Historia de la Música del

Siglo XX

Sabrina Marizán Abreu

16-1867
UNPHU
 INDICE
— Aconteciemientos históricos S.XX-------------2
— Mov.Literarios S.XX----------------------------5
I. Modernismo
II. Vanguardismo
III. Expresionismo
IV. Surrealismo
V. Dadaismo
VI. Cubismo
— Mov. Pictoricos S.XX--------------------------18
I. Modernismo
II. Fauvismo
III. Cubismo
IV. Futurismo
V. Expresionismo
VI. Constructivismo ruso
VII. Dadaismo
VIII. Bauhaus
IX. Abstraccion geométrica
X. Art Deco
XI. Surrealismo
XII. Realismo socialista
XIII. Expresionismo abstracto
XIV. Pop Art
XV. Op Art
XVI. Arte de acción
XVII. Fluxus
XVIII. Minimalismo
XIX. Hiperrealismo
— Tendencias musicales antes de las guerras mundiales
— 1900-1910-------------------47
I. Tradicionalismo
II. Impresionismo
— Tendencias entre guerras mundiales 1910-1975--------57
I. Modernismo
II. Folklorismo
III. Futurismo
IV. Primitivismo
V. Expresionismo
VI. Segunda escuela de Viena
VII. Serialismo dodecafónico
VIII. Serialismo integral
IX. Neoclasicismo
X. Grupo de los 6
— Tendendias post-guerras mundiales --------95
I. Musica aleatoria
II. Musica electrónica, concreta y electroacústica
III. Musica estocástica
IV. Minimalismo
V. Influencias del Jazz
VI. Musica Cinematografica
VII. Arte del Performance
 Acontecimientos
historicos del siglo XX
1919 Revolución Mexicana-20 Noviembre
1912 Hundimiento del Titanic- 12 Abril
1914-1918 1ra Guerra Mundial 28 Julio-11 Noviembre
1917 Revolucion Bolchevique de Rusia-7Nov.
1928 Descubrimiento de la Penicilina-23 Sept.
1929 La Gran Depresion-24 Octubre
1939 Guerra Civil Española-17 julio-1ro Abril
1939-1945 2da Guerra Mundial-1ro Sept.-2 Sept.
1994 Mayo 10 Elección Nelson Mandela Pres. Sudáfrica
1948 Asesinato de Mahatma Gandhi-30 Enero
1950-1953 Guerra de Corea-25 Junio- 27 Julio
1959 Revolución cubana-1º enero
1963 Magnidicio de Dallas (Asesinato de J.F.
Kennedy-22 Noviembre
1968 Asesinato de Martin Luther King-4 Abril
1969 El hombre pisa la Luna-21 julio
1989 Revuelta de Tiananmén-4 junio
1989 Caída del muro de Berlín- 9 Noviembre
1990-1991 Guerra del Golfo-2 Agosto-28 Febrero
1991 Firma de tratados START entre E.E.U.U y la
U.R.S.S.- 31 Julio
Movimientos
Literarios del
siglo XX
 Modernismo
Se conoce por modernismo a la forma hispánica de la crisis universal de las
letras y del espíritu, que se manifiesta en el arte, la ciencia, la religión y la
polí<ca. Tradicionalmente, se ha asociado su comienzo a la publicación,
en 1888, de Azul..., de Rubén Darío, a causa de la innegable repercusión del
libro en la literatura de Hispanoamérica.
En la literatura en lengua española, el término modernismo denomina a un
movimiento literario que se desarrolló entre los años 1880-1920,
fundamentalmente en el ámbito de la poesía, que se caracterizó por una
ambigua rebeldía crea<va, un refinamiento narcisista y aristocrá<co,
el culturalismo cosmopolita y una profunda renovación esté<ca del lenguaje
y la métrica.
La temá*ca modernista revela, por una parte, un anhelo de recreación de
armonía frente a un mundo inarmónico, y así un ansia de plenitud y
perfección; y, por otra parte, una búsqueda de raíces en la crisis que produjo
un sen<miento de desarraigo en el escritor, quien se presenta como guía
capaz de mostrarle al hombre común los valores verdaderos.
Algunos autores que par<ciparon de una esté<ca semejante y publicaron en
la primera mitad de la década de 1880, como
— José Mar):
— Julián del Casal,
— Manuel Gu5érrez Nájera,
— Salvador Díaz Mirón,
— Enrique Gómez Carrillo,
— Manuel González Prada,
— Amado Nervo,
— el colombiano José Asunción Silva,
— Guillermo Valencia,
— Enrique González Mar)nez y
— el español Salvador Rueda fueron considerados precursores del
modernismo.
 Obras notables
— José Martí: — Jose Asuncion
-La edad de oro Silva
-Ismaelillo -Nocturnos
-La niña de — Manuel de Jesus
Guatemala y Galvan
Versos sencillos -Enriquillo, leyenda
— Rubén Darío histórica
-Azul dominicana (1503-
1533) (1879)
-Prosas profanes
-El teléfono
- Cantos de vida y
esperanza -sinceridad
-amor
 Vanguardismo
La literatura vanguardista fue el nombre que recibió el compendio de obras
literarias producidas a principios del siglo XX, entre 1906 y 1940. Estas
publicaciones manifestaban marcadas tendencias estéticas, deslastrándose
de los sistemas convencionales de rimas y estructuras estróficas.
El término vanguardia es un galicismo, es decir: un vocablo de origen
francés. Está compuesto por dos palabras: avant (“delante de”)
y garde (“guardia”, “proteger”). La palabra vanguardia toma auge durante el
desarrollo de la Primera Guerra Mundial, entre 1914 y 1917.
Características
-Todo es cuestionado Los escritores vanguardistas presentan su obra con
una clara idea combativa, de abolición.
-Lo nuevo era lo importante El ahínco en contra de la obra humana pasada
era tal, que lo ocurrido con anterioridad al vanguardismo se consideraba
intrascendente.
La metáfora como puerta de la creación La metáfora era el recurso ideal
para decir cosas innovadoras.
Quebrar la razón y la lógica El vanguardismo da cabida a recursos poéticos
poco convencionales, como el uso de frases sin culminar, por ejemplo.
Espontaneidad Defendía la elaboración inmediata partida de
las emociones, sin tanta profundidad en el discurso, sin tanta densidad en el
pensar, pero con una audacia impactante.
Se conocen por vanguardias a las distintas manifestaciones artísticas que
conformaron el vanguardismo desde sus inicios, durante su desarrollo y fin.
-Expresionismo -Futurismo
-Surrealismo -Ultraísmo
-Dadaísmo -Creacionismo
-Cubismo
Autores y obras destacadas
— Cesar Vallejo : — Pablo Neruda:
fue un poeta y escritor nacionalidad chilena fue
peruano. un poeta chileno
considerado entre los
obras mejores y mas
-Escalas melografiadas influyentes arHstas de su
siglo: <el mas grande
-Fabla salvaje
poeta del siglo XX en
-Más allá de la vida y de cualquier idioma> según
la muerte Gabriel García Márquez .
-Hacia el reino de los
Sciris obras
-El Tungsteno -Veinte poemas de amor y
-"Paco Yunque" una canción desesperada
-"El niño del carrizo" -Residencia en la Herra
-España en el corazón
-Canto general
-Los versos del capitán
 Expresionismo
El expresionismo literario es un movimiento, principalmente
pictórico, nacido en Alemania en 1905. Le rehúye a lo figurativo y
busca manifestar lo que siente el individuo desde su percepción
subjetiva.
Llega a tocar grandemente a las letras, y en éstas, como principal
representante, tiene al austrohúngaro Franz Kafka, cuya obra marcó
un hito en la historia de la literatura. Los escritores expresionistas no
buscaban representar la realidad objetiva, sino las emociones que
los hechos y la naturaleza despertaban en los personajes. Para
alcanzar este objetivo, empleaban estrategias como la exageración,
el primitivismo y la fantasía.
Representantes
— Federico García Lorca
Publicó su primer libro en 1918 y en 1919 se trasladó a Madrid,
donde se dedicó al teatro y comenzó a escribir obras de teatro.
Sin embargo, sus obras vanguardistas no fueron valoradas por
el público. Con el paso del tiempo, siguió escribiendo obras de
teatro pero se dedicó con mayor énfasis a la poesía. Su primer
éxito literario fue el libro titulado “Baladas Gitanas”, publicado
en 1928. Más adelante, fue director de una compañía de teatro
estudiantil que recorrió la España rural y se destacó por sus versiones de obras
clásicas en versiones modernas. Durante este tiempo escribió su juego
expresionista “Bodas de sangre” que fue publicado en 1933 y constituye su obra
más conocida.
— Franz Ka(a
Franz Ka(a nació en Praga en 1883 y falleció en Austria en junio 1924. En 1906
Ka(a comenzó a escribir y publicar historias en la revista literaria de su amigo
Max Brod.
Sus narraciones y novelas, representaban una visión absurda
de la realidad a través de símbolos y metáforas. Sin embargo,
lograban ser sumamente lúcidas y claras, por lo tanto
resultaron comparables a parábolas o fábulas.
Como en el caso de La Metamorfosis, su obra más reconocida,
los personajes de Ka(a suelen encontrarse sumergidos en mundos
incomprensibles, alejados de la realidad pero en contacto con sus senRmientos
más profundos.

— Frank Wedekind
Frank Wedekind nació en Hannover, Alemania, en julio de 1864 y falleció en
Munich en marzo de 1918. Fue uno de los primeros dramaturgos alemanes en
experimentar con las técnicas expresionistas.
En sus obras se hacía evidente su desprecio por la sociedad
burguesa. Solía atacar la hipocresía y las costumbres
sexuales represivas. En obras como “Caja de Pandora”
representaba abiertamente la represión sexual e invitaba
a la liberación del público.
 Surrealismo
El surrealismo literario es un movimiento con grandes connotaciones pictóricas.
Nace en Francia por el año 1924. El inconsciente es el protagonista de esta
corriente. Los cantos oníricos se ven manifestados de forma continua. Se llega
aludir que soñamos la vida y vivimos los sueños. Se considera que nació en 1920
con el manifiesto surrealista publicado por André Bretón y duró hasta la década
de 1940.
Las imágenes rompen con las estructuras conocidas y el asombro toma de lleno
al lector ante cada creación literaria. Podemos nombrar al español Federico
García Lorca, con su obra Poeta en Nueva York, como uno de sus grandes
representantes
Características
El surrealismo literario buscaba reunir la realidad con la imaginación. En este
esfuerzo, los escritores de esta corriente buscaban superar las contradicciones
que se presentaban entre las ideas conscientes e inconscientes, creando historias
extrañas o irreales.
Representantes
— André Bretón
André Bretón nació en Francia en febrero de 1896 y
falleció en septiembre de 1966. Después de la
Primera Guerra Mundial se trasladó a París, donde
se vinculó a las vanguardias literarias que se
desarrollaban entonces en la ciudad.
Durante la Primera Guerra Mundial se unió a los
artistas del movimiento dadaísta. Sin embargo, con el tiempo él mismo sería el
fundador del surrealismo a partir de la publicación de su manifiesto surrealista.
— Louis Aragón
Louis Aragon nació en París en 1897 y murió en 1982. En 1917 se inscribió en
la Facultad de Medicina de París donde se reunió con André Bretón.
En 1919 Bretón y Aragón editaron el primer número de la revista “Literatura”,
perteneciente a la corriente de la literatura dadaísta.
Aragón estaba compromeHdo con las ideas comunistas, lo cual se hace visible
en su serie “Le Monde Reel”. Esta era una serie de libros de políHca
surrealista que usa el realismo
social con el fin de atacar las normas
literarias y culturales burguesas.
Después de la guerra, Aragón escribió una
serie de obras de no ficción, monograNas,
traducciones y libros de historia, políHca,
arte y cultura. En total publicó más de 100
libros a lo largo de su vida, aparte de las publicaciones póstumas.
— Philippe Soupault
Philippe Soupault nació en Chaville en 1897 y falleció en París en 1990.
ParHcipó en el movimiento dadaísta con Tristán Tzara y posteriormente, junto
a Bretón y Aragón, fue uno de los fundadores del movimiento Surrealista.
Junto a Bretón parHcipó en la creación de la revista
dadaísta “Literatura” en 1919. Más adelante junto a
este autor escribió “Los Campos MagnéHcos”, una obra
que se considera como el primer experimento de
escritura automáHca.
Sin embargo, rompió su relación con Bretón en 1927
cuando éste se vinculó al ParHdo Comunista. En
adelante, su obra se distanció del surrealismo.
Sus publicaciones posteriores estuvieron más
relacionadas con la críHca literaria y de arte, al igual que con la escritura de
ensayos.
 Dadaísmo
El dadaísmo surge en EE. UU. y en Suiza, simultáneamente, hacia el 1916. En los años
posteriores se expande por toda Europa. Tiene la parAcularidad de ser un movimiento
vanguardista no rebelde.
Este se centra en refutar los conceptos que conforman y sustentan las manifestaciones
arFsAcas previas a la Primera Guerra Mundial.
La mejor muestra de la literatura dadaísta la vemos representada en las letras del
poeta alemán Hugo Ball. De él destaca su obra A la críAca de la inteligencia alemana.
CaracterísAcas:
— El dadaísmo fue el primer movimiento arFsAco y literario que no tenía como
objeAvo la elaboración de objetos estéAcamente agradables, sino todo lo
contrario.
— Los escritores dadaístas tenían como propósito oponerse a todas las normas que
gobernaban la cultura burguesa de la época. Inclusive, al punto de ser críAcos de sí
mismos y de sus producciones arFsAcas.
— Sus obras estaban escritas de tal forma que no encajaban en los cánones
establecidos.
— Esta corriente no-arFsAca proponía una forma temprana de arte de choque.
Usaban obscenidades suaves, humor escatológico y textos presentados en juegos
visuales para representar su rechazo a la guerra y a los valores burgueses.
— Tristan Tzara
nació en Rumania en abril de 1896, y falleció en París en diciembre de 1963. Es
considerado como uno de los padres del dadaísmo literario y uno de sus principales
representantes.
Tzara escribió los primeros textos que se le atribuyen al
dadaísmo: La Première Aventure céleste de Monsieur
AnApyrine (“La primera aventura celesAal del señor
AnApirina“), publicado en 1916; y Vingt-cinq poèmes
(“VeinAcinco Poemas“), publicado en 1918.
Además, fue Tzara quien redactó el manifiesto de este
movimiento, Atulado Sept manifestes Dada
(“Siete manifiestos dadá”), publicado en 1924.
— André Bretón
Gracias a todas estas influencias, en 1920 escribió el
manifiesto surrealista, en el cual alentaba a la libre
expresión y a la liberación del subconsciente. Posterior a
ello publicó su novela Nadja y otros volúmenes de
poesías y ensayos.
— Elsa von Freytag-Loringhoven
Elsa von Freytag-Loringhoven nació en
Alemania en julio de 1874 y murió en
diciembre de 1927. Fue conocida como la
baronesa dadaísta y, aunque estudió arte
en Múnich, el principal desarrollo de su
obra se dio a parNr de 1913, después de
mudarse a Nueva York.
Sus poemas fueron publicados a parNr de
1918 en la revista The LiWle Review. Su
poesía era rica en recursos sonoros y
onomatopeyas; por eso se considera precursora de la
poesía fonéNca. También creó poemas de verso libre,
caracterísNca propia de la escritura dadaísta.
 Cubismo
El cubismo literario se origina en Francia, hacia el año 1905. Tiene como premisa
la unión de conceptos que resultan imposibles, así como también descomponer
los objetos, las formas.
Busca darle paso a la alegría y al humor negro en la escritura, restándole peso a
la nostalgia y los comunes moEvos líricos.
Esta corriente Eene como uno de los principales representantes en las letras al
italiano Guillaume Apollinaire. De él resaltan sus “calígramas”, interesantes
manifestaciones poeEces donde a parte del discurso, las letras forman siluetas
alusivas al tema tratado. Entre sus obras destaca El poeta asesinado.
Características del Cubismo literario
— Subje&va y mul&dimensional: Los avances innovadores en las ciencias
sociales, parEcularmente las teorías de Sigmund Freud, tuvieron un gran
impacto en el cubismo literario.
De este modo, los cubistas mostraban más interés en el panorama interno del
individuo que en los eventos que ocurrían en el panorama externo del mundo
objeEvo.
— Flujo de conciencia: En un esfuerzo por emular la exploración cubista de la
mente a través de las artes visuales, muchos escritores del cubismo literario
usaban las palabras y la estructura de las oraciones para capturar el
pensamiento.
— Fragmentación y dispersión: Las técnicas cubistas presentaban al individuo
como un conjunto de imágenes rotas. Esta fragmentación se tradujo, dentro
del cubismo literario, en el empleo de una nueva sintaxis caracterizada por su
disconEnuidad.
Además, los textos muestran una tendencia anEnarraEva, observándose la
eliminación de la anécdota y la descripción.
Por otro lado, el llamado, el cubismo analíEco uElizaba técnicas como la
destrucción de la gramáEca, puntuación extraña o ausente, verso libre, entre
otros.
En el caso de Guillaume Apollinaire, quien se encontraba más cerca del cubismo
sintéEco, era muy común la fusión de la poesía y el dibujo en caligramas. Otros
poetas creaban collages con tarjetas postales, letras y similares.
Es importante señalar que la poesía cubista, a menudo, se superpone con el
surrealismo, el dadaísmo, el futurismo y otros movimientos vanguardistas.
Se destacaron 4 Autores: Guillaume Apollonaire, Blaise Cendrars, Max Jacob y
Gertrude Stein
— Guillaume Apollinaire
Apollinaire es considerado una de
las figuras literarias más
importantes de principios del siglo
XX. Su uso del lenguaje directo y la
estructura
poética no convencional tuvieron
una gran influencia en la teoría
poética moderna.
De su extensa obra, Alcools:
poemas, 1898-1913 (1964)
y Caligramas: poemas de paz y
guerra, 1913-1916 (1980), se
consideran sus mejores trabajos.
— Blaise Cendrars
Este poeta y ensayista de habla
francesa nació en Suiza con el
nombre de Frédéric Sauser en 1887.
Creó un nuevo y poderoso estilo
poético para expresar una vida de
acción y peligro.
Algunos de sus poemas, como
Pascua en Nueva York (1912) y La
prosa del Transiberiano y de la
pequeña Juana de Francia (1913),
son carteles de viaje y lamentos
combinados.
Entre los mecanismos audaces de
Cendrars se encuentran:
impresiones simultáneas en un
revoltijo de imágenes, sentimientos,
asociaciones, efectos sorpresa –
todos transmitidos en un ritmo
sincopado y vacilante.
Movimientos
Pictoricos del siglo
XX 1900-1975
 MODERNISMO | 1900

"Champeonis"
de Alphonse
Mucha.
Fue una corriente ar,s.ca de carácter renovador, que alcanzó su
máximo apogeo en la etapa de la Belle Époque.
Fue un arte novedoso, de caracterís.cas juveniles, símbolo de la
libertad y de la etapa moderna. Rompe por fin con los es.los
academicistas imperantes hasta la fecha.
Estuvo altamente influenciado por mo.vos exó.cos como las
estampas japonesas o la naturaleza exuberante.
Ar#stas destacados
— Gustav Klimt
— René Magri3e
— Pablo Picasso
— Max Beckmann
— Tamara de Lempicka
 "La Virgen” de
Gustav Klimt

"Tournée du Chat Noir”

De Théophile Steinlen
 FAUVISMO | 1904

El fauvismo francés fue un movimiento artístico

exclusivamente pictórico. El uso del color en su más puro
estado es su característica principal.
Contrastes cromáticos fundamentados en la teoría del color
dan sentido a la obra. La perspectiva o el modelado pierden
todo su sentido en esta corriente, aportando un toque de
espontaneidad al resultado final. El pintor fauvista expresa
sus emociones y percepciones a través del color y las líneas
desfiguradas.
Artistas destacados
— Henri Matisse
Raoul Dufy
Maurice de Vlaminck
Andre Derain
Braque
 "La danza"Cuadro datado en 1910, firmado por Henri Ma8sse.

"El río Sena en Chatou"Obra pintada al óleo sobre tela, por Maurice Vlaminck en 1906.

"La siesta"Pintura de Henri Manguin, realizada en 1905

 CUBISMO | 1907

"Las Señoritas de Avignon"

La pintura cubista es la expresión pictórica del movimiento artístico
denominado Cubismo, originado en París, el año 1908, de la mano de Pablo
Picasso. El segundo pintor en adoptar el estilo fue Georges Braque, quien
aunque es considerado uno de los fundadores del cubismo, realmente es un
adoptador temprano del estilo, al igual que Juan Gris.
La corriente cubista rompe radicalmente con la pintura tradicional,
materializada en el uso de la perspectiva. La figuración geométrica se
convierte en el medio de representación de la naturaleza y el entorno. Los
colores se vuelven tenues, desaparece la potencia del color en favor de
tonalidades apagadas y frías. Fue común el uso del collage. La obra cubista a
menudo supone un reto interpretativo al perder los referentes naturalistas.
 FUTURISMO | 1909

Dinamismo de un ciclista-Umberto Boccioni

Surge en Italia con el férreo objetivo de romper la tradición artística
y los signos convencionales y lugares comunes de los que estaba
dotada. El Futurismo estuvo fuertemente relacionado con el
nacionalismo. Representó elementos que dominaban una época de
agitación. La máquina y el movimiento fueron la máxima inspiración
para artistas del movimiento que buscaban mostrar al mundo acción
y frenetismo.
Artistas destacados
— Umberto boccioni
— Giacomo balla
— Luigi russolo
— Gino severini
— carlo carra
“Recuerdos de una noche”-
Luigi Russolo

“Dinamismo de un perro
Con correa”-
Giocomo Balla

“La Bailarina obsesionante”-

Gino Severini
 EXPRESIONISMO | 1914

“El Grito”- Edvard Munch

El Expresionismo como corriente impregnó todos los campos
ar2s3cos: La pintura, la escultura, la música… Está considerada la
primera de las vanguardias, por lo que no es un movimiento como
tal, sino un modo de entender el arte.
El ar3sta expresionista deforma la realidad, expresa sus emociones y
su propia visión del entorno a través de colores violentos y un
tratamiento brusco de la obra. Supuso una representación del
sen3miento de soledad y amargura provocado por la guerra.
Pintores relacionados:
— Wassily Kandinsky
— Pablo Ruiz Picasso
— Vincent Van Gogh
— Paul Cézanne
The Starry Night- Van Gogh

Wassily Kandisky
CONSTRUCTIVISMO RUSO | 1914

“Ba$d a los blancos con la cuña roja” (Lissitzky)

El Construc,vismo ruso representa el poder de la influencia

ar0s1ca al servicio de los intereses polí1cos.
Los ar1stas realizaron obras que pusieron a disposición del
gobierno revolucionario bolchevique. El arte comenzó a
unirse al diseño y al texto, dando lugar a obras de enorme
capacidad propagandís1ca. Los colores planos y la geometría
fuertemente empleados por los ar1stas.
Algunos famosos ar1stas del movimiento son Vladimir
Tatlin, Georgii y Vladimir Stenberg, Alexander Rodchenko,
Liubov Popova y El Lissitzky.
Monumento a la Tercera Internacional (Tatlin)

Construcción espacio y fuerza (Popova)

 DADAÍSMO | 1916

Marcel Duchamp (1887-1968)

El Dadaísmo surge como reacción a la supremacía de la razón.

Fueron muchas las manifestaciones artísticas que se hicieron eco de
este movimiento.
El artista dadá es revolucionario y provocador, y se burla del sistema
establecido en todos los órdenes.
Es una corriente heterogénea que no posee lugares comunes, sino
que debe entenderse como una nueva forma de ver el mundo del
arte.
— Tristan Tzara (1896-1963) fue el fundador del movimiento
Dadaísta, a mediados de la primera guerra mundial, junto a los
artistas Hugo Ball (1886-1927) y Hans Arp (1886-1966).
 BAUHAUS | 1919

La Bauhaus fue una escuela de arte, diseño y arquitectura alemana

que influyó tan notablemente en el arte moderno que, en la
actualidad, se le considera una corriente más. Las representaciones
ar;s<cas concebidas en la Bauhaus seguían un patrón común que
conjugaba el diseño funcional y la producción en serie.
La esté<ca debía estar al servicio de la funcionalidad, y el uso no
debía sacrificar el diseño.
— Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus
— Lyonel Feininger (1871-1956), pintor y fotógrafo de artes
comunista.
— Josef Albers (1888-1976), pintor y docente de arte.
— Alfred Arndt (1898-1976), arquitecto.
— Herbert Bayer (1900-1985), diseñador gráfico y pintor.
ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA | 1920

Esta corriente se basa en el empleo de figuras geométricas sencillas

combinadas.
La abstracción geométrica reacciona al sentimentalismo impreso en
las corrientes anteriores de las artes plásticas. Recibe una clara
influencia de culturas antiguas que emplearon la geometría como
motivo decorativo. Esta corriente busca representar realidades
completamente planas o bidimensionales.
Fue Wassily Kandinsky su principal precursor y el más influyente de
los maestros en toda una generación de artistas abstractos. Kasimir
Malévich y Piet Mondrian también se encuentran entre sus
impulsores y en ambos se puede apreciar también la influencia de
antiguas culturas que utilizaron la geometría como expresión
artística y decorativa.
 ART DECÓ | 1920

El Art Decó influyó decisivamente en todas las artes decorativas. Su origen se

encuentra en la Exposición Universal de 1900 en París.
El Art Decó emplea líneas toscas y secas, no sinuosas. Y tiene una clara
preferencia por materiales de origen industrial como el acero o el aluminio.
La simetría era un elemento importante en la representación, así como la
geometrización de elementos, especialmente visible en elementos
arquitectónicos. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios
artistas franceses (Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul
Follot, Maurice Dufrene y Emile Decour) formaron un colectivo formal
dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizaron
la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels
Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales
Modernas) en París, y se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el
término art déco se acuñó en la retrospectiva titulada «Les Années 25»,
llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs(Museo de Artes
Decorativas) del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966
 SURREALISMO | 1920

Scissors-
Vladimir
Kush

El Surrealismo encuentra en el inconsciente humano un paraje ideal

para retratar. Las pulsiones, los miedos y los anhelos ocultos en el
interior del ar7sta pretenden ser expresados a través de elementos
extravagantes.
Es una corriente cargada de simbolismo, que ofrece una evidente
dificultad de interpretación por haber perdido los referentes
naturales.
Los pintores surrealistas crearon numerosas técnicas arAs7cas
como el fro$age o el fumage.
Ar0stas surrealistas
— Dalí
— René MagriFe
— Joan Miró
"La persistencia de la memoria”-Salvador Dalí

"El hijo del hombre”-

René Magritte

"Escalera Cruza el Azul en Rueda de Fuego”

-Joan Miró
REALISMO SOCIALISTA | 1933

Fue un movimiento desarrollado especialmente en la Unión

Soviética tras la revolución. Supuso una superación de los estilos
artísticos asociados a la burguesía.
Pretendía representar los problemas sociales y las vivencias
personales de la clase trabajadora agrícola o industrializada.
A través del Realismo socialista se ensalzaban valores de trabajo
proletario, convirtiéndolo en algo admirable.
 EXPRESIONISMO ABSTRACTO | 1940

Convergence-Jackson Pollock

Fue un movimiento ar-s/co cuya máxima expresión fue la pintura,

realizada habitualmente en formatos de gran tamaño.
Desaparece la figuración, aunque no radicalmente; en ocasiones
pueden encontrarse figuras reconocibles. No existen jerarquías
entre elementos representados, por lo que se en/ende el espacio
pictórico como un todo. La gama cromá/ca se limita al uso del
blanco y negro, y la combinación de colores primarios.
El Expresionismo Abstracto se desarrolló conforme a dos
tendencias:
— Ac#on Pain#ng (enérgica y gestual, sus representantes son
Pollock, Kline y De Kooning)
— Colour Field Pain#ng (más puramente abstracta, reposada,
mís/ca para Rosenberg. La representa Rothko).
 POP ART | 1950

-Roy Fox
Lichtenstein

El Pop Art revoluciona el panorama ar.s0co gracias a la asimilación

e incorporación de elementos propios de la cultura popular. Los
medios de comunicación son una fuerte influencia, y los mo0vos
publicitarios a menudo son retratados en representaciones
ar.s0cas.
El Pop Art se impone ante el concepto de arte eli0sta, favoreciendo
el acercamiento de la cultura a la masa, que puede ser captadora o
creadora de contenido ar.s0co.
Sus principales expositores:
— Roy Fox Lichtenstein (NYC 1923-1997)
— Richard Hamilton (Londres, 1922 - 2011)
— Robert Rauschenberg (Texas, 1925 - Florida, 2008)
— Andy Warhol (PiKsburgh 1928 - Nueva York 1987)
— Jasper Johns (Georgia, 1930)
— David Hockney (Bradford, 1937)
 OP-ART | 1960

El Op Art es un arte óptico que se basa en la creación de

juegos visuales e ilusiones ópticas que engañan al
observador.
Elementos emocionales están completamente fuera del
deseo del artista, que se enfoca en aspectos puramente
estéticos.
La combinación y repetición de líneas y figuras geométricas,
junto con colores extravagantes dan lugar a
representaciones poco corrientes.
 ARTE DE ACCIÓN | 1960

Arte de acción es el nombre con el que se designa a un

conjunto de técnicas y es5los que se enfocan en el acto
creador, en la acción que realiza el ar5sta para dar lugar. La
obra es el proceso de creación. Este hecho le confiere un
carácter extremadamente eBmero.
El happening o la perfomance son formas de expresión del
arte de acción. En este 5po de representaciones el ar5sta es
parte del resultado de la obra.
Ar#stas de acción
— Allan Kaprow
— John Cage
— Joseph Beuys
— Wolf Vostell
— Nam June Paik
— Jim Dine
— Roy Lichtenstein
— Yōko Ono
 FLUXUS | 1962

El movimiento Fluxus se movilizó para luchar contra la concepción

ar4s5ca como objeto de consumo o mercancía, defendiéndolo como
movimiento ar4s5co de gran valor sociológico.
Fluxus aún en sus obras elementos y materiales procedentes de diversos
entornos, confiriéndoles un significado holís5co al conjugarlos en la
representación ar4s5ca. Esta tendencia busca incorporar el arte en la
co5dianeidad de la sociedad.
Entre sus primeros socios se encontraban
— Joseph Beuys,
— Dick Higgins,
— Davi Det Hompson,
— Nam June Paik,
— Wolf Vostell,
— La Monte Young,
— Joseph Byrd,
— Al Hansen y
— Yoko Ono, que exploraron los medios de comunicación, desde la
performance hasta la poesía, la música experimental y el cine.
 MINIMALISMO | 1965

El arte minimalista se enfoca en la necesidad de reducir el

contenido a la más pura esencia, deshaciéndose así de todo
elemento restante que no aporte valor a la obra.
Es un movimiento cargado de simbolismo y de un alto valor
intelectual, aunque a nivel producción o manufactura no
requiera grandes dotes.
Se caracteriza por la concreción conceptual. El lenguaje
artístico se economiza al máximo, siempre manteniendo un
orden estético.
Algunos pintores minimalistas son
— Robert Mangold,
— Agnes Martin y
— Robert Ryman.
 HIPERREALISMO | 1970

El Hiperrealismo busca la representación de la realidad de un modo

absolutamente fiel y objetivo. Con ello, se enfrenta directamente
con la fotografía.
Para magnificar el resultado final de las obras, los artistas
hiperrealistas incorporan elementos reflectantes, de colores
sinuosos o brillantes a sus imágenes.
A menudo representan una realidad impersonal, casi mecánica,
valiéndose de fotografías para alcanzar un resultado final
absolutamente cercano a la realidad.
PINTORES HIPERREALISTAS CONTEMPORÁNEOS
— ROB HEFFERAN
— CLAUDIO BRAVO
— ROBERTO BERNARDI
— ERIC ZENER
— ERIC CHRISTENSEN
 CARACTERISTICAS
MUSICALES DEL SIGLO XX
— Gran can'dad de es'los musicales vanguardistas se irán
yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en busca de
novedad y la experimentación, a través del cambio
esté'co que dará lugar a las composiciones mas
variopintas.
— Perdida de unidad es'lís'ca y técnica.
— Búsqueda de un leguaje musical propio para expresarse,
por parte de cada compositor
— Abandono del lenguaje tonal
— Gran protagonismo del ritmo
— Búsqueda de novedad
— Se busca llamar la atención del oyente, mas que la belleza
de la otra
— Uso de sistemas de notación no convencionales
— Integración de equipos electrónicos e informá'cos
Tendencias antes de la
Primera Guerra
Mundial
1900-1910
 Tradicionalismo
Se en%ende por tradicionalismo a la tendencia de apreciar las costumbres y
normas heredadas del pasado. Toda doctrina tradicionalista fija su atención
en aquellos elementos que provienen del pasado y que se perpetúan.
Dentro de las músicas tradicionales, hay algunas que han trascendido más allá
de su origen, como el flamenco, la jota, el tango, la música country, la samba,
la cumbia colombiana y, en general, muchos de los ritmos la%nos que han
mantenido cierta en%dad propia con el %empo.
Tradicionalismo musical es la que se encarga de transmi%r de generación en
generación al margen de la enseñanza musical académica como una parte
más de los valores y de la cultura de un pueblo.
Caracterís2cas
La música tradicional o folclórica se ha mantenido viva, desde los %empos de
la industrialización, fundamentalmente en el ámbito rural, no siendo hasta
mediados del siglo XIX que comenzó a aparecer un interés en el mundo
académico por el estudio de este arte popular.
— Se transmite oralmente
— Es aceptada de forma general por la comunidad
— Ejerce una función social determinada
— Son creaciones anónimas
En la música, se en%ende como “tradicionalismo radical” a la tendencia
encabezada por el norteamericano Ralph Shapey, cercana para algunos a la
música atonal, en la que es reconocible una postura modernista, irónica, de
rigor teatral y pasión rítmica.
 Ralph Shapey

Nació en el año 1921 y murió en el año 2002 es un

compositor estadounidense. Estudió violín y composición.
En el año 1963, el dirigió la orquesta y el coro de la
universidad de Pensilvania antes de ir a Chicago.
Es conocido por sus trabajos como profesor de composición
en la universidad de Chicago.
El compositor franco-estadounidense Edgard Varèse estuvo
entre las influencias más importantes de Shapey. Ambos
compositores comparNan una fascinación por las
sonoridades inusuales, las masas de contrapunto.
El se consideraba un compositor tonal, aunque está
redactado en un lenguaje armónico altamente disonante.
 Benjamin Britten
Nació el 22 de Noviembre,
1913. Murió el 4 de Diciembre
1976 en Reino Unido.
Compositor, pianista y director
de orquesta británico.
Primer músico en obtener un
título nobiliario. (Barón Britten)
Su estilo era una fusión vanguardista y
tradicional.
El War Requiem, realizado por primera vez el 30 de mayo de 1962,
se encuentra entre las obras más famosas de Britten. Fue encargado
de marcar la consagración de la Catedral de Coventry, que fue
reconstruida después de un bombardeo en la Segunda Guerra
Mundial. La música establece el texto tradicional en latín de la misa
de réquiem junto a la poesía de guerra de Wilfred Owen.
— Réquiem de Guerra Op. 66 (1962)
— The Young Person’s Guide to the Orchestra
— Phantasy Quartet (1933)
— Concerto para piano (1938)
— Ópera: A Midsummer Night’s Dream Op. 64 (1960)
 Karol Szymanowski
Nació el 3 de octubre de 1882 en
Ucrania. Murió el 29 de marzo de
1937 en Suiza. Compositor y pianista
polaco. Influenciado por Richard
Strauss y el impresionismo de Claude
Debussy y Maurice Ravel.También
influenciado por Frédéric Chopin y la
música folclórica polaca. Compuso
varias mazurkas para piano.

Las obras orquestales más conocidas de Szymanowski son sus

cuatro sinfonías (nº 3, Canción de la Noche para coro y
solistas y la nº 4, Sinfonía Concertante, con piano solista) y
sus dos conciertos para violín. Entre sus obras escénicas están
el ballet Harnasie y las óperas Hagith y Król Roger. Escribió
mucha música para piano, entre ella los cuatro estudios, Op.
4 (de la que la nº 3 quizás sea su obra más popular), muchas
mazurkas y sus Métopes. Entre otras obras están los Tres
Mitos para violín y piano, varias canciones (algunas con
textos de James Joyce) y su Stabat Mater.
 Vaughan Williams
(nacido el 12 de octubre de 1872 en
Down Ampney, Gloucestershire, Inglaterra;
murió el 26 de agosto de 1958 en Londres,
Inglaterra), compositor inglés de la primera
mitad del siglo XX, fundador del movimiento
nacionalista de la música inglesa.
Sus trabajos incluyen ballets, operas, música
de cámara, piezas vocales y seculares y
composiciones orquestales. Entre los sinfonistas británicos más
conocidos. Conocido por su gran variedad de estados de ánimo,
desde tormentoso y apasionado hasta tranquilo.
COMPOSICIONES
— Riders to the sea (ópera)
— Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis.
— Concerto para tuba y orquesta en fa menor.
— Dona Nobis Pacem (cantata)

”Dona Nobis Pacem”

 IMPRESIONISMO
El impresionismo, tanto en música como en otras artes, surge a
partir de la idea de expresar las ideas de una manera en cierto
modo insinuada. De cerca se ven manchas y de lejos crea una
figura por decirlo así.
— Surgió en Francia a finales del siglo XIX.
— Un Tempo mas libre, y con capacidad de un rubato a gusto del
interprete ( siempre respetando las indicaciones del autor).
— Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones
de cada uno, e incluso inventándolos. No solo se utilizan modos
clásicos, ya que también es muy frecuente encontrar escalas
propias de diferentes etnias.
— Experimentar con el timbre, convirtiendo a este en el factor
mas importante de la música impresionista. De esta manera, se
conseguían efectos nunca vistos antes en la música.
Los dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas
en aquella época son Claude Debussy y Deodat de Severac,
aunque este ultimo no esta tan reconocido como gran parte de
autores posteriores. Sin embargo, Claude Debussy es el autor
impresionista mas notorio, junto con los también franceses
Maurice Ravel y Erik Satie.
Autores como Gabriel Faure y Camille Saint-Saens se atrevieron
a experimentar con la musica de su epoca, y a crear algo diferente
a las obras de aquel entonces. Pero Claude Debussy el primero en
crear una musica totalmente diferente a la anterior.
 Claude Debussy
Achille-Claude Debussy (Saint-
Germain-en-Laye, Francia 22 de
agosto de 1862-Paris, 25 de Marzo
de 1918) fue un compositor francés
y una figura central en la música
europea de finales del siglo XIX y
comienzos del siglo XX y junto a
Maurice Ravel, una de las figuras
mas prominentes de la música
impresionista, aunque al propio
compositor no le gustaba este
termino cuando se aplicaba a sus
composiciones.
Su música en cierto modo
‘brumosa’, evocando cantos lejanos
y ecos, y constantemente cambiante
e impredecible. Otra de las
características esenciales en su
música, es la creación de un motivo
musical sencillo y repetitivo al
comienzo, que va variando a lo largo
de toda la obra, y aunque no se
perciba a simple vista, esta presente
en todas y cada una de las frases de
esta.
Maurice Ravel
Joseph Maurice Ravel (Ciboure,
Labort, 7 de marzo de 1875- Paris, 28
de diciembre de 1937) fue un
compositor francés del siglo XX. Su
obra, frecuentemente vinculada al
impresionismo, muestra además un
audaz estilo neoclásico y, a veces,
rasgos del expresionismo, y es el fruto
de una compleja herencia y de
hallazgos musicales que
revolucionaron la música para piano y
para orquesta. Reconocido como
maestro de la orquestación y por ser
un meticuloso artesano, cultivando la
perfección formal sin dejar de ser al
mismo tiempo profundamente humano
y expresivo, Ravel sobresalió por
revelar “los juegos mas sutiles de la
inteligencia y las efusiones mas
ocultas del corazón.” (Le Robert)
La música de Ravel parece, como la
de Debussy , profundamente original,
o incluso inclasificable de acuerdo ala
estética tradicional. Ni modernista ni
simplemente impresionista, se inscribe
mucho mas en la línea del clasicismo
francés iniciado en el siglo XVIII.
 Principales obras
impresionistas
— Claude Debussy
-Prélude à l'après-midi d'un
faune, (Preludio a la siesta de un
fauno) para orquesta basado en
Stéphane Mallarmé.
(1891/septiembre 1894).
-La mer, trois esquisses
symphoniques pour orchestre (El
mar, tres bocetos sinfónicos para
orquesta) (agosto 1903 - 5 de
marzo de 1905).
-Images, pour orchestre (1905-1912)
-Préludes - Premier Livre y
Deuxieme livre, para piano, entre
los que destacan La fille aux
cheveux de lin y La cathédrale
engloutie (diciembre 1909 - febrero
1910)
-Suite bergamasque, para piano,
entre los que destaca Clair de Lune
— Isaac Albéniz
-Suite Iberia, para piano (1905).
-La Vega, para piano (1898).
-Azulejos, acabada por Enrique
Granados, (1909).
-Navarra, acabada por Deodat de
Severac.
— Manuel de Falla
-Noches en los jardines de
España, para piano y orquesta
(1876-1946).
-El sombrero de tres picos, Ballet
(1919).
— Maurice Ravel
-Jeux d'eau (Juegos de agua), para
piano (1901).
-Ma mère l'oye, para piano a cuatro
manos (1910).
-Gaspard de la nuit, para piano
(1908).
-Daphnis et Chloé, para orquesta y
coro (1909-1912).
-Boléro, para orquesta (1928).
-También los niños del coro y otras
más obras.
— Erik Satie
-3 gymnopédies, para piano, entre
las que destaca el primer movimiento,
Premiére Gymnopédie (1888).
-6 gnossiennes, para piano (1890).
-Je te veux (Te necesito), vals para
piano (1902).
— Joaquín Turina
-Danzas fantásticas, para orquesta
(1919).
-Sevilla, para piano (1908).
 Tendencias entre
Guerras Mundiales
1910-1975
 MODERNISMO
Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en
el concepto de que, siendo el siglo XX una época de fundamentales
cambios sociales y tecnológicos, el arte debe adoptar y desarrollar estos
principios como fundamento estético. El modernismo toma el espíritu
progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del avance
tecnológico, por lo que lo despega de las normas y formalismos del arte de
la época y la tradición. De esta manera la característica principal del
modernismo es la pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje
musical en particular asumió una posición dominante.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características
principales que lo distinguen de los períodos anteriores:
— La expansión o abandono de la tonalidad.
— El uso de las técnicas extendidas.
— La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.
 El Folklorismo
Es el uso de una tradición popular en el ambiente de la música, danza
o teatro. El nacionalismo del siglo XIX y el folklorismo del siglo XX son
casi lo mismo. En esta tendendia se le da más importancia al ritmo y
no tanto a la melodia.
— Leoš Janáček (1854-1928)
Fue un compositor, teórico musical, estudioso del
folclore y profesor checo. Se inspiró en la música
tradicional de Moravia y de otras culturas eslavas para
crear un esQlo musical original y moderno. Alcanzó la
madurez musical a una época tardía, cuando tenía
alrededor de 50 años. Hasta principios del siglo XX, su
producción musical estuvo influida por compositores
nacionalistas checos como Antonín Dvořák. Desde 1876
dio clases en la Escuela de Magisterio de Brno, donde
contó entre sus alumnos con la que habría de
converQrse en su mujer, Zdenka Schulzová, hija del
director de la escuela, a la edad de 25 años.
UQlizo como musa para su música una chica de la que se
habia enamorado a la edad de 65 años, ella tenia 25,
estaba casada y tenia hijos.
Finalizada la Primera Guerra Mundial, tras la
destrucción del Imperio austrohúngaro
y la constitución de la República de Checoslovaquia como un estado
independiente, tiene lugar el periodo de gran plenitud artística de Janáček, que
durará unos 10 años y que abarcará desde sus 64 años de edad hasta su muerte,
en el que crea sus obras más importantes y en el que su música comienza a
disfrutar de relevancia internacional.
No es fácil clasificar las obras de Janáček en un estilo concreto, pues su música es
muy personal. En sus primeras obras se advierten influencias de la música
alemana, pero pronto incorpora a su música el conocimiento que tenía de la
música popular checa y eslava en general. Sus obras maduras muestran una
construcción a base de breves motivos formados por pocas notas, que se repiten
constantemente, apoyados en un uso sorprendente de la armonía más
tradicional y con ritmos casi siempre irregulares y asimétricos. Las formas en
Janáček tienden a la libertad de la rapsodia, sin utilizar nunca formas clásicas
como las derivadas de la sonata o el rondó, pero no obstante a menudo consigue
una gran unidad y coherencia dentro de cada obra.
 Composiciones folkloristas
-Moravian Folk Poetry in songs ( voz, guitarra, violin, cello)
-Blanik-Ballade for Orchestra

La única página que se conserva del

Manuscrito de Jenufa.
— Jean Sibelius
(en sueco), nacido Johan Julius Chris,an Sibelius (Hämeenlinna, 8 de diciembre
de 1865-Järvenpää, 20 de sep>embre de 1957), fue un compositor y violinista
finlandés de finales del Roman>cismo y comienzos del Modernismo. Es
ampliamente reconocido como el mejor compositor de su país y, a través de su
música, a menudo se le atribuye haber ayudado a Finlandia a desarrollar una
iden>dad nacional durante su lucha por la independencia de Rusia.
Realizo sus estudios en el Conservatorio de Vienna.
- variados sonidos mayor parte melodías;
- contrastes temá>cos;
-Era un nacionalista y fue una figura fundamental en la independencia del país.
-A causa de su simplicidad, la música de Sibelius es a veces considerada poco
compleja.
-Recibió todo el género de crí>cas. Pero reaccionó siempre con firmeza a las
crí>cas de conservadurismo que le eran dirigidas.
Obras Folcloricas importantes:
— Finlandia (Poema Sinfónico)
— Manuel de Falla
Cadiz- España 1879-1946, compositor español
Representante del Nacionalismo musical, es uno de los compositors españoles mas
importante de la primera mitad del siglo XX, junto a Isaac Albeniz, Enrique Granados,
Joaquin Turina y Joaquin Rodrigo.
Durante su estancia en París compuso sus obras más
célebres: la pantomima "El amor brujo", el ballet ”
El sombrero de tres picos”(compuesto para cumplimentar
un encargo de los célebres Ballets Rusos de Sergéi Diágilev),
las "Siete canciones populares españolas" para voz y piano,
la "Fantasía BaePca" para piano y "Noches en los jardines
de España", estrenada en el Teatro Realen 1916.
Su esPlo fue evolucionando a través de estas
composiciones desde el nacionalismo folclorista que
revelan estas primeras parPturas, inspiradas en temas,
melodías, ritmos y giros andaluces o castellanos,
hasta un nacionalismo que buscaba su inspiración en
la tradición musical del Siglo de Oro español y al que
responden la ópera para marionetas El retablo de
Maese Pedro, una de sus obras más alabadas, y el "Concierto para clave y cinco
instrumentos". La madurez creaPva de Falla comenzó con su regreso a España, en el
año 1914. En las obras "El retablo de Maese Pedro" y el concierto para clavecín y
orquesta de cámara de 1926 se percibe cómo la influencia de la música folclórica es
menos visible que una suerte de neoclasicismo al esPlo de Ígor Stravinski. Mientras
que en sus obras anteriores Falla hacía gala de una extensa paleta sonora, heredada
directamente de la escuela francesa, en estas úlPmas composiciones, su esPlo fue
haciéndose más austero y conciso, y de manera especial en el Concierto.
Obras Importantes
-Amor Brujo
-Noche en los Jardines de España
— Bela Bartók
Hungría [1881 – 1945] folclorista, pedagogo, educador en música, recolector de
música popular. Se dedico a la Etnomusicologia.
El compositor estudió piano en BraCslava con László Erkel. Entre 1899 y 1903
estudiaría en la Academia Liszt de Budapest, donde seguiría refinando su esClo.
Según él mismo, nació dos veces: la segunda alrededor de 1905, escuchando el
canto de una criada mientras limpiaba. Decidió visitar el lugar de donde provenía la
melodía y otras regiones de Hungría alejadas de la ciudad.
Durante ocho años recorrió no sólo su país, sino también Rumania y Eslovaquia, a
veces en compañía de su amigo Zoltan Kodaly, también músico. Tomaba nota y
grababa registros fonográficos de todos los cantos que oía. Más tarde los publicó,
difundiendo así un esClo popular que hasta entonces se confundía con la música
zíngara. Algunas de sus mejores composiciones de inspiración popular datan de
esta época. Al final de su vida compuso algunas de sus obras más valoradas, entre
la resistencia y el exilio americano.’
Crea el sistema Axial, divide el circulo de 5tas en 3 ejes tónicas subdominante-
dominante-tónica. Crea su propia escala y las uCliza en sus composiciones. Alterna
2 menores y 4 justas.
Composiciones Importantes:
1903-1905 Compuso Kossuth, una Sonata para violín, Rapsodia y Quinteto.
1904-1913 Primer Cuarteto de cuerdas, Canciones populares húngaras, Bagatelas,
Elegías, Danzas rumanas, Images, Allegro barbaro y El CasCllo de Barba Azul.
1914-1922 Segundo Cuarteto, El príncipe de madera, Danzas populares rumanas y
El Mandarín Maravilloso.
1923-1929 Primer Concierto para piano, Microcosmos, tercer y cuarto Cuartetos.
1930-1945 Segundo Concierto para piano, quinto y sexto Cuartetos, Música para
cuerdas, percusión y celesta. Sonata para dos pianos y percusión, DiverCmento
para cuerdas y Concierto para orquesta.
— Igor Stravinsky
Rusia [1882-1971]
Fue considerado uno de los más importantes músicos de principios del siglo XX. Su
padre era cantante solista de la Ópera de San Petersburgo, incenDvando de este modo
la afición de su hijo por el género y la tradición musical rusa. Su esDlo trascendió etapas
que van desde el folclorismo tradicionalista de sus primeras obras, al vanguardismo de
sus ballets para Diaghilev, hasta abordar la disonancia, la politonalidad y la polirritmia,
seguir con el neoclasicismo de los años 30, e incluso coquetear con el serialismo en sus
úlDmos días. Decidió abandonar la carrera de derecho para estudiar composición con
Rimski-Korsakov. En uno de sus estrenos, conoció a Diaghilev y trabajaron juntos en la
creación de sus ballets en París, propiciando fanaDsmos y disputas entre el público.
Luego se destacaría también en otros géneros, desde la sinfonía a la ópera o la música
de cámara.
Stravinsky tuvo 3 etapas musicales
-Etapa Rusa: Pájaro del Fuego, Petrushka,
La Consagracion de la Primvera, Historia de una soldado,
Las Bodas
-Etapa Neoclacisista: Pulcinella, Octeto,
Pater Noster
-Etapa Serialista: Cantata, Tres Canciones de Shakespeare,
Cán?tum Sacrum

Del Ballet ”Petrushka”-Igor Stravinsky

— Heitor Villa-Lobos
Heitor Villa-Lobos (Río de Janeiro, 5 de marzo de 1887 - Río de Janeiro, 17 de
noviembre de 1959) fue un director de orquesta y compositorbrasileño.1 Su
música estuvo influida tanto por la música folclórica brasileña como por la
música clásica europea. Recibió cierta instrucción musical de su padre. Ya antes
de 1899, año de la muerte de su padre, Villa-Lobos había empezado a dedicarse
a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando
el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional
de guitarra, clarinete y piano. Villa-Lobos tuvo también una segunda carrera
como pedagogo de la música de su país.
Diseñó un sistema completo de instrucción
musical basado en la rica cultura musical
de Brasil y arraigado en un profundo y
siempre explícito patriotismo. Compuso
música coral para enormes coros escolares
de niños, a menudo sobre adaptaciones de material folclórico. Su herencia en el
Brasil de hoy, uniforme entre las nuevas generaciones, es planteada con
la escuela de samba como una fuerte sensación de orgullo y amor entrelazadas
con sentimientos similares para su país.
Entre las obras más populares de Villa-Lobos están las Bachianas brasileiras.
La Bachiana n.º 5 es una de la más conocidas; escrita para voz y ocho
violonchelos. Se puede citar la música para guitarra como
los Preludios, Estudios y los Choros, entre los que el Choro n.º 1 es muy
popular.
 FUTURISMO
En Lo que respecta a la música, el futurism fue un movimiento artístico italiano
que surgió contemporáneamente al expresionismo en Alemania, el cual
consistió en incluir el ruido en la creación musical.
Hasta ese momento, la música occidental solo había permitido el uso de
algunos instrumentos de percusión. El futurism también fue decisive para la
vanguardia cinematográfica, especialmente el cine soviético y en el surgimiento
de la música electrónica, la música concreta, el Rap y los efectos especiales.
Filippo Tommaso Marinetti fue quien motive a Francesco Balilla Pratella,
músico y compositor italiano, a escribir el Manifiesto de los Músicos
Futuristas(1910), en el que se pone el acento en la necesidad de supercar e
incluso despreciar toda la tradición musical en pos de una nueva música de
evolución constante. Se rechazan todas aquellas instituciones que permitan la
vigencia de lo antiguo y que, por tanto, retrasan el desarrollo, como academias
o conservatorios.
El uso del ruido a la música también fue
impulsado por el pintor y compositor Luigi
Russolo. En su Manifiesto de los
Ruidos(1913).
Las tesis fundamentals de los exponents
del futurism musical, eran las siguientes:
— 1)En la música se uDliza una parte muy
reducida de las posibilidades sonoras.
— 2)Por un prejuicio, se desprecia al
ruido, cuando en realidad es,
Isicamente, una forma genuine del
sonido llena de interés.
— 3)La música no es un universe sonoro
cerrado sino de movilidad incesante,
acorde con todos los progresos
tecnológicos.
— 4)Por lo tanto, es necesario
experimentar intensamente con los
ruidos de las fábricas, los ferrocarriles,
los aeroplanos, las maquinarias, la
electricidad y los inventos de la
Sociedad industrial en general.
Russolo, inclusive, llegó a agrupar los ruidos en sus
inves3gaciones. A tal propósito, Russolo inventó el
l`intonarumori, eran generadores de ruido acús3cos
que permi3eron crear y controlar dinámicas y alturas
en diferentes 3pos de ruidos. Russolo ofreció varios
conciertos con este instrument y para su empleo
desarrolló, en1926, una escritura gráfica.
— Las seis familias de ruidos de Russolo son:
— Tonos, estrépitos, explosiones, etc.
— Silbidos y siseos.
— Murmullos, gorgoteos y susurros.
— Estridores y crepitaciones.
— Sonidos obtenidos por percusión sobre metales,
maderas, pieles y piedras.
— Voces de animales y de hombres, gritos, gemidos y risas.
También cuando u,lizaban instrumentos tradicionales, los
compositors futuristas tenían sus propias caracterís,cas: la
disonancia feroz, las sonoridades inéditas, los ritmos
frené,cos que repudiaban el lirismo y la firmeza de la
tradición román,ca.
La música había de ponerse a la Altura de la máquina, ya sí
lo demuestran obras como:
— Pacific 231 de Arthur Honegger(1923)
— La fundición de acero de Alexande Mosolov(1927)
— lonisa=on(1931) de EdgarVarèse
— Serenata Per Intonarumorie Strumen= de
LuigiRussollo.(1913)
— L’aviator Dro de Francesco Balilla Pratella(1912)
 PRIMITIVISMO
El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendían rescatar el
folclor más arcaico de ciertas regions con un lenguaje moderno. Similar al
nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó
además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la
percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía polytonal y atonal.
Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso
Ígor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok, aunque la obra de ambos
sobrepasa con creces la denominación "primitivista".
— El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinsky
(excluyendo algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por
los tres ballets que compuso para Diáguilev. Estos ballets tienen varias
características compartidas:
— Están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente
grandes.
— Los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso
— Llevan la marca de Rimsk-Kórsakovi-tanto en su desarrollo como en su
instrumentación.

I.S B.B
 Expresionismo
El expresionismo es un movimiento artístico y cultural que se dio en
Europa a principios del siglo XX, nace en Alemania, se desarrolla entre
guerras y su objetivo es transformar la realidad desde un punto de vista
subjetivo emocional.
El termino aparece a partir de 1911 para designar un estilo pictórico. Se
caracteriza por buscar la expresión del alma del hombre y su vivencia
interior llena de conflictos y temores, que muestra una realidad
marcada por el dolor y la angustia. En música, el compositor mas
representativo de esta tendencia es Arnold Schoenberg, que considera
la música como medio de expresar la personalidad del hombre.
Principales Características del Expresionismo musical:
— Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de
disonancias que producen una tensión continua, sin momentos de
reposo.
— Utilización de un sistema tonal, que rompe con todas las reglas
tradicionales de organización melódica y armónica.
— Perdida del concepto de melodía a favor de un canto recitativo, que
tiene como objetivo la expresión violenta y agresiva del texto.
— Normalmente son obras para pequeñas formaciones de cámara, en
las que cada instrumento tiene el papel solista.
— Los instrumentos son ejecutados con gran fuerza y en los limites de
sus registros.
 La Segunda Escuela de
Vienna
Una de las más significa/vas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg.
Sus primeros trabajos pertenecen al es/lo román/co tardío, influenciado por Richard
Wagner y Gustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal
para escribir música atonal. Con el /empo, desarrolló la técnica del dodecafonismo,
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el
uso del sistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas
propias. Los tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o
la Segunda Escuela Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva
Música tuvo el mismo efecto innovador que la Primera Escuela de
Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.

Arnold Schoenberg Alban Berg

Anton Webern
— Arnold Schöenberg
Compositor austríaco, inventor del dodecafonismo y maestro de compositores
como Alban Berg, Antón von Webern, Krenek y Dallapiccola. Recibió formación
musical pero compuso de forma autodidacta, complementada con clases de
contrapunto de Zemlinsky, quien fuera su suegro años más tarde. Pasó de un
estilo postromantico (que llega de Mahler a través de Zemlinsky) a imponer un
atonalismo que adquirió forma definitiva en el método de composición
dodecafónica en 1923, considerado uno de los principales elementos del
expresionismo. Luego, en su exilio americano, se vió enfrentado a los conceptos
neoclásicos del Stravinski tardío, influenciando notablemente en las posteriores
generaciones de compositores norteamericanos y de posguerra.

Dodecafonismo
Es un sistema ideado por Arnold Schoenberg que según el “aseguraría la
supremacía de la música alemana por los próximos cien años”; consiste en
eliminar la jerarquí atonal de una pieza al construirla con una serie de
tonos que guardan relación solamente entre sí.
Princípios
1. La serie consta de las doce notas de la escala cromática.
2. Ninguna nota aparece más de una vez en la serie.
3. La serie puede ser expuesta en cualquiera de sus aspectos lineales:
aspecto básico, inversión, retrogradación e inversión retrogradada.
4. La serie puede usarse en sus cuatro aspectos desde cualquier nota de la
escala
 SERIALISMO
La dis'nción fundamental entre el serialismo y el dodecafonismo
estriba en que el principio serial se puede aplicar a varios parámetros
musicales (ritmo, dinámica, 'mbre, etc.), y no sólo a la altura de las
notas, como sugería la propuesta dodecafónica original.
 — Antón Von Webern
Seguidor de la escuela del dodecafonismo de Schoenberg e inspirador del
serialismo total que siguió a la Segunda Guerra Mundial. Su catálogo de
obras es pobre, pero muy denso en planteamientos tonales. De es>lo
minimalista por el ahorro de elementos y lo reducidas que fueron sus
piezas, como en una de sus Cinco piezas para orquesta op. 10, de sólo
siete compases y 19 segundos. Compuso una música diEcil de oír y no muy
abordada en los repertorios. Algunos ven en sus ideas musicales el origen
de lo que sería la música electrónica. Sus obras son un desaEo para los
intérpretes, por su compleja escritura melódica y rítmica. Junto con su
maestro Schoenberg y su compañero Berg fue considerado uno de los
mejores ejemplos del es>lo dodecafónico e impulsor de numerosas
vanguardias. -En sus texturas, cada nota era clara.
-Utilizaba tecnicas Instrumentales
Extendidas (flatterzunge/frullato,
col legno entre otras.
-Utiliza saltos melódicos frecuentes
sobre intervalos de segunda menor,
séptima mayor y novena menor.
-Escribió piezas en la llamada
atonalidad libre, siguiendo el estilo
de las primeras obras atonales de
Schönberg.

Composiciones Destacadas
-Passacaglia, para orquestra op. 1. (1908)
-Sechs Stücke für grosses Orkester Op. 6. (1909)
-Four Pieces for violin and piano op. 7 (1910)
-Three Songs for soprano, E flat clarinet & guitar, Op. 18 (1925)
— Alban Berg
Este compositor, uno de los más
representa3vos de la escuela es3lís3ca del
dodecafonismo, fue alumno junto a Antón
von Webern de las enseñanzas de
Arnold Schoenberg en el terreno del
experimento atonal, y quizás el más
román3co del grupo. Nació el 9 de febrero de
1885 en Viena, Austria. Su familia perteneció
a la clase media y fue tes3go del
sentimiento de fin de siglo en la antigua capital del Imperio austrohúngaro.
Su vocación musical apareció tardiamente. Conoció a Schoenberg a los 19 años,
momento a partir del cual se dedicaría exclusivamente a la creación sonora.
Ya en 1913 estrenó la primera de sus innovadoras composiciones. Sus obras
fueron mal recibidas al principio. Lo mismo ocurrió con las de sus propios
profesores y compañeros, aunque con el paso de los años fueron muy
apreciadas. Lamentablemente, murió el 24 de diciembre de 1935, antes de
disfrutar del merecido reconocimiento público.
Su “primera” obra publicada, la “Piano Sonata op.1”, es considerada como un
Ejemplo de su concepto compositivo central: el desarrollo de todos los
elementos de una obra a partir de una única idea inicial.

Piano Sonata No.1

LA ÓPERA DE LA NUEVA
ESCUELA
De los tres integrantes de la segunda escuela de viena,
dos incurrieron en el género de la Opera, Arnold
Schoenberg con “Moises y Aron”, y Alban Berg con
“Wozzeck” y “Lulu”.

WOZZECK DE ALBAN BERG

Moses und Aron
Schoenberg
 Serialismo Dodecafonico
La propuesta del dodecafonismo es establecer un principio serial a
las doce notas de la escala cromática. La escala cromática es aquella
que incluye todos los semitonos entre una nota y su octava. El
compositor elige un orden determinado en que se deben tocar
estas notas, sin poder repetirse una hasta que se hayan tocado las
otras once (impidiendo así que haya cualquier coherencia tonal).
Adicionalmente, cada una de estas cuatro posibilidades (O, R, I, RI)
puede transponerse a cualquier intervalo, por lo que se pueden
tocar hasta 48 transposiciones de la serie (los doce grados de la
escala cromática multiplicados por las cuatro posibilidades O, R, I y
RI). Naturalmente, el compositor puede elegir cuántas
modificaciones incluir, sin que las 48 sean obligadas.
Compositores destacados
• Ígor Stravinsky
• Alban Berg
• Anton Webern
 Serialismo Integral
Creada por Anton Webern Se establece un orden para, además de las alturas,
la sucesión de Dinámicas, Figuras Musicales y =mbres.
Compositores destacados
• Karlheinz Stockhausen
• Olivier Messiaen
• Pierre Boulez
El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y
fue creado por el que fue discípulo de Olivier Messiaen, Pierre Boulez,
usándolo por primera vez en su obra "Estructuras I".: se establece un orden
no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las
diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión
de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora). Todas estas series se
repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo
integral para dis=nguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Entre
los compositores que u=lizaron este sistema destacan Ernst Krenek y Milton
BabbiT.
 Composiciones
Destacadas

Dodecafonico Integral
— Arnold Schöenberg — Pierre Boulez
Cinco piezas para piano Estructura para dos
Op.23 (1921) pianos, libro I (1951)
Serenata Op.24 (1921)
— Anton Webern — Alban Berg
Trio de cuerdas Op.20 Suite Lírica, III. Allegro
(1926) Misterioso (1925)
— Igor Stravinsky
Cantata (1952) — Oliver Messiaen
Tres canciones Quatour pour le fin de
Shakespeare(1953) temps (1941)
In Memoriam Dylan
Thomas (1954)
 Neoclasicismo
Surge aproximadamente en la década de 1920, como reacción
frente a los primeros estilos de vanguardia: el Postromanticismo, el
Impresionismo y el Expresionismo.

CARACTERISTICAS PRINCIPALES:
— Recuperación de las formas y géneros del Barroco y del
Clasicismo.
— La tonalidad recobra protagonismo (continúan las modulaciones
y el uso de recursos modernos)
— Armonías complejas, aunque no tan disonantes.
COMPOSITORES
— Francia: Erik Satie (1866-1925) y el “Grupo de los Seis”: A.
Honneger, G. Tailleferre, G. Auric, F. Poulenc, D. Milhaud y L.
Durey
— Alemania: Paul Hindemith (1895-1963) y Kurt Weill (1900-1950),
además de Carl Orff (1895-1982)
— Rusia: Además de Stravinsky, Sergei Prokofiev (1891- 1953) y
Dimitri Schostakovich (1906-1975)
Igor Stravinsky
OBRAS:
◦ Pulcinella (Ballet) recreación de la música barroca
a partir de composiciones de Giovanni Battista
Pergolesi.
◦ Pater Noster
◦ Oedipus rex
◦ Persephone
◦ Octeto para instrumentos de viento
◦ Capriccio para piano y orquesta
◦ The Rake’s Progress
◦ L’Histoire su soldat
 SERGUEI PROKOFIEV
— Compositor de origen ucranio, de
inspiración neoclásica. Estudió
música con su madre y luego con
Tanaiev, Rimski-Korsakov, Cherepin y
Liadov. Aunque después de la
Revolución se exilió en los Estados
Unidos, más tarde volvió a la Unión
SoviéGca donde fue objeto de los
máximos honores y representó los
más altos ideales del arte soviéGco,
para perder sus privilegios por su
apoyo a una obra de Muradeli
criGcada por la oficialidad estalinista.
La políGca cultural calificó la obra de
Prokofiev (así como la de
Khatchaturian, Shostakovich y otros)
como "formalismo decadente''
incapaz de reflejar "la grandeza del
pueblo soviéGco" por su tendencia al
ridículo y a lo grotesco. Como réplica,
compuso obras de apoyo al ideal
comunista, que le valieron la
obtención del Premio Stalin en 1951.
La forma y el lirismo son los
elementos más destacados de su
esGlo.
OBRAS:
◦ Sinfonia No.2
◦ Sinfonia No.3
◦ Piano Concerto no. 3
◦ Piano Concerto no.4 for left hand
◦ Piano Concerto no.5
◦ Egyptian night suite
◦ Violin concerto no.2
DIMITRI SHOSTAKOVICH
— Compositor y pianista ruso,
representante de la cultura
revolucionaria soviética. Cuando
estalló la Revolución tenía diez años.
El hecho ló marcó y compuso piezas
como un Himno a la Libertad. En el
Conservatorio estudió piano con
Nicolaiev y composición con
Steinberg. En los años 30 era
considerado uno de los compositores
soviéticos más importantes, hasta
que el régimen estalinista lo calificó
de indeseable para el pueblo
soviético. Consiguió rehacer su
prestigio y llegó a convertirse en
héroe nacional durante el sitio de
Leningrado a manos de los nazis.
Luego volvió a tener problemas con
las autoridades una vez más. Influido
por el postromanticismo de Mahler y
por los temas nacionalistas, así como
por algunos contemporáneos como
Berg, manejó muy bien lo grotesco.
OBRAS:
◦ Sinfonia no.3
◦ Lady Mcbeth of Mtsenks
◦ Piano and Trumpet Conceto C minor
 CARL ORFF
— Fue compositor, director y pedagogo.
Sus obras son la expresión musical de
un lenguaje que puede orientar a
oídos infantiles sin que ello signifique
la pérdida de la integridad. Desde
niño mostró interés por el piano, la
poesía y las lenguas clásicas. Se
formó en la Akademie der Tonkunst
de su ciudad natal, Munich. Conoció
al musicólogo Curt Sachs, que lo
estimuló para investigar la música
antigua, fundamentalmente la de
Claudio Monteverdi. Fundó una
escuela de formación en el
movimiento, la danza y el ritmo junto
a Dorothee Günther, él era el
responsable del área de música. Su
concepto de la educación musical se
basa en el ritmo, en los giros
melódicos repetitivos y en la
improvisación y creación colectivas.
Influyó en el desarrollo de una serie
de instrumentos de percusión para el
aula, llegando a crear un instituto
propio en donde desarrolló y
potenció su reforma educativa.
OBRAS:
◦ Catulli Carmina
◦ Trionfo di Afrodite
OPERAS:
◦ La luna
◦ La mujer astuta
◦ Antígona
PAUL HINDEMITH
— Virtuoso del violín y de la viola, desde
los veinte años de edad fue miembro
de la Orquesta de la Ópera de
Frankfurt. En su juventud se ganaba
la vida en cervecerías y salas de cine
mudo. Luego fundó el Cuarteto Amar.
Conocedor de todos los
instrumentos, compuso piezas para la
mayoría de ellos, hecho que lo
impulsó como referente de la
juventud e iniciador de masas. Entre
sus temas más abordados se
encuentran la música para medios
como la radio y el cine, la de género
infanRl y la de Rpo recreaRvo.
También compuso música uRlitaria
que en alemán se denomina
Gebrauschmusik: una serie de
pequeñas obras de música accesible
en todos los géneros, astutamente
compuestas, que recurren con
discresión a innovaciones sonoras
fáciles de reproducir. Era
anRwagnerismo acérrimo, orientado
hacia el "objeRvismo" neoclásico
representado por Stravinski y sus
discípulos, y contrario al
dodecafonismo de Schoenberg.
OBRAS:
◦ Die Junge Magd (1922; "The Young Maid")
◦ Das Marienleben (1924, rev. 1948; "La vida de
María")
◦ La opera Cardillac (1926)
◦ Mathis der Maler
◦ Symphonic Metamorphosis (1943)
◦ Der Schwanendreher
ERIK SATIE
— Fue compositor y pianista de cabaret, impulsor de un an4
impresionismo similar al que Cocteau encabezó en la
literatura. Su es4lo, similar a los posteriores grupos de
Los Seis y a la escuela de Arcueil, gozó de gran es4ma
entre los compositores minimalistas contemporáneos. En
los úl4mos años del siglo XIX, Sa4e u4lizaba acordes sin
resolución armónica y modismos de textura sumamente
sencilla y espartana. Realizó sus estudios con
Niedermeyer y en el Conservatorio de París, para luego ir
a las clases de d'Indy y Roussel en la Schola Cantorum.
Cul4vó la amistad de Debussy y más tarde se convir4ó en
opositor a su es4lo y el de Ravel. Su vida transcurrió en
varios períodos, desde la música mís4ca de su era
Rosacruz, a la música de cabaret o junto a Cocteau, en
sus años de gloria.
OBRAS:
◦ La Messe des pauvres (compuesta en 1895, Misa
de los pobres)
◦ Trois morceaux en forme de poire (1903, Tres
piezas en forma de pera)
◦ Embryons Desséchés (1913; Embriones
desecados)
◦ “ballet realista” Parade
◦ La Belle Excentrique
◦ Relache
Grupo de los Seis
GEORGES AURIC LOUIS DUREY

(nacido el 15 de febrero de 1899 en En 1914, completa su primera

Lodève, Francia, murió el 24 de julio composición, que muestra una gran
de 1983 en París), compositor influencia de la música de Debussy.
francés más conocido por sus de Ese mismo año, por azar, descubre
cine y ballets. En estas y otras una canción de Arnold Schoenberg
partituras obras, estuvo entre los —extraída del Libro de los jardines
que reaccionaron contra el lenguaje colgantes— que le permite
armónico cromático y las reorientar sus propias
estructuras simbolistas de Claude investigaciones y le liberará de
Debussy. Auric estudió con Vincent Debussy. Offrande Lyrique (opus 4),
d’Indy y Albert Roussel en París, y de 1914, fue la primera obra en la
en 1920 el crítico Henri Collet lo que su personalidad se afirme, con
incluyó en el grupo al que llamó Les el uso pleno de los recursos de su
Six, jóvenes compositores franceses imaginación, siendo el primer
bajo el patrocinio informal de Erik compositor francés, sin duda, en
Satie y Jean Cocteau. Auric escribió utilizar un lenguaje musical tan
crítica musical para las libre.
publicaciones periódicas Marianne,
Paris-Soir y Nouvelles Littéraires y
fue directora artística de la Ópera
de París y la Ópera Comique (1962–
68).
OBRAS:
◦ Ballet Les Matelots (1925)
◦ Ballet “The Sailors” (Los marineros)
◦ Partituras para la película de René Clair, ¡À
nous la liberté! (1931)
◦ Para la biografía fílmica de Henri de Toulouse-
Lautrec, Moulin Rouge (1952), que incluía el
popular éxito "Where Is Your Heart?"
 GERMAINE
TAILLEFERRE
— Tailleferre conoció a Darius
Milhaud, Georges Auric y
Arthur Honneger en el
Conservatorio de París en
1912. En 1923, Tailleferre
comenzó a pasar una gran
canGdad de Gempo con
Maurice Ravel. Muchas de
sus obras más importantes
durante la década de 1920,
incluyendo su Primer
Concierto para piano, el
Arpa ConcerGno, los ballets
Le marchand d'oiseaux y La
nouvelle Cythère, que
encargó Sergei Diaghilev
para los Ballets Russes.
FRANCIS
POULENC
— Compositor francés, miembro del grupo
conocido como Los Seis junto a Milhaud,
Honegger, Auric , Tailleferre y Durey. En
su infancia se vio influenciado por los
clásicos y románGcos, descubriendo
luego a Debussy y al Stravinski de La
Consagración de la Primavera. Su
maestro de piano fue Ricardo Viñes, y en
la composición, Koechlin. Interesado por
las corrientes contemporáneas (como el
dodecafonismo), buscó la colaboración
de algunos de los mejores poetas de la
época, desde Max Jacob y Apollinaire
hasta Paul Éluard y Jean Cocteau.
Además, colaboró con los Ballets Rusos,
aunque a parGr de 1937 se optó por la
música sacra y la ópera. Su esGlo denota
un fuerte, natural y original senGdo
melódico. Se desenvolvió con soltura en
la canción, con o sin acompañamiento
de piano, e incursionó en la música de
cámara y de piano solo.
OBRAS:
◦ Rapsodie Nègre (1917) para piano.
◦ Sonata para Piano Duet (1918)
◦ La configuración del poema de Guillaume
Apollinaire Le Bestiaire y Cocardes de Jean
Cocteau (1919) - fueron piezas ingeniosas con
toques de parodia insolente. El humor siguió
siendo una característica importante de su
música, como en la ópera cómica surrealista Les
Mamelles de Tirésias (1947; Los senos de
Tiresias), basada en una farsa de Apollinaire.
 ARTHUR HONEGGER
— Este compositor se consideraba
suizo, ciudadanía heredada de sus
padres que eran comerciantes en
Zurich, pero nació en Francia y
residió siempre en París. Estudió con
el organista de El Havre y después en
el Conservatorio de París, bajo la
tutela de D'Indy y tuvo como
compañero de estudios a Milhaud.
Con él y otros cuatro compositores
jóvenes se dieron a conocer como el
Grupo de los Seis, muy relacionados
a los conceptos estéticos de Jean
Cocteau. Durante la ocupación nazi
se recluyó en su estudio escribiendo
música y actuando en la resistencia.
Fluctuó entre varios estilos, desde el
politonalismo hasta el drama
musical, y cuando halló el suyo, su
vigor rítmico, armonías disonantes y
lirismo lo destacaron de las posturas
estéticas de sus contemporáneos.
Cocteau dijo que su música era
similar a la artesanía de catedrales y
fábricas, alternando el mundo de las
máquinas y lo gótico.
OBRAS:
◦ El "salmo dramático" Le Roi David (1921, "El
Rey David")
◦ Pacific 231 (1924); Obra Orquestal; una
impresión de una locomotora en acción.
◦ Rugby (1928), que reflejaba el amor del
compositor por la velocidad y los deportes viriles ◦ La Creation du monde.
◦ Pastorale d'été (1921; "Pastoral de verano"
DARIUS MILHAUD
— Compositor de origen francés,
miembro del Grupo de los Seis
junto a Honegger, Tailleferre, Auric,
Poulenc y Durey. Su música denota
la influencia de géneros populares
como la samba brasileña, el
ragtime o el tango. Fue autor de
más de 400 obras, entre ellas 14
conciertos, 18 cuartetos de cuerda,
8 óperas, 10 ballets, 7 cantatas, 14
sonatas y 8 sinfonías. Precursor de
la técnica del politonalismo que
hace sonar simultáneamente la
melodíaen tonalidades diferentes,
produciendo una disonancia de
especiales características. Muchos
lo consideraron el sucesor de
Ravel. Sus primeros pasos
musicales los adquirió en Provenza
su ciudad natal. De allí se trasladó
a París, donde estudió con Dukas.
Milhaud también se destacó en el
ámbito diplomático al ser
embajador de Francia en Brasil,
situación en la que recibió la
influencia de los ritmos
latinoamericanos. Dirigió varias de
sus obras en Europa y América.
OBRAS:
◦ Saudades do Brasil
◦ Le Boeuf sur le toit
◦ Scaramouche
MANUEL DE FALLA
— Falla luego se re*ró a
Granada, donde en
1922 organizó un
fes*val de cante hondo y
compuso una ópera de
marionetas, El retablo de
Maese Pedro. Al igual que
el Concierto para
clavecín posterior (1926),
que con*ene ecos de
Domenico ScarlaK.

El es*lo de Falla era entonces neoclásico en vez

de román*co, todavía esencialmente español,
pero castellano más que andaluz. Después de
1926 escribió poco, viviendo primero en Mallorca
y, desde 1939, en Argen*na.
 Tendencias
Post-Guerras
Mundiales
 MUSICA ALEATORIA
Música Aleatoria o Indeterminación es aquella que incorpora en su
proceso de composición y/o en su proceso de ejecución un
elemento de azar o indeterminado de cualquier tipo. Aún así, ambas
deben de ser distinguidas: en la música aleatoria, tanto el
compositor en el proceso de composición como el intérprete a la
hora de la ejecución tienen cierto control sobre la obra y por tanto
sobre el resultado final, sin embargo en la indeterminación la
libertad del intérprete es completa, quedando reflejada claramente
en la partitura.
Un método de composición que utiliza el azar como principio
constructivo.
El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que
alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950. Las
corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas
representaciones en las creaciones del estadounidense John
Cage con Music of Changes (1951) o 4ʹ33ʺ(probablemente la obra
más radical del siglo XX, famosa por consistir en la indicación
de no tocar por 4 minutos y 33 segundos). También fue notable el
uso del I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos
cambiantes, el cual se convirtió en la herramienta compositiva
habitual de Cage.
— CARACTERISTICAS
-No hay dos ejecuciones iguales. -La altura de las notas puede
-Las grabaciones de ésta música lo indicarse con precisión o dejar las
son de una ejecución en parTcular duraciones de las mismas al azar.
- Las piezas suelen ser - En algunas piezas no existe
relaTvamente breves, capaces de parTtura musical sino una colección
mantener en tensión al oyente. de símbolos o una idea básica que
-El compositor puede tomar las el músico debe interpretar de
decisiones que quiera sobre qué manera libre e imaginaTva.
notas uTlizar.
 Modalidades de la Música Aleatoria

ABIERTA CERRADA
En la abierta, de origen En la cerrada, de origen
europeo, el ejecutante americano, es cuando la
(solista, director…) indeterminación es
determina el orden de los absoluta. En este caso, se
sucesos. Los puede abandona el control de la
determinar de muy diversas música, tanto el
formas: simplemente por compositor, el ejecutante y
elección, guiado el oyente deciden aceptar
arbitrariamente o lo que ocurre sin tener en
casualidad, por las cuenta sus preferencias en
reacciones del púbico. cuanto a qué debiera
Compositores: ocurrir. La obra deja de ser
obra y se convierte en
Pierre Boulez (Francia)
proceso, el compositor deja
Stockhausen (Alemania) de componer y pasa a ser
un simple sorprendido de
su creación.
Compositores:
John Cage (USA)
Morton Feldman (USA)
 JOHN CAGE

John Cage, en pleno John Milton Cage, Jr., (nacido el 5 de septiembre de

1912 en Los Ángeles, California, EE. UU., Falleció el 12 de agosto de
1992, Nueva York, Nueva York), compositor de vanguardia
estadounidense cuyas composiciones inventivas e ideas poco ortodoxas
Música profundamente influenciada a mediados del siglo XX.
Las primeras composiciones de Cage se escribieron en el método de 12
tonos de su maestro Schoenberg, pero en 1939 comenzó a
experimentar con instrumentos cada vez más poco ortodoxos, como el
"piano preparado" (un piano modificado por objetos colocados entre
sus cuerdas para producir percusión). y efectos de sonido de otro
mundo). Cage también experimentó con grabadoras, grabadoras y
radios en su esfuerzo por salir de los límites de la música occidental
convencional y sus conceptos de sonido significativo. El concierto que
dio con su conjunto de percusión en el Museo de Arte Moderno de la
ciudad de Nueva York en 1943 marcó el primer paso en su aparición
como líder de la vanguardia musical estadounidense.
Entre las obras más conocidas de Cage se encuentran 4ʹ33 ʺ (Cuatro
minutos y treinta y tres segundos, 1952), una pieza en la que el
intérprete o ejecutante permanecen completamente silenciosos en el
escenario durante esa cantidad de tiempo (aunque la cantidad de
tiempo queda para el determinación del ejecutante); Imaginary
Landscape No. 4 (1951), para 12 radios sintonizadas al azar, 24
intérpretes y conductor; las Sonatas e Interludios (1946–48) para piano
preparado; Fontana Mix (1958), una pieza basada en una serie de
tarjetas transparentes programadas que, cuando se superponen, dan
una gráfica para la selección aleatoria de sonidos electrónicos; Cheap
Imitation (1969), una "impresión" de la música de Erik Satie; y
Roaratorio (1979), una composición electrónica que utiliza miles de
palabras encontradas en la novela Finnegans Wake de James Joyce.
 Morton Feldman
(nacido el 12 de enero de 1926 en Nueva York, EE. UU., EE.
UU., Falleció el 3 de septiembre de 1987, Buffalo, EE. UU.),
Compositor de vanguardia estadounidense asociado a John
Cage.

Feldman estudió composición con Wallingford Riegger y

Stefan Wolpe. En la década de 1950, mucho más influenciado
por los pintores expresionistas abstractos que por otros
compositores, comenzó a usar un método de notación gráfica
que incluía dispositivos tales como indicar la longitud de una
nota por una línea horizontal dibujada en la partitura, o
especificar el número de notas. para ser jugado en un
segmento por un número. El tono y el ritmo se indicaron en
términos muy generales, siendo el principal interés en la
manipulación de densidades y timbres contrastantes, que
generalmente se reproducían con mucha suavidad. Después de
otros experimentos en la década de 1960, volvió a la notación
convencional en sus composiciones. La música de Feldman era
típicamente minimalista en su simplicidad, austeridad y calidad
meditativa. Exploró timbres originales por medio de
repeticiones de sonidos suaves y no relacionados, de ritmo
lento, creando un estado de ánimo silencioso y etéreo con ellos.
-Atlantis (1958) y Out of Last Pieces. (1960)
 MUSICA ELECTRONICA Y
CONCRETA

1. Hace el uso de la electricidad en una composición mas

allá de amplificación y producción.
2. U9lizar la conversion de una señal eléctrica para fines
musicales.
Música Concreta: Se basa en la grabación de un conjunto
de sonidos reales que se manipulan.
Música Electrónica surge influenciada por la música
concreta. El sonido es creado en un laboratorio, son sonidos
que no existen en realidad, que se crean, se procesan y se
graban electrónicamente. Este =po de música suprime
totalmente los intérpretes y las par=turas. El laboritario
musical es el centro de creación del ar=sta. Aquí el
compositor u=liza sinte=zadores y otros aparatos
electrónicos para generar el sonido.
La Música Electroacús9ca es la union de la música
electronica y la música concreta, dando lugar a obras cuyo
contenido es en parte grabaciones de sonido real y otros
creados por medios electrónicos.
Pierre Schaeffer
Francés, nace en 1910 y muere en 1995. Llamado Padre de la Música
Concreta. Con la musique concréte, busca usar los sonidos ”concretos”,
experimentar con ellos, y abstraerlos para incluirlos en una composición
musical.
Desarrolló el concepto de incluir cualquier sonido dentro del vocabulario
musical. De los primeros en usar el sonido grabado para fines musicales.
Compuso en su mayoría con el equipo de la Radiodiffusion, del cual se
volvería director.
Obras Importantes:
-Études aux chemins de fer
-Études Instrumentales
-Études aux Objects
 Karlheinz Stockhausen
Alemán. Nace en 1927 y muere en el 2007.
Pierde a ambos padres en la Guerra, evento que
influencia su aprendizaje musical.
— Estudió piano, violín y oboe durante su juventud.
— En 1954 presentó Study I y Study II, primeros ejemplos
de música electrónica pura. Poseen las primeras
parIturas electrónicas publicadas.
— Sus ávidos estudios en música electrónica, música atonal
y dodecafónica le ganarían el Mtulo de Genio Loco.
— A modo de broma, alegaba que los pioneros de la música
techno, son técnicamente sus alumnos.
— Obras Importantes:
— Kontakte,
— Gesang der Jünglinge,
— S6mmung,
— Kontra-Punkte.
 Edgard Varese
Francés. Nace en 1883 y muere en 1965.
Emigra a EEUU en 1915 y compuso en ésta sus obras
más importantes.
— Caracterizado por enfatizar tanto timbre como
ritmo. Decía que para todo oído poco
experimentado, todo aquello que resultaba nuevo
en la música, lo consideraba ruido.
— Vió el potencial en la combinación de instrumentos
electrónicos con acústicos.
Dedicó sus últimos años a composiciones para
orquesta de cámara.
Obras Importantes:
-Poeme Electronique,
-Ionisation.
 Milton Babbitt
Norteamericano. Nace en 1916 y muere en el 2011.
Aprendió composición en clases privada con Roger Sessions.
— Su uso de electrónica viene de un deseo de control sobre todos
los elementos de composición, mas que generar sonidos nuevos.
Al igual que otros compositores de la época, dedicó su vida a la
invesAgación y ejecución de la música serial y electrónica.
— Se convierte en director de la Columbia-Princeton Electronic
Music Center.
— Alegaba que para entender la música avanzada que se estaba
desarrollando, era necesario una gran educación y disciplina,
como con las matemáAcas y la Fsica.
Obras Importantes:
-Ensembles for Synthesizer,
-Philomel
 Babbitt. Philomel, measures 1-7.

Pitch reduction of Philomel, Echo Song I, measures 132-144.

Otros Artistas de Importancia

Pierre Henry Pauline Oliveros

Raymond Scott Iannis Xenakis

Karel Goeyvaerts Otto Luening

 Instrumentos
Electroacústicos
Ondes Martenot Sampler/Grabadora

Clavinet Electronium

Telharmonium Theremin

Sintetizador Análogo Synclavier

 Música Estocástica
Consiste en la introducción del ordenador en el campo de la
composición, que debidamente programado, calcula
combinaciones de sonidos y otros creados por medios
electrónicos.
La música estocás;ca es una mezcla de música y aspectos
matemá;cos, sobre todo estadís;ca y probabilidad.
La música estocás;ca u;liza las leyes del cálculo de
probabilidades para su composición, obteniéndose una
música aparentemente indeterminada aunque con una
estructura general predecible. Mozart usó procesos
aleatorios basados en lanzamientos de dados para
componer minuetos.
Uno de los precursores de la música estocás;ca es Iannis
Xenakis, quien para componer u;lizó probabilidad, teoría
de juegos, teoría de grupos, teoría de conjuntos y álgebra
de Boole. También u;lizaba con frecuencia ordenadores
para producir sus trabajos. Antes, John Cage y otros autores
habían compuesto música aleatoria o indeterminada, que se
crea mediante procesos al azar pero que carece de una base
matemá&ca estricta.
 Iannis Xenakis
Iannis Xenakis fue un compositor e ingeniero civil de ascendencia griega nacido
el 29 de mayo de 1922 en Brăila, Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran
parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001.
Desde que era niño, cuando paseaba en bicicleta por el Ática o cuando visitaba
conventos en el Peloponeso, Xenakis escuchaba los sonidos de la naturaleza e,
inconscientemente, sentía que el dominio de estos ruidos era el de la música.
Más tarde, durante los enfrentamientos en Atenas contra los alemanes y
después contra los ingleses todas las experiencias sonoras de las guerrillas, las
manifestaciones, los gritos de la multitud cantando los eslóganes, el intercambio
de disparos, los pasos de la gente huyendo, todos estos eventos sonoros seguían
llamando la atención a Xenakis, no solo por el carácter musical ya mencionado
sino por los fenómenos determinables o predecibles del comportamiento de la
multitud en contraste con las acciones personales de cada individuo. Años más
tarde estos comportamientos deterministas los recuperaría en su primera
composición Metástasis.
Ya en Metastasis, Xenakis muestra un alejamiento radical de las tendencias
preponderantes en la vanguardia de la época, dominada por el serialismo (como
su nombre lo indica, es una técnica de composición basada en series) y el post-
serialismo. La obra plantea densos bloques sonoros, con los instrumentos de
cuerda haciendo glissandos de diferentes velocidades, configuran masas y
superficies de variadas texturas.
En La crise de la musique sérielle, Xenakis planteó sus críticas a la técnica serial
(lo que él denominaba "pensamiento lineal"), escribiendo lo siguiente respecto
al grado de complejidad al que había llegado el contrapunto serial:

’La polifonía lineal se destruye por su propia complejidad; lo que se oye no es en realidad más
que una masa de notas en diversos registros. La enorme complejidad impide al oyente seguir el
entramado de las líneas, y tiene como efecto macroscópico una dispersión irracional y fortuita
de sonidos a lo largo de toda la extensión del espectro sónico. Hay por tanto una contradicción
entre el sistema polifónico lineal y el resultado percibido, que es de una superficie o masa. Esta
contradicción inherente a la polifonía desaparece cuando la independencia del sonido es total.
La crise de la musique sérielle, Xenakis'
 MINIMALISMO
El minimalismo es una corriente artística que sólo utiliza elementos
mínimos y básicos. Se asocia el minimalismo a todo aquello que ha sido
reducido a lo esencial y que no presenta ningún elemento sobrante o
accesorio.
Se conoce como música minimalista a un género que se originó en Norte
América en la década del 60, catalogado de experimental, que se basa
en el
uso de:
— Repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un
período largo de tiempo.
— Éxtasis (movimiento lento), a menudo bajo la forma de zumbidos y
tonos largos.
— Énfasis en una armonía tonal.
— Un pulso constante.
El diseño de la música minimalista reconoce algunas tipologías comunes,
según el profesor y compositor norteamericano Kyle Eugene Gann, que
se exponen a continuación:
• Armonía estática
• Motivos breves repetidos
• Ritmo estático
• Instrumentación estática
• Metamúsica
• Elementos orientales
• Pureza de la canción
COMPOSITORES DESTACADOS
— La Monte Young

— Terry Riley
— Philip Glass
— Steve Reich
 La Monte Young
es un compositor y músico estadounidense, generalmente
reconocido como el primer compositor minimalista. Sus obras han
sido incluidas entre las obras más importantes y radicales después
de la Segunda Guerra Mundial, calificadas como avant-garde, música
experimental o música drone. Tanto sus composiciones proto-Fluxus
como minimal ponen en tela de juicio la naturaleza y la definición de
música y, a menudo incluyen elementos Epicos de las performances.
Ha compuesto obras con solo una nota en 1960. Combinó la
influencia de Webern con ntereses por el Gagaku Japonés, el
Gamelan de Indonesia y la música de la India.
Composiciones minimalistas:
— Trio para Cuerdas
— Dream House
 Terry Riley
(Colfax, California, 24 de junio de 1935) es un compositor musical
estadounidense asociado al minimalismo.
Comenzó con una educación musical formal pero pronto se sin@ó
atraído por la música de John Cage, los experimentos de La Monte
Young, las improvisaciones del jazz y la música clásica del norte de
India. Siendo su influencia más notoria la de su profesor Pandit Pran
Nath, un maestro de Cante Clásico Indio, que también enseñaría a
La Monte Young y Maria Zazeela. Riley realizó numerosos viajes a la
India para el estudio de la rítmica de varios instrumentos musicales
como la tabla, tambura y voz.
Su obra más conocida es In C, compuesta en 1964, donde se revela
sobre todo la influencia de su colaboración con La Monte Young y el
grupo Fluxus en Nueva York, así como el trabajo que realizó en los
estudios de Radio France con grabaciones en cinta.
 Philip Glass

Baltimore, Maryland, 31 de enero de 1937, es

un compositor estadounidense de música minimalista. Asistió
de joven a la escuela de música Juilliard. Es relativamente
conocido, pese a la complejidad de sus propuestas musicales,
desde la aparición de su ópera Einstein on the Beach.
Ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves; once
sinfonías; tres conciertos para piano y conciertos para violín,
piano, timbales, saxofón y orquesta; ha puesto música a un
viejo film como La bella y la bestia de Jean Cocteau. Trabaja
habitualmente con el Philip Glass Ensemble. Ha colaborado
con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma, Doris
Lessing y Robert Wilson.
Se caracteriza por su estilo basado en el uso de la repetición
de pequeñas y distintivas células melódicas y rítmicas y por su
uso de armonía diatónica tradicional.
— Metamorphosis
— Einstein On The Beach
— Two Pages
 Steve Reich

(Nueva York, 3 de octubre de 1936), es un compositor estadounidense. Reich

es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La
Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.
Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que
incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus primeras obras It's Gonna
Rain y Come Out—, efectos de fase repetidos —Phase Patterns, Violin
Phase y Piano Phase— y nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music,
la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento—.
Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música
contemporánea estadounidense, aunque luego Reich ha ido abandonando la
experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de
expresión musical con el uso de ensambles estrictamente instrumentales, en
obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three
Tales.
Numerosos críticos estadounidenses y británicos le conceden una gran
relevancia, no tan compartida fuera del mundo anglosajón.
 Influencias de Jazz
Desde principios del siglo la música afroamericana y el jazz influyó
notablemente a compositores dentro y fuera de Estados Unidos. Dentro del
país americano destacó Charles Ives y por sobre todos George Gershwin.
— George Gershwin
Compositor norteamericano proveniente de la música
ligera y del jazz. Supo adaptar los géneros populares
al entorno clásico. En Estados Unidos su obra es
Valorada y reconocida con homenajes, fesFvales y
concursos de composición. Estudió música con
Rubin Goldmark, concentrándose en la obra de
compositores como Debussy, Mendelssohn y Chopin,
aunque también las melodías de creadores de
canciones como Irving Berlín, bajo cuya influencia
compuso varias de las propias, algunas con letra de su hermano Ira. Aunque sus
trabajos no son perfectos, resulta un detalle insignificante en comparado con su
invenFva melódica, su senFdo del ritmo, y un talento extraordinario para crear
melodías que se siguen tarareando tras decenas de años. Fue un compositor
popular que creó un sonido idenFficatorio para la música de su país.

1919 La, la Lucille! (comedia musical).

1920-1924 Compuso música para las revistas (Scandals) de George White, entre
ellas Calle 135.
1924 Rapsodia en blue.
1924-1931 Música para las comedias musicales Lady Be Good, Tip Toes, Oh, Kay.
1925 Concierto en fa.
1928 Un americano en París.
1934 Obertura Cubana.
1935 Porgy and Bess (ópera)
En 1937 Murió el 11 de julio en Hollywood, al fracasar una operación quirúrgica
para exFrparle un tumor cerebral.
 Música cinematográfica
La música cinematográfica es un género nacido con el cine, a principios del siglo
XX. Tiene una función utilitaria: acompañar las imágenes de una película
potenciando su significado. Es un género esencialmente dramático y descriptivo.
El termino banda sonora, en sentido amplio, incluye todo el soporte sonoro que
acompaña las imágenes de una película. En sentido estricto, el termino se refiere a
la música propia del filme. La mezcla de los diversos elementos que componen el
cine no ha sido siempre sencilla. La música ha cumplido una función meramente
ornamental, y la obtención de un espacio expresivo propio dentro de la película ha
sido, y sigue siendo, una tarea difícil.
La banda sonora Una de las ideas mas extendidas en la industria cinematográfica
es la de que la música no debe oírse. Sin embargo, la música puede sacar a la
superficie e intensificar las reflexiones interiores de los personajes: sensación de
terror, de alegría.
Las partituras están escritas por uno o más compositores, bajo la guía o
colaboración del director o productor de la película y generalmente son
interpretadas por un conjunto de músicos, la mayoría de las cuales incluyen una
orquesta o banda, solistas instrumentales y coro o vocalistas. - y grabado por un
ingeniero de sonido.
Desde la década de 1950, un número creciente de bandas sonoras también han
incluido elementos electrónicos, y la mayoría de la música escrita hoy para cine
presenta un híbrido de instrumentos orquestales y electrónicos.
Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30', la música
cumplió un rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes
compositores de la década tales como los rusos Prokófiev y Shostakovich,
incursionaron también en esta área. Sin embargo llaman la atención ciertos
compositores que se dedicaron casi exclusivamente a trabajar a través del cine.
Aunque las musicalización de largometrajes durante los años 1940 estaban
rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en el campo de la música de
concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para el cine modernista. El
director Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y las obras
disonantes y trabajó con Alex North, cuya partitura de A Streetcar Named
Desire (1951) combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan también
se acercó a Leonard Bernstein para musicalizar On the Waterfront(1954) y el
resultado fue una reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Igor
Stravinsky, con sus "jazz basados en armonías y emocionantes ritmos aditivos".
Funciones de la música en el cine
Crear atmosfera: la música marca desde un inicio el género
de la película.
• Resaltar el ritmo de la acción: se elige un allegro para
escenas trepidantes y un adagio para resaltar len<tud.
• Situar una época o lugar: el uso de determinados <mbres,
ritmos o giros melódicos nos transportan donde ocurre la
acción.
• An<cipar la acción: la música nos da más información de lo
que va a suceder que la imagen
• Intensificar el sen<do de una escena: amplificar las
emociones situándolas en el justo punto de tensión
dramá<ca.
• Enlazar y dar cohesión a diferentes escenas: la música
ayuda a dar con<nuidad, suavizando el paso de una escena a
otra.
• Recordar elementos anteriores, personajes, ambientes,
paisajes… esta técnica se denomina leit mo<v.
• Ilustrar el carácter de un personaje: música de jazz
interpretada por un saxo para la chica sexy, metal para el
fuerte de la película etc…
— MUSICA DIEGÉTICA O REALISTA
Proviene de una fuente sonora que esta dentro del filme, y que
la cámara muestra en un primer plano. Es la música que existiría
si toda aquella ficción fuera realidad. Este tipo de música puede
estar compuesta con anterioridad, situándonos en el gusto y la
época en que transcurre el filme, pueden ser composiciones
escritas específicamente para la película.

— MÚSICA INCIDENTAL
Es la música que no tiene una justificación realista dentro de la
película. Es un comentario externo y paralelo a la acción, y aunque
parezca contradictorio esta música nos ayuda a hacer la historia más
creíble. *Dentro del discurso cinematográfico hay técnicas referidas
a la música.
- Leit motiv : consiste en asignar determinada melodía a un
personaje, paisaje o ambiente, lo que ayuda a definirlo.
- - La música fuera de campo, la música puede hacer que el
espectador presienta algo que va a suceder .
 Max Steiner
Maximilian Raoul Walter Steiner, conocido como Max
Steiner (Viena, 10 de mayo de 1888 - Viena, 28 de
diciembre de 1971) fue un compositor austriaco de música
de cine, considerado junto con Victor Young y Alfred Newman,
como el padre del sinfonismo clásico estadounidense. Es
curioso observar como de los diez compositores más
destacados de dicha época, solo dos son estadounidenses;
esto repercuRrá en los moRvos musicales de las
composiciones, siendo claramente música tardorrománRca y
basada en los cánones establecidos por los compositores
europeos.
Su trabajo en la orquesta de Rio Rita fue el moRvo para que
sea llamado por Hollywood, con el fin de adaptar dicha obra,
de la cual ya no se separará hasta su muerte. Comenzó en
RKO, y su éxito con la parRtura de King-Kong .
 John williams
John Towner Williams (n. Floral Park, Nueva York; 8 de febrero de 1932) es
un compositor y director de orquesta estadounidense. En una carrera que se
ha extendido por más de seis décadas, Williams ha compuesto varias de las
más famosas y reconocibles bandas sonoras de la historia del cine, muchas de
ellas pertenecientes a las cintas más exitosas
de todos los Mempos como: Tiburón, E.T.,
el extraterrestre, Superman, Star Wars,
Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de
Schindler, Home Alone y Harry PoUer.
Ha trabajado con el célebre director
Steven Spielberg desde 1974 y ha compuesto
la música de toda su obra, a excepción de tres
películas. También ha realizado composiciones
musicales para diversos Juegos Olímpicos,
numerosas series de televisión, noMcieros y
varias piezas de concierto.
Williams ha ganado el Óscar en cinco ocasiones y Mene en su haber 51
nominaciones, consagrándolo como el segundo hombre con más
nominaciones al máximo galardón del sépMmo arte después de Walt Disney.
También posee cuatro Globos de Oro, siete BAFTA y veinMtrés Grammy. En
2005, su obra en la banda sonora de Star Wars fue seleccionada por
el American Film InsMtute como la obra musical más grande del cine
estadounidense. Es uno de los compositores más reconocidos de música
de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la
música para series de televisión
COMPOSICIONES
— El Violinista en el — Schindler's List
Tejado (1971) (1993)
— Jaws (1975) — Harry Potter
(2001-2004)
— Star Wars (1977-
2005)
— Superman (1978)
— E.T. (1982)
— Indiana Jones
(1984)
— Jurassic Park
(1993)
Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran
— Max Steiner con; The Informer (1935), Now, Voyager (1942),
y Since You Went Away (1944), King Kong (1933), LiLle
Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with
the Wind (1939).
— Erich Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin
Hood. Alfred Newman con; How the West Was Won,The Greatest
Story Ever Told.
— Bernard Herrmann con; North by Northwest, The Man Who
Knew Too Much, CiXzen Kane, The Ghost and Mrs. Muir, y Taxi
Driver.
— Ennio Morricone; The Good, The Bad And The Ugly (1966), Once
Upon a Time in the West, The Mission(1986), The
Untouchables (1987), y Cinema Paradiso.
— Jerry Goldsmith; Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and
the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist.
— John Williams con; las dos trilogías de Star
Wars, Tiburón, Superman: la película, Indiana Jones, E.T., el
extraterrestre, Hook, Parque Jurásico, La lista de Schindler,
y Harry PoLer entre muchísimas otras.
Otros de los grandes compositores, especialmente del úlXmo cuarto
de siglo en adelante han sido
— Danny Elfman,
— Nino Rota,
— Vangelis,
— Howard Shore,
— James Horner,
— Alan Silvestri, ,
— Hans Zimmer y
— Henry Mancini.
 Arte del Performance
Una performance o acción artística es una muestra escénica, muchas veces con
un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así
como el sentido de la estética, juegan un papel principal.
Se realizan frente a un publicó pasivo. El escenario puede ser un teatro, una sala
o gallería de arte, una vía publica o un estudio.
Características:
• El cuerpo como eje fundamental.
• Son efímeras. (Se necesita un video o la fotografía para documentarlos)
• Importancia a la provocación y a la reacción.
• Rechazo ante lo establecido.
• Espontaneidad.
Puede tener pequeños grupos en donde el artista no representa ningún papel
este solo se expresa con gestos y movimiento para transmitir ideas ayudándose
con música experimental, imágenes y sonidos realizados con todo tipo de
aparato o instrumento.

Artistas destacados:
Estos fueron importantes artistas exponentes el performance que se destacaron
en este arte, tanto en la pintura, el teatro, la fotografía, la escultura etc.
Incluyeron acciones, movimiento.
Es importante mencionar la obra de Allan Kaprow, llamada “18 happenings”
realizada en 1959. Que consistía en combinar varios medios artísticos, como
escultura de ruedas, dispositivas, movimientos de baile entre otras. La obra se
desarrollaba pasando por pasadizo que te llevaba a diferentes pequeñas
habitaciones separadas por paneles plásticos y a través de los gramófonos se
avisaba el paso de una habitación a otra,. Esta obra duraba 90 minutos.
 Yves Klein
Yves Klein, el cual tuvo gran influencia en el desarrollo y la evolución de lo que
el performance art. Tuvo una breve carrera ar=s>ca que duro alrededor de 7
años ya que fue interrumpida por sus problemas de salud hasta su muerte en
1963. Tenia 36 años. Este ar>sta an>cipo gran parte de la décadas posteriores
(como seria el arte conceptual y el arte del performance)
Creo un color que lo paten>zo con el nombre “Azul Klain” . Fue realizado con
químicos específicos que dieron como resultado este vibrante color azul. El 9
de marzo 1960 en parís se llevo a cabo la exposición “Antropometrías”, En
donde se pintaba el cuerpo de las modelos de ese azul y las hacia imprentar
su cuerpo como si fueran “pinceles vivos” en un lienzo creando la silueta
desfigurado, con marcas y huellas bajo su dirección.
— Nace en Paris , el 28 de abril 1928 y muere en el 1962 con solo 34 años a
causa de un ataque al corazón pocos días antes del nacimiento de su hijo.
— Creo su primera sinfonía en el 1947 llamada “Symphonie Monotone”
— Tenia un “rechazo hacia el pincel” ya que lo consideraba “Excesivamente
psicológico”. Prefería usar el rodillo, lo consideraba mas anónimo.
— La obra era acompañada de una orquesta que tocaba una composición
llamada : Sinfonía Monótona - Silencio, Que consis=a en el sonido de un
acorde sostenido durante 20 minutos, seguido de 20 minutos de silencio.
— En la actualidad los lienzos de esta obra se encuentra en el Guggenheim
Bilbao Museo
 John Cage
John Cage que también tuvo su influencia en el arte
performático, ya que muchas de sus obras utilizo el “sonido”
de cualquier elemento no dirigido a ser musical, como una
herramienta de composición. Inspiro a otros artistas no
solamente músicos a implementar este enfoque en
diferentes áreas del arte.
— Pionero de la música aleatoria, música electrónica y del
uso no estándar de instrumentos musicales.
— Su música estuvo influenciada por diferentes culturas
orientales. (Filosofía India y Budismo Zen.)
— Se destacan , su obra mas emblemática 4’33” (que ya
conocemos) y “Piano Preparado” donde utiliza elementos
de metal como tornillos y llaves, para emitir sonidos
percutidos poco usuales.
 Nam June Paik
Nam June Paik, artista, compositor y video arista surcoreano de la segunda mitad
del siglo XX.
• Nace el 20 de Julio de 1932 en Seúl, Sudogwon. Corea del Sur y muere en enero
del 2006, Miami Florida, Estados Unidos.
• Estudio música e historia del arte en la Universidad Tokio,. Luego en Munich
Alemania teoría de la música y mas adelante en Colonia en el conservatorio de
Freiburgo.
• Participo en movimientos artísticos como el Fluxus y el Happenig.
• Parte de su identidad artística era colocar en sus exhibiciones múltiples
televisores prendidos en donde simultáneamente proyectaban imágenes con
música .
Nam June Paik, creo en esta exhibición o pieza de piano, como un tributo a su
amigo cercano John Cage. Paik altero el piano para que tocara una de las
composiciones de Cage utilizando un programa de computadora diseñado por
Richad Teitelbaum, uno de los artista con quien colaboro numerosas veces. La
televisión monitorea un collage de fotografías de Cage, fotos de las manos de Paik
mientras toca el piano, también imágenes de una coreografía Avant – Garde
ejecutado por el coreógrafo Merce Cunningham; al mismo tiempo hay dos cámara
filmando la ejecución del piano.
 Yoko Ono
Ar#sta Japonesa, nacida en Tokio febrero 18 1933.
Dedico gran parte de su trabajo a su John Lennon. trajo su Avant –
Garde a la música rock debido a su relación con el miembro de Los
Beatles en 1969.
Considerada como una ar#sta del experimentalismo, del arte
conceptual y del Fluxus.
Los temas de sus obras promueven la El pensamiento liberal, la
lucha en contra del racismo, la homofobia y el sexismo.
Sus obras mas destacadas son: Grapefruit 1964, Fly, Season Glass
entre otras.
Ha sido considerada como “la ar#sta desconocida mas famosa del
mundo” Es un libro que da instrucciones para la realización de
eventos , con la intención de causar una serie de experiencia que
llevan a la reflexión. Cada capitulo del libro esta dedicada a un arte ,
I) La música
II) La pintura
III) Evento
IV) Poesía
V) Objeto
VI) Cine
VII) Danza .
Al final #ene anexos de cartas,
listado de materiales….. etc…