Proyecto Dibujo Digital - Silvio Pastrana

EL DIBUJO DIGITAL UNA ESTRATEGIA DE SENSIBILIZACIÓN Y
ACERCAMIENTO AL DISEÑO GRÁFICO, PARA ESTUDIANTES DE 8°, 9°, Y

10°, DE LA INSTITUCIÓN EDUCATIVA MADRE BERNARDA (CIÉNAGA DE
ORO – CÓRDOBA)
SILVIO MIGUEL PASTRANA DURANGO
UNIVERSIDAD DE CÓRDOBA
FACULTAD DE EDUCACIÓN Y CIENCIAS HUMANAS
LICENCIATURA EN EDUCACIÓN BÁSICA CON ÉNFASIS EN ARTÍSTICA – MÚSICA
MONTERÍA – CÓRDOBA
2019
EL DIBUJO DIGITAL UNA ESTRATEGIA DE SENSIBILIZACIÓN Y
ACERCAMIENTO AL DISEÑO GRÁFICO, PARA ESTUDIANTES DE 8°, 9°, Y
10°, DE LA INSTITUCIÓN EDUCATIVA MADRE BERNARDA (CIÉNAGA DE
ORO - CÓRDOBA)
SILVIO MIGUEL PASTRANA DURANGO
Proyecto trabajo de grado para recibir el título de Lic. En Educación Básica

con énfasis en artística - música
Asesor:
Nunila Zumaqué
Edilma Zumaqué
UNIVERSIDAD DE CÓRDOBA
FACULTAD DE EDUCACIÓN Y CIENCIAS HUMANAS
LICENCIATURA EN EDUCACIÓN BÁSICA CON ÉNFASIS EN ARTÍSTICA – MÚSICA
MONTERÍA – CÓRDOBA
2019
2
Agradecimientos
Que toda la gloria y gracia sean para mí Dios, seguido de los docentes
Nunila Zumaqué Gómez, Edilma Zumaqué Gómez y Yolima Villalobos Sierra, que
me instruyeron haciendo de mí todo un profesional con las capacidades para llevar
a cabo mis propósitos con este proyecto.
Gracias a mis padres Never Pastrana Martínez y Diana Durango Flórez por
ser mis motores y principales patrocinadores en mi carrera como Licenciado en
Educación Básica con énfasis en artística música y técnico en Diseño y arte
gráfico industrial, sobre todo por hacer de mí una persona de bien al lado de mi
abuela Lilia Flórez.
De igual forma agradecer a mi tío Rafael Padilla Flórez, mismo que hace
varios años atrás me enseñó el primer programa de diseño y el primero que hacen
más de 15 años descubrió el interés en el arte que en mí nacía.
Silvio Miguel Pastrana Durango.
3
CONTENIDO
Pág.
Introducción 7
1. Problema 10
1.1 Descripción del Problema 10
1.2 Formulación del Problema 10
1.3 Justificación 14
1.4 Impacto o Alcance 17
2. Objetivos 18
2.1 Objetivo General 18
2.2 Objetivos Específicos 18
3. Marco Referencial 19
3.1 Antecedentes 19
3.2 Marco Teórico 20
3.3 Marco Legal 33
4. Metodología 37
4.1 Naturaleza de la Investigación 37
4.2 Tipo de Investigación 37
4.2.1 Paradigma. 37
4.3 Población 38
4.3.1 Muestra. 38
4.3.2 Técnicas de Recolección. 38
4.4. Talleres e Implementación de la Propuesta Metodológica 39
4.4.1 Los Principios del Diseño Gráfico. 39
4.4.2 Principios Básicos Diseño Leyes Percepción Gestalt. 40
4.4.3 Teoría y Psicología del Color 44
4.4.4 Historia, aplicación y clasificación del Logo. 63
4.4.5 Principios de la animación. 76
4.4.6 Introducción a Corel Draw. 83
4.4.7 Dibujar digitalmente con Corel Draw. 94
Conclusión 106
Bibliografía 108
4
Resumen
El propósito de la realización de este proyecto se centró en crear una estrategia de
sensibilización y acercamiento al Diseño Gráfico, esta investigación sobre el dibujo
digital consta de seis talleres pedagógicos que buscan explorar en la creatividad
del joven y desarrollar destrezas alrededor de varias prácticas artísticas y demás
académicas. Los talleres recorren desde lo teórico y lo práctico, desenvolviéndose
entre instrumentos de trabajos tradicionales en el arte plástico y finalizando entre
medios electrónicos y digitales.
Palabras claves: Animación, Diseño gráfico, logotipo, tipografía,
vectorización, Hardware y Software.
5
INTRODUCCIÓN
Son innegables las consecuencias negativas de los medios digitales, es
cierto que las redes sociales por ejemplo han representado para las personas de
entre 14 y 24 años una nueva forma de entender y relacionarse con el mundo que
los rodea. Tienen acceso a una enorme cantidad de información que, en
comparación con generaciones anteriores, los coloca en cierta ventaja.
No obstante, esta misma velocidad informativa ocasiona impactos negativos
que afectan directamente la salud física y emocional de los jóvenes.
Lamentablemente, poco se sabe al respecto, aunque cada vez son más los
estudios que refieren esta problemática y que buscan ofrecer posibles soluciones.
Día a día esta problemática crea más distancia entre las prácticas artísticas
y los jóvenes, el arte es una de las manifestaciones más elevadas de la actividad
humana, como elemento esencial en el desarrollo y evolución del hombre
mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo
real o imaginado con recursos sonoros, plásticos o lingüísticos, terminando en un
único objetivo centrado en la sensibilización y el desarrollo de la destreza en
muchas funciones de nuestros sentidos.
El arte es una forma de expresión, y como tal ejerce un efecto liberador y
desestresante para quien lo practica y/o lo disfruta.
6
Es por esto que se utiliza en la psicología desde hace años como terapia
para mejorar, sanar y dejar a un lado cualquier enfermedad mental o trastorno que
una persona pueda estar atravesando, con ayuda de elementos artísticos o formas
de creación de arte.
La arteterapia es una herramienta curativa que se formalizó a partir de los
1920. En aquel entonces, los profesionales de la salud mental comenzaron a notar
que algunos de los pacientes que sufrían trastornos mentales se expresaban por
medio de la pintura u otras formas artísticas.
Sin embargo y volviendo al tema, más allá de combatir medios digitales con
arte, la mejor opción es utilizarlos para crear también arte.
El diseño y arte gráfico es una actividad que tiene el fin de crear y proyectar
mensajes a través de imágenes. Por eso, también se le puede llamar
comunicación visual. Esta actividad ayuda a optimizar la comunicación, y ayuda a
llegar a un público determinado.
Actualmente, el diseño gráfico va adquiriendo más importancia en el mundo
de la publicidad, ya que es una herramienta que ayuda a comunicar a la audiencia
los valores de un producto y/o servicio. Por consecuencia, es una herramienta que
se utiliza para vender.
7
Si se realiza un diseño gráfico que este bien ejecutado y que transmita los
valores de la marca, hará que las ventas suban, al igual que el posicionamiento y
la imagen de la marca. En definitiva, el diseño gráfico publicitario se basa en crear
piezas publicitarias (ya sean impresas o audiovisuales), con el fin de informar y
motivas a los consumidores a la compra del producto y/o servicio.
El Diseño y arte Gráfico no puede ser considerado solo como arte
postimpresionista, desde luego, porque también se vale de la geometría, el color,
el contraste y el signo gráfico.
Lo gráfico es el común denominador del arte y el diseño, tanto así que
algunos apenas pueden encontrar diferencias entre ambas, lo que en un tiempo
fueron meros carteles promocionando un espectáculo, como los de Toulouse
Lautrec, hoy son considerados referentes del impresionismo.
Y esto, ¿a qué nos lleva? Bueno, a que el Arte y el diseño no son lo mismo,
pero tampoco son realmente lo contrario, sin embargo, ambas pueden generar un
gran impacto positivo y deja hacer una gran diferencia para influir al mundo.
Así al final del día, del arte y del Diseño Gráfico nacen grandes ideas.
8
1. PROBLEMA
1.1 DESCRIPCIÓN DEL PROBLEMA
Ciénaga de Oro, uno de los municipios del departamento de Córdoba con
gran relevancia histórica, no solo por sus acontecimientos en el poscolonialismo,
los cuales comprometieron directamente a los nativos y a los españoles como
invasores de los mismos, si no por las consecuencias de estos hechos, que
terminarían influenciando el futuro de la descendencia, en el presente hay mucho
de qué hablar ya que la aculturización española untada de prácticas romanas
convierten al pueblo en la tradición viva de eventos taurinos y religiosos que
juegan un papel importante a nivel nacional.
Las fiestas de corralejas, las procesiones de semana santa, los días
feriados en honor a los santos con ruedas de fandango y las comidas típicas aún
se conservan, sobreviviendo a la aplastante pero inminente conquista de la
tecnología y todo lo que aleja a las nuevas generaciones de la cultura de estas
tierras orenses que una vez fueron gobernadas por el cacique Panaguá, como
dato histórico y aporte a la literatura que inspiro a poetas como Manuel H. Pretel o
juglares como Pablo Flórez Camargo.
Al hablar del cacique Panaguá se le muestra al mundo por qué el nombre
de Ciénaga de Oro, y es que como su nombre lo dice, literalmente esto eran estas
tierras, y lógicamente esto atrajo muchos españoles, causando genocidios por

9
doquier, no se puede colocar de lado de alguno, ya que los rasgos físicos dicen
por si mismos que todos los habitantes de hoy son hijos de ambos, no obstante si
algo positivo dejó esto, son precisamente los artistas que glorifican el nombre de
este emporio, artistas ricos en influencias culturales para expresar de una u otra
manera sus ideas al mundo.
La mayoría de jóvenes que representan lo que es actualmente la tierra del
cacique Panaguá, están muy poco interesados o para nada interesados en seguir
creando arte que le muestren al mundo lo que Ciénaga de Oro tiene para contar, y
la distracción que el mundo digital les ofrece tiene algo que ver indirectamente.
Cada generación se ha invitado a sí misma, a su manera y con sus
circunstancias, a mirar con hondura y atender a lo importante. Esto supone entre
otras cosas recordarse que en la vida no hay que distraerse, hay que combatir la
distracción. Hoy, a principios del siglo XXI, quizá esta pregunta se concreta
también en las redes sociales.
No se puede decir que el mundo invadido por la tecnología sea el problema
y causa a la distracción. Tampoco lo contrario. Su ambivalencia se impone. Pero
se debe creer que hay que tomarse en serio las voces que hablan de la pérdida de
atención y las continuas interrupciones que provocan medios como las redes
sociales en la vida corriente, siendo especialmente preocupante para usted su
propia vida y la de sus alumnos.
10
Con Base en las prácticas pedagógicas que realizan los docentes en
formación de la Universidad de Córdoba y que en esta oportunidad asigna el
programa de Lic. En Educación Básica Énfasis en Artística – Música, se puede
determinar con la observación general de las clases realizadas en cada una de las
instituciones con las que la Universidad celebra un convenio, que a pesar de
evidenciar problemas con aparatos electrónicos en clase, existe una tendencia al
dibujo y la ilustración por parte de la comunidad estudiantil, este talento empírico
por parte de un considerable porcentaje de alumnos por curso, crea la necesidad
de intensificar las horas dedicadas al dibujo, lo que resultaría una motivación para
que otros jóvenes se interesaran por esta práctica, al mismo tiempo que los que ya
presentan gran inclinación a la misma, mostrarían mayores resultados en el
proceso.
Una vez realizado un muestreo con los jóvenes de los grados 8°, 9°, y 10°,
se pudo observar que existen factores de ocio que podrían afectar a los jóvenes
de estos grados como son los siguientes:
1. No se cuenta con suficientes herramientas lúdico pedagógicas para desarrollar
arte.
2. Por motivos personales la mayoría de jóvenes poseen celulares, tables o pc
que sirve de distractor en clases, convirtiéndose en obstáculo de la misma.
3. También se encontró factores de riesgo social, que podrían afectar a los
jóvenes de esta institución, como son el mal uso de las redes sociales.
11
4. La falta de atención adecuada por parte de algunos padres de familia de los
alumnos influye de forma negativa, además de la situación que presentan
algunos al vivir en hogares disfuncionales.
5. Luego del diagnóstico realizado se pudo observar que los estudiantes tienen
poca sensibilidad y capacidad motriz a la hora de ejecutar pequeños ejercicios
didácticos que giren en torno a lo artístico.
1.2 FORMULACIÓN DEL PROBLEMA
Se encuentran factores que desmotivan la práctica de cualquier arte, y es
aquí donde la tecnología entra a jugar un controversial papel en la vida de los
jóvenes, ya que el mismo medio que los informa fácilmente los distrae, en esta
delgada línea se crea la necesidad de convertir el distractor en apoyo, haciendo de
los PC, tablas y celulares útiles para poner en práctica el dibujo de forma digital.
Dicho esto, los grados de 8°, 9°, y 10° estarían convocados para
aprovechar las horas de informática y artística para abarcar el mencionado
proyecto.
En este punto se establecen importantes incógnitas para empezar a
resolver dicho problema con un método que aprovecha los mismos obstáculos del
aprendizaje y la inclusión de arte.
12
¿De qué manera se puede enseñar el dibujo digital, como estrategia
metodológica para el aprendizaje del diseño gráfico básico, con los niños de
grados 8°, 9°, y 10°, de la Institución Educativa Madre Bernarda del municipio de
Ciénaga de Oro?
1.3 JUSTIFICACIÓN
Este proyecto se caracteriza por aprovechar la influencia de la tecnología
en los estudiantes, para el desarrollo de sus facultades en el dibujo a un nivel
digital.
La accesibilidad a computadores, tablas y celulares además de los que se cuenta
en la institución facilitará la instrucción a determinados Software y aplicaciones.
El dibujo digital no requiere una motricidad fina destacada por parte del
alumno, puesto que la funcionalidad del proyecto se basa directamente en
desarrollarla explorando la creatividad de los jóvenes, esto ligado a las técnicas
que se emplearían basadas en las afirmaciones de Piaget.
La instrucción con conocimiento amplio del diseño Gráfico gira en torno a la
pedagogía, sentando las bases para el manejo del software y su aplicabilidad para
llevar el dibujo en plataformas digitales, por lo que es necesario desarrollaran las
clases entre las horas de artística e informática aprovechando la relación de estas
dos áreas.
13
El presente proyecto propende contribuir al mejoramiento de la calidad de la
educación en todas las áreas a través del arte como desarrollador de
habilidades y destrezas perceptivas contribuyendo con el crecimiento intelectual
socio afectivo de los estudiantes, logrando en teoría un mejor desempeño en
muchas de sus ocupaciones y responsabilidades.
Esto propone que con ayuda de las habilidades y talentos que un joven
posea fortalece la importancia de las artes como herramienta psicomotriz y
necesaria para el desarrollo personal e integral en la formación de cada ser
humano.
La formulación de este proyecto se hace necesaria porque busca
desarrollar una positiva labor educativa, encaminada a la formación de buenos
principios relacionados con la solución de posibles problemática ocasionada por
factores de riego social como posibles grupos de delincuencia común (pandillas) y
la prevalencia de hogares disfuncionales que actúan en detrimento contra las
tradiciones, la civilización, la paz y todo fundamento de los derechos humanos y la
libre expresión de las tendencias artísticas tradicionales.
La historia de la región Caribe, tiene gran importancia porque es lo que
representa el legado que dejaron nuestros antepasados y que no se puede dejar
en el olvido ya que representa toda nuestra cultura y tradiciones de nuestros
aborígenes y antepasados negros y españoles.
14
El proyecto pedagógico de dibujo digital basado en el arte gráfico, se apoya
directamente en las representaciones de arte plástico que nuestra región posee en
torno a una historia cultural llena de paisajes mitos y leyendas que sirvieron de
inspiración para muchos artistas que dejaron su legado y el método Kodály,
(Hungría a mediados del siglo XX) el cual, busca una formación integral del
estudiante como persona. Este como lo dicta el método mencionado, utiliza las
canciones y rondas infantiles tradicionales para que los niños la aprendan en
forma paralela con la lengua materna de su país natal. Para tal efecto el docente
debe lograr que los estudiantes partan de lo práctico para después llegar a la
teoría, esta fórmula se utiliza igual para representar arte plástico y luego lograrlo
reproducir en lo digital.
Fundamentado siempre en este caso en lo visual; como particularidades
metodológicas para el proceso de enseñanza de la ilustración:
1. Preparación.
2. Presentación.
3. Practica.
La educación artística expresada en la modalidad de ilustraciones digitales
se ha convertido en la actualidad en una necesidad para la humanidad, ya que el
arte despierta la sensibilidad en el ser humano, aquel capaz de amar y crear la
paz con sus semejantes siendo apto para diseñar una sociedad en la que primen
los valores humanos y la creatividad.
15
Los medios digitales si bien difieren con este ideal pueden volverse en pro
si los sabemos utilizar, la idea no serie excluirlo siendo que sería un hecho
absurdo quitarle al ser humano la esencia de la evolución en muchos puntos de
vista, el objetivo centra entonces en crear arte con los medios digitales y volverlo
al ideal de sensibilizar al ser humano.
1.4 IMPACTO O ALCANCE
El diseño gráfico se vuelve tendencia en este siglo alcanzando un alto
porcentaje de necesidad en todo tipo de entidades que buscan promover su
imagen, esto se ve reflejado en cada producto por pequeño que sea, ya que
necesita ser representado por un arte visual que lo venda al mundo.
Quienes tienen el oficio son caracterizados como artistas digitales,
partiendo del hecho que ya solo no es artista el que dibuja o pinta con pincel y
pinturas a la mano. Esta es la era de los artistas digitales, donde todo en el mundo
amerita ser ilustrado digitalmente para mostrarse y ganar terreno comercial o
sentimental.
En cuanto a una profesión, el diseño gráfico, debe ser desarrollado, por
personas que manejen conceptos claros, para trabajar con la presentación visual y
el ordenamiento tipográfico, para entregar al final de su trabajo un mensaje claro y
entendible para el público. Por ende, con el diseño gráfico, no se trabaja
solamente con palabras y efectos visuales por separado, sino con ambos, de
16
manera conjunta y paralela, para crear un mensaje efectivo, que debido a su
belleza o el concepto que representa, llama la atención del público.
17
2. OBJETIVOS
2.1 OBJETIVO GENERAL
Desarrollar las habilidades para el dibujo y la ilustración digital de los estudiantes
entre los grados 8°, 9°, y 10°de la institución Educativa Madre Bernarda de
Ciénaga de Oro – Córdoba a través del uso de los equipos de la institución y la
colaboración del área de informática, trabajando con los Software´s tales como
Corel Draw y Photoshop, como estrategia de sensibilización y acercamiento al
Diseño Gráfico.
2.2 OBJETIVOS ESPECÍFICOS
Fomentar experiencias lúdicas que ayuden a mejorar los procesos de
expresión comunicativa, de ilustración, fortalecimiento y manejo adecuado del arte
gráfico, para que sean personas seguras al momento de expresarse ante la
sociedad.
Orientar a los niños en el aprendizaje y ejecución del software y hardware
adecuados para trabajar el arte gráfico como fortalecimiento de su creatividad.
Seleccionar un grupo de estudiantes y empoderarlos del aprendizaje del
arte gráfico para apoyar los diferentes eventos culturales que se realicen en la
institución.
18
3. MARCO REFERENCIAL
3.1 ANTECEDENTES
Respecto a la historia del diseño gráfico, este se comienza a considerar
como tal, ya avanzado el siglo XIX. Aun así, ciertos especialistas en la materia del
diseño gráfico, creen verlo de manera incipiente en algunas de las pinturas
rupestres, realizadas por los seres humanos, que habitaron la era del Paleolítico.
Esta apreciación, ha sido una manera válida, de valorar lo realizado por estos
seres humanos, los cuales tenían una concepción, bastante rudimentaria, de su
realidad y su vida.
Incluso, obras artísticas, mezcladas con la escritura, como la Biblia hecha a
mano por monjes irlandeses en el siglo IX, llamado el libro de Kells han sido
consideradas, como expresiones válidas, de lo que hoy en día se considera como
diseño gráfico.
Pero el diseño gráfico, alcanza su niñez real, luego de la invención de la
imprenta. Es así como continúo el desarrollo del diseño gráfico, hasta que se lleva
a cabo la separación entre Bellas Artes y Arte Aplicada, en el siglo XIX.
Claro que la madurez del diseño gráfico, no ocurriría hasta que se iniciara el
siglo XX. Donde se logra desarrollar el diseño gráfico, como se conoce
actualmente. Gradualmente, el diseño gráfico, se tornado más sobrio, que las

19
tendencias que precedieron el siglo XX y XXI. Antiguamente, se le daba mucho
valor, a todo lo netamente artístico. Donde la tipografía, era una expresión más de
la idea artística, que se deseaba imprimir.
Pero con la llegada de la tecnología, los ordenadores y la inclusión de
software y hardware, en la producción misma del diseño gráfico, se termina por
adoptar una visión más práctica y efectista en este campo.
De todas maneras, han existido gritos de contrariedad, frente a esta línea
más ligada a lo netamente productivo. Gritos, los cuales, han buscado que el
diseño gráfico, tienda nuevamente a estar más cercano al arte que a los efectos.
Incluso, en ciertos casos, se ha buscado que el diseño gráfico, de un vuelco más
radical, hacia lo visual, dejando de lado la parte tipográfica.
3.2 MARCO TEÓRICO
La idea central en el diseño gráfico, es la comunicación de ideas. Ideas que
son organizadas, a través de la utilización de imágenes, en las cuales se busca
combinar el arte con aspectos tipográficos.
O sea, palabras o texto escrito, que, en conjunción con lo visual, buscan el
emitir un mensaje claro y directo. Es por medio de estos mensajes, que, por lo
general, mediante el diseño gráfico, se crean campañas publicitarias.
20
Campañas, que son utilizadas, por parte de organismos privados o
públicos. Y es que el diseño gráfico, tiende, como se mencionó anteriormente, a
emitir mensajes o a comunicar. Por ende, organismos gubernamentales, utilizarán
el diseño gráfico, para poder expresar campañas que tienen como receptor, al
ciudadano en general.
Por otra parte, se presenta al diseño gráfico, que es utilizado por parte de
las empresas privadas. Las cuales lo utilizan, para poder incrementar sus ventas o
mejorar su imagen corporativa. Es así, como el diseño gráfico, puede ser utilizado,
por parte de los departamentos de marketing, para efecto de ventas. Y con
respecto de la imagen corporativa, será el departamento de comunicaciones
corporativas, preocupado de la comunicación interna y externa, quien verá en el
diseño gráfico, una herramienta de gran utilidad, para comunicar los mensajes
inherentes de la organización.
En cuanto a una profesión, el diseño gráfico, debe ser desarrollado, por
personas que manejen conceptos claros, para trabajar con la presentación visual y
el ordenamiento de este punto, con lo tipográfico, para entregar al final de su
trabajo, un mensaje claro y entendible, para el público objetivo del mismo. Por
ende, con el diseño gráfico, no se trabaja solamente con palabras y efectos
visuales por separado. Sino que, con ambos, de manera conjunta y paralela, para
crear un mensaje efectivo, primordialmente, pero que debido a su belleza o
concepto que representa, llama la atención del público. Ya que, de no ser así, las
personas no se detendrán, por más penetrador que sea el mensaje, a mirar lo que
21
se quiere comunicar. Las cosas para el ser humano, entran por la vista, concepto
que manejan a la perfección los diseñadores gráficos, que son quienes dan vida al
mundo del diseño gráfico.
El diseño gráfico es un saber, dentro de los múltiples con que cuenta la
cultura, para propiciar la efectividad en la comunicación y en la difusión de la
información. Otras actividades en las construcciones sociales cumplen con esta
función, la especialidad del diseño gráfico reside en el estudio y producción de
información visual y en el uso de los recursos requeridos para la concepción y
elaboración de los medios destinados a la creación de vehículos para la
comunicación visual. Se puede sintetizar, entonces, como la actividad de concebir,
programar, proyectar y realizar el soporte que sirve de vehículo de
comunicaciones visuales, producidas, generalmente, por medios industriales y que
tienen como objetivo transmitir mensajes específicos a grupos o destinatarios
determinados. La obra del diseño gráfico tiene que cumplir con propósitos
comunicativos establecidos previamente, con un interés estético; satisfacer el
criterio de quien la diseña y cumplir con las expectativas del público a quien debe
llegar.
El diseño gráfico responde con una acción a problemas relacionados con la
comunicación visual. Al producir el vehículo, el diseñador gráfico debe admitir la
responsabilidad profesional que le compete y que surge en virtud de la tensión que
existe entre las exigencias de un cliente potencial y las demandas que devienen
de las convenciones de la sociedad. Debe reconocer la responsabilidad ética por

22
cuanto el vehículo de la comunicación visual debe ir en función de los valores de
la vida social y debe reconocer la responsabilidad cultural por cuanto los mensajes
que son transportados en el vehículo deben contribuir al desarrollo cultural
creando patrimonio, más allá de los objetivos operativos del proyecto.
¿Para qué sirve la teoría? Uno de los principales problemas en la
enseñanza del diseño es el distanciamiento que existe entre la teoría y la práctica.
Con frecuencia se entiende a la teoría del diseño como un apartado obligatorio en
el currículo universitario, el cual es ajeno a la práctica diaria de la profesión. Como
consecuencia, nuestros alumnos absorben elementos conceptuales sin saber
cómo aplicarlos en problemas reales de diseño. Esto genera un escalofriante
cuestionamiento, ¿para qué sirve la teoría en una profesión netamente
proyectual? A este respecto, Ledesma (1997) argumenta que no se ha hecho lo
suficiente para investigar la influencia del diseño en la actividad humana y da tres
razones que provocan este olvido:
En primer lugar, el casi inexistente desarrollo de una teoría de diseño; en segundo

lugar, la unión mecánica entre diseño – tecnología – producción y mercado, en
tercer lugar, el hecho de que las reflexiones sobre la imagen y lo visual, en
general, evitan la consideración del proceso proyectual. (p. 34)
Esto provoca una ruptura entre los conceptos que se importan desde otras
disciplinas para abordar la complejidad de la actividad visual.
23
Por si fuera poco, se debe añadir el enorme prejuicio que existe por parte
de muchos alumnos sobre las materias donde se desarrollan los conceptos
teóricos del diseño.
Los motivos de esta actitud pueden ser variados, desde una feroz práctica
laboral en la cual pareciera que no queda tiempo para reflexionar sobre teorías,
hasta una exacerbada fe en el software especializado en diseño.
Esta vieja división entre teoría y práctica sigue impactando en la
consciencia del diseñador. Sin embargo, existen pruebas contundentes de que
esto no siempre es así; curiosamente estas evidencias las encontramos en la
misma práctica profesional. Citemos el caso del branding, disciplina en la cual se
funde la teoría y la práctica en un concepto indisoluble. Esto se debe a que el
hecho de establecer una estrategia de desarrollo de marca, implica tanto la
investigación teórica del auditorio como el desarrollo gráfico de comunicaciones
que incluso una vez publicadas se modifican a partir de los estudios conceptuales.
El punto es que nos enfrentamos a un mundo visual extenso que exige
abordajes transdisciplinarios que puedan hacer frente a una situación
comunicacional sumamente compleja.
La teoría en la enseñanza del diseño. Es relevante que con el paso de los
años en cada congreso de diseño se abandona poco a poco la otrora dominante
exposición de casos de éxito que no aportaban nada más que imágenes al
auditorio estudiantil. Estas presentaciones exhibían únicamente el proceso técnico

24
para llegar a la solución de un problema de comunicación visual. En la actualidad,
hablar solo del software y de los efectos visuales es algo inocuo debido a que la
tecnología computacional está al alcance de todos.
Esto genera una crisis laboral para los diseñadores quienes necesitan
diferenciarse del simple operario de paquetes de diseño gráfico. A raíz de esto,
vivimos en una etapa en la cual el principal factor de diferenciación para un
profesional del diseño es el conocimiento teórico-práctico, el cual se obtiene a
través de la investigación científica.
La necesidad de unir la teoría y la práctica para resolver problemas
complejos de diseño gráfico.
Ante esta problemática en la enseñanza del diseño, es necesario considerar
la aplicación de un proceso de investigación aplicado al diseño. Uno de los
principales retos que plantea esta propuesta es la aplicación del método científico
para plantear y resolver problemas de comunicación gráfica. Esta determinación
obliga a los estudiantes a enfrentarse con una situación única y generar sus
propios problemas de diseño. Esto pudiera parecer algo muy sencillo, sin
embargo, formular un problema en una oración se convierte en un verdadero
dilema. El principal obstáculo en la formulación del problema es la costumbre
como diseñadores a recibir el problema de alguien más, ya sea el maestro en la
escuela o el cliente en la vida profesional. Para poder problematizar un tópico de
investigación el alumno tiene que dilucidar en primera instancia qué es relevante
para ser abordado en un proyecto para el cual cuenta únicamente con un tiempo
25
determinado. A este respecto, Frascara (1997) afirma que, para identificar un
problema de investigación, el diseñador debe preguntarse dos cosas: “¿Es
importante? ¿Puede reducirse con la ayuda de las comunicaciones visuales?” (p.
136). La falta de práctica en cuanto a la problematización por parte de los
diseñadores, obliga a que se tomen semanas para poder encontrar un tema
relevante. En nuestra experiencia, el alumno que cursa este proceso comienza a
desarrollar una consciencia crítica que le será vital en el desarrollo de su
profesión. A partir de la necesidad de concebir un problema, se genera una
dinámica que cuestiona distintas situaciones, desde problemas sociales hasta
desarrollos de proyectos emprendedores, además de desarrollar la observación y
el análisis del estudiante.
Respecto a este tema, los principales errores que se han detectado cuando
se formula un problema, son la ambigüedad y la imposibilidad. Muchos alumnos
comienzan con ideas difusas, muestra de una educación que favorece la intuición
sobre el pensamiento estructurado. De este modo los problemas planteados al
principio carecen de claridad y de fundamentación analítica. Asimismo, muchos
estudiantes presentan proyectos que no son factibles para su realización, ya que
no consideran el tiempo, los recursos y el acotamiento necesario para poder
abordarlo.
Además, existe un pensamiento inicial que supone que casi todo se puede
solucionar a partir del diseño gráfico, lo cual es una idea romántica y equívoca.
Siguiendo a Mignacco (2007), no es “sensato creer que una profesión, pueda o
26
deba ‘salvar al mundo’. Sacar frases de contexto, ideas, expresiones, etc.,
produce desentendimiento y confusión”.
La problematización sirve también para que el estudiante genere procesos
de conocimiento más estructurados.
Aquí se debe reconocer que en algunas ocasiones la enseñanza del diseño
se reduce al acto creativo, lo cual deja de lado el pensamiento lógico que también
demanda el proceso de diseño. Para incentivarlo, durante más de la mitad del
curso el alumno se enfrenta al gran reto de prescindir completamente del apoyo
gráfico, enfocándose exclusivamente al trabajo escrito. Esto resulta difícil para
muchos, pues pone al descubierto la redacción, la ortografía y el ordenamiento de
las ideas, factores que pasan desapercibidos cuando se trabaja exclusivamente
con imágenes.
Por otro lado, proyectar una investigación obliga al estudiante a salir a
conocer su comunidad y propicia que se involucre en situaciones sociales de
acuerdo a sus intereses. Al mismo tiempo le brinda un conocimiento de primera
mano que le provee herramientas para poder realizar un producto de diseño
especializado y funcional.
Los referentes teóricos. Al construir un marco teórico, el estudiante tiene
la posibilidad de hacer un trabajo multidisciplinario incorporando conceptos de
otros campos. Esto ayuda a que el desarrollo proyectual sea similar a la
27
experiencia laboral donde el diseñador no puede plantearse como un ser aislado,
sino que debe interactuar con otras profesiones.
Uno de los problemas recurrentes que afloran en esta etapa, es la falta de
interés que manifiestan algunos alumnos por la lectura. Muchos de ellos piensan
que la cultura visual lo es todo, cómics, videojuegos, películas, libros de
Showcase, dejando de lado todo referente escrito. Sin embargo, tener que
manejar un marco teórico que sustente la investigación propuesta, los lleva a
enfrentarse a los textos de diseño y de otras disciplinas como pedagogía,
sociología, ciencias, entre otras, haciéndoles ver que muchos de sus supuestos ya
han sido estudiados, lo cual los conduce hacia la construcción del conocimiento.
Desde esta perspectiva de revelación, los alumnos recorren un camino que
les ayuda a conocer a profundidad el tema elegido. Con referencia a este tema,
Ahumada (2006 a) comenta:
No tener la capacidad de explicar cómo es que el Diseño podría cambiar
algo en el mundo que nos rodea, nos obliga a pedir prestadas teorías y
argumentos a ciencias y disciplinas que nos parecen afines, cercanas a nuestros
intereses y a nuestra postura profesional frente al mundo.
Pero quizá uno de los puntos más relevantes que hemos observado en el
proceso de investigación aplicada al diseño, es el crecimiento del alumno a través
del contacto con la teoría, la cual adquiere un nuevo significado y ya no se percibe

28
como algo forzoso e irrelevante sino como una herramienta para la estructuración
del producto de diseño.
Esto se logra gracias a que el investigador comienza a darse cuenta de
cómo abordar su problema a partir de distintos conceptos que enriquecen la
comprensión del mismo.
Chaves (1997), establece tres ventajas que obtiene el diseñador al entrar
en contacto con la teoría:
 Capacidad diagnóstica, interpretativa del contexto global (técnico, económico,
social y cultural).
 Capacidad de estructuración de sistemas y procesos.
 Capacidad de respuesta cultural adaptada. (p. 134)
Este bagaje cultural provee al alumno de múltiples conceptos que le
permitirán desarrollar propuestas gráficas sustentadas y eficaces.
La oportunidad de vivir dentro del problema.
La aplicación de los métodos de investigación es para muchos la parte más
lúdica del proceso. Aquí, el contacto directo con la problemática proporciona
elementos que difícilmente se obtendrían tan solo con leer el brief de diseño, lo
cual brinda una nueva perspectiva para el investigador.
29
Hemos podido observar cómo varios estudiantes comprendieron mejor a su
auditorio después de aplicar alguno de los métodos, tanto cualitativo como
cuantitativo en su caso de estudio. El uso de los métodos lleva al alumno a vivir el
problema de forma presencial, involucrándose de lleno con la problemática.
Además, los resultados que arrojan los métodos de investigación son
fundamentales para poder construir el conocimiento que, junto con los conceptos
teóricos, guiarán el desarrollo proyectual de la aplicación gráfica.
Para concluir con la sección escrita de la investigación, se analizan los
datos obtenidos y se preparan los fundamentos de la aplicación gráfica. Si bien
muchos alumnos comienzan planteando un problema y su inmediata solución
gráfica basándose en su intuición, al transcurso de la investigación se dan cuenta
de que su problema requiere de aplicaciones gráficas distintas. Esto es una
muestra de su proceso de evolución, el cual se manifiesta en toda su extensión
durante la última etapa, el desarrollo gráfico.
El proyecto gráfico. Una vez redactado el trabajo de investigación, el
proyecto gráfico es la última fase del proceso de investigación. Es aquí donde se
puede hablar de un sentido de innovación en el diseño, ya que este estado se
puede alcanzar a través de los siguientes pasos:
 Investigación básica, asistida por las ciencias sociales (sociología,
antropología, psicología, etc.).

30
 Investigación de mercado, para detectar tendencias y formas de canalizarlas
como variables estratégicas.
 Diseño del producto, de su proceso productivo y de su proceso de distribución.
(Ahumada, 2006 b).
En el transcurso de la investigación se procura el seguimiento de cada una
de estas etapas. El investigador tiene en esta etapa un bagaje conceptual
suficiente para poder establecer una estrategia gráfica que no dependa solo de la
intuición ni del chispazo creativo. Asimismo, hemos notado que, una vez concluido
el trabajo escrito, los alumnos tienen más propuestas e iniciativas sobre el tema.
De este modo la propuesta final es holística y se presenta como una unidad que
contiene distintas aplicaciones gráficas que abordan el problema en toda su
magnitud.
Reflexiones finales. La fundamentación teórica ha ayudado a que muchos
alumnos comprendan con claridad la problemática que ellos mismos plantearon.
Incluso su percepción de la teoría ha cambiado radicalmente, puesto que ya no la
consideran un elemento separado de su práctica profesional.
Al mismo tiempo, el curso les brinda la posibilidad de concebir el proceso de
diseño como un problema que requiere delimitación y abordaje multidisciplinario.
Además, el reto de reencontrase con la lectura y la escritura formal es un
ejercicio que fomenta el orden en su pensamiento. Muchos alumnos confiesan que
31
esto les ha dado la posibilidad de poder estructurar mejor sus ideas y de ordenar
sus actividades convirtiéndolos en profesionistas más productivos.
Por otro lado, un punto importante en la evaluación del proyecto de
investigación, es la presentación pública de los proyectos finales. A través de esta
actividad, se prepara al alumno para que pueda comunicar de manera idónea sus
resultados. Además, se invita a los actores sociales involucrados en el proyecto, lo
cual consideramos un punto fundamental para la asignatura.
En este sentido, los estudiantes tienen que desarrollar habilidades retóricas
para poder persuadir a su auditorio a través de su proyecto teórico-práctico y de
su dominio del escenario. Esto es con el objetivo de formarlos como profesionistas
capaces de promover sus diseños apoyados en sus habilidades de comunicación
y presentación.
De este modo se prepara al alumno para que sea capaz de desarrollar
anteproyectos de investigación viables para acceder a un posgrado, o bien para
crear un esquema de negocio basado en un desarrollo gráfico.
Por último, una de las reflexiones importantes que hemos tenido al
desarrollar con los alumnos este tipo de proyectos de investigación en los últimos
semestres de la carrera en diseño gráfico, es la necesidad de replantear el
esquema curricular de enseñanza del diseño. Como herencia de la Bauhaus,
tenemos un formato en el cual primero se brindan los aspectos teóricos del diseño
32
y para después pasar al conocimiento tecnológico. Las dinámicas actuales
sugieren un cambio a esta estructura, ya que nuestras experiencias docentes
indican que es mejor que los alumnos conozcan las herramientas digitales al
principio de la carrera para después aplicarlas a procesos teórico-prácticos de
diseño.
Las ventajas de este modelo son varias; en primer lugar, el estudiante en
los últimos años de la carrera tiene más recursos de producción gráfica para
aplicar modelos teóricos de comunicación visual. Además, al revisar primero las
cuestiones tecnológicas de la producción gráfica, se comprende de mejor manera
la importancia de desarrollar estrategias basadas en la investigación para resolver
problemas de diseño. Por último, el alumno se desenvuelve con mayor madurez
profesional al conocer primero los recursos tecnológicos y después los
conocimientos teóricos, con lo cual desarrolla un proceso unificado que no disocia
la teoría de la práctica en el diseño.
3.3 MARCO LEGAL
Capítulo XIV: Pasantías.
Artículo 101. Las pasantías o prácticas profesionales son aquellas
actividades académicas que se realizan en el último año, son consideradas como
trabajo independiente del estudiante, que debe cursar en las diferentes instancias
aprobadas por cada Consejo de Facultad quien reglamentará la forma y
33
metodología necesaria para su ejecución. Reglamento Académico Estudiantil
Universidad de Córdoba.
Artículo 102. Aquellos estudiantes que en su plan de estudios tengan como
requisito la realización de la Práctica Profesional o Pasantía, podrán gestionar el
lugar donde la realizarán y en el tiempo y horario que la Facultad le asigne de
acuerdo a la reglamentación que se adopte para ello.
Este proyecto se ampara en una serie de leyes como lo es la declaración y
artículos nacionales e internacionales que defienden y fomentan la preservación,
ejecución y divulgación de las diferentes ramas de la enseñanza universal.
Un claro ejemplo de esto es la ley del Tic que busca promover la
universalización de los servicios de tecnologías de la información y las
comunicaciones para ampliar el acceso a los colombianos.
La sexta resultó ser la vencida para el proyecto por medio del cual "se
definen principios y conceptos sobre la Sociedad de la Información y la
Organización de las Tecnologías de la Información y las Comunicaciones (TIC), se
crea la Agencia Nacional del Espectro y se dictan otras disposiciones", – Ley
112/07 Cámara, 340/08 Senado – que, tras su aprobación en la Comisión Sexta
del Senado el pasado 4 de junio, tiene casi listo su paso para convertirse en Ley,
pues le resta solo un debate en plenaria del Senado.
34
La iniciativa plantea la creación de la Agencia Nacional del Espectro
(adscrita al Ministerio de Comunicaciones, pero independiente técnicamente);
define las competencias para cada una de las entidades del sector; reduce los
trámites de quejas y reclamos; promueve la competencia a través de la
universalización del servicio; avanza en la neutralidad tecnológica y en buscar que
las tecnologías sean generadoras de conocimiento en el país.
También plantea la integración de las normas del sector – muchas de ellas
dispersas –; allana el camino para el Plan TIC formulado por el Ministerio de
Comunicaciones, la profundización del Gobierno en línea y reitera el objetivo de
lograr que todos los colombianos se informen y se comuniquen haciendo uso de
las TIC para aumentar la competitividad y mejorar la inclusión social.
Los cinco proyectos anteriores, presentados desde hace una década, no
habían logrado avanzar pese al esfuerzo conjunto de Senadores, Representantes
a la Cámara y funcionarios del Gobierno, por la fuerte polémica que desata este
tema. Pero, esta vez, la premura generada por las dificultades financieras que se
ciernen sobre las compañías de telefonía fija debido a la insuficiencia de recursos
para subsidiar la telefonía en los estratos 1 y 2 de la población, aceleró la
aprobación de la ley.
La ministra de Comunicaciones, María del Rosario Guerra, urgió a los
legisladores a aprobar la ley, que elimina el sistema de subsidios a la telefonía fija,
hoy aportados por los estratos 5 y 6, que han reducido sus consumos generando
35
un déficit acumulado de unos $400.000 millones. La caída de la telefonía fija es
evidente: pasó de 57.000 millones de minutos consumidos por los colombianos en
2004 a 37.000 millones de minutos en 2008.
El proyecto de Ley contempla que a partir de 2015 no habrá subsidios y en
el periodo de transición los recursos serán cubiertos por el Fondo de
Comunicaciones.
El senador Efraín Torrado, ponente de esta ley, declaró que el proyecto
"recopila las expectativas del sector, le brinda oportunidades para que tenga más
tranquilidad y les ofrece a los inversionistas mayor estabilidad jurídica".
Pero, la iniciativa tuvo críticas del senador Jorge Hernando Pedraza, quien
pidió ajustes estructurales al proyecto porque, en su opinión, se le dio prioridad a
lo accesorio y se dejan vacíos en materia de TIC. Pedraza se mostró en contra de
crear nuevas entidades – como la Agencia del Espectro – y pidió una autoridad
única para el sector.
36
4. METODOLOGÍA
4.1 NATURALEZA DE LA INVESTIGACIÓN
El tipo de investigación de este Proyecto, está enmarcado dentro del
paradigma cualitativo, con un enfoque de investigación-acción en el cual se
incluye un acercamiento interpretativo y naturalista al sujeto de estudio, por cuanto
estudia las cualidades artísticas del estudiante. Este tipo de investigación
cualitativa se basa en la educación como un campo del conocimiento y
creatividad.
4.2 TIPO DE INVESTIGACIÓN
El tipo de investigación para este Proyecto es cualitativo, con un enfoque de
investigación.
Acción, en el cual se incluye un acercamiento interpretativo y
naturalista al sujeto de estudio, por cuanto estudia las cualidades
artísticas del estudiante.
4.2.1 Paradigma.
La investigación se fundamenta en el paradigma socio crítico, por cuanto su
objetivo obedece al análisis de las transformaciones sociales y dar respuestas a

37
determinados problemas, en este sentido en el área que ocupa la Educación
Artística musical, para fortalecer el acervo cultural de nuestra región desde los
escenarios educativos de las Instituciones educativas.
4.3 POBLACIÓN
La población escogida fueron jóvenes de Grado 8°, 9°, y 10° del colegio
Madre Bernarda del municipio de Ciénaga de Oro, cada clase cuenta con un
aproximado de 40 estudiantes por curso.
4.3.1 Muestra.
La muestra seleccionada está conformada por los niños de Grado 8°, 9°, y
10° de la institución educativa Madre Bernarda (Ciénaga de Oro – Córdoba).
4.3.2 Técnicas de Recolección.
Las técnicas de recolección que se utilizaron en esta investigación fueron
las de la observación directa, mediante talleres que dejaban apreciar la creatividad
del joven, en cuanto a la ilustración.
38
4.4 TALLERES E IMPLEMENTACIÓN DE LA PROPUESTA METODOLÓGICA
4.4.1 Los Principios del Diseño Gráfico.
 Grado: 8°, 9°, y 10°
 Taller 1. Cuando se diseña siempre se pretende transmitir un mensaje, el
modo en que trabajemos cada elemento y la elección oportuna que hagamos
de ellos, son los medios para obtener tal objetivo.
 Temas:
1. Las leyes de percepción de Gestalt.
2. Principios básicos diseño leyes percepción Gestalt.
3. Los principios y elementos básicos del diseño.
4. Los 6 elementos básicos del diseño.
5. Los 6 principios básicos del diseño.
 Tiempo: 2 Horas por curso.
 Objetivo: Clasificar, catalogar y relacionar los aspectos visibles en la
composición de un diseño en particular, y poder crear ejemplos propios de los
mismos.
39
 Actividad Metodológica. Estas reglas que se comparten a continuación son
herramientas óptimas para que nuestro trabajo facilite la comprensión. De la
misma manera que el lenguaje necesita de una buena sintaxis, el diseño
gráfico exige una disposición oportuna de los elementos que lo componen.
Después de comprender la teoría, la ponemos en práctica a través de un
análisis basado en los principios previamente dados.
 Recursos Didácticos: fotografías, dibujos abstractos.
 Evaluación: Cada fotografía y dibujos abstracto deberá ser analizado y
clasificado con éxito, seguido de una representación propia de los mismos
conceptos previamente estudiados.
 Conceptos:
 Las Leyes de Percepción de Gestalt. Algunos piensan que un buen
diseñador es aquel (o aquella) que conoce al milímetro Photoshop o Illustrator.
Y aunque por un lado es importante conocer la herramienta, es más importante
conocer los principios de la percepción humana, tomando como referencia las
13 leyes de Gestalt: totalidad, estructura, dialéctica, contraste, cierre,
compleción, pregnancia, invariancia topológica, enmascaramiento, principio de
Birkhoff, proximidad, memoria y jerarquización.
40
4.4.2 Principios Básicos Diseño Leyes Percepción Gestalt.
Simplificando mucho, podríamos afirmar que todo lo que percibimos
visualmente, se rige por alguna de estas 13 leyes o principios. Por lo que resulta
muy razonable que los principios básicos del diseño estén basados en las Leyes
de Gestalt.
Los principios y elementos básicos del diseño. Seis son los principios
básicos del diseño: balance, proximidad, alineación, repetición, contraste y
espacio. Unos principios que ayudan a su vez a combinar los 6 elementos básicos:
línea, forma, dirección, tamaño, textura y color. Su combinación dependerá, en
gran medida, de la habilidad e intención del autor. ¿Qué queremos transmitir?
¿Orden, caos, equilibrio, desequilibrio, simplicidad, saturación? Sea lo que sea, se
podrá hacer combinándolos adecuadamente. La presencia o ausencia de cada
uno de estos principios y elementos, pueden provocar cambios en la percepción.
Los 6 elementos básicos del diseño. Comencemos detallando los 6
elementos básicos con los que un diseñador puede crear sus composiciones.
¿Cuáles son los 6 elementos que puede contener un diseño? Todos, sin
excepción, disponen de alguno de ellos:
 Línea. Quizás el más básico. Todo comienza con una línea. Una línea corta
puede verse como un punto.
41
 Dirección. Todas las líneas tienen una dirección y según cual sea, puede
provocar diferentes percepciones. Por ejemplo: una línea vertical da sensación
de altura, una horizontal de estabilidad, una en diagonal, crecimiento (si va de
menos a más, de izquierda a derecha) o descenso (si va de más a menos, de
izquierda a derecha). ¿Te lo habías planteado?
 Forma. Línea + dirección = forma. Las formas están compuestas por líneas,
bien cerradas o abiertas (y aquí es donde entra, por ejemplo, la Ley de Cierre
de Gestalt, donde el cerebro “cierra” o “une” esos espacios). Pueden ser líneas
explícitas, o bien utilizando otros principios como el contraste, o elementos
como el color, que también crean formas.
 Tamaño. El tamaño también es un elemento importante de todo diseño. Un
mismo elemento repetido en dos tamaños diferentes pueden provocar
sensaciones diferentes: tamaño (propiamente dicho), distancia o jerarquía.
 Color. Un elemento fundamental. Y por color, entendemos todos: blanco,
negro, rojo, azul, etc. El color nos ayuda a contrastar elementos y no olvidemos
su peso emocional, donde cada color tiene varios significados. Por ejemplo: el
color blanco transmite pureza, paz, limpieza, perfección… El color se compone
de 3 valores: color (verde), saturación (cantidad de verde puro, su ausencia es
una escala de grises) y brillo (luminosidad del color, más próximo al blanco o al
negro).
42
 Textura. Un derivado del color. La textura añade ese toque extra de realidad,
ya que en la naturaleza no solemos encontrar objetos con colores planos
100%, y la textura nos aporta una información extra de la superficie del objeto:
Los 6 principios básicos del diseño. Una vez que conocemos los 6
elementos básicos que todo diseño contiene (en mayor o menor medida).
 Balance: El balance es similar al equilibrio o compensación entre dos
elementos. Por ejemplo: Componer un elemento a la izquierda y compensarlo
con un elemento más grande o más pequeño a la derecha. Creando una
relación de fuerza entre ambos, bien para compensar o bien para todo lo
contrario, descompensar la composición.
 Contraste: Blanco y negro, objeto y fondo. El contraste nos ayudará a
diferenciar dos elementos, o bien a separar un elemento del fondo. Es sin lugar
a duda, uno de los principios básicos. La falta de contraste puede provocar que
no se diferencien suficientemente todos o algunos de los elementos de la
composición. Pero el contraste no se refiere únicamente al color, también a la
forma o la dirección. Ejemplo: un conjunto de cuadrados e insertamos un
círculo.
 Alineación: La alineación nos ayudará a crear orden, o su opuesto, creando
conexiones visuales entre ellos. Por ejemplo: los elementos alineados a la
izquierda, se diferenciarán de los elementos alineados a la derecha. Si no los
43
alineamos y en función de su cercanía, es muy posible que no los veamos
como dos grupos claramente diferenciados.
 Proximidad: La proximidad crea relaciones entre dos o más elementos. Por
ejemplo: dos elementos que estén más próximos, se podrán ver más
“conectados” que otro elemento más apartado. Una situación que no siempre
se cumplirá porque, recordemos, tenemos otros principios y elementos como el
color, que puede modificar la percepción.
 Repetición: La repetición es otro principio que refuerza la relación y
consistencia entre elementos. Por ejemplo: Una serie de círculos repetidos,
uno detrás de otro, se transforma en una línea de puntos.
 Espacio. ¿Recuerdas el principio de repetición y la línea de puntos? ¿Qué
ocurre si separamos o damos espacio a esos puntos? Podemos provocar la
sensación de distancia e incluso de velocidad. Este principio se aplica, por
ejemplo, a las líneas de incorporación o salida en las autopistas. A mayor
distancia, más velocidad permitida / recomendada.
4.4.3 Teoría y Psicología del Color
 Grado: 8°, 9°, y 10°
 Taller 2. El diseño gráfico revoluciona la teoría del color tal y como la
conocíamos y estaremos abiertos a conocer distintos modelos de y lenguaje
del concepto de color.
44
Al mismo tiempo exploraremos la psicología y el impacto social que ha
tenido el manejo de los colores a nivel mundial.
 Temas:
1. Teoría del color.
2. Colores primarios.
3. Modelos de colores primarios.
4. Modelo RGB.
5. Modelo CMY.
6. Modelo RYB.
7. Colores secundarios.
8. Colores terciarios.
9. Psicología del color.
10.Acorde cromático.
11.Circulo cromático.
12.Tono.
13.Brillantez.
14.Saturación.
15.Colores cálidos.
16.Colores fríos.
17.Colores claros.
18.Colores oscuros.
19.Colores brillantes.
45
20.Importancia del color dentro del diseño.
 Objetivo: reconocer aspectos de sensibilidad en los colores, utilizar la
jerarquía de colores en sus diferentes modelos.
 Actividad Metodológica: llevando a cabo la utilización de los colores en
hipotéticos eventos de la vida real se crearán maquetas que representen como
funcionarían los mismos.
 Recursos Didácticos: hojas de block, marcadores, colores, lápiz, borrador,
taja lápiz y reglas.
 Evaluación: se comparará el resultado de los trabajos con la buena aplicación
de la teoría en la representación práctica.
 Conceptos:
 Teoría del color. Colores primarios es un concepto básico de la teoría del
color cuyo origen se remonta al libro Opticks (1704) de Isaac Netwon. Nuevos
planteamientos y descubrimientos científicos han mantenido en constante
revisión y evolución la identificación de cuáles son los colores primarios.
46
En la actualidad se tiende a distinguir varios modelos de color con sus
correspondientes colores primarios según su contexto.
 Colores primarios. Se denomina colores primarios a aquellos colores básicos
que no se pueden producir a partir de la mezcla de otros y con los que es
posible mezclar una mayor gama de tonos. Se caracterizan por su singularidad
y diferencia entre sí pues los colores primarios carecen de matices en común.
Pese a la existencia de varios modelos de color que identifican colores
primarios distintos, predominan los modelos con tres colores primarios. Esta
preferencia por tres colores primarios se explica por la visión tricromática humana
con tres tipos de receptores que responden a unas longitudes de onda de la luz
concretas.
Los colores primarios son la pieza clave a partir de la cual se construye el
círculo cromático (o rueda de color). Primero se sitúan los colores primarios en
posiciones equidistantes, de la mezcla de dos colores primarios se producen los
colores secundarios y de la mezcla de un color primario con su secundario se crea
un color terciario (o intermedio).
 Modelos de colores primarios. Las teorías del color tradicional y moderno
discrepan en cuanto a cuáles son los colores primarios. La teoría del color
moderna distingue entre colores luz y pigmento.
47
 Colores primarios luz (Modelo RGB): Rojo, verde y azul son considerados
colores primarios luz. Estos colores son intangibles y con una longitud de onda
especifica.
 Colores primarios pigmento (Modelo CMY): Cian, magenta y amarillo son
colores pigmento que, al mezclarse, el color se sustrae hasta llegar al negro.
 Colores primarios tradicionales (Modelo RYB): Rojo, amarillo y azul. Este
modelo es el precursor del modelo CMY. Está considerado obsoleto por la
ciencia e industria, sin embargo, aún se enseñan sus principios en las artes
visuales.
 Colores primarios psicológicos: Rojo, amarillo, verde y azul. Originalmente la
teoría del proceso de oposición de colores de Ewald Hering (1834-1918) incluía
seis colores psicológicos primarios agrupados en pares de opuestos: blanco y
negro, rojo y verde, amarillo y azul.
48
 Colores secundarios. Síntesis aditiva de colores luz: primarios y secundarios.
Viktor Fiala / Wikicommons.
Los colores secundarios son un tema básico de la teoría del color que todo
profesional de las artes visuales debe dominar. De este modo podrá aplicar estos
conocimientos a la hora de mezclar y combinar colores en sus proyectos.
Colores secundarios: ¿Qué son? Se denomina color secundario a aquel
color obtenido de la mezcla de dos colores primarios y que es a su vez color
complementario de un tercer color primario, aquel que no interviene en su
elaboración.
Para distinguir los colores secundarios de los colores terciarios y cómo se
forman, es frecuente encontrar fuentes que definen los colores secundarios como
aquellos colores obtenidos de la mezcla de partes iguales de dos colores
primarios. Pero en la práctica, al mezclar colores pigmento, descubrirás que no es
así y que es necesario variar las proporciones.
En un círculo cromático de seis colores, cada color secundario se sitúa
entre los colores primarios empleados para su mezcla y en el segmento opuesto al
color primario del que es complementario. Por lo tanto, al igual que ocurre con los
tres colores primarios, los colores secundarios dentro del círculo cromático son
equidistantes entre sí.
49
En un círculo cromático de doce colores, de la mezcla de un color primario y
su color secundario adyacente se obtiene un color terciario que se sitúa entre
ambos.
Al mezclar un color secundario con el color primario al que complementa se
obtiene un nuevo color menos saturado con tendencia al gris o al marrón.
¿Cuáles son los colores secundarios? La teoría del color moderna
distingue entre colores luz y pigmento. Estos modelos de color, al igual que
cuentan con diferentes primarios, tienen distintos secundarios:
 Colores secundarios luz (Modelo RGB): Cian, magenta y amarillo.
 Colores secundarios pigmento (Modelo CMY): Naranja, verde y violeta.
¿Cómo hacer colores secundarios?
¿Cómo se menciona anteriormente?, los colores secundarios se producen a
partir de la mezcla de dos colores primarios. Además de caracterizarse por tener
colores primarios y secundarios distintos, los colores luz y pigmento se comportan
de manera distinta cuando se mezclan.
La mezcla de colores pigmento se denomina síntesis sustractiva porque a
medida que se mezclan los colores primarios el color resultante pierde
luminosidad.
50
Modelo CMY—Colores pigmento:
 Naranja = Amarillo + Magenta
 Verde = Cian + Amarillo
 Violeta = Magenta + Cian
El caso de los colores luz es justo el contrario: A medida que se mezclan los
colores primarios el color resultante es más luminoso, por eso se denomina
síntesis aditiva.
Modelo RGB—Colores luz:
 Cian = Azul + Verde.
 Magenta = Rojo + Azul.
 Amarillo = Verde + Rojo.
En la teoría del color tradicional, considerada obsoleta e incorrecta en la
actualidad desde el punto de vista teórico y práctico, no se distinguía entre colores
luz y pigmento. El modelo de color RYB era el dominante y sus colores
secundarios eran los mismos del modelo CMY: naranja, verde y violeta. El
problema es que en la práctica es imposible formar algunos de sus colores
secundarios a partir de la mezcla de sus colores primarios.
51
 Colores terciarios: Colores terciarios, secundarios y primarios en un círculo
cromático. Supermerill / Wikimedia Commons
Se denomina color terciario (o intermediario) a aquel color obtenido de la
mezcla de un color primario y uno de sus colores secundarios adyacentes.
En un círculo cromático de doce colores se obtienen seis colores terciarios
de la mezcla de tres colores primarios y tres colores secundarios. Los colores
terciarios se sitúan entre los colores que intervienen en su mezcla a una distancia
equidistante entre sí.
¿Cómo hacer colores terciarios y cuáles son?. Según la teoría del color
moderna, los colores terciarios pigmento de un círculo cromático de doce colores
son:
 Amarillo + verde = Verde pistacho.
 Amarillo + naranja = Amarillo huevo.
 Magenta +naranja = Rojo.
 Magenta + violeta = Morado.
 Cian + violeta = Añil.
 Cian + verde = Azul turquesa.
También se pueden denominar con nombres descriptivos. Por ejemplo, el
verde pistacho es sinónimo de amarillo verdoso o verde amarillento; amarillo
huevo es lo mismo que amarillo anaranjado o naranja amarillento, etc.
52
Psicología del Color. El color es más que un fenómeno óptico y que un
medio técnico. Los teóricos de los colores distinguen entre colores primarios —
rojo, amarillo y azul—, colores secundarios, —anaranjado y violeta— y mezcla
subordinadas, como rosa, gris o marrón.
También discuten sobre si el blanco y el negro son verdaderos colores, y
generalmente ignoran el dorado y plateado —aunque, en un sentido psicológico,
cada uno de estos trece colores es un color independiente que no puede
sustituirse por ningún otro, y todos presentan la misma importancia.
El rosa procede del rojo, pero su efecto es completamente distinto. El gris
es mezcla del blanco y negro, pero produce una impresión diferente a la del
blanco y a la del negro. El naranja está emparentado con el marrón, pero su efecto
es contrario al de éste.
Los colores despiertan respuestas emocionales específicas en las
personas, el factor psicológico está formado por las diferentes impresiones que
emanan del ambiente creado por el color, que pueden ser de calma, de
recogimiento, de plenitud, de alegría, opresión, violencia... La psicología de los
colores fue ampliamente estudiada por Goethe, que examinó el efecto del color
sobre los individuos:
 Blanco: Se halla en el extremo de la gama de los grises. Es un color latente
por su capacidad de potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede
expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente.

53
 Negro: Al igual que el blanco, también se encuentra en el extremo de la gama
de grises. Es el símbolo del silencio, del misterio y, en ocasiones, puede
significar impuro y maligno. Confiere nobleza y elegancia, sobre todo cuando
es brillante.
 Gris: Simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y
melancolía.
Los colores metálicos tienen una imagen lustrosa, adoptando las cualidades
de los metales que representan. Dan impresión de frialdad metálica, pero también
dan sensación de brillantez, lujo, elegancia, por su asociación con los metales
preciosos.
 Amarillo: Es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo. Es el
color del sol, de la luz y del oro, y como tal es violento, intenso y agudo. Suelen
interpretarse como animados, joviales, excitantes, afectivos e impulsivos.
 Naranja: Posee fuerza activa, radiante y expansiva. Tiene un carácter
acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica muy positiva y
energética.
 Rojo: Significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la fuerza
bruta y del fuego. Está ligado al principio de la vida, expresa la sensualidad, la
54
virilidad, la energía; es exultante y agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión
ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo.
 Azul: Es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, suscita una
predisposición favorable. La sensación de placidez que provoca el azul es
distinta de la calma o reposo terrestres, propios del verde. Expresa armonía,
amistad, fidelidad, serenidad, sosiego... y posee la virtud de crear la ilusión
óptica de retroceder. Este color se asocia con el cielo, el mar y el aire. El azul
claro puede sugerir optimismo.
 Violeta: Es el color de la templanza, de la lucidez y de la reflexión. Es místico,
melancólico y podría representar también la introversión.
Conocemos más sentimientos que colores. Cada color produce efectos
distintos a menudo contradictorios. Un mismo color puede actuar de manera
diferente.
El color no es una característica de una imagen u objeto, sino que es más
bien una apreciación subjetiva nuestra.
Se puede definir como, una sensación que se produce en respuesta a la
estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de
ciertas longitudes de onda.
55
Las personas que trabajan con colores —los artistas, los terapeutas, los
diseñadores gráficos o de productos industriales, los arquitectos de interiores o los
modistos— deben saber qué efecto producen los colores en los demás.
Cada uno de estos profesionales trabaja individualmente con sus colores,
pero el efecto de los mismos ha de ser universal.
Algunos estudios realizados muestran que colores y sentimientos no se
combinan de manera accidental, que sus asociaciones no son cuestiones de
gusto, sino experiencias universales profundamente enraizadas desde la infancia
en nuestro lenguaje y nuestro pensamiento.
El simbolismo psicológico y la tradición histórica permiten explicar por qué
esto es así.
La creatividad se compone de un tercio de talento, otro tercio de influencias
exteriores que fomentan ciertos dotes y otro tercio de conocimientos adquiridos
sobre el dominio en el que se desarrolla la creatividad.
Quien nada saber de los efectos universales y el simbolismo de los colores
y se fía sólo de su intuición, siempre será aventajado por aquellos que han
adquirido conocimientos adicionales.
Si sabemos emplear adecuadamente los colores, ahorraremos mucho
tiempo y esfuerzo.
56
Acorde Cromático. Conocemos muchos más sentimientos que colores.
Por eso, cada color puede producir muchos efectos distintos, a menudo
contradictorios.
Un mismo color actúa en cada ocasión de manera diferente. El mismo rojo puede
resultar erótico o brutal, inoportuno o noble.
Un mismo verde puede parecer saludable, o venenoso, o tranquilizante. Un
amarillo, radiante o hiriente.
¿A qué se deben tan particulares efectos? Ningún color aparece aislado;
cada color está rodeado de otros colores. En un efecto intervienen varios colores
—un acorde de colores.
Un acorde cromático se compone de aquellos colores más frecuentemente
asociados a un efecto particular. Algunas investigaciones ponen de manifiesto que
colores iguales se relacionan siempre con sentimientos e impresiones semejantes.
Por ejemplo, a la algarabía y a la animación se asocian los mismos colores que a
la actividad y a la energía. A la fidelidad, los mismos colores que a la confianza.
Un acorde cromático no es ninguna combinación accidental de colores, sino
un todo inconfundible.
Tan importantes como los colores aislados más nombrados son los colores
asociados. El rojo con el amarillo y el naranja produce un efecto diferente al del

57
rojo combinado con el negro o el violeta; el efecto del verde con el negro no es el
mismo que el verde con el azul.
El acorde cromático determina el efecto del color principal.
El círculo cromático. El círculo cromático nos sirve para observar la
organización básica y la interrelación de los colores.
Los colores primarios son: el rojo, el azul y el amarillo. Los colores
secundarios son: el verde, el violeta y el naranja, y los colores terciarios son: el
rojo violáceo rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso
y azul violáceo.
Los colores secundarios se obtienen al mezclar partes iguales de dos
primarios; los colores terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un color
primario y de un secundario adyacente.
Los primarios son colores que se consideran absolutos y que no pueden
crearse mediante la mezcla de otros colores. Sin embargo, mezclar los primarios
en diversas combinaciones crea un número infinito de colores.
 El tono: Es el matiz del color, es decir el color en sí mismo, supone su
cualidad cromática, es simplemente- un sinónimo de color. Es la cualidad que
define la mezcla de un color con blanco y negro. Está relacionado con la
58
longitud de onda de su radiación. Según su tonalidad se puede decir que un
color es rojo, amarillo, verde...
Aquí podemos hacer una división entre:
 Tonos cálidos (rojo, amarillo y anaranjados): aquellos que asociamos con la luz
solar, el fuego…
 Tonos fríos (azul y verde): Los colores fríos son aquellos que asociamos con el
agua, la luz de la luna...
 Brillantez. Tiene que ver con la intensidad o el nivel de energía. Es la
luminosidad de un color (la capacidad de reflejar el blanco), es decir, el brillo.
Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable, que
puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad
puede variar añadiendo negro o blanco a un tono.
 Saturación. Está relacionada con la pureza cromática o falta de dilución con el
blanco. Constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la
cantidad de blanco presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es
y menos mezcla de gris posee.
Colores Cálidos. El ardiente remite al rojo de máxima saturación en el
círculo cromático; es el rojo en su estado más intenso.
59
Los colores ardientes se proyectan hacia fuera y atraen la atención. Por
esta razón, a menudo se usa el rojo en letreros y el diseño gráfico. Los colores
ardientes son fuertes y agresivos, y parecen vibrar dentro de su espacio propio. El
poder de los colores ardientes afecta a la gente de muchas maneras, tales como
el aumento de la presión sanguínea y la estimulación del sistema nervioso.
Colores Fríos. El frío remite al azul en su máxima saturación. En su estado
más brillante es dominante y fuerte. Los colores fríos nos recuerdan el hielo y la
nieve. Los sentimientos generados por los colores fríos azul, verde y verde
azulado son opuestos a los generados por los colores ardientes; el azul frío
aminora el metabolismo y aumenta nuestra sensación de calma.
Colores Claros. Los colores claros son los pasteles más pálidos. Toman su
claridad de una ausencia de color visible en su composición, son casi
transparentes. Cuando la claridad aumenta, las variaciones entre los distintos
tonos disminuyen.
Los colores claros descubren los alrededores y sugieren liviandad, descanso,
suavidad y fluidez. Se parecen a las cortinas transparentes de una ventana, y
envían un mensaje de distensión. Son el color marfil, rosa, celeste, beige.
Colores Oscuros. Los colores oscuros son tonos que contienen negro en
su composición. Encierran el espacio y lo hacen parecer más pequeño. Los
colores oscuros son concentrados y serios en su efecto. En cuanto a las
estaciones, sugieren el otoño y el invierno. Combinar juntos los claros y los

60
oscuros es una manera común y dramática de representar los opuestos de la
naturaleza, tales como el día y la noche.
Colores Brillantes. La claridad de los colores brillantes se logra por la
omisión del gris o el negro. Los colores azules, rojos, amarillos y naranjas son
colores de brillo pleno. Los colores brillantes son vívidos y atraen la atención. Un
bus escolar amarillo, un racimo de globos de colores, el rojo de la nariz de un
payaso nunca pasa inadvertido. Estimulantes y alegres, los colores brillantes son
colores perfectos para ser utilizados en envases, moda y publicidad .
¿Cómo el contexto determina el efecto? Ningún color carece de
significado. El efecto de cada color está determinado por su contexto, es decir, por
la conexión de significados en la cual percibimos el color.
El color de una vestimenta se valora de manera diferente que el de una
habitación, un alimento o un objeto artístico.
El contexto es el criterio para determinar si un color resulta agradable y
correcto o falso y carente de gusto.
Un color puede aparecer en todos los contextos posibles —en el arte, el
vestido, los artículos de consumo, la decoración de una estancia— y despierta
sentimientos positivos y negativos.
61
Importancia del Color Dentro del Diseño
 El color es uno de los medios más subjetivos con el que cuenta el diseñador.
 Tiene mucho poder de atracción o rechazo dependiendo del uso que se le dé.
 Los colores también dan sensación de movimiento.
 Las emociones, sensaciones, y en definitiva todo lo que los colores pueden
llegar a expresar y hacer sentir al espectador forma parte fundamental de la
base de un buen diseño.
 El color, como elemento claramente evidenciado de nuestro diseño, puede ser
la clave de nuestro éxito. Tanto si pensamos como si no, si nos damos cuenta
o no de ello, estamos cargando de significados cuando elegimos un color.
62
4.4.4 Historia, aplicación y clasificación del Logo.
 Grado: 8°, 9°, y 10°
 Taller 2. En este tema exploraremos desde el contexto histórico de los
elementos gráficos como representaciones de entidades determinadas, hasta
la aplicación en la actualidad.
 Temas:
1. Origen de los logos.
2. Concepto de minimalismo.
3. Clasificación de los logos.
63
4. Isotipo.
5. Logotipo.
6. Imagotipo.
7. Isologo.
8. Ejercicio didáctico “soy diseñador”.
 Objetivo: diferenciar cada categoría de una marca, proponer y crear
elementos gráficos para representar hipotéticos entes.
 Actividad Metodológica: después de un minucioso estudio de un elemento
grafico como marca de un ente y la clasificación de los mismos, por medio de
interactivos juegos pondremos a los jóvenes en el papel de diseñadores listos
para satisfacer necesidades de una empresa o persona interesada en un logo.
 Recursos Didácticos: hojas de block, marcadores, colores, lápiz, borrador,
taja lápiz y reglas. Proyecciones de video documentales y talleres didácticos.
 Evaluación: en cada ejercicio se evaluará se las ideas propuestas por los
jóvenes respeten los principios del diseño gráfico, la naturaleza de los logos y
los hipotéticos gustos de cada cliente en el taller.
64
 Conceptos:
 Origen de los Logos: ¿Qué es lo primero que viene a su mente cuando piensa en
logotipos? ¿Alguna marca o algún producto? ¡Bueno, ese es el poder real de
logotipos! Hoy en día, las empresas están absortas en todos tipos de actividades
relacionadas con marcas y entre ellas el diseño de logotipo ocupa la posición central.
Usted no encontrará ningún negocio sin su logo o marca en estos días. Logotipos
permiten a los propietarios de negocios a distinguirse en el mundo lleno de
miles de marcas. Así que, ¿cómo se empezó todo? Bueno, es verdad que hay
diferentes ideas que describen la evolución real del diseño de logotipos. Vamos a
echar un vistazo al mundo del diseño de logotipos: su pasado, presente y futuro.
Pictogramas antiguos de Shutterstock Jeroglíficos egipcios de Shutterstock
La cultura egipcia llega hasta nosotros conservando intacta la magia y el
misterio. El paso de los milenios no ha podido borrar el significado de los símbolos
65
egipcios, vigentes en nuestro tiempo y en nuestra piel, pues son cada vez más los
amantes de la simbología que escogen entre ellos para tatuar y perpetuar la
esencia de la sabiduría que riega el río Nilo, aunque tenemos que reconocer que
muchos lo hacen por puro placer estético, pues la fuerza del trazo es a veces
mucho más poderosa que el propio significado.
Símbolos egipcios y su significado
La cruz Ansada o Ankh. También conocida como nudo
mágico, simboliza la vida eterna, un regalo de los dioses que
no tiene principio ni fin. El que posea la cruz lleva consigo la
geométrica llave que abre los misterios esotéricos. Un símbolo
que permite penetrar en la oscuridad del sentido oculto de la vida
eterna, pues sabe abrir la puerta del mundo de los muertos. Los
que la portan en las manos indican que son inmortales y los muertos que la
sujetan, están implorando a los dioses, la inmortalidad.
Es un símbolo al mismo tiempo del centro que es el lugar de donde nacen
las cualidades divinas, agarrarla entre las manos es beber directamente de las
fuentes de los elixires de la inmortalidad.
Cuando la cruz de asa se sostiene entre los ojos, en la frente indica que
estamos ante un iniciado en el mundo de los misterios indicando además que está
obligado a mantener el secreto, pues el que obtiene el beneficio de la visión

66
suprema, la clarividencia, que conoce el más allá, perderá su poder para siempre
si intenta desvelar el misterio.
Ojo de Horus. El ojo está presente en
multitud de culturas y entre ellas no podía faltar el
símbolo egipcio del Ojo de Horus, Dios, hijo de
Isis y Osiris, tiene la cabeza de halcón y es
representado por el Ojo de Horus, simboliza la
mirada de la justicia que todo lo ve, tanto de la vida pública como la vida privada,
observando la correcta ejecución de las normas. Es un símbolo que nos recuerda
que no podemos bajar la guardia, que vela por el triunfo del bien sobre el mal,
luchando del lado de la luz frente al mundo de las tinieblas.
Escarabajo. Presente en muchas otras culturas, el
escarabajo tiene especial relevancia en la egipcia, simbolizando
el ciclo del sol y la resurrección. Los escarabajos eran portados
como eficaces amuletos, al encerrar dentro de su naturaleza el
principio del eterno retorno, anticipándose a Nietzsche. Un
talismán invocado siguiendo la forma prescrita en el Libro de los Derechos, el dios
que llevo en el corazón, él que cuida mi cuerpo.
67
Las costumbres del escarabajo pelotero, haciendo rodar la bola, inspiran la
figura del germen del mundo, donde nace la vida, curiosamente la misma
simbología que se le aplica en la vieja China.
Osiris es, en principio, un dios de la agricultura que
simboliza la vitalidad de la vegetación, pero después se le
identifica con el Sol, pero en la fase nocturna del mismo,
simbolizando los nacimientos y su continuidad, así como los
renacimientos. El Osiris visible, baja al mundo de los muertos para
hacer efectiva la resurrección, pues se considera que un muerto es como el grano
de trigo en la tierra, un germen de vida. Fue arrojado al Nilo dentro de un cofre en
el que lo encerraron la envidia de sus enemigos y su propio hermano, fue
despedazado y resucitado por las diosas Nephtis e Isis con sus alientos,
simbolizando el triunfo de la vida sobre la muerte.
El pilar de Dyed o de Osiris, posee un significado
de estabilidad, asociado a la columna vertebral de Osiris, y por
extensión al resto del cuerpo, puede entenderse como un sustento
vital, sobre el que recae la sustentación del triunfo de la vida,
duradera y estable.
El nudo de Isis o Tyet. Posee un gran parecido con la cruz
Ansada, es asociado a la magia y a la fuerza de la diosa, esposa de
Osiris, también emparentado con la vida y el bienestar. Fue muy

68
utilizado como amuleto funerario, normalmente de piedras color rojo como la
coralina o el jaspe, aunque en ocasiones es encontrado tallado en vidrio de este
color, asociado a la sangre menstrual de Isis, se le otorgan propiedades de
protección y como a muchos otros símbolos egipcios una relación muy fuerte con
el triunfo de la vida.
Los símbolos egipcios suelen representarse juntos frecuentemente, se
encuentran tallados en muchos jeroglíficos, uniendo y potenciando su fuerza,
como una suerte de reforzamiento de su poder. Haciendo un paralelismo entre los
jeroglíficos su significado con la costumbre humana del tatuaje, encontramos que
actualmente, son muchos los que optan por la simbología de la cultura egipcia
para llevar impresos en su piel todos los beneficios asociados que los antiguos
egipcios otorgaban a sus símbolos y a su significado. El poder de la simbología
llega intacto hasta nuestros tiempos, haciendo crecer aún más el misterio y el
misticismo de las culturas milenarias.
Pictogramas, una Adaptación Temprana de Logos. Logo tiene
la etimología griega. Se deriva de "logos" que significa "palabra". Los griegos
dependían en gran medida de logos que guardaban sus mensajes ocultos durante
muchos años. Por otra parte, muchas monedas antiguas romanas y griegas
muestran monogramas (en la era actual ellos son entendidos como logotipos) de
sus reyes. Si Usted piensa que sólo los griegos y los romanos utilizaban logos
para diferentes propósitos, no es correcto. En la cultura asiria, maya, china,
egipcia y babilonia la gente también usaba pictogramas para comunicar sus ideas
69
y palabras. Ahora, podemos llamar estos pictogramas logos antiguos. Entre los
siglos 13 y 14, los monogramas descritos se convirtieron en marcas. Los
agricultores, orfebres, comerciantes y toda otra gente de comercio utilizaban
marcas. De hecho, la historia de marca es muy larga. Cuando no había forma de
identificar su ganado, agricultores utilizaban varios signos impresos en el piel de
animales con la ayuda de sellos de hierro caliente.
Diseño de Logotipos Durante la Revolución Industrial
En el siglo 18, la era de Revolución Industrial, el diseño de logotipos y
marcas devino aún más intenso. Las empresas, poco a poco, empezaban a
desarrollar la cultura de marca de una manera u otra. Con las cantidades grandes
de productos fabricados, los comerciantes y los empresarios tuvieron que
encontrar maneras de presentar sus productos como diferentes y únicos. Con el
crecimiento de la tecnología, el diseño de logotipos ganó más popularidad. El
aumento de las artes visuales y los procesos litográficos también aceleraron el
crecimiento del diseño de logos. En 1890 los logotipos encontraron su lugar en la
marca corporativa. El logotipo ‘El Peñón de Gibraltar’ de Prudential Insurance fue
70
un gran éxito. Luego apareció la marca de Nipper antiguo de RCA con el perro
"Nipper" delante del fonógrafo y con el eslogan 'voz de su amo'.
Tendencias Modernas
La era actual del diseño de logotipos tiene sus raíces en la década de
1950. El logotipo elaborado en 1960 por Chermayeff y Geismar abrió el camino
para el diseño moderno. Hoy en día, los diseñadores utilizan las últimas
tecnologías e incluyen varios gráficos excelentes para crear diseños estupendos.
Ahora el diseño de logotipos es en realidad imprescindible para las empresas.
Además, si alguna empresa quiere lanzar su sitio web, logotipo desempeña un
papel crucial. Hoy Usted simplemente no puede ignorar el poder del diseño del
logo. En los últimos años este diseño se ha convertido en el diseño más simple y
eficaz. Los diseñadores utilizan varios estilos, tipos de letra agradables y efectos
visuales, etc. para diseñar logos inimaginables para empresas.
Futuro: Bueno, después de hablar sobre el pasado y el presente del diseño
del logotipo, es obvio que necesitamos discutir el futuro de marcas. Así que cada
71
día los diseñadores obtienen más experiencia y las nuevas tecnologías aparecen,
se espera que el diseño de logotipos se convierta en una de las estrategias más
importantes de marketing para las empresas modernas. No importa lo que dicen
los escépticos, el diseño de logotipos está aquí y va a ganar nuevas alturas
en los próximos años. ¿Qué te parece?
Concepto de minimalismo. El minimalismo fotográfico es una corriente
artística que se caracteriza por la extrema simplicidad. Todo un reto para los
fotógrafos que deben esforzarse por buscar la sencillez en cualquier tipo de
escena, pero tratando de contar algo con elementos mínimos. Porque esto, que
haya una historia o un tema subyacente, es lo que hará que la fotografía en
cuestión dé el paso desde ser una “foto bonita” a ser una buena foto.
Por eso, hacer fotografía minimalista no es nada sencillo. Primero porque
puede ser complicado acostumbrarse a lograr la necesaria simplicidad; segundo
porque contar una historia a partir de una imagen con elementos muy básicos no
es una tarea fácil.
Pero ¿qué es el minimalismo? Pues si recurrimos a lo que la RAE dice al
respecto nos encontramos con dos acepciones: “Corriente artística
contemporánea que juega con elementos limitados” y “Tendencia estética e
intelectual que busca la expresión de lo esencial eliminando lo superfluo”.
Como veis, todo apunta hacia la sencillez, el “menos es más” y la utilización
de elementos limitados en los que tenemos que ser capaces de extraer toda su
72
expresividad. Como todo arte visual, sus fundamentos se encuentran en los
elementos básicos del diseño (la línea, la forma, el color, la textura, la forma, la
composición…), pero en este caso utilizándolos en su forma más pura y simple.
Por ello, estos elementos normalmente cobran un peso que no
encontramos en otro tipo de fotografía, convirtiéndose muchas veces en únicos
protagonistas. Todo ello lo vamos a ver a continuación donde os mostramos
algunas de las claves para ser capaces de adentraros en el apasionante ámbito de
la fotografía minimalista.
Clasificación de los logos:
Ejercicio didáctico “soy diseñador”
73
1. Se arman grupos de 4 estudiantes.
2. Se designa un líder y un nombre para el grupo, los cuales pueden representar una
hipotética empresa o grupo de diseñadores.
3. El líder lanza uno o ambos dados, con el fin de obtener 12 posibilidades.
4. Cada número o posibilidad del 1 al 12 encierra una solicitud a la hipotética entidad
de diseñadores.
5. Luego de obtener una misión esta será detallada volviendo a jugar con suerte, se
lanza un solo dado teniendo 7 posibilidades en las cuales trabajar el logo
encomendado.
74
75
4.4.5 Principios de la animación.
 Grado: 8°, 9°, y 10°
 Taller 2. Los animadores tienen su misticismo o al menos eso es lo único que
podría explicar cómo es que pueden construir semejantes mundos maravillosos
solo con sus manos. Pero más allá de estos dones fantásticos, hay 12 principios
de la animación que se hicieron famosos por los legendarios Nueve Ancianos,
Ollie Johnston y Frank Thomas.
 Temas:
1. Compresión y extensión.
2. Anticipación.
3. Puesta en escena.
4. Animación directa y Pose a Pose.
5. Acción complementaria y acción superpuesta.
6. Acelerar y desacelerar.
7. Arcos.
8. Acción secundaria.
9. Timing.
10. Exageración.
11. Dibujos sólidos.
12. Atractivo.
76
 Objetivo: crear personajes que cumplan con los parámetros de una animación,
este personaje puede ser muy sencillo o básico.
 Actividad Metodológica: la animación será presentada en su idea inicial, es decir
sus bocetos iniciales y la idea final, esto para determinar la originalidad y mostrar
cada paso de su creación.
 Recursos Didácticos: Hojas de block, marcadores, colores, lápiz, borrador, taja
lápiz y reglas. Video beaam.
 Evaluación: cada creación será evaluada teniendo en cuanta que cumpla cada
uno de los 12 principios de la animación.
 Conceptos: Doce (12) Principios de la Animación Ilustrados por Películas Disney
– Pixar.
1. Compresión y extensión. Es lo que le da la
ilusión de peso y volumen a un personaje cuando
se mueve, y esto se consigue al expandir y aplastar
el cuerpo de la figura. ¿Ves esta imagen? ¿Viste
como bailan? ¡Ta,rá! Es gracias a este principio.
77
2. Anticipación. Tiene el objetivo de hacerle creer
a la audiencia, es decir, a nosotros, que va a pasar
algo impactante. ¿Cómo lo consiguen? Fácil,
agregando una o dos pequeñas acciones que
anticipen una acción mayor. Observa aquí la forma
en la que Tambor mueve su piecito antes de salir a hacer una patinada olímpica…
con su trasero.
3. Puesta en escena. Cada movimiento que hace el personaje tiene que tener
una intención. Si observas estas imágenes de Tinker Bell, podrás ver que en la
primera está contenta, en la segunda enojada y en la tercera se está durmiendo.
Este principio también aplica al
movimiento y aplicación de la cámara. En esta
escena de Buscando a Nemo, el torbellino del
agua hace que los espectadores miren
exactamente dónde deben mirar.
78
4. Animación directa y Pose a Pose. Son las
técnicas con las que se anima a mano. La
técnica Pose a Pose se usa para definir las
posturas principales que quieres que tenga el
personaje, para luego rellenarlas con las
secundarias. Es MUY efectiva para generar dramatismo y emociones más fuertes.
Aquí está Jasmín para demostrar lo bien que funciona:
La técnica de animación directa implica que el
animador elabore todos los cuadros uno detrás
de otro, ya que se utiliza para crear acciones
más fluidas y naturales, como sucede en esta
escena de La Cenicienta.
5. Acción complementaria y acción
superpuesta. Cuando un personaje se está
moviendo y se detiene, no todo se detiene a la
misma vez. Aquí, cuando Mulán se frena, su pelo
se sigue moviendo (si no parecería que el tiempo
se detuvo y eso no tiene mucho sentido en este
contexto).
79
El principio de acción superpuesta implica que,
si un personaje se está moviendo, una parte de
este se moverá aún más rápido (y por eso el
pelo de Rapunzel gira más rápido).
6. Acelerar y desacelerar. Para que los
movimientos de los personajes luzcan
naturales, los animadores crean una mayor
cantidad de cuadros al principio de una acción,
menos en el medio, y otra vez más cuadros al
final, y así generar un efecto suave de inicio y
final de una acción. Aquí puede notarse cómo Blanca Nieves primero se mueve
lento, después rápido y después lento otra vez.
7. Arcos. Es el principio que indica que todas las acciones de la vida tienen un
movimiento ligeramente circular. Por ejemplo,
cuando un brazo se mueve, siempre al menos
tendrá un poquito de curvatura y nunca lo hará
de forma completamente recta. Aquí vino Mickey
para que lo entendamos:
80
8. Acción secundaria. Es una acción que refuerza y le da una mayor dimensión a
la principal. Aquí la acción principal es que el tiernito de Bolt toma la zanahoria,
pero los animadores le sumaron el movimiento de sus piernitas y eso le da un
toque muy dulce.
9. Timing. Ayuda a crear la ilusión de que una acción cumple con las leyes de la
física. Al ajustar el timing de una escena, los animadores pueden agregar más
cuadros para que esta sea más lenta y suave, o realizar menos cuadros, para que
sea una acción más rápida y fuerte.
10. Exageración. Se trata de resaltar ciertos
movimientos con el objetivo de demostrar un
punto, pero sin arruinar la veracidad de la
81
escena. Claro está que Disney es muy bueno a la hora de conseguir este efecto,
pero por si vienes mal de memoria, aquí está el Genio para recordártelo.
11. Dibujos sólidos. Este principio motiva a los
animadores a que sean conscientes de que por
más que las imágenes se realicen en 2D, estas
deben verse como si estuvieran en 3D. Por
ejemplo, Zeus aquí parece tener peso y se lo ve
de forma tridimensional.
12. Atractivo. Claro está que esto no significa
que solo se pueden animar personajes bellos,
sino que, de acuerdo a este principio, el
animador debe crear imágenes que resulten
atractivas e hipnotizantes.
82
4.4.6 Introducción a Corel Draw.
 Grado: 8°, 9°, y 10°
 Taller 2. CorelDRAW es una aplicación informática de diseño gráfico vectorial, es
decir, que usa fórmulas matemáticas en su contenido. Esta, a su vez, es la
principal aplicación de la suite de programas CorelDRAW Graphics Suite ofrecida
por la corporación Corel y que está diseñada para suplir múltiples necesidades,
como el dibujo, la maquetación de páginas para impresión y la publicación web,
todas incluidas en un mismo programa. Sus principales competidores son Adobe
Illustrator e Inkscape, este último de código abierto.
 Temas:
1. Herramientas de selección.
2. Herramientas de edición de formas.
3. Herramientas de recorte.
4. Herramientas de zoom.
5. Herramientas de curvas.
6. Herramientas de Medios artísticos.
7. Herramientas de rectángulo.
8. Herramientas de elipse.
9. Herramientas de objeto.
10. Herramientas de texto y tabla.
83
11. Herramientas de cotas.
12. Herramientas de conector.
13. Herramientas de Corel Draw interactiva.
14. Herramientas transparencia.
15. Herramientas de cuentagotas.
16. Herramientas de relleno interactivo.
17. Herramientas contorno.
18. Herramientas relleno.
 Objetivo: conocer y saber utilizar cada herramienta del programa de diseño
gráfico CorelDraw. Crear elementos básicos.
 Actividad Metodológica: los ejercicios se basarán en la comprensión de la
creación de muchos elementos gráficos conocidos en el mundo, seguido de la
reproducción de los mismos.
 Recursos Didácticos: computadores portátiles, video beam, software de Corel
Draw.
 Evaluación: se evaluará según el uso apropiado de las herramientas en dichos
ejercicios de elementos gráficos.
84
 Conceptos. El Corel Draw es uno de los programas de edición gráfica más
potentes y famosos del mercado. Nos permite crear un sin fin de diseños y realizar
miles de ediciones sobre el papel. Pero para poder aprovechar al máximo su
potencial es necesario conocer cuáles son las distintas herramientas de Corel
Draw y cuáles son sus funciones.
Si es la primera vez que utilizas este programa puede que parezca un poco
complicado e incluso hasta amenazante. Pero no te preocupes porque luego de
conocer alguna de sus herramientas básicas ya estarás listo para comenzar a
diseñar.
Con el paso del tiempo y con la práctica lograrás dominar todas o la gran
mayoría de sus utilidades. Así que
no te desanimes y acompáñanos
en este artículo donde revisaremos
todas sus herramientas.
Herramientas de Selección. La herramienta Selección se utiliza para
seleccionar, inclinar y girar objetos, así como también para cambiar su tamaño.
La herramienta Selección a mano alzada se utiliza para seleccionar
objetos utilizando el recuadro de selección a mano alzada.
85
La Transformación libre se utiliza para modificar un objeto a través las
herramientas Rotación libre, Reflexión con ángulo libre, Escala libre e Inclinación
libre.
Herramientas de Edición de Formas. La herramienta Forma se utiliza
para editar la forma de los objetos.
La herramienta Suavizar se utiliza para uniformar los objetos de curva, para
quitar los bordes dentados y también para reducir la cantidad de nodos.
La herramienta Difuminar se utiliza para dar forma a un objeto modificando
las extensiones o creando sangrías en su contorno.
La herramienta Espiral se utiliza para crear efectos de espiral arrastrando
el mouse a lo largo del borde de los objetos.
La herramienta Atraer se utiliza para dar forma a los objetos acercando los
nodos al puntero.
La herramienta Rechazar se utiliza para dar forma a los objetos alejando
los nodos del puntero.
La herramienta Pincel Deformador le da la posibilidad de distorsionar un
objeto vectorial arrastrando el puntero a lo largo de su contorno.

86
La herramienta Agreste le da la posibilidad de distorsionar el contorno de
los objetos vectoriales arrastrando el puntero a lo largo del contorno.
Herramientas de Recorte. La herramienta Recortar le da la posibilidad de
quitar las partes que no necesite del dibujo.
El Cuchillo se utiliza para segmentar objetos, grupos de objetos y mapas
de bits por cualquier línea que especifique.
La herramienta Eliminar segmento virtual le da la posibilidad de eliminar
partes de objetos que se encuentran entre intersecciones.
El Borrador se utiliza para eliminar partes del dibujo.
Herramientas de Zoom. El Zoom se utiliza para cambiar el nivel de
aumento de la ventana de dibujo.
La Mano le da la posibilidad de controlar la parte del dibujo visible en la
ventana de dibujo.
Herramientas de Curvas.
La Mano alzada se utiliza para dibujar segmentos de líneas y curvas.
87
La Línea de 2 puntos le da la posibilidad de dibujar un segmento de línea
recta de 2 puntos.
La herramienta Bézier se utiliza para dibujar curvas segmento a segmento.
La Pluma se utiliza para dibujar curvas segmento a segmento.
La herramienta B-spline le da la posibilidad de dibujar líneas curvas a
través la configuración de puntos de control que siguen la forma de la curva sin
dividirse en segmentos.
La Polilínea se utiliza para dibujar líneas y curvas en modo de
previsualización.
La Curva de 3 puntos se utiliza para dibujar una curva a partir de la
definición de tres puntos: inicial, central y final.
El Dibujo inteligente convierte sus trazos a mano alzada en formas
básicas y curvas uniformadas.
La herramienta LiveSketch se utiliza para realizar esbozos de forma natural
a través el ajuste inteligente de los trazos.
88
Herramientas de Medios Artísticos. La herramienta Medios
artísticos proporciona acceso a las herramientas Preestablecido, Pincel,
Diseminador, Pluma caligráfica y Presión.
Herramientas de Rectángulo. La herramienta Rectángulo se utiliza para
dibujar rectángulos y cuadrados.
La herramienta Rectángulo de 3 puntos se utiliza para dibujar rectángulos
sesgados.
Herramientas de Elipse.
El Elipse le da la posibilidad de dibujar elipses y círculos.
El Elipse de 3 puntos se utiliza para dibujar elipses sesgadas.
Herramientas de Objetos. El Polígono le da la posibilidad de dibujar
polígonos y estrellas simétricos.
La Estrella se utiliza para dibujar estrellas perfectas.
89
La Estrella compleja se utiliza para dibujar estrellas complejas con lados
que se cruzan.
El Papel gráfico le da la posibilidad de dibujar una cuadrícula de líneas
similar a la del papel gráfico.
El Espiral se utiliza para dibujar espirales simétricas y logarítmicas.
Las Formas básicas se utilizan para elegir entre una serie de formas, como
una cara, una estrella de cinco puntas o un triángulo.
Las Formas de flecha se utilizan para dibujar flechas con distintas formas,
direcciones y números de puntas.
Las Formas de diagrama de flujo se utilizan para dibujar símbolos de
diagramas de flujo.
Las Formas de orla se utilizan para dibujar formas de explosiones y cintas.
Las Formas de notas se utilizan para dibujar notas y etiquetas.
90
Herramientas de Texto y Tabla. La herramienta Texto se utiliza para
escribir palabras directamente en la pantalla como texto artístico o de párrafo.
La Tabla se utiliza para dibujar y editar tablas.
Herramientas de Cotas. Las Cotas paralelas le dan la posibilidad de
dibujar líneas de cotas inclinadas.
La herramienta Cotas horizontales o verticales le da la posibilidad de
dibujar líneas de cotas horizontales o verticales.
Las Cotas angulares le otorgan la posibilidad de dibujar líneas de cotas
angulares.
Las Cotas de segmento le da la posibilidad de mostrar la distancia entre
los nodos finales de uno o varios segmentos.
La herramienta Nota de 3 puntos se utiliza para dibujar una nota con una
primera línea de dos segmentos.
Herramientas de Conector. La Conexión de línea recta le da la
posibilidad de dibujar una línea de conexión recta.
91
La Conexión de ángulo recto le da la posibilidad de dibujar una línea de
conexión de ángulo recto.
La Conexión de ángulo recto redondeada le da la posibilidad de dibujar
una línea de conexión de ángulo recto con esquinas curvadas.
La herramienta Editar anclaje le da la posibilidad de modificar puntos de
anclaje de la línea de conexión.
Herramientas de CorelDraw Interactivas.
La herramienta Sombra se utiliza para asignar una sombra a un objeto.
La herramienta Silueta se utiliza para asignar una silueta a un objeto.
La herramienta Mezcla se utiliza para mezclar dos objetos.
La herramienta Distorsionar se utiliza para asignar una distorsión Empujar
y tirar, Cremallera o Torbellino a un objeto.
92
La herramienta Envoltura se utiliza para dar forma a un objeto arrastrando
los nodos de la envoltura.
La herramienta Extrusión se utiliza para asignar la ilusión de profundidad a
los objetos.
Herramienta Transparencia. La Transparencia se utiliza para asignar
transparencias a los objetos y generar un efecto translúcido en ellos.
Herramientas de Cuentagotas. El Cuentagotas de color se utiliza para
seleccionar y copiar un color a partir de un objeto de la ventana de dibujo o del
escritorio.
El Cuentagotas de atributos se utiliza para seleccionar y copiar
propiedades de objetos, tales como el grosor de las líneas, tamaño y efectos, a
partir de un objeto de la ventana de dibujo.
Herramientas de Relleno Interactivo. El Relleno interactivo se utiliza
para asignar distintos tipos de rellenos.
El Relleno de malla se utiliza para asignar una cuadrícula de malla a un
objeto seleccionado.
93
El Relleno inteligente se utiliza para crear objetos a partir de áreas
demarcadas y a continuación asignar un relleno a dichos objetos.
Herramienta Contorno. La herramienta Contorno abre un menú lateral
que le da acceso rápido a herramientas tales como los cuadros de diálogo Pluma
del contorno y Color del contorno.
Herramienta Relleno. La herramienta Relleno abre un menú lateral que le
proporciona acceso rápido a elementos tales como los cuadros de diálogo de
relleno.
Estas son todas las herramientas de Corel Draw que están disponibles en el
programa. Recuerda que a medida que pase el tiempo y tengas más horas de
práctica con ellas podrás mejorar tus habilidades de diseño.
4.4.7 Dibujar digitalmente con Corel Draw.
 Grado: 8°, 9°, y 10°
 Taller 2. Es parte del paquete de software Corel Graphics Suite y es desarrollado
por Corel Corporation. CorelDRAW sirve para editar gráficos basados en vectores.
Este tipo de gráficos, a diferencia de los gráficos en forma de píxeles, utiliza líneas
o curvas para plasmar las figuras gráficas que representan.
94
 Temas:
1. Concepto de capas en dibujos a papel.
2. Concepto de capas en fomis.
3. Vectorización de logos, animes y rostros humanos.
 Objetivo: Utilizar el programa de diseño gráfico CorelDraw. Crear, Diseñar,
animar elementos básicos, respetando cada principio previamente estudiado.
 Actividad Metodológica: los ejercicios se basarán en la comprensión de la
creación de animaciones conocidas en el mundo, seguido de la reproducción de
los mismos, finalizando en la creación de elementos básicos originales.
 Recursos Didácticos: computadores portátiles, video beam, software de Corel
Draw.
 Evaluación: se evaluará según el uso apropiado de las herramientas en dichos
ejercicios de elementos gráficos.
95
 Conceptos:
 Concepto de Capas en Dibujos a Papel. Gran cantidad de dibujos son los que
podemos hacer, pero son pocos
los que podemos hacer bien,
porque queremos ir de una vez
por los dibujos profesionales sin
antes haber pasado por
los dibujos fáciles para principiantes.
Para realizar estos dibujos complicados, primero hay que hacer los
fáciles, pero por cuáles empezar…
Bueno, eso dependerá a lo que te quieras
dedicar, o simplemente es porque estás buscando
un dibujo que hacer para pasar el tiempo, simple.
96
Entonces no te molestes más porque has llegado
al lugar indicado, porque como has podido ver te
doy unos cuantos dibujos que podrás realizar
fácilmente, en tu casa y con solo un lápiz y una hoja.
Estas buscando dibujos a lápiz fáciles para niños, pues has llegado al
lugar correcto, aquí te voy a enseñar unos cuantos de estos dibujos.
Para empezar, ¿qué puede ser un dibujo fácil? Bueno, tenemos en
cuenta que un niño posiblemente no podrá realizar algo tan estructurado o tan
detallado, mejor dicho, por lo que los dibujos caricaturescos que carecen de
detalles serán perfectos para empezar.
97
Pero para que les sea mucho más sencillo empezar a dibujar, entonces
podemos calcar los dibujos, es sencillo, se pone una hoja sobre la otra y
empezamos calcar los dibujos, a los niños les encanta calcar dibujos.
Otra cosa que a los niños les encanta hacer es colorear, puedes darles
dibujos ya listos que solo necesiten colorearse, de esta forma se distraen y
estimulan su creatividad.
Concepto de capas en Fomis.
98
Vectorización de logos, animes y rostros humanos. Ahora que ya
sabemos modificar, alinear y distribuir objetos, vamos a avanzar en el
conocimiento básico de CorelDRAW. Puedes recordar revisando la noticia
anterior: Organizar y Transformar Objetos + información.
Este programa tiene opción de dibujar objetos en vectores, como veíamos
en el tutorial anterior, si creamos un objeto en CorelDRAW podemos tener acceso
a sus nodos, con la Herramienta Forma. Se puede comprobar si un dibujo está en
99
vectores, si cada objeto del conjunto cuenta con nodos.
CorelDraw es un programa donde se puede vectorizar un objeto o una imagen,
es decir se crear una nueva imagen vectorizada, a partir de un mapa de Bits. Si
tenemos un logotipo en imagen, se puede vectorizar, con esto se transforma al
logotipo y se convierte en un conjunto de objetos formado por vectores
transformables.
Los logotipos vectorizados tienen grandes ventajas, así como cualquier
objeto convertido o creado en vectores, entre las ventajas, tenemos que:
 No se pierde calidad al transportarlos
 No se pixelan, no pierde resolución
 Se pueden abrir en varios programas
 Son fácilmente modificable, para cuestión de mejoras o cambios.
 Fácil cambio de gama cromática.
 Se puede guardar el archivo, en diferentes formatos sin perder
propiedades, .cdr, .ai, .tif., .pdf.
100
 Se puede acercar y ampliar sin perder resolución.
Cómo Vectorizar un Logotipo. El proceso se puede hacer de manera
manual y automática.
Manualmente significa crear el logotipo uno mismo con la Herramienta
Curvas.
Mano Alzada o Herramienta Curvas – Bézier. Antes que nada, hay que
importar la imagen del logotipo, para trabajar encima de ella. Para crear una
curva de Bézier, seleccionamos la herramienta y damos click arrastrando de arriba
- abajo, izquierda - derecha, dependiendo como queramos la curva.
Cada curva o trazo se tendrá que ir uniendo subsecuentemente y si se
quiere hacer alguna modificación se hará con la Herramienta Forma y desde cada
nodo.
101
Cuando seleccionamos un objeto con la Herramienta Forma, la Barra de
Propiedades cambia, y al seleccionar un nodo, nos brinda la opción de modificar
sus uniones.
Este proceso puede ser un poco tardado, pero así se consiguen las formas
caprichosas de un logotipo. La práctica hará que mejoremos en el uso y
manipulación de los nodos.
Para Vectorizar un logotipo automáticamente también hay que importar
primero la imagen, luego se selecciona y se puede dar click derecho con el ratón,
ahí se despliega un menú y podemos seleccionar, Vectorizar Mapa de Bits.
102
En el Menú también encontramos esta opción, en el apartado de Mapa de
Bits, que se localiza entre Menú Efectos y Texto. En esta ventana desplegada
encontramos, diferentes tipos de vectorizado, como:
 Dibujo lineal.
 Logotipo.
 Logotipo detallado.
 Clipart.
103
 Imagen de baja calidad e
 Imagen de alta calidad
Cuando seleccionamos alguna de estas se abre una ventana donde vemos
nuestro logo antes y después, es conveniente mover los parámetros para llegar
a un resultado satisfactorio.
Cada logotipo tiene diferentes requerimientos o nuestras necesidades
pueden ser diversas, probando cómo funcionan las opciones y nuestro logotipo,
tendremos opciones de dónde escoger la más adecuada.
Vectorizar nuestro logotipo puede ser bueno y útil para diversas cosas,
como:
 Mandar a impresión.
 Poner en un anuncio o publicidad.
 Cambiarlo a blanco y negro.
 Cambiarle algún Color.
104
105
106
CONCLUSIÓN
Si, te lo has preguntando un montón de veces, pero no logras llegar a una
respuesta concreta o a una conclusión sobre cuál es la importancia del arte en la
sociedad.
Sabes que el arte es fundamental para la cultura de una sociedad, y tal vez
poder debatir este tema con alguien, pero necesitas tener unos argumentos más
precisos de los que tienes, porque como artista las ideas que ves son más
sensibles y sentimentales que precisas.
A lo mejor eres un estudiante de este oficio y quieres saber cómo se puede
vivir del arte hoy en día, y como no conoces mucho acerca del arte como
profesión, dudas si esta es la carrera para ti. Pero ¿sabes una cosa? vivir del arte
hoy en día es totalmente posible y factible, gracias a la globalización y
herramientas como Internet, la cual te ayuda promocionarte como artista y vender
tu arte online.
Por eso si quieres vivir del arte o generar ingresos del mismo, primero
debes estar consciente y seguro de su importancia en la sociedad.
Los humanos son por naturaleza artistas, por ende, el origen del arte
comienza con el origen de la humanidad. Desde la pintura rupestre hasta la última
107
pieza contemporánea creada, el arte ha servido como medio, forma y fuente de
expresión.
Está más que hablado y estudiado que los mensajes tienen un impacto, ya
sea de forma positiva o negativa. Lo que se expresa produce en el receptor un
efecto, por lo que, bajo ese concepto, queda clara la importancia del arte por su
cualidad de canal y de emisor.
Sin embargo, más allá de ser un transmisor de mensajes o canal de
expresión, el arte, como actividad creativa, tiene un efecto liberador, curativo, y de
desarrollo personal.
Además, el arte sensibiliza, y los artistas, al ser seres sensibles, crean una
mejor sociedad.
108
BIBLIOGRAFÍA
Arfuch, Chaves y Ledesma (1997). Diseño y comunicación. Teorías y enfoques

críticos. Buenos Aires. Argentina: Ed. Paidós.
Frascara, Jorge (1997). Diseño gráfico para la gente. Buenos Aires.
Artículos en línea:
Ahumada, Luis (2006 a). “El diseño y la innovación”. Consultado en septiembre de

2018 en: http://foroalfa.org/A.php/El_diseno_y_la_innovacion/54
Ahumada, Luis (2006 b). “El diseño como herramienta de competitividad”.

Consultado en septiembre de 2018 en:
http://foroalfa.org/A.php/El_diseno_como_herramienta_de_competitividad/4
5
Fabián Bautista Saucedo. Director Ingeniería en Diseño Gráfico Digital. CETYS

Centro de Enseñanza Técnica y Superior. México.
Mignacco, Andrés (2007). “Con el mundo a cuestas”. Consultado en septiembre de

4 2018 en: http://foroalfa.org/A.php/Con_el_mundo_a_cuestas/99
109

Proyecto Dibujo Digital - Silvio Pastrana

Cargado por

Información del documento

Descripción original:

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Proyecto Dibujo Digital - Silvio Pastrana

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

EL DIBUJO DIGITAL UNA ESTRATEGIA DE SENSIBILIZACIÓN Y

ACERCAMIENTO AL DISEÑO GRÁFICO, PARA ESTUDIANTES DE 8°, 9°, Y

SILVIO MIGUEL PASTRANA DURANGO

SILVIO MIGUEL PASTRANA DURANGO

Proyecto trabajo de grado para recibir el título de Lic. En Educación Básica

Silvio Miguel Pastrana Durango.

El propósito de la realización de este proyecto se centró en crear una estrategia de

sensibilización y acercamiento al Diseño Gráfico, esta investigación sobre el dibujo

digital consta de seis talleres pedagógicos que buscan explorar en la creatividad

del joven y desarrollar destrezas alrededor de varias prácticas artísticas y demás

académicas. Los talleres recorren desde lo teórico y lo práctico, desenvolviéndose

entre instrumentos de trabajos tradicionales en el arte plástico y finalizando entre

medios electrónicos y digitales.

Palabras claves: Animación, Diseño gráfico, logotipo, tipografía,

vectorización, Hardware y Software.

Son innegables las consecuencias negativas de los medios digitales, es

los rodea. Tienen acceso a una enorme cantidad de información que, en

comparación con generaciones anteriores, los coloca en cierta ventaja.

No obstante, esta misma velocidad informativa ocasiona impactos negativos

que afectan directamente la salud física y emocional de los jóvenes.

y los jóvenes, el arte es una de las manifestaciones más elevadas de la actividad

humana, como elemento esencial en el desarrollo y evolución del hombre

mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo

real o imaginado con recursos sonoros, plásticos o lingüísticos, terminando en un

único objetivo centrado en la sensibilización y el desarrollo de la destreza en

muchas funciones de nuestros sentidos.

El arte es una forma de expresión, y como tal ejerce un efecto liberador y

desestresante para quien lo practica y/o lo disfruta.

La arteterapia es una herramienta curativa que se formalizó a partir de los

1920. En aquel entonces, los profesionales de la salud mental comenzaron a notar

medio de la pintura u otras formas artísticas.

arte, la mejor opción es utilizarlos para crear también arte.

mensajes a través de imágenes. Por eso, también se le puede llamar

comunicación visual. Esta actividad ayuda a optimizar la comunicación, y ayuda a

llegar a un público determinado.

Actualmente, el diseño gráfico va adquiriendo más importancia en el mundo

de la publicidad, ya que es una herramienta que ayuda a comunicar a la audiencia

se utiliza para vender.

la imagen de la marca. En definitiva, el diseño gráfico publicitario se basa en crear

piezas publicitarias (ya sean impresas o audiovisuales), con el fin de informar y

motivas a los consumidores a la compra del producto y/o servicio.

El Diseño y arte Gráfico no puede ser considerado solo como arte

postimpresionista, desde luego, porque también se vale de la geometría, el color,

el contraste y el signo gráfico.

Lo gráfico es el común denominador del arte y el diseño, tanto así que

algunos apenas pueden encontrar diferencias entre ambas, lo que en un tiempo

fueron meros carteles promocionando un espectáculo, como los de Toulouse

Lautrec, hoy son considerados referentes del impresionismo.

1.1 DESCRIPCIÓN DEL PROBLEMA

Ciénaga de Oro, uno de los municipios del departamento de Córdoba con

gran relevancia histórica, no solo por sus acontecimientos en el poscolonialismo,

los cuales comprometieron directamente a los nativos y a los españoles como

invasores de los mismos, si no por las consecuencias de estos hechos, que

terminarían influenciando el futuro de la descendencia, en el presente hay mucho

de qué hablar ya que la aculturización española untada de prácticas romanas

convierten al pueblo en la tradición viva de eventos taurinos y religiosos que

juegan un papel importante a nivel nacional.

Las fiestas de corralejas, las procesiones de semana santa, los días

se conservan, sobreviviendo a la aplastante pero inminente conquista de la

tecnología y todo lo que aleja a las nuevas generaciones de la cultura de estas

juglares como Pablo Flórez Camargo.

Al hablar del cacique Panaguá se le muestra al mundo por qué el nombre

tierras, y lógicamente esto atrajo muchos españoles, causando genocidios por