La comedia del arte

Commedia dell'arte

Peeter van Bredael Commedia dell arte Szene Detail Bühne

UN POCO DE HISTORIA

Origen
La Comedia del arte, llamada originalmente en italiano, Commedia dell’Arte, tuvo sus primeras
representaciones en el siglo XV. Su principal auge se dio en Italia durante los siglos, XVI, XVII
y XVIII, llegando incluso hasta el siglo XIX.
Es un tipo de teatro popular como género, mezcla elementos del teatro literario
del Renacimiento italiano con tradiciones carnavalescas (máscaras y vestuario),
recursos mímicos y pequeñas habilidades acrobáticas. Su aparición es contemporánea de la
profesionalización de los actores y la creación de compañías estables.
Este tipo de teatro surgió en el seno de una sociedad mayoritariamente rural. Según los expertos,
los campesinos acostumbraban a reunirse tras el trabajo, siendo uno de los entretenimientos más
habituales el escuchar historias.
A partir de esas reuniones y de los relatos que se narraban fueron creándose una serie de
personajes, muy caracterizados por los distintos dialectos que se hablaban en Italia.
Los personajes eran fácilmente identificables por los campesinos y se les añadió las máscaras
típicas del carnaval. En un principio, las representaciones eran muy visuales y burlonas, con una
gran dosis de improvisación.
Muchas de las claves de la «comedia del arte» fueron usadas por maestros clásicos
como Shakespeare, Lope de Vega o Molière. Tras su desaparición en el siglo XIX, tuvo
continuidad en géneros como la pantomima, el melodrama de estereotipos y la vertiente teatral
de los payasos. A finales del siglo XX se reconocía en claves esenciales del teatro
independiente, el cine burlesco y, como modelo didáctico, en la ideología de un teatro completo
(basado en el actor y el colectivo), recuperador del poder del gesto y la improvisación, como se
percibe en la obra de Meyerhold, Jacques Copeau, Jean-Louis Barrault y, en especial, de Dario
Fo
Edad Media
Antes de la llegada del Renacimiento, durante la Edad Media, en Italia ya existían
representaciones heredadas del teatro romano. Solían ser improvisaciones y tener un carácter
satírico y cómico. En esos espectáculos también se incluía la danza y la mímica.
Estas pequeñas obras solo contaban con un breve guion inicial, llamado Canovacci. Era una
trama neutra, a partir de la cual se desarrollaban distintas historias. Esto las distinguía del teatro
formal, que se contaba con un guion fijo a representar.
De acuerdo a los historiadores, los actores fueron incorporando las máscaras del carnaval a los
espectáculos, siendo el germen de las posterior Comedia del Arte. Este último término, “Arte”,
tenía el significado medieval de “habilidad”, y se utilizó para diferenciar este tipo de teatro.
Frente a las obras representadas en la Corte, en la que los actores solían ser aristócratas o
académicos, los de esa primigenia Comedia del Arte eran profesionales. Por primera vez se
agruparon en asociaciones de actores y empezaron a cobrar por sus actuaciones.
Teorías del origen
Además del mencionado antecedente medieval, se suelen señalar tres teorías diferentes sobre el
origen de la Comedia del Arte.
La primera, sostenida por algunos estudios, afirman que pueden procedes de la antigua Roma.
En esa época se representaban las denominadas farsas “atelanas”, que contaban con algunos
personajes que los expertos relacionan con los de la Comedia del Arte.
Por otra parte, otros estudiosos opinan que el origen fue la unión de las actividades de los
juglares, bufones y malabaristas medievales, con los elementos del Carnaval. Esta corriente
apunta a las comedias populares de Ruzzante como el antecedente más cercano a la Comedia
del Arte.
La última teoría afirma que se trató de la evolución de la comedia latina. Al acercarse al pueblo,
el estilo de las obras de autores cómicos, como Plauto o Terencio, se habría trasformado en ese
nuevo tipo de teatro.
Características
En el ámbito teatral, se considera a la Comedia del Arte como la herencia más reconocible e
importante del Renacimiento italiano. A partir de entonces, apareció un nuevo tipo de actores:
los comediantes, provenientes de los bufones, juglares y cuenta-historias medievales.
Las compañías surgidas con esta clase de teatro eran itinerantes. Se trasladaban de un pueblo a
otro buscando donde representar las obras, aunque algunas conseguían quedarse en las ciudades
más grande.
Estos traslados provocaban que los escenarios fueran muy sencillos, ya que tenían que llevarlos
con ellos. Aunque en ocasiones podían representar las obras en teatros auténticos, muchas veces
debían hacerlo en plazas o lugares improvisados.
Argumentos
El argumento central de las obras de la Comedia del Arte solía ser muy similar. Se trataba, en
realidad, del eje sobre el que los actores iban a improvisar en cada ocasión.
La historia más común giraba en torno a dos enamorados que tenían que enfrentarse a la
oposición de sus familias o a otros problemas absurdos. Los otros personajes eran los
encargados de representar las situaciones cómicas para que los asistentes disfrutaran con la
obra.
Uso de dialectos
La variedad de acentos que ofrecía la península itálica y los diferentes tópicos asociados a cada
región fueron muy utilizados por la Comedia del Arte.
Cada personaje fue adquiriendo la forma de hablar y el carácter de las diversas zonas, usando
los rasgos locales de manera humorística. Por ejemplo, Pulcinella era napolitano, mientras
Arlequín era de origen bergamasco.
Mascaras
Uno de los elementos más característicos de la Comedia del Arte era el uso de las máscaras.
Cada personaje, excepto los enamorados, vestía la suya. Se trataba de un teatro de media
máscara, dejando la boca libre para que pudieran hablar.
Otro elemento importante era que había mujeres actuando. Esto lo diferenciaba del teatro inglés
y de otras tradiciones, en los que los personajes femeninos eran representados por hombres.
Improvisación
Como se ha señalado anteriormente, el guión de la Comedia del Arte era muy esquemático.
Algunos procedían de obras antiguas y servían como base para que los actores improvisaran.
En el momento de la actuación, la compañía colocaba un libreto al fondo del escenario, que
indicaba a los actores las entradas y las salidas. Los diálogos, por su parte, eran en su mayoría
inventados sobre la marcha.
Estructura
Aunque la improvisación era la norma, la Comedia del Arte no carecía de cierta estructura fija.
Cada compañía contaba con un director de escena y un libreto para controlar la función.
Ese director era también uno de los actores, normalmente el principal. Antes de comenzar el
espectáculo, la costumbre era ofrecer un resumen del argumento al público.
Las obras solían desarrollarse en tres actos y, entre ellos, se intercalaban espectáculos
musicales, de acrobacia o de danza.
La Comedia de'll Arte es libre en el sentido de que no está edificada o construida sobre una
estructura única, pero por supuesto, persigue reglas muy precisas y necesita de muy buenos
actores para la realización del trabajo. Lo que existía para ese entonces eran los conocidos
"scenari" que resultaban ser como especie de guiones, que contenían los temas básicos a
desarrollar en la obra y que variarían a su vez de pueblo en pueblo. Estos papeles eran
colocados detrás de la escenografía donde todos los actores podían leer el asunto de la obra,
dependía de ellos el desarrollarla de una u otra manera. Como parte de este estímulo surgieron
los famosos "lazzi", que resultaban ser secuencias cómicas de un personaje (entre las más
famosas está la de cuando Arlecchino se come la mosca o el gusano...) La Commedia dell´Arte
acabó con la práctica de escoger actores novatos que se aprendían los diálogos de memoria y los
repetían sin ninguna expresión en el escenario. Un grupo totalmente distinto de actores le dieron
nacimiento al primer núcleo de compañías teatrales que comenzaron sus actos en escenarios
simples al aire libre y con escenografías esenciales (usualmente pintadas sobre telas y que
representaban casas o calles de una ciudad). La Commedia dell´ Arte, recibió un fuerte impulso
de varios elementos reunidos: temas populares, ironías, historias complejas, saltos acrobáticos y
tiernas escenas de amor que convirtieron en un éxito. La poderosa mezcla de varios elementos
dio un fuerte impulso a la iniciativa: temas populares, historias complejas con muchos puntos
culminantes, brincos acrobáticos y melosas escenas de amor fueron la clave para el éxito y la
trascendencia de este estilo de actuación.
Claves
Hay que considerar que un fenómeno teatral que duró más de tres siglos y que se desarrolló con
personalidad propia en varios países, no puede describirse con claves absolutas y concretas...
La máscara, por ejemplo, es un elemento característico de la comedia del arte, pero hay
abundantes ejemplos y fuentes que demuestran que no siempre se usó. El mismo criterio habrá
que aplicar a las siguientes diez claves:
1. Personajes fijos.
2. Improvisación
3. Herencia de juglares, bufones y malabaristas.
4. Creación colectiva
5. Interactividad de los actores con el público.
6. Esquema de "bandos": los enamorados (o "bando grave"); los amos o ancianos ("bando
ridículo"); y los criados, distribuidos en primer «zanni» y segundo «zanni».
7. Puesta en escena adelantada a su tiempo.
8. Disfraces y travestismos.
9. Abuso del quiproquo.
10. El ritmo y la ilusión dramáticos priman sobre lo verosímil

Personajes
Al contrario de lo que ocurría en el teatro inglés de la época, cuyas compañías estaban
exclusivamente formadas por hombres (que hacían los papeles femeninos), en la "comedia del
arte" también había actrices. Todos los personajes usaban máscara (media máscara para facilitar
los parlamentos), con la excepción de los enamorados
En la commedia dell'arte, un grupo de actores se especializaban cada uno en un personaje -que
interpretaría durante toda su vida-, realizaban una crítica y parodia social en base a un boceto de
historia (canovaccio)
En líneas generales, la Comedia del Arte constaba con tres grupos de personajes. El primero
estaba formado por los criados, denominados Zanni. Estos eran de origen campesino y se valían
de su ingenio y picaresca para sobrevivir en la ciudad.
El segundo grupo era el de los Vecchi, los viejos. Representaban el Poder en sus distintas
formas, tanto el político como el militar, pasando por el económico o el intelectual.
Por último, estaban los Innamorati (los Enamorados). Estos no vestían máscara, ya que
sus sentimientos debían mostrarse al desnudo.
La riqueza, muchas veces confusa, de personajes principales de la «Commedia dell'Arte», se
debió a su desarrollo paralelo en zonas diferentes de la península
italiana: Venecia, Nápoles y Roma. De ahí que convenga hacer una distribución:
Personajes masculinos del modelo veneciano
 Pantaleón, Pantalón, «Pantalone» o «Pantaleone» (el viejo avaro), identificado otras
veces como "el Magnífico", "Cassandra", el "Uberto" de la ópera bufa de Pergolesi La
serva padrona, e incluso con el Shylock de el mercader de Venecia. Su máscara se
corresponde con el águila.
 «Il Dottore» (el otro viejo verde), oriundo de Bolonia y entre otros nombres: "El Doctor
(médico)", "Balanzone", "doctor Graziano". Su máscara se corresponde con el toro.
 Brighella, el primer bufón, «zanni» cómico y pícaro originario de Bérgamo.
 Arlequín o «Arlecchino» (el segundo cómico o criado tonto), confundido a veces con
"Mezzettino" , "Truffaldino" y "Tabarin".
Personajes masculinos del modelo napolitano
 "Tartaglia" (el juez tartamudo), uno de los viejos o amos en el modelo napolitano.
 "Il Capitano" o Capitán (versión del «miles gloriosus» de Plauto), soldado fanfarrón y
cobarde, que generó a su vez a Scaramuccia (el francés "Scaramouche"). Su máscara se
corresponde con el gallo.
 "Coviello" (el primer cómico o criado listo).
 "Pulcinella" o Polichinela (el segundo cómico o criado tonto).
 Lelio (el joven enamorado), otras veces llamado "Orazio", "Lucio" "Flavio", "Florindo",
etc.
Personajes femeninos comunes
 "Rosaura" (la joven enamorada), por otros nombres: "Luchinda", "Vittoria", y que a
veces tomaba el nombre de la actriz que interpretaba ese papel (como en el caso de la
"Isabella" de Isabella Andreini).
 Colombina (pareja de Arlequín y criada con más protagonismo), identificada unas veces
y confundida otras con las: Fantesca, Fiametta, Smeraldina, Franceschina, Mariolina,
Ricciolina, Arlequina, Pasquetta, Diamantina, Turchetta, Sineraldina...
Pantaleón
Pantaleone, Pantalón y, en su origen, El Magnífico o El Bisognosi,nota 1 son los nombres por
los que se conoce a uno de los principales personajes de la commedia dell'arte. Dentro del grupo
de los vecchi ('viejos' o 'amos') ocupa el vértice económico del «triángulo satírico del poder»,
junto con Il Dottore en el vértice intelectual y el Capitán en el militar.1 Personaje de origen
veneciano, representa a un rico y viejo comerciante de la ciudad, que habla con
marcado dialecto de esa región italiana. Evocando la estética tradicional de los diablos,
viste jubón y calzas encarnados y se cubre con una capa negra («zimarra»).
se presenta con máscara negra de enorme nariz ganchuda y, con frecuencia, una larga perilla
blanca de chivo, similar al senex de la Comedia latina.3 El personaje de «Pantaleón» puede
desarrollarse en dos tipos muy diferentes. En algunos canovacci ('guiones esquemáticos sobre
los que improvisa el actor') es un viejo celoso, desconfiado, libidinoso y avaro, enemigo de la
juventud.nota 2 En otros argumentos, como en su rol de «Pantaleone dei Bisognosi» (de los
Necesitados), es un anciano de buen corazón, bondadoso y comprensivo. Ambos tipos, no
obstante, coinciden en el desarrollo de una misma personalidad dramática, la del mercader
enriquecido que por lucrarse dejó de lado el amor y, sintiéndose viejo, intenta recuperarlo; pero
su destino es ver cómo son otros los agraciados con el don amoroso, sean hijos o criados. En su
rol bondadoso se consolará reparando los desastres de los jóvenes. En su rol celoso y resentido
intentará entrometerse en su felicidad. 4 Muy a menudo, como padre de una hija joven y casadera
(uno de los innamorati de la trama básica de la commedia), «Pantaleón» centra, junto con
sus criados gran parte de la trama.
Se han barajado dos posibles orígenes del nombre de este personaje. Uno, el del protector de la
ciudad de Venecia, san Pantaleón; y otro «pianta-leone», mote o apodo que se les daba a los
venecianos, por su costumbre de colocar (plantar) imágenes del conocido león de San
Marcos en los territorios conquistados.
Va vestido con un abrigo negro (en su origen rojo), el gorro de lana (nos recuerda el frigio), un
chaleco también encarnado y el calzón cortado en forma de calzoncillo largo y ajustado, las
medias igualmente escarlatas y las zapatillas también del color característico de la ciudad de
Venecia; siempre lleva la bolsa con sus ahorros, la espada para defenderlos y un pañuelo; ¡ah!, y
para las ocasiones, se muda con una capa negra, amplia y larga.

Su máscara corresponde a un animal, el águila, que concreta su carácter; es parda, huesuda y

aquilina, oscila entre la seriedad y la broma y adquiere una relevancia especial, ya que a
menudo se presenta de perfil.
En realidad, hay que desconfiar de él: de repente puede ser muy ágil y utilizar sus recursos con
gran malicia, volverse astuto y malo, gruñón y ambicioso; puede mostrarse capaz de todo, sin
ningún temor a la pelea.
Sin embargo, este negociante, supuestamente respetable, ordenado y padre de un y/o una joven
(según el argumento del canovaccio que estén representando), siempre acabará explotado o
engañado por alguien, tal como corresponde a la cultura del carnaval y al teatro popular.
Il Doctore
También llamado Baloardo, Graziano, Spaccastrummolo y Balanzón,nota 1 es un
personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los vecchi (viejos o amos)
ocupa el vértice intelectual del "triángulo satírico del poder", junto con Pantaleón en el
vértice económico y el Capitán en el militar.1 Personaje de origen boloñés, unas veces
médico y otras  jurista, viste toga doctoral de la Universidad de Bolonia y habla con
marcado dialecto de esa región italiana. Una de sus perogrulladas favoritas es: "Lo
que no es verdad es simplemente mentira".
El personaje tipo de "Il Dottore" es el de un hombre obeso que disfruta de beber y
comer en abundancia. Su máscara, que le cubre solamente frente y nariz, suele ser
negra (otras veces color carne y con nariz roja); negros son también su sombrero y
vestimenta, a veces con un lechuguino o golilla blanca. Entrometido y cargante, está
siempre enojado y no deja que nadie le dé lecciones sobre aquellos temas que
asegura conocer en profundidad, que son muchos (medicina, leyes, etc.). No se cansa
de repetir que ha estudiado en Boloña (en algunos libretos es Padua),
ciudad renacentista con una de las más prestigiosas universidades de Europa.2 A
menudo, se le retrata como una persona adinerada y procedente de una familia rica.
Ama el sonido de su propia voz cuando pronuncia frases en latín macarrónico y griego
incomprensible, en un tono claramente impostado, y es un personaje de
la commedia en el que el discurso, lo que dice, es más importante que sus gestos o
cómo se mueve (preponderancia del texto sobre la mímica).
Es compañero y vecino de Pantalone, con quien comparte la avaricia y el gusto por la
elocuencia y la galantería sensual y egoísta. Es gordo, con la piel grasa, y tiene un
vientre prominente que le impide inclinarse con facilidad. Su paso es difícil, le cuesta
moverse. Está siempre pendiente de Pantalone del que es ora amigo, ora rival.
Lleva el traje de los hombres de ciencia de Bolonia: un vestido largo y oscuro que le
llega hasta los talones, revelando calzas negras; otras veces es más corto y se acaba
en las rodillas. Lleva un gran sombrero negro y a menudo una larga capa flotante
también negra
Su media máscara también es oscura y sólo cubre la frente y la nariz, resaltando su
tozudez al tiempo que la animalidad que lo caracteriza: el toro
Il Capitano

Referencias
https://www.lifeder.com/comedia-del-arte/#Uso_de_dialectos
 

Arlequín

Brighella

Colombina

Coviello

 
 

Florindo (Lelio)

Isabella

Polichinela

Scapino

Scaramouche