TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

HACIA EL ART NOUVEAU

En 1835, el gobierno inglés funda The School of Design (Londres), una escuela que servirá
como precedente para otras muchas creadas posteriormente. Francia ya había instaurado una
serie de Academias de Bellas Artes, enfocadas en las grandes artes (arquitectura, escultura,
pintura…).

Estas nuevas escuelas de diseño no tendrán una enseñanza enfocada a crear artistas geniales,
sino que tendrán como objetivo formar diseñadores para la industria. Los objetos de la vida
cotidiana tienen que ser más bellos para venderlos mejor.

Uno de los primeros profesores de estas nuevas escuelas fue Owen Jones (1809 - 1874), artista
que viajó por varios países para buscar ejemplos de diseños que pudiesen ser fabricados en
serie, como por ejemplo los patrones de la Alhambra.

Distinto iba a ser el enfoque de John Ruskin (1819 - 1900), un crítico de arte muy prestigioso,
poeta, artista e historiador que veía como un momento ideal de la historia de la humanidad la
Edad Media, ya que los artesanos eran seres libres que producían objetos originales y cálidos.
A Ruskin no le gustaba la industria y no tenía ninguna intención de adaptarse a ella.

William Morris (1834 - 1896) también consideraba la Edad Media como una época de hermosa
creatividad, en contrapunto de la época en la que vivía: fría y sin sentimiento. Es así como
propuso talleres de artesanos que produjeran objetos para la vida cotidiana, punto en común
entre Owen Jones y este sentimiento anti-industrial. Esta corriente se conoce con el nombre de
Arts and Crafts.

En estos talleres, Morris diseñaba objetos para la vida

cotidiana y los artesanos los fabricaban con cierta
libertad. Este movimiento contaba con ciertos
problemas: los objetos que se creaban no eran
accesibles a la mayoría de la población, al contrario
que los producidos por la industria. William Morris era
un socialista que rechazaba la industrialización ya que
veía a las clases populares como esclavos de ésta.

Inspirándose en el pasado, se creaban objetos modernos con cierta libertad creativa. Vemos
papeles pintados, azulejos, tejidos estampados, tapices, muebles… con motivos persas,
góticos, florales, etc. Todo esto estaba destinado a crear ambientes con cierta coherencia,
donde los elementos tuviesen una especie de conversación entre ellos.

 RED HOUSE, BEXLEYHEATH (1859)

William Morris busca a un arquitecto, Philip Webb,
para crear su propia casa. La vivienda se inspira en un
cottage, pero será una obra de arte total, en donde
absolutamente todo está pensado al milímetro.
Vemos una planta libre, propia del gótico, con un
perfil pintoresco, sin existir sin embargo una copia
descarada del pasado, sino más bien algo sobrio.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

Los autores crean una serie de muebles que tendrán una

relación muy fuerte con la propia casa. Tanto la vivienda
como los muebles y los objetos de la casa cuentan con
una gran abstracción del espíritu gótico. Es así como se
crea un conjunto completamente coherente.

Cuando Morris falleció, se enterró de manera simple, como un

campesino. En la política, había fundado la Liga Socialista.

TENDENCIAS RENOVADORAS EN TODAS

LAS ARTES
Existe un descontento generalizado en la copia descarada de las artes del
pasado. Algunos pintores del impresionismo y del postimpresionismo
buscan romper la clásica representación
realista de los cuadros.

En la arquitectura son cada vez más los

arquitectos descontentos con la copia de
estilos del pasado y que se preguntan por qué el s. XIX no es
capaz de crear un estilo propio que no sea el neogriego,
neorrománico, neogótico… En la Galería de Máquinas de la
Exposición de 1889 en París comenzamos a ver ornamentos
difícilmente atribuibles a ningún estilo del pasado. Vemos un
proto-Art Nouveau (arte nuevo), un nombre que dejaba claro el deseo de dejar atrás el
historicismo.

ART NOUVEAU EN BÉLGICA

El Art Nouveau sigue el siguiente decálogo:

- Hay muchos nombres para llama a (más menos) la misma corriente: Art Nouveau (Francia
y Bélgica); liberty (Italia); modernismo (España); secesión (Imperio Austro-Húngaro);
Modern Style (Inglaterra)…

- Este estilo se desarrolla entre los años 1892 y 1910, época de esplendor del modernismo y
positivismo generalizado en la vida popular (Belle Époque (1871 – 1ªGM)). Sin embargo, los
primeros proyectos de Gaudí en Barcelona son de los años 80 en el s. XIX. En España se
expandirá hasta los años 20, llegando a la tendencia del Art Decó.

- Los clientes de este estilo son personas adineradas y burgueses que quieren distinguirse
por tener un gusto moderno y chocante. Es un estilo caro.

- Nace en una sociedad donde se está desarrollando un nuevo concepto: la moda. Es una
idea vinculada a la sociedad de consumo de la Segunda Revolución Industrial. Este ciclo de
cambio constante provoca el nacimiento de las revistas ilustradas.

Los diseñadores y arquitectos se valdrán de dichas revistas para difundir sus ideas y
proyectos, alcanzando una rápida y extraordinaria difusión.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

- Existe una voluntad de encontrar un nuevo estilo que defina los tiempos modernos. Los
artistas del Art Nouveau se obligan a si mismos a no copiar ideas del pasado. Sacan su
fuente de inspiración de la propia naturaleza (al igual que hacía la arquitectura del pasado)
y de otros estilos ignorados hasta el momento, como el arte japonés.

- Los diseños serán originales y estarán producidos de forma exclusiva y artesanal.

- Los edificios tienen que ser obras de arte total, donde todo tiene importancia: la ventana,
la barandilla, los radiadores, las cortinas, etc. Todo debe ser diseñado con cuidado dentro
de un mismo proyecto coherente. Esto requería de una gran imaginación. Esta concepción
de “obra de arte total” fue concebido por el compositor Richard Wagner.

- La ornamentación debe cumplir una función. La decoración será el embellecimiento de

los elementos necesarios de la arquitectura (columnas, barandillas, tuberías…).

- Estos edificios tendrán avances tecnológicos de su tiempo, con estructuras metálicas y/o
modernas, condiciones de salubridad óptimas y diseños confortables.

- Esta corriente triunfará sobre todo en las ciudades que busquen tener una personalidad
propia o que estén viviendo un momento de esplendor (Glasgow, Barcelona, Bruselas,
Estambul…).

- El Art Nouveau será una corriente minoritaria, sin llegar a representar más que un
pequeño porcentaje de los edificios construidos. El historicismo seguirá teniendo una
presencia abrumadora.

VÍCTOR HORTA (1861 - 1947)

Belga que viaja a París a estudiar en la Academia de Bellas Artes, en donde aprende sobre la
estética historicista. Se interesará por Viollet-le-Duc, el cual reivindicaba el uso del hierro como
buen material para mezclarse con el estilo gótico; y por William Morris.

Una vez licenciado como arquitecto realiza un edificio sin ninguna innovación y se retira para
investigar y crear algo propio y, en 1882, creará una casa para un rico burgués.

 CASA TASSEL, BRUSELAS (1892 - 1895)

Primera de muchas casas que realizará en los años 80-90. Es una casa entre
medianeras donde debe buscar la forma para introducir luz de manera
eficiente. Para aprovechar mejor el solar utilizará
una estructura de hierro, permitiendo una mayor
flexibilidad en el interior, donde existe cierta
aversión a la línea recta.

Su fuente de inspiración principal será la

naturaleza, donde las líneas sinuosas serán
abundantes. La fachada no es especialmente
innovadora, debido a las numerosas restricciones

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

de las ordenanzas municipales. Sin embargo, introduce una serie de

detalles como el hierro visible y artístico que se transforma en tallos
vegetales, las formas circulares o las columnas de hierro en la bow
window…
En el vestíbulo encontramos un ambiente totalmente
coherente debido al diseño unitario de las barandillas, las
escaleras, la solería… en donde el tallo vegetal será la
fuente de inspiración principal. La libélula se convertirá en
uno de los insectos favoritos de los artistas del art nouveau.

El edificio cuenta con una sala de fumadores y un

invernadero. En ambos podemos ver cristaleras coloridas y
originales. En correspondencia vemos unos muebles
diseñados por el mismo autor, con la misma inspiración ya vista.

El éxito de la casa fue notable, aunque hubo ciertos críticos que la

rechazaban.

 CASA HORTA (1898)

Víctor Horta se convirtió en un arquitecto rico
en poco tiempo y se construyó su propia casa.
Cuenta con un jardín inglés trasero, hacia
donde se abre toda la parte trasera del
edificio. Volvemos a ver una obra de arte total,
en donde hasta las cerraduras estaban
creadas con un lenguaje vegetal
coherente.

Que el art nouveau sea un arte

totalmente nuevo y original no quiere
decir que no se vean reminiscencias
del estilo gótico y rococó en sus obras.
Sin embargo, nunca observaremos copias de estos estilos en
esta nueva corriente.

 MAISON DU PEUPLE, BRUSELAS (1897)

Sede de un partido obrero belga. Este proyecto se sale de la dinámica de Víctor Horta,
cuyo problema era la irregularidad de la parcela, llena de entrantes y salientes. Sería
precisamente su flexibilidad y amor por las curvas las que hicieron posible adaptarse a este
terreno. El edificio fue finalmente demolido a mediados del siglo XX.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

En esta nueva tipología (una sede

de un partido político) se ha de
incorporar un comedor, sala de
reuniones, salón de actos, salones
de ocio… El alcoholismo y el juego
eran lacras de la vida obrera (tras
una semana de jornada laboral dura, los obreros se
emborrachaban y jugaban), por lo que se intenta combatir
eso en esta sede, promoviendo la lectura y actividades más
saludables.
El salón de actos se encuentra en la planta superior y se adorna
con una serie de palcos metálicos sinuosos. En este edificio las
ventanas son el elemento principal, siendo combinadas con
piedra y ladrillo.

Aunque en el interior vemos cierta reminiscencia del Gótico,

simplemente se toma la idea de una estructura vista, pero con
hierro. Vemos otra vez una obra de arte total.

 PALACIO DE BELLAS ARTES (1919 - 1928)

En el año 1910 se empieza a pasar de moda el Art Nouveau,
produciéndose su muerte definitiva en la Primera Guerra
Mundial. Debido a esto, Víctor Horta pasó de ser un arquitecto vanguardista a pasar
desapercibido en tan solo unos años.

Este edificio no es Art Nouveau, pero es conveniente estudiarlo para comprobar cómo
cambia la moda en esta nueva sociedad de consumo. Su estilo queda a medio camino
entre el Art Decó (una descendiente más geometrizada del Art Nouveau) y el
Neoclasicismo racionalista.

En el interior vemos un cambio radical del estilo del arquitecto:

líneas rectas por todos lados y evocación de elementos clásicos
(casetones, columnas dóricas…). El artista hace esto para
sobrevivir, ya que el art nouveau ya casi estaba extinto,
pasando a la historia como un movimiento muy efímero.

HENRI VAN DE VELDE (1863 - 1957)

Arquitecto belga gran admirador de William Morris. Tras conocer la
obra de Víctor Horta, él mismo se convierte en un
artista del Art Nouveau. Su diseño de objetos y muebles
combina el Arts and Crafts con dicho estilo.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

 CASA BLOEMNWERF, UCCLE (BÉLGICA, 1895)

Primera obra del autor, financiada totalmente por su suegra. El exterior recuerda a la
arquitectura vernácula de los Países Bajos, pero siendo ligeramente transformada. En el
interior volvemos a observar una obra de arte total con el diseño coherente de los
muebles, barandillas, cristaleras…

Van de Velde se traslada a Alemania y diseña varios proyectos como una peluquería en
François Haby, Berlín (aquí se decoran las tuberías de la calefacción, algo tradicionalmente
escondido al considerarse feo). Finalmente, acabará abandonando el Art Nouveau y se
convertirá en promotor del movimiento moderno.
ART NOUVEAU EN FRANCIA
Será este país el que adopte el nombre de Art Nouveau, habiendo sido conocido
hasta entonces el “estilo de Víctor Horta”. Seguirá siendo un movimiento
minoritario. En la ciudad de Nancy fue bastante expandido y acabará
llegando a la industria de la joyería.

HECTOR GUIMARD (1867 -

1942)
Estudia en la Academia de Bellas Artes de París y se
interesa por Viollet-le-Duc y William Morris. En sus
proyectos realizados en la academia tienen un
lenguaje historicista debido a las peticiones de sus profesores.

 CASTEL BÉRANGER, PARÍS (1894 -

1898)
Al terminar sus estudios se le encarga hacer este edificio
de apartamentos de alquiler de lujo. Al principio, lo concibe con
un lenguaje neogótico, pero al descubrir la obra de Víctor
Horta decide realizarlo con un estilo Art Nouveau. El edificio será
un éxito y el artista se convertirá en un arquitecto de moda.

Se trata de un edificio dinámico y articulado, con una planta

libre con patio abierto y fachada de diversos materiales que
crean distintos juegos de texturas y colores.
La capacidad creativa del diseñador es percibida en el uso de la curva y
el hierro. Estamos en una época en la que los arquitectos firman sus
proyectos.

 MAISON COILLOT, LILLE (1898)

Aquí queda de manifiesto que
la estructura de metal no sigue
siendo algo de lo que avergonzarse.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

 ESTACIONES DE METRO, PARÍS (DESDE 1900)

Guimard se conoce por el diseño de las bocas de metro de la capital. Fueron muy
polémicas al principio, diferenciándose de las otras bocas de metro de ciudades. Estas
obras parisinas buscan convertir las entradas hacia el metro subterráneo y frío unas
entradas alegres y fantasiosas. Se le comenzó a llamar a este estilo el “estilo metro”. Los
principales materiales son el hierro y el vidrio.

MODERNISMO CATALÁN
Barcelona es la ciudad más grande y dinámica
económicamente de España en esos momentos. La burguesía
barcelonesa era muy emprendedora y miraba hacia Europa,
sobre todo a Francia; dicha clase social estaba dispuesta a
pagar grandes fortunas por innovaciones artísticas modernas.
Las novedades llegaban allí antes que a ningún otro sitio y
tenían buena acogida.

El conflicto de Barcelona contra Madrid produce el nacimiento

de la Renaixença, un movimiento cultural catalanista que busca un arte identificador, fruto del
desencanto contra la política española en Madrid. En contra del proteccionismo madrileño,
surgía el deseo catalán de abrir las fronteras para recibir la innovación artística del extranjero.

Antoni Gaudí (1852 - 1926) era catalanista y católico. La burguesía del momento es también
profundamente religiosa, pero este pensamiento se opone al catalanismo, movimiento
bastante anticlerical. El arquitecto era hijo de caldereros y fue educado en la arquitectura
ecléctica (Proyecto para una puerta del cementerio (1874 - 75), proyecto estudiantil que
recuerda ciertamente a Boullée).

A Gaudí le fascinaba también Viollet-le-Duc y William Morris. Además de esto, a la

Escuela de Arquitectura llega una colección de fotografías de edificios orientales,
las cuales servirán como inspiración para las futuras obras del arquitecto, ya que
no le gustaba viajar (al igual que le pasaba a Bernini).

Sin embargo, en 1878 acude a París para una exposición de vitrinas. Su proyecto
de vitrina llama la atención de una serie de empresarios que
buscan diseñadores industriales y, finalmente, Gaudí consigue
encargos de varios mecenas que estaban dispuestos a pagar
sus lentas y costosas obras. Sus principales mecenas fueron
Vicens y Güell.

ETAPA ORIENTAL O
“MUDÉJAR” DE GAUDÍ

 CASA VICENS,
BARCELONA (1883 -
1885)

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

10 años antes de que Víctor Horta

comenzase la Casa Tassel, Gaudí
realizó esta importante obra. Sin
embargo, las ideas de Horta se
expanden a gran velocidad, no como
las del arquitecto catalán.

Diseñada para su mecenas Manuel Vicens i Montaner, un

empresario de azulejos. Se trata de una casa de planta libre en la
periferia de Barcelona. La fachada es muy pintoresca, con juegos de
volúmenes y texturas, sin llegar a encajar en los lenguajes
predominantes de la época. Se le atribuye un estilo neomudéjar con
toques góticos, pero en realidad es una arquitectura mucho más
creativa y fundamentalmente modernista.

El palmito, única palmera autóctona de la costa española, sirve de

inspiración para las rejas de la casa. Si bien el lenguaje utilizado tiene
una reminiscencia de elementos árabes y
mudéjares, Gaudí los transforma para crear unos
diseños propios, sin caer en un historicismo puro.
Su primer proyecto importante es de una
fascinante originalidad, creando una obra de arte
total. En el interior vemos una cúpula con una
celosía de hojas de palmito y motivos que recuerdan a los diseños
persas.

Las salas de fumadores, como ya hemos visto, eran zonas para hombres que se
ponen de moda en el s. XIX. En dicha sala, en la Casa Vicens, observamos una
reinterpretación de la Sala de las dos Hermanas de la Alhambra (zócalos de
azulejos diseñados por él, paredes rugosas que recrean las
yeserías…). En el jardín crea un quiosco de estilo fatimí.

 EL CAPRICHO, COMILLAS (SANTANDER, 1883

- 1885)
Se trata de una casa para escapadas que busca destacar en la costa
cántabra. Vemos otra vez una planta libre con un perfil pintoresco, todo
revestido de un lenguaje orientalista. Fue ampliado en 1916.

Las fuentes de inspiración son el arte medieval, románico y la propia

naturaleza. Los alminares de las mezquitas egipcias sirven de inspiración para la torre, que
carece de funcionalidad. En el interior vemos armaduras de lazo inspiradas en las típicas
armaduras musulmanas.

ETAPA DE PLENITUD

 PALACIO GÜELL, BARCELONA (1886 - 1890)

Considerado el mejor edificio de las primeras etapas de Gaudí. Se
toman influencias góticas y árabes. En la entrada del edificio vemos un

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

arco parabólico, algo que utilizará mucho en sus futuras obras. En la

fachada vemos un balcón volado que se inspira en un Caravansar del
Cairo. El símbolo catalanista del Dragón de San Jorge está también
presente en dicha entrada.

La Alhambra vuelve a ser inspiración para la conexión de las salas en

este edificio, dejando pocos ámbitos cerrados. En el interior hay un
ambiente entre gótico y oriental, pero sin tomar nada prestado de manera
literal. El lucernario superior está perforado, dejando pasar una luz cenital.
La inspiración para dicho lucernario sale de la Tumba de Zubayda en
Bagdad (bóveda con una cúpula de mocárabes que también se manifiestan
en el exterior).

Los muebles también son diseñados por el arquitecto, mostrando (al igual
que Víctor Horta) una aversión hacia la línea recta; según Gaudí, “la curva
es la línea de los dioses”. En la azotea encontramos un fantástico mundo de
chimeneas con formas abstractas forradas de azulejos.

 COLEGIO Y CONVENTO DE SANTA TERESA,

BARCELONA (1888)
Se le encarga finalizar un convento comenzado por otro arquitecto. El estilo
en el que se había iniciado el edificio era bastante clásico y el presupuesto
muy limitado, así que prácticamente trabaja gratis hasta una discusión con la
madre superiora, momento en el que abandona el proyecto.

Estamos en una época en la que la construcción de conventos por toda

España incrementa de gran manera tras varios años de duras
desamortizaciones. En la fachada vemos celosías, juegos de arcos,
almenas, etc. Son ideas que podemos reconocer fácilmente, pero
pasadas por el tamiz del arquitecto. Se combina el ladrillo visto con la
textura rugosa de la piedra.

En el interior busca desplegar, de manera austera, su característica

fantasía. El corredor es el elemento más famoso del convento. Se trata
de una sucesión de arcos parabólicos, donde la luz juega de manera
intensa. Esta idea la vuelve a sacar de la Alhambra (Sala de los Reyes).

 PALACIO EPISCOPAL, ASTORGA (PROVINCIA DE

LEÓN, 1887-1893)
Tras un incendio que destruyó el palacio episcopal, el obispo de Astorga (Grau i
Vallespinós) le encargó la reconstrucción a Gaudí, con quien tenía
una sólida relación personal. Un primer diseño data de 1887, pero
hubo que reformarlo dos veces a instancias de la Academia de San
Fernando, que tenía competencia por s er obra costeada por un
ministerio. Construido en estilo neogótico muy personal, distinto a
cualquier edificio precedente, parece un castillo de hadas labrado con sólida
piedra.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

Sus paramentos son rústicos, utiliza bóvedas catalanas, nervios de

azulejos, etc. Estaba previsto un elegante sistema de cubiertas de
pizarra que no se ejecutó. Tiene aparatosos salones... El edificio hace
buena la recomendación de William Morris de inspirarse en el espíritu
de gótico sin copiarlo servilmente. Se dijo que era el mejor de los
edificios neogóticos de España. A pesar de estar probablemente
inspirado en el Diccionario de Viollet-le-Duc, los resultados son mejores
que los logrado por el arquitecto francés en sus
proyectos.

 CASA BATLLÓ (1904-1906)

Ubicada en la “manzana de la discordia”, consiste en la reforma de un
edificio preexistente, con muros de carga y vigas de madera, pero es
una transformación tan original, que el resultado es una de
las obras cumbres del autor. Aquí no hay referencia alguna al
lenguaje de otros arquitectos. La fachada ondula como el mar, salpicada de
azulejos iridiscentes. La luz se gradúa mediante distintas aberturas, desde los
grandes huecos bajos hasta los balcones con forma de antifaz, que evocan
animales marinos, o las ventanas simples. Hay también quien dice que el remate
recuerda a las escamas del dragón que mató San Jorge.

 CASA MILÀ O LA PEDRERA, BARCELONA (1906-1910)

Son en realidad dos edificios de apartamentos de alquiler unidos por la fachada y
con patios de luz propios. El edificio tiene estructura metálica, lo que le da una
gran libertad al autor en la división de espacios y en el alzado, que tiene
propiedades escultóricas. Las piezas pétreas de las fachadas se unen a la
estructura mediante vigas metálicas y se tallaron una vez colocadas.

Estas fachadas ofrecen una imagen de montaña erosionada con grutas, inspiradas
en la Capadocia turca, y un remate nevado. La monotonía cromática es
compensada por el ritmo ondulante. Las rejas, realizadas por Jujol, tienen aspecto
vegetal. En la azotea se elevan fantásticas y expresionistas chimeneas,
respiraderos y salidas de escaleras decoradas con trozos de mármol, azulejos y
botellas rotas.

Michel Ragon considera el remate un avance de la escultura abstracta, que deberá

esperar aún muchos años a que la “inventen”. El edificio debía ser como un gran
pedestal para un grupo escultórico en bronce (Virgen del Rosario y arcángeles San
Gabriel y San Miguel) del escultor Carles Mani dedicado a Rosario, la mujer del
promotor Pere Milà, pero no fue colocado para serio disgusto de Gaudí. Los
nombres de “pedrera” o “muela picada” fueron apodos populares. En el
interior no existen muros paralelos y los propios cielos rasos de cañizo y yeso
tienen formas en relieve, ondulaciones e inscripciones que completan el
sentido dinámico de las paredes y
muros.

 PARQUE GÜELL,
BARCELONA (1900-1914)
Era el jardín privado (hoy parque
público) para un barrio de 60 viviendas
encargado por Güell, que posiblemente

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

estaba impresionado por los experimentos ingleses de ciudad

jardín. Sólo se construyeron dos casas unifamiliares y debían
tener como destinatarios personas del entorno de Güell. El lugar
era muy seco y Gaudí supo sacar partido de la escasa agua
disponible, recurriendo a las plantas autóctonas.

Es de un organicismo que respeta en lo posible el relieve, sin

destruirlo con cortes y terraplenes, y distribuye por él sinuosos
caminos. Utiliza un amplio repertorio de
elementos poco frecuentes, como los soportes inclinados
recubiertos de piedra o los azulejos de derribos. En los
pabellones de entrada los techos son ondulados y están
recubiertos de cerámica que siempre brilla. El pabellón de
servicios tiene una torre de sección hiperboloidal… El
mercado es como una sala hipóstila minoica o dórica. Los
elementos decorativos recogen una amplia iconografía con
símbolos mitológicos, patrióticos y religiosos.

 CRIPTA DE LA COLONIA GÜELL (1898-1908)

Ubicada en la cúspide de una colina, debía formar parte de una iglesia que nunca llegó a
terminarse. La iglesia acompañaría a una colonia para obreros, tampoco ejecutada,
promovida por Güell. La planta es de forma ovoide irregular y el alzado organicista. Es una
de las obras más avanzadas del autor, que invirtió 12 años en su estudio y realización, y
desarrolló soluciones que también preveía aplicar en la Sagrada Familia.
Las obras quedaron interrumpidas en 1917 cuando sólo se había hecho la cripta, cuya
decoración ni siquiera se concluyó. El cálculo de la estructura se hizo así
se hizo mediante una serie de cuerdas y pesos (10.000 veces menores a
los reales que se deberían aguantar) que, al darles la vuelta en una
fotografía daban como resultado la forma idónea para realizar la
estructura. La Cripta Güell la concibió como un experimento estructural
para la Sagrada Familia.

 SAGRADA FAMILIA (1883-1926)

Se trata de un templo que, promovido por una
asociación religiosa y costeado por aportaciones
particulares, debía estar dedicado a Jesús, María y
José. Las obras se comenzaron bajo la dirección
del arquitecto diocesano Francisco de Paula del
Villar, que hizo una cripta neogótica y abandonó
los trabajos en 1883. Gaudí se incorporó con
pasión en la obra, que tomó como el gran reto de
su vida, y a la que se dedicó en exclusiva desde 1914.

La lentitud de los trabajos le permitió ir estudiando con detalle todos los aspectos. El
proyecto de Gaudí duplica la superficie del proyecto precedente, pero sobre todo
multiplica las torres y añade un claustro. La planta es de cruz latina y cinco naves con
girola. Tiene tres fachadas, cada una de ellas con cuatro torres de perfil parabólico. Preveía
una torre sobre el ábside de 140 metros y otra sobre el cimborrio de 170. En el interior
destacan los pilares inclinados para apear las bóvedas. Entre las fuentes de inspiración está
el gótico y la arquitectura de Tombuctú.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

Sólo se construyó la fachada del Nacimiento, cuyas torres se inspiran en un proyecto de

1892, un convento para misioneros franciscanos en Tánger (1892-1893) inspirado en la
peculiar arquitectura de Tombuctú. Así valoraba el arquitecto Bernardo Giner de los Ríos el
inacabado proyecto (1950): “En esta obra de la Sagrada Familia, debido a la lentitud con
que han sido llevadas las obras, aún inconclusas, se advierten las distintas épocas del
autor, reflejándose en ellas la evolución de un pensamiento. […] Si fueran suficientes una
obra y un arquitecto para representar una época, podría decirse que esta obra de Gaudí es
la representación más genuina de aquélla, que fue época de tanteos y en la que existen
titubeos y dudas. Su teoría de la supresión de todo lo accesorio para dejar reducido a lo
fundamental en la construcción, está demostrada en esta obra. El original de este dibujo lo
tenía colgado en su taller de la Sagrada Familia y fue destruido durante la Guerra Civil,
aunque se conservan fotos”.

Se suprimen arbotantes y contrafuertes que fue la característica de las estructuras góticas.

Su gran conocimiento de la construcción la hizo posible. Las formas helicoidales, de las
cuales saca gran partido decorativo en los pináculos y en las agujas, es lo que ha dado un
sello más personal a la obra de este gran arquitecto. La Sagrada Familia fue consagrada por
el papa Benedicto XVI en noviembre de 2010 y se espera la conclusión del templo para el
año 2026, coincidiendo con el centenario del fallecimiento de Gaudí.

FORTUNA CRÍTICA DE ANTONI GAUDÍ

Gaudí fue un arquitecto muy influyente entre sus más cercanos colaboradores (Berenguer i
Mestres, Sugrañes i Gras, Jujol), será admirado y ocasionalmente seguido por arquitectos y
artistas del siglo XX españoles y extranjeros. En el propio cine su arquitectura será imitada en
películas expresionistas alemanas, por Walt Disney o en los decorados de El mago de Oz.

Afirma Salvador Dalí que el último gran genio de la arquitectura se llamaba Gaudí. Aunque
Bernardo Giner de los Ríos es muy crítico con el “modernismo” por sus ornamentaciones,
reconoce en Gaudí a “la figura de mayor relieve en los primeros veinticinco años del siglo” en
España. El propio Le Corbusier reconoció el talento de Gaudí y erigió en su última etapa la
capilla de Ronchamp, que en ciertos aspectos entronca con el modernismo.

LLUÍS DOMÉNECH I MONTANER (1849-1923)

Nacido en Barcelona, estudió en Madrid, pero se instaló en su ciudad natal, donde fue
profesor de la Escuela de Arquitectura y acumuló a lo largo de su vida numerosos cargos y
responsabilidades en el ámbito de las artes y de las letras. En 1878 publicó en la revista
catalanista Reinaxença un influyente artículo bajo el título “En busca de la arquitectura
nacional” reivindicando una arquitectura acorde con cada región (el gótico sería el idóneo para
la corona de Aragón, mientras que los estilos musulmanes serían adecuados para Andalucía…).

Pronto irá superando ese eclecticismo para evolucionar hacia un protomodernismo y adoptar
más tarde un modernismo con un pesado lastre ecléctico, que culminará finalmente con un
exuberante modernismo en el siglo XX. A diferencia de Gaudí, no renunciará a los objetos de
producción industrial para ornamentar y amueblar sus edificaciones.

 PALAU DE LA MÚSICA CATALANA (1905-1908)

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

Aunque en menor medida que en el liceo de Barcelona, se aprecia en él el influjo del

músico Richard Wagner y sus propuestas para la ópera de Bayreuth. Está construido sobre
un solar irregular y tiene una estructura metálica que da gran libertad a la hora de
adaptarse y calar los muros. Los elementos decorativos, en los que trabajaron diversos
artistas, incluido el escultor Pablo Gargallo, se integran armoniosamente en el edificio y
entre sí.

CHARLES RENNIE MACKINTOSH (1868-1928)

Gran Bretaña fue refractaria al Art Nouveau. El tradicional respeto por la tradición en la cultura
inglesa hace que en la isla no se mantenga una polémica del mismo tipo a la que se vive en el
continente contra los estilos históricos. En Gran Bretaña se publicarán las revistas The Studio
(desde 1893) y Architectural Review (desde 1896), que tenían más difusión en el continente
que en la isla. No obstante, en la dinámica ciudad escocesa de Glasgow sí apareció un grupo de
arquitectos, pintores y decoradores que se sumergieron de lleno en los debates de las
vanguardias europeas del momento. En Escocia el estilo Glasgow es el equivalente al Art
Nouveau. La ciudad había crecido rápidamente (pasó de 80.000 habitantes en 1800 a 720.000
en 1900) y tenía una corta tradición arquitectónica, era considerada una “urbe fea” y muy
contaminada por las industrias.

Había, pues, un deseo de mejorar su imagen a la par que el ascenso del nacionalismo escocés
animaba a la búsqueda de un lenguaje propio frente al monumentalismo historicista de
Londres. Por otro lado, mantenía un intenso comercio con Japón y la ciudad se vio invadida por
objetos procedentes de ese país. Cuanto Mackintosh tenía 16 años comenzó a trabajar como
aprendiz mientras estudiaba en la Escuela de Arte de Glasgow. Allí conoció a su esposa
Margaret MacDonald (1864-1933), con la que firmaría
diseños y a la que se deben algunos aspectos
característicos de su estilo (paneles decorativos,
engastes de metal batido o el vidrio emplomado). A los
21 años entró como pintor en el despacho de los
arquitectos Honeyman & Keppie. En 1896 fue uno de los
cuatro escoceses que presentaron con éxito sus diseños
en la exposición Arts and Crafts.

Al año siguiente recibió sus primeros encargos como

proyectista independiente. Su periodo más activo e inspirado es 1896 - 1906. A partir de 1914
se establece en la periferia de Londres para vivir de una renta de su mujer y de otra propia.
Sigue trabajando como diseñador de tejidos para la producción industrial, con un estilo más
abstracto próximo al Art Decó, y se entrega al alcoholismo, lo que ahuyentó a posibles clientes
y lo sumió en una precaria situación económica. En sus últimos años solo remodeló dos
viviendas, en las que utilizó abundante ornamentación, y pintó acuarelas. Estos son los rasgos
generales de su madurez:

- El “japonesismo” en arte se había manifestado desde 1866 gracias a las relaciones

comerciales. Los japoneses estaban muy interesados por la avanzada construcción naval
de Glasgow. Desde 1876 se encuentran algunos ejemplos de decoración de salones en
estilo anglo-japonés. Mackintosh se inspiraría en esta peculiar tradición de su ciudad.

- Obtiene un temprano éxito con su fascinante y novedoso repertorio decorativo que

además de los motivos japoneses utiliza arabescos, adornos celtas, etc.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

- Estuvo entre los pioneros del abandono de la línea curva en favor

de la recta. Esto lo sitúa en las antípodas de Víctor Horta. La
utilizaba ocasionalmente, pero su viaje a Viena en 1900 no solo
influyó sobre la Sezession, sino que él mismo se vio influido por los
diseños de Josef Hoffmann y
Koloman Moser, que le impulsaron a abandonar la línea
sinuosa del Art Nouveau.

- Prefería los colores claros y diáfanos en una época en la

que éstos se consideraban un ataque a la seriedad. No
obstante, el gusto por las paredes blancas en
contraposición a los oscuros y densos interiores
victorianos era una tendencia en alza a la que él se sumó.

- Fue también un excelente diseñador de muebles. Sus sillas, aunque poco

cómodas, no se parecían a ejemplos precedentes, pero llamaban
poderosamente la atención en sus espacios arquitectónicos.
Vemos motivos ovales que recuerdan los emblemas de la nobleza
japonesa.

- Suele considerarse que llevó el modernismo de sus orígenes

ornamentalitas orgánicos a una simplicidad que anticipa el
racionalismo. Influyó en la Secesión de Viena gracias a las exposiciones que sobre
su obra se hicieron en aquella ciudad y a los encargos que recibió. Como
arquitecto se le suele comparar con Hoffmann y con Wright, aunque su obra es
mucho más reducida en todos los campos: su arquitectura se reduce a trece
proyectos.

- Hoy Mackintosh es en Glasgow un “objeto de culto y ha dado origen a una industria local
muy rentable”.

 IGLESIA SAINT-MATHIEU, GLASGOW (1897-1899)

La iglesia es un encargo de la comunidad presbiteriana. Es el más destacado de sus
primeros proyectos y, a diferencia de otros que sólo quedaron en papel, sí se llegó a
ejecutar. Está a medio camino entre el neogótico típico de Escocia y el Art Nouveau.

La torre es el elemento más original del exterior, pues en sus primeros proyectos insistió
mucho en la torre como elemento impactante, siendo más convencional en las fachadas. El
interior se cubre con una única bóveda ojival con tirantes. El mobiliario es Art Nouveau. En
1903 presentó un proyecto neogótico para la catedral de Liverpool, lo que demuestra
hasta qué punto el estilo gótico y la religión estaban unidos.

 ESCUELA DE ARTE DE GLASGOW (1898 Y AMPLIADA EN

1907)
Primero hizo el edificio oriental y años después el ala occidental, comunicando ambos con
una imaginativa escalera. Es su edificio más importante y audaz. Hay que destacar el
tratamiento asimétrico de la fachada y un cierto aire fantástico que le dan los miradores,
que recuerdan a los tubos de un órgano. Las referencias más directas al modernismo están
en el tratamiento de las rejas que evocan flores.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

El mobiliario es acorde con la arquitectura exterior, con un

predominio de la línea recta. Las aulas, que se orientan al norte
para tener una luz homogénea, son de un acentuado
funcionalismo. En sus enormes ventanas, propias de una fábrica,
algunos historiadores han querido ver un precedente del
Movimiento Moderno. El edificio ha sufrido dos graves incendios
en 2014 y en 2018.

 PROYECTO PARA LA CASA DE UN AFICIONADO AL ARTE

(1901)
Proyecto de 14 dibujos que presentó a un concurso en la vanguardista ciudad alemana de
Darmstadt (1901). El concurso pedía diseñar una “villa para un aficionado al arte” con la
aspiración de establecer el tipo de residencia ideal para un burgués adinerado amante de
las artes, de manera que debía tener un museo personal, sala
de música con piano, mini teatro privado, varias salas de
recepción, etc. El primer premio quedó desierto y el segundo
se otorgó a Scott por un proyecto romántico historicista.

A Mackintosh se le dio el tercer premio. El exterior del edificio

presenta una pintoresca sucesión de volúmenes que recuerda
a un castillo escocés. Edificado en ladrillo estucado. En el
interior grandes salones se comunican con puertas correderas
al estilo japonés o con puertas batientes. Diseñó unos imaginativos paneles decorados con
mujeres-flores, tulipanes, rosas arremolinadas, etc. Estos paneles contribuían a crear
ambientes diferentes según las funciones de las salas.

La electricidad la trata con especial habilidad diseñando lámparas de formas muy distintas.
Los diseños se publicaron con todo lujo de detalles en Alemania y tuvieron gran difusión
haciendo de éste su proyecto más influyente, con un impacto comparable al que tendría
en 1910 la publicación de las “casas de la pradera” de Wright. El proyecto ha sido
edificado entre 1986 y 1996 partir de sus diseños.
 HILL HOUSE, CERCANÍAS DE GLASGOW (1902-
1906)
Aquí se materializa hasta cierto punto su proyecto presentado al concurso
de Darmstadt. Es una casa unifamiliar en la que se conjugan las tradiciones
escocesas con las audacias del autor, perceptibles en el sutil juego de
retranqueos y salientes de algunos puntos de la sobria fachada. Fue
diseñada y construida para el editor Walter Blackie.

Antes de empezar a crear un dibujo de fachada o incluso una planta, Mackintosh

pasó unos días en la antigua casa de los Blackies para observar la vida cotidiana, y
construir desde adentro hacia afuera. Después de analizar profundamente los
hábitos de la familia, se sintió capaz de diseñar todos los aspectos de la casa de
acuerdo a las necesidades de cada usuario. A su juicio, los problemas funcionales
deben ser resueltos, en primer lugar, para dejar que la belleza surja de la solución.

El resultado sólo puede ser el de un cliente satisfecho. A la despensa,

cocina, lavandería, etc. les dio una minuciosa atención con el fin de
hacerlas aptas para sus necesidades prácticas. Cada detalle, tanto
dentro como fuera, recibió su cuidada atención. Mackintosh
consideraba que esta era la única forma honesta de diseñar.

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TEMA 4 – DEL ARTS AND CRAFTS AL ART NOUVEAU

 SALÓN DE TÉ WILOW, GLASGOW (1904)

Decoró o colaboró en la decoración de una docena de salones de té durante 20 años
contratado por la propietaria de una cadena de estos establecimientos, Catherine
Cranston, que era enemiga del alcoholismo por los problemas que éste ocasionaba entre
los obreros y sus mujeres (había sido militante cartista en su juventud para evolucionar
luego hacia un paternalismo obrerista y el feminismo).

No deja de ser paradójico que recurriera a Mackintosh, que era ya un alcohólico. Su primer
negocio se componía de una tetería en la planta inferior y de un albergue antialcohólico y
centro comunitario (sala de lectura, sala de juegos…) en las superiores. Pero las teterías
diseñadas por Mackintosh estaban destinadas sobre todo a convertirse en centros de ocio
de un público elegante, esnob y abstemio.

En algunas teterías colaboró con artistas como George Walton. La publicación de estos
proyectos, pensados para ser efímeros, relanzó el prestigio de Mackintosh. Poco queda del
“imperio” de teterías de Catherine Cranston. También decoró la casa, Hous’hill, de esta
empresaria.

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