Qué es el Modernismo?

El modernismo es una corriente de renovación artística que tuvo lugar desde finales de
siglo XIX hasta mediados del siglo XX. Se destacó por su interés en romper con los estilos
tradicionales, por la búsqueda de nuevas formas de expresión y de estética, inspiradas en la
naturaleza y contrarias a los elementos de la Revolución Industrial.

El modernismo trascendió principalmente como una corriente literaria que, junto con otras
de sus disciplinas artísticas como la pintura, escultura, arquitectura y la música, buscaba
conectar el arte con la naturaleza. El movimiento resultó una reacción en contraposición al
nuevo mundo industrial y urbanizado.

La corriente modernista recibió varios nombres también aceptados, como: Art nouveau,
Jugendstil, Modern Style y Liberty. La diversidad para su denominación delata el carácter
de libertad y de romper con las estructuras, que caracterizó al movimiento.

Características del modernismo

El modernismo se caracterizó por:

1. La ruptura con las reglas y lo considerado tradicional, tanto en cuestiones religiosas

y políticas como también sociales.
2. La nueva ideología y el estilo, que rompieron con el realismo.
3. La creencia de que la verdad es relativa y no existe una verdad absoluta.
4. La exacerbación del individuo y su fuerza interior que influenció al movimiento
subjetivista, impresionista, expresionista y surrealista.
5. El modernismo buscaba romper con el orden establecido y las reglas de la
burguesía, e intentaba crear un arte que fuera accesible para todas las clases sociales
(sin perseguir las técnicas de producción masiva de la sociedad industrializada).

6. Se caracterizó por representar temas como el amor con un tono erótico y sensual (a
diferencia del tradicional romanticismo), por evocar a lugares lejanos y de tiempos
muy antiguos

TEMAS del Modernismo:

1) La recreación del pasado y la invención de mundos imaginarios (lo clásico, lo medieval,
lo legendario, lo exótico, lo oriental...)
2) El mundo sensorial captado a través de todos los sentidos (vista, oído, olfato, tacto).
3) La intimidad del poeta. Los modernistas, al igual que los románticos, potenciaron el
dominio de la pasión sobre la razón, de la emoción sobre la reflexión; pero, al contrario que
los románticos, más que "su propio" sentimiento, individual e intransferible, se busca el
sentir transferible y comparable al de los otros. Antonio Machado decía: "Mi sentimiento
no es exclusivamente mío, sino más bien 'nuestro' ". En esta expresión del 'mundo interior'
hay diferentes posturas que oscilan entre un vitalismo optimista, que lleva a un goce
desenfrenado de la vida, y profundas manifestaciones de Insatisfacción, descontento,
desánimo hastío, melancolía y soledad (el tema del dolor, la angustia y la muerte es muy
frecuente)
4) El amor y el erotismo. El tratamiento de ambos aspectos apunta en dos direcciones: una,
la idealización del amor y de la mujer, mundo inalcanzable que sume al poeta en la
másprofunda tristeza; otra, el erotismo desenfrenado, encarnado en la mujer fatal, lasciva y
Dominadora.

CUADRO DE AUTORES
Principales autores del modernismo
Dentro de la lengua hispana, el modernismo se desarrolló como una propuesta
multidisciplinar en la poesía, la narrativa, el diseño y la arquitectura, con el fin de recuperar
el cosmopolitismo y el cultismo en las bellas artes. Con una estética cargada de preciosismo
y embellecimiento, autores en Latinoamérica y España innovaron obras que dieron nombre
a dicho movimiento.

Rubén Darío (1867 - 1916)

Conocido por ser el padre del modernismo y su principal exponente con su poemario
“Azul”, fue un poeta y periodista nicaragüense. Creció en un entorno y circunstancias de
vida que lo formaron literaria y académicamente. .Darío logró entrar en contacto con las
corrientes literarias de su época, sobre todo el simbolismo francés.

Fue un viajero precoz. Tras regresar a Nicaragua y colaborar en distintos periódicos, se

trasladó a Chile donde entabló amistad y colaboró con el escritor Pedro Balmaceda Toro.
Este cumulo de experiencias dieron base a su prosa. A partir de este momento, Rubén Darío
no para de escribir ni de viajar, incluso, llega a trabajar como diplomático. Su vida termina
en Barcelona donde publica su última obra poética. Vale resaltar los títulos principales de
este autor del modernismo:

Azul (1888)
Prosas profanas y otros poemas (1896)
Cantos de vida y esperanza (1905)
El canto errante (1907)

José Martí (1853 – 1895)

José Martí creció en la Habana, Cuba, y es considerado uno de los referentes artísticos del
modernismo. Además de poeta, se destacó por su filosofía, periodismo y activismo político,
en donde tuvo un papel crucial dentro de la creación del Partido Revolucionario Cubano.
Esto lo llevó a ser promotor de la independencia de su país.

La vena revolucionaria del autor también se podía identificar en sus letras, por lo que
publicó gacetas y revistas como El Diablo Cojuelo o La Patria Libre. Al igual que Rubén
Darío, tenía un espíritu viajero que inició con su exilio a España por pertenecer a grupos
independentistas. Recorrió parte de Europa y América. Su poesía no es solo un reflejo de
un movimiento cultural, es también la base de su figura como uno de los principales
promotores de la libertad civil en Latino América. Con ello, listaremos sus obras más
importantes:

La República Española ante la Revolución Cubana (1973)

Ismaelillo (1882)
Versos sencillos (1891)
Manifiesto de Montecristi (1895)

Juan Ramón Jiménez (1881 – 1958)

Ganador del Premio Nobel de Literatura en 1956, fue un poeta de origen español. Su prosa
tiene una gran influencia de Rubén Darío, incluso, fue su pasión por la literatura lo que lo
llevó a abandonar la universidad, donde estudiaba Derecho.

Con un temperamento inestable, de carácter neurótico y depresivo, fue ingresado en

diferentes ocasiones a hospitales. No obstante, sus viajes y literatura continuaron. Con los
desastres de la Guerra Civil española en 1936 decide exiliarse en Estados Unidos. Luego
vive en Cuba y, finalmente, termina su vida en Puerto Rico.

Su obra se suele dividir en tres etapas: una primera de carácter sensitivo entre 1898 y 1915,
cargada de las influencias del simbolismo francés y el modernismo de Rubén Darío; una
segunda de corte intelectual entre 1916 y 1936, donde se adentra en reflexiones sobre la
soledad y elementos transcendentes de la vida; y, por último, una etapa que se denomina
“verdadera” entre 1937 y 1958, donde plasma su sentir y pensar durante el exilio. Dentro de
estos tres momentos resaltan las obras:

Ninfeas (1900)
Platero y yo (1914)
Diario de un poeta recién casado (1916)
Una colina meridiana (1950)
Manuel Machado (1874 – 1947)
Fue un dramaturgo y poeta español, también uno de los principales autores del
modernismo. Hijo de una familia cargada de arte, era hermano

Modernismo
El modernismo es un estilo artístico, también llamado Art Nouveau, que se desarrolla
principalmente entre finales del s. XIX y la primera mitad del s. XX. Si bien la palabra
"moderno" es sinónimo de "reciente", el modernismo se refiere a un periodo temporal
limitado, ya que no se utiliza la palabra como adjetivo, sino como un sustantivo propio.

Artistas destacados
 Gustav Klimt
 René Magritte
 Pablo Picasso
 Max Beckmann
 Tamara de Lempicka

Artes plásticas, arquitectura y literatura son las disciplinas donde el modernismo influyó

de manera importante. En la pintura, la esencia del estilo fue una ruptura notoria con
cualquier canon artístico existente hasta ese momento.
Para lograrlo se aprovecharon las nuevas técnicas que traía consigo la revolución
industrial, las cuales permitían por primer vez, el replicado del arte a gran escala: técnicas
de impresión y serigrafía. Estas tecnologías en sí mismas, configuraron en no menor parte
el tipo de figuras, colores, ilustraciones y mezclas que caracterizarían al estilo.
Entre los académicos no hay un acuerdo unánime sobre qué se debe clasificar como
"modernista", no pocos autores incluyen hasta el impresionismo y el cubismo como parte
del movimiento.
Algunos ejemplos de cuadros y posters del modernismo, en su sentido más estricto son:


"Tournée du Chat Noir"

Se trata de un poster a modo de reclamo publicitario, instalado en un local nocturno de

nombre "El gato negro", situado en París, esta es una obra emblemática de la estética
modernista que pronto se desarrollaría con fuerza en Francia.
 
"Champeonis" de Alphonse Mucha.

Este es otro ejemplo de la estética que se cultivó en Francia, esta obra puede considerarse
como un ejemplar "clásico" del estilo.
 
"Composición II en rojo, azul y amarillo" de Piet Mondrian.

Obra pintada en 1930, aunque Mondrian se caracteriza con movimientos como el cubismo
y el neoplasticismo, el periodo en que realizó sus principales aportes permiten clasificarlo
como un pintor del modernismo, al menos durante parte de su carrera.

Descripcion de una pintura

Cómo se comenta
OBSERVAR LA PINTURA Y DESCRIBIR LA ESCENA.
EN CADA PINTURA PREDOMINA UN TEMA. La lista de temas es muy amplia pero los
principales son: históricos, religioso, mitológicos, paisajísticos, abstractos,…
EL MATERIAL SOBRE EL QUE SE HA REALIZADO LA OBRA. Pintura al temple:
pintura diluida en una proporción de agua, huevo y aceite
Pintura al óleo: pintura diluida en una proporción de aceite de linaza
Acuarela: pintura mezcla de goma arábiga y agua o
Pintura acrílica: pintura realizada con pigmento sintéticos
El soporte donde se ha realizado la obra es uno de los aspectos más importantes y decisivo
a la hora de su conservación y nos puede ayudar también a datar la pintura.
Se pueden clasificar en:
Pintura al fresco, está realizada sobre un muro o un pared y esto impide que pueda ser
traslada.
Pintura sobre lienzo, es la realizada sobre una tela preparada sobre un marco de madera y es
una de las pinturas más comunes.
Pintura sobre madera, suelen componer retablos y es muy frecuente durante la Edad Media
para representar motivos religosos.
Pintura sobre papel, está realizada sobre papel o pergamino usando técnicas cómo el
carboncillo o la acuarela.

COMPOSICIÓN DE LA OBRA. Ahora debemos analizar la disposición de los elementos

de la obra pictórica, es decir, cómo se situan de distinta manera en la escena.
Si están aislados o formando grupos. En este sentido, puede predominar la línea horizontal,
vertical o las diagonales
LA ILUMINACIÓN Y LOS COLORES DE LA OBRA. La iluminación puede provenir de
un foco de luz (originando contrastes de luces y sombras) como por ejemplo una ventana o
la luz de una vela.
Esta técnica es muy utilizada en la corriente tenebrista que inició la obra de Carvaggio y
que caracterizó la pintura barroca europea de principios del siglo XVII.
Pero también puede ser una iluminación uniforme cuando la luz no resalta ningún aspecto
concreto.
En cuanto a los colores frecuentes en pintura, podemos clasificarlos en: claros, suaves,
oscuros, brillantes, contrastados, etc…
LA PROFUNDIDAD Y EL VOLUMEN
Las pinturas pueden ofrecer sensación de profundidad cuando aprecian paisajes al fondo y
las figuras y objetos tienen volumen.
En otras ocasiones, pueden ser pinturas planas, sin fondo y donde predomina lo lineal con
falta de volumen

EL MOVIMIENTO. Las pinturas pueden producir sensación de movimiento cuando las

figuras parecen caer o inclinarse sobre el plano mediante líneas ondulantes.
Este es uno de los estilos más reconocibles que podemos ver por ejemplo en la obra de
Vicent Van Gogh.
En otras ocasiones, predomina un ambiente de quietud, con personajes estáticos y líneas
más rígidas.
EL AUTOR Y SU CONTEXTO HISTÓRICO.
Este sería el último aspecto a comentar en una obra pero no debemos olvidarlo.
En muchas ocasiones las pinturas son muy reconocidas y por tanto será fácil encontra su
autor, pero otras veces podemos tener serias dificultades para saber quién la realizó e
incluso pueden llegar a ser obras anónimas.

LA INTERPRETACIÓN HISTÓRICA
Para finalizar, añadir que la pintura es una importante fuente de documentación histórica.
Es el reflejo de una época, puesto que los pintores como artistas son “hombres o mujeres
de su tiempo” inmersos en una realidad histórica y social concreta, de la que no puede
escapar.
Al realizar un cuadro, reflejan de forma más o menos conscientes el contexto en el que
vive, las ideologías y creencias de sus contemporáneos, siendo muy difícil que puedan
evitar su influencia.
En cuanto a la interpretación histórica de un cuadro, debemos determinar si estamos ante
una escena alegórica o realista, es decir, si ha sido realizada de forma objetiva o por el
contrario es una imagen idealizada

Incluso podemos reflexionar sobre el valor de ese cuadro como registro de un

acontecimiento del que no tenemos otras fuentes, es la llamada “pintura histórica“, que se
convierte en importante instrumento de conocimiento antes de la aparición de la fotografía
en el siglo XIX.

Tener presente :
OBSERVAR LA PINTURA Y DESCRIBIR LA ESCENA
Parece algo muy simple pero en realidad es lo primero que debemos hacer.
¿Qué representa la obra?
¿Qué elementos se ven? ¿Animales, personas, paisajes…?
¿Qué simbología tienen?
¿Quiénes son los personajes representados?
¿Cómo van vestidos y qué atributos llevan?
¿Existe un personaje principal?