Cómo

 hacer  cosas  con  imágenes  

Una  guía  para  escribir  en  la  historia  del  arte  
 
por  Andrei  Pop  
Tabla  de  contenido  
Plan  del  libro  ..................................................  .........................................  1  
Mirando  
1.  ¿Por  qué  escribir?  ..................................................  ..............................................  3  
2.  Encontrar  el  objeto  .............................................  .........................................  6  
3.  Tomando  notas.  ..................................................  ...........................................  7  
4.  Hacer  preguntas  ..............................................  .........................................  8  
5.  Investigación  ...............................................  ..................................................  10  
Intermezzo:  ¿Qué  es  el  Arte?  ..................................................  ............................15  
Escritura  
6.  Las  herramientas  del  escritor  .............................................  ........................................  17  
7.  Esquema  ...............................................  ..................................................  22  
8.  Reorganizando  ...............................................  ............................................  26  
9.  El  espacio  del  escritor  .............................................  .......................................  27  
10.  Escribir  ...............................................  ..................................................  27  
Acabado  .................................................  ..................................................  ..  32  
Otras  lecturas  ................................................  ..........................................  33  
Glosario  .................................................  ..................................................  ...  35  
 
 
 
 
Plan  del  libro  
Este  libro  pretende  ser  una  introducción  a  la  escritura  sobre  el  arte.  Pero  muchos  de  los  desafíos  encontrados  en  la  
primera  escritura  sobre  el  arte  nunca  desaparecen,  no  importa  la  cantidad  de  práctica  que  tengamos.  Por  esta  
razón,  el  libro  también  puede  ser  de  interés  para  escritores  experimentados.  El  problema  básico  con  escribir  sobre  
arte,  o  incluso  pensar  en  el  arte  para  el  caso,  es  que  tenemos  que  emplear  palabras  para  describir,  explicar,  evocar  
o  circunnavegar  la  experiencia  sensorial:  visual,  auditiva,  táctil,  gustativa  e  incluso,  no  lo  quiera,  olfativo.  Esto  es  un  
problema,  en  parte,  porque  los  sentidos  son  todavía  un  poco  embarazosos  para  nosotros  como  seres  intelectuales  
(la  escritura  artística  es  involuntariamente  personal),  y  en  parte  porque,  aunque  hablamos  de  cosas  que  vemos  y  
escuchamos  todos  los  días,  rara  vez  consideramos  cómo  vemos  cosas  o  la  manera  en  que  el  sonido  o  los  
sentimientos  se  propagan  en  nosotros.  En  resumen,  somos  forzados  
recordar  y  también  articular  procesos  que  generalmente  permanecen  vagos.  Los  resultados  a  menudo  son  
intrigantes,  incluso  placenteros.  Pero  la  curva  de  aprendizaje  puede  ser  desalentadora.  Con  esta  dificultad  en  
mente,  he  organizado  el  libro  en  torno  a  dos  temas,  mirar  y  escribir,  con  un  intermezzo  sobre  la  definición  de  arte,  
y  algunos  apéndices.  El  tratamiento  del  primer  tema,  mirar,  está  destinado  a  activar  lo  que  mucha  gente  considera  
una  operación  pasiva.  Como  tal,  la  mirada  intencionada  incluye  mucho  pensamiento,  toma  de  apuntes  e  
investigación  académica,  mirando  a  través  de  los  libros.  El  resultado  final  de  esta  persistente  mirada  al  objeto  de  
arte  es  que  el  escritor  nunca  debe  estar  en  la  posición  de  tener  que  acercarse  a  la  hoja  de  papel  en  blanco  (pantalla  
en  blanco)  sin  nada  que  decir.  La  escritura,  el  segundo  tema,  representa  la  consolidación  y  la  comunicación  del  
conocimiento  y  el  pensamiento  del  espectador.  Los  primeros  cuatro  capítulos  son  de  carácter  preparatorio  y  solo  el  
último  (capítulo  10)  se  refiere  a  la  redacción  formal  de  ensayos.  La  razón  de  esta  disposición  es  que  la  escritura  
académica  no  es  simple,  sino  que  su  complejidad  y  valor  práctico  se  derivan  de  un  enfoque  sistemático  y  paciente  
para  organizar  y  presentar  evidencia,  y  no  de  reglas  rígidas  de  contenido.  En  general,  el  objetivo  modesto  de  este  
libro  es  hacer  que  la  escritura  académica  sea  indolora  e  intelectualmente  gratificante  para  el  escritor.  Queda  por  
ver  si  el  resultado  final  de  una  experiencia  de  escritura  subjetivamente  más  feliz  será  un  mejor  ensayo,  pero  es  una  
expectativa  razonable.  Si  esto  sucede,  también  podríamos  obtener  maestros  más  felices.  Aunque  no  está  diseñado  
específicamente  como  una  introducción  a  la  historia  de  la  escritura  de  arte,  este  libro  está  escrito  desde  la  
perspectiva  de  un  historiador  del  arte.  Esto  es  en  parte  una  limitación  del  autor;  los  lectores  pueden  encontrar  la  
interpretación  de  un  filósofo  o  un  poeta  más  esclarecedora.  La  historia  del  arte  en  verdad  es  una  disciplina  
relativamente  joven.  Pero  ha  tropezado  con  más  obstáculos  encontrados  al  pensar  en  arte  que  cualquier  otra  
disciplina  académica.  Algunos  de  los  obstáculos  resurgirán  aquí,  con  las  señales  apropiadas.  Los  libros  de  
instrucciones  a  menudo  adolecen  de  un  estilo  demasiado  cargado  o  demasiado  familiar,  y  le  regalan  al  lector  lo  que  
"uno"  o  "usted"  debería  hacer.  Análogamente,  a  menudo  se  mueven  entre  un  consejo  que  es  demasiado  general  y  
un  dogmatismo  de  maestro  de  escuela.  Si  bien  este  libro  se  encuentra  con  ambas  fallas,  he  tratado  de  abordar  el  
segundo  dando  consejos  muy  específicos  que  el  lector  es  libre  de  seguir,  de  acuerdo  con  su  propio  gusto  y  
preferencias  intelectuales.  
 
El  problema  básico  con  la  escritura  sobre  el  arte,  o  incluso  pensar  en  el  arte  para  el  caso,  es  que  tenemos  que  
emplear  palabras  para  describir,  explicar,  evocar  o  circunnavegar  la  experiencia  sensorial  
Parte  uno:  ¿Por  qué  escribir?  
Antes  de  que  podamos  comenzar  una  discusión  sobre  cómo  escribir  sobre  el  arte,  la  pregunta  crucial  es  
¿por  qué?  Hay  una  respuesta  reductiva  a  esto:  "porque  está  asignado"  o  "porque  podría  ser  así".  Esta  respuesta  no  
solo  es  banal,  sino  que  no  ayuda  porque  no  puede  inspirarnos  a  generar  prosa.  El  estudiante  agobiado  frente  a  una  
tarea  inminente  y  arbitraria  debe  imaginarse  a  sí  mismo  en  el  lugar  de  un  escritor  acosado  personal  en  un  
periódico.  "¿Por  qué  estoy  escribiendo  sobre  arte?"  Implica  no  solo  la  pregunta  "¿sobre  qué  estoy  escribiendo?",  
Sino  "¿qué  es  nuevo  e  interesante  acerca  de  lo  que  estoy  escribiendo?"  Y  "¿para  quién  es  nuevo  e  interesante?"  
"Muy  bien  ,  "Responde  el  estudiante  acosado,"  el  periódico  no  vence  por  una  semana  más.  ¿Cuál  es  el  propósito  
filosófico  de  escribir  sobre  el  arte?  "Nuevamente,  la  pregunta  debería  hacerse  más  específica:"  ¿cuál  es  mi  
propósito?  "Incluso  esto  puede  ser  en  cierta  medida  transmitido  por  el  profesor  (editor  de  puros  de  cigarro)  en  
forma  de  un  simbolo.  Sin  embargo,  no  hay  forma  de  que  la  escritura  tenga  lugar  hasta  que  la  tarea  se  personalice  
hasta  el  punto  en  que  el  intelecto  de  uno  se  haga  cargo.  Volveremos  al  problema  de  las  asignaciones  más  adelante,  
ya  que  eso  es  un  problema  
de  interpretación.  Supongamos  por  el  momento  que  un  escritor  tenga  libertad  para  escribir  sobre  cualquier  obra  
de  arte  (para  simplificar,  comenzamos  con  una  sola  pieza).  Digamos  que  ha  elegido  The  Bath,  una  obra  de  Mary  
Cassatt  de  finales  del  siglo  XIX  (Fig.1).  Examine  el  trabajo  por  un  momento,  permitiendo  que  su  rica  y  abrumadora  
peculiaridad  se  hunda.  Mire  detenidamente  algunos  detalles  hasta  que  haya  perdido  la  noción  del  panorama  
general.  Pausa  y  mira  por  la  ventana.  
Ahora  regrese  a  las  preguntas  iniciales:  ¿de  qué  escribir  y  para  quién?  los  
el  sujeto  parece  estar  mirando  uno  a  la  cara.  Sin  embargo,  en  la  compacidad  de  incluso  una  impresión  
engañosamente  simple  hay  mil  hilos  temáticos  que  uno  puede  desentrañar.  ¿Debo  escribir  sobre  el  manejo  del  
artista,  la  forma  en  que  simula  la  informalidad  de  un  baño  de  la  tarde?  ¿Debo  ser  lírico  en  el  vínculo  madre-­‐hijo?  ¿O  
podría  explorar  una  ambivalencia  sugerida  por  la  distancia  física  entre  la  mujer  y  el  niño,  y  el  movimiento  de  títere  
de  este  último?  Uno  debe  soñar  despierto  a  los  sujetos  de  esta  manera,  manteniéndose  alerta  a  una  idea  que  es  
particularmente  justa  ("se  ajusta")  o  que  despierta  la  curiosidad  o  la  acumulación  de  conocimiento  adquirido  ("Lo  
sé  muy  bien").  Pero,  ¿cómo  decidir,  finalmente,  sobre  qué  escribir?  ¿Es  esto  un  asunto  irracional?  Si  y  no.  Incluso  en  
una  fecha  límite,  lo  que  uno  realmente  escribe  surge  siempre  de  impulsos  impares  y  no  examinados.  No  tienes  
tiempo  para  analizarte  a  ti  mismo.  Sin  embargo,  uno  puede  obtener  cierto  control  sobre  este  proceso  caprichoso  -­‐
incluso  forzar  ideas  cuando  la  imaginación  no  está  dispuesta-­‐  simplemente  yuxtaponer  la  pregunta  "¿sobre  qué  
escribir?"  Con  los  corolarios  que  ya  hemos  discutido,  particularmente  "¿para  quién  estoy  escribiendo?"  y  lo  egoísta  
"  
¿Estoy  interesado?  "Esta  última  pregunta  debe  interpretarse  de  manera  amplia:  se  puede  escribir  
bueno  sobre  lo  familiar,  pero  la  pura  emoción  del  descubrimiento  puede  llevarlo  a  aguas  desconocidas,  y  producir  
un  mejor  texto  para  arrancar.  En  cuanto  a  "¿para  quién  estoy  escribiendo?"  Esta  es  la  pregunta  perenne  para  los  
escritores,  la  pregunta  de  la  audiencia.  Los  escritores  estudiantes  tienden  a  ser  cínicos  al  respecto,  citando  a  una  
"audiencia  de  uno",  su  instructor.  ¡Esto  debería  alentarlos  más  bien!  Cuando  el  escritor  profesional  lucha  con  un  
público  nebuloso  de  habilidades  e  intereses  ampliamente  diferentes,  el  alumno  tiene  un  lector  atento  y  bien  
informado.  
La  pregunta  es:  ¿qué  puedo  decirle  a  mi  lector?  Un  escritor  poco  ambicioso  le  dice  al  lector  lo  que  ella  ya  sabe.  Esto  
es  halagador,  y  si  el  lector  no  es  exigente,  el  escritor  se  saldrá  con  la  suya.  Un  mejor  escritor  intentará  aprovechar  
lo  que  el  lector  ya  sabe,  estableciendo  una  conexión  con  algo  que  no  sabe  o  que  no  sabe  que  ella  sabe.  ¿Qué  sabes  
que  nadie  más  sabe?  Con  imágenes  esta  pregunta  no  es  desalentadora,  ya  que  cada  escritor  inexperto  puede  
descubrir  algo  radicalmente  nuevo  simplemente  
mirar  (o  escuchar,  tocar,  etc.,  si  el  objeto  artístico  no  es  principalmente  visual).  Escribir  acerca  de  este  encuentro  
sensorial  no  es  un  ritual  desactualizado  de  la  era  pre-­‐jpeg,  ni  un  fin  en  sí  mismo.  No  solo  establece  la  comprensión  
del  objeto  por  parte  del  escritor,  sino  que  lo  asimila  en  ideas  inteligibles  sobre  el  mundo  que  comparte  con  el  lector.  
Si  el  lector  tiene  o  no  sus  propias  experiencias  previas  del  objeto  de  arte,  después  de  leerlo,  debe  poseer  una  
experiencia  del  encuentro  del  escritor  con  ese  objeto.  Volvamos  a  The  Bath.  Como  con  la  mayoría  de  los  objetos  
visuales,  podemos  distinguir  crudamente  dos  aspectos  distintos  pero  superpuestos  de  la  obra,  su  sustancia  física  
(el  papel,  tinta,  dibujo,  disposición  de  las  formas  de  colores,  lo  que  es  sensible  en  la  imagen)  y  su  contenido  
conceptual  (la  situación  narrativa  ,  sus  implicaciones  emocionales  e  intelectuales,  sus  presupuestos  culturales).  
Uno  no  siempre  puede  hacer  esta  separación  ordenadamente  (por  ejemplo,  ver  Fig.2),  pero  aquí  nos  permite  
discernir  dos  enfoques  ampliamente  opuestos  a  la  escritura  de  arte  que  probablemente  nunca  se  reconciliarán  por  
completo.  Por  un  lado,  se  trata  de  un  enfoque  formalista,  que  profundiza  en  la  mecánica  de  la  representación  visual  
u  otra  representación  sensorial  para  abordar  la  forma  en  que  funciona  la  imagen,  excluyendo  las  circunstancias  
extrínsecas  fuera  del  trabajo,  de  la  biografía  a  la  cultura  del  creador  .  Por  otro  lado,  tenemos  un  enfoque  contextual,  
que  lee  a  través  de  las  imágenes  procesos  sociales  o  culturales  que  desempeñaron  un  papel  en  el  medio  del  artista,  
y  que  a  menudo  continúan  haciéndolo  en  el  presente.  Estos  dos  tipos  de  escritura  artística  a  menudo  se  combinan  
con  escritores  inteligentes,  pero  no  sin  dificultades,  ya  que  tienden  a  producir  resultados  divergentes.  El  formal  
el  argumento  tiende  a  insistir  en  la  singularidad  del  objeto  de  arte,  en  su  especificidad.  los  
el  argumento  contextual,  por  el  contrario,  ve  el  mismo  tipo  de  fuerzas  que  informan  el  arte  y  el  pensamiento  de  un  
período,  sus  objetos  visuales  y  su  vida  social.  No  es  difícil,  incluso  sin  práctica,  producir  ideas  de  los  dos  tipos  sobre  
The  Bath.  El  esbozo  seguro  de  la  técnica  de  punta  seca;  la  veracidad  anatómica,  hasta  el  punto  de  incomodidad,  de  
los  cuerpos,  la  armonía  fría  y  aplastante  de  las  regiones  azul  y  amarilla,  todo  esto  apunta  a  cualidades  formales  que  
pertenecen  exclusivamente  a  esta  imagen.  Como  escritor,  el  formalista  celebra  esta  especificidad,  o  tal  vez  lo  relata  
en  un  tono  de  fría  objetividad.  Sin  embargo,  ¿son  estas  particularidades  en  última  instancia  tan  significativas  como  
el  cuerpo  de  la  convención  social  que  envuelve  la  imagen  como  una  manta  difusa?  El  vínculo  casual,  casi  obligatorio  
entre  la  madre  y  el  niño,  dramatizado  por  el  artista,  es  un  principio  central  de  las  ideologías  europeas  modernas  de  
la  familia  nuclear.  El  contextualista  puede  exponer  esta  colaboración  entre  el  arte  y  la  sociedad  en  un  tono  crítico.  O  
podría  llamar  la  atención  sobre  la  primacía  subjetiva  del  espectador,  a  quien  se  le  da  una  oportunidad  imaginativa  
para  interpretar  la  relación  entre  las  dos  figuras.  El  escritor  puede  encontrar  esta  coincidencia  particular  entre  el  
arte  y  la  cultura  liberadora  o  restrictiva.  
 
¿Las  ideas  formales  y  contextuales  son  incompatibles?  ¿Son  tan  incompatibles  como,  por  ejemplo,  una  lectura  
positiva  y  negativa?  Probablemente  no.  Una  visión  matizada  del  pasado  es  consciente  tanto  de  cómo  se  asemeja  y  
cómo  se  diferencia  del  presente.  Del  mismo  modo,  los  objetos  de  arte  se  parecen  y  difieren  de  los  artistas  y  las  
sociedades  que  los  produjeron,  y  uno  del  otro.  En  el  caso  de  Cassatt,  uno  podría  argumentar  que  la  combinación  de  
un  sujeto  sentimental  victoriano  con  una  perspectiva  desconocida  (que  recuerda  a  los  grabados  japoneses)  y  el  
esquema  de  color  sirve  para  des-­‐familiarizar  la  maternidad,  para  convertirla  en  una  actividad  extraña  e  
imaginativamente  cargada.  Esto  es  sólo  una  corazonada,  y  queremos  probarlo  a  fondo:  por  ejemplo,  preguntando  si  
nuestro  argumento  todavía  tiene  sentido  si  la  mujer  que  administra  el  baño  no  es  la  madre,  sino  una  institutriz  o  
nodriza.  Pero  en  la  medida  en  que  hemos  encontrado  algo  extraño  y  algo  genérico  en  la  imagen,  tenemos  la  
tracción  histórica  necesaria  para  convertir  nuestra  corazonada  en  una  tesis  bien  discutible.  Después  de  examinar  
dos  estrategias  divergentes  de  escritura  de  arte  y  una  proto-­‐tesis  que  combina  las  dos,  podemos  sugerir  cómo  los  
historiadores  del  arte  alcanzan  sus  objetivos  argumentativos.  La  escritura  de  arte  no  propone  establecer  principios  
universales.  Una  tesis  en  la  historia  del  arte  depende  de  los  objetos  a  los  que  se  aplica:  la  verdad  depende  del  ajuste.  
Esto  se  debe  a  que  el  arte  en  sí  es  una  mezcla  resbaladiza  de  cultura  y  naturaleza  física.  Lo  que  se  puede  hacer  en  
una  obra  de  arte  exitosa  es  sugerir  con  fuerza.  Una  idea  muy  sugerente  está  lejos  de  ser  inútil:  su  valor  se  
comprueba  con  el  tiempo,  ya  que  otros  escritores  y  lectores  confían  en  él  para  dar  sentido  a  este  objeto  de  arte,  y  
tal  vez  a  otros.  Las  ideas  en  la  historia  del  arte,  entonces,  son  tan  buenas  como  los  objetos  a  los  que  se  aplican.  Es  
decir,  tienen  razón  en  la  medida  en  que  explican  cosas  visibles.  En  el  caso  del  grabado  de  Cassatt,  uno  tiene  la  
fortuna  de  un  objeto  generosamente  sensual  para  abordar.  Pero,  ¿qué  pasa  si  el  arte  permanece  mudo,  si  
simplemente  se  niega  a  ofrecer  voluntariamente  un  contenido  narrativo?  Todavía  se  puede  encontrar  una  historia  
que  contar,  reflexionando  sobre  el  tipo  de  texto  que  uno  desea  escribir.  Porque  aunque  la  buena  escritura  artística  
da  alguna  explicación  de  la  materia  sensorial,  no  puede  detenerse  allí.  Los  objetos  de  arte,  a  pesar  de  su  poder  de  
inmediatez,  están  hechos  por  individuos  específicos  que  trabajan  en  distintos  lugares  y  tiempos.  Por  lo  tanto,  
cualquier  descripción  completa  de  ellos  debe  ser,  hasta  cierto  punto,  histórica.  Dependiendo  del  escritor,  el  texto  
puede  llegar  a  conclusiones  filosóficas,  o  avanzar  con  consideraciones  sociales,  científicas,  políticas,  incluso  
morales.  Aunque  no  está  de  moda  en  este  momento,  uno  puede  incluso  insistir  en  la  fuerza  estética  de  un  objeto  
divorciado  de  cualquier  noción  de  utilidad.  Estos  no  son  resultados  finales,  sino  solo  cuadros  mentales  iniciales.  
Pero  encontrar  un  objeto  convincente  es  lo  primero.  
  
Las  ideas  en  la  historia  del  arte,  entonces,  son  tan  buenas  como  los  objetos  a  los  que  se  aplican.  
Es  decir,  tienen  razón  en  la  medida  en  que  explican  cosas  visibles.  
 
 
Encontrar  el  objeto  
Este  capítulo  fue  llamado  una  vez  "Encontrar  el  objeto"  hasta  que  me  di  cuenta  de  que  la  verdadera  dificultad  
radica  en  encontrar  el  objeto.  Como  docente,  he  visto  muchos  trabajos  decentes  que  podrían  haber  sido  grandiosos  
si  la  estudiante  hubiera  encontrado  un  tema  que  realmente  la  hubiera  entusiasmado.  Desafortunadamente,  esto  
también  se  aplica  a  muchos  libros  escritos  por  profesionales.  Por  esta  razón,  el  tiempo  dedicado  a  pasear  por  el  
museo  o  hojear  catálogos  de  exposiciones  antes  de  escribir  es  un  tiempo  bien  empleado.  Aquí,  el  conocimiento  
previo  a  menudo  puede  ser  engañoso.  Como  estudiante,  yo  mismo  me  he  quedado  atrapado  escribiendo  sobre  
temas  sin  esperanza  simplemente  por  la  creencia  complaciente  de  que  me  gustaba  el  artista  en  cuestión.  Los  
artistas,  como  todas  las  personas  creativas,  son  inconsistentes.  Asegúrese  de  conocer  el  trabajo  antes  de  decidirse  a  
trabajar  en  él.  ¿Es  importante  que  te  guste  lo  que  escribes?  Sí,  porque  sin  simpatía,  te  perderás  la  curiosidad  que  es  
un  ingrediente  crucial  para  el  buen  pensar.  ¿Qué  pasa  si  a  uno  le  han  asignado  una  obra  de  arte  antipatía?  Entonces,  
el  escritor  debería  intentar  al  menos  una  indignación  genuina  contra  la  obra:  esto  le  proporcionará  a  uno  el  mismo  
ingenio  que  disfrutar  el  trabajo.  La  única  advertencia  sobre  la  escritura  desde  un  punto  de  vista  profundamente  
crítico  es  que  uno  debe  tener  cuidado  de  no  tener  una  mente  cerrada  sobre  el  tema.  Uno  debería  mantener  el  
aplomo  de  un  detective  que  está  dispuesto  a  descubrir  evidencia  exculpatoria  y  no  suprimirla.  Llamemos  a  este  
sustituto  metafórico  para  el  escritor  Sherlock  Holmes.  Holmes  es  observador,  agudo  y  metódico.  Pero  eso  no  es  
suficiente.  Si  has  leído  a  Arthur  Conan  Doyle,  sabes  que  las  historias  no  serían  interesantes  sin  Watson,  el  excitable  
compañero  de  Holmes  que  hace  todas  las  preguntas  ingenuas.  La  psique  del  escritor  también  debería  hacer  espacio  
para  este  tipo  de  preguntas.  Uno  debe  ser  curioso,  estar  dispuesto  a  sorprenderse  y,  de  hecho,  dejarse  llevar  por  lo  
que  es  impactante  y  vital.  Esto  generará  los  problemas  que  la  mentalidad  de  Sherlock  Holmes  resolverá.  Entonces,  
vamos  a  ir  al  museo  en  busca  de  un  misterio.  ¿Qué  museo?  Cualquiera  que  sea  el  museo  de  arte  más  cercano  a  uno,  
o  colecciona  objetos  de  particular  interés  personal.  Las  ubicaciones  y  los  horarios  se  pueden  descubrir  en  línea.  
Ningún  museo  a  mano?  Una  búsqueda  
de  la  propia  biblioteca  o  del  sitio  web  de  una  institución  acreditada  (el  Louvre  en  París,  el  
El  Museo  Metropolitano  de  Nueva  York,  el  Kunsthistorisches  Museum  de  Viena,  etc.)  
le  proporcionará  a  uno  una  vergüenza  de  riquezas  para  el  analista.  Veamos  cómo  funciona  el  proceso  de  selección  
en  un  entorno  de  museo  en  vivo.  Para  el  estudiante  de  Harvard,  los  museos  de  elección  para  un  paseo  inmediato  
serán  el  Fogg  o  el  Sackler.  Por  razones  de  argumento,  digamos  que  hemos  elegido  el  Fogg.  Asegúrese  de  llevar  una  
identificación  relevante,  así  como  un  lápiz  para  tomar  notas  (nunca  se  permiten  bolígrafos  en  las  galerías  del  
museo).  Una  vez  dentro,  existe  la  posibilidad  de  orientarse.  El  patio  de  Fogg  
replica  una  villa  italiana,  lo  que  significa  que  a  través  de  las  ventanas  del  piso  superior  
vislumbrará  el  arte  contenido  en  él.  Al  igual  que  muchos  museos  de  enseñanza,  el  Fogg  está  organizado  
cronológicamente.  El  arte  más  antiguo  (medieval  y  renacentista)  está  en  la  planta  baja,  con  arte  más  reciente  
dispuesto  en  el  sentido  de  las  agujas  del  reloj  alrededor  del  patio  en  el  segundo  piso.  Aunque  el  arte  en  exhibición  
cambia  ocasionalmente  -­‐la  colección  permanente  es  de  varios  órdenes  de  magnitud  más  alta  que  el  espacio  
disponible  -­‐como  la  mayoría  de  los  museos,  las  obras  se  arreglan  en  parte  de  acuerdo  con  ideas  bastante  antiguas  y  
confusas  sobre  lo  que  es  más  prestigioso  o  que  vale  la  pena  ver.  Los  objetos  menos  respetados  (aunque  de  ninguna  
manera  los  menos  interesantes)  ocupan  las  escaleras.  Hay  una  sala  en  la  planta  baja  para  el  cambio,  a  menudo  
exposiciones  temáticas.  También  hay  una  tienda  del  museo  donde  uno  puede  encontrar  libros  sobre  algunas  de  las  
obras  de  arte  relevantes,  pero  en  este  punto  de  la  visita  son  los  objetos  originales  los  que  nos  interesan.  
A  medida  que  uno  camina,  vale  la  pena  anotar  nombres  y  fechas  de  obras  y  artistas  interesantes.  Siempre  vale  la  
pena  anotar  las  fechas,  porque  uno  las  olvida  fácilmente,  y  porque  comprimen  tanto  conocimiento  útil  sobre  la  
matriz  histórica  de  una  obra  de  arte.  Lo  que  le  interesa  a  uno  es  su  propio  negocio;  uno  siempre  debe  ser  egoísta  a  
este  respecto,  en  lugar  de  tratar  de  entusiasmar  a  los  "grandes"  artistas  de  otra  persona.  En  mi  caso,  estoy  
fascinado  con  un  retrato  de  mujer  pintado  violentamente,  o  más  bien  con  la  cabeza  y  los  hombros,  que  se  asoma  
desde  un  lienzo  pequeño.  La  modelo  es  Emma  Hart,  pintada  por  el  inglés  George  Romney.  Ninguno  de  los  dos  
nombres  es  particularmente  resonante,  pero  el  objeto  es  deslumbrante.  Hay  algo  extremo  al  respecto,  lo  que  hace  
que  los  otros  retratos  cercanos  parezcan  menos  vibrantes  para  mí.  Esta  es  una  buena  señal.  Sentado  en  un  banco,  
considero  la  obra  de  arte  y  sus  vecinos.  Esto  produce  algunas  dudas:  hay  una  docena  de  imágenes  interesantes  en  
la  sala,  algunas  de  las  cuales  contienen  un  potencial  interpretativo  más  obvio  que  mi  retrato  de  primer  plano  de  
una  mujer  del  siglo  XVIII.  ¿Qué  hacer?  Después  de  una  primera  etapa  de  reacción  visceral  estética,  muchos  
espectadores  experimentan  cierto  tipo  de  vértigo  o  inseguridad  en  cuanto  a  qué  se  trata  un  objeto  de  arte.  Esta  es  
una  reacción  natural,  
ya  que  las  imágenes  no  hablan  de  sí  mismas:  es  parte  de  la  vida  de  las  obras  de  arte  tener  
historias  extraídas  de  ellos  por  el  espectador.  Y  las  obras  que  parecen  particularmente  opacas  o  enigmáticas  
tienden  a  proporcionar  el  desafío  más  interesante  para  el  escritor.  Una  vez  que  uno  ha  elegido  una  pieza  (o  varias)  
para  escribir,  se  debe  pasar  suficiente  tiempo  en  su  presencia  para  familiarizarse  con  la  realidad  física  de  los  
objetos  y  permitir  que  la  imaginación  trabaje  en  ellos,  proporcionando  a  la  mente  una  variedad  de  hipótesis  
salvajes  
Tomando  notas  
Porque  nuestros  recuerdos  no  son  confiables,  o  para  decirlo  de  otra  manera,  porque  tenemos  
fuertes  imaginaciones:  los  humanos  tomamos  notas.  Todos  tienen  su  propio  ritual  de  toma  de  notas,  que  es  mejor  
dejarlo  solo,  pero  agregaré  algunas  generalidades  al  tomar  notas  sobre  objetos  de  arte.  Tome  notas  en  apariencia.  
Con  esto  quiero  decir  cualquier  cosa  en  la  imagen,  desde  objetos  y  personas  representadas  hasta  el  grado  de  
reflexión  y  grietas  en  la  pintura  y  el  estilo  del  marco;  si  el  objeto  es  una  escultura,  color,  textura  y  forma  desde  
cualquier  ángulo  concebible.  Haga  esto  incluso  si  puede  tomar  una  fotografía  o  encontrar  una  en  otro  lugar;  se  
sorprenderá  por  la  cantidad  de  esta  información  aparente  (desde  grietas  y  reflectancia  hasta  marcos)  que  se  omite  
incluso  en  una  buena  foto  de  libro  de  texto.  Y  la  mayoría  de  las  fotos  de  obras  de  arte  son  terribles.  Si  no  tiene  la  
oportunidad  de  ver  la  obra  de  arte  en  persona,  tome  notas  sobre  la  mejor  imagen  que  pueda  encontrar,  o  mejor  
aún,  sobre  varias.  Esto  podría  parecer  redundante  si  está  trabajando  con  una  reproducción  de  todos  modos,  pero  la  
frescura  de  un  primer  vistazo  no  debe  subestimarse.  Verás  más  cosas  más  tarde,  pero  cuando  desenterras  tus  
primeras  notas,  también  te  sorprenderá  descubrir  cuánto  viste  la  primera  vez  que  te  perdiste  más  tarde.  
 
Cuando  desenterras  tus  primeras  notas,  también  te  sorprenderá  descubrir  cómo  
mucho  lo  viste  la  primera  vez  que  te  perdiste  más  tarde.  
 
Llevar  a  cabo  un  análisis  formal.  Al  notar  la  apariencia,  no  solo  declare  hechos  de  visión,  sino  analícelos.  Es  decir,  
organice  sus  percepciones  para  generar  generalizaciones  útiles  sobre  el  trabajo  en  cuestión  (por  ejemplo,  "hay  una  
masa  oscura  en  la  esquina  superior  izquierda  y  una  masa  ligera  en  diagonal  en  la  esquina  inferior  derecha").  No  
solo  es  útil  como  taquigrafía  (escribir  "composición  piramidal"  es  más  conciso  que  describir  cada  objeto),  pero  la  
atención  aguda  de  la  primera  mirada  generará  conocimientos  estructurales  que  perderá  en  una  sesión  de  escritura  
de  latencia.  Esto  es  especialmente  cierto  en  trabajos  que  no  se  reproducen  bien:  escultura  tridimensional  o,  por  
ejemplo,  una  instalación  de  arte  contemporáneo  que  mezcla  sonido  y  proyección  de  video.  Las  notas  espaciales  que  
toma  ("sonidos  de  susurros  de  la  pared  posterior,  cotizaciones  proyectadas  en  un  ángulo  de  45º  desde  las  esquinas  
opuestas")  serán  mucho  mejores  y  más  explícitas  que  la  información  contenida  en  una  oscura  foto  de  catálogo.  
Anote  pensamientos,  ideas,  sentimientos.  Mientras  te  ocupas  de  los  hechos  de  la  sensación,  los  pensamientos  
espontáneos  clamarán  por  tu  atención.  "Efecto  espeluznante  de  goteo  de  pintura"  o  "emoción  de  destrucción"  
podrían  no  ser  candidatos  a  tesis,  o  incluso  oraciones  que  quieras  
para  introducir  sin  digerir  en  un  ensayo  terminado,  pero  contienen  mucha  información  sobre  la  obra  de  arte  y  la  
forma  en  que  afecta  a  su  espectador,  en  este  caso.  Serán  útiles  más  tarde,  cuando  las  primeras  asociaciones  
emocionales  e  intelectuales  provocadas  por  el  trabajo  hayan  desaparecido,  o  hayan  cedido  el  paso  a  otras  
diferentes.  Por  supuesto,  no  hay  ninguna  razón  para  separar  las  notas  de  los  tres  tipos  anteriores,  todas  las  cuales  
tiene  que  ver  con  la  articulación  de  la  información  sensorial  y  las  ideas  que  genera.  Pero  podría  ser  útil,  en  un  
espacio  separado  y  claramente  marcado,  anotar  la  información  de  la  etiqueta  de  la  pared:  nombre  del  artista,  fecha  
y  título,  y  cualquier  otra  cosa  que  se  dé.  ¿La  pieza  de  arte  pertenece  a  alguien  que  está  al  lado  del  museo  y  que  
ahora  la  muestra?  ¿Cuáles  son  sus  dimensiones  exactas?  Ahora  puede  pensar  que  el  tamaño  exacto  es  una  tonta  
formalidad,  pero  no  podrá  extender  sus  manos  para  estimar  el  tamaño  cuando  está  escribiendo  el  papel.  ¿Los  
curadores  también  brindan  interpretación,  en  forma  de  un  párrafo  o  dos  sobre  el  trabajo?  Tales  textos  a  menudo  
carecen  de  interés,  han  sido  recortados  para  facilitar  el  consumo,  pero  son  el  producto  de  una  gran  cantidad  de  
investigación  por  parte  de  los  curadores  y  sus  asistentes,  por  lo  que  a  veces  contienen  información  que  es  de  gran  
interés  para  el  investigador,  o  que  te  ayudará  a  tener  un  sentido  inmediato  de  la  pieza.  Estos  textos  a  veces  se  
reproducen  en  línea  o  en  catálogos,  pero  la  mayoría  de  las  veces  no.  
Haciendo  preguntas  
En  este  punto  del  juego,  las  cosas  van  bien.  Si  uno  ha  sido  particularmente  oportuno  para  replantear  el  territorio,  
elegir  un  trabajo,  idear  ideas  preliminares,  esto  es  
el  punto  donde  amenaza  la  pereza  o  el  aburrimiento.  Puede  parecer  que  hay  mucho  que  aún  no  puede  saber  ("el  
significado  exacto  del  trabajo"),  o  simplemente  que  no  hay  "nada  más  por  hacer"  hasta  que  se  siente  y  escribe  el  
ensayo,  o  va  a  la  biblioteca  y  lo  hace  alguna  investigación.  El  problema  con  este  estado  de  ánimo  es  que  hace  que  
uno  descuide  ir  a  la  biblioteca  (o  sentarse  a  escribir)  durante  semanas,  momento  en  el  que  la  emoción  y  la  
curiosidad  se  han  mitigado  considerablemente.  No  hay  una  solución  simple  para  los  altibajos  subjetivos  de  la  
escritura,  pero  hay  una  manera  de  negarse  a  sí  mismo  las  excusas,  particularmente  la  de  "no  saber  cosas,  pero  
puedo  buscarlas  más  tarde".  La  solución  aquí  es  simplemente  hacer  preguntas  .  Estas  preguntas  no  pueden  servir  
como  una  manera  fácil  de  hacer  su  propia  investigación.  (Si  obtiene  ideas  de  otras  personas  que  debe  usar  
absolutamente,  debe  citarlas  como  fuente  de  información,  incluso  si  luego  encuentra  la  misma  información  en  una  
fuente  impresa).  Sin  embargo,  lo  que  las  preguntas  pueden  hacer  es  estimular  la  propia  curiosidad  sobre  el  trabajo,  
abrir  formas  inesperadas  de  mirar  un  objeto  o  convencerlo  de  que  un  objeto  es  realmente  interesante  y  necesita  
explicaciones.  
Gente  del  museo  Uno  puede  hacer  una  cita  para  discutir  un  trabajo  con  un  curador  o  un  asistente.  A  menos  que  la  
persona  en  cuestión  esté  terriblemente  ocupada  (o  desagradable),  generalmente  tendrán  algo  pertinente  que  
decir;  también  tienden  a  tener,  en  sus  archivos,  información  crucial  y  de  otra  manera  difícil  de  encontrar  sobre  el  
trabajo,  desde  recortes  de  periódicos  hasta  documentos  de  ventas.  La  gente  del  museo  tiende  a  ser  sobria  e  
inteligente,  por  lo  que  no  suelen  ser  una  buena  audiencia  para  las  teorías  más  descabelladas  sobre  un  trabajo.  
Pregúntales,  en  cambio,  preguntas  concretas  sobre  la  procedencia  de  un  trabajo,  la  técnica  y  sobre  el  artista  en  
cuestión.  ¿A  quién  más  aparte  de  los  curadores  se  debería  hablar  en  un  museo?  Uno  está  rodeado  de  visitantes;  
aquellos  a  quienes  les  gusta  hablar  son  los  interesados  en  el  mismo  trabajo  que  uno  mismo.  La  gente  no  está  
acostumbrada  a  hablar  en  los  museos,  lo  que  lo  hace  aún  más  atractivo,  pero  no  grites.  Los  guías  turísticos  
ocasionalmente  pasan  junto  a  sus  audiencias  cautivas.  Aquí,  por  supuesto,  uno  no  quiere  entrometerse,  pero  vale  la  
pena  hacer  alguna  escucha.  Y  los  guardias  de  los  museos,  siempre  que  no  tengan  exceso  de  trabajo  pastoreando  
una  habitación  llena  de  niños  en  la  escuela,  pueden  ser  perspicaces.  Algunos  de  ellos  son  artistas  y,  en  cualquier  
caso,  han  examinado  el  trabajo  exhibido  más  tiempo  que  usted  y  el  curador  juntos.  Bibliotecarios.  Si  busca  datos  o  
intenta  resolver  un  problema  de  interpretación  usted  mismo,  la  ayuda  que  necesita  generalmente  se  encuentra  en  
los  libros.  Trataremos  los  libros  con  gran  detalle  en  el  próximo  capítulo.  Pero  los  libros  no  existen  en  el  vacío.  Ya  
sea  que  tenga  o  no  acceso  a  una  biblioteca  de  arte  especializada  (la  Biblioteca  de  Bellas  Artes  de  Harvard  es  una  de  
las  mejores  del  mundo),  un  bibliotecario  de  referencia  puede  indicarle  el  tipo  correcto  de  libros,  incluso  libros  que  
usted  esperaba  que  no  existieran.  .  También  pueden  ayudarlo  a  afinar  una  búsqueda  en  la  computadora  para  que  
arroje  una  lista  manejable  de  libros  en  lugar  de  0  o  1000.  Y,  además,  los  bibliotecarios  leen  libros.  Ellos  pueden  
saber  exactamente  lo  que  necesitas.  Maestros  Hablando  de  personas  que  leen  libros,  el  alumno  recurrirá  
invariablemente  a  los  profesores,  en  particular  al  profesor  o  compañero  de  enseñanza  que  asignó  el  trabajo.  Hay  
excelentes  estudiantes  que  visitan  horas  de  oficina  semanalmente,  y  otros  que  no  pondrán  un  pie  en  la  oficina  de  
un  instructor.  Esta  es  una  cuestión  de  personalidad.  De  cualquier  manera,  es  importante  hacer  su  propio  
pensamiento,  de  la  manera  más  independiente  posible  de  la  competencia  del  maestro  después  de  
todos,  estás  trabajando  hacia  una  competencia  similar.  Para  las  preguntas  que  parecen  vergonzosamente  fáciles,  o  
especulativas,  o  cuando  uno  simplemente  no  sabe  cómo  comenzar,  nadie  es  tan  generoso  al  entretener  hipótesis  
descabelladas  como  los  amigos  y  compañeros  (y  por  qué  no,  la  familia).  Por  lo  menos,  no  sufrirán  en  su  presencia  
por  la  autoconciencia  o  la  ansiedad  de  rendimiento  que  se  siente  en  el  
vecindad  del  maestro.  Esto  es  crucial,  porque  el  objetivo  de  hacer  preguntas  no  es  cerrar  el  asunto  de  una  vez  por  
todas,  sino  comenzar  a  formular  la  propia  respuesta.  Habrá  lectores  que  han  pasado  las  últimas  páginas  con  
sospecha,  y  ahora  están  listos  para  pasar  al  siguiente  capítulo  en  indignación.  "Pregúntale  a  mi  madre?  ¡Ese  sería  el  
ciego  guiando  a  los  ciegos!  "Primero  que  nada,  tu  madre  se  merece  algo  mejor.  En  segundo  lugar,  sé  la  sensación.  
He  escrito  ensayos  completos  en  los  que,  si  el  documento  físico  se  hubiera  perdido,  no  se  podría  encontrar  ningún  
testigo  que  avale  su  existencia.  Pero  es  una  pena,  no  solo  porque  un  ensayo  producido  socialmente  es  más  
agradable  de  escribir,  sino  porque  toda  la  razón  por  la  que  escribimos  ensayos  (y  poemas  y  ficción)  es  para  
compartir  nuestra  experiencia  del  mundo.  La  conversación  improvisada  que  tiene  con  un  amigo  sobre  una  
escultura  puede  causar  una  mayor  impresión  en  ese  individuo  y,  por  lo  tanto,  en  el  mundo,  que  todo  el  ensayo  
terminado:  no  es  para  descartar  el  ensayo,  sino  para  subrayar  el  valor  de  la  apertura  intelectual  y  la  cooperación  .  
Esto  es  menos  una  cuestión  de  idealismo  que  de  desarrollar  buenos  hábitos  de  trabajo.  Si  no  comparte  sus  ideas  
antes  de  escribirlas,  estará  menos  dispuesto  a  hacerlo  una  vez  que  el  trabajo  esté  completo  y  por  lo  tanto  
vulnerable.  Los  académicos  y  los  intelectuales  públicos  en  general  cometerían  menos  errores,  producirían  un  
trabajo  más  perspicaz  y  quizás  incluso  robarían  su  trabajo  con  menos  frecuencia  si  discutieran  ese  trabajo  con  más  
frecuencia  y  de  todo  corazón.  
  
Investigación  
En  el  último  capítulo,  preguntamos  acerca  del  arte;  esto  mantuvo  nuestra  curiosidad  bien  nutrida  y,  con  suerte,  
también  estimuló  un  nuevo  anhelo  de  formas  de  conocimiento  precisas  y  objetivas.  De  esta  manera,  alcanzamos  de  
manera  orgánica  la  actitud  que  concuerda  con  la  investigación.  "Investigar"  con  una  R  mayúscula  es  el  miedo  de  
todos  los  estudiantes,  tal  vez  porque  es  el  pan  y  la  mantequilla  de  la  vida  académica.  Uno  escucha  lo  siguiente  en  las  
conferencias:  "Ah,  sí,  la  idea  es  genial,  pero  ¿contemplarían  esa  dudosa  investigación?"  Pero  al  igual  que  con  
cualquier  otro  paso  en  el  proceso  de  escritura,  uno  debería  ver  la  investigación  no  como  un  ritual  misterioso,  sino  
como  un  medio  para  un  fin.  Parafraseando  al  físico  Ernst  Mach,  investigamos  para  vivir,  no  para  investigar.  Con  una  
mentalidad  tan  práctica,  el  estudiante  puede  descubrir  que  hacer  investigación  es  mucho  
de  diversion.  La  investigación  es  la  parte  formal  del  proceso  de  recopilación  de  información.  Es,  de  antemano,  
potencialmente  público.  Con  esto  no  quiero  decir  que  "publicarás"  todo  lo  que  encuentres,  sino  que  cualquier  pieza  
de  información  desenterrada  a  través  de  la  investigación  es  un  juego  justo  para  aparecer  en  la  pieza  final,  dada  su  
referencia  adecuada.  Esto  implica  una  cierta  ética  de  la  investigación.  He  descubierto  que  el  impulso  de  faltar  el  
respeto  a  la  propiedad  intelectual  tiene  mucho  más  que  ver  con  la  falta  de  confianza  que  con  el  mal.  Los  estudiantes  
obtienen  información  de  sitios  web  dudosos.  A  veces  no  son  los  sitios  web  los  que  son  dudosos,  sino  la  información  
(a  menudo  el  caso  de  textos  breves  y  superficiales  en  los  sitios  de  los  museos).  El  estudiante,  avergonzado  de  la  
fuente  o  el  tenor  de  la  información,  paradójicamente  lo  pasa  por  sí  mismo,  como  para  desviar  la  atención  del  pasaje  
problemático.  Pero  el  problema  solo  desaparecerá  con  el  uso  seguro  y  tímido  de  fuentes  confiables.  Y  con  un  
actitud  saludable  de  escepticismo  inteligente  hacia  cada  fuente.  Porque  no  hay  autoridad  incapaz  de  error.  ¿Cómo,  
entonces,  conducir  una  investigación?  Por  comodidad,  dividiré  los  vastos  recursos  disponibles  para  la  
investigación  en  tres  tipos:  libros,  publicaciones  periódicas  y  referencias.  Mientras  discutimos  esto,  tendremos  la  
oportunidad  de  comentar  acerca  de  manuscritos,  Internet,  medios  de  comunicación  y  otras  formas  heterogéneas  
de  información  que  el  investigador  podría  vadear  a  principios  del  siglo  veintiuno.  Libros.  Estos  son  'más  fáciles'  
como  objetos  en  el  sentido  de  que  todos  los  conocemos  desde  la  infancia.  También  son,  de  alguna  manera,  los  
objetos  más  difíciles  de  usar.  Tome  libros  de  historia  de  arte.  Hay  al  menos  tres  géneros  amplios:  encuestas,  
monografías  y  estudios  temáticos.  A  partir  de  una  encuesta  (por  ejemplo,  La  historia  del  arte  de  E.H.  Gombrich),  
uno  puede  obtener  la  deriva  general  de  una  época  o  toda  una  tradición  de  creación  artística.  Las  encuestas,  que  son  
compendios  densos  de  conocimiento,  a  menudo  tienen  buenas  bibliografías,  apuntando  a  fuentes  más  específicas.  
Una  monografía  es  exactamente  lo  que  el  título  implica:  un  libro  sobre  un  solo  artista,  a  menudo  acompañado  de  
una  lista  exhaustiva  de  trabajos  anotados  (el  catálogo  razonado).  Estos  libros  tienden  a  tener  todo  lo  que  uno  
necesita  y  demasiado.  Es  decir,  están  llenos  de  información  
sobre  el  tema  de  su  interés,  pero  comprensiblemente,  no  tienen  la  menor  idea  de  lo  que  le  interesa  al  respecto.  El  
investigador  debe  enfocar  dichos  libros  a  propósito,  seleccionando  información  y  argumentos  relevantes  para  su  
propia  tesis.  Tratados  de  esta  manera,  las  monografías  son  indispensables.  Los  catálogos  en  particular,  que  se  
publican  para  acompañar  las  exposiciones  de  los  museos,  a  menudo  son  ricos  en  imágenes  y  en  ocasiones  
contienen  importantes  descubrimientos  nuevos  sobre  un  artista  o  una  obra  (cuerpo  de  trabajo).  
 
Los  estudios  temáticos,  libros  con  títulos  como  Romanticismo  al  Realismo  y  Patronos  y  Pintores,  a  menudo  ofrecen  
la  mayor  cantidad  en  términos  de  pensamiento  concentrado  sobre  el  tema  en  cuestión.  Estos  pueden  estar  
compuestos  de  ensayos  no  relacionados,  o  formar  los  capítulos  de  un  argumento  sostenido.  De  cualquier  manera,  
lo  que  le  interesa  al  investigador  puede  no  ser  necesariamente  la  tesis  de  maestría  del  autor  (aunque  es  bueno  
tener  esto  en  cuenta),  sino  una  fase  particular  de  su  análisis,  algo  que  uno  quiere  tomar  prestado  o  poner  en  tela  de  
juicio.  O  de  lo  contrario,  un  hecho  impresionante  obtenido  a  través  de  una  investigación  exhaustiva  en  un  archivo  
lejano.  De  hecho,  una  de  las  alegrías  (y  peligros)  de  leer  libros  con  argumentos  fuertes  es  que,  guste  o  no,  el  
investigador  está  implicado  en  debates  en  curso  y  obligado  a  tomar  partido  en  argumentos  que  definen  la  forma  de  
la  disciplina.  Los  escritores  principiantes  a  menudo  se  sorprenden  por  esta  cualidad  "partidista"  de  la  escritura  en  
las  humanidades,  pero  es  inevitable.  ¡Simplemente  al  citar  a  un  autor  uno  ha  llamado  la  atención  sobre  una  
corriente  particular  de  pensamiento!  A  su  vez,  lo  que  esos  autores  y  sus  debates  hacen  por  la  investigadora  es  
agudizar  su  sentido  de  la  urgencia  de  su  propio  proyecto  ("este  es  su  argumento,  ahora  necesito  decir  el  mío").  Un  
buen  libro,  o  al  menos  uno  útil,  es  uno  que  está  impaciente  por  dejar  para  escribir  el  suyo  propio.  Publicaciones  
periódicas.  No  es  que  tengas  que  escribir  un  libro.  Algunas  de  las  escrituras  más  valiosas  en  arte  son  las  más  cortas.  
Pero,  ¿cómo  encontrarlos?  Los  artículos,  largos  o  cortos,  están  ocultos  en  publicaciones  especializadas  y  
publicaciones  efímeras.  A  veces  parece  que  requieren  un  conocimiento  de  por  vida  y  de  información  privilegiada  
para  localizar  y  navegar.  Sin  embargo,  vale  la  pena,  y  el  estudiante  moderno  tiene  un  arma  secreta:  bases  de  datos  
periódicas  de  Internet.  Si  la  fuente  es  un  periódico  sensacionalista  o  una  revista  académica  publicada  en  Oxford,  
uno  puede  identificar  el  problema  correcto  y  el  lugar  donde  puede  leerse,  o  incluso  mejor,  uno  puede  leer  el  
artículo  en  su  totalidad,  con  la  ayuda  de  un  motor  de  búsqueda  en  Internet.  .  El  público  Google  Scholar  es  ejemplar  
aquí,  al  igual  que  el  Jstor  privado  (pero  gratis  para  estudiantes  universitarios).  Un  breve  ejemplo  Hay  una  extraña  
imagen  de  principios  del  siglo  XIX  del  artista  Gros  de  Napoleón  tocando  los  bubones  de  las  víctimas  de  la  peste  
francesa  en  un  hospital  sirio.  El  mejor  trabajo  de  investigación  sobre  el  tema  es  una  concisa  nota  de  tres  páginas  
publicada  en  el  English  Journal  of  the  Warburg  and  Courtauld  Institutes  en  abril  de  1941.  Se  puede  obtener  esta  
publicación  aparentemente  oscura  simplemente  buscando  "Napoleon"  y  "Gros"  en  Jstor  .  No  todas  las  revistas  y  
periódicos  viejos,  por  supuesto,  estarán  disponibles  o  incluso  se  podrán  buscar  en  línea.  Pero  las  bibliotecas  
universitarias  tienen  pilas  de  publicaciones  periódicas  (donde  las  revistas  generalmente  están  unidas  por  año),  y  
una  biblioteca  de  microfilmes  donde  uno  puede  examinar  periódicos  viejos  en  un  lector  de  películas.  Si  bien  esto  
implica  más  trabajo  que  navegar  por  Internet,  el  encanto  de  convertir  viejas  páginas  en  descomposición,  y  de  
encontrar  anuncios  antiguos,  junto  con  la  emoción  del  descubrimiento,  compensa  con  creces  las  inconveniencias.  
Referencia.  El  tercer  recurso  principal  para  quienes  realizan  investigación  es  el  gran  conjunto  de  ayudas  
académicas  generalmente  llamadas  referencias.  Un  mejor  nombre  podría  ser  el  know-­‐how,  porque  esta  es  
exactamente  esa  información  que  las  personas  que  conocen  desde  hace  mucho  tiempo  y  desconocían  para  todos.  
Hay  muchas  formas  de  adquirir  conocimientos.  El  más  seguro,  para  fines  académicos,  se  encuentra  entre  las  tapas  
duras:  diccionarios,  enciclopedias,  concordancias  y  similares.  Los  historiadores  del  arte,  en  particular  los  que  
estudian  el  arte  religioso  de  los  pueblos  antiguos,  no  pueden  funcionar  sin  los  diccionarios  de  iconografía:  los  tipos  
de  libros  que  le  dicen  bajo  qué  circunstancias  un  águila  representa  el  dios  romano  Júpiter,  o  un  albatros  para  Cristo,  
y  que  proporcionan  lo  literario  referencias  uno  necesita  para  sustanciar  tal  simbolismo.  
Rumores.  Pero  también  hay  fuentes  menos  formales  de  conocimiento.  Una  fuente  familiar  y  generalmente  
aceptable  en  la  academia  es  un  rumor  calificado:  escuchas  a  un  profesor  hablar  durante  horas  sobre  la  orientación  
del  mercado  que  determinó  el  arte  romano  tardío,  y  luego  te  sientes  muy  seguro,  en  la  introducción  de  tu  ensayo,  
de  aludir  en  general  a  el  "capitalismo  de  la  producción  artística  romana".  Este  no  es  un  procedimiento  fantástico,  
pero  excusable.  Uno  debe  rastrear  la  referencia  a  su  fuente  académica  (un  libro  de  Alois  Riegl),  pero  la  naturaleza  
de  las  ideas  poderosas  es  que  se  comunican  más  allá  de  aquellos  que  las  han  digerido  en  su  totalidad;  tales  ideas,  
repetidas  oralmente  y  casualmente  por  escrito,  se  convierten  en  lugares  comunes,  útiles  si  no  tan  vivos  como  en  
sus  formulaciones  originales.  El  uso  de  este  tipo  de  conocimiento  es  puro  y  simple:  pero  tales  ideas  deberían  
citarse  siempre  que  se  las  tenga  de  una  fuente  específica  (como  la  conferencia  de  su  profesor).  Internet.  Hemos  
llegado  al  extremo  más  controvertido  del  espectro  de  referencia.  Algunos  profesores  prohíben  sin  rodeos  el  uso  de  
fuentes  de  internet,  expresando  asombro,  por  ejemplo,  que  "los  estudiantes  de  Harvard  se  niegan  a  poner  un  pie  en  
una  biblioteca".  El  problema  con  tal  posición  es  que  es  intimidante.  Los  estudiantes  no  dejarán  de  buscar  cosas  en  
Internet,  simplemente  dejarán  de  citar  tales  investigaciones.  Esto  no  solo  es  intelectualmente  problemático,  es  una  
tontería:  el  plagio  en  Internet  es  más  fácil  de  atrapar  que  nunca,  y  cada  vez  más  estudiantes  incautos  están  lidiando  
con  las  consecuencias.  La  mejor  política  para  el  estudiante  combina  apertura  y  conciencia.  Hay,  al  igual  que  con  los  
libros,  sitios  web  de  calidad  y  temibles.  Las  obras  de  referencia  académicas  profesionales  suelen  ser  impecables;  el  
estándar  para  estudios  visuales  es  el  Diccionario  de  Arte  Grove,  disponible  a  través  del  catálogo  de  HOLLIS  para  
titulares  de  ID  de  Harvard,  y  también  en  papel.  También  son  excelentes  los  compendios  académicos  
internacionales  como  el  Proyecto  Perseus,  una  poderosa  reunión  de  textos  clásicos  en  los  idiomas  originales  y  en  la  
traducción.  Pero  los  escritores  casuales  se  sienten  más  atraídos  por  empresas  populares  de  código  abierto  como  
Wikipedia.  Tales  sitios  son  minas  de  oro  de  información  y,  al  menos  a  los  ojos  de  muchos  instructores,  proveedores  
de  oro  de  los  tontos,  errores  y  desinformación.  No  hay  una  respuesta  simple  a  la  pregunta  "¿Cómo  debería  usar  
Wikipedia?".  Se  puede  citar  como  fuente,  si  es  que  se  debe.  Si  un  maestro  no  lo  permite,  uno  no  tiene  otra  opción  
que  dejarlo  fuera,  pero  también  debe  dejar  de  lado  la  información  que  se  encuentra  allí.  Sea  como  sea,  allí  
son  enfoques  naturales  y  valiosos  para  usar  Wikipedia  y  otras  bases  de  datos  no  académicas.  El  uso  "natural"  es  
consultar  tal  fuente  tanto  como  uno  usaría  rumores:  si  uno  lee  en  Wikipedia  algún  hecho  notable  (y  a  menudo,  
reciente)  sobre  las  estatuas  budistas  destruidas  por  los  talibanes,  uno  podría  considerar  que  era  si  uno  hubiera  
recibido  el  misma  información,  oralmente,  de  una  persona  inteligente  que  no  es  un  experto  acreditado  en  el  tema.  
Es  decir,  uno  puede  tener  un  momento  'a-­‐ha':  "Ahora  entiendo  el  contexto,  puedo  buscar  las  fechas  exactas  en  otro  
lugar,  o  expresar  lo  que  ya  tengo  de  las  fuentes  en  papel  con  más  confianza,  habiendo  obtenido  esta  pista  crucial".  
Tenga  en  cuenta  que  esta  es  también  la  manera  en  que  uno  incorporaría  las  sugerencias  obtenidas  del  capítulo  
"preguntas  que  se  formulan"  más  arriba.  El  uso  más  inteligente  de  dicho  conocimiento  enciclopédico  es  seguir  las  
citas  que  proporcionan  Wikipedia  y  otros  sitios  web:  generalmente  se  refieren  al  periodismo  original  en  la  web  o  a  
publicaciones  en  papel  que  el  estudiante  puede  rastrear  e  incorporar  con  confianza  en  un  cuerpo  académico  de  
conocimiento.  
La  nota  al  pie.  El  tema  de  las  obras  de  referencia  ha  surgido  más  de  una  vez  en  nuestra  discusión,  el  lector  puede  
preguntarse  exactamente  qué  quiero  decir  con  "seguir  citas"  o  "citar  fuentes",  dadas  las  diversas  formas  en  que  
tales  palabras  se  interpretarían  en  diversas  disciplinas  intelectuales.  La  nota  al  pie  es  engañosamente  marginal;  
tiene  su  propia  historia  fascinante,  y  se  ha  escrito  todo  un  libro  sobre  ella.1  Solo  puedo  hablar  de  las  humanidades,  
no  de  las  ciencias  naturales  y  sociales,  que  tienen  sus  propias  reglas  y  dinámicas  de  citas.  En  la  historia  del  arte,  
como  en  la  historia  política  y  la  crítica  literaria,  el  arte  de  la  nota  al  pie  (o  nota  final:  la  preferencia  depende  del  
autor,  y  algunas  veces  es  impuesta  por  el  editor  o  profesor)  es  parte  del  proceso  de  escritura  y  lectura.  Para  el  
escritor,  la  nota  al  pie  tiene  una  función  tanto  modesta  como  ambiciosa.  La  función  modesta  es  dar  a  la  fuente  una  
información  particular,  una  cita,  una  idea  completa  o  una  forma  de  ver  las  cosas.  Esto  se  hace  de  forma  breve  pero  
completa,  como  en  el  ejemplo  anterior,  que  se  ajusta  al  "estilo  de  Chicago"  típico  de  las  publicaciones  de  
humanidades.  Pasaré  por  alto  las  formalidades,  que  pueden  descubrirse  en  cualquier  manual  del  escritor  en  papel  
o  en  la  web.  El  contenido  básico  de  la  nota  al  pie,  sin  embargo,  es  rico  en  significado:  se  da  un  autor,  el  título  de  una  
obra  (a  menudo  bastante  sugerente),  luego  un  lugar  y  año  de  publicación,  y  un  editor.  Para  un  lector,  esta  
información  permite  no  solo  rastrear  la  fuente  original  para  leer  detenidamente,  sino  también  la  capacidad  de  
imaginar  dónde  está  obteniendo  el  argumento  un  argumento  o  una  información  ("Ah,  la  Interpretación  de  los  
Sueños,  este  es  un  Freudiano").  leyendo…").  Tal  especulación  no  debe  llevarse  demasiado  lejos,  pero  si  se  hace  
modestamente,  transmite  al  lector  un  contexto  elocuente  para  el  presente  argumento.  El  "contexto  elocuente"  
también  podría  ser  nuestra  frase  de  advertencia  para  el  uso  inteligente  de  la  nota  al  pie  
por  el  escritor  Porque,  además  de  indicar  las  fuentes,  el  autor  puede  escribir  una  oración,  o  varias,  en  la  nota  al  
pie2.  Esto  permite  al  escritor  pasear  por  un  camino  lateral  fascinante  sin  empantanar  la  narración  principal;  la  
nota  a  pie  de  página  es  también  el  lugar  para  comentar  sobre  el  texto  principal,  para  expresar  una  reserva  o  señalar  
una  incongruencia  humorística  sin  cargar  el  texto  en  sí  con  todo  el  peso  acumulado  de  la  broma.  Finalmente,  la  
nota  al  pie  es  un  buen  lugar  para  desterrar  una  oración  innecesaria  antes  de  eliminarla  finalmente:  si  no  se  lee  bien  
en  el  texto  y  no  se  lee  bien  en  la  nota  al  pie,  córtela.  La  investigación  'Big  Picture',  o  la  realización  de  investigaciones  
sin  perderse  en  los  detalles.  La  investigación,  como  la  mayoría  de  las  formas  de  recolección,  puede  convertirse  en  
una  obsesión.  Sin  embargo,  hay  factores  que  un  investigador  puede  atender  para  asegurarse  de  que  está  en  el  
camino  correcto  en  general.  Un  aspecto  crucial  de  la  investigación  artística  es  una  adquisición  constante  no  solo  de  
notas  escritas,  sino  de  imágenes.  Las  fotocopias,  si  están  permitidas  y  son  asequibles,  funcionan  bien;  también  lo  
hacen  las  imágenes  de  la  cámara  digital,  siempre  que  estén  permitidas  (nunca  use  un  flash)  y  que  tenga  suficiente  
luz  y  sostenga  la  cámara  firmemente  para  que  la  imagen  sea  nítida.  En  última  instancia,  que  de  hecho  puede  ser  un  
verdadero  recurso  en  alguna  galería  restrictiva  o  en  una  sala  de  lectura  de  archivo,  incluso  se  puede  intentar  
dibujar  la  imagen  en  cuestión.  Al  igual  que  en  la  toma  de  apuntes,  el  objeto  en  tales  garabatos  no  es  practicar  las  
propias  habilidades  artísticas  tanto  como  fijar  por  el  momento  las  observaciones  de  uno  en  un  medio  visual.  
Hablando  de  arreglar  cosas,  mientras  que  el  estilo  intelectual  permite  una  gran  variedad  de  parafernalias  para  
tomar  notas  (pequeños  libros  negros,  cuadernos  de  cuatro  reglas,  servilletas,  tarjetas  de  biblioteca  y  notas  en  el  
dorso  de  la  mano),  la  mejor  toma  de  notas  se  hace  más  o  menos  una  pieza:  una  sola  computadora  portátil  a  la  que  
se  agregan  observaciones,  o  un  solo  archivo  de  computadora  (la  copia  de  seguridad  externa  es  imprescindible).  No  
solo  es  menos  probable  que  se  pierdan  las  notas  intercaladas,  sino  que  es  más  probable  que  terminen  en  el  trabajo  
finalizado,  que  a  su  vez  terminará  siendo  más  coherente.  
La  pregunta  profunda  y  general  sobre  la  investigación  es:  ¿cuándo  tenemos  suficiente?  En  otras  palabras,  ¿cuándo  
nos  detenemos?  Muchos  investigadores  experimentados  trabajan  con  la  inteligencia  de  una  ardilla  que  recolecta  
suministros  para  el  invierno.  Pero,  al  igual  que  con  la  ardilla,  debe  haber  al  menos  un  sentido  instintivo  de  cuánto  
es  suficiente  y,  de  hecho,  de  lo  que  es  particularmente  útil  y  lo  que  no  es  necesario  recopilar  en  absoluto.  El  
estudiante,  trabajando  con  un  trabajo  o  artista  específico,  un  tema,  y  preferiblemente  incluso  una  tesis  provisional,  
debería  tener  la  sensación  de  que  sus  preguntas  están  siendo  respondidas  por  la  investigación  ya  realizada.  
Desafortunadamente,  siempre  hay  más  que  se  puede  hacer:  el  conocimiento  es  aparentemente  infinito.  La  mejor  
manera  de  distanciarse  de  la  práctica  compulsiva  de  investigación  puede  ser  dividir  el  tiempo  de  trabajo  en  
investigación  general  y  dirigida.  La  investigación  general  es  lo  primero.  Su  propósito  es  equiparlo  con  el  conjunto  
de  hechos  básicos  necesarios  para  la  escritura.  Si  ha  tratado  de  comenzar  un  ensayo  cuando  todo  lo  que  tenía  eran  
ideas,  y  no  había  hechos  sólidos,  
comprenderá  la  utilidad  de  este  tipo  de  investigación:  sin  hechos,  incluso  las  mejores  ideas  sonarán  extrañamente  
evasivas.  Una  vez  que  se  completa  esta  etapa  de  investigación,  en  resumen,  una  vez  que  tiene  suficiente  materia  
prima  para  poder  expresar  sus  ideas  en  detalles,  puede  continuar  con  la  investigación  dirigida.  Aquí,  ya  no  está  
interesado  en  todo  sobre  un  tema,  sino  solo  en  aquellos  hechos  e  interpretaciones  que  respaldan  o  desafían  su  
propio  argumento.  El  "desafío"  es  importante  aquí:  no  te  limites  a  alejarte  de  la  contradicción;  luchar  con  ellos  hará  
que  tu  argumento  sea  más  fuerte.  En  el  modo  de  investigación  dirigida,  uno  lee  más  y  toma  menos  notas  que  en  las  
primeras  etapas  de  la  investigación:  por  ejemplo,  uno  puede  estar  buscando  las  principales  interpretaciones  
feministas  de  la  escultura  imperial  asiria.  Eventualmente,  encontrará  los  mismos  textos  que  ha  leído  referenciados  
en  las  notas  al  pie  de  los  nuevos  textos  que  está  leyendo,  y  no  se  mencionarán  nuevos  textos.  En  este  punto,  ha  
completado  un  ciclo  y  puede  considerar  con  confianza  el  campo  bien  cubierto.  Por  supuesto,  el  volumen  de  
investigación  existente  sobre  algunos  temas  es  tan  amplio  que  uno  nunca  completará  el  círculo.  En  este  caso,  la  
investigación  dirigida  termina  solo  cuando  ha  satisfecho  su  curiosidad.  ¿Has  respondido  a  las  preguntas  planteadas  
al  comienzo  de  la  investigación?  ¿Criados  nuevos?  Recolectado  suficiente  material  para  escribir?  
El  estudiante  en  la  fecha  límite  puede  sufrir  un  problema  opuesto:  la  tentación  no  
a  la  investigación.  Desafortunadamente,  si  cede  a  esta  tentación,  ella  encontrará  el  papel  
más  difícil  de  escribir  Dos  horas  podrían  desperdiciarse  frente  a  la  pantalla  de  uno  luchando  por  inventar  una  
explicación  donde  una  investigación  de  una  hora  habría  producido  un  hecho  necesario  o  una  interpretación  
existente.  Además,  los  ensayos  escritos  en  ausencia  de  investigación  tienen  una  calidad  laboriosa  y  exagerada  que  
incluso  la  mejor  escritura  no  puede  enmascarar.  Por  supuesto,  es  posible  hacer  una  investigación  honorable  y  
descubrir  a  la  mitad  de  la  escritura  que  se  está  perdiendo  información  crucial.  Esto  sucede  incluso  para  los  
investigadores  más  dedicados.  La  única  solución  es  considerar  el  final  de  la  investigación  como  provisional,  al  
menos  hasta  que  se  complete  y  entregue  el  documento.  Es  posible  que  deba  dirigirse  a  la  biblioteca  la  noche  
después  de  terminar  el  papel,  es  mejor  que  la  mañana  en  que  el  periódico  está  listo.  debido.  Y  recuerde:  si  está  
atascado  buscando  un  hecho  que  no  se  descubra  una  cantidad  de  investigación,  pregúntele  a  un  bibliotecario  o  al  
profesor.  Puede  resultarle  de  gran  alivio  que  la  información  simplemente  no  exista.  
Intermezzo:  ¿Qué  es  el  Arte?  
El  lector,  en  el  proceso  de  mirar,  escribir,  
o  pensando,  a  menudo  puede  ser  golpeado  por  un  
pregunta  aparentemente  absurda:  "Espera  un  minuto,  
¿qué  es  exactamente  el  arte?  "La  pregunta  solo  parece  
absurdo  porque  no  hay  muchas  disciplinas  
que  uno  podría  practicar  sin  algún  sentido  de  
en  qué  consisten.  Ciertamente,  los  historiadores  son  
forzado  a  lidiar  con  preguntas  de  límites  que  
no  plagas  a  los  practicantes:  un  químico  lo  hace  
por  lo  general,  no  se  pregunta  "¿qué  es  la  química?"  
pero  un  historiador  de  la  ciencia  puede  legítimamente  
preguntarse  si  una  receta  para  convertir  el  plomo  en  
el  oro  es  química  De  la  misma  manera,  los  historiadores  del  arte  
se  enfrentan  a  prácticas  culturales  
(desde  rituales  religiosos  hasta  publicidad)  y  objetos  
(desde  antiguos  utensilios  para  comer  hasta  modernos  
videojuegos)  que  desafían  sus  ideas  preconcebidas  
sobre  la  naturaleza  fija  del  arte,  pero  también  
a  menudo  los  desafía  a  establecer  algunos  límites  
para  que  el  campo  se  vuelva  demasiado  confuso  para  entrar  
centrarse  en  absoluto.  
Entonces,  a  la  pregunta  "¿Qué  es  el  arte?"  Aunque  el  
la  discusión  es  vasta  y  nunca  se  resolverá  
bueno,  uno  puede  identificar  lo  que  se  puede  denominar  
una  respuesta  prudente  y  arrolladora.  El  cauteloso  
la  respuesta  tiene  mucho  que  recomendar:  
ha  surgido  de  un  intento  real  de  la  parte  
de  la  comunidad  histórica  de  arte  (aún  en  gran  parte  
blanco,  europeo)  para  llegar  a  un  acuerdo  con  el  
historia  colonial  problemática  de  la  adquisición  
y  definición  de  objetos  de  arte.  Poner  
brevemente,  africano,  nativo  americano  y  Oceanía  
artefactos  fueron  al  principio  recogidos  como  evidencia  
de  desarrollo  'primitivo'  y  comparativo  
Poder  occidental;  separado  de  
sus  usuarios,  languidecían  en  etnología  
museos,  hasta  una  generación  de  artistas  modernos  
y  los  marchantes  de  arte  descubrieron  estos  objetos  
como  ejemplos  de  arte  "puro"  o  "abstracto",  una  
redefinición  que  elevó  su  precio  también  
como  su  prestigio  El  historiador  del  arte  moderno,  
entonces,  haría  bien  en  volverse  crítico  
afirmaciones  sobre  el  valor  estético  de  tales  objetos  
(y,  de  hecho,  de  objetos  de  arte  occidentales  como  
bien),  examinando  las  cosas  en  su  original  
contextos  de  creación  y  uso,  en  la  medida  en  que  esto  
puede  ser  reconstruido  Arte,  de  acuerdo  con  esto  
vista,  es  simplemente  eso  que  se  considera  como  arte  
por  artistas,  profesionales  del  arte  y  público.  Como  
tal,  el  arte  y  la  apreciación  estética  son  necesariamente  
asuntos  de  convención.  De  hecho,  artistas  
tomó  la  iniciativa  en  descubrir  este  convencional,  
dimensión  consensuada  de  "tratar  objetos"  
como  arte  ".  Cuando  Marcel  Duchamp  mostró  
un  orinal  vuelto  hacia  arriba  en  la  exposición  de  1917  de  
la  Sociedad  de  Artistas  Independientes,  lo  que  conectó  
su  gesto  hacia  el  trabajo  de  sus  compañeros  
fue  la  afirmación  del  papel  del  artista  en  la  elección  
lo  que  llegó  a  contar  como  arte.  
La  visión  convencional  del  arte  declarada  
arriba,  que  también  llamamos  el  cauteloso  
ver,  tiene  sus  problemas.  En  el  uno  
mano,  podría  parecer  autoritario  simplemente  
asignar  significado  artístico  a  los  objetos  sobre  la  base  de  
la  experiencia  de  uno  como  artista  o  conocedor  del  mundo  del  arte.  
Por  otro  lado,  objetos  que  funcionan  claramente  
como  poemas  de  arte  de  Emily  Dickinson,  ocultos  
en  las  paredes  de  su  habitación,  o  de  Francisco  Goya  
últimas  pinturas,  aplicadas  igualmente  a  las  paredes  de  
su  casa,  nunca  fueron  presentados  como  tales  por  sus  autores,  nunca  fueron  presentados  de  hecho  
en  absoluto.  Deberíamos  volver  a  clasificar  tímidamente  estos  trabajos,  
junto  con  la  escultura  antigua  y  no  occidental,  
tan  llamativo  pero  no  perteneciente  a  nuestro  
universo  convencional  de  objetos  de  arte?  Finalmente,  
cuán  abierto  y  justo  para  otras  culturas  
es  la  vista  convencional  indicada  arriba?  Si  nosotros  
aprender  que  los  antiguos  griegos  no  tenían  palabra  
exactamente  correspondiente  a  nuestro  "arte",  pero  tenía  
otras  palabras,  techne  y  poesis,  que  describieron  
la  actividad  de  artesanos  y  talentosos  
escritores  respectivamente;  ¿Concluimos  con  un  
Un  suspiro  de  alivio  que  jarrones  griegos  y  tragedias  
son  "lo  suyo"  e  incompatibles  con  
nuestras  preocupaciones  artísticas,  o  nos  esforzamos  por  expandir  
nuestra  comprensión  de  lo  que  es  el  arte  para  abarcar  
algunas  tradiciones  radicalmente  diferentes?  
Esta  última  pregunta  nos  lleva  a  sugerir  más  
amplia  definición  de  arte,  que,  sin  embargo,  
debe  aplicarse  con  el  mismo  cuidado  que  
definición  cautelosa  De  acuerdo  con  esta  amplia  
ver,  lo  que  es  interesante  para  los  estudiantes  de  arte  es  
no  solo  la  convención  artística  sino  la  estética  
dimensión  de  la  actividad  humana.  Esta  dimensión  estética  
se  puede  articular  en  términos  de  belleza,  
interés  visual,  intelectual  o  emocional  
persuasión,  importación  religiosa,  etc.  Necesita  
no  implica  necesariamente  un  "órgano  estético"  eterno  
en  el  animal  humano  De  acuerdo  con  
las  dos  estrategias  del  argumento  histórico  del  arte  
discutimos  (formalista  y  contextualista),  
estudio  de  la  estética  puede  elegir  aislar  
este  componente,  o  determinar  sus  conexiones  
al  otro,  cualidades  "impuras"  encontradas  en  
cualquier  objeto,  su  política,  valor  de  uso,  monetario  
valor.  Un  libro  clásico  sobre  el  Renacimiento  italiano,  
por  ejemplo,  compara  la  pintura  con  
danza  cortesana  y  también  con  el  arte  del  mercado  
regateo.  
Tal  ejemplo  sugiere  no  solo  el  poder  
sino  también  los  peligros  de  la  definición  de  barrido  
de  arte.  Con  suficiente  imaginación,  uno  
ingenuamente  puede  elevar  cualquier  objeto  al  estado  de  
arte,  o  discierne  una  dimensión  estética  donde  
apenas  importa.  La  admiración  y  la  irritación  
provocado  por  los  semióticos  (estudiantes  
de  signos)  de  la  década  de  1960,  cuando  se  propusieron  
exponer  las  suposiciones  estéticas  prevalentes  en  
moda,  publicidad  y  fotografía  de  noticias,  
tiene  algo  que  ver  con  esta  impertinencia:  
seguramente  hay  una  dimensión  estética  para  la  TV  
lucha  libre,  pero  ¿es  eso  lo  crucial  de  
¿el  fenómeno?  Uno  puede  corregir  los  excesos  
del  enfoque  estético  pagando  
atención,  como  recuerda  el  enfoque  prudente  
nosotros,  a  los  efectos  de  elevar  algo  a  
el  estado  del  arte.  Al  ser  tan  prevenido,  el  
estudiante  podría  ser  capaz  de  evadir  tanto  el  estrecho  
eurocentrismo  que  encuentra  arte  solo  en  un  catálogo  
o  museo,  y  el  misionero  ingenuo  
celo  que  busca  otorgar  el  prestigio  del  arte  
en  actividades  que  se  consideran  mejor  bajo  
otro  nombre.  
Parte  dos:  escritura  
Las  herramientas  del  escritor  
Ya  que  hemos  discutido  tanto  el  lado  visual  como  el  librero  de  la  investigación,  debemos  
finalmente  abordar  el  proceso  de  escritura.  Pero  nota:  ya  hemos  estado  haciendo  bastante  
escribiendo,  desde  el  primer  encuentro  con  la  pieza  en  el  museo  hasta  la  acumulación  de  
investigación.  Lo  que  de  hecho  estamos  haciendo  aquí  bajo  el  encabezado  de  la  escritura  'oficial'  es  considerar  
el  ensayo  como  un  todo.  Como  tal,  el  objetivo  será  combinar  lo  extraordinario  
diversa  riqueza  de  materiales  que  ya  poseemos:  información  visual,  hechos  históricos,  notas  
en  la  interpretación  y  fragmentos  de  argumentos,  en  un  marco  coherente  que  se  comunicará  
a  un  lector  (bastante  desconocedor  de  nuestro  tema)  nuestro  conocimiento  y  nuestro  punto  de  
ver  en  este  conocimiento,  en  la  forma  de  una  tesis  argumentada.  Como  tal,  la  redacción  de  ensayos  requiere  
tres  operaciones  principales:  planificación  descendente,  reescritura  de  materiales  existentes  y,  finalmente,  
nueva  escritura.  Antes  de  comenzar  este  proceso,  vamos  a  echar  un  vistazo  a  la  escritura  del  escritor  
herramientas  intelectuales,  particularmente  aquellas  relevantes  para  escribir  sobre  arte.  
Porque  las  sensaciones  producidas  en  nosotros  por  los  objetos  de  arte  se  mezclan  con  nuestras  emociones  
reacciones  a  estas  impresiones,  la  escritura  artística  contiene  dentro  de  ella  una  fuerte  subjetividad  
dimensión.  Por  desgracia,  desde  nuestra  experiencia  académica  nos  enseñan  a  suprimir  todas  las  emociones.  
Todavía  recuerdo  al  profesor  que  marcó  mi  primera  tarea  de  historia  del  arte  con  la  desaprobación  
etiquetar  "juicio  de  valor".  Sin  embargo,  los  juicios  de  valor  que  se  suprimen  no  desaparecen;  
van  bajo  tierra.  ¿Por  qué?  Probablemente  porque  el  arte  siempre  involucra  las  emociones  del  espectador  
y  facultades  cognitivas  ("Esto  es  maravillosamente  complejo,  eso  es  una  tontería  simplista").  A  
ser  un  escritor  de  arte,  uno  debe  ser  primero  un  espectador.  
Eso  no  quiere  decir  que  debemos  producir  entradas  de  diario  sobreexplotadas.  La  buena  escritura  no  
no  use  su  corazón  en  la  manga.  Pero  un  escritor  que  es  consciente  de  su  subjetividad  es  mejor  
capaz  de  determinar  cuánto  pertenece  en  el  documento  final.  La  tarea  del  escritor  es  
piense  en  reacciones  inmediatas  al  arte  y  haga  que  sean  inteligibles  para  el  lector.  
Al  hacer  esto,  el  escritor  debe  conocer  tres  categorías  que  rigen  el  discurso  sobre  
art.  La  crítica  surgió  de  un  público  ilustrado  que  exigía  reseñas  de  periódicos  
de  arte  y  otros  bienes  culturales;  la  historia  del  arte  como  la  practicamos  hoy  en  día  de  un  siglo  XIX  
curiosidad  sobre  los  hechos  concretos  de  la  producción  artística  geográfica  y  temporalmente  
pueblos  diversos;  la  teoría  del  arte,  que  es  al  menos  tan  antigua  como  la  filosofía  griega,  intenta  
para  entender  qué  se  trata  de  arte  que  atrae  a  las  personas  o  tiene  un  efecto  específico  sobre  ellas.  
Al  escribir  sobre  arte,  a  menudo  queremos  involucrarnos  en  estas  tres  actividades  intelectuales.  
Sin  embargo,  vale  la  pena  familiarizarse  con  sus  procedimientos  por  separado.  
Crítica.  El  crítico  de  periódico  o  de  revista  intenta  comprender  el  arte  
objeto  a  través  del  lenguaje.  Ella  está  particularmente  preocupada  por  lo  nuevo.  Mientras  hay  
una  tarea  descriptiva  involucrada  (simplemente  describiendo  arte  nuevo),  y  una  tarea  periodística  (ser  
consciente  del  nuevo  arte,  asistiendo  a  los  shows,  hablando  con  artistas  y  curadores),  el  crítico  
se  preocupa  sobre  todo  de  decirle  al  espectador  qué  es  bueno,  malo  o  interesante,  en  resumen,  qué  
ir  a  ver  Al  describir  y  juzgar  obras  de  arte,  el  crítico  confía  en  una  herramienta  desarrollada  por  
el  historiador  del  arte,  y  que  ya  hemos  encontrado:  análisis  formal.  
El  análisis  formal  se  centra  en  los  aspectos  perceptibles  de  una  obra  de  arte,  a  veces  en  gran  medida  
detalle.  Si  ha  leído  a  un  crítico  de  un  periódico  escribiendo  sobre  pinturas  de  "viejo  maestro"  o  un  historiador  de  
arte  alemán,  tal  vez  ya  anticipe  una  jerga  impenetrable  compuesta  en  
partes  iguales  de  términos  italianos  y  geométricos.  Este  es  un  cliché,  pero  con  un  núcleo  de  verdad.  
El  análisis  formal  proviene  en  parte  de  la  jerga  del  estudio  de  los  artistas  italianos  del  Renacimiento;  en  
Por  otro  lado,  fuera  del  vocabulario  especializado  de  esteticistas  y  psicólogos  alemanes  
del  siglo  anterior,  que  estaban  interesados  en  cómo  la  mente  humana  percibe  
el  mundo.  Dado  que  estos  estudiosos  desean  separar  las  discusiones  de  la  fisicalidad  del  arte  del  
"Sí  o  no  del  paladar",  y  también  de  las  metáforas  del  poeta,  inventaron  
vocabulario  abstracto  que  describe  y  organiza  los  atributos  físicos  de  los  objetos  de  arte.  
El  análisis  formal,  en  su  estado  más  puro,  consiste  en  conjuntos  de  oposiciones  binarias.  Una  superficie  pictórica,  
rico  incrustado  con  capas  de  pigmento,  se  opone  a  uno  lineal,  en  el  que  las  marcas  claras  
domina  una  superficie  delgada.  Una  disposición  simétrica  estable  de  cuerpos  en  el  espacio  se  opone  
a  una  concentración  asimétrica  con  todo  el  dinamismo  que  implica.  Volumen,  que  puede  ser  transportado  
en  la  masa  tridimensional  de  una  escultura,  o  en  el  vigoroso  sombreado  de  dos  dimensiones  
formas  de  Leonardo  da  Vinci  (claroscuro),  se  contrasta  con  el  énfasis  en  
contorno  en  el  estilo  caligráfico  del  nacimiento  de  Venus  de  Botticelli.  Podemos  dividir  el  espacio  incluso  
más  básicamente:  vertical  se  opone  a  horizontal,  y  ambos  se  oponen  por  diagonal.  
Debería  ser  obvio  a  partir  de  este  último  ejemplo  que  los  opuestos  formales  no  son  tan  exclusivos  
como  noche  y  día,  ni  totalmente  libre  de  valores.  Una  obra  de  arte  puede  contener  una  gran  cantidad  de  ambos  
líneas  verticales  y  horizontales  (y  diagonales  también,  como  ocurre  en  las  imágenes  impresionistas  de  
barcos).  Puede  contener  un  arreglo  que  golpea  a  un  espectador  como  complejo  y  equilibrado,  
otro  como  bastante  asimétrico.  También  puede  golpear  al  observador  crítico  que  en  el  fondo,  el  
el  vocabulario  formal  es  bastante  simple  o  simplista.  ¿Cuántos  términos  se  deben  aprender?  
Hay  varios  glosarios  más  o  menos  legibles  de  la  jerga  del  arte,  pero  como  con  cualquier  idioma,  
se  aprende  más  leyendo  en  contexto  (haciendo  su  propia  lectura)  que  hojeando  una  
diccionario.  De  hecho,  el  lenguaje  formal  es  menos  útil  para  establecer  distinciones  permanentes  
que  aclarar  cómo  las  cosas  difieren  entre  sí,  en  términos  relativos.  Por  lo  tanto,  
los  trabajos  formales  de  escritura  son  más  reveladores  cuando  se  comparan  dos  o  más  objetos.  
Tomemos  dos  obras  que  son  bastante  dispares,  la  escultura  de  vidrio  de  1927  de  Josef  Albers.  
(Fig.2),  y  la  pintura  al  óleo  de  Giovanni  Battista  Tiepolo  de  1765  sobre  el  tema  de  The  
Apoteosis  de  Eneas  (Fig.3).  Lo  que  sea  que  tengamos  que  decir  sobre  las  cualidades  sensoriales  
de  estos  objetos  separados  ciertamente  se  agudiza  por  la  yuxtaposición.  Donde  el  panel  de  Albers  
es  monocromático,  rectilíneo  (es  decir,  lleno  de  rectángulos  o  ángulos  rectos),  abstracto  (o  no  objetivo:  
no  hay  ninguna  cosa  obvia  o  persona  representada),  y  superficie  mecánica  
(brillante,  pero  el  vidrio  ha  sido  lijado  a  un  acabado  mate  en  las  áreas  grises),  Tiepolo  
el  lienzo  es  rico  en  policromía,  con  marrones  terrosos  y  tonos  crema  marcados  por  
colores  (telas  rojas,  azules  y  amarillas),  pictóricamente  en  ejecución  (la  pintura  se  levanta  y  
cae  en  pinceladas  visibles:  un  estado  que,  en  su  extremo,  se  llama  impasto),  y  abunda  en  
grupos  dinámicos  y  diagonales  (de  personas  y  nubes).  Incluso  podemos  notar  un  sorprendente  
similitud:  ambas  obras  tienen  un  formato  vertical,  aproximadamente  el  doble  de  alto  que  ancho.  Y  
las  observaciones  sobre  uno  pueden  iluminar  al  otro:  al  comparar  nuestras  dos  listas,  podemos  
tenga  en  cuenta  que  Albers  también  juega  con  la  asimetría,  superponiendo  sus  cuerpos  rectangulares  en  un  patrón  
inclinándose  hacia  la  derecha;  por  otro  lado,  que  Tiepolo  representa  una  figura  mitológica  
(Eneas,  el  fundador  de  Roma),  pero  en  un  arreglo  decorativo  (una  "apoteosis"  o  
el  triunfo  no  es  una  historia  completa)  casi  tan  abstracto  como  las  superficies  maquinadas  de  Albers.  También  
podemos  
ser  golpeado  por  la  arbitrariedad  de  llamar  superposición  de  una  escultura:  aunque  Albers  hizo  el  
pieza  vertiendo  vidrio  negro  caliente  sobre  una  superficie  de  vidrio  blanco,  el  objeto  bidimensional  
producido  tiene  más  en  común  con  una  pintura  en  la  forma  en  que  se  percibe  que  con  una  pintura  
escultura  producida  industrialmente  'en  la  ronda'.  
    
El  lector  puede  notar  que  no  hemos  producido  una  "tesis"  sobre  el  trabajo  o  ambos  
juntos.  Sin  embargo,  hemos  ido  en  cierto  modo  hacia  la  iluminación  de  cómo  podría  ser  esa  tesis  
hecho.  Supongamos  que  quiero  argumentar  que  Albers  basó  su  abstracción  geométrica  en  genéricos  
Escenas  de  apoteosis  barrocas  como  las  de  Tiepolo.  Primero,  tendría  que  calificar  mi  argumento  
para  ajustarse  a  la  información  que  he  reunido:  solo  podría  apuntar  al  formato  vertical  
de  las  piezas,  y  a  las  masas  superpuestas  diagonalmente  colocadas.  En  este  punto,  el  
la  conciencia  de  una  tarea  a  mano  podría  inspirarme  a  una  observación  formal  adicional:  podría  decir  
que  el  contraste  blanco,  gris  y  negro  en  Albers  tiene  mucho  del  ritmo  del  marrón,  
colores  amarillo  y  azul  de  la  escena  del  cielo  de  Tiepolo.  Aquí,  podemos  vislumbrar  tanto  el  
poder  subjetivo  y  la  tentación  ofrecida  por  el  análisis  formal.  Es  mi  observación  de  
"Ritmos"  no  aplicable  a  un  centenar  de  otras  imágenes?  No  hay  una  respuesta  simple  aquí.  
La  mejor  manera  de  proceder  es  no  apostar  demasiado  a  una  sola  observación,  que  después  
todo  es  producido  por  nuestra  imaginación  basado  en  la  imagen,  en  lugar  de  ser  un  atributo  
de  la  imagen  en  sí.  Como  la  hoja  de  papel  rota  e  ilegible  de  un  detective  en  la  escena  de  un  crimen,  
no  prueba  nada  por  sí  mismo,  pero  puede  combinarse  con  otras  pistas  para  formar  un  
narrativa  plausible.  
Historia  del  Arte.  La  tesis  que  abordamos  anteriormente  nos  ha  llevado  a  los  confines  de  la  historia  
escritura.  A  diferencia  de  la  crítica,  la  historia  del  arte  no  se  preocupa  de  los  juicios  de  valor,  sino  
con  el  descubrimiento  de  las  relaciones  temporales  y  culturales.  Como  tal,  la  historia  del  arte  requiere  
del  escritor  una  narración  de  la  relación  de  una  obra  con  otras  obras,  a  su  tiempo,  
o  a  otro.  El  análisis  formal  puede  servir  como  el  bloque  de  construcción  de  tal  narrativa.  Cuando  
el  historiador  de  arte  utiliza  solo  o  principalmente  el  análisis  formal  para  argumentar  un  caso  de  composición  
similitud  (como  hicimos  anteriormente),  el  resultado  es  una  historia  formalista.  Sin  embargo,  hay  otro  
forma  de  narración:  la  narración  contenida  dentro  de  las  obras  de  arte  representativas  tales  como  
Tiepolo's  Aunque  descartamos  esto  antes  como  una  escena  de  victoria  genérica,  las  historias  sobre  
Eneas  (refugiado  de  Troya  y  fundador  de  la  raza  romana,  si  no  de  la  ciudad),  y  
su  resonancia  literaria  (Eneida  de  Virgilio,  y  su  recepción  en  italiano)  seguramente  son  relevantes  para  
nuestra  comprensión  del  proyecto  de  Tiepolo.  Tales  preocupaciones  deberían  recordarle  al  lector  
estilo  contextualista  de  la  historia  que  encuentra  conexiones  entre  una  obra  y  su  entorno.  
La  historia  del  arte,  entonces,  abarca  tanto  el  análisis  formal  como  el  contextual.  Incluso  cuando  
intentar  un  análisis  puramente  formal,  invariablemente  colarse  en  el  conocimiento,  como  el  hecho  
sobre  Albers  vertiendo  vidrio  negro  sobre  blanco.  A  veces,  ese  conocimiento  es  fácil:  el  
El  proceso  de  Albers  se  puede  recoger  a  partir  de  una  lectura  cuidadosa  de  la  leyenda  debajo  de  la  imagen  
en  el  catálogo  de  Harvard  Art  Museums  (también  en  línea).  La  Eneida,  del  mismo  modo,  surge  
en  cualquier  entrada  del  diccionario  en  Eneas.  Sin  embargo,  uno  podría  seguir  adelante:  una  lectura  completa  de  
la  Eneida,  en  latín,  ¿ayuda?  A  diferencia  de  un  texto  en  un  lenguaje  difícil,  un  objeto  de  arte  no  
"Decirte"  cuando  es  comprensible,  cuando  puedes  dejar  de  traducir.  El  estudiante  puede  
legítimamente  se  preguntan:  ¿cuánto  conocimiento  "externo"  es  suficiente?  La  respuesta  es  puramente  
personal,  siempre  que  nos  demos  cuenta  de  que  no  se  necesita  conocimiento  "externo",  
sino  más  bien  conocimiento  "interno",  conocimiento  que  necesitamos  para  ampliar  nuestra  interpretación,  y  
que  podemos  pasarle  al  lector,  aunque  no  siempre.  
Además  de  idear  una  conexión  histórica,  el  historiador  del  arte  debe  aclarar  cómo  
la  tesis  propuesta  se  refiere  a  los  objetos  reales  discutidos.  En  cuanto  a  nuestra  tesis  de  Albers  
apropiándose  de  la  composición  barroca,  tenemos  que  tener  claro  lo  que  eso  implica  para  Tiepolo.  
No  significa  que  Albers  conocía  esta  pintura  en  particular,  por  lo  que  los  argumentos  sobre  Virgilio  
o  la  Eneida  tiene  poco  que  ver  con  Albers.  Por  otro  lado,  Albers,  un  arte  de  toda  la  vida  
maestro  y  escritor  de  arte,  no  era  ajeno  a  la  pintura  barroca  en  general  o  incluso  
Tiepolo  específicamente.  En  este  sentido,  podemos  hablar  de  una  afinidad,  y  nos  falta  solo  una  explicación  cultural  
o  psicológica  de  por  qué  esto  podría  tener  lugar.  Pero  una  breve  investigación  sobre  
Cultura  barroca  (patrocinada  por  el  estado  y  la  iglesia  en  el  sur  de  Europa)  y  la  propia  Albers  
Bauhaus  (una  escuela  de  arte  ultramoderna  en  Weimar,  Alemania)  podría  sugerir  que  Albers  era  
atraído  por  el  matrimonio  barroco  de  patrocinio  estatal  y  arte  ambicioso.  Este  enlace  es  
decisivamente  cerrado  a  los  artistas  alemanes  modernistas  por  el  ascenso  del  fascismo.  
Nuestra  tesis  se  ve  enriquecida  tanto  por  intereses  formales  como  políticos.  Su  declaración  completa  
en  forma  de  ensayo  requeriría  ampliar  los  motivos  formales  discutidos  (asimetría,  verticalidad)  
y  una  cuenta  más  detallada  de  las  opiniones  de  Albers  sobre  el  Barroco.  ¿Pero  cómo  hace  el  
formal  y  la  evidencia  histórica  se  conectan?  Uno  puede  escribir  el  historial  sin  responder  
esta  pregunta,  pero  el  intento  de  responderla  nos  involucra  en  alguna  cuenta  de  cómo  se  relaciona  el  arte  
a  la  vida  humana  en  general,  y  por  lo  tanto  en  el  discurso  de  la  teoría  del  arte.  
Teoría  del  arte  Usamos  el  término,  teoría,  en  lugar  de  estética  ("la  ciencia  de  la  belleza")  
o  un  identificador  más  específico  como  la  filosofía  del  arte,  en  parte  porque  la  explicación  
tenemos  en  mente  podría  no  tener  nada  que  ver  con  la  belleza  o  el  arte  en  sí,  pero  
más  bien  con  algún  aspecto  de  la  realidad  histórica  que  desempeña  un  papel  en  nuestra  explicación  del  arte.  
Por  ejemplo,  he  leído  un  excelente  artículo  sobre  estatuas  funerarias  griegas  arcaicas  (famoso  por  
su  sonrisa),  en  la  cual  el  estudiante  usó  los  resultados  de  la  psicología  social  (estudios  de  atletas)  
sonriendo  para  el  público)  para  argumentar  que  la  sonrisa  de  las  estatuas  arcaicas  recreadas  para  el  espectador  
las  victorias  deportivas  de  los  súbditos  fallecidos.  Este  marco  conceptual  no  es  general  
explicación  del  arte;  no  podría  aplicarse  a  la  superposición  de  Albers,  por  ejemplo.  
Lo  que  esto  sugiere,  con  razón,  es  que  la  "teoría"  tal  como  la  entiende  la  erudición  del  arte  no  es  
un  cuerpo  coherente  de  conocimiento.  Ni  siquiera  tiene  que  ser  actual;  uno  puede  estar  interesado  
en  las  teorías  medievales  de  la  santidad,  por  ejemplo.  Esta  anarquía  metodológica  es  un  oro  
oportunidad  para  el  estudiante,  ya  que  no  hay  un  "protocolo  estándar"  para  aprender,  sino  solo  un  
demanda  vincular  el  concepto  con  fuerza  al  objeto  físico.  El  estudiante  debería  
comenzar  con  lo  que  sabe  o  lo  que  le  interesa,  y  pensar  a  través  de  sus  relaciones  con  el  
arte  en  cuestión.  Esto  no  significa  que  uno  pueda  participar  en  la  regurgitación  complaciente:  decir  el  
el  estudiante  sabe  astrofísica  y  desea  escribir  sobre  miniaturas  mayas.  No  podría  
no  hay  relación  entre  los  dos  sujetos,  o  solo  uno  muy  rebuscado.  Pero  con  un  
poca  imaginación  e  investigación,  el  estudiante  puede  encontrar  una  relación  muy  rentable  entre  
Miniaturas  mayas  y  teorías  mayas  de  astronomía  y  astrología,  temas  que  sin  duda  
susceptible  a  los  antecedentes  astrofísicos  del  estudiante.  
Los  dos  ejemplos  discutidos  anteriormente  demuestran  la  amplitud  de  la  participación  teórica  
posible:  uno  puede  aplicar  un  modelo  que  se  ajuste  estrechamente  con  el  arte  en  cuestión,  o  incluso  una  
modelo  tan  diferente  que  arroja  el  arte  en  relieve.  Sin  embargo,  al  igual  que  la  historia  y  el  análisis  formal,  
los  modelos  conceptuales  deben  usarse  con  cuidado:  se  trata  de  establecer  relaciones  amistosas  
entre  objetos  e  ideas,  no  de  subyugar  uno  al  otro.  Algunos  escritores  piensan  
esto  significa  renuncias  frecuentes:  "esto  no  tiene  que  significar  lo  que  digo  que  significa".  Esto  
es  falso:  ¿por  qué  hacer  una  discusión  si  no  lo  crees?  Un  mejor  enfoque  es  
reconocer  precisamente  aquellos  aspectos  de  la  teoría  que  no  se  ajustan  a  los  objetos  físicos.  En  
nuestro  ejemplo  de  Josef  Albers,  podríamos  admitir  que  el  interés  de  Albers  en  la  industria  no  tiene  nada  
para  hacer  con  el  Barroco.  Tal  limitación  de  la  aplicabilidad  del  modelo  no  es  solo  
modestia:  hace  que  el  argumento  de  uno  sea  más  preciso  y  persuasivo  dentro  de  su  estrechamiento  
campo.  Una  última  cosa  que  decir  acerca  de  las  herramientas  conceptuales  es  que  el  estudiante  debe  tener  
confianza  
a  cerca  de  ellos.  Todavía  recuerdo  la  combinación  de  vergüenza  y  paranoia  con  la  que  inserté  
referencias  a  ciencia,  literatura  o  política  en  ensayos  de  historia  del  arte;  ellos  fueron  probablemente  el  
las  cosas  más  interesantes  que  tuve  que  decir  en  esos  documentos.  
Delineando  
Una  vez  que  hemos  investigado  un  poco  y  tenemos  una  idea  de  qué  escribir,  es  
tiempo  para  construir  un  esquema.  Los  sentimientos  personales  sobre  los  esquemas  varían.  Algunas  personas  
nunca  
escríbelos-­‐outlinephobes.  Otros,  como  yo,  escriben  bosquejos  incluso  para  ensayos  que  
nunca  escriba-­‐outlinephiles.  No  hay  necesidad  de  tratar  de  cambiar  uno  profundamente  arraigado  
hábitos,  pero  uno  debe  ser  consciente  de  los  beneficios  de  delinear,  incluso  de  manera  concisa  o  mental.  
Lo  que  está  en  juego  en  el  delineamiento  es  el  acto  de  producir  una  historia,  con  su  propia  lógica,  y  
secuencia  de  eventos.  El  comienzo  atrae  a  uno,  la  conclusión  ata  los  cabos  sueltos.  Como  
tal,  una  tesis  fuerte  a  menudo  surge  mientras  se  delinean.  El  beneficio  de  un  buen  esquema  
es  que  te  ayudará  a  anclar  esta  tesis  en  los  hechos  que  has  reunido.  Uno  hace  esto  
simplemente  decidiendo  qué  incluir  y  dónde  colocarlo  para  obtener  el  máximo  efecto.  El  más  crudo  
el  esquema  consta  de  solo  tres  elementos:  lo  que  viene  primero,  en  el  medio  y  último.  
Veamos  un  ejemplo  concreto.  Digamos  que  tengo  una  colección  de  notas  para  un  ensayo  sobre  chino  
esculturas  de  loza  de  la  dinastía  Yuan  (circa  siglo  XIV  C.E.).  En  particular,  
Elegí  escribir  sobre  dos  objetos,  Sted  Arhat  Holding  Fly-­‐Whisk  (Fig.4)  
y  Arhat  sentado  con  las  manos  apoyadas  en  la  rodilla  levantada  (Fig.5).  Mi  investigación  indica  que  
un  Arhat  es  un  ser  que  ha  alcanzado  la  perfección  espiritual,  y  en  la  muerte  no  renace.  
La  única  diferencia  entre  un  Buda  y  un  Arhat  es  que  el  Buda  ha  logrado  
perfección  espiritual  por  sí  mismo,  mientras  que  el  Arhat  lo  ha  alcanzado  siguiendo  a  un  religioso  
enseñando.  Además,  sé  que  en  la  escuela  de  budismo  Mahayana,  generalizada  
en  todo  el  norte  de  Asia  en  este  período,  un  Arhat  a  menudo  es  retratado  de  forma  bastante  negativa  
preocupado  por  su  propia  liberación  espiritual.3  ¿Fui  especialista  en  chino?  
la  política,  la  poesía  cortesana  o  la  teología  budista,  podría  continuar  el  asunto,  pero  dejar  
Suponemos  (como  es  el  caso)  que  esto  es  todo  lo  que  sé  sobre  el  contexto  histórico  de  las  obras.  
Dado  que  estoy  trabajando  con  dos  imágenes,  quiero  hacer  algún  tipo  de  afirmación  sobre  
ellos  en  común,  tal  vez  que  corresponden  a  la  visión  Mahayana  de  Arhats-­‐  
y,  tal  vez,  ir  un  poco  más  allá,  para  distinguir,  aunque  sea  sutilmente,  entre  los  dos  
esculturas.  Me  siento  alentado  por  el  hecho  de  que  estas  extraordinarias  esculturas  golpean  
yo,  de  alguna  manera,  y  en  cierto  modo  bastante  diferente.  
¿Cuál  es  el  contorno  más  simple  posible?  1.El  Mahayana  Arhat  en  chino  del  siglo  XIV  
Escultura.  2.  Similitudes  entre  Arhat  Sculptures  3.  Diferencias  entre  Arhat  Sculptures.  Esta  
no  es  tan  malo  como  suena:  puedo  presentar  la  noción  del  Arhat  como  un  ser  casi  perfecto,  
discuta  qué  tienen  en  común  las  obras,  y  finalmente  cómo  difieren.  Sobre  el  
Por  otro  lado,  mi  esquema  no  está  tan  inspirado.  Para  empezar,  mi  primera  y  segunda  sección  
no  suena  tan  diferente,  y  termino  un  tanto  insípido  con  "cómo  difieren  las  estatuas"  
que  parece  diluir  cualquier  fuerte  mensaje  para  llevar  a  casa.  ¿Puedo  mejorar  el  esquema?  
No  sin  pensar  un  poco  más  específicamente  sobre  mi  material.  La  primera  sección  puede  
permanecer  en  su  estado  actual,  ya  que  introduce  el  problema  que  deseo  analizar.  El  segundo  
la  sección  podría  usar  una  mayor  definición.  Debo  decidir,  aunque  sea  temporalmente,  qué  es  lo  que  
trabajo  compartido  que  es  relevante  para  mi  interés.  Noté,  al  mirarlos,  que  tienen  
en  común  una  representación  convencional,  incluso  idealizada,  de  un  genial  anciano,  calvo  y  
contemplativo.  Las  caras  en  particular  son  sorprendentemente  similares;  si  supiera  lo  suficiente  sobre  
Escultura  de  Yuan,  podría  afirmar  que  son  obra  del  mismo  artista  o  taller.  

   
Como  yo  no  (puede  resultar  que  muchas,  muchas  esculturas  de  Arhats  de  diferentes  
las  manos  lucen  la  misma  mueca  estilizada),  no  estoy  tentado  a  hacer  ese  argumento.  Pero  
Tengo  la  imagen  convencional  del  anciano  contemplativo  como  un  punto  común.  Que  es  
¿diferente?  A  primera  vista,  noto  la  enfática  simetría  del  primer  Arhat,  tan  diferente  
de  la  pose  más  informal  del  segundo,  con  su  gandul  y  sus  brazos  descansando  sobre  su  
rodilla.  Además,  noté  que  el  primer  fly-­‐batidor  de  Arhat  es  un  sorprendente  detalle  común,  
aparentemente  en  desacuerdo  con  su  estado  espiritual;  No  estoy  seguro  de  qué  hacer  con  esto,  pero  
Combinando  las  dos  observaciones,  podría  decir  la  tercera  parte  del  ensayo  (sobre  las  diferencias)  
se  trata  de  realismo  dentro  de  la  representación  de  Arhat.  
Mi  nuevo  esquema  se  ve  así:  1.  El  Mahayana  Arhat  en  la  escultura  china  del  siglo  XIV.  
2.Ivealización  de  la  vejez  en  la  escultura  religiosa  3.Representación  de  la  realidad  en  la  escultura  religiosa.  
Esto  ya  es  una  mejora.  La  tesis  no  es  simplemente  declarada,  sino  desarrollada  
a  través  de  una  comparación  y  un  contraste,  después  de  establecer  el  contexto  cultural  pertinente  de  la  
art.  ¿Cómo  procedo  desde  aquí?  Al  subdividir  estos  títulos  en  secciones  que  mejoran  
corresponden  al  orden  de  los  párrafos  que  escribiré.  La  sección  1,  por  ejemplo,  podría  
comenzar  definiendo  Arhat,  estableciendo  la  diferencia  entre  el  budismo  clásico  y  el  
Interpretación  de  la  escuela  Mahayana  de  Arhats,  plantea  la  cuestión  de  cuál  está  en  juego  en  nuestra  
ejemplos  del  siglo  XIV.  ¡Este  es  un  buen  progreso!  Lo  que  es  importante  es  que,  al  enumerar  
estos  pasos  y  establecerlos  en  su  orden  cronológico  adecuado,  hago  el  
tarea  de  escribir  más  fácil.  Entonces  tengo  la  sección  1.  El  Arhat:  1a)  El  Arhat  en  el  budismo;  1b)  El  
Mahayana  School  Idea  del  Arhat;  1c)  La  escultura  Arhat  de  la  dinastía  Yuan:  ¿Qué  interpretación?  
Incluso  sin  estar  seguro  de  cómo  voy  a  responder  la  pregunta,  estoy  seguro  de  que  tengo  
llamó  la  atención  del  lector,  de  una  manera  sólidamente  histórica.  
Puedo  subdividir  la  sección  dos  de  la  misma  manera,  decir:  2.  Representación  Arhat  idealizada:  
2a)  Anatomía  idealizada  (simetría,  postura)  2b)  Edad  idealizada  (representación  del  envejecimiento  como  
sabiduría  a  través  de  convenciones  como  la  calvicie).  Tenga  en  cuenta  que  a  medida  que  el  esquema  se  vuelve  más  
diferenciado,  
se  desarrollan  nuevas  ideas  y  se  desarrolla  la  tesis  básica.  Por  este  punto  en  mi  
lluvia  de  ideas,  estoy  listo  para  resolver  mis  impresiones  conflictivas  sobre  la  sección  tres.  
Encontré  el  matamoscas  "realista",  pero  también  la  pose  más  relajada  del  segundo  Arhat.  Yo  también  
Note  los  huesos  sobresalientes  y  la  musculatura  nervuda  del  segundo  Arhat  (particularmente  su  
hombro  derecho  expuesto).  Estoy  listo  para  distinguir  entre  los  dos  tipos  de  referencia  
a  la  realidad  En  la  primera  escultura,  un  objeto  cotidiano  se  pone  en  las  manos  de  un  idealizado,  
cuerpo  simétrico;  en  el  segundo,  informalidad  de  pose,  vestuario  y  consejos  de  anatomía  para  
la  humanidad  anterior  de  Arhat.  También  puedo  ver  que  las  dos  estrategias,  aunque  diferentes,  
converger:  ambas  imágenes  se  refieren  a  la  humanidad  banal,  como  si  anclar  estas  de  otra  manera  completamente  
seres  espirituales.  Empiezo  a  pensar  que  esto  no  se  describe  mejor  como  "realismos"  conflictivos,  pero  
de  diferentes  maneras  de  unir  la  naturaleza  profana  y  espiritual.  Mi  esquema  para  la  sección  
tres:  3.  La  Humanidad  de  Arhat:  3a)  Objetos  cotidianos  (primer  Arhat)  3b)  El  cuerpo  mortal  (segundo  
Arhat)  3c)  Los  pies  en  la  tierra  como  un  medio  de  señalización  de  la  humanidad  del  Arhat.  La  última  sección  
puede  servir  como  una  reformulación  o  elaboración  de  su  tesis.  Tenga  en  cuenta  que  este  esquema,  mientras  
rico  en  posibles  direcciones,  no  lo  obliga  a  una  línea  de  argumentación:  puede  
pensar  que  estos  Arhats  de  hecho  están  representados  como  sub-­‐Buddhas,  o  que  el  toque  humano  
no  menoscabar  su  santidad  (visto  en  las  convenciones  discutidas  en  la  sección  dos),  o  
lo  más  sutil  (que  no  siempre  es  lo  mejor),  que  hay  una  tensión  entre  el  peatón  
y  lo  espiritual  en  esta  representación  que  podría  prestarse  a  un  Mahayana  oa  un  no-­‐  
Interpretación  Mahayana.  Un  buen  esquema  no  te  arrinconará:  el  instinto  propio,  
y  la  fuerza  del  argumento,  debería  influir  en  ti  al  escribir.  
El  esquema  sigue  siendo  bastante  modesto;  el  verdadero  trabajo  será  hacer  coincidir  mis  notas  existentes  con  estas  
secciones  y  escribir  el  texto  restante  para  conectar  las  partes,  pero,  
con  sus  nuevas  subdivisiones,  ya  se  ha  convertido  en  un  trabajo  más  interesante  que  
Comencé  con.  Lo  más  importante,  hemos  visto  desarrollar  una  discusión,  como  si  antes  
nuestros  ojos.  Aunque  uno  puede  comenzar  con  una  discusión  ya  formada  en  la  cabeza,  
el  acto  de  subdividir  las  secciones  del  ensayo  generará  un  argumento,  o  en  
al  menos  una  trayectoria  que  colaborará  con  su  argumento  al  ayudarlo  a  demostrarlo.  
Por  esta  razón,  es  útil  al  trabajar  en  el  esquema  para  anotar  ideas  de  tesis  (o  
modificaciones  -­‐¡su  tesis  podría  cambiar!),  ya  que  vendrán  gruesas  y  rápidas  con  
el  marcado  de  tu  secuencia  narrativa.  
Un  esquema  es  indispensable,  y  si  te  apegas  a  él,  no  tiene  precio  aclarar  el  contenido  
de  tu  papel.  ¿Qué  le  hace  a  tu  estilo?  En  resumen,  hay  dos  enfoques  para  
Escritura  expositiva:  la  escuela  "declara  tu  caso  claramente",  que  insiste  en  una  tesis  en  el  
muy  al  principio,  repetido  y  reforzado  en  cada  sección  del  ensayo,  y  el  "placer"  
of  discovery  "school,  que  recomienda  dibujar  en  su  lector  con  un  interesante  
abridor,  declarando  su  tesis  al  final  de  la  introducción,  o  incluso  más  desviada,  revelando  
poco  a  poco  para  que  amanezca  en  su  lector  completamente  solo  una  vez  que  haya  hecho  
Tu  caso.  Historiadores  del  arte,  atrapados  entre  las  ciencias  sociales  por  un  lado  y  la  literatura  sobre  
el  otro,  tiene  problemas  para  acordar  una  estrategia.  La  preferencia  personal  juega  un  papel,  y  una  
un  buen  enfoque  generalmente  se  dirige  entre  los  dos  extremos.  Pero,  sea  cual  sea  tu  estilo,  
ser,  vale  la  pena  discutir  con  el  lector  desde  el  principio  (le  llama  la  atención),  ya  sea  o  no  
están  listos  para  exponer  su  argumento  por  completo,  o  incluso  conocerlo  por  completo.  
Este  último  consejo  puede  molestar  a  los  lectores  que  piensan  que  uno  debe  saber  cuál  
desea  escribir  antes  de  escribir  Pero  los  conocimientos,  las  inversiones  y  los  nuevos  descubrimientos  son  
constantes  
hecho  mientras  escribes  Si  cambia  de  opinión  sobre  la  tesis  del  ensayo  sobre  el  
penúltima  página,  ¿debería  regresar  y  cambiar  todo?  Deberías,  si  el  nuevo  
la  perspicacia  hace  que  su  argumento  anterior  sea  simplemente  incorrecto  o  poco  convincente.  Pero  que  
si  su  nueva  visión  requiere  la  declaración  de  la  tesis  anterior  para  tener  sentido?  
En  tal  caso,  es  mejor  presentar  la  tesis  temprana  con  cautela,  como  una  hipótesis  y  no  
como  la  última  palabra  sobre  el  tema.  Luego,  al  establecer  su  posición  final,  usted  tiene  la  
oportunidad  de  presentarlo  como  un  refinamiento  de  su  punto  de  partida,  ya  que  se  ajusta  mejor  al  
hechos.  En  mi  caso,  comencé  con  la  afirmación  de  que  se  cree  que  los  Arhats  son  menos  que  santos  
(hipótesis  A),  y  en  mi  sección  central  argumentó  que  en  las  estatuas  de  Arhat  la  humanidad  y  
la  espiritualidad  coexiste  (tesis  B).  La  última  sección  concilia  estos  dos  no  del  todo  idénticos  
posiciones:  yo  sostengo  que  la  cultura  del  budismo  mahayana  vio  a  Arhats  como  parcialmente  humano  
y  por  lo  tanto,  menos  que  perfecto,  pero  eso  en  la  creación  artística,  esto  dio  como  resultado  un  realismo  lúdico  que  
los  convirtió  en  un  tema  popular  de  escultura,  en  lugar  de  enfatizar  su  segunda  clase  
estado  en  el  panteón.4  
Tal  cambio  en  la  tesis  no  es  malo,  si  se  agrega  a  su  explicación  de  las  obras  bajo  investigación.  
En  la  mayoría  de  los  casos,  una  simple  tesis  funciona  mejor;  pero  no  deberías  forzar  un  simple  
tesis  dogmáticamente  sobre  material  resistente.  Este  es  un  peligro  real  al  escribir  sobre  obras  de  
el  arte  porque  son  silenciosos,  por  así  decirlo,  en  comparación  con  los  textos  literarios.  Dado  que  la  tesis  es  tu  
invención,  debe  ajustarse  a  los  objetos,  no  al  revés.  
Reorganizando  
Tendremos  más  que  decir  sobre  los  comienzos,  las  conclusiones  y  los  argumentos  en  
el  capítulo  sobre  escritura  propiamente  dicha  Pero  dado  que  nuestra  estrategia  es  hacer  tanto  del  trabajo  duro  
de  escribir  lo  más  posible  antes  de  sentarse  a  escribir,  ahora  avanzaremos  
a  un  pasatiempo  complicado  pero  gratificante,  la  edición  y  revisión  del  material  existente.  A  
En  este  punto  del  proceso  de  escritura,  ha  buscado,  investigado  y  preparado  un  bosquejo.  
La  tarea  ahora  es  organizar  y  obtener  un  mínimo  de  control  sobre  la  pila  de  fotocopias,  
notas  manuscritas  e  imágenes  que  la  preparación  anterior  ha  proporcionado.  
Dos  elementos  son  cruciales  para  este  paso:  un  resaltador  y  un  archivo  de  texto  de  computadora.  El  marcador  
debe  mantenerse  a  mano  mientras  se  revisan  las  notas  manuscritas  de  uno,  sobre  uno  
notas  impresas,  pero  especialmente  sobre  fotocopias  de  libros  y  artículos  impresos.  Nunca  
destacar  en  un  libro  de  la  biblioteca  o  incluso  en  el  propio  libro;  no  solo  daña  la  tinta  
el  libro,  pero  todo  el  énfasis  añadido  hará  que  el  libro  sea  difícil  de  usar  para  lectores  posteriores,  
incluyéndote  a  ti  mismo  Las  copias  de  los  textos  que  necesita  utilizar  en  el  ensayo,  sin  embargo,  con  su  
filas  indiscriminadas  y  filas  de  escritura,  necesitan  desesperadamente  una  poda  y  énfasis:  
resalte  lo  que  le  parezca  interesante,  o  mejor  aún  lo  que  le  gustaría  
usar  o  citar  directamente.  (Basta  decir  que  una  página  donde  todo  está  resaltado  
no  es  más  útil  que  uno  donde  no  se  destaca  nada,  menos,  debido  a  los  residuos  
de  tiempo  involucrado.)  Luego,  arregle  los  textos  para  volver  a  leer  en  algún  tipo  de  orden  de  funcionamiento:  
usted  
pueden  agruparlos  si  tratan  el  mismo  problema,  y  organizarlos  de  acuerdo  
al  lugar  de  tu  ensayo  donde  planeas  usarlos.  Aquí,  el  bosquejo  
dicta  tu  orden;  uno  podría  mejorar  el  esquema  al  marcar  qué  textos  se  usarán  
debajo  de  cada  encabezado.  
Al  final  de  esta  operación,  el  alumno  tendrá  a  su  disposición  un  montón  de  
textos  anotados  listos  para  ser  consultados  en  la  redacción  del  ensayo.  Una  pila  es  la  mejor,  ya  que  
permitirá  al  escritor  mover  los  textos  ya  usados  a  una  segunda  pila  "usada",  donde  
pueden  ser  consultados  de  nuevo  si  es  necesario,  pero  donde  el  escritor  estará  seguro  de  que  
el  texto  no  se  ha  deslizado  a  través  de  las  grietas.  El  escritor  que  demanda  aún  más  organización,  
o  quién  se  siente  más  cómodo  trabajando  exclusivamente  en  la  computadora,  puede  omitir  
el  paso  de  resaltar  y  simplemente  transcribir  todas  las  notas  útiles  en  un  archivo  de  texto  (naturalmente,  con  
autor  completo  y  referencias  de  título  y  números  de  página,  ya  que  estas  cosas  son  diabólicamente  difíciles  
para  encontrar  luego).  O,  alternativamente,  puede  echar  otro  vistazo  al  montón  de  documentos  resaltados,  
transcribir  citas  importantes,  paráfrasis  y  resúmenes  en  un  trabajo  
Archivo  de  texto.  Este  archivo  proporcionará  una  tienda  de  datos  ordenada  y  editada  que  se  puede  incorporar  
directamente  en  el  ensayo  (con  las  comillas  y  referencias  correctas,  por  supuesto).  Va  a  
también  proporcionan  al  escritor  la  satisfacción  psicológica  de  tener  una  gran  cantidad  de  
texto  escrito  para  trabajar  con,  antes  de  la  composición  de  la  primera  oración  del  documento.  
Se  debe  aplicar  un  proceso  similar  de  transcripción  a  las  notas  escritas  a  mano  en  
imágenes.  Aquí,  uno  debe  respetar  las  observaciones  en  el  sitio  de  uno  que  se  relaciona  con  el  color  y  otro  
aspectos  físicos  del  trabajo,  pero  uno  no  está  atrapado  con  cada  interpretación  expresada  
en  esto.  Si  las  ideas  de  uno  sobre  el  arte  han  cambiado,  si  han  sido  flexionadas  por  
ideas  o  información  no  disponible  en  el  momento  de  la  toma  de  notas,  luego  revise  por  todos  los  medios  
estas  notas  para  reflejar  su  nueva  perspectiva.  El  resultado  final  será  un  conjunto  de  ingredientes  frescos  e  
inmediatos  
impresiones  templadas  por  un  período  de  pensamiento  y  discusión  con  uno  mismo  sobre  el  
tema.  Estas  notas  de  campo  revisadas  se  encuentran  entre  los  mejores  recursos  que  el  escritor  tiene  para  ella  
disposición.  Como  un  repositorio  de  pensamiento  visual,  están  en  el  corazón  de  cada  forma  de  arte  
escritura.  
El  espacio  del  escritor  
Estamos  prácticamente  listos  para  escribir,  pero  en  esta  etapa,  nuevamente  es  útil  hacer  una  pausa,  tomar  una  
respiración  profunda,  y  mirar  a  su  alrededor.  ¿Dónde  exactamente  estamos  escribiendo?  En  una  oficina,  una  
biblioteca,  o  
¿una  cafetería?  En  un  escritorio,  en  una  cama,  en  el  piso?  Cualesquiera  que  sean  las  circunstancias,  debemos  
tener  una  cierta  cantidad  de  espacio  a  nuestra  disposición:  espacio  para  la  computadora,  para  el  (o  
dos)  montones  de  notas,  y  especialmente,  espacio  para  imágenes.  
No  puedo  enfatizar  esto  lo  suficiente.  Como  todos  sabemos  por  las  películas  de  detectives,  la  memoria  puede  
ser  engañoso,  y  más  errores  se  insinúan  en  la  historia  del  arte  a  través  de  la  visual  
memoria  que  a  través  de  cualquier  otro  canal.  Y  esto  siempre  se  puede  evitar.  Casi  un  
Hace  un  siglo,  el  conocedor  y  erudito  del  arte  del  norte  de  Europa  Max  J.  Friedländer  
observó  que  la  historia  del  arte  se  escribió  una  vez  a  merced  de  objetos  vistos  años  antes  en  
tierras  lejanas.  La  fotografía,  a  pesar  de  todas  las  imprecisiones  que  introdujo,  hizo  posible  
escritores  de  arte  para  mirar  sobre  lo  que  escriben  mientras  escriben.  Sabemos  esto,  pero  nos  olvidamos  
con  demasiada  frecuencia,  sutilmente  revisa  las  imágenes  de  nuestra  imaginación  para  adaptarlas  mejor  a  nuestro  
argumento.  
El  resultado  final  es  la  escritura  visual  que,  lejos  de  proporcionar  evidencia,  es  tautológica.  Como  un  
remedio,  los  escritores  de  arte  deben  mirar  las  imágenes  que  discuten  al  menos  una  vez  por  párrafo,  y  
cada  vez  que  escriben  un  poco  de  análisis  formal,  o  transcriben  en  el  ensayo  una  visión  anterior  
observación.  El  resultado  no  será  una  gran  desaceleración  de  la  actividad  de  escritura,  sino  más  bien  
un  gran  aumento  en  la  precisión.  Uno  también  se  atascará  con  menos  frecuencia.  
¿Cómo  se  puede  lograr  esta  vigilancia  pictórica  en  la  práctica?  Mantenga  todos  los  libros  con  
imágenes  relevantes  abiertas  en  todo  momento.  Marque  las  imágenes  que  no  puede  mantener  visibles  con  
pestañas  adhesivas.  
Si  tiene  imágenes  almacenadas  en  la  computadora,  manténgalas  abiertas  también  y  déjalas  flotar  
detrás  del  texto  que  está  escribiendo,  evitará  más  de  una  equivocación  imaginativa.  
Escritura  
Estamos  al  límite:  la  escritura  real,  la  noche  antes  de  la  fecha  límite.  Ojalá  
más  temprano.  En  cualquier  caso:  escriba  todo  de  una  vez.  Esto  es  solo  un  ideal,  que  la  necesidad  puede  dictar,  
pero,  también  es  un  buen  consejo  en  general.  Detenerse  en  caso  de  emergencia  o  por  la  hora  de  la  comida,  
pero  no  te  detengas  para  charlar  con  un  amigo,  un  viaje  al  gimnasio,  o  simplemente  porque  "la  escritura  es  
va  bien."  
Esta  idea  de  escribir  tanto  como  sea  posible  en  una  sola  sesión  puede  sorprender  al  lector  por  extraño  
en  un  contexto  académico:  se  supone  que  es  una  escritura  desapasionada  y  deliberada,  no  una  
el  derramamiento  del  novelista.  Es  cierto,  pero  escribir  de  una  vez  tiene  dos  grandes  ventajas.  Primero  de  
todo,  en  un  trabajo  de  investigación,  se  espera  que  domine  y  tenga  a  su  disposición  una  cantidad  
de  material  externo  (las  notas  que  acabo  de  mencionar),  sin  mencionar  vívidos  recuerdos  de  la  
ilustraciones  vistos  y  otros  pensamientos  que  no  has  tenido  la  oportunidad  de  escribir.  Por  qué  riesgo  
¿Olvidando  ideas  cuya  frescura  en  la  memoria  es  evidencia  de  un  trabajo  ya  hecho?  A  
volver  a  un  papel  medio  escrito  es  tan  difícil  como  regresar  a  un  poema  medio  escrito.  Además  
Recuperando  el  estado  de  ánimo  de  la  escritura  inicial,  debe  volver  a  familiarizarse  con  un  universo  
del  discurso,  ¡y  aún  tienes  que  escribir  el  resto!  Es  mejor  terminarlo  (no  
en  el  último  minuto)  y  tómese  un  tiempo  extra  para  una  segunda  mirada  o  para  buscar  la  edición  externa.  
El  segundo  motivo  para  escribir  rápidamente  y  de  una  sentada  es  que  en  una  pieza  de  argumentación  
escribiendo,  la  coherencia  del  proceso  de  pensamiento  es  de  suma  importancia.  
El  novelista,  cuya  magnitud  a  menudo  no  permite  tal  coherencia,  hace  
una  virtud  por  necesidad:  las  inconsistencias,  los  retornos  y  las  omisiones  del  nuevo  espejo  
el  proceso  de  pensamiento  a  medida  que  se  desarrolla  en  el  tiempo  vivido.  Un  trabajo  de  término,  por  otro  lado,  
no  debe  reflejar  la  vida  sino  más  bien  elaborar  una  idea  específica.  Como  tal,  tener  todo  lo  que  uno  escribe  a  mano  
y  fresco  en  la  memoria  hace  que  el  académico  sea  más  coherente  y  seguro.  
prosa.  
Por  lo  tanto,  reserve  una  mañana  completa  o  una  tarde;  la  hora  del  día  de  la  escritura  no  es  
tan  importante,  siempre  y  cuando  no  tenga  un  avance  firme  (por  ejemplo,  planes  de  almuerzo).  La  razón  
no  tener  planes  firmes  por  delante  es  que  comenzar  requiere  un  poco  de  tiempo  y  usted  
no  apreciará  que  te  interrumpan  cuando  estés  empezando  a  cocinar.  Planificación  
adelante  ayuda,  pero  también  es  bueno  aprovechar  el  momento:  si  un  período  de  tiempo  se  abre  de  repente  
arriba,  por  supuesto  siéntate  y  escribe.  
Una  vez  que  está  físicamente  listo  para  escribir,  ayuda  a  entrar  en  el  estado  mental  correcto.  No  lo  haré  
prescribir  ejercicios  mentales  para  entrar  en  este  estado  (¡como  si  necesitaras  otra  cosa  para  hacer!)  
pero  simplemente  señala  los  síntomas  de  no  estar  allí.  Una  de  las  dificultades  con  
Escribir  en  la  era  de  la  informática  es  la  gran  variedad  de  distracciones  al  alcance  de  la  mano.  Muchos  
un  escritor  ha  visto  un  voto  solemne  de  escribir  convertido  en  una  hora  de  navegación  por  Internet,  tal  vez  
con  un  pensamiento  poco  entusiasta  de  "investigar  cosas  en  línea"  como  una  coartada.  Si  este  problema  
te  aflige  regularmente,  hay  contramedidas.  Desconecta  tu  internet  y  tu  teléfono,  
cierra  la  puerta  de  entrada  si  trabajas  en  un  dormitorio,  o  muévete  al  
biblioteca  o  algún  otro  lugar  de  estudio  ordenado.  Si  tales  medidas  no  funcionan,  usted  encuentra  
usted  mismo,  vuelve  a  encender  Internet,  conversa  con  amigos,  llama  a  su  madre  
luego  simplemente  cancela  la  escritura,  satisface  tu  impulso  social,  tu  curiosidad  ociosa,  o  lo  que  sea.  
No  obtendrá  menos  trabajo  y,  como  mínimo,  estará  más  relajado  
y  en  una  mejor  posición  para  escribir  en  un  momento  posterior.  
Titulación  Entonces:  ahora  estás  sentado  frente  a  tu  computadora,  con  todo  tu  material,  
y  no  hay  necesidad  de  evadir  el  trabajo.  Usted  tiene  música  inteligente  jugando  en  el  fondo-­‐  
o  silencio  ¿Dónde  empezar?  Al  principio,  por  supuesto,  que  para  la  mayoría  de  las  composiciones  
significa  un  título.  El  título  es  importante,  menos  para  el  lector  que  para  el  escritor.  Fortifica  
uno  y,  al  igual  que  el  propio  nombre,  le  da  a  la  obra  un  sentido  de  identidad  y  propósito.  
Así  que,  por  supuesto,  elija  un  título  si  le  ocurre  a  uno,  y  escríbalo  antes  de  comenzar  su  
ensayo.  Pero  si  un  título  perfecto  no  aparece,  no  se  demore.  Escribe  algo  en  la  parte  superior  
centro  de  la  página.  Regresarás  al  título  más  adelante,  y  la  mayoría  de  los  títulos,  incluso  los  grandes,  
cambiar  de  todos  modos  una  vez  que  se  completa  el  texto.  Ahora  desplácese  hacia  abajo:  ya  está  listo  para  el  
Introducción.  
Introducción.  Los  comienzos  en  la  vida  son  engañosos,  y  los  ensayos  no  son  diferentes.  El  literario  
el  erudito  Edward  Said  escribió  un  libro  completo  (el  primero)  sobre  las  implicaciones  intelectuales  de  
cómo  uno  comienza  un  libro.  La  dificultad  para  comenzar  es  que  el  tono  (estilo)  e  intelectual  
las  suposiciones  (contenido)  que  establezca  perseguirán  a  toda  su  empresa.  Tu  lector  
está  particularmente  alerta  aquí,  y  lo  que  aprenda  de  ti  al  principio  teñirá  su  percepción  
de  su  trabajo  posterior.  Es  como  si  tuvieras  que  entregar  el  ensayo  completo  en  esas  primeras  oraciones.  
No  es  de  extrañar  que  suframos  ansiedad  de  rendimiento.  
El  truco  para  pasar  una  introducción,  y  no  gastar  un  desorden  
cantidad  de  tiempo  haciéndolo,  es  ser  consciente  de  su  gran  importancia,  pero  también  para  tratar  
como  una  convención  o  ejercicio.  Esto  suena  paradójico  Tenga  en  cuenta  su  importancia:  guardar  
esa  frase  sorprendente  que  pensaste  en  la  ducha  para  el  final  del  primer  párrafo,  
o  para  la  primera  línea.  O  cocine  una  anécdota  de  sus  notas,  ahorrando  
todas  las  notas  al  pie  hasta  el  final  del  primer  párrafo.  O  cite  un  gran  poema  que  coincida  con  el  tema  de  su  ensayo.  
Estas  son  todas  las  posibilidades;  y  sin  embargo,  no  son  más  que  tuberías  
sueña  cuando  la  inspiración  no  brinda  el  "abrelatas  interesante"  correcto.  ¿Hay  alguna  manera  de  
para  forzarlo?  Es  decir,  ¿puede  comenzar,  valientemente,  sin  trabajar  durante  horas  en  una  gran  cantidad  de  
retórica  que  te  distraerá  de  la  tarea  que  tienes  por  delante  y  te  dejará  agotado  para  arrancar?  
Hay  dos  formas  de  apertura  que  tienden  a  causar  una  buena  impresión  y  no  lo  hacen  
requiere  un  estallido  salvaje  de  creatividad:  1)  declare  claramente  cuál  es  el  problema  histórico,  y  cómo  
lo  abordarás  2)  cita  un  amplio  pasaje  de  un  escritor  que  ha  tratado  coherentemente  con  
su  sujeto,  e  inmediatamente  participe,  sugiriendo  críticas  o  extendiendo  sus  ideas.  
El  objetivo  en  ambos  casos  es  impresionar  al  lector  con  la  importancia  del  tema,  y  
asegura  al  lector  que  eres  consciente  de  sus  complejidades  pero  que  tienes  algo  para  contribuir  
a  su  elucidación.  Solo  los  escritores  principiantes  afirmarán  que  resuelven  todos  los  problemas  relacionados  
a  un  tema,  o  de  lo  contrario  son  tan  modestos  que  no  mencionan  ningún  problema,  
mucho  menos  sugerir  una  solución.  Por  el  contrario,  al  trabajar  para  exponer  el  problema  de  manera  concisa,  
aclararás  tu  propia  respuesta  posterior.  En  la  historia  del  arte,  el  problema  puede  ser  tan  
básico  como  "¿qué  narrativa  cuenta  esta  pintura?",  aunque  usted  llegará  más  lejos  también  
preguntando  cómo.  
La  alternativa,  la  introducción  de  un  texto  líder  sobre  el  tema  y  el  problema  con  su  
conclusiones,  cumple  la  misma  función  básica.  El  texto  citado  indica  el  problema  y  una  
solución  preliminar  para  ello.  Sus  propios  comentarios  llaman  la  atención  sobre  la  insuficiencia  de  
esta  solución;  o,  si  admira  el  texto,  sugiere  una  nueva  forma  de  aplicarlo.  
Hay  que  tener  cuidado  al  citar  aquí:  ni  demasiado  (de  lo  contrario,  agotarás  el  
lector),  ni  muy  poco  (de  lo  contrario,  el  lector  no  obtendrá  el  contexto).  Un  párrafo  es  sobre  
derecho.  Uno  puede  comenzar  su  ensayo  con  la  cita  como  un  epígrafe,  o  mejor  aún,  uno  puede  
introduce  la  cita  en  las  propias  palabras.  "Sobre  el  problema  de  determinar  la  edad  de  
La  arquitectura  del  Antiguo  Reino,  el  arqueólogo  X  escribió:  ...  "Tu  lector  será  tratado  
a  un  pasaje  denso  y  consumado,  y,  confiando  en  que  proviene  de  una  fuente  venerable,  
quedará  aún  más  impresionado  con  sus  propias  adiciones  o  correcciones  a  lo  establecido  
sabiduría.  
El  cuerpo.  Digamos,  en  la  confusión  de  la  concentración,  has  escrito  tu  primer  párrafo.  
No  te  agrada,  ni  debería,  volverás  a  ella  una  vez  que  tengas  
terminado  el  ensayo  Por  el  momento,  es  importante  seguir  presionando:  y  como  hemos  indicado  
antes,  la  posesión  de  un  bosquejo  de  trabajo  hace  que  los  pasajes  intermedios  sean  mucho  más  fáciles.  
¿Sabes  lo  que  dirás  en  el  siguiente  párrafo?  Es  mejor  tener  un  plan  (I  
dirá  "A,  B,  soporte  B  con  B1,  luego  proceda  con  C")  que  simplemente  divagar  hacia  adelante  
de  un  pensamiento  anterior,  abriendo  un  nuevo  párrafo  cuando  el  anterior  también  ha  crecido  
largo.  Tal  enfoque  da  como  resultado  una  escritura  floja  y  redundante.  
El  método  continuo.  Con  el  esquema  a  la  vista,  hay  dos  formas  de  proceder  
a  través  del  cuerpo  principal  de  argumento  y  la  presentación  de  pruebas.  La  forma  más  común  
perseguido  consiste  simplemente  en  contar  la  historia  de  uno,  dejando  espacios  en  blanco  o  notas  en  lugares  donde  
se  deben  insertar  citas  de  becas,  análisis  visuales  involucrados  o  hechos  faltantes.  
Tal  procedimiento  tiene  la  virtud  de  no  interrumpir  el  tren  de  pensamiento.  Uno  simplemente  
escribe  a  través  de  cada  objetivo  principal  del  esquema,  pasando  al  siguiente  cuando  hay  
nada  más  que  decir.  En  situaciones  en  las  que  la  escritura  fluye  fácilmente,  este  método  impone  
de  manera  casi  inconsciente.  Sin  embargo,  tiene  un  serio  inconveniente.  El  problema  es  que  
bits  que  se  saltan:  el  tedioso  análisis  visual,  la  cita  involucrada,  las  cifras  exactas,  son  
exactamente  donde  radica  el  quid  de  su  argumento,  y  es  probable  que  sea  algo  intratable  
cuando  intentes  insertarlos  en  tu  texto  suave  más  tarde.  Esto  está  de  acuerdo  con  el  
principio  de  que  su  imaginación  tiende  a  distorsionar  textos  e  imágenes  para  facilitar  las  cosas  al  adaptarse  mejor  a  
su  argumento.  Naturalmente,  la  dificultad  se  evadió  al  recordar  incorrectamente  
un  hecho  o  imagen  vuelve  a  molestarlo  cuando  intenta  tratar  con  eso.  
El  método  aditivo.  La  alternativa  puede  parecer  seca  y  puntillosa,  pero  tiene  
la  sequedad  de  un  buen  rompecabezas.  También  funciona  como  un  "generador  de  ideas"  en  esas  situaciones  en  
que  la  escritura  no  es  natural  Esto  implica  la  interpolación,  según  el  
delinear,  todos  o  la  mayor  cantidad  posible  de  esas  cositas  difíciles:  notas  sobre  imágenes,  importantes  
citas,  fechas  y  otras  declaraciones  de  hecho,  en  el  esquema  básico,  agregando  solo  algunas  
notas  explicativas  (escríbalas  en  un  color  diferente  o  en  negrita  para  que  sean  fáciles  de  eliminar)  
más  adelante)  sobre  cómo  estas  islas  de  conocimiento  se  conectan  con  su  argumento  general.  
La  ventaja  de  este  enfoque  fragmentario  es  doble.  Primero,  se  sentirá  alentado  
por  la  aparición  de  información  bastante  considerable  cuando  un  documento  en  blanco  solía  
ser.  Los  'módulos  de  argumentos'  que  insertas  funcionan  como  un  esquema  incorporado:  son  lo  que  
realmente  tienes  que  trabajar  para  probar  tu  tesis.  Y  porque  no  están  gravados  
conectando  prosa,  podrá  ver  con  gran  claridad  qué  dificultades  
y  las  diversiones  te  esperan  en  el  próximo  paso  de  la  escritura.  Descubrirá  que  algunas  transiciones  
son  simplemente  demasiado  discordantes  (aunque  se  veían  bien  en  el  lenguaje  más  abstracto  de  
el  bosquejo),  y  los  barajará  para  producir  un  texto  más  lógico  y  más  legible  
secuencia.  
La  segunda  ventaja  de  comenzar  con  hechos  dispares  y  completar  el  argumento  como  
usted  está  de  acuerdo  es  que  va  a  discutir  con  más  cuidado  y  concentración,  sabiendo  exactamente  qué  hechos  
e  imágenes  que  necesita  para  conectarse.  No  solo  serás  más  agudo  en  tus  propias  paráfrasis,  
sabiendo  exactamente  lo  que  dice  esa  cita  en  lugar  de  lo  que  imaginaba  que  decía,  pero  lo  hará  
tener  una  señal  de  que  el  excursionista  siempre  falta:  sabrá  cuándo  es  hora  de  parar  y  
enfrentar  el  siguiente  grupo  de  pruebas.  
Discutiendo.  Cualquiera  sea  la  forma  en  que  uno  vaya  componiendo  párrafos,  vendrá  
momentos  en  que  la  única  forma  de  avanzar  es  a  través  de  hazañas  considerables  de  nuevos  pensamientos  
y  escritura  asistente.  Por  lo  general,  esto  se  debe  a  una  dificultad  lógica  encontrada  en  la  escritura.  
Cuando  esto  sucede,  no  significa  que  su  esquema  no  fue  lo  suficientemente  completo.  Pero  en  
pensando  en  cualquier  tema  una  vez  más,  especialmente  cuando  ese  pensamiento  tiene  lugar  en  
por  escrito,  inevitablemente  surgen  nuevas  ideas,  generalmente  en  conexión  con  nuevas  dificultades  causadas  
por  expresión  escrita.  Los  argumentos  son  siempre  más  simples  en  el  esquema.  Lo  mejor  que  puedes  hacer  
en  tales  circunstancias  es  reconocer  la  dificultad  de  su  posición  tan  honestamente  como  
posible  (los  lectores  encontrarán  esta  prueba  de  su  inteligencia,  no  debilidad),  y  para  proponer  
ya  sea  una  solución  de  acuerdo  con  su  tesis  ("pero  este  aspecto  inesperado  del  
la  pintura  no  es  incompatible  con  el  catolicismo  de  Giotto  ...  ")  o  bien  afirmar  claramente  que  el  
una  incoherencia  particular  aún  espera  una  solución.  
¿Qué  pasa  si  la  dificultad  impacta  negativamente  en  su  tesis?  Todo  escritor  argumentativo  
ha  experimentado  el  vértigo  de  tomar  un  giro  equivocado  y  parece  tener  que  discutir  el  
opuesto  a  lo  que  ella  quiere  en  general.  Como  con  cualquier  caso  de  perderse,  esto  requiere  
toma  de  una  decisión.  ¿Has  leído  el  mapa  incorrectamente  o  el  mapa  está  equivocado?  Ese  
es,  es  la  observación  nueva  e  inconsistente  una  débil,  que  simplemente  debes  eliminar,  
¿o  es  correcto  y  su  tesis  requiere  corrección?  Si  el  segundo  de  estos  es  el  caso,  
esto  no  es  motivo  de  pánico.  Si  ve  una  forma  de  cambiar  su  tesis  por  completo  para  adaptarse  a  la  nueva  
visión,  hazlo.  Y  si  la  vieja  tesis  parece  funcionar,  ¿espera  este  hecho  extraño  pero  cierto?  En  
en  tal  caso,  debe  calificar  su  tesis  donde  ocurre  la  discusión  aberrante,  si  el  
discusión  anterior  y  posterior  continúa  reteniendo  agua,  no  hay  necesidad  de  reescribir  
ellos.  La  experiencia  es  un  poco  estresante,  pero  una  vez  que  haya  terminado  el  trabajo,  
podrá  sentir  satisfacción  por  el  hecho  de  que  no  tenía  una,  sino  dos  ideas  sobre  su  tema.  
Concluyendo  Usted  ha  escrito  párrafos;  has  conectado  hechos  y  análisis  
con  tu  tesis;  es  posible  que  incluso  hayas  discutido  con  tu  tesis,  dejándola  desaliñada  
pero  más  robusto;  aún  así,  cuando  todo  está  dicho  y  hecho,  ¿cómo  terminas?  No  hay  libro  
en  las  terminaciones.  Esto  es  comprensible  ya  que  para  la  mayoría  de  las  personas  escribir  es  una  tarea  ardua,  y  el  
final  
es  simplemente  un  alivio.  Sin  embargo,  la  justificación  de  la  conclusión  merece  un  examen.  Digamos  que  tienes  
agotado  su  contorno.  Al  mirar  su  texto,  puede  que  incluso  haya  probado  su  tesis,  
o  en  nuestros  términos,  lo  sugirió  fuertemente,  estableciéndolo  por  completo  y  ofreciendo  un  fuerte  apoyo  
evidencia;  no  se  te  ocurre  nada  para  escribir.  Entonces  terminas  El  problema  con  el  
El  enfoque  de  "nada  por  decir"  para  terminar  es  que  la  convención  exige  un  párrafo  final,  
que  en  este  caso  es  generalmente  banal  en  el  extremo.  La  estrategia  de  estudiante  favorita  (profesores  
tienen  la  culpa  de  alentar  esto)  es  repetir  la  tesis,  cambiando  algunas  palabras.  La  impresion  
creado  por  tal  final  es  que  el  escritor  es  complaciente  con  su  tesis  y  tiene  
confundió  el  final  del  documento  con  la  prueba  incontrovertible  final  de  su  argumento.  
¿Hay  una  manera  más  inteligente  de  terminar?  Hay  varios.  En  caso  de  que  tengas  que  modificar  
su  tesis  sobre  el  curso  del  documento,  este  es  el  lugar  para  indicar  su  transición  intelectual.  
"Comenzamos  reclamando  A,  pero  el  examen  de  B  nos  llevó  a  reconsiderar  el  reclamo  como  C."  
Esto  es  honorable  e  imprimirá  en  la  mente  del  lector  el  desarrollo  intelectual  en  
el  papel.  También  evitará  la  objeción  de  los  lectores  desatentos  que  "contradicen"  
usted  mismo.  "Si  no  se  produce  dicho  cambio,  pero  su  tesis  es  difusa  o  tiene  muchas  partes  que  son  
nunca  declarado  juntos:  este  es  el  lugar  para  exponerlo  completa  y  brevemente.  Pero  si  tu  tesis  es  
claro  y  ha  surgido  varias  veces  ya  en  su  ensayo,  evite  la  repetición  a  sus  lectores.  
Termine  con  una  reserva  reflexiva  sobre  esa  tesis,  con  una  sugerencia  de  más  
trabajar,  con  una  nueva  visión  sobre  su  obra  de  arte,  o,  si  todo  lo  demás  falla,  con  una  broma.  
Edición.  Una  vez  que  haya  terminado  de  escribir  el  cuerpo  del  texto,  probablemente  pulirá  
el  trabajo  a  través  de  un  ritual  al  que  me  referiré  como  "retitulación".  Es  decir,  primero  volverás  a  examinar  
su  título  y  probablemente  lo  encuentre  torpe  o  inexacto.  Por  supuesto,  cámbielo  ahora  una  vez  
y  para  todos;  uno  mejor  no  se  te  ocurrirá  mañana.  Como  parte  del  cambio  de  nombre,  lo  hará  
también  eche  un  ojo  crítico  sobre  el  ensayo  escrito,  o  al  menos,  sobre  los  párrafos  iniciales.  
Me  gustaría  decir  que  uno  debe  leer  todo  el  ensayo  de  manera  muy  crítica:  esto  es  ideal,  pero  desafortunadamente  
difícil  de  hacer.  Usted  ya  conoce  su  argumento,  y  será  difícil  de  considerar  
todo  el  papel  con  un  ojo  escéptico  o  nuevo.  Pero  al  principio  al  menos,  lo  que  
escribió  en  un  estado  de  ánimo  bastante  diferente,  te  golpeará  como  lleno  de  pretensiones,  desperdiciado  
verborrea,  y  afirma  que  no  persigue  en  el  último  ensayo.  No  te  desesperes  y  
no  eliminar  al  por  mayor.  Pero  realice  pequeñas  mejoras  (la  regla  general  es  usted  
no  debería  eliminar  más  de  lo  que  agregue)  que  hará  su  introducción  más  fuerte  y  
más  reflexivo  del  ensayo  que  sigue.  
Si  "retitulando"  la  introducción  va  bien,  incluso  puede  estar  de  humor  para  una  
relectura  y  autoedición  Si  es  así,  continúe  leyendo  el  texto  en  su  computadora  o  imprima  
fuera,  corrigiendo  formulaciones  anteriores  como  mejor  le  parezca.  Verifique  también  otros  detalles:  son  
páginas  numeradas,  las  notas  a  pie  de  página  en  orden,  las  imágenes  numeradas  y  subtituladas?  Éste  último  
El  paso  es  crucial,  si  el  lector  debe  seguir  críticamente  su  argumento.  Si  llegas  al  final  
del  ensayo  de  nuevo,  o  darse  por  vencido  con  disgusto,  este  es  el  momento  para  una  lectura  mecánica  rápida,  
buscando  errores  tipográficos  Los  errores  tipográficos  son  pequeños  errores,  pero  restan  valor  a  la  ficción  del  
profesionalismo  
ese  es  el  alma  de  la  escritura  académica.  Desafortunadamente,  estás  tan  familiarizado  con  
su  texto  que  muchos  errores  tipográficos  se  deslizarán  por  usted!  No  hay  nada  más  por  hacer,  eres  
terminó  con  la  fase  de  escritura  y  debe  mostrar  el  ensayo  a  otras  personas.  
Refinamiento  
El  novelista  detective  G.K.  Chesterton  explicó  la  diferencia  entre  la  construcción  
y  la  creación  así:  el  objeto  creado  es  amado  incluso  antes  de  que  se  complete.  Aplicando  
esta  lógica  para  nuestro  ensayo  terminado,  podemos  entender  algunas  de  las  dudas,  el  miedo  y  la  vergüenza  
que  asisten  a  hacer  público  este  trabajo.  Pero  hazlo  público,  debemos  hacerlo.  
En  primer  lugar,  e  indispensablemente,  debemos  tener  un  amigo  u  otra  persona  corregida  corrección  de  la  persona  
el  manuscrito.  La  corrección  del  autor,  repetimos,  perderá  algunos  errores  flagrantes.  
Del  mismo  modo,  el  corrector  ortográfico  computarizado  perderá  ciertos  errores  sintácticos,  tales  
como  un  error  "suyo"  en  lugar  de  "es".  El  amigo  que  realiza  la  corrección  también  puede  hacer  comentarios  críticos,  
y  sugerir  revisiones  según  su  experiencia  y  nivel  de  participación  intelectual  con  
el  papel  lo  permite  Tales  comentarios  críticos  deberían  venir  libremente,  no  pueden  ser  exigidos.  
A  su  vez,  si  se  dan  sugerencias  de  edición,  el  autor  debe  darle  al  editor  la  cortesía  
de  tomarlos  en  serio.  
Una  vez  que  el  texto  ha  sido  revisado  por  otro  ser  humano,  y  siempre  que  el  
la  fecha  límite  no  nos  ha  robado,  lo  mejor  que  el  autor  puede  hacer  con  un  acabado  
y  el  ensayo  editado  es  ...  dejar  que  el  texto  sea.  El  maestro,  editor  u  otro  destino  final  
del  ensayo  probablemente  tendrá  más  que  decir  sobre  la  prosa  y  las  ideas.  Muchos  estudiantes  
descuidar  estos  comentarios  finales,  lo  cual  es  una  pena;  pero  si  el  ensayo  tiene  un  futuro,  en  un  
periódico,  por  ejemplo,  o  en  un  libro,  o  como  una  tesis  de  honor,  se  aconseja  al  escritor  que  se  entregue  a  un  
vacaciones  textuales  breves  (¡lea  una  buena  novela!),  antes  de  embarcarse  en  el  siguiente  grupo  de  escritores  
actividades,  cuyos  placeres  y  dificultades  desgraciadamente  están  más  allá  del  alcance  de  este  libro.