Historia de la Música:

El Barroco

-La organología del “seicento”

-La seconda prattica y la emancipación de la música
instrumental
-La herencia de la polifonía renacentista: canzona,
ricercare y fantasía
-El nacimiento de la sonata instrumental barroca
-La relevancia de la danza: antecedentes de la suite
La organología del “seicento”
Los instrumentos del
seicento
• Vientos

• Cuerdas Pulsadas

• Cuerdas Frotadas

• Instrumentos de Tecla
El tratadista y compositor Agostino Agazzari, comenta
en su Del Sonare sopra’l Basso en 1607:
“Dividiremos los instrumentos en dos órdenes:
algunos como fundamento y otros como ornamento.
Como fundamento son aquellos que guían y
sostienen todo el cuerpo de las voces e instrumentos
en el concierto, los que son Órgano, gravicémbalo, y
similarmente en ocasiones de menos voces Laúd,
Tiorba, Arpa. Como ornamento son aquellos que
jugando y contrapunteando hacen más agradable y
sonora la armonía”
Michael Praetorius (1571-1621) describe en su
Syntagma Musicum (1614-1620) a la mayoría de los
instrumentos en uso durante el siglo XVII en ámbito
Europeo, clasificándolos según su forma y según
cómo es originado el sonido de cada instrumento,
siendo en cierto modo un antecesor de la organología
musical moderna patentada por Erich Mortz von
Hornbostel y Curt Sachs en 1917 y en uso hasta el
día de hoy.
En lineas generales podemos hablar de instrumentos
de viento, cuerdas y percusión. Según el tipo de
material de construcción de los instrumentos de
viento podemos hablar de maderas o bronces
(metálicos). Según el tipo de ataque de la cuerda
podemos hablar de cuerdas percutidas, pulsadas o
frotadas. O bien referirnos a los instrumentos por la
forma y disposición del mecanismo de ataque, como
las teclas o arcos.
Principales instrumentos usados en el seicento (Italia
y mayor parte de europa)

Vientos maderas: flauta dulce, flauta traversa, dulciana o

fagot, oboe, cornetto, órgano
Vientos metales: trombones, sacabuches, cornetto,
órgano
Cuerdas frotadas: viola da gamba, violone, violín, viola,
violoncello, contrabajo
Cuerdas pulsadas: Laúd, Archilaúd, Guitarra española o
“barroca”, Chitarrone o Tiorba, Arpadoppia o arpa
italiana, clavecín, spinetta o espineta, virginal

Instrumentos de Tecla o a tasti: clavecín o cembalo,

spinetta, clavicordio, órgano
 Instrumentos cuya
función principal es voz humana, violín,
la monodia o flautas, cornetto, fagot,
melodía en el siglo viola da gamba
XVII

Instrumentos cuya Clavecín, órgano, espineta,

función principal es arpa, laúd, guitarra, chitarrone,
el Bajo Continuo en viola da gamba bajo, violone,
el siglo XVII
violoncello, contrabajo, fagot
 Instrumentos Clavecín, órgano, arpa,
armónicos que
tienen repertorio Archilaúd, guitarra,
solista chitarrone
 Audiciones

• Violín (solo):

Passacaglia en Sol menor, Heinrich Ignaz Franz von Biber (1644-1704):

https://www.youtube.com/watch?v=sgcR183f8gA

• Flauta dulce (solo)


Pavane Lachrimae, Jacob Van Eyck (ca. 1590- 1567):

https://www.youtube.com/watch?v=ZC3igOoXkJo

• Flauta traversa (solo)


Echo Op.2, Jacques Hotteterre (1673 - 1763):

https://www.youtube.com/watch?v=6VqdfF76sEo
• Cornetto:

Sonata nº1 para soprano y continuo, Giovanni Battista Fontana (1571 - 1630):

https://www.youtube.com/watch?v=-8eiakOm4Eo

• Fagot:

Sonata VIII para fagot y Continuo, Giovanni Antonio Bertoli (1598 - 1669):

https://www.youtube.com/watch?v=Fk3eiUHo9tk

• Viola da Gamba:

Canzon Terza para Bajo y Continuo, Girolamo Frescobaldi (1583 - 1643):

https://www.youtube.com/watch?v=f1LE-tMSza8
• Clavecín:

Canzona, Ercole Pasquini (ca. 1560 – ca. 1619):

https://www.youtube.com/watch?v=5YxeGQGQDtA

• Órgano:

Preludio en Re menor, Dietrich Buxtehude (1637 - 1707): 

https://www.youtube.com/watch?v=hR5a9UkfqLg

• Arpadoppia:

Ricercare, Ascanio Mayone (1565 - 1627):

https://www.youtube.com/watch?v=A6QNSvkQagg
• Archilaúd (arciliuto):

Toccata, Alessandro Piccinini (1566 - ca.1638):

https://www.youtube.com/watch?v=jGAK3l9HH8E

• Guitarra española (chitarra spagnuola):


Jácaras, Gaspar Sanz (1640 -1710):

https://www.youtube.com/watch?v=wDfOzGbh8fA

• Chitarrone o Tiorba:

Toccata arpeggiata, Giovanni Girolamo Kapsperger (ca. 1580 - 1651)

https://www.youtube.com/watch?v=EqMTeP2O3Qw

 Girolamo Frescobaldi
La seconda prattica y la emancipación
de la música instrumental
Andrea Antico (ca.1480 - ca. 1538).
Portada de Frottole intabulate (1517)
Girolamo Frescobaldi (Ferrara, 1583 - Roma, 1643) es el
primer compositor de importancia que debe su fama a ua
producción musical casi exclusivamente instrumental. Era un
virtuoso de los instrumentos de tecla, llamado en su tiempo
“mostro degli organisti”.
En 1597 y con sólo 14 años ya era organista de la Accademia
della morte de Ferrara, y en 1607 asume el mismo rol en la
famosa iglesia de Santa Maria in Trastevere de Roma.
Finalmente en 1608 fue contratado como organista de la
Capella Giulia en San Pedro de Roma, en el Vaticano, una de
las posiciones más prestigiosas que un músico podía tener
en ese entonces en la Santa Sede.
Frescobaldi se formó musicalmente en Ferrara con Luzzasco
Luzzaschi, uno de los madrigalistas más renovadores de
fines del renacimiento.
Su primera publicación impresa, en 1608, correspondió a una
colección de madrigales, en la tradición contrapuntística
tradicional de la prima prattica, gracias a la influencia del en
ese entonces nuncio apostólico en Flandes Guido
Bentivoglio, más tarde cardenal y que se convirtió en uno de
los protectores y mecenas de Frescobaldi. Por otra parte se
sabe que alrededro de 1611 también estaba al servicio y bajo
la protección y mecenazgo de Pietro Aldobrandini, Cardenal y
sobrino del Papa Clemente VIII, cuyo pontificado había
concluído en 1605. En resumen, con menos de 30 años de
edad Girolamo Frescobaldi se encontraba en el centro de la
actividad musical del Vaticano, y con una posición social y
económica que le permitió desarrollar su actividad artística
con bastante holgura.
Frescobaldi, como el mismo señala en su segundo libro de
Toccate e partite d’intavolatura di cimbalo publicado en 1627,
sólo pretendía un objetivo simple pero certero: buscar con un
instrumento de tecla los múltiples “affetti cantabili” que los
madrigales modernos producían con tanta eficacia y variedad.
En otras palabras, quería introducir la revolución monteverdiana
de la seconda prattica en la música puramente instrumental,
explotando todos los recursos posibles del órgano y el clavecín.
Del mismo modo sobreviven en su música trazos de la polifonía
antigua característica de la prima prattica, utilizada a veces
como dogma de escritura integra de una pieza y otras veces
como color y contraste con los pasajes virtuosos y “affettuosi”
propios de la seconda prattica. Además el tratamiento de
disonancias y cadenze resulta particularmente novedoso en el
repertorio del “mostro”, agregando componentes idiomáticos a la
música de teclado que perdurarán hasta nuestros días.
 Frescobaldi desarrolla
fundamentalmente tres tipos Piezas contrapuntísticas, como
de composiciones en su canzonas, ricercares y fantasias
música para teclado

La toccata, obra de carácter La partita, estaba construída como una

improvisatorio que originalmente servía de serie de variaciones sobre una secuencia
“intonazione”, en Frescobaldi posee armónica, un bajo dado [cantus firmus] que
podía cambiar de voz o registro durante el
segmentos contrastantes y está modelada
transcurso de la música, o bien sobre un basso
a partir de las exigencias manuales del
ostinato, es decir sobre una linea del bajo que
instrumentista y no a partir de canones se repetía, sobre la cual se desarrollaban
contrapuntísticos ni melodías o melodías y armonías diversas. Al igual que la
articulaciones vocales, es decir posee un toccata la partita también posee un caracter
caracter “idiomático” para teclado “idiomático” para teclado
¿Que es Frescobaldi?

Lenguaje
Instrumental
idiomático
Seconda
Prima prattica
Prattica

Afetti Cantabili
 El legado musical de Frescobaldi

l primo libro de madrigali (1608)

Il primo libro delle
fantasie (1608)
Toccate e partite
d’intavolatura di cimbalo,
Libro 1 (1615) l primo libro delle canzoni (1628)

Toccate e partite
d’intavolatura di cimbalo, Idea Arie Musicali (1630)
Libro 2 (1627)
Canzoni Alla Francese (1645)
Il primo libro
di capricci (1624) Fiori Musicali (1635)
Recercari et canzoni franzese (1615)

Liber II diversarum modulationum (1627)

Fuentes manuscritas
 Influencer de la música y del nuevo estilo
instrumental en toda Europa

Girolamo
Frescobaldi
(1583-1643)

Johann Jakob
Froberger
(1616-1667)

Henry Purcell Johan

(1659-1695) Sebastian Bach
Froberger, organista de la (1685-1750)
corte de Viena bajo el reinado
de Ferdinando III, es envíado
a estudiar con Frescobaldi en
1637, probablemente hasta
1640 o más.
La Partita es una obra construída como una serie de
variaciones sobre una secuencia armónica, un bajo dado
[cantus firmus] que podía cambiar de voz o registro durante
el transcurso de la música, o bien sobre un basso ostinato,
es decir sobre una linea del bajo que se repetía, sobre la
cual se desarrollaban melodías y armonías diversas. Al igual
que la toccata la partita también posee en general un
caracter “idiomático”.

Dos formas comunes de partita sobre progresiones
armónicas repetitivas o basso ostinato son la Ciaccona y
Passacaglia: la primera deriva de la chacona y la última es
un vástago del pasacalle español, un ritornello improvisado
sobre una progresión cadencial simple e interpretado antes y
entre las estrofas de una canción. En los siglos posteriores,
las distinciones entre las dos se debilitaron y ambos
términos se volvieron intercambiables.
• Partite sopra Folia, Toccate e partite d’intavolatura di cimbalo, Libro primo (1615):

https://www.youtube.com/watch?v=kt-cGPvXx74
La Toccata es una obra de carácter improvisatorio que
originalmente servía de “intonazione”, con segmentos
contrastantes (en métrica, carácter o combinación de
ambos) y modelada a partir de las exigencias manuales del
instrumentista y no a partir de canones contrapuntísticos ni
melodías o articulaciones vocales, es decir posee un
caracter absolutamente “idiomático”.
• Tocata per l’elevazione, Fiori Musicali (1635):

https://www.youtube.com/watch?v=zWiE_hgELTQ
Conceptos, definiciones:

Concepto “patentado” por G. Frescobaldi y que tenía

relación con lograr la misma expresividad de la música
Affetti vocal de la seconda prattica en el repertorio puramente
cantabili instrumental, a través de la utilización de los recursos
idiomáticos de cada instrumento y figuras retórico-
musicales.

“Bajo obstinado” en italiano, es un esquema que se repite

Basso en el bajo mientras cambia la melodía por encima de él. En
ostinato general estaban en compás ternario o compuesto, con una
extensión de dos, cuatro u ocho compases.
Conceptos, definiciones:

Música hecha para un instrumento en particular según

Música
sus posibilidades técnicas y ya no basada en una línea
idiomática vocal o cualquier otro tipo de canon.

Pasaje elaborado en momentos de inestabilidad

armónica (cadencia sobre acorde de dominante por
ejemplo) y que contenía elementos retóricos de especial
Cadenza importancia, además de demostración de visrtuosísmo
por parte del intérprete. Se usó tanto e la música vocal
como instrumental.

Hacia fines del siglo XVI (Ej: Gabrielli) se asoció con la

combinación de voces en polifonía, policoralismo e
inclusión de instrumentos como acompañamiento.
Concertato En el siglo XVII el concepto de concertare y stile concertato
está cada vez más asociado a la música netamente
instrumental, implicando díalogo y contraste.
La herencia de la polifonía renacentista:
canzona, ricercare y fantasía
La Canzona es una pieza imitativa para instrumento
armónico o conjunto. Para conjunto era escrita a varias
voces y podía tocarse sin continuo. Constaba de varias
secciones contrastantes y cada sección trataba un tema
diferente en imitación u ofrecía una textura no imitativa como
contraste. Era interpretada como música de cámara o de
iglesia, exponiendo temas marcadamente rítmicos y con un
carácter más animado que otras piezas contrapuntísticas. 

En el siglo XVII la sonata “concertata” a varios instrumentos
tendió a fusionarse con la Canzona bajo el mismo concepto.
La Canzona instrumental solista del siglo XVII derivó de la
canzona renacentista a varias partes, inicialmente como
reducción o “transcripción” de obras ya conocidas y
posteriormente como obra original, principalmente para
teclado (órgano o clavecín) y en menor grado para
instrumentos de cuerda pulsada, cómo el archilaúd y
similares.
Aparentemente, el primer compositor de “canzoni” originales
para teclado fue Vicenzo Pellegrini (ca.1562 - 1630), cuyas
“Canzoni de intavolatura d'organo fatte alla francese”
aparecen en 1599. Las canzonas de Pellegrini fueron las
primeras obras de teclado en varias secciones claramente
definidas por velocidades y métrica contrastantes. La
canzona entonces se convirtió en una forma independiente
de música de teclado.
Otros compositores de canzonas para teclado de principios
del siglo XVII incluyen a Adriano Banchieri, G.P. Cima,
Ercole Pasquini, Ascanio Mayone y G.M. Trabaci. En
instrumentos de cuerda pulsada destaca Alessandro
Piccinini con varios ejemplos escritos para Archilaúd solo.
Pero el gran maestro de la canzona solista fue Frescobaldi.
Durente el renacimiento el término Ricercare se usaba para
una pieza de carácter preludial para laúd o instrumento de
teclado (como en la expresión 'ricercare le corde', 'para
probar las cuerdas'), dándole un significado comparable al
de 'tastar' , 'tañer', 'tiento' etc. El tipo más común
posteriormente fue el ricercare imitativo, similar en alcance a
la fantasía y la fuga.
El Ricercare en el siglo XVII consistía por lo general en una
composición seria para órgano, clave o laúd en la que un
sujeto o tema se desarrollaba continuamente en imitación.
Normalmente el ricercare imitativo para instrumento solista
era monotemático, al contrario de la fantasia que se
transformó en una obra de mayor envergadura y
complejidad. Cuando el término ricercare había adquirido
una connotación arcaica, fantasia se utilizó incluso para
obras monotemáticas si tenían un estilo moderno o si
contenían elementos de vivacidad rítmica.
Fantasia es un término adoptado en el Renacimiento para
una composición instrumental cuya forma e invención surgen
"únicamente de la fantasía y la habilidad del autor que lo
creó" (Luis de Milán, s.XVI). Desde el siglo XVI hasta el XIX,
la fantasia tendió a retener esta licencia subjetiva, y sus
características formales y estilísticas pueden variar
ampliamente, desde tipos libres e improvisadores hasta
formas seccionales estrictamente contrapuntales y más o
menos estándar.
La Fantasia en el siglo XVII era definida como una obra
imitativa para teclado o laúd de mayor envergadura que el
ricercare y con una organización formal más compleja. Con
más material temático.
Ambas formas, ricercare y fantasia, son los antecesores
directos de la fuga.
 Audiciones

• Canzona IV para órgano o clavecín. Tarquino Merula (1595 - 1665)


https://open.spotify.com/track/0c80WeCmlQ8PqJbr89WJde?
si=ROpFmxxqR4KZOMumirZIOg

• Ricercare para órgano. Girolamo Frescobaldi (1583 -1643)


https://open.spotify.com/track/4i5ICnwlCEa7syj5xFozYM?si=Kpq3W7LARO-
r5Xp6U4usgg

• Fantasia para órgano. Girolamo Frescobaldi (1583 -1643)


https://open.spotify.com/track/2gRnXJGmwXZazNcEfr8HRM?
si=_rY8kM8HT8qIWH6Wbz1H4w
 El nacimiento de la 

sonata instrumental barroca
Sabemos que fue sobre todo gracias a Girolamo Frescobaldi
que la música instrumental entró en pleno derecho en el flujo
de la tradición escrita, apropiándose plenamente de lo que
era la principal finalidad de la música vocal de inicios del
siglo XVII: la capacidad de mover los afectos de los
auditores.
El compositor barroco inició a gestionar en primera persona
todos los recursos de un estilo musical que exploraba las
posibilidades técnicas y expresivas de cada instrumento,
creando nuevas formas musicales totalmente
independientes de cualquier texto poético o litúrgico.
Es en este contexto que, junto con la
aparición de nuevos repertorios para
instrumentos de teclado y cuerdas
pulsadas, la música de conjunto
adopta todos los procedimientos de la
seconda prattica y el stile concertato,
más el condimento esencial: 

lo idiomático de cada instrumento
El estilo concertato, en principio, consistía en la combinación
de voces con instrumentos que realizaban partes distintas.
Hacia fines del siglo XVI e inicios del XVII el procedimiento
del concertato se asoció específicamente con la
combinación de voces en polifonía y/o policoralismo (cori
spezzati) más inclusión de instrumentos como
acompañamiento: Ej: Concerti (1587) de Andrea y Giovanni
Gabrielli, Cento Concerti eccesiatici (1602) de Ludovico da
Viadana.
Etimológía latina:


Verbo concertare = acordar, pelear, discutir, debatir, trabajar
juntos, reunirse


Sustantivo concentus = canto, mezcla de voces en armonía,

concordancia, unanimidad, acuerdo
Hacia fines del siglo XVI, la Canzona da Sonar se había
transformado en una forma relativamente popular en la
música polifónica “per ogni sorta di strumenti”,
transformándose durante el siglo XVII en una pieza
principalmente para instrumento solista (teclado, laúd) de
caracter imitativo con secciones contrastantes. También era
posible que la Canzona de inicios del siglo XVII fuera
compuesta para más de 1 instrumento (2, 3, 4, etc.), donde
al menos 1 estaba destinado a realizar el bajo continuo. 

Algunos compositores, principalmente en el norte de Italia
(Milán, Brescia y sobre todo Venecia), comenzaron a utilizar
el término sonata o sonata concertata para este último tipo,
que no difería en esencia o forma de la Canzona.
Hacia 1630 la Canzona estaba ya casi completamente
cisrcunscrita a composiciones para teclado, mientras que la
Sonata a la música de conjunto, principalmente a tres
instrumentos (2 instrumentos monódicos más bajo continuo)
o a dos instrumentos (1 instrumento monódico más bajo
continuo), llamada también sonata solistica.
La sonata o sonata concertata
característica de la música italiana de
la primera mitad del siglo XVII es:
Forma musical en un único
movimiento, con secciones
contrastantes, para uno o más
instrumentos solistas, más bajo
continuo.
Las música de las sonatas instrumentales del primo seicento
se escribían en partes separadas para los solistas, y podían
ser alternadas o duplicadas por más instrumentos según su
registro, en especial la parte del basso continuo.

Los principales compositores que desarrollaron la sonata
concertata fueron, entre otros:

-Gian Paolo Cima (Milán c. 1570 - Milán 1622)
-Dario Castello (Venecia? c. 1590 - Venecia? c. 1630)
-Giovanni Battista Fontana (Brescia 1570 - Padova 1630)
-Biagio Marini (Brescia 1594 - Venecia 1663)

Con excepción de Cima (organista), los otros 3 compositores
eran grandes virtuosos del Violín, conociendo a la perfección
el nuevo instrumento de moda y todas sus posibilidades
técnicas y expresivas: el componente idiomático
 Audiciones

• Sonata prima per violino solo (violino primo o cornetto), Giovanni Battista
Fontana (1570 - 1630)

https://open.spotify.com/track/6s3bXZVsuFDFtLTxfp2CiD?si=PiK-
lnBYRB68nkyC_G0pTg (Violín y Continuo)

• Sonata prima per violino solo (violino primo o cornetto), Giovanni Battista
Fontana (1570 - 1630)

https://open.spotify.com/track/2NGUHYdROQwrx2rtc5HUtR?
si=zoP2LyoCRoOQkCVyorsPrQ (Cornetto y Continuo)

• Sonata decima settima a doi violini e fagotto, Giovanni Battista Fontana (1570 -
1630)

https://open.spotify.com/track/6s3bXZVsuFDFtLTxfp2CiD?si=PiK-
lnBYRB68nkyC_G0pTg (descubra los instrumentos)
La relevancia de la danza: 

antecedentes de la suite
Las danzas se componían para los
bailes sociales, los espectáculos
teatrales y de forma estilizada como
música de cámara para laúd, teclado o
conjunto. La música de danza ocupó
un lugar tan central en la vida musical
que los ritmos de danza impregnaron
todo tipo de músicas vocales e
instrumentales, ya fuesen sacras o
profanas.
La idea de poner juntas dos o tres danzas, como la pavana y
la gallarda, se amplió ahora para crear una suite de varias
danzas, usadas para bailar o como música de conjunto. Uno
de los primeros ejemplos es el Banchetto musicale (Leipzig
1617) de Johann Hermann Schein, que consta de veinte
suites para cinco instrumentos con continuo, y cada una
sigue la secuencia: padouana (pavana), gagliarda (gallarda),
courante, allemande y tripla, esta última una variación en
compás ternario de la allemande. Algunas de las suites se
construían sobre una idea melódica que reaparecía de forma
variada en cada una de las danzas y otras se vinculaban
mediante semejanzas melódicas más sutiles.
 Audiciones

• Suite 16, Johann Hermann Schein (1586-1630):


-Padovana, Gagliarda, Courante, Allemanda e Tripla



https://open.spotify.com/album/5Rof2Mxn4z5odNHqGqo79O?
si=rWwI83nRQLmXbO-nuaRvag
En la música solista instrumental, si bien en general en las
primeras décadas del siglo XVII no encontramos simiares
para instrumentos solistas, las series de toccatas, preludios
y danzas para instrumentos de cuerda pulsada como el laúd
y el chitarrone solían agruparse por tonalidad para
interpretarse en serie, a modo de la suite de Schein. 

Ej:
-Toccatas y danzas de Michelagnolo Galilei (Florencia 1575 -
Munich 1631) para Laúd;
-Toccatas, danzas, arias, ricercares, canzonas para laúd y
tiorba de Alessandro Piccinini (Bologna 1566 - Bologna ca.
1638) y Girolamo Kapsberger (Venecia ca. 1580 - Roma
1651)
 Audiciones

• Piezas en Do Mayor, Michelagnolo Galilei (1575 -1631):


Toccata, Volta, Volta



https://open.spotify.com/track/0cTtBk0fQRZXQxGk0CBsbC?
si=zRh2LiKETYmbJ4YdvE2DXA
Lecturas control 10/09:
1. Burkholder, Grout y Palisca , Historia de la música occidental. Madrid, Alianza Música,
2015 (8ª edición):

-pp 421 - 437 (lectura obligatoria)