Universidad del Balamand

Instituto de Teología San Juan Damasceno

SOFI279 Introducción a la Iconología

Lección 7 Sección 4

Tipos de Íconos
En la Iconografía Bizantina podemos reconocer cinco categorías o tipos de íconos:

1. Mural
Se ha vuelto común en los tiempos modernos para referirse a cualquier pintura
sobre la pared (o mural) utilizar el término "fresco", pero esto es, estrictamente hablando,
incorrecto. La pintura mural utiliza dos técnicas diferentes: "el Fresco" y el “Secco.” Entonces
¿Qué es un fresco? Fresco es una palabra italiana que significa "húmedo". Esta técnica
consiste en una pintura en la que los pigmentos puros se aplican sobre una superficie
todavía húmeda de yeso. Cuando se seca el yeso, se une con las partículas del pigmento,
endureciéndose y adhiriéndose a la superficie de la pared. De hecho, los colores se vuelven
parte integrante de la estructura del propio yeso. Esta unión se produce sólo durante el
tiempo de secado de la pasta. Una vez que el yeso se ha secado, otras aplicaciones de color
no se adhieren. Por eso el tiempo disponible para la pintura al fresco es más bien corto:
hasta 10 horas más o menos desde el momento en el que el enyesado se ha completado.
Por esta razón, un gran fresco se hace generalmente en varias secciones.

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El arte de la pintura al fresco es muy antigua. Estuvo muy difundido en la época

helenística y clásica del arte griego, siendo perfeccionada por los romanos, que
proporcionan la mayor parte de los ejemplos sobrevivientes de la pintura al fresco del
mundo antiguo. Los cristianos continuaron haciendo uso de esta técnica, y de allí que las
pinturas murales de las iglesias de la época bizantina fueron ejecutadas al fresco.
Lamentablemente, es muy raro verlo utilizado en las Iglesias Ortodoxas en la actualidad.
En la técnica en seco se diluyen los pigmentos en un medio de unión y se los
aplica sobre un yeso seco.

2. Mosaico
La técnica del mosaico consiste en la colocación de pequeñas piedras, cerámicos,
marfil y las conocidas teselas, para crear una imagen.
Esta técnica fue descubierta en Roma durante el siglo I a.C. Las paredes de las

cuevas dedicadas a las musas estaban decoradas por mosaicos y de allí el nombre. El brillo
de las teselas tenía un encanto particular por lo tanto esta forma de arte se expandió
rápidamente incluso en las comunidades cristianas.
La razón para adopción de esta técnica en las comunidades cristianas era
evidente. Las pequeñas piezas de vidrio o de marfil, tenían la capacidad de reflejar la luz
haciendo que los colores se vean más brillantes creando una atmósfera iluminada. Cuando
el fiel ingresaba en una Iglesia adornada con mosaicos entraba en un ambiente homogéneo

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donde el oro de los mosaicos daban la impresión de una desmaterialización. Los mosaicos
transportan hacia el otro reino, su brillo y claridad proporcionan una fuerte sensación de
una concordancia con las palabras de la oración: “Dios el Señor se nos ha manifestado,
Bendito el que viene en el nombre del Señor.”
En el Imperio Bizantino, los mosaicos se usaron considerablemente durante los
siglos IV y V. Fueron de gran importancia en la decoración iconográfica durante más de un
siglo. Después de la derrota del Iconoclasmo, se completó la decoración en mosaicos más
importantes: la representación de la Santísima Virgen María con el Niño (Panagia) en la
Iglesia de Santa Sofía de Constantinopla. Después del siglo XIV, la condición del Imperio
empobrecido, por una parte a causa de las Cruzadas desde el Oeste y por otra de los ataques
repetidos de los turcos otomanos desde el Este, hicieron que – como decoración- fuese
imposible hacer mosaicos en las Iglesias. Se debían emplear métodos menos costosos, por
eso esta técnica fue reemplazada por la pintura mural.

3. Panel
Es la técnica más conocida en la actualidad. Son los iconos realizados sobre
madera, con técnicas del temple al huevo que se hicieron muy comunes, particularmente a
partir del siglo VI, aún cuando son una adaptación de técnicas muy antiguas.
La madera para las tablas de iconos se corta por lo
general al comienzo de la primavera antes de que la madera se
llene de savia. Hay que aserrar las tablas de manera que las fibras
corran a lo largo y no a lo ancho. Se trabajaban las tablas con
diferentes instrumentos. Para los iconos de gran tamaño, la tabla
se compone de varias partes. Para que no sufran arqueado, las
tablas se refuerzan en el reverso o en los extremos con travesaños
de madera. Antiguamente, sobre la parte frontal de la tabla, en la
mitad, se hacía una cavidad. El campo que rodeaba la cavidad
cumplía el papel de un marco especial que separaba el mundo
“visible” del mundo “invisible”. A partir del siglo XVII, en la pintura
de iconos los campos se distinguían sólo por el color sin la cavidad.

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Sobre la tabla se pega habitualmente una capa fina de un tejido de lino, que al
extenderse sobre las base sostiene fuertemente el fondo. Luego el dibujo preparatorio se
realiza sobre la tabla preparada mediante dos procedimientos: 1) con pincel, en color negro;
2) con grafía (con línea) trazada con una aguja. Después de esto, los iconógrafos doran el
fondo y los halos. Para ello utilizan láminas de oro. Las superficies doradas se pulen
complementariamente con bruñidores de piedra de ágata. A partir del siglo XVII no era muy
frecuente hallar iconos con los fondos enteramente cubiertos con láminas doradas. Esta
práctica cobró auge nuevamente en la pintura de iconos de los siglos XIX y XX.
En la siguiente etapa, los maestros inician el trabajo con colores. Los colores son
habitualmente de origen mineral, “tierras” de colores y piedras trituradas disueltas en yema
de huevo y una bebida fermentada. Cada color en el icono está compuesto de mezclas de los
mismos pigmentos utilizados por el pintor. Los colores se aplican por capas en un orden
definido y usado durante siglos.

La pintura de los rostros es la labor más compleja y de mayor responsabilidad. En

la pintura del rostro la primera capa de pintura es la base, y sobre ella se dispone, por capas,

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el ocre; este proceso se llama encarnadura. Este culmina con leves pinceladas con blanco
que significan la luz. Así como Dios Padre creó al hombre inspirándole un soplo de vida con
el espíritu divino, de la misma manera el iconógrafo, al pintar el rostro de Dios, “inspira” a su
creación con un color divino.

4. Miniatura
Fue usada en la decoración de los manuscritos. Estos manuscritos estaban
escritos en pergaminos o cueros y son llamados manuscritos iluminados o ilustrados. Desde
el siglo IX hasta finales del siglo XII fue sin duda el más brillante período de la miniatura
bizantina.

5. Relieve
Bajo-relieves y alto-relieves comúnmente realizados en mármol, metales
preciosos o madera. Las estatuas no eran utilizadas en la veneración cristiana. Durante la
época del Imperio Bizantino se utilizaba este tipo de técnica para la ornamentación de los
arcos e iconostasios.

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