MARCO TEORICO

POP ART
El arte pop es un movimiento artístico surgido en el Reino Unido y Estados Unidos
a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes
del consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos
culturales y del mundo del cine. El arte pop como la música pop, buscaba utilizas
imágenes en posición a la elitista cultura existente en las bellas artes,
separándolas de su contexto aislándolas o combinándolas con otras. Además de
resaltar el aspecto banal o kitchs de algún elemento cultural, a menudo a través de
la ironía.
Es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes
ideales del expresionismo abstracto. De cualquier forma el arte pop también es la
continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia
en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.
Del mismo modo, el arte pop era una extensión como un repudio del Dadaísmo.
Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop
reemplaza los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a
finales de los 1960 en Estados Unidos. Con diferentes motivaciones. En Estados
Unidos marco el regreso del dibujo del tipo Hard edge y del arte representacional
como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la
ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo
abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de las post-guerra aunque también
utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería
dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba
formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban
afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la
sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como
una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde
lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban comprometidos con os
derechos civiles, por la participación y por protestar en contra de la guerra de
Vietnam; estos mismos rechazaban el consumismo y los valores conservadores.
Muchos artistas adaptaron técnicas mecánicas de imprenta para reflejar el mundo
contemporáneo y distribuir su arte en masa.
El movimiento urbano que constituye el arte pop, pretende unir arte y vida
mediante el enfrentamiento de las emociones. Tiene el propósito de reflejar la
superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir,
coge productos de consumo accesibles para todos y los representa. Con esto se
destaca la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo
de subjetividad de la artística.
Por otro lado, la repetición es una característica que abunda en este movimiento
ya que en los medios de comunicación se usa como método tanto como para
crear iconos como para anestesiar a la sociedad de los problemas graves. Por lo
tanto. En este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es
la vida que imita al arte o la imagen.
CUBISMO
Fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y
encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Robert
Delaunay, Juan Gris y Guillaume Apollinaire. Es una tendencia esencial, pues da
pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más,
sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El termino cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vaucxelles, el mismo
que había bautizado a los fauvistas motejándolos de los fauves; en el caso de
braque y sus pinturas de L´Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era
una pintura compuesta por pequeños cubos. Se originó así el concepto cubismo.
El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura
forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tiene
una métrica específica ni se organizan en versos.
El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de
las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su
surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto a la obra de Cézanne como el
arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendio
representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales, intentando
representar los volúmenes sobre la superficie plana de lienzo de una manera
nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que él, los
neoimpresionistas Seurat y Signag tendieron a estructurar geométricamente sus
cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para
resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los
objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que
habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusivos de los efectos
de la luz.
Es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto
renacentista vigentes a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros
cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza
por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta
así la llamada perspectiva múltiple: se representan todas las partes de un objeto
en un mismo plano. La representación del mundo en donde pasaba a no tener
ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista
determinado, sino con las que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo
tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo se representa
de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz esta de perfil y el ojo de frente,
una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un
punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen,
y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los
violines, insinuados solo por la presencia del mismo.

MARCO TIPOLOGICO

ANDY WARHOL
Andrew warhola artista plástico estadounidense que llego a ser el más conocido
representante del pop art, inicio sus estudios del arte en el instituto Carnegie de
Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en nueva york,
comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como
Vogue, Harper´s Barsar, Seventeen y The New Yorker.
Al mismo tiempo pinto lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o
imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el comic. Pronto comenzó a
exponer en diversas galerías. Elimino progresivamente de sus trabajos cualquier
rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento
popular procedente de la cultura de las masas, el mundo del consumo o los
medios de comunicación.
Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando
paso a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía,
mediante el cual reproducía sistemáticamente los mitos de la sociedad
contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a
Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, asi como su
célebre tratamiento de latas de sopa campell, obras todas ellas realizadas durante
la fructífera década de 1960.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de
públicas, como las latas de sopa o los botellines de coca-cola, se convirtió en uno
de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras
ocasiones plasmo crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas
callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, Electric chair es una de
sus obras más significativas.