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Composicion ARTE
La composición
Guión.
Introducción.
1. La composición significado.
2. El espacio.
3. El mapa estructural.
4. El campo visual.
5. La forma.
6. Los formatos.
7.3 La simetría.
7.8. El movimiento.
8.5.1 Tono
9. Tipos de composición.
9.3.3.Proporción cordobesa
Conclusión.
Resumen.
Bibliografía.
Composición es la ordenación de los elementos que intervienen en una obra de carácter visual.
Al contemplar una composición en primer lugar atendemos a la organización de los elementos
visibles, como las formas. En segundo lugar hay un orden compositivo no visible, es un “orden
oculto”, que se podría descomponer y estudiar como se ha relacionado: los llenos, los vacíos,
los colores, las texturas, la luz, la sombra, la penumbra, las masas, materiales,… todos están
organizados con alguna regla de composición y proporción que permanece oculta a nuestros
ojos, con alguna estructura lineal, figura geométrica y/o matemática.
1. La composición significado
La composición está planificada dentro de un plan previo que el creador concibe, ordenando
los elementos gráficos y plásticos para conseguir un conjunto armónico. Las diversas formas de
componer han sido utilizadas por los artistas en determinados períodos históricos, y esta
composición particular ha llegado a definir el estilo de una época; por ejemplo las
composiciones piramidales equilibradas del Renacimiento. El objetivo de la composición no
sólo es buscar armonía, también pueden ser disarmónicas, y producir igualmente belleza.
Composición
2. El espacio.
El primer elemento plástico que se necesita para realizar una composición es el espacio. La
obra se puede componer dentro de un espacio bidimensional o tridimensional. El espacio es
dimensión, extensión, relación y continente de los objetos, también puede ser el volumen en
el tridimensional.
La percepción del espacio está condicionado por la fisiología y la psicología. Las simetrías, los
pesos, las línea de fuerza, centros de atención, tensiones,… su disposición provoca una
determinada forma de percibir los elementos que forman parte de una composición.
El mapa estructural
Un espacio “blanco”, es potencialmente creativo. En todo espacio podemos marcar, los ejes
verticales y horizontales, las diagonales, ángulos, bordes y subdivisiones proporcionales a
estos.
Toda forma introducida en este mapa estructural se ve atraída por fuerzas ópticas que son
perceptivas, no físicas. El centro geométrico donde se cruzan las diagonales es el punto de
equilibrio de todas las fuerzas que tiende a la estabilidad compositiva.
Al desplazar las formas del centro geométrico se crea una inestabilidad perceptiva generadora
de tensión visual.
El campo visual
4. El campo visual.
Se podría establecer una analogía entre los campos magnéticos y los campos visuales.
Hay algo más que las formas registradas en la retina .
Hay fuerzas de atracción y repulsión por los bordes y también por el armazón cruciforme de los
ejes verticales horizontales y diagonales. Así se construye un esquema estructural.
Hay una analogía entre los campos magnéticos y los campos visuales.
Los elementos visuales (punto, rectas, planos,…) son los puntos focales de ese campo, la
energía concentrada
Si ubicamos un círculo dentro de un cuadrado se percibe como un círculo, sólidamente
asentado
5. La forma.
Una vez establecida la diferenciación entre la forma y la imagen, todas las formas en las artes
visuales se organizan dentro de un campo visual, y a este concierto, es lo que se llama
composición. Componer es relacionar partes entre sí y éstas con el conjunto mayor que es el
todo.
El punto, la línea, el plano, la textura, la luz, el color y el espacio, son elementos plásticos que
el creador utiliza para componer una unidad que será la imagen visual.
Los formatos
6. Los formatos.
6.1 Formatos planos.
El bastidor que utiliza el pintor es un armazón de listones sobre el que se extiende la tela y se
utiliza para pintar. Los artistas plásticos pueden utilizar bastidores con una forma normalizada,
los llamados formatos, con un número y normalizados en tres series: figura, paisaje y marina.
El artista puede encargar otras medidas hechas con otros fines compositivos o expresivos.
Además podemos encontrar formatos para fotografía, cine, televisión, artes gráficas,… La
forma y límites que tiene el bastidor rectangular en su interior es el formato. La importancia
del formato es que incluye en su interior la composición y la condiciona.
Tipos de formatos
Las composiciones dentro de un circulo se llaman tondo, derivado del italiano “redondo”, o
rotondo. Los pintores renacentistas los utilizaron y es en esta época cuando alcanza su apogeo,
un ejemplo de ello es Botticelli, con el tondo de La Virgen del Magnificat, 1481. Lo emplea
Rafael en La Virgen de la silla, 1513-1514. Es utilizado por Miguel Ángel en el Tondo Doni,
1503-1504, y su escultura circular Tondo Taddei de 1504. El Bosco crea un todo en, Los siete
pecados capitales, 1475-1480, y La coronación de espinas, c, 1485. Lo recuperan pintores
neoclásicos como Ingres en El baño turco. La composición circular con simetrías radiales es
utilizada en la decoración interna de bóvedas y cúpulas para la arquitectura. Andrea
Mantegna en el Techo de la Cámara de los esposos del Palacio Ducal de Mantua, realiza una
bella composición en circulo.
Tondos
Los formatos que se aproximan las dimensiones de sus lados tienen a ser muy homogéneos,
son estáticos y equilibrados, para romper esa monotonía, las composiciones internas del
cuadrado deben ser dinámicas y desequilibradas. Piet Mondrian recurre a este tipo de
formatos, por ejemplo, Victory Boogie – Woogie, 1943 – 1944.
Los formatos que están dentro de la serie √2, son los formatos DIN, propios de las artes
gráficas. La estandarización de los papeles en la serie DIN facilita el trabajo a la industria, y son
las dimensiones estándar de los rectángulos de papel normalizado.
Rectángulo √2
Rectángulo áureo, Φ
Ejemplo: Georges Seurat, Parada de circo, 1888. Dimensiones 99, 7 X 149,9 cm.
Formato ovalado es por ejemplo la pintura de Anton Van Dyck, Autorretrato con Endymion
Porter. El formato ovalado es un formato utilizado en el rococó, porque se asocia la curva con
la femineidad y la delicadeza, o escenas pastoriles como las de François Boucher.
Ejemplo: Anton Van Dyck. Autorretrato con Endymion Porter. Formato ovalado.
6.1.7. Formatos en cruz.
Debido a motivos compositivos evidentes algunos formatos tienen forma de cruz, por ejemplo
Grünewald en la Crucifixión, 1512-1516 y el Retablo de Issenheim, 1512-1516. También lo
emplea Rogier Van der Weyden, en el Descendimiento, 1436.
Ejemplo: Grünewald.
Retablo de Issenheim.1512-1516.
Proporción 4/3 Rectángulo ternario 2/3
Rectángulo √2
Rectángulo áureo, Φ
Sintaxis
La sintaxis es la disposición ordenada de las partes de una obra artística. Toda composición
tiende a homogeneizar diversos elementos y relacionarlos con algún tipo de reglas para crear
la creación visual.
La relación y entre las formas elementales de una obra la llamaremos sintaxis veamos cuales
son estas relaciones.
El equilibrio
Horizontalidad y verticalidad.
La horizontal y vertical es la relación básica de los seres humanos en su entorno, determinada
por la fuerza de la gravedad, estas relaciones aportan equilibrio físico y perceptivo.
Equilibrio físico depende de la forma, dirección y ubicación de los elementos.
7.2. Equilibrio axial. Eje sentido o eje visual.
Los ejes esenciales que proporcionan equilibrio son el eje vertical primario y un eje horizontal
secundario para dar estabilidad. Este eje visual para dar noción de equilibrio se llama también
eje sentido.
Como se aprecia en los dibujos la estabilización de las formas se consigue con dos ejes el
horizontal y vertical. Añadimos a las composiciones un eje vertical y una base horizontal para
dar sensación de estabilidad, regularidad y reposo. La forma que se aleja del eje vertical,
tiende a parecer más inestable.
Las formas geométricas regulares que contiene estos ejes horizontales y verticales, por tanto
son estabilizadoras. Así, el diámetro de la circunferencia con su simetría, la horizontal del
cuadrado, y el eje vertical simétrico de un triángulo con su base estable en la horizontal, son
formas equilibradas.
Las composiciones de arte plástico que han utilizado estás líneas para estructurar
composiciones equilibradas, las podemos encontrar en: las pirámides de Egipto, la
arquitectura del arte clásico griego y romano. En los horizontes de los paisajistas holandeses
como por ejemplo: Philips Koninck, h. 1655, Paisaje con ciudad al fondo , y Jacob van Ruisdael,
Vista de Naarden, 1647. Y la verticalidad de los personajes de el Greco, como el San Juan
Bautista, 1597 – 1607 , y en las composiciones perpendiculares de Piet Mondrian.
El equilibrio estático es un estado de reposo de una composición que recibe fuerzas que se
contrarrestan mutuamente. Se puede conseguir distribuyendo los pesos con una estructura de
simetría. Las composiciones que utilizan la ley de la balanza serían ejemplos como: Rafael
Sanzio, en La Escuela de Atenas, del Vaticano, 1510-1512, o la pintura de La Madre de Dios de
los Cartujanos, de Zurbarán, 1630-1635.
La simetría
7.3 La simetría.
La simetría por translación, desplaza una figura en una dirección y a una distancia limitada. La
figura queda repetida con la misma orientación. La dirección de desplazamiento es la dirección
de traslación. Se puede percibir un equilibrio estable. Las cenefas planas serían un ejemplo de
esta simetría, utilizadas en arte, diseño textil, grafismos o pinturas. Otras posibilidades son el
urbanismo con la distribución de las manzanas en las ciudades, como el ensanche de Barcelona
o Manhattan en Nueva York.
7.3.2. Reflexión y simetría axial.
La simetría por reflexión o simetría axial, la forma rota 180º con respecto a un eje de simetría.
La figura se separa del plano y vuelve a el mediante una semirotación, alrededor de la recta fija
de giro, la figura queda invertida y desplazada a la misma distancia con respecto al eje. Es la
simetría propia de la hoja de los libros, y se encuentra en la mayoría de seres vivos. En artes
visuales percibimos equilibrio en las composiciones por tener una referencia vertical y
distancias y pesos iguales a derecha e izquierda. Una objeción que podríamos poner a este tipo
de simetrías es la rigidez compositiva. Recurso compositivo utilizado en arquitectura, pintura,
decoración mosaicos,...
La simetría por giro consiste en una figura contenido en un plano que rota a partir de un punto
fijo determinado, llamado centro de giro, y el ángulo de giro que limita la rotación puede ser
dextrógiro o levógiro.
La simetría radial se da cuando la rotación es incompleta, por ejemplo un ángulo de 72º, que al
repetirse 360 º produce una simetría radial. Las figuras se reparten en radios a partir de una
circunferencia. Es un tipo de simetría que produce una sensación dinámica. Por ejemplo la
simetría de la estrella de mar, o en las flores. En artes visuales la podemos encontrar en los
rosetones de las catedrales, en las cúpulas, en la pintura de El Bosco, Los siete pecados
capitales, 1475-1480.
La simetría central se produce cuando hay una rotación con un ángulo de giro llano, entonces
recibe le nombre de simetría central o puntual. Se consigue una composición estable al estar
las distancia uniformemente separadas con respecto al punto de giro.
7.3.4. Desplazamiento y simetría.
El desplazamiento aúna dos movimientos una translación más una reflexión como en un
espejo
La simetría por desplazamiento, la figura tiene al mismo tiempo un movimiento de traslación y
de reflexión, que mantiene el eje horizontal y vertical presente, que perceptivamente también
dan equilibrio.
Dirección y tensión
Si ubicamos elementos por contraste, dirección, color, tono, tamaño,... fuera del equilibrio
geométrico de la horizontal y la vertical, se tiende a producir un desplazamiento visual que
llamamos tensión perceptiva.
Algunas composiciones en arte tienden a romper la estabilidad como la pintura de Vermeer de
Delft, El astrónomo, 1668, donde la mirada se desplaza al globo terráqueo; o el arte
manierista como Giulio Romano, en el fresco de Mántua del Palacio del Te, que realiza una
arquitectura en colapso y desequilibrada.
Estabilidad:
El ojo hace primero un análisis vertical - horizontal y después izquierda - derecha.
Este favoritismo por la izquierda es un posible hábito occidental, porque aprendemos a leer
de izquierda a derecha y puede estar determinado por el orden en la lectura.
Así, parece ser que se produce una tensión mínima si ubicamos elementos en el ángulo
izquierdo de un formato y una tensión máxima en el ángulo superior derecho.
La preferencias del ojo por el área izquierda sobre la derecha y la preferencias del ojo por
la mitad inferior sobre la superior, hace que estas áreas tengan un índice de tensión mínima.
7.4.3. Tensión máxima.
La pintura o las artes gráficas utilizan un formato rectangular. El equilibrio está referido a los
bordes del marco. De esta forma se establece una marco perceptivo limitado, determinado por
los bordes del formato.
La nivelación es la igualación de las diferencias que puede haber entre elementos en una
composición.
El peso visual es un factor que influye en el equilibrio perceptivo. Una fuerza que tiende a
situar los elementos plásticos y gráficos en la horizontalidad, y en el margen inferior. El peso
depende de la ubicación de los elementos, si están en el centro o alejados. Es un recurso
compositivo para atraer la mirada. En artes visuales el peso puede estar influido por la
posición, tamaño, color, la textura, y la forma.
Como hemos visto una superficie bidimensional sobre las que se realiza una composición se
puede dividir en dos ejes sentidos: uno vertical y otro horizontal, que proporcionan cuatro
partes, al realizar las dos diagonales, hay un reparto de 8 zonas en el plano. Las formas se
pueden ubicar en estas zonas y las sensaciones de pesadez o de ingravidez dependen de la
posición.
Hay mayor peso en los elementos visuales situados en áreas de tensión como las diagonales y
fuera de los ejes sentido. Hay menor peso en los elementos visuales situados nivelados y
equilibrados sobre los ejes horizontales y verticales.
Dependiendo de la ubicación en la composición, una figura colocada en el centro geométrico,
cerca de el, o sobre el eje vertical, perceptivamente es menos pesada que si está situados en
los márgenes derecho, izquierdo, superior o inferior, o en las diagonales. La ley de la balanza
influye en el peso de la composición.
El tamaño es otro factor determinante cuanto más grande es una figura, más pesa. Los colores
muy luminosos y cálidos, tienden a tener más peso. Los colores fríos son menos pesados. Las
formas irregulares pesan menos que las figuras con contornos regulares. Formas aisladas
pesan más que aquellas que están rodeadas por elementos.
Dependiendo del tema de una obra hay zonas que pueden despertar más interés visual, y
también más peso visual.
El Peso físico.
El peso es la fuerza de gravedad que hace que los objetos vayan en dirección al centro de la
tierra.
El Peso perceptivo
Peso equilibrado.
Ejemplo: Caravaggio. Muchacho con una canasta de frutas, 1594-1596. Peso equilibrado
Peso desequilibrado.
Hokusai, en la estampa, La gran ola de Kanagawa, 1830-1833, percibimos como la ola tiene
más peso al situarla en la izquierda de la composición, pero se acrecienta el efecto dinámico al
desplazarse de izquierda a derecha.
Peso e Ingravidez
Ingravidez
Ejemplos: Rubens. El rapto de Ganímedes.
Corregio. Ganimedes. 1531.
En composición elementos con mayor peso se puede contrapesar, por medio de la ley de la
balanza. Una forma grande en una margen se puede contrapesar con dos más pequeñas en el
contrario; de la misma forma con los colores y las texturas.
En el ejemplo percibimos un contrapeso por tamaño y ubicación de las formas. A cada reacción
de peso se responde con un contrapeso.
El contrapeso se puede ejemplificar bien con la ley de la balanza, como se aprecia en los
siguientes dibujos.
Centro de atención
Una composición puede tener un punto al que se dirige la mirada del espectador, llamado
centro de atención o de interés, o punto focal. La complejidad, el movimiento, la inestabilidad,
la tensión visual, el peso, la distorsión, la exageración,... atraen la mirada. Las formas
irregulares atraen más la atención, las regulares son menos atractivas.
Edvard Munch en El grito, 1893, las diagonales de la perspectiva dirigen la mirada hacia la
cabeza del personaje. Giotto en la obra, Llanto ante Cristo muerto, todas las miradas de los
ángeles y personajes se dirigen al Cristo muerto. Joaquín Sorolla, en su pintura, El Balandrito,
1909, crea el centro de atención con el niño en la playa y el barco, al situarlo en la composición
en la zona superior izquierda y fuera de la vertical.
Estrategias compositivas para crear centros de interés pueden ser: el equilibrio inestable, las
composiciones dinámicas, los rectángulos dinámicos, la ley de la balanza, la ley de los tercios,
el rectángulo áureo y las descomposiciones derivadas de la sección áurea.
El centro de atención
Las líneas de fuerza o maestras son aquellas que tienden a cambiar o conducir la dirección de
la mirada o atraer la visión hacia un centro de interés.
Dirigen la mirada para fijar la atención en aquello que queremos destacar.
En las composiciones planas sobre las líneas maestras se superponen formas, colores, masas,
luces y sombras. En composiciones tridimensionales, se estructuran, llenos, vacíos, entrantes,
salientes, espirales, helicoides,…que crean líneas de fuerza.
Ejemplo: Diego Velázquez. La fragua de Vulcano, 1630.
El formato de una obra se puede dividir y subdividir en una estructura geométrica. De la
misma forma que un edificio posee una arquitectura inicial que sirve de soporte a los pisos y
los elementos que se situaran en el para decorar. Un formato es posible estructurarlo con
líneas que no son visibles, permanecen ocultas y ordenan la composición. A estas líneas les
llamamos líneas de fuerza, o líneas maestras. Dependiendo del tema, la expresividad o la
intención que el autor quiere comunicar. Un andamio de líneas estructurales, ayudan a
destacar centros de interés, dirigir la mirada y hacer recorridos visuales. El objetivo
compositivo es crear una unidad dentro de la diversidad, y dar a la creación interés visual.
Las líneas maestras son semejantes a la arquitectura para construir una composición con
formas bidimensionales o tridimensionales, crean esquemas simples como: triángulos,
diagonales, oblicuas, quebradas, círculos, curvas, en cruz, espiral, con formas de letras como la
T, S, C, o L.
El Renacimiento utilizaba una estructura piramidal que daba estabilidad, como Leonardo da
Vinci, en la pintura de La Virgen de las Rocas, 1483-1486, y Santa Ana, la madre de Dios y el
niño con el cordero, de 1508-1510.
Las formas, colores, valores, texturas, direcciones y posiciones de los elementos gráficos
relacionados entre sí producen experiencias que se concretan en apariencia de movimiento
sobre las superficie de representación.
Línea de Fuerza:
Línea de Interés:
Dirigen la mirada a partes de la obra destacadas.
Líneas de Fuerza:
Dirigen la mirada para fijar la atención en aquello que se desea destacar.
La diagramación
Diagramaciones
Ejemplo: La Nascita di Venere. Sandro Botticelli. 1485. Florencia, Uffizi. 1,72 X 2,78 m.
Florencia. Uffizi
Rectángulos irracionales. Rectángulo √2
El movimiento
7.8. El movimiento.
El creador ordena los elementos de la composición para dirigir la mirada del observador y
conducirlo a la zona del centro de interés. Las composiciones se estudian para crear y contener
un movimiento rítmico y armónico que conduce la vista por los diferentes elementos
subordinados hasta hacerle fijarse en el punto focal principal.
Las líneas crean direcciones y estos movimientos perceptivos. La dirección oblicua siempre
suele dirigir miradas y sugerir actividad.
Direcciones oblicuas
Expresividad y
composición
El punto
En artes visuales se han realizado composiciones únicamente con puntos. En artes gráficas el
punto es la base de las tramas para reproducir la realidad en cuatricromías.
La utilización del punto para componer y crear es propia de los puntillistas como Georges
Seurat y Paul Signac. Pablo Picasso también investigó con la técnica puntillista, en Manola con
mantilla. El punto como centro de interés, foco de atención y dirección de la mirada, en el
enorme punto que es globo terráqueo que toca El astrónomo de la pintura de Johannes
Vemeer, c. 1668. Formas imaginarias abstractas con unión de puntos, es propio de Kandinsky,
en la obra Círculos, 1926. Estos ejemplos son posibilidades expresivas del punto y la
composición
Ejemplo: Pablo Picasso. Técnica puntillista. Manola con mantilla.
La línea
La línea puede ser: recta, paralela, ondulada, rota, oblicua, curva, convergente y divergente.
La línea recta horizontal, nos apercibe de estabilidad, reposo, quietud e infinitud. La línea recta
vertical, sugiere elevación, fuerza, esbeltez, espiritualidad y misticismo. Las líneas paralelas,
son rítmicas, e insinúan sensualidad.
Ejemplos de línea verticales y horizontales son Las Líneas de Nasca en Perú, como el
Candelabro de Paracas; o también las composiciones de Mondrian como, Composición en rojo,
amarillo y azul, 1927, y Composición con líneas amarillas, 1933.
La línea rota, (quebrada), insinúa sentimiento dramático, desorden, accidentado, como en los
dibujos de Rembrandt. La línea oblicua, sugiere dinamismo y movimiento. La línea curva
ondulada, suscita diligencia, vivacidad, acción, sensualidad, gracia. Ejemplo de ello es la línea
de Boticelli, en el Nacimiento de venus, 1480 – 85 . Las líneas nervisosas y dinámicas de los
Caballos encabritados, de Leonardo da Vinci. Las líneas onduladas del Autorretrato de Van
Gogh de 1887; y también la línea ondulante de Antoni Gaudí en la fachada de la Casa Milà en
Barcelona; o la línea curva de los autorretratos de Bacon, Autorretrato, 1971. En escultura es
destacable la sensación dinámica que da el Gladiador Borghese, con su marcada línea oblicua
compositiva.
El plano
El plano en geometría es un ente ideal de solo dos dimensiones ancho y largo, sin altura. No
tiene volumen. Cuando hablamos de plano en artes visuales se consideran como hojas de
papel con un volumen mínimo, o polígonos con fronteras delimitadoras. En artes gráficas son
la base para la composición, en arquitectura o ingeniería los planos son bases de sustentación
y cubrimiento.
Los planos con formas cuadradas son estables, y equilibrados. Los planos rectangulares, puede
ser dinámicos si son los rectángulos irracionales como √2, √3, √4, √5 y el rectángulo áureo Φ,
es conocido por su propiedades estéticas. La composición con rectángulos horizontales
sugieren calma. Se habían mencionado los rectángulos verticales que sugerían elevación.
El triángulo es equilibrado y ascensional si el vértice apunta hacia arriba, y alude al descenso si
el vértice es hacia abajo. Los planos con forma circular proporcionan dinamismo y estabilidad.
Darmstadt. Museo de Hesse.
La luz
8.5. La luz, la clave tonal y la composición.
8.5.1 Tono
El tono es la variación de luz que va desde el blanco puro al negro puro, pasando por la
escalera de grises.
Clave alta.
Predominio de valores claros y blancos. Valores 1,2,3.
Clave baja.
Predominio de los valores oscuros y negros. Valores 7, 8,9.
Clave media.
Valores medios 4, 5, 6.
Clave Contrastada.
Luz fuerte y directa. Claros y oscuros muy marcados Contornos nítidos
Escala de tonos
La utilización de las claves en composición aportan expresividad, y pueden ser símbolos, por
parte del creador y sensaciones por parte del espectador. Los tonos obscuros sugieren
misterio, dramatismo, pobreza, melancolía,
Los tonos claros, luminosidad, vitalidad, sutileza, alegría, delicadeza y atmósfera; apropiados
para temas poéticos. Bartolomé Esteban Murillo, en la obra El pequeño mendigo, 1650, realiza
una pintura donde la luz es protagonista en la composición. Goya, en las pinturas negras las
realiza en claves bajas que dan una impresión tétrica. Turner, utiliza claves altas, en sus
cuadros atmosféricos que rayan la abstracción, Alberto Durero en sus grabados crea luz y
sombra con líneas al igual que Rembrandt, en el grabado al aguafuerte, La gran novia judia,
1635.
El color es el elemento que plástico que se debe a la luz. La luz interviene en la determinación
de los colores en arte, pero también da sensación de espacio, volumen y ambiente.
Las cualidades del color son: tono, valor y saturación. El tono es la cualidad por la cual se
identifica el color.
Una armonía es la ordenación de los colores y matices y se consigue siguiendo el espectro del
color.
Las armonías se producen con los colores próximos al círculo cromático por estar relacionados
y dar una impresión de familiaridad. La armonía también puede establecerse si existe la
misma luminosidad, y al realizar composiciones que mantengan una gama de cálidos, o una
gama de fríos. La gama del espectro de la luz formada por púrpuras, carmines, rojos, naranjas,
siguen una armonía de cálidos. Una gama armónica melódica también se consigue con un solo
color degradado en distintos tonos, consiguiéndose una gran riqueza de matices.
Las armonías en las composiciones producen un efecto unitario pero a veces monótono. Por
este motivo, se introducen acentos de contraste, con colores complementarios, o mezclas de
algún color cálido en una gama de fríos. Un punto de variedad da dinamismo a la composición.
Por ejemplo, el color que contrasta con el amarillo es el violeta por ser opuestos en el círculo
cromático; Joaquín Sorolla utiliza acentos violáceos en las sombras para dar variedad a la
composición y crear un efecto de luminosidad pronunciado con la gama general de amarillos
luz.
Es común referirse a los colores por su tendencia al alejamiento y aproximación. Los colores
fríos parecen estar más lejos y los cálidos más cerca. Esta percepción se corresponde con
nuestra experiencia cotidiana de la perspectiva atmosférica, donde los colores se difuminan en
la distancia, que produce una perspectiva del color. Así también los colores claros tienden a
expandirse, mientras que los oscuros se concentran.
Algunos pintores que han utilizado el color con fines compositivos son: Georges Seurat, en la
pintura Un domingo de verano en la Grande Jatte, 1884-1886. Gustav Klimt en El beso, 1907-
1908, introduce una gama de cálidos y diversos acentos de los complementarios.
El espacio
La invención de la perspectiva ha sido uno de los elementos que se han utilizado en la historia
del arte para la composición y la percepción tridimensional sobre una superficie plana. A partir
del Renacimiento se han desarrollado y estudiado composiciones en perspectiva con un punto
de fuga, perspectivas con puntos de fuga múltiples, y perspectivas con puntos de fuga fuera de
los límites del cuadro. Además de composiciones extremas con puntos de vista altos en picado
y bajos en contrapicado, por ejemplo Andrea Mantegna, uno de los maestros del Renacimiento
utiliza estos recursos en las composiciones, se atreve con el cuerpo humano en perspectiva en
el Cristo Muerto, c.1431 y en la Iglesia de los Eremitani de Padua, Mantegna realizó atrevidas
vistas en perspectiva del cuerpo humano.
De una u otra forma todas las épocas han manejado alguna forma de perspectiva. Las
perspectiva paralelas ya eran conocidas en la Antigüedad. El sistema axonométrico era
conocido rudimentariamente en Grecia y Roma. Ejemplos compositivos utilizando la
perspectiva se encuentran en Pompeya y perspectivas paralelas del arte romano de mosaicos.
Giotto, utiliza perspectivas paralelas como cajas abiertas en sus frescos de Asís y La nativitat de
la Virgen en Padua dentro de la Capilla Scrovegni.
De forma intuitiva y sin una base científica los pintores han realizado composiciones con las
proyecciones cilíndricas oblicuas como las perspectivas caballeras y militares; y las
proyecciones cilíndricas ortogonales que son las axonométricas divididas en: isométricas,
dimétricas y trimétricas.
Ejemplo: Leonado da Vinci. Última cena. 1495 – 1497. Milán. Santa Maria delle Grazie.
El ritmo
En las estructuras visuales estáticas el movimiento es subjetivo, pero no por ello real.
Tipos de composición
9. Tipos de composición.
Las composiciones más clásicas se han estructurado con formas derivadas de la geometría. Las
composiciones convencionales tendían a realizarse con formas geométricas, con formas
lineales, o con formas de letras. Veamos algunos ejemplos:
Composición con forma de óvalo de, Rogier Van der Weyden, Descendimiento, 1436.
Composición con circunferencia, Los Pastores de la Arcadia, Nicolas Poussin.
Composición en X
Ejemplos de obras con la composición en forma de X, Rubens, Rapto de las hijas de Leucipo; y
de Fragonard, El columpio, 1767. José de Rivera, Martirio de San Felipe.
en diagonal
La obra arriba indicada es una composición suprematista de Kazimir Malevich, supremos nº 56
con una clara diagonal.
La composición en diagonal se da sobre todo en el barroco, de Tintorretto, Santa Cena, 1592-
1594, Iglesia de San Giorgio Maggiore. Las líneas diagonales de Peter Brueghel en La Parábola
del ciego, de 1568.
Composición con líneas curvadas
Composiciones con líneas curvadas, de Caravaggio, Muchacho con una canasta de frutas,
1594-1596, y también de Caravaggio, San Mateo y el Ángel, 1602.
Ejemplo: Rafael. Sagrada Familia con Santa Isabel y San Joan. 1507. Múnich. Pinacoteca.
Composición en S
Ejemplo: Doríforo. Policleto.
Composición en L
Ejemplo: Ingres. La Gran Odalisca. 1814.
Composición en L de David, Madame Récamier, 1800. Museo del Louvre
El número áureo es una relación entre segmentos de rectas conocido desde la antigüedad, que
se encuentra en la naturaleza y en figuras geométricas como el rectángulo. En la historia del
arte se utilizó por su simbología mística y sus cualidades estéticas. El número de oro es
irracional y corresponde a Φ = 0,161803,... ∞ o Φ = 0,61803,... ∞. Aplicaciones en el arte
donde se puede observar esta composición han sido: de Alberto Durero en su Autorretrato
con abrigo, 1500, donde hace una descomposición áurea y el formato es un rectángulo áureo.
Φ
Salvador Dalí, 1956, en la Naturaleza muerta viviente, hay orden subyacente y una unidad
dentro del caos con estudio de proporciones matemáticas derivadas de la sección áurea. Para
esta composición Dalí dispuso una cuadrícula derivada del estudio de Matila Ghyka, cuadrícula
basada en la división armónica del rectángulo de la raíz cuadrada del número áureo. Dalí así
confiere unidad estética dentro del desorden.
El dibujo preparatorio para la Leda atómica, 1947, de Dalí dibuja la forma poligonal del
pentágono sobre la que siempre aparece el número de oro.
en Florencia de Alberti.
Φ = 0,161803 39887 49894 84820 45868 34365 63811 77203 09179 80576,... ∞
Φ = 0,61803 39887 49894 84820 45868 34365 63811 77203 09179 80576,... ∞
Ejemplo: Georges Seurat, Parada de circo, 1888. Dimensiones 99, 7 X 149,9 cm.
Otro ejemplo de proporciones dentro de la pintura es Salvador Dalí, con la obra, Naturaleza
muerta viviente, 1956. Hay un orden subyacente y unidad dentro del caos. Dalí realizó
estudios de proporciones matemáticas derivadas de la sección áurea. Para esta composición
Dalí dispuso una cuadrícula derivada del estudio de Matila Ghyka, una cuadrícula basada en la
división armónica del rectángulo de la raíz cuadrada del número áureo. Dalí confiere unidad
estética dentro del aparente desorden.
9.2.2. Ley de los tercios.
Es una regla que divide una forma o una imagen es nueve partes por medio dos líneas
equidistantes en vertical y otras dos también equidistantes en horizontal. Los puntos de
intersección de estás líneas o las propias líneas se utilizan para componer la imagen. En la ley
de los dos tercios, los sujetos principales son colocados en estas líneas y los elementos
situados en ellas provocando un centro de interés. Las composiciones pueden ser simétricas y
agradables pero monótonas. Se hace una distribución de todos los elementos que forman el
campo visual con intención semántica y/o estética. Es una regla usual en fotografía, retratos, y
paisajes donde la línea de 1/3 corresponde a la línea de horizonte. Una obra distribuida en
tercios iguales podría ser de Rafael Sanzio, El triunfo de Galatea, de 1512.
Ejemplo: Rafael Sanzio. Galatea
Ley de los dos tercios. Sujetos principales colocados en las líneas de 2/3.
Las composiciones asimétricas, son inestables pero eficaces para crear tensión.
El radio y lado de un octágono están en esta proporción 4/3. Como los diseños árabes se basan
en cuadrados y octógonos, esta proporción es una ampliación del cuadrado. En proporción
4/3 tenemos ejemplos como serían las bóvedas cordobesas, las arcadas de la mezquita de
Córdoba y cimborrio de la Catedral de Burgos.
Proporción Cordobesa.
Ampliación del cuadrado. Radio y lado de un octágono están en proporción 4/3.
Rectángulo 4/3
Con simetría de balanza se componen la pintura, Madre de Dios de los Cartujanos, 1630-1635,
de Francisco de Zurbarán. Rafael Sanzio en la Escuela de Atenas del Vaticano, realiza una
composición simétrica con los personajes aplicando este tipo de composición simétrica.
Ejemplo de ley de la balanza: Rafael Sanzio. Escuela de Atenas. Ciudad del Vaticano.
El ritmo
y la composición
El ritmo es una forma de ordenar los elementos en las composiciones. El ritmo combina el
espacio y tiempo, es decir, introduce la cuarta dimensión, y ordena mediante repeticiones,
alternancias y proporcionando el espacio-tiempo. Hay obras que presentan un ritmo definido y
visible, en otras se encuentra oculto. El ritmo puede ser continuo, alterno, discontinuo,
creciente, y decreciente. La sucesión acompasada de les formes se ha empleado en
manifestaciones artísticas como decoraciones ornamentales, grecas y cenefas desde la época
egipcia, y grecolatina.
Ejemplos de ritmos o la sucesión acompasada de las formas:
Ritmo alterno.
Conclusión
Profesor de dibujo.
Jaime Caravaca
Resumen
Resumen
1. Composición.
2. El espacio.
El espacio es dimensión, extensión, relación y continente de los objetos, también puede ser
volumen en el espacio tridimensional.
3. El mapa estructural.
Dentro del espacio podemos marcar, los ejes verticales y horizontales, las diagonales, ángulos,
bordes y subdivisiones proporcionales a estos, realizando un mapa de la estructura.
4. El campo visual.
El campo es el espacio abarcado por la vista con el ojo inmóvil. Si las imágenes son
bidimensionales el campo es el plano frontal, que casi siempre es un rectángulo. Dentro del
campo se desarrolla la composición.
5. La forma.
6. Los formatos.
El formato es el bastidor que utiliza el pintor es el armazón de listones sobre el que se extiende
la tela y se utiliza para pintar.
Las composiciones dentro de un circulo se llaman tondo, derivado del italiano “redondo”, o
rotondo.
Los formatos cuadrados tienen a ser muy homogéneos, son estáticos y equilibrados.
Los formatos que están dentro de la serie √2, son los formatos DIN, propios de las artes
gráficas.
El rectángulo Φ, o del número de oro tiene la particularidad que se encuentran sus lados en
proporción áurea.
Debido a motivos compositivos se utilizan formatos que tienen forma de cruz, por ejemplo las
crucifixiones.
Arquitectos de todas las épocas han utilizado módulos y proporciones como los rectángulos
dinámicos y estáticos pero ampliados a la tercera dimensión. Algunos de los rectángulos
utilizados para modular el espacio tridimensional han sido: 4/3, 2/3, √2, Φ,…
Referencias visuales de primer orden para que haya una composición equilibrada es la
necesidad de una referencia horizontal y vertical.
Los ejes esenciales que proporcionan equilibrio son el eje vertical primario y un eje horizontal
secundario para dar estabilidad a una obra. Las formas geométricas regulares que contiene
estos ejes horizontales y verticales, por tanto son estabilizadoras.
El equilibrio estático es el estado de reposo de una composición que recibe fuerzas que se
contrarrestan mutuamente. Se puede conseguir distribuyendo los pesos con una estructura de
simetría.
7.3 La simetría.
La simetría es reparto uniforme de los pesos a derecha e izquierda de un punto, línea o plano,
que da una fuerte impresión de orden.
La simetría por translación, desplaza una figura en una dirección y a una distancia limitada.
En la simetría por reflexión o simetría axial, la forma rota 180º con respecto a un eje de
simetría.
La simetría por giro consiste en una figura contenido en un plano que rota a partir de un punto
fijo determinado, llamado centro de giro.
El desplazamiento aúna dos movimientos una translación más una reflexión igual que se
produce en un espejo.
7.4. La dirección y la tensión , o “ Stress ”
El ojo hace primero un análisis vertical horizontal y después izquierda y derecha.
La preferencias del ojo por el área izquierda sobre la derecha y la preferencias del ojo por
la mitad inferior sobre la superior, hace que estás áreas tengan un índice de tensión mínima.
La nivelación es la igualación de las diferencias que puede haber entre elementos en una
composición.
La colocación de un punto fuera del centro geométrico provoca una agudización, o falta de
equilibrio. Cualquier desplazamiento fuera del centro geométrico produce una sensación de
ambigüedad..
El peso es una fuerza que tiende a situarse los elementos en la horizontalidad, y en el margen
inferior. El peso depende de la ubicación de los elementos, si están en el centro o alejado. Es
un recurso compositivo para atraer la mirada. En artes visuales el peso puede estar influido por
la posición, tamaño, color, la textura, y la forma.
Una composición puede tener un punto al que se dirige la mirada del espectador, llamado
centro de atención o de interés, o punto focal.
Las líneas de fuerza o maestras son aquellas que tienden a cambiar o conducir la dirección de
la mirada o atraer la visión hacia un centro de interés.
7.8. El movimiento.
El creador ordena los elementos de la composición para dirigir la mirada del observador y
conducirlo a la zona que desea o el centro de interés. Toda composición estudiada contiene un
movimiento rítmico y armónico que conduce la vista por los diferentes elementos
subordinados hasta hacerle fijarse en el punto focal principal.
La línea en geometría es la traslación de un punto hacia el infinito. Sólo posee una dimensión,
longitud. En artes visuales la línea es el elemento básico de los grafismo. Las líneas como
contornos y delimitadora de la superficie son una invención para representar la forma, porque
los objetos los diferenciamos en la realidad por cambios de color y tono, no por líneas con
límites.
El plano en geometría es un ente ideal de solo dos dimensiones ancho y largo, sin altura. No
tiene volumen. Cuando hablamos de plano en artes visuales se consideran como hojas de
papel con un volumen mínimo, o polígonos con fronteras delimitadoras. En artes gráficas son
la base para la composición, en arquitectura o ingeniería los planos son bases de sustentación
y cubrimiento.
La textura es la calidad superficial de los cuerpos y la sensación que causa al ser percibidas por
los sentidos de la vista y el tacto. En pintura la textura es un efecto creado por el método de
aplicación. Las formas, las superficies y los colores en pintura transmiten sensaciones táctiles,
visuales y gráficas.
8.5.1 Tono
El tono es la variación de luz que va desde el blanco puro al negro puro, pasando por la
escalera de grises.
Las diferentes claves del tono, expresan un significado que trasmiten unas sensaciones a la
obra.
Clave Alta.
Clave Baja.
Clave Media
Valores medios 4, 5, 6.
Clave Contrastada.
Las armonías se producen con los colores próximos al círculo cromático por estar relacionados
y dar una impresión de familiaridad. La armonía también puede establecerse si existe la
misma luminosidad, y al realizar composiciones que mantengan una gama de cálidos, o una
gama de fríos.
9. Tipos de composición.
Las composiciones se pueden estructurar con formas geométricas. Las composiciones clásicas
tendían a realizar un ordenamiento con formas geométricas, formas lineales, o con formas de
letras.
Las diferentes reglas de proporción utilizadas en composición pueden ser: la sección áurea, la
regla de los tercios, la proporción cordobesa, la ley de la balanza.
El número áureo es una relación entre segmentos de rectas conocido desde la antigüedad, al
encontrarse en la naturaleza y en figuras geométricas como el rectángulo áureo. El número de
oro es irracional y corresponde a Φ = 0,161803,... ∞ o Φ = 0,61803,... ∞.
9.3.3.Proporción cordobesa
Composiciones con asimetría, o disimetría, son activas, variadas, y vivas. Las composiciones
asimétricas, son inestables pero eficaces para crear tensión.
Elementos que están situados sobre la superficie del formato en las direcciones de derecha a
izquierda y arriba y abajo; como el mundo celestial (arriba) y el mundo terrenal (abajo).
Las composición con luz buscan atraer la atención hacia un elemento iluminado.
Bibliografía
Arnheim, Rudolf. 1984. Arte y percepción visual. Alianza Editorial. Colección Alianza Forma.
Madrid.
Scott, Robert Gillam. 1974. Fundamentos del diseño. Editorial Víctor Lerú.
Bibliografía comentada.
Arnheim, Rudolf. 1984. Arte y percepción visual. Alianza Editorial. Colección Alianza Forma.
Madrid.
Un manual clásico sobre percepción muy recomendable.
Libro clásico sobre sintaxis de la imagen que explica todos los principios de la organización y
composición en artes visuales.
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