24/9/2020 Lenguaje y psicología - Art21

Entrevista

Lenguaje y psicología
Mike Kelley

Mike Kelley. Bee Beard, detalle, 1985. Colección de Barry Sloane.

El artista Mike Kelley analiza las teorías psicológicas, la belleza y lo sublime.

ART21 : ¿Cuánto influyen las teorías psicológicas en su trabajo?

KELLEY : No creo que sea algo que esté ahí todo el tiempo. En ciertos proyectos lo es.
En el proyecto Uncanny , está ahí porque Freud escribió (realmente) el único ensayo
sobre lo siniestro, así que lo usé como punto de referencia.

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No puedo decir que me interesen particularmente las ideas freudianas, aunque me

gustan mucho los escritos de Freud; Creo que están muy bien escritos. Muchos
escritos psicoanalíticos simplemente no son muy interesantes de leer, y Freud es
realmente interesante de leer. Entonces, me gusta como escritor, pero en términos de
teoría, gran parte de esa teoría ha sido absorbida por la cultura popular. Para entrar en
los pequeños detalles delicados sobre todas las disputas entre los analistas y todas
esas diferentes teorías psicológicas, no quiero llegar a eso. Eso es demasiado
complicado, y ese no es mi enfoque, de verdad. Tiendo a utilizar escritores y teorías
para mis propios fines. Y generalmente son fines poéticos. Tiendo a usar la escritura
psicoanalítica o la literatura psicológica de esa manera.

De hecho, soy un gran admirador de los escritos de Ferenczi, contemporáneo de Freud,

y también de Reich y Lange, mientras que Lacan no me interesa mucho. Simplemente no
encuentro que los escritos me hablen como literatura. Me gusta mucho que la escritura
psicológica y psicoanalítica intente abordar las motivaciones y los problemas humanos
básicos. También la forma en que esas personas escriben sobre la sublimación —cómo
describo esto— el hecho de que una idea puede ser sustituida por otra o bloquear otra.
Eso es muy parecido a una metáfora, y eso, para mí, es muy parecido al arte. Realmente
creo que el arte se trata de representación. Y no creo en el arte no objetivo; No creo
que exista tal cosa. Eso no quiere decir que sea realista, pero creo que todas las cosas
operan en múltiples niveles asociativos. Así es como la gente ve el mundo. Entonces,
Me atraen los discursos que están interesados en eso. La escritura psicoanalítica
tiende a tratar los problemas diarios de las personas; está más arraigado en la realidad
y la vida cotidiana. Me atrae más que los escritos filosóficos abstractos.

Por ejemplo, en mis pinturas, estaba pensando en simplemente tomar citas al azar de
Ferenczi, como si eso explicara las pinturas. Ferenczi tiene un montón de pequeños
fragmentos fantásticos que podrían sacarse de contexto. No es serio; solo tiene la
intención de arrojar todo el asunto a algún tipo de luz. Provoca al espectador a
proyectarse en él de una manera más controlada de lo que lo haría naturalmente.
También he estado leyendo recientemente, oh, ¿cómo se llama, la psicoterapeuta
británica que hizo mucho con los niños y la teoría del juego? Melanie Klein. He estado
leyendo mucho sobre Melanie Klein y estoy pensando en hacer algunas esculturas
particularmente relacionadas con sus ideas de terapia de juego, pero en un contexto
musical. Ese género de escritura es uno de mis géneros favoritos. De hecho, me ha
ocupado un lugar en mi lectura de literatura, porque no encuentro mucha literatura que
me interese hoy en día. Cuando era más joven, era realmente un ratón de biblioteca y
leía mucha literatura. Pero ya no disfruto de eso, mientras que todavía disfruto de leer
libros “psiquiátricos”.

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Mike Kelley en su estudio, Los Ángeles, 2004. Fotograma del episodio de la tercera temporada de Art in
the Twenty-First Century , Memory . © Art21, Inc. 2005.

ART21 : ¿Puedes hablar de tu propia escritura?

KELLEY: Cuando era más joven, toda mi escritura se generaba para el trabajo de
interpretación. Entonces, era la escritura la que tenía que tener una especie de fluidez.
Me influyeron mucho escritores como Raymond Roussel, Samuel Beckett, Gertrude
Stein y Tomás de Aquino. Siempre hay una sensación de presencia, pero al mismo
tiempo, las cosas cambian, como en las "pruebas" de Aquino o cómo se usa la
reiteración en Beckett o Stein. Gran parte de lo que escribí en ese período era muy
asociativo, pero intentaba estar estructurado de una manera, donde las ideas pudieran
ser una corriente de conciencia pero ser lo suficientemente simples para fluir, una a la
siguiente. Dónde podría fluir y contradecirse a sí mismo, pero la audiencia, debido al
aspecto de duración de la actuación, no lo recordaría. Recordarían el contenido, pero no
recordarían que las cosas cambian. Y eso realmente me interesa sobre las formas más
antiguas como las formas orales.

Empecé a escribir más críticamente en los años 80, cuando estaba muy descontento
con cómo se estaba escribiendo mi trabajo y cómo otros artistas a los que respetaba o
con los que tenía alguna asociación estaban siendo tergiversados radicalmente en la
prensa artística. Pero ahora me he cansado de eso. No siento que necesite ser la voz de
mi generación o mi grupo, y no me importa tanto la política del mundo del arte. Así que
ahora estoy mucho más interesado en volver a la escritura creativa. Este proyecto [
Day Is Done] es en gran medida una forma de volver a escribir. Y como no tengo el
tiempo para hacerlo, tengo que incorporarlo en mi trabajo, de alguna manera, como la
música. Ya no tenía tiempo para tocar música, así que tuve que hacer un proyecto en el
que me obligué a hacer música. Esa era la realidad; de lo contrario, nunca podría
hacerlo. Pero todavía, en ocasiones, escribo ensayos de catálogo o cosas así. Cuando
volví a montar la exposición Uncanny , tuve que escribir un nuevo prefacio porque el
mundo del arte había cambiado mucho en quince años y necesitaba actualizar mis
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pensamientos. Pero no era algo que realmente quisiera hacer; era algo que tenía que
hacer.

ART21 : ¿Y tus libros?

KELLEY : Acabo de publicar, en los últimos dos años, dos libros de mis ensayos y
escritos informativos sobre mi trabajo. Lo que no se ha publicado son todos los textos
de performance y escritos para video. Ese es el proyecto que quiero hacer a
continuación, pero es enorme porque he escrito mucho más de eso que textos críticos.

ART21 : ¿Existe un límite para lo que incluiría?

KELLEY : Oh, seguro. Hay cierto tipo de cosas que no publicaría, como las letras de las
canciones, porque son tan estúpidas; no tienen ningún sentido fuera del contexto
musical. Pero reelaboraría los textos de performance para su publicación. Creo que
pueden funcionar como una especie de poesía.

Mike Kelley. Más horas de amor de las que jamás se pueden pagar y El salario del pecado , 1987. Peluches
de tela y afganos sobre lienzo con maíz seco, velas de cera sobre madera y base de metal; 90 × 119 ⁄ × 5
pulgadas. Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; Compra, con fondos del Comité de Pintura
y Escultura 89.13ae. Foto de Sandak / Macmillan Publishing Company, copyright de la fotografía ©
Whitney Museum of American Art, Nueva York.

ART21 : ¿Son importantes los títulos de sus proyectos?

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KELLEY : Mucho. A menudo, mis títulos son bastante extensos y están destinados a ser
descriptivos. Intentan ser claros, intentan decir qué es, pero al mismo tiempo revelan
choques estéticos, o su palabrería llega al punto de la incomprensibilidad. Me gusta la
poesía, por ejemplo, en la que el lenguaje puede caer en puro sonido. Sin embargo,
siempre existe esta tensión entre la musicalidad del lenguaje o el hecho de que entra en
ritmo, en algo que encuentras en un lenguaje realmente complicado, como la teoría o la
jerga legal. Y me atrae ese tipo de lenguaje. Un título como Reconstrucción proyectiva
de actividades extracurriculares-eso es lo que es. Cuando lo dices, es difícil asimilarlo;
es un bocado de palabras. Pero no es sin sentido, eso es lo que es. No todos los títulos
son así de complicados, solo algunos. Algunos son realmente sencillos.

ART21 : ¿Cómo han entendido la crítica tu trabajo?

KELLEY : Me asocié con este llamado movimiento de Arte Abyecto, en el que las
nociones de fracaso entraron en juego en la discusión del arte. Y debido a que gran
parte de mi trabajo mira hacia las llamadas formas bajas, como el arte popular o la
cultura de masas de bajo nivel, los críticos de mi trabajo tendían a confundir mi uso de
eso con algún tipo de inversión. Que esto es una especie de estética de "cuello azul".
Bueno, podría venir de eso, pero no me encanta.

El mundo del arte cambió mucho porque recientemente esas cosas han encontrado un
lugar en el mundo del arte, cuando hace quince años, nunca se veía en todas las galerías
de Nueva York algún tipo de referente de la cultura de masas. Ahora cada galería tiene
esas cosas, y esta discusión sobre los holgazanes se ha convertido en un término
positivo en lugar de negativo. Este tipo de discusión no me interesa en absoluto,
porque ¿quién define estas cosas? No puedo hablar de ello de forma tan abstracta; no
tiene sentido. Entonces, no tengo ganas de entrar en detalles sobre eso, en relación con
la producción de otros artistas.

ART21 : ¿Qué pasa con la idea de belleza?

KELLEY : Este fue un tema realmente importante en el arte contemporáneo. El llamado

campo de la Nueva Belleza: el arte vuelve a ser hermoso. Creo que están hablando de
ideas convencionales de belleza y yo estoy más interesado en lo sublime. Creo que es
una especie de neoconservadurismo que encaja perfectamente con la ideología
republicana. Es retrospectivo y no me interesa porque la Nueva Belleza es una belleza
pasada de moda, hasta donde yo la veo.

ART21 : ¿Qué te parece hermoso?

KELLEY : Creo que lo que hago es hermoso. Creo que es hermoso porque los términos y
las divisiones entre términos se confunden y las divisiones entre categorías comienzan
a deslizarse. Eso produce lo que considero un efecto sublime, o produce humor. Y
ambas cosas me interesan. Cuando usas la palabra sublime , tradicionalmente se asocia
con la metafísica. Es un uso del siglo XIX, como la sublimidad de una montaña que se
vuelve como la naturaleza y Dios. No pretendo evocarlo de esa manera. Me interesa
una belleza menos elevada.

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Mike Kelley. Memory Ware Flat # 13 , 2001. Pulpa de papel, lechada de baldosas, acrílico, abalorios
diversos, botones y joyas sobre panel de madera; 70 × 46 × 4 pulgadas. Foto de Nic Tenwiggenhorn.
Cortesía de Jablonka Galerie, Colonia.

ART21 : ¿Puedes decir un poco más sobre lo sublime?

KELLEY: Bueno, como dije, creo que ese tipo de discusión sobre lo sublime es una
discusión metafísica del siglo XIX, como Edmund Burke o los trascendentalistas

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estadounidenses. Y, por supuesto, no es de ahí de donde vengo. Para mí, la psicodelia

fue sublime porque en la psicodelia tu visión del mundo se vino abajo. Esa fue una
revelación sublime, esa fue mi juventud y esa fue mi noción de belleza. Y eso fue una
especie de sublime cataclísmico. Estaba muy interiorizado, no se trataba de un exterior
metafísico; se trataba de tu propia conciencia. Ese es mi punto de partida de lo sublime,
y he tenido que llevarlo a una esfera más conceptual, que tal vez sea analítica sublime.
Como, ¿cómo se produce un efecto sublime? La predicación es una producción de
efecto sublime. La poesía es una producción de efecto sublime. La hipnosis es la
producción de un efecto sublime. Y todos esos son ejemplos de ello, producidos a
través del lenguaje. Creo que también se puede producir a través de la imagen: choque
de imágenes, resonancia de imágenes, cosas así.

ART21 : ¿Cuándo supiste que querías ser artista?

KELLEY : Cuando era adolescente, supe que iba a ser artista; no hay duda de eso. No
había nada más para mí. Ni siquiera quería ser las otras cosas que en ese momento
estaban fuera de la cultura general. No quería ser músico de rock; Quería ser artista. Y
creo que la razón por la que lo elegí fue que, en ese momento, era lo más despreciable
que podía ser en la cultura estadounidense. Ser artista en ese momento no tenía
absolutamente ningún valor social. Fue como un fracaso planeado. Nunca podrías tener
éxito. ¿Y el hecho de que ahora soy un artista profesional? En ese momento, parecía una
contradicción de términos. Vengo de un medio en el que se despreciaba a los artistas,
mientras que los músicos de rock y los traficantes de drogas eran, ya sabes, héroes de
la cultura hipster.

Esta entrevista se publicó originalmente en PBS.org en septiembre de 2005 y se volvió a publicar en

Art21.org en noviembre de 2011.

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