Aprender a pintar retrato desde cero

El retrato es una de las manifestaciones artísticas más antiguas. Se ha ido adaptando

a la evolución y al aporte de los grandes maestros y artistas de la historia del arte.
Hoy en día esta afición por el retrato sigue vigente en la cultura artística y en
continuo movimiento. 

“Mercury retrograde”, retrato de Juan Ruiz . Oil and spay on board, 30x40 cm

Este artículo pretende aportar las nociones básicas para quien necesite información
e inspiración para pintar o dibujar un retrato desde cero. Aprenderemos técnicas de
pintura y dibujo para retrato, fisonomía del rostro, tips para la selección de la paleta
de colores y haremos un viaje por la historia del retrato. Incluimos
recomendaciones de exposiciones, artistas actuales, documentales e info de cursos
para aprender a pintar retratos.
índice

En este artículo encontrarás:

 Artistas Piolas de retrato

 Lo que tienes que saber del retrato
o Proporciones del rostro
o Cómo captar el gesto en el retrato
o La clave del parecido está en los pequeños detalles
o Definir la paleta de colores  
 Técnicas del retrato
o Dibujo y líneas
o Rayas
o Manchas y grisallas
o Dibujo en pastel
o Pintura en óleo y acrílico  
 Retratos al óleo
 Retratos al acrílico
o Pintura con acuarela y gouache
 Historia del arte en el retrato
o Grandes maestros retratistas
o Artistas contemporáneos en el retrato
 Recomendación de Exposiciones de retrato
 Documentales de retrato
 Dónde aprender retrato

Artistas Piolas del Retrato

Hemos visto que hay mucha información sobre el retrato, pero quisimos hacer
nuestra propia curaduría resumiendo los aspectos académicamente más importantes
para que lo tengas todo a mano para cuando quieras explorar y aprender de los
mejores:

Admitimos que nos apasiona el retrato y por eso para nuestros talleres hemos
seleccionado a artistas del arte contemporáneo con técnicas muy diversas. En
pintura por ejemplo contamos con: Juan Ruiz , Raúl Lara , Nikolas Antoniou y John
Wentz, en dibujo tendremos talleres con Armando Mesías y Chris Gambrell y en
ilustración artistas como Claire Prouvost , Alja Horvat y Pezones Revueltos (María
Bueno), quienes crean de una manera muy propia los rostros que ilustran.
 “A study”, retrato de Nikolas Antoniou . 2020.
Artista piola de octubre 2020  
Lo que tienes que saber del retrato

Proporciones del rostro

En el artículo aprender a dibujar desde cero os contamos sobre las proporciones del
cuerpo humano para tener nociones y algunas pautas a la hora de dibujar la figura
humana.  

Es interesante entender la proporción y estructura del cuerpo humano a la hora de dibujar modelos o
figura al natural o copiar imágenes de cuerpo entero para crear nuestra obra figurativa. Aquí os
dejamos inspiración y ejercicios de la mano de Claire Prouvost para soltar la mano y comprender la
relación entre todas las partes del cuerpo, para que nuestro dibujo mantenga una armonía.

“Ondina de vacares”, de Juan Ruiz . Óleo sobre lienzo, 170x120cm. Artista piola de
septiembre 2020  

En el dibujo de retrato también hay proporciones ideales según las diferentes partes
del rostro, que son una buena base sobre las que construir las características
particulares de cada individuo, y exacerbar los gestos que deseemos para comunicar
la personalidad del personaje y mood o clima en el que se encuentra: nostalgia,
alegría, sensibilidad, ira, ansiedad, etc.  

Para conseguir dicha expresividad en los gestos, necesitamos tener un conocimiento

y un análisis de los elementos que integran la cara y cómo se comportan con cada
movimiento.

Cómo captar el gesto en el retrato

Toda persona en su rostro tiene rasgos característicos: ojos grandes o achinados,

una nariz aguileña o pequeña, unos labios muy finos o carnosos, una sonrisa
abierta, hoyuelos, etc. Estos gestos son los que a la hora de pintar debemos poder
captar y plasmar en un retrato.

Se habla de captar “el alma” de la persona retratada, manteniendo nuestro estilo

artístico. Se ha escrito mucho sobre este tema, dentro de lo que hemos podido
investigar y en base a nuestra propia experiencia trabajando en retratos, creemos
que el parecido es una cuestión de impresión visual. 

Os dejamos una obra reciente de Benjamín García , un artista venezolano que

conocemos, residente en Madrid, que nos inspira muchísimo.

Como veis, el retrato está fragmentado pero se puede notar la relación de todas las
partes de la cara y por ello podemos decir que identificamos claramente el alma del
actor Bill Murray. 

"BilmurBilmur" de Benjamín García - 50cm x 50cm - Oil on canvas.

Para poder captar los gestos necesitamos afinar la vista, darle tiempo de
observación a nuestro cerebro para que se habitúe a ese rostro y a que con el tiempo
vayamos memorizando sus rasgos, su expresión, su semblante, sus colores, su
personalidad e ir reconociendo su alma visualmente hablando.

La clave del parecido está en los pequeños detalles

Si lo que queréis con vuestro retrato es lograr el parecido, entonces tenéis que saber
que los detalles son el secreto.

A lo largo de este artículo estudiaremos a los grandes maestros del retrato clásico,
entre ellos a Jean Auguste Dominique Ingres , maestro retratista del siglo XVIII, que
sostenía que en todo retrato hay que buscar los rasgos característicos del modelo
para destacarlos, no para deformarlos en exceso, que es lo que busca una caricatura
y no una pintura retratista. 

Siguiendo lo que sostiene Ingres, creemos que si somos capaces de identificar y

reproducir fielmente los elementos básicos del rostro: ojos, cejas, nariz y boca,
podremos captar el alma de la persona retratada. Pero para ello es clave centrarnos
en los detalles de cada uno de estos rasgos importantes del rostro y obtener un
resultado lo más parecido posible aunque sea de esos elementos de la cara, luego
para el resto podemos jugar con la pincelada más indefinida o dejar volar nuestra
creatividad en lo que es forma y color.  

Prestemos atención a estos elementos tan importantes del rostro para asegurarnos el
mayor parecido:
 Cejas: Si bien cada una tiene su grosor, altura y cualidades diferentes, todas
forman un ángulo. Ubicar ese quiebre de la ceja correctamente, así como su
dimensión con respecto al tamaño del ojo es uno de los detalles que debes cuidar.
 Ojos: El ojo y la mirada es la clave del alma de la persona retratada, si están
bien hechos los ojos, tenemos el 70% del parecido asegurado. Por ello debemos
ser exigentes con el nivel de detalle de la forma de los ojos, prestar atención a la
formología, las líneas básicas de los párpados, los extremos del ojo entre ellos y
con respecto al iris.
 Nariz: Puede ser de forma aguileña, chata, larga, etc.  Pero lo clave en la nariz
son las luces y sombras, es decir los volúmenes. En este sentido, es muy
importante afinar la vista y prestar atención a la dirección de cada línea que
 conforma la nariz y su relación entre los ojos. Tip: el tamaño del entrecejo es un
ojo más. 
 Boca: Junto con los ojos, son los rasgos del rostro más importantes a tener en
cuenta a la hora de hacer un retrato para que el parecido sea real. Hay dos detalles
que debemos cuidar: la forma de las comisuras y su ubicación con respecto a la
línea de separación de los labios. Es uno de los puntos más importantes de la
expresión del rostro y el gesto que influye en toda la cara. 

Retrato de Armando Mesías , artista piola septiembre 2020  

En otro de nuestros artículos, os compartimos guías prácticas para conseguir un

estilo propio en el dibujo de personajes. 

Definir la paleta de colores

Antes de empezar a pintar el rostro, es recomendable definir la paleta de colores.

Creando los tonos que vamos a usar para las luces y sombras, jugando con las
tonalidades que nos gusten de acuerdo a nuestro estilo. Es clave poder contar con la
paleta ya definida y dejarla cerca durante todo el proceso de nuestra pintura, para
usar como referencia en las mezclas de colores que debemos ir haciendo. 

A la hora de mezclar los colores, es necesario tener las nociones básicas del color y
sus componentes. Aquí repasamos los conocimientos básicos del color para que no
se te escape nada. 

La recomendación general es no empezar a pintar los elementos más importantes

del rosto: ojos, nariz y boca. Sino comenzar por el fondo, las sombras, los tonos
oscuros, pintando de atrás hacia adelante. Esta manera de trabajar nos obligará a ir
observando los rasgos y sin dudas sacaremos la mejor versión de cada línea para
poder llegar al nivel de expresión que necesitamos. Debemos centrarnos en el color,
en el volumen del rostro, en las proporciones de la barbilla, el pelo, el cuello, para
ir captando el gesto de la sonrisa y la mirada y que al momento de pintarlo ya
conozcamos más sobre estos rasgos. 

Tip Piola: A medida que avances, aléjate del cuadro y observa desde lejos la
composición general: cómo conviven los colores, las formas, los gestos, identifica
si ves algo raro y vuelve a ello para retocar y seguir avanzando. 

Cada artista tiene su paleta, y a medida que encuentres tu estilo, encontrarás los
tonos con los que te sientes más identificado o cómodo para tu trabajo. Es
interesante además saber colocar los colores en la paleta, peparar la paleta tiene
ciertos truquillos. color
Para este retrato, Chris Gambrell se ha inspirado en cuentas de Instagram de fotografía
y de moda como lo hace habitualmente. En este caso ha mencionado a @alexkibb y
@taminaswan . Si os inspira la temática fashion o moda, combinado con la pintura, os
recomendamos seguir este tipo de perfiles en Instagram, aquí os dejamos más
recomendaciones de sitios web donde encontrar imágenes artísticas para inspiraros en
ideas para pintar vuestro retrato. 

Os contamos más sobre este artista en el apartado de nuestros Talleres , Chris vendrá
desde UK en en febrero del 2021 y en su Taller Piola de Dibujo en pastel y acrílico
sitios donde encontrar imágenes artísticassitios donde encontrar imágenes artísticas
Retrato en acrílico de Chris Gambrell , artista piola de febrero 2021

Para pintar un retrato, es necesario definir los tonos de luces y sombras del rostro
antes de ponernos a pintar. Depende del estilo de cada artista, pero por lo general
podemos encontrar los siguientes tipos de mezclas para lograr tonos de piel: 

 Para pieles claras o para zonas de luz: ocre amarillo - blanco - bermellón -
siena natural
 Para pieles más oscuras o para zonas de sombra: ocre amarillo - blanco -
carmín -  siena tostada - siena natural - azul cobalto - azul ultramar. 

Al iniciar tu retrato, empieza con los tonos oscuros y ve aclarando progresivamente.

Esto se da esta manera con las técnicas de óleo y acrílico. Con acuarela es justo al
revés, porque no podemos superponer un tono claro sobre uno que es muy oscuro. 

En este vídeo del artista Cesar Córdova se muestra el proceso de selección de paleta
y de las primeras pinceladas de sombras y luego de luces muy bien:

Depende de la cantidad de luz de la imagen o del sitio donde se encuentre nuestro

modelo al natural, pero podríamos llegar a definir cuáles son por lo general las
zonas del rostro que tienden a ser más oscuras o más claras: 

 Zonas del rostro con sombras: en las ojeras o zonas oculares predominan
los tonos fríos, azules o violáceos. Tips: En la zona mandibular, los tonos son
más agrisados para un rostro femenino y más fríos (normalmente verdosos)
para uno masculino. Normalmente el color de la ropa también tiene su reflejo
en la barbilla y zona inferior de la mandíbula.
 Zonas del rostro con tonos intermedios: En las mejillas y pómulos los
tonos son más rosados. Tip: Las tonalidades o colores del fondo suelen
reflejarse en los extremos de las mejillas. 
 Zonas del rostro con luces: En la nariz suelen incrementarse los tonos
rojizos o anaranjados, pero por lo general vemos algo de luz. Tip: No utilices
nunca el blanco solo para los reflejos o puntos máximos de luz,  añadirle ocre
amarillo, o amarillo, o cualquier otro color frío o cálido dependiendo de la
tonalidad de la imagen. 
Retrato realista de Raúl Lara , artista piola de junio 2020

Aquí os dejamos un paso a paso del Raúl Lara donde podemos ver el proceso de
cómo pintar un retrato desde cero. Desde la selección de la paleta de colores hasta
los últimos detalles en base a su técnica realista de pintura.

Raúl suele compartir tutoriales en su Instagram, y si queréis conocerlo en persona y

aprender de su técnica, podéis venir el fin de semana del 2, 3 y 4 de Octubre a
Madrid en su Taller Piola de “Retrato y Neofotorrealismo” donde combina la
fotografía con la pintura realista en óleo.
También hay artistas que hacen un estudio del color del rostro que van a pintar para
poder identificar previamente la paleta:

Este es un ejemplo de John Wentz, artista piola de abril 2021 , para inspiraros a hacer
ejercicios de color en vuestra libreta e ir teniendo un seguimiento de vuestros retratos.

Dicho todo esto, vemos claro que lo importante entonces es conseguir el volumen
propio de un rostro y no tanto el color en sí. Para lograr un buen equilibrio de luces
y sombras, es fundamental que la fotografía que elijas ofrezca un buen contraste
entre luces y sombras. Nuevamente insistimos en que la parte de selección de
imágenes es el paso previo al dibujo y la pintura y es muy importante.

No dejéis de visitar nuestra lista de sitios de imágenes artísticas para vuestra

inspiración.

Técnicas de retrato
Es importante conocer los diferentes estilos y técnicas que puedes utilizar para
dibujar, pintar o ilustrar tu retrato. Aquí hacemos un repaso de las diferentes formas
de abordar un retrato para que te inspires y elijas la que más te guste.

Dibujo y líneas

Es posible lograr expresividad sin necesidad de marcar las sombras o volúmenes del
rostro. Para ello necesitamos esforzarnos en el trazo, que sea descriptivo y que las
líneas logren captar los rasgos claves de la cara que estamos retratando.  

Muchos artistas suelen empezar su proceso de pintura de retrato con sketches o

dibujos simples con lápices de grafito, ya que ayuda a focalizar en los rasgos. 

También se suele usar como técnica simple de retrato, para soltar la mano en una
técnica menos intensa en el trazo. Se utilizan lápices de grafito de diferentes
grosores y goma plastilina para resaltar las zonas con luces. 

Aquí un sketch de John Wentz , que cada tanto vuelve a la simplicidad del lápiz de
grafito:
Sketches en su Moleskine, John Wentz. 

Aunque parezca simple, requiere un buen análisis y una gran seguridad en el trazo.
Para este tipo de retratos se pueden utilizar diferentes materiales: ya sea lápices de
grafito, bolígrafos, rotuladores, pinceladas planas de óleo, acrílico o gouache. 

Pablo Picasso fue uno de los artistas del siglo XX que utilizó esta técnica de una
sola línea y fue la base de algunos de sus trabajos más populares. Estos dibujos
desprenden simplicidad y poderío al mismo tiempo, gracias al recorrido de una
línea que jamás llega a romperse. 
Hemos investigado un poco más sobre esta técnica de dibujo de una sola línea para
hacer retratos, allí podéis conocer un poco más.

“Being For Itself”, Dibujo en óleo sobre papel, 70x 50 cm. Armando Mesías , 2019.
Armando Mesías utiliza mucho la técnica de líneas y rayas para sus retratos. Las
tramas y texturas, recuerdos fugaces que se manifiestan en forma de marcas y palabras,
se superponen entre sí con un instinto sobre soportes que fragmentan o dividen,
incrustan o yuxtaponen, expandiendo con cada intervención los límites del ejercicio
pictórico.
En septiembre 2020 impartiremos un curso de 3 días, “Dibujo Clásico sobre Tela” ,
donde Armando nos enseñará técnicas de dibujo sobre lienzo para llevar nuestra
expresión gráfica y artística a un siguiente nivel. Un fin de semana pensado para
ilustradores, diseñadores y artistas de diferentes niveles en el que aprenderemos
siguiendo los consejos de este gran exponente del dibujo.

Rayas

Graphite on paper HB, 4B (24'5x28cm), Juan Ruiz  

Manchas y Grisallas

Cuando buscamos que el dibujo destaque la luz y la sensación volumétrica, el

claroscuro es el instrumento más adecuado y la mancha la forma más directa de
conseguirlo. 

La técnica consiste en hacer una mancha utilizando carboncillo, bordeando el

contorno del rostro. Poco a poco vamos sugiriendo líneas más concretas para ir
dándole forma al rostro y personalidad. Se realiza una combinación muy sugerente
entre la mancha y la línea aplicando la barra de carboncillo directamente sobre el
papel y con la goma de plastilina podemos ir sacando luces, dando la idea de
volumen.

Con el lápiz conté , podemos marcar las líneas finales, una vez que estemos seguros
del dibujo, ya que este tipo de material no se puede borrar.

Grisalla sobre papel y collage, de John Wentz

Dibujo en Pastel

Al igual que en pintura, los pasteles suelen aplicarse por capas de color. Se trata de
una técnica de tono sobre tono, donde lo guay es que resalte el trazo de una capa
sobre la otra y puedas combinar los colores sobre tu soporte. Suele utilizarse papel
de dibujo, pero hay artistas que para lograr diferentes texturas lo utilizan sobre
lienzo también.

Somos fans de la técnica de Chris Gambrell y tenemos la suerte de tener un taller en

Madrid con él sobre “Dibujo en pastel y acrílico ” en febrero 2021. Aprenderemos
su técnica increíble de dibujo con oil pastels y también a pintar en acrílico como
hemos mencionado antes.

#bestnine  2019 en Instagram. Oil pastels by Chris Gambrell  

Para empezar a dibujar el rostro, podéis empezar marcando algunos trazos y

bocetando suavemente con lápiz de grafito HB y después, ir cubriendo con los
pasteles los tonos de colores de claros a oscuros, pasando por los medios tonos. Es
importante definir las zonas de luz primero e ir oscureciendo poco a poco, tono
sobre tono.

En el caso de Chris Gambrell, podemos notar su característico uso del color y su

manera de representar la figura humana, que casi siempre está en pose o en
movimiento. Chris nos ha contado que es la combinación de todo esto lo que le
permite vislumbrar personajes para ilustrarlos desde el punto de vista de la moda,
mundo que le interesa particularmente.

Soft pastels on paper at size A3, by Chris Gambrell

Pintura al Óleo y Acrílico

Si queréis aprender todos los detalles de cómo pintar con óleo o cómo aprender a
pintar con acrílico , visita nuestros artículos sobre la investigación que hemos hecho
para estas técnicas con todos los detalles. 
Retratos al Óleo

Hay muchísimos artistas destacados por utilizar óleo en los retratos, ya que esta
técnica permite darle mayor profundidad y expresión al rostro.

Un artista que nos inspira muchísimo y nos gustaría destacar por su técnica para los
retratos con óleo es John Wentz . Trabaja con una paleta de colores muy definida, y
va cubriendo tono sobre tono según las tonalidades de sombra, en primer lugar, y
luego las luces. Aquí os dejamos un paso a paso de una de sus obras que hemos
creado para ilustrar un poco su proceso de pintura de retratos al óleo:

Paso a paso de una obra de John Wentz , publicada en nuestro Instagram

Si queréis conocer más sobre lo que se encuentra detrás de la obra de John Wentz u
os interesa aprender su técnica, podéis apuntaros a su taller en Madrid que
tendremos en abril 2021 “La deconstrucción en el retrato ”
John se caracteriza por romper los parámetros normales del rostro, pero
manteniendo la relación entre las diferentes partes de la cara y acentuando así las
partes donde quiere desarrollar más expresividad.
¡Nos encanta su obra!

Retratos en Acrílico

La técnica la desarrollamos más en nuestro otro artículo sobre cómo aprender a

pintar con pintura acrílica , aquí sólo queríamos mostraros diferentes maneras de
crear retratos con acrílico.

Alja Horvat tiene una técnica que nos encanta. En su mundo de ilustración y moda,
le crea un carisma a los personajes que representa, y creemos que la expresión que
tienen sus rostros tiene mucha influencia en la personalidad de los personajes que
crea.
Alja Horvat en su estudio

Nos fascina su técnica de retrato y el universo que le crea a cada personaje. Además
de este nivel de expresividad, Alja es una ilustradora que trabaja para el mundo de
la moda, desarrollando estampas y patterns con unas combinaciones de formas y
colores únicas.

Alja Horvat illustration

En su Taller Piola “Ilustración y patterns para moda ”, estaremos a puro color durante 3
días. Alja nos enseñará su proceso de creación de patterns y nos contará todos los
detalles de cómo funciona la industria de la moda en base a su experiencia.
Empezaremos el proceso de manera analógica, pintando a mano una obra en acrílico en
base a su técnica, y luego continuaremos el proceso de manera digital.
Pintura con Acuarela y Gouache

Tanto la acuarela como el gouache, son técnicas que han evolucionado a partir de
las técnicas más antiguas conocidas como las técnicas aguadas. Como técnica ‘a la
aguada’ consiste en diluir los colores en agua, para crear una escala de tonos plenos
o monocromos o bien lograr veladuras de tonos sobre tonos.

En estas técnicas, primero se comienza por los colores claros y luego se va

oscureciendo poco a poco, en las zonas donde necesitamos. Se puede pintar en seco
o al agua, dependiendo de la técnica que nos guste más, o del tipo de efecto o
acabado que estemos buscando.

En retrato, se utilizan estas técnicas para sugerir los razgos generales del rostro, y
darle más importancia a algunas partes de la cara. Resumiendo o simplificando los
gestos, casi ilustrados.

Por ejemplo, nuestra artista de Noviembre , Claire Prouvost , suele utilizar en sus
obras la técnica del gouache y logra una simplificación perfecta en los rasgos de sus
rostros:
“Spring from the window” Mini gouache painting by Claire Prouvost
En noviembre 2020 vendrá desde Dublín a enseñarnos su técnica de pintura en
acrílico en gran formato. ¡Será una pasada! Si te inspira su trabajo, no dejes de
apuntarte a su taller de “Ilustración a Gran Formato ” en Madrid.

Historia del arte en el retrato

Según el Museo de Arte Contemporáneo Tate, la palabra /retrato/ significa:

Un retrato es una representación de una persona en particular. 

Un autorretrato es un retrato del artista realizado por el artista.

El retrato es una expresión artística muy antigua que se remonta al antiguo Egipto,
hace unos 5.000 años, donde se empezaron a hacer los retratos de las momias.
Pintaban el rostro en su misma tabla de madera.
Fayum mummy portraits , Dominio público en Wikipedia

Antes de la invención de la fotografía, un retrato pintado, esculpido o dibujado era la

única forma de registrar la apariencia de alguien.

Se han utilizado para mostrar el poder, la importancia, la virtud, la belleza, la riqueza,

el gusto, el aprendizaje u otras cualidades del retratado o del pintor. El retrato es un fiel
reflejo de cada época: la riqueza, la pobreza, el poder, la guerra, la visión del arte del
momento, las tendencias, y la cultura. Todas aquellas personas retratadas nos hablan de
la época y del tipo de sociedad de cada momento.

Es fascinante prestar atención a los detalles de cada cuadro y descubrir lo que hay
detrás, su historia, su contexto temporal, quiénes eran esas personas y quiénes
fueron los artistas. 

Aquí haremos un resumen pasando por los movimientos artísticos más relevantes de
la historia del arte.

Grandes Maestros Retratistas

En el Renacimiento , junto con el cambio en la sociedad donde la figura del hombre

vuelve a tener el protagonismo, el retrato cobra una gran importancia, siendo un
símbolo de su condición social. Surge el género del retrato en miniatura con fines
matrimoniales, dando inicio al uso de la pintura al óleo, que permite mayor detalle.
Retrato de Arnolfini y su esposa, 1434. Van Eyck  De Helms en wikimedia bajo
dominio público

Los maestros flamencos, como Van Eyck, fueron los pioneros en este
procedimiento pictórico y en el retrato burgués. En su época se encuentran los
genios más conocidos de la historia de la pintura y el retrato en Europa durante este
movimiento: Miguel Ángel , Rafael, Tiziano , Botticelli , Leonardo Da Vinci , Lucas
Cranach , Durero, Fra Angélico , Holbein el joven  

No podemos dejar de destacar a Fra Angélico un pintor del Quattrocento, o primer

Renacimiento, que supo combinar la vida de fraile con la de pintor consumado.

Las características de este movimiento son la observación de la naturaleza y el

dominio de la perspectiva que nos hace ver más allá de bidimensionalidad de la
superficie pictórica. 

Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del

movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la
perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman
como uno de los pintores más importantes de la época.  Las expresiones de
devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que
consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra.

Actualmente, se encuentra una de sus obras más famosas en el Museo del Prado de
Madrid:

La Anunciación de Fra Angélico. 

Los jóvenes artistas Los Bravú , muy inspirados en los pintores italianos de este
movimiento, han realizado un homenaje de esta obra que han expuesto en
@galeriatrinta (Compostela, España) en el verano del 2019.  Aquí os dejamos las
dos:

“La Anunciación” de Fra Angélico, 1428 / “Selfie en el palazzo” de Los Bravú, 2019. 

Los artistas Dea Gómez y Diego Omil son los ya famosos Bravú. Su obra ha sido
valorada con destacados premios y becas como INJUVE, la beca de la Real
Academia de España en Roma o más recientemente la beca de Creación Artística de
la Fundación Villalar Castilla y León.
Si os inspira el trabajo de Los Bravú, os dejamos la entrevista que les hicimos en
nuestro Podcast, durante la cuarentena:

Reformulando el Renacimiento y el Barroco con Los Bravú - Episodio 10

El el marco del clasicismo, con los pintores como Miguel Ángel y Rafael como
influyentes, se reivindicó el imaginario mitológico greco-romano. En sus cuadros la
luz es suave, el color también y han pintado frescos en los techos o las paredes que
hoy forman parte de la historia del arte y la humanidad, como la Capilla Sixtina ,
Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano en Roma. Os invitamos a leer más
sobre estas dos grandes maestros del arte de la pintura italiana del Cinquecento  

En el Barroco los retratos como símbolo de la burguesía y de la posición social

siguieron estando presentes. 

La pintura barroca reflejó la importancia de la religión en los países católicos, a la

par que del gusto burgués en los protestantes, y se caracterizó por el realismo, la
riqueza e intensidad de los colores, así como un fuerte contraste entre luces y
sombras, con un efecto casi de teatralidad. 

Rembrandt, pintor holandés, se consagró como un genio del retrato en esta época,
llamada “la edad de oro” y fue el artista más importante de la historia de los Países
Bajos. Entre las características más notables de su obra se destacan su uso del
claroscuro, el manejo de la composición con luces y sombras —fuertemente
influido por Caravaggio . Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía
hacia los seres humanos, más allá del status, la riqueza o la edad del retratado.
Dentro de sus temas, se encuentra la representación de su propio entorno familiar y
otros temas bíblicos, históricos o mitológicos.
Retrato María Trip, 1639, Rembrandt. Dominio público en Wikipedia 

Cuando Rembrandt llegó a Ámsterdam a principios de la década de 1630, había ya

en la ciudad retratistas como Thomas de Keyser o Frans Hals que respondían a una
alta demanda del mercado. Tras él, siguieron llegando otros, como Bartholomeus
van der Helst , atraídos por las posibilidades de negocio.

Actualmente en Madrid, hay una exposición en el Museo Thyssen exclusiva de los

retratos de Rembrandt en su época en Amsterdam. 
La muestra está dedicada a representar la etapa más importante del pintor holandés
transcurrida en el siglo XVII. Junto a treinta y nueve retratos, se presentan
destacados ejemplos de otros artistas activos como él en Ámsterdam durante el
«siglo de oro» holandés, sumando un total de 80 pinturas, 16 grabados y una
plancha de grabado, algunos nunca antes vistos en Europa.

La exposición estará hasta el 20 de septiembre del 2020 en el Museo Thyssen y

podéis ver también la Exposición online  

Y aquí os dejamos la vista 360º de la muestra para que podáis verla desde casa:

Otros íconos de esta época fueron Van Dick y Rubens , que se convirtieron en los
retratistas del momento con gran influencia en la pintura francesa en la que también
estaba muy de moda el “retrato de corte”: el pintor que hacía este tipo de retrato
estaba designado para realizar encargos artísticos de forma habitual a una corte real
o a una familia de la nobleza.  

En el barroco italiano, se encuentra el ya nombrado Caravaggio , tratando temas

cotidianos desde una perspectiva un poco tétrica, mediante efectos de luz y
claroscuros. Este período rompió fuertemente con la idea de la belleza del
movimiento anterior, y empiezan a representar los cuerpos y los rostros tal como
son, con abundancia de detalles pero sin artificios ni necesidad de representarlos
“estéticamente bellos” como se esperaba en la época.
“Boy with a basket of fruit” Caravaggio. Dominio público en Wikipedia
Os compartimos un vídeo explicativo de la trayectoria de Caravaggio, del Nacional
Gallery que es muy inspirador y relevador. Nos fascina Caravaggio <3

La pintura barroca en España, a pesar de la profunda crisis económica que vivía el

país, se destacó muchísimo en Madrid, Sevilla y Valencia. La temática era católica
y muchas de sus obras fueron encargadas por la Iglesia. El realismo de los cuadros,
con múltiples focos de luz y con mucho movimiento fue utilizado por la iglesia
como mecanismo para acentuar la pasión en los fieles.

En cuanto al retrato en la época barroca de España, se han destacado entre otros los
maestros Murillo , Zurbarán y Velázquez . 

Velázquez fue el máximo exponente pictórico del barroco español. Nació en Sevilla
en 1599 y es considerado un maestro universal de la pintura. Sus obras más célebres
son Las meninas (1656), La fábula de Aracne (1657), El triunfo de Baco (1628) y
Venus en el espej o (1647) y Retrato del Papa Inocencio X (1650)
Retrato del Papa Inocencio X. Roma, by Diego Velázquez. Dominio público en
wikipedia

Esta obra se encuentra actualmente en Roma, en la Galería Doria Pamphili . Es uno

de sus retratos más veraces de Velázques, se pueden observar una gran cantidad de
colores dentro de la paleta de los rojos, amarillos y blancos.

Los rasgos del pontificado, sus gestos y su postura, nos dan a pensar que Velázquez
expresaba una absoluta fidelidad, pero también su nivel de expresividad nos deja
ver entrelíneas una sátira de la personalidad no revelada del retratado. 
En el siglo XIX el retrato pasa por las representaciones de personas bajo el estilo de
los neoclásicos , como Jean Auguste Dominique Ingres y Jacques-Louis David .
Estos pintores franceses representaban a las personas vistiendo las tendencias de la
época, representando la última moda, en el caso de las mujeres se usaban diáfanos
vestidos derivados de los estilos de ropa de la época antigua de Grecia y Roma. 

Los artistas solían usar luz dirigida para definir textura y dar un contorno realista a
la forma del rostro. Ingres, un estudiante de David, se destacó por sus retratos en
los que pintaba un espejo detrás de la persona retratada para simular una vista
trasera del modelo
“Louise de Broglie, condesa de Haussonville ”, Jean Auguste Dominique Ingres
1845, óleo sobre lienzo. Dominio público en wikipedia
“En todo lo que vemos hay una caricatura que es preciso captar. El pintor debe ser
fisonomista, buscar la caricatura”
— Jean Auguste Dominique Ingres, maestro retratista del siglo XVII.

De esta época donde el uso de la luz tenía una connotación dramática y romántica
en los retratos es el pintor Théodore Géricault , un gran ejemplo de su trabajo es una
serie de diez retratos de enfermos mentales, de los que se han conservado cinco y se
encuentra en el Museo de Bellas Artes de Lyon , en Francia. 

Los estados irracionales de la mente era una temática de mucho interés para los
artistas contrarios a la racionalidad de la Ilustración . Géricault, junto con muchos
de su contemporáneos, examinaron la influencia de los estados mentales en el rostro
humano y sostenían que la cara revelaba con exactitud el carácter, estado de ánimo
y la personalidad, especialmente en casos de locura y al momento de la muerte.
Géricault realizó muchos bocetos de reclusos en hospitales e instituciones para
dementes, y estudió las cabezas de víctimas de la guillotina. En base a esta
investigación, realizó diez retratos al óleo, aquí os dejamos un ejemplar de esta
serie:
“La mujer demente”, Théodore Géricault , óleo sobre tela, 1822. En Wikimedia bajo
dominio público.
Este retrato, expresa los rasgos del rostro con autenticidad, poniendo el foco de la
mirada en su boca tensa, torcida, y en los ojos enrojecidos por el padecimiento
psíquico, se cree que era esquizofrenia.

En España, el retratista de la época era Francisco de Goya , por el 1800 Goya recibió
el encargo de pintar a la familia real, que se materializó en La familia de Carlos IV.
Siguiendo el antecedente de Las Meninas de Velázquez, su maestro referente,
dispuso a la realeza en una estancia del palacio situándose el pintor a la izquierda
pintando un gran lienzo en un espacio en penumbra. 

Aquí el juego de perspectivas desaparece y la familia real simplemente posa, se

creía que la familia se situaba frente a un espejo que Goya contempla para pintar el
cuadro, pero lo cierto es que si miramos con atención la luz ilumina directamente a
la familia, por lo que debería haber una ventana o un espacio diáfano y, en todo
caso, la luz de un espejo difuminaría la imagen. 

La pincelada impresionista de Goya aplica destellos de luz en las ropas que dan una
ilusión perfecta de la calidad de los tejidos y joyas. Él se autorretrata en las
penumbras, en la esquina izquierda.

“La familia de Carlos IV”, Francisco de Goya, óleo sobre lienzo, 1800. En
Wikimedia bajo dominio público.

De la época también se destacaban los impresionistas Monet, Renoir y Degas ,

padres del Impresionismo . En la segunda mitad del siglo XIX en Europa,
principalmente en Francia, el movimiento plástico impresionista se desarrolló a
partir de la segunda mitad del siglo caracterizado por el intento de plasmar la
impresión visual de la luz y el instante, captar ese momento de luz más allá de las
formas u objetos que subyacen.
Además, empezaron a tener una pincelada más relajada y floja, como es el caso de
este autorretrato de Monet. Nos parece impresionante este cuadro:

“Autorretrato en su atelier”, Claude Monet. 1884 - En WikiArt bajo dominio

público.

En la siguiente década, 1990, surgieron artistas como Cézanne, Van Gogh , Gauguin
o Toulouse-Lautrec caracterizando los inicios del Postimpresionismo  

Con el desarrollo de la fotografía, los pintores y artistas recurrieron a transmitir los

sentimientos e ideas detrás de las personas, los lugares y las cosas en lugar de tratar
de imitar sus formas físicas. Los artistas impresionistas y postimpresionistas
hicieron esto enfatizando ciertos tonos, usando pinceladas vigorosas y resaltando lo
que ellos creían relevante de cada obra. 
Nos inspira muchísimo la obra del maestro Cézanne, con sus formas simples y
planos de color ha conseguido lograr retratos que representan muy bien su manera
de ver la pintura y su estilo.

Las pinceladas de Cézanne son muy características, pinceladas sueltas, todas

conjugadas para formar un conjunto complejo, representando lo que el ojo que
observa y al mismo tiempo una abstracción de eso. Todo lo expresaba como
objetos: una figura humana, baños al aire libre, manzanas sobre una mesa o
paisajes. 

Fue un vanguardista de la observación de los objetos y rasgos de las personas.

Representaba formas en diferentes planos a la vez, que mostraban distintos puntos
de vista y perspectivas del mismo plano. Esta simultaneidad sería adoptada después
por los cubistas.

Aquí os dejamos un vídeo del Museo Thyssen donde se explica una de sus obras
más importantes: 

Y os recomendamos la película Cézanne: Retratos de una vida un recorrido por la

exposición 'Retratos de Cézanne ', presentada en el Museo de Orsay de París , ofrece
la posibilidad de descubrir estas obras excepcionales y seguir la evolución
cronológica del pintor, con las intervenciones de expertos de las mejores galerías
del mundo.

Tanto Van Gogh como Toulouse-Lautrec buscaban representar a través del género
del retrato sus ideas sobre la pintura moderna. 

El estilo de Van Gogh estaba caracterizado por el color en estado puro, la pincelada
sinuosa, reflejando toda la expresión del retratado. Vincent solía representar sus
propios sentimientos y los de las personas retratadas, que por lo general eran de su
entorno. Utilizaba las pinceladas para demostrar sus cualidades internas y la propia
relación de Van Gogh con cada uno de ellos. Vincent van Gogh pintó muchos
retratos a lo largo de su carrera desde 1881 hasta 1890.
“El jardinero”, es un óleo sobre lienzo (61 cm × 51 cm) conservado en la Galería
Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma . 

Esta obra es de la época de estancia en La Provenza, donde el artista realizó muchos de

sus retratos y trató los temas fundamentales de su pintura: retrato, naturaleza,
combinación de pincelada y color.

Toulouse-Lautrec se destacó en esta época por su capacidad de mostrar la esencia

de las figuras en movimiento, en su cotidianeidad, casi todas pertenecientes al
mundo de los espectáculos nocturnos franceses. Utilizaba generalmente óleo y
carboncillo, en dibujos y sketches sobre papel, cartón o lienzo. Se convirtió en un
importante pintor postimpresionista, ilustrador de art nouveau y litógrafo, y, a
través de sus obras, grabó muchos detalles del estilo de vida bohemio de finales del
siglo XIX en París. Toulouse-Lautrec contribuyó con varias ilustraciones a la
revista Le Rire a mediados de la década de 1890.
“Mujer subiéndose la media”, Toulouse-Lautrec. 1894. Disponible en wikimedia
bajo dominio público. 

Artistas contemporáneos en el retrato

Las vanguardias artísticas del siglo XX cambiaron el carácter del retrato tradicional.
Los pintores abandonaron los encargos de los mecenas o de la burguesía y
empezaron a retratar, libremente y a su gusto, a familiares, amigos, gente de la calle
e, incluso, a ellos mismos, en autorretratos. Además, encontraron en la
representación plástica de los otros la manera de expresar su rebelión estética frente
al arte oficial de su tiempo. 

Es por ello que el siglo XX fue una explosión de vanguardias artísticas, las
tendencias fueron muy dinámicas, solo por mencionar las más relevantes: el color
en los fovistas , la fragmentación de la forma en los cubistas , lo onírico en el
surrealismo o la psicología en los personajes del expresionismo , fueron una serie de
movimientos de vanguardia que han transformado por completo el arte heredado.

En Viena, Gustav Klimt , Egon Schiele o Oskar Kokoschka implementan una nueva
manera de hacer retratos, una mezcla entre el simbolismo del siglo anterior y el
expresionismo . Son imágenes dominadas por la potencia del color así como por la
necesidad de reflejar la expresividad del modelo. 

“Ningún sector de la vida es tan exiguo e insignificante que no ofrezca espacio a las
aspiraciones artísticas”
— Gustav Klimt 
“Mujer sentada con la pierna izquierda levantada”, Egon Schiele. Acuarela, 1918.
Disponible en wikimedia bajo dominio público
En España ese momento fue interpretado por grandes especialistas en el retrato,
como el valenciano Joaquín Sorolla , que utiliza el color y la luz para configurar los
rostros y los cuerpos:
“El Palleter” Joaquín Sorolla, óleo sobre lienzo. Disponible en wikimedia bajo
dominio público.

Si te gusta mucho Sorolla y estás por Madrid, te recomendamos muchísimo visitar

el Museo Sorolla , tienen muchísimas obras de él y la casa es muy bonita, llena de
verde y tranquilidad en el medio de la Ciudad de Madrid.

Y os dejamos el vídeo de la exposición "Sorolla. Cazando impresiones” del Mureo

Sorolla:

Otras figuras que aportaron al género del retrato en la primera mitad del siglo XX
son Pablo Picasso y Henri Matisse . 

Picasso siempre tuvo como referente la figura humana, que fue interpretado de
maneras muy diversas según iba atravesando las etapas de su pintura: modernismo,
simbolismo, cubismo, expresionismo o surrealismo. 

Matisse, fue muy reconocido por sus retratos basados en el libre juego del color.
Podéis leer más sobre este maestro del arte en Herni Matisse: un viaje hacia la
expresión  , parte de nuestra serie de artículos de journal by PIOLAS  

Junto con una nueva postguerra, se le dio origen al Neoexpresionismo en Europa y

EE.UU. Muy vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa ,
este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que
predominaron durante los años setenta. 

El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, por sus pinceladas gestuales

aplicadas violentamente sobre el lienzo, sus descarnados temas y el uso de
imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas
de manera muy burda. Son obras figurativas, con gamas cromáticas amplias e
intensos contrastes cromáticos. 

En Alemania, siginificó el primer movimiento de posguerra que se enfrenta a su

propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.

Plagado de drama existencial, Francis Bacon , protagonizó los rostros deformes por
el dolor y la soledad. Uno de sus retratos más representativos e íntimos es “Three
Studies for a Portrait of Henrietta Moraes” es uno de los retratos más íntimos de
Bacon. El artista buscó capturar diferentes aspectos de su apariencia y revelarla,
como él lo expresó, en el "estado más elemental". Su rostro está contorsionado en
diferentes grados en cada uno de los retratos, en los que algunos rasgos de la
retratada Moraes se representan con una intensidad aumentada, mientras que otros
están "borrados". 

Bacon no tenía la intención de que sus distorsiones, aplicadas con un cepillo o con
una toalla, sean indicadores de violencia o desesperación, sino que hablaran sobre
los efectos del tiempo, la edad y la vida en las características físicas de sus
modelos. 
En este caso, uno de los ojos de Moraes se agranda y se fija directamente en el
espectador mientras el resto de su rostro se funde en el caos. 

“Hubo un tiempo en que tenía la esperanza [...] de hacer el mejor cuadro del grito
humano”
— Francis Bacon en una entrevista con David Sylvester, 1966-67 

“Head VI”, Francis Bacon. 1949. Arts Council collection, Hayward Gallery , London

Fair use, wikipedia

Si os inspira su trabajo, os recomendamos echarle un vistazo a la exhibición online

del Museo del Prado  en Madrid.  

Entre los artistas estadounidenses de la época se destacan los artistas del street art
Jean-Michel Basquiat y Keith Haring , que combinaban la agresividad con el humor
y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando
manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.

Luego de una etapa no figurativa, con el expresionismo abstracto característica de

los años 40, entre los años 50 y 60 vuelve a surgir en Estados Unidos la figuración.
En este caso resurge en el marco del Arte pop, con interpretaciones más modernas
del arte, con retratos seriados, cuyos protagonistas son iconos de la cultura de la
época, actrices, personajes de cómic, políticos. Andy Warhol , fue el creador de este
código visual tan potente que ha seguido vigente en las décadas posteriores.

En los años 60 aparece una nueva corriente figurativa en Inglaterra, con destacados
artistas como Lucian Freud junto con Francis Bacon , que venía hace años
trabajando bajo esta corriente como hemos mencionado anteriormente. 

Nos detenemos un momento en los increíbles retratos Lucian Freud y su técnica: 

Autorretrato, de Lucian Freud. De ever/siempre en Flickr bajo licencia cc.

“Siempre quise crear drama en mis imágenes, por eso pinto personas. Son las
personas las que han llevado el drama a las imágenes desde el principio. Los gestos
humanos más simples cuentan historias”
— Lucian Freud

Los retratos de Lucian Freud recorren actualmente las salas de los museos más
reconocidos del mundo. Probablemente sea uno de los retratistas más célebres de
nuestro tiempo.

A lo largo de casi siete décadas, sus autorretratos brindan una visión fascinante
tanto de su psique como de su desarrollo como pintor. Se puede ver en sus cuadros
a lo largo de los años un avance increíble pero asimismo una consistencia
asombrosa. Trazan la fascinante evolución desde las obras gráficas lineales de su
primera carrera hasta el estilo más pictórico, más expresivo y con mucha más
material, con el que se convirtió en sinónimo.

Los retratos de su última etapa, representan un estudio fascinante sobre el proceso

de envejecimiento. Se ha realizado a él mismo autorretratos, a personas de su
entorno y hasta le ha hecho un retrato a la Reina Elizabeth II

Lo que Freud hizo fue pintar a la Reina como su alter ego, dándole las cejas, sus
pequeños ojos, sus profundos pliegues faciales, su barbilla. Pintada bajo su estilo la
Reina es Freud, ha representado a su monarca como el monarca en su mente. Se
cree que como la realeza en casi todas las tradiciones espirituales es un símbolo de
pureza, muchos artistas utilizan esta imagen en sus obras de la forma que más los
representa. 

Aquí están muy bien explicadas las semejanzas entre el retrato que Freud le hizo a
la reina y su autorretrato, puramente autorreferencial.

Lucian Freud era muy reservado con su vida privada, os recomendamos mucho este
documental que es una joyita que descubrimos hace poco. “Lucian Freud, La vida
pintada”:

En el Museo Thyssen en Madrid hay muchas obras de estos artistas del SXX y hace
un tiempo hemos tenido una exposición temporal del retrato durante los últimos
cien años. La exposición repasaba cómo las vanguardias han abordado este género
artístico durante este siglo. Se expuso un conjunto de 145 pinturas y esculturas de
60 creadores, entre los que están representados los más importantes nombres del
arte contemporáneo: Vincent van Gogh, Edvard Munch, Dalí, Modigliani, Matisse,
Picasso, Diego Rivera, Oskar Kokoschka, Miró, Hockney, Antonio López y Andy
Warhol. Sus obras organizadas en salas por medio del criterio temático.

¡Ojalá volvamos a tener pronto una exposición de este tipo en Madrid!

Recomendación exposiciones de retrato

En todo este artículo fuimos recomendándote obras de arte o exposiciones tanto
online como físicas de distintos Museos del mundo. Aquí hacemos un resumen para
que no se os pierda nada en el camino :)

 La obra “La Anunciación de Fra Angélico” de Fra Angélico, Museo del

Prado en Madrid
 “Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670”, Museo Thyssen en
Madrid 
 “Rembrandt 360º”, visita virtual del Museo Thyssen online
 Caravaggio: sus obras más famosas están en el Nacional Gallery en Londres
 Murillo, Zurbarán, Ingres y Velázquez: podéis ver sus mejores obras en
Museo del Prado en Madrid
 La obra “Retrato del Papa Inocencio X” de Velázquez, en la Galería Doria
Pamphili en Roma
 Serie de 20 retratos de enfermos mentales de Théodore Géricault en Museo
de Bellas Artes de Lyon en Francia
 “París en tiempos de los impresionistas, 1848-1914”, Musee D'orsay en
París
 “Retratos de una vida”, Cézanne, Musee D'orsay en París
 La obra “El jardinero” de Van Gogh, en la Galería Nacional de Arte
Moderno y Contemporáneo de Roma
 "Sorolla. Cazando impresiones”, visita virtual del Museo Sorolla
 La obra “Head VI”, de Francis Bacon, Hayward Gallery en Londres
 Exhibición online de Francis Bacon, Museo del Prado  
 Obras de Lucian Freud en Museo Thyssen en Madrid 

Documentales de retrato

Aquí nuestras recomendaciones. Iremos sumando más a medida que encontremos

joyitas ;)

 Caravaggio: “His life and style in three paintings” del Nacional Gallery
 “Paul Cézanne: Portrait of a Peasant” del Museo Thyssen
 “Lucian Freud, La vida pintada”

Dónde aprender a pintar retrato