se cree que el antes de da Vinci y Miguel Ángel practico ya alguna disección de un cuerpo
para comprender mejor como se forma debajo de la piel , era la única forma de un artista para saber
como se forma el cuerpo humano , el resultado de ese estudio para dar más expresión y
movimiento y tensión muscular se traduce aquí , la estatuilla tiene un punto de vista principal con el
cuerpo de Hércules curvado hacia atrás y el de anteo en una curva inversa una combinación de
vertical , para desarrollar una lucha muy trabada y entrelazar estrechamente ambas figuras son
características delestilode pollaivolo , el pone énfasis en las figuras , logra conseguir un efecto
contrapuesto de sugerir una cierta parálisis un cierto congelamiento , hace su mejor esfuerzo para
comprender
Uno de los mas grandes en la segunda mitad del s 15

ANDREA DEL VERROCHIO 943574881 DAVID .

( ca . 1475 )
.

En esa segunda mitad del siglo 15 estuvo activa andrea del

verroquio su apellido noes familiar lo tomo prestado de un
benefactor suyo alto dicnatario de la iglesia siendo joven confió
en el a manera de mecena en agradecimiento hacia esa
persona que le apoyó esos primeros tiempos , igual que le paso
a pollaivolo
Verroquio quiere decir ojo veras ojo intenso
Verroquio tuvo uno de los talleres más prestigiosos de las 2 da
mitad de la s 15 , parece que fue discípulo de Donatello a su
vuelta de Padgua igual qué pasó con todos los escultores
broncistas de la 2 da mitad del s 15 parece que fue el que puso
mas empello en rivalizar a Donatello ya cuando Donatello
falleció , fue el que puso mas empello en seguir su. Estela , el
se especializo en la orfebrería , broncista , esculpía el mármol y
tambien pintada y una vez que su aprendiz dejo de pintar
cuando vino Leonardo , en su ultimo cuarto de vida murio en el
1488 se dedicó especialmente a la escultura

El hizo una colaboración con Leonardo en el bautismo de cristo , obras que le otorgaron mas
fama , en dos piezas de bronce que se destacan es el adolescente David lo fundió verroquio al
rededor del 1465 1470 puede ser 40 años posterior al David desnudo de Donatello ambas nos
figuras cercano al natural mas pequeñas. Al natural , pero ambas representan a David como
adolescente pero es lo unico con el hecho victorioso frente a Goliat el espíritu de ambas obras es
muy diferente Donatello trato de reflejar la timidez del inicio de la adolescencia las dudas la
modestia de ese niño y con cuya fisonomía podíamos calcular que esta en los 11 años el David
de verroquio es un poco mas desarrollado y un poco mas musculoso , en los brazos y en las
piernas pero junto con eso , vemos la composición desarrollado por ambos el David de Donatello
La de verroquio con el codo puntiagudo y la espada echada hacia afuera y la pierna descansanda
hechada hacia atrás obedece una Consepción de línea más abierta mas expansiva, la expresión
de los dos muchachitos tambien es maracadamente diferente y muy certera , Donatello se
concentra en la timidez en la modestia en las inseguridades , todavía la falta de conocimiento de
uno mismo y en el despertar de ese conocimiento que es propio de la adolescencia
Una época de transición , el David de verroquio es audaz y altanero , es el orgullo y la
adolescencia, aunque david tenga proezas para estar feliz , David a matado el gigante goliat que
a amenazado al pueblo ebreo, lo decapito la cabeza a sus pies con esa pose de orgullo,
recuerda a un tenista después de hacer ganado un torneo, así de contento luce este Davis de
verroquio , una y otra pieza asimila bien la adolescencia , dos momentos diferentes y en dos
edades diferentes otra diferencia de Donatello , a Donatello le gustaba lo simple le gustaba llegar
a lo esencial, no se perdía en la decoración , verroquio es todo lo contrario como Ghiberti el
tambien es olfebre acostumbrado a trabajar en forma primorosa para, se fascina con los rizos de
la media melena y todos los detalles de este juvenil rostro , tratamiento de la clavícula , las
bolsas del los ojos y su coraza como si fuera de cuero y ceñido al cuerpo al punto de
trasparentar la musculatura , adorno en los bordes , adornos primorosos en los bordes , el
faldellín adornos primorosos que también vemos en las botas militares de inspiración romana ,
enfatiza la gallardía y se sentía muy bueno haciendo bronce , hay una concepcion muy distinta al
de Donatello y más próxima al de Ghiberti pero enfatizando la expresividad la gallardía y el
hecho del que el se sentía un broncista competente como Donatello
El sentido de emulación es característico del renaciemiento y xq estos artistas tenias mucha
competencia se exigen tanto a ellos mismos y logran obras tan expresivas y tan buenos
Esta imagen de David no importa si el tema es reiterativo
David a partir de este renacimiento temprano se convertirá en la personificación ideal de
Florencia el héroe bíblico , ellos mismos se veen como un nuevo david y por lo tanto es una
figura emblemática de las capacidades florentinas y de la lucha de las causas justas y de los
logros del débil invuido en una extraordinaria fe puede lograr , por eso veremos a una
interpretación feliz que nos muestra verroquio

MONUMLMOECUCSIRE A BARTOLOMEO
COLLEONI EN VENECIA 1479 -1988
andrea del Uevrochlo .

A eso de los años 1480 se le hizo llegar la propuesta

de una estatua en bronce de un condotiero
veneciano , este hombre vio la estatua del
gatamelata , y como la tumba del bruni quiso tener
una estatua conmemorativa que recordara los
muchos servicios que brindo a la República de
Venecia y que recordara tambien en vida que fue el
gran condotiero el gran líder militar de sus ejércitos ,
el encargo que se hizo por su testamento fue este
La estatua ecuestre puesta en un
la estatua ecuestre de este militar
puesta sobre un alt Istmo pedestal
en la plaza de los santos Paolo y
jovani en florencia .
Puesta sobre un altísimo pedestal la emulación , por un lado una obra semejante y la
emulación , el titular quería tener una semejante y verroquio quería demostrar probar su
capacidad , el modelado , y a tamaño a un poco superior , lo logró , diferente espíritu , esta
esta. Inspirada en la de Donatello y dedonatello en la de Marco Aurelio y estas igual serán
referentes en el siglo 16 , y en época siguientes , la pieza no pudo ser terminada por verroquio
el murio en el 1488 y la estatua finalizo en el 1492 pero antes de eso hizo el diseño entreno a
sus asistentes , solo falto unos cuantos detalles . Los encargos son individuales trabajo con
asistentes el superviso toda la obra , el resultado , la diferencia con el del gatamelata
Las dos están montadas en un caballo , la pata de berroquio es despegarla del suelo y la de
Donatello era la 1 era en tamaño real y al natural , y lo apoya sobre una esfera , en ese caso
avanza con un paso∂e marcha un poco más rápido y la persona se representa , aquí esta
mucho mas tenso , inca los pies en el estribos , gira su cuerpo , para dar las órdenes al hacer lo
así enfatiza el nerviosismo y mas tensa , más dinámica , mas expresiva y quizá un poco más
feroz , y del gatamelata que representa el calculo de la estrategia militar , si los comparamos
con animales como los historiadores el gatamelata seria la sagacidad del zorro y esta a la
ferocidad de un leon , este tiene un espíritu difference , tiene un detalle de disselado de la
fundición en las arrugas del cuello , en los músculos de las botas , una y otra inspirada por
distintos espíritus , lo que fue la evolución y propuestas de la escultura
 SASSETTA .

RETABLO dedicado a la vida de San

francisco de ases .

EN LA Primera mitad del

SITS un deseado pintor .

la obra
el gran santo de Italia , aquel que
fue canon sano apenas morir .

el gran santo dedicado un gran

retablo Pinto hacia el T 440 de es
retablo es esta tabla muestra a

San francisco renunciando a todas sus

posesiones materiales , la ira

y viva .

Irritación de su padre ,
muchacho de la
a
Hamburguesa Don francisco quizo
,
ser militar , un gran guerrero y Por su fe
la renuncia , decidlo vivir el evangelio UD
,

dia muy malo regalo toda lasedades o

padre a los pobres , su padre se enojo .

momento crucial gde

y en un

cambio son francisco se despojo de todas

sus ropas y asi simboliza al apellido del padre y con el todas posesiones,
herencias , y empezar una vida al servicio de los pobres .
el fundar una

ese momento de renuncia es el que capta el joven encuentra protectoras

, .

y asilo en el obispo de asis que lo tapa con su propio manto

mientras los amigos lo detienen para no golpear a su hijo en suna
escena muy errática
sacetta contrasta la humildad , modestia , serenidad y la
aceptación de francisco ,
el tratamiento esbelto de las figuritas .

tiene relación con la pintura gótica internacional, aire de familia estilista,

los tonos rosados y rojos viene de la cultura sienesa, la suavidad , la mas

coloristas de la Italia del s t4 C Ducho

,
simon de montini o ambrosio )
, .
Este artista sacetta sigue con esta tradicion , es por el tratamiento del espacio , y la
arquitectura , capiteles de orden corintio y también perspectiva y espacial es por eso del
tratamiento del del espacio y la perspectiva dela altura de los personajes y la arquitectura es
por el estudio de la perspectiva coherente que podemos considerar a este artista un artista
del renacimiento , cómo le va pasar a francelico consiente de las novedades de la nueva
estética con los clásico y la estética de la Toscana en Italia
Entre la misma línea del gótico internacional y el inicio de la pintura renacentista temprana
esta
ANTONIO PISANELLO M3 95 -
74551

RETRATO DE GINEVRA D'ESTE

Esta Antonio Pisanello , lo de pollaivolo lo llamaron así xq su
padre tenia una tienda de pollos pollaivolo quiere decir el
hijo del pollero mientras este pisanello se llamo así era
oriondo de pisa , una ciudad que tambien era República,
rival de Luca y de Florencia hubo batalla entre los paisanos
en el siglo 15 y florentinos por conquistas territoriales al final
se acabo oponiendo Florencia este Antonio era de pisa
trabajo para distintas cortes del norte de Italia a lo largo de
su carrera , nacio a finale del siglo 14 hacia el 1395 murio a
mediados del siglo 15 en el 1455 , a partir del 1415 el estaría
activo y lo mejor de su obra se hace entre el 1420 y 1455
sabemos que estuvo activo en diferentes cortes , se
descubrió diferentes frescos dedicada a san Jorge luchando
contra el dragon , tambien en el palacio ducal de mantua
hay un torneo mural, representa una lucha un torneo ,
Trabajo para el Vaticano , y principados del duque
En este caso la pintura de ginevra de este dama de la corte
y de la familia de Ferrera a cuyo servicio estuvo Pisanello en
el 1490 este Pisanello a demás de ser pintor fue broncista
Se especializo y fue orfebre y se especializo en la elaboración de medallas medallas de motivo
conmemorativo hay diferencia no es una pieza de una y otra , Pisanello pasa a ser como el mas
grande medallista de todo el siglo 15 aplica al modelado y se pasan a plata , una capacidad para
caracterizar el retratado , o alguna imagen alucina al personaje , fue medallista y broncista , y
como trabajo al servicio de distintas cortes tambien se le encargo que haga los diseños de los
trajes y de las decoraciones para las grandes fiestas palaciegas para los torneos de forma
deportiva y entre festiva y caballeresca de los grandes del momento, en esos dibujos de bostejos
parece representaciones de animales tomándose del natural , del códice banali se vea un mono ,
en el gótico se da el naturalismo , el estudio el arq hacia el 1230 presumía al dibujar a los
animales , esa vuelta del natural en el s 13 es uno de sus más distintivos si tuviéramos que
características el estudio de la naturaleza ,entendemos la profundidad espacial a la que ayuda las
reglas de la perspectiva y es parte de la naturaleza y el estudio del cuerpo humano , interesa el
desnudo y eso nos lleva a la emulación a los clásicos a los referentes que proporcionaba los del
mundo romano la vuelta de la forma bella es uno de los motores del renacimiento y junto con
esto naturaleza cuerpo humano desnudo natural esta el desarrollo de la perspectiva para
hacernos sentir que esta en un espacio habitado a un modo de paisaje , en donde los artistas el
modo natural esta expuesto en esos preciosos dibujos , terminado del códice balardi
Se llama así por el códice que tenia de Pisanello de hacia el 1430 , no es único en atesorar el
cuaderno de Leonardo Leonardo sembró muchos apuntes de muchos temas que le interesa pero
para nada es el único que tenia uno , lo qué pasa esq esos cuadernos de apuntes se eredaba al
hijo tras la muerte , se perdieron , algunos lo guardaron es el caso de pisanello de Leonardo de
Jacobo, buscar obras , pisanello trabajo en distintas técnicas trabajo en técnicas pictóricas y
frescos , el que renovó el fresco la calidad fue yoto, cuando no se hace pintura mural , trabajan
con. La técnica de la tempera al huevo panel , sobre superficie de madera , el procedimiento
técnico solo de una tabla y provisión de tablas , esa madera necesita que seque unos 5 o 10
años para que no se doble , luego se ensambla , se hace con colas de milano , cuando todo esta
ensamblado , se procede en la imprimación de esa tabla la receta habitual por cheninochenini, lo
vemos en el tratado ,la tabla con cola de conejo y yeso para la firmeza , el resultado terso liso , se
dibuja al carboncillo con una rama de abedul, se da el fondo de la pintura con temperas ,
A diferencia del oleo es más suave y la técnica del huevo puede tener resistencia al paso del
tiempo y tiene textura y luminosidad estética , con tempera al huevo trabajan todos estos
pintores italianos y para hacer un temple bueno hay que pulverizar los minares de color , todo
eso se mezcla con agua y yema de huevo hay que prepárala constantemente , la mezcla de la
calienta un poco , pinta Andrea y todos los italianos hasta el último tercio del s 15 que sera por
influencia de los maestros venecianos y por la adquicion por parte de mienbros de la aristocracia
y de la alta burguesía italiana de pintar pinturas flamencas como el tríptico portinari encargo a
Hugo bandergoes, esa gran pintura es por la llegada y el conocimiento de pinturas al oleo que
algunos artistas italianos a partir del 1460 1465 como es el caso de antonelo que era un siciliano
o otros activos en Venecia van a interesarse por la técnica del oleo sin abandonar la del temple ,
la pintura italiana aguarda al renacimiento pleno para desarrollar la pintura italina el oleo va a
reemplazar progresivamente al tempera y también hay que esperar hasta el s 15 para que el
lienzo la superficie de tela reemplace a la de madera
Si no es pintura al fresco de lo mural es pintura al temperA sobre tabla esta obra es así
De hacia el 1490 nos puede servir el retrato para comparar con los flamencos como jian
Y petrus cristi, diferencia de esos dos retratos principal la diferencia es que este esta en un perfil
absoluto y los flamencos puro tres cuartos , para enfatizar la volumétrica de la cabeza no solo la
forma de la nariz un retrato de 3.4 trasmite mas cercania por lo menos esta volcado a nosotros
Este nos transmite distancia y absoluto desinterés de la persona que modela a esta chica no
parece importarle lo que piensen de ella , es una diferencia de fondo y el retrato de perfil como
las medallas que se inspiró en las monedas romanas , y en las monedas esa tan de PERFIL que
este de perfil le da un aire de solemnidad y de distinción que a veces no se alcanza con el retrato
de 3/4 y por eso los italianos apuestas por esta composición de perfil y por retratos que se
acercan al medio cuerpo hasta la cintura , aunque algunos tienes tienen fondos oscuros muchos
tienen fondos decorativos como es este y este floral con ese arbusto con flores y mariposas y
ese gusto preciosista del gótico internacional que es propio sobre todo del primer tercio del s 15
en Italia y de la obra de Pisanello en el vestido elegante vemos por el gusto del diseño de moda ,
En el códice balardi hay trajes que nos recuerda en la colección del calendario de las muchas
ricas horas del duque y es por el bordado de esta muchacha que es ginevra xq en el jarrón lucen
unas ramas que dan vallas para hacer la Ginebra ,la decoración del fondo y del traje es referente
a su propia persona , como el retrato de isabela , vemos los ideales de la época vuelven a
repetirse aquí la muchacha está perfil pero con un talle vertical , con un cuello completamente
erguido y una cabeza muy alineada ante el , su piel luce pálida , la blancura de la piel ,era un ideal
de belleza de esa época , como era de la casa no recibía sol , sugiere distinción como aquellos
retratos egipcios en donde el imperio antiguo las mujeres tenían la piel muy pálida ,estamos en
esa representación de clase social y de distinción y también ella tiene una mirada baja
Para sugerir la modestia y el recato que se esperaba en las damas de aquellos tiempos no
atraer demasiado la atención de los hombres o no provocarle , es muy diferente de la época ,
alcurnia , peinado sofisticado y vestido a tono con esa posición aristocrática

CONVENTO DE
ANUNCIACION DE SAN marcos .

FRA ANGELICO FRESCOS 4438-50.1 .

Uno de los más encantadore y piadosos del

renacimiento italiano fra xq fue una fraile en el 1450
y angélico no por ser su nombre sino por sus
cualidades espirituales un hombre , recogido por
uno de los grandes biógrafos del s 16 recopilando
las vidas de los artistas en maestros del s15ya en el
tratado de vasari el autor se le conocía por fra
angelico unos años después de su muerte la gente
se refería a el por su carácter espiritual que tenía
toda su persona como seer Angelica , este artista
fue benetificado en el 1984 oficial por la iglesia
católica , artista santo por su modo de vida , en vida
se llamó wido di pietro, y cuando profesó en el
cómbenlo dominico difiesoli le pusieron el nombre
como testimonio de los lazos incluso cambia de
nombre ahora jovani, ahora jovani di pietro de
nombre apartir de su ingreso se llamó así
22:16 .
ir
Nació alrededor del murio en el 1455 como Pisanello
Tenia talento como pintor sirvió a su corte apartar
del 1438 las celdas del convento de San Marcos de
Florencia que antes era de otra orden religiosa que
era de los silvestrinos que luego pasó a depender de
los dominicos , mando a fra para que pintara la
iglesia el claustro y las Selmas de los monjes con
pinturas piadosas , religiosa para invitarla
meditación de los valores y enseñanzas de las
sagradas escrituras y una de esas pinturas es esta
anunciación pero la fama de virtud de calidad artistic
Que fue contratado por el baticano con escenas de
las vidas y martirios de San Esteban y de San
Lorenzo protomartires de la iglesia la capilla del
papa y acabo muriendo en roma en el 1455 y su
tumba se puede visitar en una iglesia
Una vida al servicio de su fe católica y al servicio de
la pintura en esta pintura se combinan elementos del
gótico internacional por la gracia por la delicadeza
Podemos ver en la obra de fra como un trabajo de transición del gótico internacional y las
características del quattrocento, el trabajo arq por el tipo de columnas corintio y con las volutas
de los arcos de medio punto por las bóvedas de artista por esa sugestión de espacio con una
aplicación geométrica que nos lleva a la pared del fondo tenemos que entender que fra es un
pintor del renacimiento el terma la anunciación nos presenta a maria sentadas en un banquito en
el portico de su casa en propia celda recibiendo la visita del arcángel Gabriel los elementos
simbólicos relacionados con la pureza la virginidad de maria quedan enfatizados aquí con la
valla de bloques de madera izquierda separando ste jardín con todo lo de afuera , vemos la
arquería jónica ese recurso 1 34 T ese recurso a la arq del pasado unido a la perspectiva es lo
que vuelve renacentista a esta figura junto con el estudio del movimiento y de la pose corporal
en sentido dela proporción,los toques de dorado tiene con las poses elegantes y la actitud de
las poses es propio del renacimiento
FRA ANGELICO ANUNCIACION DEL PRADO
1430-35 .

Anunciación la conocemos como la anunciación del

prado la pinto fra angelico al temple y sobre tabla al
1430 mas o menos a diferencia con el otro que es
unos 10 posterior se nota las deudas con el gótico
internacional , los colore apastelados de la tunica ,
el uso de los dorados ,el rayo de luz que manda
dios y la paloma que llega a la virgen maria y con
junto con eso la arquitectura capiteles de tradición
clásica y y columnas finas derivadas del gótico
internacional ya con cíteles compuesto y relieves
que nos recuerden esdios padre pero es decoración
que se desarrolla por Donatello aparatir del 1420 así
que fra a pesar de ese apego esta consiente delas
novedades de su propio tiempo la pintura tiene un
carácter simbólico nos presenta a maria como la
nueva Eva una mujer destinada a la redención del
mundo , convirtiéndose en la sierva frente Argullo
de Eva , esa imagen termina con la expulsion de
Adán y Eva del paraíso , un pasaje de génesis, a la
aceptación divino
Y ese paraíso es el jardín secreto de la virginidad
Marial el mensaje de la perdida de la gracia por la
desobediencia de Adán y Eva expulsados por el
Ángel queda restaurada por la aceptación de
maria , fra la reprensenta como una reina , es para
indicar que sera la madre de Dios
De unos 2 x2
El rayo de oro que llega a maria
La préndela la base distintos pasajes de la vida de
maria la adoración de los magos la muerte de la
virgen
Con la gracia de delicadeza de colorido suave y de
oro propio del gótico internacional y con ese interés
por la arq y la sugestión del espacio